Emerge a finales del XVIII en Alemania de la Sturm und Drang que se inspira en la Tragedia griega.

Muchos de los artistas de la segunda mitad del XVIII tienen rasgos prerománticos y hay una gran confusión al respecto con las fechas, pues los manuales en su intento de sistematizar intentan generar un discurso de certezas y fechas que no se atiene a la realidad, etiquetando arbitrariamente épocas o artistas.

Los ejemplos más claros son el francés David y es español Goya (a ambos les dedico por separado un tema).

Ambos nacen en fechas cercanas, David en 1748 y el segundo en 1746 y ambos mueren en 1825 y 1828 y otra coincidencia es que ambos se exilian por motivos políticos y mueren fuera del país.

Lo relevante de ambos es que inician sus carreras dentro de presupuestos artísticos y estéticos tradicionales y tras una evolución se convierten en pioneros del arte de nuestra época.

A David se le clasifica en los manuales como el creador del Neoclasicismo cuando sus discípulos son todos Románticos, una incongruencia que salta a la vista.

A Goya dada la complejidad de su evolución y potencia de su genio, no se le adscribe a ningún estilo ni forma, pues habiendo experimentado todo se proyecta hacia el futuro

El paisaje es un soporte imprescindible en la creación artística contemporánea.

Mencionar el paisaje supone invocar al espíritu del jardín que es una imagen ideal del universo que cambia con el tiempo al ritmo de los cambios de sensibilidad.

Así el jardín paisajista es el jardín del liberalismo frente al más geométrico jardín barroco del absolutismo a diferencia del jardín paisajista que emerge del movimiento físico a imitación de la naturaleza y rechaza la vegetación recortada por la poda.

Este jardín ingles hace surgir el gusto por la naturaleza libre, con un ensalzamiento del paisaje campestre y los campos de cultivo, es lo que se conoce como gardenesque impulsado por Loudon en la primera mitad del siglo XIX.

El jardín romántico rechaza la mecánica racional de la geometría y la simetría y se identifica con la naturaleza, basándose en la poética del pintoresquismo.

Así el jardín es una mimesis de la naturaleza, imitando su libertad de formas, pero siempre desde la perspectiva conceptual del paisaje del momento.

Whaterly en Observation of modern Gardening dice que la naturaleza en su sencillez no emplea mas de cuatro elementos en la composición de sus escenas: el terreno, la vegetación, el agua y las rocas.

El individuo introduce el quinto elemento que son los edificios.

La particularidad de formas, tamaños, colores y composiciones de estos elementos determinan el carácter de un paisaje.

Los jardines románticos ingleses se caracterizan por la ruptura del orden, donde desaparecen los parterres, los juegos de simetrías, los laberintos del siglo anterior y dan paso a un estudiado descuido que crean la apariencia de una naturaleza anárquica.

Los paseos y caminos, las grandes avenidas escoltadas por arboles frutales como naranjos, grandes setos y esculturas tan característicos de los estilos italiano y francés, son sustituidos en el romanticismo, por caminos tortuosos aparentemente descuidados, por praderas y grandes espacios abiertos poblados de árboles colocados al azar.

Si la Ilustración vuelve al Renacimiento inspirándose en los canones italianos, el Romanticismo se retrotrae a la Edad Media.

Esta época se vuelve un referente para arquitectos y artistas por este motivo, por eso aparecen nuevos elementos como los castillos o la recreación de falsas ruinas dentro del jardín.

Desde finales del siglo XVIII y durante el XIX, los jardines románticos se extienden por toda Europa.

Alemania y Suiza son los países que mejor acogen esta nueva moda paisajística.

Lo exótico tiene lugar importante en esta época ya que comienza a desarrollarse el orientalismo, por lo que las alusiones a la cultura oriental son constantes y en ese jardín romántico se muestran templetes, vegetación japonesa y puentes para riachuelos.

Otro de los elementos imprescindibles del jardín romántico es el agua que incluye ríos y lagos artificiales buscando siempre la composición silvestre.

El sistema de valores artístico que predomina durante cientos de años en occidente comienza a descomponerse con la desaparición del Clasicismo y se inicia el arte contemporáneo que comienza desde inicios del XIX hasta ahora.

Este novedoso periodo ya no se rige con valores eternos y absolutos sino por valores cambiantes y relativos.

Tradicionalmente lo que hace que una obra sea considerada arte es la belleza, pero a partir de la crisis del clasicismo la belleza deja de ser algo importante, lo que implica que un artista pueda tratar un asunto repulsivo u horrible sin por ello dejar de ser considerado arte lo que hace.

El arte deja de estar constreñido por las reglas, con lo que estas se hacen mudables en función de las modas, con lo que hay una permanente evolución del gusto artístico y se busca lo moderno, que tiene connotaciones de inmediatez en su etimología.

Es un arte temporalizado que valora la calidad de una obra por las innovaciones que aporta, pero no tiene reglas fijas ni se puede prever su futuro.

A partir del Romanticismo se utiliza también el concepto vanguardia que es desafortunado.

Pero este movimiento que alcanza al arte y la literatura es muy impreciso en el tiempo, su cenit esta hacia 1930, pero cada país es diferente, y abarca diferentes fenómenos que llevan a confusión,

Por ejemplo desconfían del racionalismo humanista y autosuficiente (por las leyes de la razón) de la Ilustración, entre otras porque el romántico esta convencido que la creación tiene mas que ver con las fuerzas oscuras de cada individuo como el instinto y lo irracional.

Por lo que no consideraron negativa lo que los ilustrados consideraban un lastre como la religión, las tradiciones populares, las costumbres primitivas, el instinto y el afecto.

Desde un punto de vista político y social, la Revolución Industrial, arrasa el pasado, los referentes cercanos del individuo, desarraigándolos al tener que emigrar hacinados en pequeños espacios, lo que genera desamparo, perdida de identidad y efectos devastadores en la vida de la gente.

 Para algunos románticos la única forma de parar la barbarie del progreso es volviendo al pasado.

Para los románticos mas liberales el progreso no era tan negativo, pero ser redefinido en función de algunos de estos valores que el progreso había abolido como irracionales.

 Los románticos no recobraron el mítico pasado histórico nacional y además las civilizaciones y culturas no occidentales, cuyas diferencias no consideraron como primitivas ni inferiores, lo ven como una variación del género humano que no tiene porque ser homogéneo.

Es uno de los lugares más poderosos centros económicos que desde finales del Medievo retoman el comercio con oriente a través del Mediterráneo llegando a su cenit en el XVI.

Pero a pesar de todo este crecimiento Venecia decae en el siglo XVII en el que no solo se hace visible su ruina económica sino su cada vez peor calidad en el arte.

Y aunque la Republica Serenísima agoniza de forma repentina resucita artísticamente logrando de nuevo el mismo prestigio que en un tiempo anterior.

La causa es el turismo, un fenómeno de masas ya por entonces propiciado por el grand tour de los británicos del XVIII, los inventores del viaje por placer que convierte a esta ciudad en uno de los lugares que más polarizan el fenómeno.

Una ciudad con mucha influencia oriental, que al arruinarse no pudo seguir transformándose con lo que su aspecto de la época de esplendor queda intacto.

Los mejores talentos venecianos prosperaron en el XVIII al servicio del extranjero, fenómeno que acontece bien por los turistas que llegan a la ciudad y adquieren vedute o panorámicas venecianas o por el desplazamiento de los pintores locales a las mejores cortes de Europa, que sobre todo lo demandan para retratos o decoración.

La poética romántica es antecesora del espacio como soporte artístico aunque ya Kant hace presente el espacio en filosofía, es de destacar que el movimiento romántico emerge en Jena Alemania a comienzos del 1797.

El Romanticismo alemán que emerge del idealismo retoma rasgos de la cultura griega como reacción al rígido racionalismo francés, emergiendo como reacción a la Ilustración, formando también parte de ella aunque mute, aunque también sea de una época convulsa socialmente y de gran individualismo que coincide con la Revolución Francesa y mas tarde las guerras napoleónicas.

El Romanticismo es también instrumentalizado con fines políticos pues en esta coyuntura surge la idea de nación, lo que posibilita que países fragmentados como Alemania o Italia se cohesionen.

Desde un enfoque político el romanticismo es reflejo de la lucha por el poder que sostiene en la primera parte del siglo XIX el liberalismo burgués, este reflejo puede ser indistintamente liberal o reaccionario.

La idea de que el lenguaje natural, espontaneo y emocional no es una nueva concepción romántica, puede aparecer en la doctrina epicúrea de Lucrecio que en De Rerum Natura afirma que la poesía es la expresión natural del sentimiento.

El poeta romántico es un catalizador de la conciencia y sensibilidad social del momento, captando los ecos del desastre del progreso y haciendo que tenga repercusión social.

Muestran al lector los ambientes bucólicos, pastoriles y prerrománticos que presentan en sus composiciones y que son el germen de poesía que les sucede.

La decepción del poeta romántico ante su entorno le provoca el pesimismo que impregna la obra.

En este momento hay situaciones paralelas que conviven junto a movimientos sociales, que propician una realidad inestable en una atmosfera donde el entorno es protagonista.

Coexisten con un liberalismo depredador al que el Estado ha de poner freno, para evitar la inercia en caída libre, de la cada vez mayor distancia entre clases sociales, provocada por el falso automatismo e hipercontrol del mercado de la mano invisible de Adam Smith (que hacia que el mercado funcionara de forma automática) efectiva para aúna acumulación primitiva de capital, de una economía de mercado en expansión, de una metrópoli pujante, pero con un coste desastroso que conlleva.

Asi el poeta no es arbitrario en la elección de los temas a desarrollar y el poema se confecciona con minuciosidad artesanal, con un contexto de situación emocional limite que se constituye en perímetro.

Aun     que se incrementan los registros, esta elección recurrente de un nuevo paisaje al confeccionar un poema o una novela como la de Frankenstein de Mary Shelley, supone un distanciamiento de la realidad donde el autor genera un nuevo marco que delimita otro paisaje.

Hay una obsesión por viajar, la vida de los románticos es aventurera, por el escapismo y la gran fascinación por Oriente, así mismo estos viajes suponen la curiosidad de lo inexplorado, unas ansias de dominar el espacio.

Dice HAROLD Bloom en Los poetas visionarios del romanticismo inglés, que el poeta romántico, en su afán de un nuevo lenguaje mediante la experimentación se erige en intermediario entre lo trascendental y lo inmanente, como manera de oponerse a la profesionalización de la escritura.

La negatividad a la que aboca el destino trágico se contrapone por la acción, la praxis, lo que se percibe en la Modernidad del siglo XX, imbuido de funcionalidad y pragmatismo falto de ética.

El romántico lleva una mascara con la que se mimetiza en la atmosfera de un castillo abandonado, una ruina arqueológica o un cementerio para confeccionar un ubi sunt.

Se percibe a veces en la poesía al autor como un individuo que solo muestra una metáfora por el malestar del hombre moderno, mas que por un estado real de melancolía.

Actúa pues el poeta romántico como un catalizador del grupo social que apunta Hegel en la época, de la sensibilidad del momento captando los ecos de un desastre de progreso.

Hay en todo momento un ejercicio de perspectivismo de alguien que se sabe dotado de registros y que busca en la exaltación de la degradación un reencuentro con el ser y la nada.

Sin embargo, el hombre romántico se sabe controlador de su destino con la acción y gestión de si mismo en la confección de un personaje impostado como gran paradoja y también sabe que el ser todo lo impregna.

Para Maderuelo en Paisaje un termino artístico, el romanticismo pone la pintura de paisaje a la misma altura que la pintura de historia, que centrada en sus valores plásticos promueve el cambio hacia un nuevo concepto de la belleza moderna.

De igual manera esta analogía sirve para retratar un mundo que cada vez se  percibe mas inquietante y que no son capaces de reconocer,  y que solo puede ser explicado por el recurso poético.

La Literatura se encuentra implicada en la revolución romántica porque da visibilidad a las clases que producen y consumen literatura, es decir la clase media profesional.

En el romanticismo ingles hay también una constante de liberalismo frente al despotismo ilustrado, de originalidad frente al canon clásico, la obra imperfecta, abierta e inacabada, frente a la obra perfecta y acabada.

La prensa ante el triunfo del romanticismo abre sus puertas dando una gran atención y seguimiento mediático al fenómeno, abriendo sus paginas y festejando el éxito editorial, así la literatura por primera vez se populariza gracias al periodismo, algo novedoso.

El escritor/a románticos recepciona y desarrolla en sus obras temas contenidos en la novela gótica, ofreciendo nuevas lecturas de los mismos.

Los héroes románticos son rebeldes, personajes que nunca encuentran su lugar en el mundo: Ancient Mariner de Coleridge, Childe Harold de Byron o alguna de las creaciones de Blake como Urizen, son alguno de los ejemplos.

El recurso de la prosopopeya aplicada al paisaje hace posible el acercamiento a la sensibilidad romántica de la época que tiene adherencias con la tradición gótica.

La memoria es la herramienta introspectiva que utiliza la voz del poema para trasladar al poeta a un tiempo de ensoñación.

Los románticos utilizan la transgresión contenida en la novela gótica para explorar el lado oscuro de la realidad, así pués muchos de los personajes de la narrativa gótica comparten características con los héroes románticos.

También proyectan emociones al paisaje, por lo que la naturaleza se llena de tempestades, turbulencias, huracanes y bosques impenetrables.

Tiene sus antecedentes en William Collins, que es el poeta de la sensibilidad y el entusiasmo y hay un retorno a Shakespeare, Spencer y Milton.

Collins es un preludio a Keats, Blake o Wordsworth en una de las tradiciones de la poesía inglesa, la línea profética y protestante de Spencer que alcanza su punto culminante en la generación mas radical de Keats, Shelley y Byron.

Como he dicho todo lo que no sea pintura histórica son géneros menores, pero la pintura de escenas cotidianas y populares anónimas está arraigada en el norte de Italia desde el siglo XVI hasta el XVIII.

Según el Thyssen que hace una exposición de este autor destaca Pietro Longhi (1702-85) con unos cuadros de interiores domésticos venecianos, casas habitadas por burgueses que muestran otra cara diferente de Venecia.

Hace una crónica íntima y oculta de la ciudad, con un inventario visual excepcional, que se convierte en cronista al no poseer un sentido satírico de la pintura.

Hijo de Alessandro Falca, un pintor y orfebre activo en Venecia. Pietro Longhi es el artista de la burguesía veneciana durante el segundo tercio del siglo XVIII.

No existe ningún documento anterior a 1732, año en el que se casa en Venecia, según su hijo, el pintor Alessandro Longhi, Pietro se forma en el taller de Antonio Balestra, un seguidor de Carlo Maratta. También se ha sugerido un posible aprendizaje con Giuseppe Maria Crespi.

La trayectoria de Longhi está sin documentar entre 1734 y 1737, pero es en esos años cuando el artista abandona las composiciones históricas de sus inicios para comenzar a trabajar en pequeñas escenas de género.

En 1737 Longhi se inscribe por primera vez en la fraglia de Venecia, el gremio de pintores.

 Su cronología es difícil de establecer por la ausencia de fechas en su obras, no obstante,  se sabe que sus primeras composiciones en el género trataban temas de la vida cotidiana, como La Polenta, en Ca’Rezzonico, y escenas de bailes o tabernas, como El borracho, en una colección privada en Biella, o La pareja feliz también en Ca’Rezzonico.

En 1741 pinta El concierto, hoy en la Galleria dell’Accademia, Venecia, una escena de pequeño formato de colores claros y amables ambientada en el interior de una residencia noble de Venecia.

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 Destaca tambien en el retrato Rosalba Carriera (1675-1757) que utiliza el pastel y la miniatura, llegando a alcanzar fama por toda Europa, en concreto en Francia.

Dice el blog de Concha Mayordomo que Rosalba Carriera nace en Venecia (Italia) en 1675, su familia proviene de la baja clase media y de niña comienza su carrera artística realizando patrones de encaje para su madre, que se dedica a este comercio.

Los visitantes extranjeros destacados que acuden a Venecia, jóvenes hijos de la nobleza en su gran viaje y diplomáticos, rivalizan por ser pintados por Rosalba.

Entre los retratos de este primer periodo, se encuentran los de “Federico IV de Dinamarca”, los de las doce damas más hermosas de la corte veneciana, la Artista y su hermana Naneta y Augusto el Fuerte de Sajonia quien adquiere una amplia colección de sus pasteles.

Con la popularidad del tabaco en polvo, comenzó a pintar miniaturas para las tapas de las cajitas de rapé con graciosas figuras femeninas y fue la primera pintora que usó marfil con este propósito.

Es la primera en utilizar esa técnica, lo que dio a sus miniaturas la luminosidad que caracterizan sus obras, e igualmente, es la primera en no seguir las reglas académicas según las cuales una miniatura debía realizarse con trazos y puntos breves y bien amalgamados; en lugar de ello, Carriera utilizó el trazo veloz característico de la pintura veneciana.

Gradualmente comienza a pintar retratos, siendo pionera en el uso exclusivo del pastel para este fin.

En 1705, es aceptada como académico di merito por la Academia de San Lucas romana, un título reservado a los pintores no romanos, con la miniatura sobre marfil Fanciulla con Colomba.

En 1720 es admitida en la Academia de Bolonia.

Y al siguiente año, mientras esta en París como invitada del gran aficionado y coleccionista de arte Pierre Crozat, pinta a Watteau, a toda la nobleza y a la realeza, desde el rey, hasta el regente.

Por todo ese buen hacer es elegida miembro de la Academia Francesa por aclamación.

 Sus hermanas Angela y Giovanna, aunque particularmente Giovanna, la ayudaron en la pintura, para poder cumplir con los cientos de retratos que la encargan.

En la Corte de Viena retrata a varios miembros de la familia real y es recibida con mucho entusiasmo por gobernantes y cortesanos.

También hace un largo viaje a la corte del rey de Polonia, donde tiene como alumna a la Reina. El rey reune una amplia colección de sus obras que más tarde formaron la base de la gran colección de la galería Altemeister de Dresde (Alemania).

En Prideaux Place en Cornualles (Inglaterra) se conserva un retrato de Rosalba pintado por Humphrey Prideaux, en el que existe la leyenda de que escondió una carta de amor.

Carriera tuvo muchos amigos masculinos, pero no llegó a casarse.

De la serie de autorretratos que se conservan, destaca el de 1740 que forma parte de las colecciones reales de Windsor.

Los muchos autorretratos revelan un desarrollo psicológico y moral de la pintora, desde el que muestra la juventud y alegría del primero de 1709, conservado en los Uffizi, en el que se representa a sí misma mientras pintaba a su hermana, hasta el último de 1746, donde aparece envejecida y triste, que parece indicar su estado de ánimo poco antes de la operación sobre una enfermedad en la córnea.

Sufre dos operaciones pero no sirven de nada, hasta el punto de llegar a quedarse completamente ciega.

Sobrevive a toda su familia, pasando sus últimos años en su pequeña casa en el área de Dorso-Duro de Venecia donde transcurre gran parte de su vida.

Emerge en Venecia en el siglo XVIII y demandada por el público, la pintura denominada vedute, que pertenece a un género menor pues son panorámicas de la ciudad.

Una derivación del paisaje y también de la escenografía que aunque tiene muchos antecedentes sobre todo en la propia obra de extranjeros afincados en Venecia destacando Heinz, Ritchter, Gaspar van Vittel, italianizado como Vanvitelli (1653-1736), aunque quien de verdad influye en que arranque esta especialidad es  el urdinense Luca Carlevarijs (1663-1730).

El género se desarrolla a partir del fastuoso cortejo de los embajadores en el que se sintetizan varios elementos como la imagen de la ciudad, las procesiones, cortejos y marchas triunfales y gusto por lo exótico.

El representante del género es Giovanni Antonio Canaletto (1697-1768) que consigue el máximo de esta pintura y la difunde por toda Europa por el éxito conseguido en Londres.

Consigue una pintura exótica y sentimental, utiliza los recursos de la familia Bibiena que se dedica a decorados teatrales para urdir complejas perspectivas arquitectónicas en ángulo para facilitar la visión de panoramas grandiosos.

Al trabajar para turistas hace lugares pintorescos con procesiones, ceremonias y carnavales.

Es una crónica muy detallada.

Dice un catalogo de exposición del Thyssen que Canaletto aprende los principios de la pintura como decorador de amplias escenografías teatrales, oficio en el que ayuda a su padre, Bernardo Canal.

En 1719, en compañía de su progenitor, realiza un viaje a Roma, donde conoce la obra de un vedutista amante de las ruinas clásicas y de las grandes vistas, Giovanni Paolo Panini.

En su formación como pintor ocupan un lugar relevante, por la influencia que tienen sobre él, los trabajos de Luca Carlevarijs y Marco Ricci.

De vuelta a Venecia, en 1720, se inscribe en el gremio de pintores, en cuyo registro figura hasta 1767.

 En la década de 1720 se fechan sus primeras vistas de Venecia, correspondientes a encargos de Stefano Conti y del príncipe de Liechtenstein.

Su amistad con el cónsul británico Joseph Smith, principal cliente y difusor de su arte en Gran Bretaña, data también de esos años.

Entre 1740 y 1741 realiza un viaje por el río Brenta durante el cual ejecutó numerosos dibujos y pinturas.

 En 1746 se marcha a Inglaterra, donde permanece hasta 1756. De esta etapa son sus vistas de la campiña inglesa y de Londres.

En 1760 está de nuevo documentado en Venecia, ciudad en la que continuó su actividad pictórica, aunque se detecta ya una regresión en su capacidad creativa.

 Canaletto es nombrado, en 1763, miembro de la Academia de Pintura y Escultura.

A la altura de su pintura hay que situar sus trabajos como dibujante y grabador, entre los que destacan sus series de aguafuertes, como la dedicada al cónsul Smith, Vedute altre prese dai luoghi altre idéate.

Gran parte de su producción estuvo destinada a coleccionistas extranjeros que, a su paso por Venecia durante el Grand Tour, adquirían sus pinturas.

Italia es puntera en tradición desde los comienzos del Renacimiento en la decoración pictórica de Iglesias y palacios.

En Venecia hay una escuela local especifica cuyo último representante es Giovanni Battista Tiépolo.

Su obra es el final de una tradición de varios siglos atrás y su obra destaca por su sentido teatral y por una gran destreza en la pintura al fresco de la que Italia es patria ya que viene del tiempo de los griegos y más tarde los romanos.

Tiépolo es un artista rápido, brillante e inquieto con una gran capacidad de trabajo y sus obras aportan luminosidad.

Mediante la utilización de colores ligeros en veladuras sucesivas consigue una atmosfera limpia.

Sus frescos iluminan las estancias haciéndolas más amplias y alegres, lo que hace que tenga una gran demanda de trabajo de todos los decoradores del continente que requieren su presencia.

Desde los frescos para la catedral y el palacio arzobispal de Udine, confeccionados durante los últimos años de 1720 y comienzos del 30, los del palacio Casati-Dugnani de Milan (1731) o los del palacio Labia de Venecia (1740-1750) hasta la Kaiseraal en Wurtzbourg (1753), su progresión profesional es ascendente.

Es el más extraordinario pintor del XVIII que se casa con una Guardi, ilustre familia de pintores venecianos y es a su vez padre de dos buenos artistas, Giandomenico Tiepolo (1727-1804) y Lorenzo Tiépolo (1736-1776).

Su pintura al fresco envolvente tiene un decorado espectacular, que retrotrae a la obra de arte total soñada por los románticos posteriores y que Wagner piensa como misión y destino de la ópera.

Destaca su obra en Madrid donde es requerido por Carlos II, allí pasa sus últimos ocho años de vida según Calvo Serraller amargado por las intrigas de la competencia feroz de Antón Rafael Mengs (1728-1779) que es Neoclásico, es decir antagonista suyo y competencia directa.

Como genio que es, se puede permitir el lujo de vivir su época y adelantarse a la siguiente sin por ello desmerecer que es lo que hace.

El no logra triunfar en las capitales de moda por entonces como Paris o Londres, su clientela es local del Véneto y el norte de Italia, aunque triunfa en Baviera y mas al norte y su nombre llega hasta Suecia.

El concepto de paisaje no es universal, como indica Agustín Berque en pensamiento paisajero (Biblioteca nueva 2009) geógrafo y orientalista francés, no todas las culturas son culturas paisajistas.

Las culturas campesinas aun cuando son las notables creadoras y poseedoras de lo que Berque denomina pensamiento paisajero, no se han ocupado del paisaje nunca.

La contemplación del entorno requiere salir de él, verlo desde fuera, así Berque `plantea seis condiciones para la existencia de una cultura paisajista.

El primero sería que posea una literatura oral o escrita cantando o describiendo la belleza del paisaje, incluida la toponimia.

Segundo que diseñe jardines de recreo como representación estética de la naturaleza.

Tercero que erija una arquitectura planificada para disfrutar de esas preciosas vistas.

Cuarto que recree pinturas que representen el entorno.

Quinto que utilice uno o varios términos que signifiquen paisaje.

Sexto que desarrolle una reflexión explicita sobre el paisaje.

Mirando las condiciones, ni el mundo clásico griego, ni el romano, aunque con sus sofisticados jardines y frescos fueron paisajistas, en fin.

 Aunque el paisaje se muestra a la mirada a partir del siglo XV de manera simultánea con la pintura, el Humanismo Renacentista reinventa la literatura paisajística, partiendo de la actualización de Teócrito (siglo III antes de Cristo) y sobre todo de los poetas latinos como Virgilio (siglo I antes de Cristo).

Paisajes idealizados y bucólicos que proporcionan un reflejo idealizado de la existencia y muestran al individuo en unión a la naturaleza.

De ahí que la vid sea desde la antigüedad el paradigma de la civilización y de las primeras formas de exaltación del mundo grecolatino, tome la forma literaria bucólica pastoril.

El termino paisaje se incorpora a las lenguas europeas alrededor del siglo XV.

La difusión de la voz parece ligada a la difusión de la pintura, de las escuelas italianas y flamencas.

La pintura de paisaje en Occidente nace como genero independiente entre los siglos XVI y XVII.

El ejemplo es Caronte atravesando la laguna Estigia, de Joaquim Patinir.

Antes están las acuarelas de Durero que pinta lugares sin personajes como Paisaje cerca de Segonzano en el Valle Cembra o Estanque en el bosque.

En las pinturas del Quattrocento, el paisaje aparece en el centro donde convergen líneas de fuga que confierenprofundidad, equilibrio y realismo compositivo a la escena.

En Sandro Boticelli el fondo gana protagonismo hasta convertirse un siglo mas tarde en el protagonista del cuadro, por lo que el escenario donde acontece todo acaba siendo el tema en si mismo.

Desde entonces el paisaje se convierte en la imagen del territorio, en el fragmento de un universo imaginado que parte de un referente real.

El talante ingles observa el paisaje a través de asociaciones con el pasado y evalúa los espacios en función de sus conexiones con la historia.

O blessed bird! The earth we pace/ again apears to be/ an ubsustantial, faery place/ that is fit home for thee!.

Mantener un tipo determinado de paisaje equivale a mantener una forma determinada de entender las relaciones humanas con el entorno. Aunque el paisajismo es en inicio un género menor, por lo que en la Edad Media y renacimiento supone un fondo de escena de otros géneros.

Desde su origen en Oriente y Occidente el paisaje está ligado al arte, sobre todo a la pintura y la poesía.

El paisajismo es un término que emerge en el ámbito del arte, utilizándose en un inicio para designar un género pictórico, lo que condiciona el discurso.

Es también una construcción social y cultural, anclado en el espacio físico.

Las sociedades a través de su cultura transforman los paisajes naturales en paisajes culturales con lo que se identifica proyectando valores y sentimientos.

El paisaje también es cultura y por ellos algo vivo, dinámico y en continua transformación.

Así pués el concepto de paisaje lleva emparejado el acto de percibir y sentir el entorno.

El paisaje es más que el medio donde vive la gente ya que emerge en la interacción de ambos, son pues los grupos humanos los que lo crean.

En la Ilíada y en la Odisea Homero -ocho siglos antes de Cristo- recurre a setenta calificativos a los elementos y al paisaje y solo tres de ellos son de carácter cromático- En China la idea de paisaje existe desde la Antigüedad, la palabra Shatshui (montaña-agua) corresponde a un estilo temprano de pintura que representa el pensamiento de lugares naturales.

La tradición de Shan-shui comienza antes de nuestra era, Berque data la fecha alrededor del 440 en Introducción a la pintura de paisaje – Hua Shanshi de Zong Bing.

En China la pintura es considerada arte supremo, el pintor chino no representa la creación sino que participa en el arte de creación.

Francois Cheng no hace un estudio histórico sino filosófico, explorando el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta, a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china de universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento y al estado supremo al que el hombre debe tender.

Destacan dos poetas chinos que desempeñan un papel de iniciadores en la aparición del interés estético del paisaje son Tao Yuanming y Xie LIngyun.

En uno de sus paseos Xie Lingyun afirma que el sentimiento a través del gusto era la belleza, lo que Berque considera el nacimiento del paisaje.

Xie Lingyun es un devoto budista que se considera un poeta de la naturaleza, de hecho el que comienza la tradición poética china de montañas, ríos en contraste con la de campos y jardines.

En China y Japón el arte de la jardinería es anterior a la poesía del paisaje, por otro lado la religión sintoísta en Japón considera que la belleza artificial nunca puede ser sustituida por la belleza natural y sus templos se construyen en lugares muy bellos.

En Europa la idea de paisaje emerge más tarde a Oriente aunque con raíces lingüísticas mas tempranas, ya que las lenguas romances y germanas el concepto paisaje surge en el XVI.

En Italia paesaggio aparece por primera vez en una carta al pintor veneciano Tiziano dirigida a Felipe II.

Segunel geografo chino Yi-Fu-Tuan, la voz holandesa landschap que designa un grupo de granjas o campos cercados pasa a Inglaterra como landscape a finales del XVI y ahí adquiere el significado en arte, refiriéndose a la perspectiva recibida desde un punto de vista especifico y luego a la representación pictórica de la misma.

Podrían considerarse antecedentes tempranos de la idea de paisaje las descripciones poéticas de la naturaleza que en los siglos IX-X hacen los monjes ermitaños, retirados en las islas de Gales.

La primera experiencia del paisaje en Europa es la de Petrarca en 1336 a raíz de su ascensión al Mont Ventoux en Provenza.

Como antecedentes pictóricos europeos medievales y renacentistas están algunas obras de Giotto, Lorenzetti (s. XIII-XIV) y Bellini (s. XV).

Aunque son lienzos narrativos, el fondo del conjunto pictórico toma protagonismo mas tarde en las obras de Claude Gellée, Claude de Lorrain.

El paisaje se desarrolla a partir del siglo XVII en los Paises Bajos con pintores como Golzius, van Goyen, van Riusdael, Rembrandt y Avercamp.

Los dibujos de Hendrick Golzius son considerados los primeros paisajes autónomos.

Las causas que condicionan el desarrollo de la pintura de paisaje barroco holandés esta en el cambio de actitud y en la mirada de los artistas hacia la naturaleza influida por las ideas renacentistas, las ideas iconoclastas promovidas por la reforma protestante y el auge de la economía en aquellos lugares por entonces.

En el periodo de transición entre la Ilustración y el Romanticismo, se gestan las grandes construcciones sistémicas de la filosofía de la naturaleza que resuenan en las valoraciones éticas y estéticas del paisaje y emergen en las diferentes formas científicas que se acercan a su valoración e interpretación.

En el Romanticismo la pintura de paisaje adquiere con la poesía un valor singular porque las artes son el vinculo entre el hombre y el entorno.

Los poetas románticos recrean un paisaje artificioso enfocado a excitar el ánimo.

El tratamiento que los autores románticos confieren al paisaje, actúa como metáfora de la psique del personaje.

Pero la esencia es la poética del espacio que es el factor añadido y se constituye en reflexión del paisaje en representación de la naturaleza donde prima la observación, y no puede ser transmitido sin el lenguaje de la pintura, la poesía o el dibujo.

 En el núcleo de lo romántico esta la búsqueda de lo inaccesible.

Para Rafael Agullol el paisajismo romántico está lejos de ser una genérica pintura de paisaje porque es sobre todo la representación de una determinada comprensión de la naturaleza.

En este contexto surge la figura del pintor alemán Caspar David Friedich.

En el Reino Unido están los pintores de paisaje mas notables Joseph Mallord William Turner, Thomas Gainsborough y John Constable.

El trabajo de Turner esta considerado como un prefacio romántico de impresionismo porque experimenta y capta el instante, de hecho agota las fórmulas de la acuarela.

Este periodo se caracteriza por los singulares perfiles polifacéticos de artistas interdisciplinares que generan marcos científicos.

Destacan tres figuras para entender el papel del paisaje en la configuración de la reflexión científica a propósito de la naturaleza a lo largo del siglo XIX: Johan Wolfgang von Goethe, Alexander von Humboldt y Charles Darwin.

El paisajismo que inicia Humboldt combina de manera singular las dimensiones naturales y culturales del mismo.

Los tres desbordan la condición de literatos o científicos o quizás encuentran por ello en el paisaje un lugar de reflexión y de expresión de una forma nueva de ver el universo.

Unos años mas tarde, en la Landschafgeographie alemana se da una clara asociación de ideas entre paisaje y región, dos conceptos utilizados como sinónimos.

Alemaniaes la concienciadel pensamiento romántico, que deviene del idealismo y de la Sturm und Drang -20 años antes que el resto- que a su vez hunde sus raíces en la tragedia griega según Cristof Menkel, es una lucha interminable entre lo práctico y lo estético.

Tiene este país muy presente el postulado de Schiller sobre la capacidad de la naturaleza de conducir a un estado de éxtasis ajeno a la racionalidad y capaz incluso de provocar dolor por ser i imposible de asimilar, hablo de lo sublime.

Territorio, cultura, arquitectura, lengua, memoria constituyen la expresión y el activo de una colectividad que se le permite continuar existiendo en el tiempo, es importante ir mas allá de una visión monumentalista del concepto.

Dentro del patrimonio, el paisaje es una noción que nace del arte y es mas que el medio físico donde vive la gente, ya que remueve sentimientos.

Son los grupos humanos los que en interacción con el medio, construyen y perciben el paisaje, el paisaje no es algo pasivo.

Al igual que la sociedad el paisaje cambia, la sociedad lo transforma con su acción y a la vez el paisaje da sentido y significado a la sociedad en la que vive.

Dice Humberto Astibia que un paisaje no es un territorio o un lugar sino la representación del mismo, por lo que nuestra imagen del mundo depende de las configuraciones espaciales que quedan fijadas en el imaginario colectivo a través de la escritura.

Berque explica como durante siglos la ortodoxia cristiana solo permite la mirada interior, porque es el interior de cada uno donde Dios habita.

Mirar el paisaje es mirar hacia afuera, hacia el lado opuesto del que llama la obligación y este hecho condiciona que el paisaje no empiece a existir para los europeos hasta el Renacimiento.

Yi Fu Tuan relaciona el origen de la pintura paisajista europea con lo que él denomina el cambio axial producido por la cosmovisión europea entre 1500 y 1700 cambio en el que la concepción medieval de un cosmos vertical, jerarquizado y estratificado, de tiempo cíclico y articulado por un calendario de festividades, empieza a ceder el paso a una manera cada vez mas secular y lineal (flecha del tiempo) de representar el mundo con la presencia de un segmento plano horizontal de la naturaleza llamado paisaje.

Teniendo en cuenta que el paisaje es el resultado de una transformación colectiva de la naturaleza y la proyección cultural de una sociedad, habría que reflexionar si un contexto puede conceptualizarse.

Hay que subrayar que el contexto no es un hecho, sino el resultado de una interpretación, por lo tanto ideológico.

La historia dela literatura no es tan diferente de la historia de la ciencia, porque son historias de formas de conceptualizar y generar conceptos, no es mas que apoyarse en conceptos anteriores y cuestionarse aspectos aunque no presuponga una respuesta especifica o solución.

Sin la visión general que aportan los conceptos ningún conocimiento seria posible, aunque sin las exigencias de especificidad demandadas por el contexto y el contenido el universo seria un compendio de reglas rígidas.

Y eso es lo que ocurre en el transito del Clasicismo al Romanticismo, que por suerte los intelectuales son científicos y que a todos estos conceptos le dan un corpus, es decir transforman una sensibilidad particular de la época que viene de la antigüedad en un concepto que empuja al desarrollo de una idea que pasa a la modernidad.

Como dice Gaston Bachelard en La poética del espacio, el espacio captado por la imaginación no puede seguir siendo el espacio indiferente entregado a la medida y a la reflexión de la geometría.

Michel Linot en Sobre el paisaje, arte y naturaleza, dice que el paisaje es una forma de espacio y fuente de emoción fruto de la interacción entre sociedad y naturaleza.

Para el geógrafo norteamericano Denis Cosgrove, el paisaje denota la geografía tal y como se percibe, se retrata y se imagina.

Un poema siempre está ubicado en algún sitio pues no hay pieza literaria sin un concepto, excepto la utopía.

Dentro de la literatura concepto y contexto son inseparables y están en eterno conflicto.

Lin Yutan es uno de los principales introductores de la filosofía oriental en el mundo occidental y opina que la mitad de la belleza depende del paisaje y la otra mitad de quien lo contempla.

Para el paisajista catalán Joan Nogué el paisaje es un producto social, resultado de la transformación colectiva de la naturaleza, proyección social de cada sociedad en su espacio.

Un paisaje bucólico, pintoresco, ordenado, humanizado, verde y con bosques caducifolios conforman el ideal de belleza paisajística para la mayoría de los ingleses.

Dice Rafael Agullol hablando de lo sublime que es concepto estético del romanticismo, que para los pintores románticos es el paisaje, porque es el escenario que representa la tensión entre la naturaleza y el espíritu humano, también estudiados en este trabajo que son Joseph Addison, Edmund Burke e Immanuel Kant.

El paisaje se representa en el romanticismo sin figura humana y a través de él, el artista hace presente el ser.

El paisaje tiene carácter dinámico, sometido a continuas modificaciones, pues es el resultado de una transformación colectiva de la naturaleza y el hombre.

El paisaje poético de la naturaleza se nutre de fórmulas de la tradición retórica de la Antigüedad grecolatina, siguiendo los modelos de Homero, Virgilio y Ovidio.

Este modelo con influencia de la poesía bucólica de la Edad Media deja su influjo en la épica.

Así comienza la estandarización del espacio, expresado en tópicos como el de locus amoneus.

Durante el Renacimiento, el tratamiento del paisaje se basa en la Arcadia ideal y la vuelta a la naturaleza, el desprecio a la corte y la loa a la aldea.

Es a finales del XVIII a partir de la filosofía kantiana que define al espacio y al tiempo como formas indispensables para todo conocimiento, en el que se insiste en la importancia de la categoría del espacio.

Para Kant, tiempo y espacio no son realidades independientes, sino formas de sensibilidad.

El interés por los paisajes idealizados con una gran carga simbólica da lugar a una diversificación de géneros.

La figura mas destacada de esta corriente es el poeta ingles Alexander Pope con Windsor Forest.

Esta visión aparece repetida en los libros de viajes y es precisamente en estos relatos donde se puede ver el cambio de percepción estética a lo largo del siglo XVIII y XIX.

La incorporación de la montaña a la categoría de los paisajes culturales supone un giro del concepto de estética clásica de belleza.

Significa la irrupción de una estética romántica presidida por lo pintoresco, que es un termino que emerge con el sentido que se le da a la Ilustración británica.

El escritor británico Uvedale a finales del XVIII, lo estima a mitad de camino entre lo bello y lo sublime, su obra Ensayo sobre lo pintoresco, comparado con lo sublime y lo bello, describe lo pintoresco entre lo bello y lo sublime.

Señala los placeres derivados de lo pintoresco como estimulados por fenómenos como la irregularidad, la variación o la rudeza.

Aplicado generalmente a la naturaleza y al paisaje, es cualquier visión natural que seduce a los sentidos por cualquiera de las cualidades descritas, por ser irregular por su variedad o por ser una naturaleza agreste y salvaje.

El pintoresquismo gardenesque, es el componente principal del jardín ingles a lo que es el orden y la belleza en el jardín francés.

En el siglo XIX en Literatura es cuando el tratamiento del paisaje adquiere una naturaleza explicativa y simbólica, al ser soporte artístico en el siglo XX pasa aun primer plano en los intereses de la poética.

Los poetas ingleses asimilan enseguida estos autores y comienzan a incorporar estos conceptos en la estructura de sus obras y en sus temas.

El concepto paisaje inaugura nuevos recursos y formulas poéticas pictóricas, de distribución espacial en el jardín romántico en las que se percibe el cambio del paradigma que tiene lugar en el desarrollo de un nuevo estamento burgués que quiere conformar la realidad a su manera.

El determinismo al que el concepto paisaje aboca, organiza la composición y percepción del mismo, viene de la mano de un novedosos nacionalismo que imprime funcionalidad a la creación artística, para predisponer su  interpretación en aras de una mayor cohesión social que posibilite la unión de territorios diferentes unidos por una misma lengua y cosmovisión y de paso mejore la competitividad económica.

Pero a la vez ese novedoso recurso de contexto y distribución espacial esta condicionado en el siglo XIX, tanto por el elitismo dandy tanto como por el transgresor bohemio.

Dos caras de una misma moneda, fruto de la sociedad de masas que adviene donde la transgresión novedosa es una manera de singularizarse y cuyo resultado es una polifonía menos antitética de lo que cabría esperar.

Y aunque el paisaje este presente en otras épocas de la historia como recurso artístico nunca lo es con la fuerza e intencionalidad como la decimonónica que con el crecimiento económico demanda con intensidad una legitimidad artística desde la fabulación que reinvente un nuevo estatus y lo consolide.