Amantes (El poema de la almohada), Kitagawa Utamaro

Una pareja con la cara velada se abraza en una habitación que da a un jardín con terraza.

Se intuyen sus cuerpos desnudos a través de los pliegues del quimono de seda.

El grabado de tintas planas se basa en líneas fluidas muy liricas que definen las formas con gracia, sin sombras ni efectos de profundidad.

Utamaro, maestro de la Xilografía, es el primer artista japonés que alcanza fama en Occidente,

No le interesan ni los volúmenes, ni las poses naturales, a diferencia de la tradición occidental, sino las tintas planas.

Ejerce influencia en Degas, que busca una nueva forma de expresión y una nueva manera de percibir el mundo.

El poema de la almohada, este grabado, pertenece al mejor álbum erótico de Utamaro.

Estos lujosísimos álbunes contienen una asombrosa colección de grabados en color, que incluyen divertidas escenas de leyendas japonesas.

Después de la muerte de Utamaro, su alumno Koikawa Shuncho continúa produciendo estampas en el estilo de su mentor, y asume el  Utamaro hasta 1820.

Su obra se conoce como Utamaro II.

Después de 1820 cambia su  por el de Kitagawa Tetsugoro, y su obra posterior se conoce con ese nombre.

El Ukiyo-e hace referencia a pinturas del mundo flotante o estampas japonesas.

Género de grabados realizados en madera en Japón entre los siglos XVII y XX.

Tiene auge en las zonas urbanas de Edo, actual Tokio.

Reivindican su pertenencia exclusiva al Yamato (antiguo nombre del Japón), rechazando cualquier herencia que los vinculen con la pintura china.

Crean un arte típicamente japonés.

DP135641, 5/11/06, 12:10 PM, 16C, 6368×8098 (516+1284), 100%, Rona Copywork, 1/30 s, R98.2, G61.0, B58.2

Pintan la vida del pueblo con humor y ternura, incluso en la evocación de los paisajes se sigue esa línea.

Con él tienden a la burguesía un espejo en el que se ve reflejada.

Despreciada por la nobleza, esta escuela tiene éxito entre los sectores más populares. Contribuyen a divulgar las imágenes de una vida fácil, de un mundo efímero y móvil.

Los temas favoritos son generalmente amables, de la vida cotidiana, de mujeres, actores (Kabuki) o paisajes, entre los que destacan las vistas del Fuji. 

Se inspiran en los paisajes, en los ambientes del teatro y en los lugares de alterne.

Por su frágil belleza, expresan plenamente el mundo efímero que el Ukiyo-e desea captar por un instante, como hojas mecidas por el viento, el movimiento de las olas del mar, un gesto detenido a medio camino, etc.

A mediados del siglo XIX estos grabados y estampas llegan a París y los coleccionan artistas como Monet, Degas, Toulouse Loutrec.

Kitagawa Utamaro (喜多川 歌麿 (h. 1753 – 1806) es un pintor de estampas japonés, considerado uno de los mejores artistas de los grabados ukiyo-e.

Es uno de los pintores y grabadores más importantes de UKIYO- E. Muy admirado en occidente. Las bellezas femeninas de Utamaro, casi siempre de medio busto.

Se le conoce por sus composiciones de mujeres, conocidas como bijinga.

También hace estudios de la naturaleza, en particular libros ilustrados de insectos.
Su obra llega a Europa a mediados del siglo XIX, donde es muy popular, con especial aceptación en Francia.

Influye en los impresionistas, particularmente por su uso de vistas parciales, con énfasis en la luz y la sombra.

Los detalles biográficos de Utamaro son limitados, y cada referencia da una versión distinta.

No se sabe si nace en Edo, hoy Tokio, Kioto u Osaka, las tres principales ciudades de Japón, o en una ciudad de provincias, de la que nadie está seguro, alrededor de 1753.

Se supone nace en Yoshiwara, el distrito cortesano de Edo, hijo de la dueña de una casa de té. Su nombre auténtico era Kitagawa Ichitaro.

Es alumno del pintor Toriyama Sekien en su infancia y se supone que puede ser su padre

Vive en casa de Sekien mientras crece, y la relación continua hasta la muerte de Sekien en 1788.

En principio, Sekien es formado en el estilo aristocrático de la Escuela Kano de pintura japonesa, pero con el tiempo comienza a cultivar la escuela popular, o ukiyo-e.

Tiene otros alumnos, ninguno particularmente distinguido.

Utamaro, junto a otros japoneses de la época, cambia su nombre al crecer, y también asume el nombre de Ichitaro Yusuke cuando envejece.

Aparentemente se casa, aunque se sabe poco de su esposa, y no tiene hijos.

Su primer trabajo profesional, a los 22 años, en 1775, parece es la cubierta de un libro de kabuki bajo el nombre artístico () de Toyoaki.

Después hace grabados de actores y guerreros, junto a programas de teatro y otros materiales semejantes.

 1781, cambia su  por el de Utamaro, y comienza a pintar y diseñar grabados de mujeres.

1783, va a vivir con el joven impresor Tsutaya Juzaburo, con quien está 5 años.

Es el artista principal de la firma Tsutaya. Produce esporádicas estampas, pues se dedica a la ilustración de libros de kyoka, literalmente verso loco, una parodia de la forma clásica llamada waka.

1790 -1792, no produce nada o quizás se pierde todo.

1791 deja de diseñar ilustraciones para libros y se concentra en los retratos femeninos, más que los grabados de grupos de mujeres que hacen otros artistas ukiyo-e.

1793 logra reconocimiento como artista, y termina su acuerdo con Tsutaya Juzaburo. Después hace series de retratos femeninos, todos ellos representando mujeres del distrito Yoshiwara.

A lo largo de los años hace estudios de naturaleza shunga o erotica.

1797, Tsutaya Juzaburo muere, y se entristece mucho por la pérdida de su amigo y protector. Algunos comentan que su obra posterior nunca llegó a las alturas previas.

 1804, en la cúspide de su éxito, tiene problemas legales por publicar grabados sobre una novela histórica prohibida.

Los grabados, titulados Hideyoshi y sus 5 concubinas, representa a la esposa del caudillo militar Toyotomi Hideyoshi y sus concubinas y es  acusado de insultar la dignidad de Hideyoshi.

Es sentenciado a pasar 50 días esposado (algunos sostienen que cayó en prisión durante 50 días).

Esta experiencia lo traumatiza y abandona su carrera de artista.

fallece dos años después, el vigésimo día del noveno mes de 1806, a los 53 años, en Edo.

https://elblodgeilabasmati.com/blog-feed/page/53/

ABC del Arte, Phaidon

https://hmong.es/wiki/Utamaro

https://www.culturajaponesa.es/2016/estampa-de-utamaro-el-amor-escondido-vendida-por-745-mil-euros/

Muere Margaret Keane

Todo se convirtió en una bola de nieve, y era demasiado tarde para decir que no fue él quien los pintó. Siempre me arrepentiré de no haber sido lo suficientemente fuerte como para defender mis derechos

Con 94 años muere la artista estadounidense por una insuficiencia cardiaca, según anuncia su familia.

Nos entristece anunciar que Margaret Keane, La Madre de los Ojos Grandes, nuestra Reina, una Maestra Moderna y Leyenda falleció pacíficamente el domingo por la mañana en su casa en Napa, California. Tiene 94 años.

Keane es famosa por sus retratos de ojos grandes que se hacen muy populares en los años cincuenta y sesenta, hasta convertirse en un icono del kitsch.

Artista estadounidense reconocida por los grandes ojos de sus personajes que nace en

Nashville, Tenesse, 15 de septiembre de 1927 en Napa, California y muere el 26 de junio de 2022.

​En distintas epocas firma sus obras como Peggy Doris Hawkins, Peggy Ulbrich, MDH Keane y Margaret McGuire.

Es una retratista que pinta al óleo mujeres, criaturas y animales domésticos.

1927 Keane nace con el nombre Margaret (Peggy) Doris Hawkins en Nasville, Tenesse.

A los 10 años empieza en clases de dibujo en el Watkins Institute de Nashville.

De pequeña es conocida en la iglesia local por sus bocetos de ángeles con grandes ojos.

Desde siempre atribuye a la relación con su abuela su profundo respeto por la Biblia y la inspiración de su arte.

​ A los 18 años asiste durante un año a la Traphagen School Of Design en New York. Experimenta pintando kitsch.

Utiliza óleos y acrílicos para pintar mujeres, niños, gatos, perros y caballos.

Tras su primer matrimonio da a luz en 1950 a su hija Jane.

1955 se casa con Walter Keane, un agente inmobiliario aficionado a pintar, y continúa perfeccionando su técnica.

Al principio Walter, siendo un genio de la promoción y el marketing, va cada noche al local de comedia Hungry I de San Francisco y vende los cuadros de niños con diferentes fondos de la ciudad.

 1959 pinta su primer cuadro profesional.

Walter Keane cierra su negocio inmobiliario y se dedica a vender los dibujos y grabados de forma masiva en grandes almacenes, libros de cómic y revistas.

Estos cuadros, firmados Keane, hacen que el público interprete que el creador es Walter y no Margaret, aunque ella no lo sabe hasta tiempo después.

Margaret, bajo el nombre de su marido, es una de las artistas más populares en la década de 1960.

​La pareja aparece en la revista Life y realiza retratos e Zsa Zsa Gabor, Kim Novak, Adlai Stevenson, Natalie Wood, Robert Wagner, Joan Crawford, Liberance, Don Defore, Merv Griffen, Dean Martin, Helena Bohan Carter, Lisa Marie y Linda Cardellini.

Envía retratos a la Casa Blanca de John Jr. y Caroline Kennedy, así como de la familia de Jerry Lewis vestidos de arlequines.

Durante ese tiempo Walter Keane se autoproclama el pintor de los cuadros, mientras que la verdadera autora, Margaret, está encerrada pintando durante largos periodos.

​La timidez de Margaret hace que durante 12 años el público crea que los cuadros los pinta su marido.

Tras un tiempo observando cómo Walter se lleva el mérito, Margaret decide personalizar su discurso, diferenciando así la obra firmada como Keane de esta nueva, firmada como MDH Keane.

Walter la amenaza con matarla a ella y a sus dos hijas si cuenta que ella pinta los cuadros.

​En la década de 1960 Keane se convierte en uno de los artistas más populares y comercialmente exitosos de su tiempo.

1965 Margaret se divorcia de Walter y ambos reclaman los derechos sobre los cuadros.

Ella declara que era la verdadera artista, pero Walter no reconoce nada.

1970 Margaret reta a Walter para pintar frente al público en la San Francisco’s Union Square pero él no se presenta.

Margaret pinta uno de sus cuadros característicos frente a una multitud mientras suena High Noon (Solo ante el peligro) creada por Dimitri Tiomkin.

 Tras dejar a Walter, se muda a Hawai donde después de acercarse a la astrología, análisis de escritura y la meditación trascendental, se hace Testigo de Jehová.

 1986 demanda a Walter Keane y al periódico USA Today por un artículo en el cual afirman que las obras pictóricas son creación exclusiva de Walter Keane.

​ Ya en el juicio, el jurado pide a los dos que pinten un cuadro con su estilo característico.

Margaret Keane pinta un cuadro en 53 minutos.

Walter Keane no pinta nada debido a un supuesto dolor de hombro.

El jurado falla a favor de Margaret y le permite firmar sus obras como Keane.

También condena a Walter Keane a una retribución de 4 millones de dólares por daños emocionales y menoscabo a su reputación.

Dos de sus pinturas aparecen en la película de 1962 Whatever Happened to Baby Jane.​ También aparece un cuadro en la película My Girl (1991), en la habitación de Vada.

En la comedia futurista El dormilón de Woody Allen la gente del futuro considera las pinturas de Kane como la máxima expresión del arte, junto con los poemas de Rod McKuen´s y la música de Xabier Cugat, a modo de burla de la cultura popular de los años 70.

1977 en Encuentros en la tercera fase de Steven Spielberg un cuadro con ojos grandes está colgado sobre el piano de Neary, presagiando la posible aparición de los extraterrestres.

Varias veces Margaret Keane rechaza vender los derechos para hacer una película sobre su vida.

Los concede a los guionistas Scott Alexander y Larry Karaszewski porque van a tener un control absoluto sobre la película, que se hace once años después.

​2014 se estrena la película Big eyes basada en la vida de Margaret Keane,dirigida por Tim burton sobre guion de Scott Alexander y Larry Karaszewski, los mismos guionistas del film Ed Wood

 El director de cine Tim Burton reconoce su pasión por la obra de Keane y la gran influencia que ha ejercido en sus obras a lo largo de su vida, algo que se puede apreciar en los rostros de los personajes de The Nighmare Before Christmas y Corpse Bridge.

Margaret Keane es interpretada por Amy Adams y Walter Keane por Christoph Waltz.

En la película también participan Danny Huston, Kryste Ritter, Jason Schwartzman y Terence Stamp

​ Originalmente el papel de Margaret lo va a interpretar Reese Witherspoon

 pero al estar embarazada no lo puede hacer.

Margaret Keane – Wikipedia, la enciclopedia libre

Muere Margaret Keane, la pintora de los ojos grandes que encandiló a Tim Burton (abc.es)

Margaret Keane, la artista que Tim Burton llevó al cine, murió a los 94 años (culturacolectiva.com)

Margaret Keane, ‘big eyes’ artist whose husband claimed works were his own, dies at 94 (msn.com)

Margaret Keane, artista cuyas pinturas de ‘Big Eyes’ fueron pasadas como suyas por su marido controlador – obituario (msn.com)

Alberto Giacometti, Hombre caminando

Desde siempre, la escultura, la pintura o el dibujo han sido para mí medios para comprender mi propia visión del mundo exterior, y sobre todo del rostro y del conjunto del ser humano

El hombre que camina  (Walking Man), Alberto Giacometti (1901 -1966), Existencialismo, 1960 (París, Francia), Bronce, 180,49 x 26,97 x 96,97 cm, Carnegie Museum of Art, Pittsburg, EEUU.

junto con el Guernica de Picasso o la Columna sin fin de Costantin Brancusi, está considerado como icono del arte moderno del siglo XX.

Un hombre flaco, alto, delgado, camina hacia adelante.

Dice Jean Paul Sartre que las esculturas anoréxicas de Giacometti están a mitad de camino entre el ser y la nada.

El hombre que camina es hecho en 1961.

A través de su delgadez expresa soledad y subraya fragilidad y la naturaleza efímera de la existencia humana.

A diferencia de otros escultores, Giacometti no devasta, sino que añade arcilla a una estructura metálica para después el vaciado.

La pieza de 1.80 metros de altura fundida en bronce, se produce justo después de que el artista sea expulsado del grupo surrealista ideado por Andre Breton, además del triste fallecimiento de su padre.

Durante cierto período quise aferrarme al volumen, y las proporciones se volvieron tan pequeñas que desaparecieron. Entonces quise ceñirme a una cierta altura, y las proporciones se volvieron más estrechas… todo lo que puedo decir es que una cabeza o un cuerpo con proporciones que no son las reales parecen más vivas que las que tienen proporciones reales… Tienes una cierta cantidad de arcilla, y al principio sientes que has dado más o menos el volumen correcto. Y luego, para hacerlo más real, la vas quitando… podrías estirar la obra hasta el infinito. Si trabajas un pequeño grupo de arcilla, parece hacerse más grande. Cuanto más lo trabajas, más grande se vuelve

Hoy está en el Museo Carnegie de Arte en Pitsburg, Pensilvania, Estados Unidos.

Para simbolizar al ser humano, modela a este personaje filiforme, cuyas extremidades se alargan, potenciando su delgadez.

Con ello transmite una sensación de fragilidad, pero a la vez de determinación.

El singular estilo expresivo de Giacometti lo mantiene alejado del estilo de pintura y escultura dominante después de la Segunda Guerra Mundial.

La escultura, considerada surrealista, es de bronce y mide 1.83 metros.

La idea original surge en 1960 cuando le piden que realice unas piezas para la vereda del edificio del banco Chase Manhattan en Nueva York.

Crea varias esculturas, entre ellas El hombre que camina.

Tiene diferencias con el proyecto y decide abandonarlo.

Al año siguiente, la funde y la exhibe en la Bienal de Venecia donde recibe el Leon de Oro.

Todos los presentes quedan fascinados. Es catalogada de existencialista. Con el tiempo se convierte en uno de los íconos del arte moderno.

Hace después algunas piezas más usando de modelo a la original que presenta en Venecia y hoy está en el Museo Carnegie de Arte en Pitsburg.

Una está en una colección privada, otras pertenecen a la Fundación Maeght en Saint-Paul y la Galería Albright-Knox en Búfalo.

Al parecer estas figuras anoréxicas vienen de cuando el escultor cuenta 37 años. En París se despide de su amiga modelo Isabel Lambert y la observa alejarse. 

Ve cómo se hace cada vez más pequeña, pero sin perder intensidad y conservando intacta su propia identidad.

Ahí tiene claro su objetivo que es llegar donde la forma humana empieza a disolverse sin desparecer totalmente.

Sartre lo define como el artista existencialista perfecto a mitad de camino entre el ser y la nada.

Giacometti forma parte de varios movimientos artísticos vanguardistas del siglo XX entre los que se encuentran el Cubismo y el Surrealismo.

No obstante, a partir de los años cincuenta se interesa por el existencialismo, influencia visible y muy clara en su obra titulada El hombre que camina

Alberto Giacomettinace en Borgonovo, Val Bregaglia, en Suiza, cerca de la frontera italiana, en 1901.

Crece en un ambiente de artistas: su padre, Giovanni Giacometti, es un pintor impresionista, y su padrino, Cuno Amiet, un pintor fauvista.

1922 se establece en Paris.

En la escultura encuentra la forma de representar el mundo como lo siente.

No se trata simplemente de imitarlo, sino de aportar una mirada sobre él.

Una vez construido el objeto, tengo tendencia a redescubrir en él, transformadas y desplazadas, imágenes, impresiones, hechos que me han conmovido profundamente (muchas veces sin saberlo), escribió Alberto Giacometti sobre su experiencia con la escultura. 

El hombre que camina la hizo a los cincuenta años, en su edad madura y experimentada. Muere en Coira, Suiza, en 1966.

2010, la segunda edición de la serie, la que hoy está en una colección privada, se convirtió en una de las obras de arte subastadas más caras de la historia: 104,3 millones de dólares.

No existe espacio, tiene que ser creado… Cada escultura basada en la suposición de que existe el espacio está mal, sólo existe la ilusión del espacio 

https://historia-arte.com/obras/el-hombre-que-camina

https://www.infobae.com/cultura/2020/10/31/la-belleza-del-dia-el-hombre-que-camina-de-alberto-giacometti/#:~:text=La%20escultura%2C%20considerada%20surrealista%2C%20es,ellas%20El%20hombre%20que%20camina.

https://www.jmhdezhdez.com/2022/01/el-hombre-que-camina-giacometti-escutura.html

El ABC del Arte, Phaidon

Trianart

Alberto Giacometti, un “charlatán sin remedio” que admiró e inmortalizó a las prostitutas (elespanol.com)

Conoce más sobre Giacometti (supercurioso.com)

Giacometti surrealista: terror psicológico en el objeto (masdearte.com)

Conoce más sobre Giacometti (supercurioso.com)

Giacometti, el artista que no sólo esculpía en bronce (expansion.com)

Los seres sin sombra de Alberto Giacometti. – líneas sobre arte (lineassobrearte.com)

giacometti/#:~:text=La%20escultura%2C%20considerada%20surrealista%2C%20es,ellas%20El%20hombre%20que%20camina.

https://www.jmhdezhdez.com/2022/01/el-hombre-que-camina-giacometti-escutura.html

Alberto Giacometti: esculturas de la terrible soledad (culturacolectiva.com)

Guerrilla Girls ¿Arte o activismo? LAS VENTAJAS DE SER UNA MUJER ARTISTA

Trabajar sin la presión del éxito

No tener que compartir exposiciones con los hombres

Poder evadirte del mundo del arte en tus 4 trabajos free-lance

Saber que tu carrera puede despegar después de haber cumplido los 80

Tener la seguridad de que cualquier tipo de arte que hagas será etiquetado como femenino

No verte atrapada en ningún puesto de profesora titular

Ver tus ideas vivas en la obra de otros

Tener la oportunidad de escoger entre carrera y maternidad

No tener que asfixiarte con un puro o pintar con un traje italiano

Tener más tiempo para trabajar cuando tu compañero te deja por otra más joven

Ser incluida en versiones revisadas de la historia del arte

No tener que soportar la vergüenza de que te llamen genio

Salir en las fotos de las revistas de arte con un traje de gorila

1985 se reúnen en una manifestación casi un año antes de formar Guerrilla Girls. 

1985 el MOMA (Museum of Modern Art) de Nueva York celebra una exposición de arte contemporáneo titulada An Internacional Survey of Painting and Sculpture.

Delante del museo se manifiesta un extraño grupo contra esta desigualdad, son mujeres, llevan máscaras de simios y se hacen llamar Guerrilla Girls.

Comparten un sentimiento de frustración al comprobar que a finales de siglo las diferencias entre los sexos persisten y las mujeres artistas continúan sin tener respeto.

Protestan contra la exposición del MOMA por decir que se trata de los artistas más importantes del momento, ya que entre ellos hay 169 hombres y 13 mujeres.

Tras esto piensan que deben hacer algo para llamar la atención al respecto.

Su primer trabajo es desplegar afiches en las calles de Nueva York para denunciar el desequilibrio de género y racial de los artistas representados en galerías y museos.

Se convierten en la conciencia del mundo del arte, con ingenio, descaro y mucha ironía

​En 1989 colocan un cartel frente al Metropolitan Museum de Nueva York que dice:

¿Tienen las mujeres que estar desnudas para entrar en el Met. Museum? Menos del 5% de los artistas en las secciones de Arte Moderno son mujeres, pero un 85% de los desnudos son femeninos.

El cartel contiene una reproducción de la Gran Odalisca de Ingres, imagen archiconocida dentro de la tradición iconográfica del desnudo femenino.

Su elección supone una crítica hacia el estereotipo de la mujer como objeto de deseo. Además, la odalisca de las Guerrilla Girls no se contenta con ser relegada a mero sujeto pasivo, sino que se subleva ante esta situación y lo hace colocándose, como sus creadoras, una máscara de gorila.

Guerrilla Girls es un colectivo artístico anónimo de artistas feministas y antirracistas

Como mucho de sus proyectos primero aparece como poster en las paredes del Soho y el East Village de Nueva York

Mediante el uso de datos estadísticos, el buen humor e imágenes chocantes, trabajan para sacar a la luz los prejuicios étnicos y de género en el mundo del arte.

Sus carteles, pegatinas, videos, libros e intervenciones en museos se apropian del lenguaje visual de la publicidad para atacar esas prácticas discriminatorias.

Sus integrantes siempre llevan mascaras de gorilas en público y adoptan nombres de artistas y escritoras famosas para ocultar su identidad (Kathe Kollwitz, Alma Thomas, Rosalba Carriera, Frida Kahlo o Hannah Höch etc).

En Las ventajas de ser una mujer artista hay 13 puntos que son casi una declaración de principios que parecen enumerar las ventajas de ser una mujer artista, como revela su tono irónico, que en realidad hablan de la marginación femenina en el mundo del arte.

Creado por el grupo Guerrilla Girls es uno de los 30 diseños publicado en su serie de obras Guerrillas Girl Talk Back.

El grupo surge en Nueva York en 1985 y se denomina así por usar en su activismo tácticas de guerrilla, entendida como guerrilla de comunicación para denunciar la discriminación de las mujeres en el arte

Lo primero que hacen es colocar carteles y hacer apariciones públicas en museos y galerías de Nueva York, para denunciar que algunos grupos de personas son discriminados por motivos de género y raza.

Lo hacen de forma anónima, de hecho, en todas y cada una de estas apariciones, cubren sus rostros con máscaras de gorila (esto se debe a que la pronunciación inglesa de gorila es muy parecida a la de guerrilla) y, además de eso, utilizan como sobrenombre el nombre de artistas mujeres ya fallecidas.

Según ellas mismas es más importante el objetivo de sus actividades que su propia subjetividad:

Queremos poner el foco en nuestros objetivos, no en nuestra identidad o en las obras de cada una de nosotras

Todas las declaraciones del grupo se sitúan dentro del feminismo, pero desde una perspectiva de reinvención del feminismo.

Uno de sus eslóganes es reinventing the f word,  hace referencia a la palabra feminismo, pero al mismo tiempo, es un juego de palabras, puesto que en inglés f word se utiliza para la palabra f*ck.

Al principio quieren expandir los límites de su feminismo, se interesan en problemas en los que ningún o ninguna teoría feminista se había interesado aún.

Por ejemplo, el anticolonialismo y el racismo tienen mucho peso en sus planteamientos.

En esa reinvención del feminismo, las Guerrilla Girls se sirven del humor no solo para luchar contra el estereotipo de la feminista enfadada y severa, sino para atraer al público también hacia su mensaje. 

​Es precisamente ahí donde sus máscaras de gorila cobran más sentido; por ejemplo, en el cartel Do women have to be naked to get into Met museum? (¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar al Museo Metropolitano?

A lo largo de los años, expanden su activismo a Hollywood y la industria del cine, la cultura popular, los estereotipos de género y la corrupción en el mundo del arte.

Las miembros del grupo originario siempre llevan máscara de gorila y, ocasionalmente, minifaldas y medias de red.

Ellas comentan que nadie en su entorno (ni familias, ni compañeros, ni maridos, ni esposas) conocen su identidad, a excepción, dicen irónicamente, de sus respectivos peluqueros.

Además de la identidad de sus miembros, su número exacto se desconoce, aunque declaran que más de 55 artistas han formado parte del grupo.

http://www.guerrillagirls.com (Página web oficial de Guerrilla Girls Inc.)

GUERRILLA GIRLS: CUANDO EL ACTIVISMO Y EL ARTE CONFLUYEN,4 de febrero de 2021

Alba Peñasco

ABC del Arte, Phaidon

https://perifericas.es/blogs/blog/guerrilla-girls-cuando-el-activismo-y-el-arte-confluyen

https://www.esquire.com/es/actualidad/a19670836/guerrilla-girls-podria-estar-banksy-detras-de-una-mascara-de-gorila/

https://perifericas.es/pages/itinerario-humanstico

https://es.wikipedia.org/wiki/Guerrilla_Girls

https://www.mujeresenred.net/spip.php?article1566

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/8-arte/402-guerrilla-girls-o-la-conciencia-del-mundo-del-arte

https://www.publico.es/culturas/guerrilla-girls-guerrilla-girls-revolucion-mujeres-artistas.html

Misterios de Jan Vermeer, Mujer de azul leyendo una carta

Una joven embarazada de pie, lee una carta, seguramente una carta de amor.

Allegory of the Catholic Faith *oil on canvas *114.3 x 88.9 cm *ca. 1670–72

La intensidad de la escena destaca por su actitud tensa y absorta.

La pared blanca absorbe la imagen, creando profundidad física y emocional.

El mapa de la pared actua como contraste a la severidad de la composición.

Es una obra suntuosa usado en el blusón, en las sillas, la barra y esfera que sostienen el mapa e incluso en las paredes.

Vermeer es influenciado por las escenas domesticas de su coetáneo Pieter de Hooch, aunque las pinturas de Vermeer sugieren introspección y una atmosfera mas profunda.

Nace en Delft, Holanda, bautizado el 31 de octubre de 1632.

Es uno de los representantes más importantes del barroco holandés, dentro de la  Edad de Oro Holandesa.

Se conoce escasa información sobre su vida, únicamente los hechos asentados en registros y documentos legales, así como comentarios sobre él de otros artistas.

Su padre es originario de Amberes, habiéndose trasladado en 1611 a Ámsterdam, donde trabaja como tejedor de seda, oficio propio de la clase media en esa época.

1652 el negocio es heredado por Johannes a la muerte de su padre en 1652.

De su formación como de su vida personal, se ignora dónde la recibe.

Se sabe que es miembro del gremio de San Lucas el 29 de diciembre de 1653 como pintor libre, por lo que tiene que precederle una amplia formación de seis años de aprendizaje, ya que sólo como maestro se puede ser miembro del gremio.

Su obra conocida es escasa, tan sólo se le reconocen entre 33 y 35 pinturas, se sabe que realiza otras perdidas, por actas de subastas antiguas.

Puede deberse a que pinta para mecenas, por encargo, sin que sus obras circulen por el mercado de arte.

En sus inicios pinta algunos lienzos de tema histórico, pero su tema fundamental son interiores con escenas de género.

No consigue el éxito en vida y es olvidado durante los dos siglos siguientes de su muerte.

Es a partir de la mitad del siglo XIX cuando su pintura comienza a ser valorada y reconocida.

En sus últimos años de vida empeoran sus condiciones económicas, teniendo la necesidad de pedir préstamos.

A causa de la Guerra Franco-Neerlandesa, iniciada en 1672, no puede vender más cuadros.

En la actualidad, es considerado como uno de los mejores y más grandes de todos los pintores holandeses. Su utilización del color y la luz es la de un auténtico maestro.

Aunque pintor catalogado dentro del barroco, por la época en que realizó su trabajo, sus óleos defieren con mucho de los clásicos de este estilo, ya que carece de muchos detalles que éste posee por su «intemporalidad», con aire cristalino y depurado, siendo de esta forma su pintura, por tanto singular, con un estilo difícil de encasillar.

En algunos de sus cuadros se aproxima más al tenebrismo de Caravaggio, como se puede observar por ejemplo en «La Muchacha del turbante» o «La joven de la perla».

Es muy influyente en la pintura de Dalí, cuando era niño, está fascinado por La Encajera.

1675 enferma, muriendo a los pocos días, el 15 de diciembre de 1675, en Delft, siendo enterrado en el sepulcro familiar de la Oude Kerk de la misma ciudad.

Su mujer tiene que renunciar a su herencia para anular las deudas y sus bienes son confiscados por los acreedores.

ABC del Arte, Phaidom

Trianart

https://es.wikipedia.org/wiki/Mujer_leyendo_una_carta_(Vermeer)

https://historia-arte.com/obras/mujer-leyendo-una-carta

http://intromisionesdegerman.blogspot.com/2016/06/mujer-de-azul-leyendo-una-carta-de.html

¿Banksy activista o vandalo? Palestina

Esta imagen icónica, del hombre lanzando flores o soldier throwing flowers, se ha convertido en uno de sus más famosos y reconocidos grafitis.

Aparece en un muro de la ciudad de Jerusalén en el año 2005, aunque existen diferentes teorías sobre su origen el significado está claro: dejemos las armas para conseguir un mundo pacífico.

Es evidente por la postura del hombre, su expresión facial y su postura de que existe una intención violenta, sin embargo, al intercambiar una bomba, una roca o un cóctel molotov con Flores, Banksy crea un fuerte mensaje.

 Un manifestante protesta con flores contra el orden impuesto, los sistemas financieros injustos, las agresiones y represiones de las fuerzas de seguridad y los estados en diferentes países.

Sujeta un ramo de flores, que simboliza la belleza y la serenidad, la vida frente a la violencia.

El audaz mural sencillo pero poderoso con un enmascarado, va a lanzar un proyectil, pero en vez de un ladrillo o un coctel molotov, en la mano lleva flores.

Pintado en las afueras de Jerusalén, es uno de los más famosos de Banksy.

Al sustituir un arma por un símbolo de paz, transmite un mensaje de no violencia.

La imagen esta reforzada por el contexto, pues está ubicada en una zona afectada por el conflicto árabe israelí.

Las satíricas obras de Banksy que aparecen por todo el mundo combinan el humor subversivo con una mordaz crítica social y política.

Banksy cuya identidad continúa siendo un misterio, comienza su carrera en Bristol a principios de 1990 en el contexto de la cultura de grafitis británica y desde que deja su ciudad natal se convierte en uno de los artistas más cotizados…

Es un artista que hace uso de las calles para plasmar sus obras y hacer una crítica social  contra la política y otros temas de actualidad.

Combina escritura con graffitis además de utilizar plantillas (llamadas stencils en inglés).

Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta.

Reconoce la influencia de Blek diciendo que cada vez que cree que ha pintado algo ligeramente original, se da cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor veinte años antes.

Sus obras se hacen populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, en particular en Londres.

ABC del Arte, Phaidon

https://www.palestinalibre.org/articulo.php?a=82

https://elpais.com/diario/2005/08/18/revistaverano/1124316004_850215.html

https://www.enviaflores.com/blog/detras-del-graffiti-de-banksy

https://www.abc.es/cultura/arte/abci-bansky-pierde-derechos-autor-lanzador-flores-mantener-anonimato-202009171627_noticia.html

El curioso caso del ‘banksy’ en la trituradora | Cultura | EL PAÍS (elpais.com)

Las 13 obras más fantásticas y polémicas de Banksy – Cultura Genial

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/291-banksy-biografia-obras-y-exposiciones

¿Balthus pedófilo? Muchacha y gato

Las niñas son las únicas criaturas que todavía pueden pasar por pequeños seres puros y sin edad. Las jóvenes adolescentes nunca me interesaron más allá de esta idea».

Las niñas para mí son sencillamente ángeles y en tal sentido su inocente impudor propio de la infancia. Lo morboso se encuentra en otro lado.

Una adolescente está sentada en un interior tenebroso, con un sosegado gato a sus pies.

La imagen es inquietante por su cariz erótico.

¿Contemplamos a una niña inocente o a una joven sexualmente refinada?

El pintor atrapa aquí el carácter turbador y ambiguo de la adolescencia, cuando la inocencia de la infancia representada por el gato, es desplazada por los nuevos sentimientos sexuales de la edad adulta.

Este hecho destaca por la única luz de la composición dirigida a los muslos de la muchacha.

Balthus no recibe formación académica pero tiene el apoyo de Pierre Bonard y Andre Derain.

Sus cuadros famosos tienen todos una gran carga erótica, en las que aparecen adolescentes durmiendo, soñando despiertas o leyendo en un interior oscuro.

Balthasar Kłossowski de Rola nace en París, el 29 de febrero de 1908.
De una de las familias de la élite cultural parisina, de ascendencia polaco-francesa, su padre era Erich Klossowski, es un  destacado historiador de arte, y su madre Elisabeth Dorothea Spiro, es conocida como Baladine Klossowska.

En Primera Guerra Mundial se refugia con su familia en Berlín y, tras la separación de sus padres, se traslada a Suiza, donde el lugar de su progenitor es sustituido por Rainer Maria Rilke, amigo de su madre, hasta. su muerte, en 1926, el poeta fue para Balthus no sólo un segundo padre sino también su principal mentor.

1920 Rilke publica una colección de acuarelas suyas en el libro Mitsou, Quarante images par Balthusz, y a partir de entonces su apodo familiar se convertiría en su nombre artístico.

1924 animado por Andre Gide, Balthus vuelve a París para dedicarse a pintar, aunque rechaza cualquier enseñanza artística de ningún otro pinto que Pierre Bonard que le orienta en los principios de su carrera, lo que influye  que sus primeras obras sean impresionistas.

Joan Miro y su hija, MOMA

Pero lo que en realidad le interesa es el estudio de los grandes maestros de la pintura, como Nicolas Poussin, Masaccio y Piero dalla Francesca que copia del Louvre.

Muchas de las pinturas que hace a partir de 1930, son desnudos o jóvenes mujeres en posiciones eróticas y/o actitudes de voyeaur.

Fue sobre todo muy polémica en París su Lección de guitarra, en la que representó una explícita escena lésbica entre una alumna y una profesora de música.

1937 se casa con Antoinette de Watteville, ella hace de modelo en varias obras.
La fama le llega pronto y entre sus muchos admiradores  están Andre Breton y Pablo Picasso.

Sus intimos son el novelista Pierre-Jean Jouve, los fotógrafos: Josef Breitenbach, Man Ray, Antoni Artaud, Andre Dearain, Joan Miro y Alberto Giacometti.

1948, Albert Camus le encarga los diseños para los decorados y vestuario de su obra L’État de siègle.

Al final de la década de 1940 su prestigio esta ya consolidado,
1953 muda su residencia al Château de Chassy en Morvan y comienza una etapa dedicada al paisaje, lugar en el que finaliza la que se considera su obras maestra El cuarto,  influenciado por las novelas de Pierre Klossowski, en esa época también realizó una de sus pinturas más famosas:  La calle.

1961 va a Roma para presidir la la Académie de France, en Villa Médicis, en Roma, puesto para el que había sido nombrado por André Malraux.

Alli conoce y hace amistad con Federico Fellini y el pintor Renato Guttuso.

En Italia su pintura recupera la figura humana, con una técnica que recuerda los frescos renacentistas. Tras abandonar su puesto en la Academia de Roma en 1978, residió entre Italia y Suiza.

Tiene influencias en su obra, desde maestros del quatroccento italiano como Tomass¡o Masaccio, Piero dalla Francesca, Nicolas Poussin, Jean Etien Liotard, Joseph Reinhardt, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Ingres, Goya, Pierre Bonnard, Felix Valloton y Cezanne.

Él a su vez influye en numerosos artistas de su época y sigue haciéndolo en muchos actuales, no sólo pintores, el cineasta Jacques Rivette, de la New Wave francesa, se inspiró en los dibujos de Balthus para su película: Hurlevent.

El fotógrafo Duane Michals ha realizado numerosas composiciones basadas en pinturas de Balthus.

Thomas Harris se refiere al personaje de ficción Hannibal Lecter como un primo de Balthus en su novela, Hannibal.

 1977 se casa por segunda vez con Setsuko, de nacionalidad japonesa y también pintora, agregando más misterio si cabe a una vida que a pesar de su fama es muy poco conocida y menos aireada.

Es el único pintor que ve colgadas en vida sus obras en el Louvre de la colección privada de Pablo Picasso que son donadas a la pinacoteca parisina.

Su discurso de formas contundentes y contornos delimitados, combina a los viejos maestros con el surrealismo.

Fallece en Rossinière, Suiza, el 18 de febrero, de 2001.

El Thyssen de Madrid tiene Juego de cartas, de 1948-1950.

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ABC del Arte, Phaidon

Matthias Grunewald, La crucifixión

Su verdadero nombre es Marthis Gothard Neithardt, llamado erróneamente Grunewald por un biógrafo del XVIII.

En 300 años se le ha llama con un nombre distinto.

Su idea es que el espectador se sobrecoja con la misma intensidad que los personajes del cuadro.

San Juan Bautista sujeta un libro en una mano y con la otra señala la figura agonizante de Cristo.

La inscripción en latin que hay tras su brazo dice:

Illum oportet crescere, me autem minui

Él debe crecer pero yo debo menguar.

Los dedos de cristo se retuercen por los clavos.

La sangre gotea por la lanza que ha sido lanzada al costado y su carne está cubierta de heridas purulentas.

María Magdalena, esta de rodillas al pie de la cruz con el tarro de ungüentos a su lado y la virgen María se desvanece en los brazos de San Juan Evangelista.

1470 Marthis Gothard Neithardt nace en Wurzburgo, Alemania y es ingeniero además de pintor

Su único tema es religioso y destacan las escenas de la Crucifixión de Cristo, con rostros desgarrados por el dolor y en escenarios sombríos.

El carácter visionario de su obra, con sus expresivos color y línea, contrasta con la obra de Alberto Durero, coetaneo suyo.

Sus pinturas son dramáticas, realizadas en colores vivos y con un especial tratamiento de la luz.

Joacim von Sandrart, lo identifica equivocadamente como Grünewald, su nombre real, no se descubre hasta 1920, y su fecha de nacimiento, se cree que fue a finales del siglo XV, pues su primera obra es de 1503.

Es pintor oficial e ingeniero hidráulico de la corte a partir de 1509, desempeñando dicho cargo hasta 1525, cuando lo abandona por su adhesión a una revuelta campesina y por sumarse al protestantismo.

El compositor del siglo XX Paul Hindemith, basó su ópera de 1938 Mathis der Maler en la vida de Grünewald.
Es conmemorado como artista por la iglesia luterana, el 6 de abril.

Su producción es pequeña.

Un retablo formado por 18 paneles, 7 cuadros y alrededor de 40 dibujos.

La última cena, Santa Dorotea y Santa Inés, de 1500, conservado en una colección privada de Alemania, y Cristo ultrajado (o El escarnio de Cristo), de 1503, albergado en la Alte Pinakothek de Múnich.

La Crucifixión de h. 1507, en el Kunstmuseum de Basilea; el Retablo Heller, de entre 1509 y 1510, en la Karlsruhe, Staatliche Kunsthalle: Pequeña Crucifixión de h. 1509, en National Gallery de Washington; Retablo de Isemheim, de h. 1512-1516, en el Colmar, Museo de Unterlinden.

Esta última es su obra más famosa. Contiene una Crucifixión, las Tentaciones de San Antonio y la Resurrección, así como escenas tomadas de las revelaciones místicas de santa Brígida de Suecia.

El Tríptico de Aschaffenburg, de 1517-1519, en Stuppach, iglesia parroquial y Museo de Friburgo de Brisgovia.

Contiene el destacado Establecimiento de Santa María Mayor en Roma y, en la tabla central, la Virgen de Stuppach.

San Erasmo y San Mauricio, de 1520-1525, en la Alte Pinakothek de Munich; Retablo de Tauberbischofsheim, de h. 1525, en el Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe;  La lamentación de Cristo, de 1525, en la iglesia de Aschaffenburg.

Sus dibujos: Trias Romana, de 1525, en Berlín, Gabinete de Dibujos de los Staatliche Museen.
Con una gran intensidad en sus colores da a sus escenas religiosas expresividad dramática.

Su obra es rescatada del abandono a fines del siglo XIX por las vanguardias, que se ven reflejadas en ella, y la consideran como un antecedente de su propia oposición ante la representación naturalista tradicional.
Fallece en Halle, el 31 de agosto de 1528.

ABC del Arte, Phaidon

Wikipedia

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Andrea Mantegna, La oración en el huerto

Es una pintura, al temple sobre tabla (71 cm x 94 cm), pintada entre 1457-1459 y conservada en el Museo de Bellas Artes de Tours, Francia.

El panel forma parte originariamente de la predela del Retablo de San Zenón junto con la Resurrección, en el mismo museo, y la Crucifixión, en el Louvre.

El retablo es encargado antes de 1457, realizado en el taller de Padua del artista

 y enviado a Verona en 1459.

1797 durante el saqueo napoleónico, el retablo es requisado y enviado a Paris al Museo Napoleón, futuro Louvre.

1815 durante las restituciones de la Restauración, se logra recuperar los tres paneles principales y la cornisa, pero la predela queda en Francia, donde se encuentra todavía. Hoy en el sitio se ve una fiel copia moderna de la predela.

5 ángeles se le aparecen a Cristo mientras reza.

 En primer plano, 3 de los apóstoles duermen ajenos a los soldados que guiados por Judas vienen a prender a Jesús.

Todos los elementos de la escena, las curiosas formaciones rocosas, la ciudad imaginaria, los rígidos pliegues de las ropas, están pintados con solidez y detallismo.

En el resto de la pintura destaca un vasto paisaje, representado en los más mínimos detalles, con una ciudad amurallada sobre la colina a la izquierda, con una muralla inferior más antigua parcialmente derruida, que representa una Jerusalén ideal, rica en monumentos que recuerdan las ciudades italianas contemporáneas.

Por el camino abajo está llegando el grupo de soldados para arrestar a Jesús, conducidos por Judas Iscariote

Entre los numerosos detalles minuciosos, derivados de la imitación del arte flamenco, hay una fina cascada a la izquierda, el puentecillo de madera con una liebre, el árbol en primer plano, de extraordinario realismo, la fruta sobre las ramas.

Mantegna es de origen humilde, pero es adoptado por un pintor de segunda fila que le enseña el oficio.

Con el tiempo se convierte en uno de los artistas más famosos de su tiempo.

Su estilo como el de otros creadores del Renacimiento, se inspira en la escultura romana antigua.

Muchas de sus obras son grisallas de una imitación pintada de bronce o mármol.

Durante gran parte de su vida es pintor del Duque de Mantua, para quien reúne una importante colección de arte clásico.

Es pionero en el arte de grabado y sus estampas influyen en Durero y otros artistas.

El ABC del Arte, Phaidon

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Oración en el huerto (Andrea Mantegna, Tours) – Wikipedia, la enciclopedia libre

 Alberto Durero, Autoretrato

El colocar el brazo sobre un alfeizar es un recurso de composición muy utilizado para crear ilusión de proximidad entre el espectador y el modelo.

Quizás Durero aprende el recurso gracias a obras como La Gioconda de Leonardo, que tal vez contempla cuando viaja a Italia.

Durero pinta muchos autorretratos, un motivo que no es habitual en la época y que se interpreta como una mejora en el estatus social del artista.

Si un mecenas podía ser retratado ¿Por qué no un artista?

El paisaje visto a través de una ventana abierta es un elemento utilizado por los pintores de Europa central como Jan van Eyck y Robert Campin.

También es famoso por sus xilografías y grabados que le dan notoriedad en la Europa del XVI.

Es un artista extraordinario y prolífico que revoluciona el arte en Europa central combinando recursos del arte flamenco y el arte italiano…

El ABC del arte, Phaidon