Sullivan y los Almacenes Carson

Es uno de los arquitectos que reconstruye Chicago después del gran incendio de 1871. Lucha contra el academicismo para defender una arquitectura funcional cada vez más alta.

Nace en Boston, pero la vinculación de Louis Sullivan (1856-1924) con Chicago y su Escuela, cambia la ciudad y la historia de la arquitectura americana.

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Hijo de padres inmigrantes, padre irlandés y madre suiza francófona, pasa sus primeros años entre la Boston y la granja en el campo de sus abuelos, que le crían con 14 años cuando sus padres se van a trabajar y vivir a la Ciudad del Viento.

Estudia en el prestigioso Instituto Tecnológico de Massachusetts hasta que se cansa y trabaja en el estudio del padre de la Escuela de Chicago, William Le Baron Jenney.

Tampoco dura mucho allí.

Su plan es vivir en París y aprender de los grandes en la Escuela de Beaux Arts, y así lo hace.

Durante el año que reside allí, viaja por toda Europa y vuelve a Estados Unidos dispuesto a cambiar la arquitectura

1875 se instala en Chicago y recala, después de otra experiencia previa, en el despacho de Dankmar Adler, que es su socio durante años, los más fructíferos de su vida.

 1879, comienza cuando la ciudad es un hervidero arquitectónico que intenta reconstruir todo lo perdido en el gran incendio del 1871.

1881, con 24, Louis se convierte en su socio.

Sullivan pone la creatividad y el diseño y su socio, la relación con los clientes y la parte técnica.

En los 14 años en los que trabajan juntos erigen más de 100 edificios, muchos de ellos grandes iconos de la arquitectura y ponen las bases de los rascacielos modernos y de la verticalidad.

Aunque acometen varios proyectos residenciales, son los edificios comerciales los que les dan prestigio y dinero.

1886 Adler y Sullivan destacan con el Auditorium Building de Chicago, un magnífico edificio de granito y piedra caliza de diez pisos más una torre que, en aquel momento, la más alta de la ciudad.

El Auditorim Building (1886-1889) en Chicago de Adler & Sullivan

Allí instalan su estudio, en el que con 19 años trabaja Frank Lloyd Wright, del que Sullivan es mentor.

La fachada es sencilla pero el interior esta ornamentado y en él Sullivan da rienda suelta a una de sus pasiones, la terracota decorativa. 

Tiene gran talento para la ornamentación, como demuestra en el exterior de sus dos siguientes construcciones, dos de los primigenios rascacielos más importantes de Estados Unidos.

1891 primero se atreve con el Wainwright Building, en Saint Louis, Missouri, en el que, por primera vez, sustituye los grandes muros de piedra por una estructura metálica que le permite aumentar la altura, como ya había hecho Le Baron.

1895-1896 el segundo, en Buffalo, Nueva York, es igualmente impresionante: es el Edificio Prudential Guaranty, cuya fachada es un espectáculo para la vista.

El ‘Guaranty Trust Building’ (1895-1896) en Buffalo, NY

Una vez aprendes a mirar la arquitectura no como un arte más o menos bien hecho sino como una manifestación social, te vuelves clarividente

1893 todo va bien hasta que llega, la Columbian Exposition de Chicago, un gran certamen de arquitectura en el que Sullivan y Adler presentan Transportation Building, con su arcada principal adornada al gusto de Sullivan.

No es suficiente.

El triunfo de las posturas academicistas gana por encima de la funcionalidad de la Escuela de Chicago

El daño infringido por la feria dura medio siglo, si no más. Penetra profundamente en la mentalidad americana

Asustado por el descenso de trabajo en el estudio, Adler se marcha a trabajar a otra firma, algo que su compañero nunca le perdona.

Ahí comienza la decadencia.

Sullivan es genial, pero también orgulloso, arisco, hosco, arrogante y muy bebedor.

Pierde importantes clientes, se tiene que mudar del Auditorium a oficinas más discretas hasta que queda recluido en un pequeño hotel de Chicago en el que le visitan los pocos amigos que le quedan. 

Almacenes Carson

En esta última parte de su carrera consigue completar, dos obras maestras, su autobiografía (Autobiography of an Idea), que da cuenta de su innovación, y algunos bancos en pequeños pueblos del Midwest.

1899-1904 su último gran proyecto es el Edificio de grandes almacenes Carson (1899-1904).

Edificio Carson, en Chicago (1899-1904) 

Es una de las últimas y más representativas obras de la Escuela de Chicago, y a su vez uno de los edificios más importantes dentro de la historia de las edificaciones en altura.

Sullivan, Almacenes Carson

1899, Sullivan inicia la remodelación de los almacenes Schlesinger & Mayer, los cuales se encuentran en la llamada World’s Buisiest Corner (la esquina más concurrida del mundo).

La construcción de los almacenes termina dividiéndose en tres etapas: la primera en 1899, la segunda entre los años 1903 y 1904, y la última en 1906.



En principio, Sullivan tiene una propuesta de nueve y doce pisos para el edificio, aunque en 1902, Schlesinger & Mayer proponen a Sullivan que el edificio tenga una altura de 20 pisos, pero al final el edificio termina teniendo 12.

Una de las características más importantes sobre la estructura metálica del edificio es que permite otro tipo de comercio: en vez utilizar las tradicionales vitrinas, usar grandes pantallas de mercancía para el tránsito de peatones.

La firma Carson, Pirie, Scott adquiere el edificio en 1904, por lo cual Sullivan se ve imposibilitado de terminar el proyecto que recae en las manos de Daniel Burhhan & Company, aunque esta firma no realiza cambios significativos a propuesta original de Sullivan.


Otorga al edificio de  fuerza expresiva,  que se traduce en plantas continuas, interiores diáfanos y una fachada que cumple con una función esencial: proporcionar luz al interior.

Las llamadas ventanas de Chicago son los elementos básicos que conforman la fachada de los almacenes Carson, Pirie, Scott.

Estas ventanas son de forma alargadas en horizontal, homogéneas y coinciden con el esqueleto estructural del edificio.

 Al mismo tiempo, las ventanas se conectan unas con otras con unas delgadas líneas de terracota que sirven para acentuar la horizontalidad del edificio.

El esqueleto de los edificios de Sullivan, por lo general, forma una retícula regular, sin dirección intrínseca y con una imparcialidad total, aunque con el tiempo, Sullivan enfatiza los elementos verticales de las esquinas en sus edificios.

XIX, el tradicionalismo, en muchas ocasiones, frena a los arquitectos que comparten la misma generación de Sullivan, por esta razón, Giedion habla de la doble personalidad que estos poseían: encerrados entre lo nuevo y lo tradicional. 

Esta situación se ve reflejada perfectamente en los almacenes Carson, Pirie, Scott, donde la incoherente torre de forma redondeada, situada en la esquina del edificio, es una petición de los clientes que quieren evocar a los almacenes Au Bon Marché y Boileau, construidos en 1876.

1948, el nivel 12 del edificio es rediseñado y la ornamentación que lo corona es reemplazado, supuestamente para que sea coherente con el resto del edificio. 

2006, se completa la primera parte de la restauración de la fachada de los Almacenes Carson, regresando su propuesta original diseñada por Sullivan.

2007 la empresa matriz de Carson, Pirie, Scott cierre sus puertas, permitiendo que el edificio se denomine Centro Sullivan.

2008, comienzan los trabajos para restaurar los tres pisos inferiores, que incluyen fachada y la parte trasera del edificio. 2009 terminan los trabajos de la fachada y 2010 los trabajos en la calle.

https://www.metalocus.es/es/noticias/louis-sullivan-y-la-escuela-de-chicago-los-almacenes-carson

https://www.revistaad.es/diseno/iconos/articulos/louis-sullivan-escuela-chicago/26906

https://arte.laguia2000.com/arquitectura/almacenes-carson-louis-sullivan

Los almacenes Carson

http://hartemparrale3.blogspot.com/2011/06/nom-magatzems-carson-pirie-i-scott.html

http://aprendersociales.blogspot.com/2010/04/los-almacenes-carson-de-chicago.html

Lalibela, los Templarios y el Arca de la Alianza

Etiopía no se parece a ningún país de África, y podría decirse también que a ningún país del mundo.

Es una nación que se sustenta sobre los mitos más que sobre la Historia, una nación que viaja en el tiempo a caballo de la realidad y la leyenda.

Casi vale decir que Etiopía es un país suspendido sobre un sueño de la razón.

En cierto sentido, su mitología vive integrada a la vida de sus ciudadanos, como sucedía en la antigua Grecia.

(Javier Perez Reverte, Dios, el diablo y la aventura)

Lalibela esta en las Tierras Altas de Etiopía, en la provincia de Amhara, a 2 630 m de altitud al pie de las montañas de Lasta, que en su cota más alta es de 4284 m.

Pero lo que la hace única es su conjunto de iglesias monolíticas excavadas en la roca, declaradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1978.

Era inaccesible hace muy poco, y era necesario 4 días en mula desde Dessie, que era la carretera más próxima.

 1950 se hace una carretera.

Pero todo cambia gracias a la remodelación del aeródromo, que dispone de una nueva pista de aterrizaje asfaltada, y a la construcción de una carretera de 25 km que une el aeropuerto con la ciudad.

1950 la ciudad son grupos de casas circulares de piedra y techo de paja, de dos pisos, el de abajo para los animales y el superior para  las personas.

Habitadas por sacerdotes.

 Ahora casi todas están  deshabitadas pero hay infraviviendas con las paredes de adobe con cubiertas de chapa pegadas a edificios de estilo convencional en occidente, de varias plantas, en su mayoría hoteles para turistas.

Las iglesias de Lalibela son grandes templos, algunas de más de diez metros de altura, excavadas en la roca por debajo del nivel del terreno y comunicadas por un laberinto de zanjas, túneles y pasadizos en cuyos laterales, a su vez, se encuentran excavadas tumbas, catacumbas y celdas de ermitaño.

Es un pueblo subterráneo tallado con precisión y detalle.

A pesar de haber sido un lugar de peregrinación ampliamente conocido en Etiopía, solo unas pocas menciones de Lalibela llegaron a Occidente antes del siglo xvi.

1523, el veneciano Alessandro Zorzi la menciona en una obra llamada Itinerarios como un gran lugar de peregrinaje, a partir de la información facilitada por un religioso franciscano.

Previamente, en el siglo xiii, el armenio Abu Salih habla de dos iglesias dedicadas a san Jorge y san Miguel, donde los reyes etíopes son coronados.

Otras fuentes, como la Historia de los patriarcas de Alejandría, mencionan la existencia de grandes y maravillosas iglesias en Roha.

El primer europeo que conoce directamente Lalibela es el sacerdote portugués Francisco Álvares en 1521, autor del libro Preste Juan de la Indias, quien hace la primera descripción de las iglesias, dudando él mismo de que sus compatriotas le creyeran:

Me cansaba escribir más de estas maravillas, puesto que me parecía que me acusarían de falsedad […] hay mucho más de lo que ya he escrito, y lo he dejado para que no me acusen de decir mentiras.

1487, el mismo año en que Bartolomé Días inicia el viaje que le lleva a doblar el cabo de Buena Esperanza, el rey Juan II de Portugal envia a dos emisarios, Alfonso de Paiva y Pêro da Covilhã, para que entablasen contacto con Preste Juan, a quien identifican con el misterioso soberano etíope.

El primero murió camino de Etiopía.

El segundo tuvo mejor suerte y consiguió entrevistarse con el Preste Juan, pero fue retenido en el país, se casó y tuvo descendencia.

Pese al fracaso de la misión, los portugueses no desisten del empeño de establecer relaciones con tan legendario reino.

1514, un embajador de la reina regente de Etiopía llega a Lisboa.

El rey de Portugal, don Manuel, organiza una embajada de vuelta al mando de Duarte Galvão, pero este muere y la misión se retrasa.

Se vuelve a organizar en 1520, esta vez a las órdenes de Rodrigo de Lima, a quien acompaña el mencionado Francisco Álvares.

El 24 de julio de 1524, la expedición regresó a Lisboa acompañada de un embajador etíope.

A la llegada, disse-lhe el Rei que […] nos mandaria chamar, para que inteiramente lhe déssemos nova do Preste João.

El mito empieza a resquebrajarse.

A lo largo de la segunda mitad del siglo xvi, Etiopía tiene que hacer frente a varias amenazas.

Sus reyes tienen que resistir por un lado la presión militar de la flota turca del Índico, pero, sobre todo, tuvieron que hacer frente al proselitismo religioso de sus aliados portugueses, que acabaron por descubrir que Preste Juan, al que confundieron con el rey de Etiopía, era en realidad un hereje monofisita, tratando en consecuencia de convertir al catolicismo a los sucesivos monarcas, aunque sin obtener el éxito deseado. 1564, otro portugués, Miguel de Castanhoso, narra su viaje por la tierra de Preste Juan, donde ve, en lo alto de una montaña, extraordinarias iglesias hechas de una sola pieza. Según le informan los habitantes locales, son esculpidas por hombres blancos. Asimismo, le dicen que el caudillo musulmán Mohamed Ahmad Ibn Ibrahin, conocido como el Zurdo, abandona su plan de destrucción de Lalibela proponiendo transformar las iglesias en mezquitas, lo que finalmente no puede llevar a cabo.

Sí que destruye, sin embargo, tabots y cruces, y saquea alfombras, sedas y oro.

En el siglo xix se retomó el interés por el estudio de Lalibela tras la expedición militar de castigo inglesa comandada por el general lord Napier contra el emperador Tewodros II, que había desafiado a la reina Victoria encarcelando a los diplomáticos y misioneros ingleses que se encontraban en Etiopía.

Un alemán llamado Gerhard Rohlfs, que viaja con Napier, visita Lalibela después de la campaña en 1868 y publicó sus observaciones en un libro titulado Land und Volk in Afrika, en el que describe sucintamente las iglesias y varios de los objetos preciosos que contenían.

La historia de Etiopía es un relato épico basado a partes iguales en el orgullo y la leyenda falaz, en la bravura y en la desdicha, en la realidad y en el mito.

Etiopía es uno de los países más pobres de la tierra, pero posee una cultura singular puesta de manifiesto en su riqueza lingüística (más de ochenta lenguas y dialectos) y en su religión cristiana ortodoxa, y ocupa un territorio que, a modo de isla en medio de un mar islámico, ha conservado su fe a pesar de las hostilidades y acosos recibidos desde el exterior.

Etiopía es el único país africano que nunca es colonizado, si exceptuamos el breve periodo de ocupación por la Italia fascista entre 1936 y 1941.

 Su lengua oficial es el amhárico, que posee una escritura con caracteres propios y únicos, no compartidos por ningún otro idioma del mundo.

La historia de sus gobernantes es en buena parte inventada, y nace del mito del rey Salomón y la reina de Saba.

Pero, la creencia en la existencia de una dinastía salomónica, que ha perdurado casi hasta ahora, sigue profundamente arraigada en el imaginario colectivo.

El supuesto origen divino de los monarcas etíopes ha hecho que política y religión vayan de la mano durante siglos.

A ello ha contribuye en gran medida el aislamiento del país durante cientos de años a todo contacto con otros pueblos, sobre todo a partir del reinado del emperador Fasilidas, que en 1632 reinstaura la iglesia ortodoxa y expulsa a todos los extranjeros de su Imperio.

Con anterioridad, el país vive un breve periodo de conversión al catolicismo, cuando los emperadores Za Dengel (1603-1604) y, sobre todo, Susneyos (1607-1632), padre de Fasilidas, prohiben la iglesia ortodoxa, el segundo influido por su amigo y consejero, el jesuita español Pedro Páez quien, además, fue el descubridor del nacimiento del Nilo Azul en el lago Tana.

Entre 1640 y 1770, el único europeo que pudo entrar en Etiopía es un médico francés.

Los etíopes están convencidos de que su país es fundado por Etiópico, tataranieto de Noé.

Su hijo, llamado Axumai, fundó la capital de Axum y una dinastía que reinó durante 97 generaciones.

La última reina, según la creencia tradicional, tuvo por nombre Makeda, y gobernó Etiopía y Yemen durante 31 años, entre los siglos xii y x a. C., y para los etíopes no era otra que la legendaria reina de Saba, habida cuenta de que dicho reino se situaba precisamente en Yemen.

Se dice que, al inicio de su reinado, la reina de Saba visitó al rey Salomón en Jerusalén, intercambiándose regalos e iniciando, aparentemente, lo que sería una sana amistad entre los dos monarcas.

Pero  la reina acaba convirtiéndose al judaísmo y regresa a su país embarazada de un hijo del rey Salomón, el que a la postre sería Menelik I, rey de Etiopía y primero de la dinastía salomónica, que  gobierna Etiopía casi sin interrupción hasta 1974, cuando el último emperador Haile Selassie es depuesto por los militares revolucionarios del DERG, al mando del coronel Mengistu Haile Maryam.

Menelik decretó que la línea sucesoria, a partir de él, solo podía ser ocupada por varones, relegándose el papel de las mujeres a ocupar el cargo de regentes cuando el sucesor al trono no hubiera alcanzado la mayoría de edad.

A los 22 años, Menelik acude a Jerusalén para visitar a su padre, quedándose tres años junto a él aprendiendo la ley de Moisés.

Llegado de momento del retorno, le fue ofrecido el reino de Israel como primogénito de Salomón, honor que rechazó volviendo a Etiopía, pero, eso sí, acompañado de un séquito compuesto por los hijos mayores de los altos comisionados del rey judío y de mil personas pertenecientes a cada una de las doce tribus de Israel. Un acompañante un tanto especial fue Azarías, hijo mayor del sumo sacerdote del templo de Jerusalén, quien tuvo un sueño en el que le fue revelado que Menelik debía llevarse consigo el objeto más venerado de la fe judaica: el arca de la Alianza.

Salomón, al descubrir la ausencia del arca, mandó a sus soldados perseguir al séquito de Menelik, pero también él soñó que su hijo tenía que llevarse consigo el arca, por lo que guardó secreto de lo acontecido.

Desde entonces, el arca ya no salió de Etiopía, conservándose en la iglesia de Santa María de Sion, en Axum. Menelik proclamó, además, al pueblo etíope como «el pueblo elegido» por Dios para guardar y custodiar el arca.

 Para la mayoría de los etíopes, se trata de una versión incuestionable de los hechos, pero los historiadores occidentales nunca le han dado demasiado crédito.

Para los más fervientes defensores de la leyenda, el arca de la Alianza todavía sigue en la iglesia de Axum, aunque nadie pueda verla ni lo haya hecho nunca, excepto su guardián.

Los italianos la buscan infructuosamente durante la ocupación del país, se dice que gracias a que los sacerdotes se adelantaron trasladándola a lugar secreto y seguro.

La realidad es que, durante tan larga singladura, sesuceden diversas dinastías ocupando el trono etíope, autoproclamando todas ellas su origen salomónico de forma tan falaz como convincente para ese pueblo.

Una de ellas es la dinastía Zagwe, de la que nos vamos a ocupar con un poco de detenimiento, pues durante su reinado fue construida Lalibela.

La dinastía fundada por Menelik da lugar al periodo conocido como imperio axumita, que se extiende desde la costa del actual Sudán hasta el río Nilo.

El rey axumita más poderoso fue Ezana, quien gobierna durante la primera mitad del siglo iv e, influido por dos cristianos sirios, Frumentio y Edisio, hace del cristianismo la religión oficial del Imperio.

Frumentio es consagrado primer obispo de Axum, comenzando la creación de numerosos templos excavados en la roca por la zona de Tigray y lo que hoy es Adís Abeba.

Los sucesores del rey Ezana tienen que luchar contra religiones enemigas, tales como el judaísmo y el islam, después de que la fe musulmana arraigara con fuerza en Arabia. Uno de ellos fue Kaleb (514-530) que, después de su victoria sobre el imperio Himyar en el sur de Arabia, se hizo monje y llegó a convertirse en un importante santo de la Iglesia etíope, lo mismo que su hijo Gabra Maskal.

Entre los años 750 y 1270, el reinado axumita se convirtió en el precursor de la Etiopía que conocemos, expandiendo el cristianismo a las comunidades judías de la región del lago Tana, de Lasta (cerca de Lalibela) y hacia el sur hasta la actual Showa, abarcando la mayoría de las tierras altas etíopes.

Durante este periodo es probable que la Iglesia etíope alcance la influencia y la importancia que ha mantenido hasta hoy.

Hacia el final del primer milenio, las tradiciones sitúan en el trono a una reina llamada Yodit (Judith), nacida en Lasta e hija de un rey falasha llamado Gideon en un momento de gran tensión religiosa.

Se cree que Yodit une a los falasha organizando una marcha hacia Axum con el fin de erradicar el cristianismo en Etiopía.

La ciudad sagrada fue reducida a escombros y numerosos asentamientos cristianos son destruidos.

Así mismo, se cree que Yodit condena a muerte a miles de cristianos durante su reinado.

Desde el punto de vista del rigor histórico, si puede aplicarse a acontecimientos tan poco conocidos y mal documentados, parece que este reinado del terror tuvo lugar a finales del siglo x.

La reina Yodit muere en el año 892 como consecuencia de un torbellino que la arrastró, siendo enterrada en una tumba señalada con un monolito de piedras.

Tras su muerte, el heredero salomónico Anbessa Wudin derrota a los falasha en Axum reclamando su derecho al trono, aunque no lo consiguió.

922, el rey D’il Nead fue derrocado por uno de sus generales, Tekle Haymanot, quien, autoproclamándose rey, adoptó el nombre de Zagwe, dando inicio a la dinastía homónima.

Ni las fechas de aparición de esta dinastía, ni el número de reyes que la integraron, ni el momento de su conversión al cristianismo están claros.

Existen diversas listas de reyes, que difieren en las fechas y en las genealogías.

Una de las más citadas es la siguiente: Tekle Haymanot (980-995), Wedem (995-1030), Djan Seyoum (1030-?), Gherma Seyoum (?-1110), Imrahana Christos (1110-1150), Keddus Harbe (1150-1182), Lalibela (1182-1220) y Naacutelab (1220-1268).

Otra, como la propuesta por Sergew Hable Selassie, incluye dieciséis monarcas desde 920 hasta 1253. Lalibela ocuparía el puesto catorce (1133-1173).

Lo que parece más claro es que los monarcas de la dinastía Zagwe trajeron un periodo de mayor estabilidad y unidad a Etiopía.

El rey más conocido se llamaba Lalibela y, según la tradición eclesiástica, fue durante su reinado cuando el cristianismo alcanzó su punto álgido, con la construcción de las iglesias excavadas en roca en Roha, capital del reino, que después adoptaría el nombre de Lalibela en honor al rey.

De acuerdo con lo estimado por los historiadores, esto habría tenido lugar a finales del siglo xii.

No obstante, parece más posible que la construcción de las iglesias se prolongara durante un periodo mucho más largo, lo que no es necesariamente incompatible con la tradición eclesiástica

Según una de las leyendas que explican la construcción de las iglesias, Lalibela era hermano del monarca reinante.

 Siendo joven, fue atacado por un enjambre de abejas, lo que su madre interpretó como una señal divina que auguraba su futuro reinado.

Al rey no le hizo ninguna gracia semejante profecía, por lo que intentó envenenar a su hermano menor.

Sin embargo, lo que consiguió con el veneno no fue matarlo, sino sumirlo en un sueño que duró tres días.

Durante el sueño, Lalibela fue ascendido al cielo por un ángel, donde se le mostró una ciudad de iglesias excavadas en la roca, ordenándosele su reproducción en el mundo terrenal.

Simultáneamente, su hermano mayor tuvo una visión en la que Jesucristo le ordenó que abdicara a favor de su hermano.

Otra leyenda dice que Lalibela se marchó exiliado a Jerusalén y que allí recibió la inspiración para crear una nueva Jerusalén de roca en Roha.

Apenas fue coronado, Lalibela reunió a los mejores canteros y escultores con el objeto de esculpir las iglesias.

Así mismo, la legendaria historia de su construcción menciona que al menos una de las iglesias se construyó en un solo día con la ayuda de ángeles.

Ciertamente, la excavación de las iglesias sigue siendo un misterio, y su origen continúa envuelto en la leyenda.

Fuentes entendidas estiman que para esculpirlas serían necesarias al menos unas cuarenta mil personas. El fin de la dinastía Zagwe se sitúa en el año 1268, cuando subió al trono Yekuno Amlak, también declarado descendiente de la dinastía de Salomón.

En cualquier caso, la dinastía Zagwe reforzó considerablemente el poder de Etiopía y de la cristiandad.

Mantuvo una estrecha relación con Alejandría, a la que solicitaban patriarcas para la Iglesia etíope.

Soberanos de esta dinastía consiguieron, nada menos, que el sultán Saladino les concediera una iglesia y dos habitaciones en la residencia copta de Jerusalén, por entonces bajo el poder otomano. Posteriormente, adquirieron otra iglesia cerca de la gruta de Belén.

 De este modo, fomentaron su compromiso con la fe cristiana, y esta puede haber sido una de las razones que consolidaron la leyenda de Preste Juan, el mítico rey cristiano en el corazón de África, en Europa.

Muchos autores opinan que el nombre de Preste Juan deriva del amárico janhoy, antiguo título real que se traduce como elefante.

Otras sostienen que procede de la palabra jan, utilizada para dirigirse a los reyes, a su vez procedente de jano, que era una larga toga con borde rojo vestida por los soberanos.

El título de Negus (rey de Etiopía) es el más utilizado, no obstante, en amárico. Además, en el siglo xiii todos los reyes de Etiopía se consideraban presbíteros o consagrados.

La Iglesia etíope recibe el nombre de copta por la palabra árabe qubt, procedente a su vez del griego aigyp[os], que era el nombre usado para referirse a las poblaciones cristianas de Egipto después de la conquista musulmana.

La Iglesia etíope siguió el culto ortodoxo egipcio y sus patriarcas eran enviados desde Alejandría hasta la década de los cincuenta del pasado siglo.

Los cristianos etíopes son monofisitas, al igual que los cristianos egipcios, sirios y armenios.

El concilio de Calcedonia (451) supuso la separación de coptos y católicos en dos iglesias distintas, pues para los segundos el monofisismo era una herejía. Hay más diferencias entre ambos credos cristianos.

Por ejemplo, aunque la Iglesia etíope ora por sus difuntos, no cree en la existencia del purgatorio.

Se practica la eucaristía con pan y vino, como en la última cena, pero sin necesidad de confesión.

 El culto etíope, aislado durante siglos, ha preservado intactas antiguas tradiciones, algunas de ellas derivadas del judaísmo.

Se adora a muchos santos en común con la Iglesia de Occidente. De hecho, reconoce a todos los santos anteriores al concilio de Calcedonia y a los santos de la Iglesia copta de Alejandría.

Los primeros concilios ecuménicos se organizaron con la intención de combatir herejías.

Así, el segundo (Constantinopla, 381) apoyaba la condena de Arrio y el tercero (Éfeso, 431) la condena de Nestorio.

En el IV concilio ecuménico (Calcedonia, 451), contra los monofisitas, el papa León I presentó una fórmula para el nuevo símbolo de la fe que contó con el apoyo de los padres orientales, pues era consecuente con el pensamiento de san Cirilo.

Se proclamaba un solo y mismo Cristo, Hijo, Señor, unigénito, sin confusión, sin separación, sin que la diferencia de las dos naturalezas sea de ningún modo eliminada por la unión, sino que las propiedades de cada una quedan reunidas en una sola persona.

Sin embargo, la proclama de Calcedonia no fue aceptada en su totalidad por parte de la cristiandad oriental, hasta el punto de hacer inevitable la separación de las iglesias monofisitas.

Hay santos propios de la tradición etíope, como los nueve santos que llegaron en el siglo v de un lugar llamado Rom, en realidad el Imperio bizantino, para restaurar la pureza de la fe.

Sus nombres son Afsè, Al’ef, Garima, Guba, Lebanos, Pantalewon, Sahma, Yama’ta y Za-Mikael Argawi.

 Enseñan el evangelio con su ejemplo y fundaron numerosos monasterios en lugares aislados e inaccesibles. Za-Mikael Argawi se estableció en Debre Damo, en un lugar al que solo se puede acceder escalando, por lo se representa en la iconografía con una serpiente que le ayuda a subir por las rocas.

 Yama’ta es particularmente venerado en Tigray, donde se encuentra una bella iglesia tallada en la roca dedicada a él.

Con anterioridad a la llegada de los nueve santos, la vida monástica ya estaba arraigada en Etiopía gracias a un movimiento venido de Egipto en los siglos iv y v.

Un notable monje fue Abba Yohannes, quien fundó el monasterio de Debre Sina (monte Sinaí).

Otro santo destacado fue Abba Yared, creador de la música litúrgica etíope. El más importante santo etíope, Tecle Haimanot, del siglo xiii, se representa con una sola pierna sosteniendo la otra en su mano, pues, según la leyenda, vivió durante muchos años sostenido sobre una sola pierna, hasta que se le rompió.

Obtuvo de Yekuno Amlak, el restaurador de la dinastía salomónica, un tercio de las tierras del reino, derecho que se reservó al emperador Tewodros II en el siglo xix.

No obstante, solo unos pocos de los santos de la Iglesia etíope están representados o son adorados en Lalibela, la mayoría mártires de los primeros siglos del cristianismo.

Descripción de las iglesias

Las iglesias de Lalibela se encuentran divididas en dos grupos, noroeste y sudeste, separados por el río Jordán.

Se trata de un río cuyo cauce es artificial, ya que fue excavado sobre las rocas al mismo tiempo que se esculpieron las iglesias.

Su origen es igualmente legendario, pues se cuenta que recibió su nombre después de que el rey Lalibela regresara de Jerusalén.

En la parte inferior del cauce, una cruz de piedra marca la santidad del lugar.

 El grupo del noroeste se compone de ocho iglesias: Bete Medhani Alem, Bete Maryam, Bete Meskel, Bete Danaghel, Bete Debre Sina, Bete Golgotha, Biet Uraiel, la capilla Selassie, la Tumba de Adán y las grutas de Petros y Paulos.

Se dispone a lo largo de la ladera de la montaña con varios accesos, el principal en su lado oeste a través de la Tumba de Adán y dos secundarios en los lados sur y suroeste, respectivamente.

También es accesible desde la parte superior de la montaña por medio de unos escalones tallados en la roca en época reciente, donde se sitúa la entrada oficial en la que los visitantes adquieren sus pases.

 Las iglesias pertenecientes a este grupo siguen una alineación este-oeste, a la que algunos estudiosos atribuyen un significado teológico relacionado con la encarnación y la redención.

Lo primero estaría representado en la iglesia de Bete Maryam (iglesia de María), que engendró al Salvador en su vientre haciendo posible el milagro de la encarnación.

Lo segundo correspondería a las iglesias de Bete Meskel, Bete Golgotha y Selassie, que simbolizan la pasión y muerte de Jesús, y a la iglesia de Bete Medhani Alem (iglesia del Salvador del Mundo).

El grupo del sudeste está compuesto por cuatro iglesias: Bete Merkorios, Bete Emanuel, Bete Abba Lebanos y Bete Gebriel-Rafael, más la sacristía de Bethelehem. Separada de los dos grupos, se encuentra la iglesia de Bete Giyorgis, la más impresionante y emblemática de todas.

Esta y las del grupo noroeste se construyeron excavadas por debajo del nivel del suelo, rodeadas de zanjas, fosos y pasadizos, completamente separadas o con una cara adosada a la roca.

Las del grupo sudeste fueron excavadas en una cara vertical de la roca, aprovechando oquedades y doseles de la misma.

Debido a los daños causados por las filtraciones del agua de lluvia en la roca (basalto y arenisca), las iglesias, con la excepción de Bete Giyorgis, se protegieron hace unos años con unas cubiertas artificiales gracias a la ayuda económica de la Unión Europea y de la Unesco.

La iglesia de Bete Medhani Alem (iglesia del Salvador del Mundo) es la más oriental del grupo noroeste, y también la más grande iglesia monolítica excavada en roca del mundo. Se sitúa dentro de un patio de 10 m de profundidad, 40 m de longitud y 38 m de anchura.

La altura de la iglesia es de 11 m, la anchura exterior de 23,5 m y la interior de 19,5 m.

La longitud exterior es de 33,5 m y la interior de 26 m. Ocupa una superficie de 800 m2.

El patio es en realidad un ensanche de la zanja perimetral que rodea por completo el edificio. Las únicas aperturas en sus paredes son algunas catacumbas en la esquina noroeste, una cueva-habitación en el lado sur y la entrada que conduce a la galería que lleva a Bete Maryam.

El edificio es sencillo, de aspecto macizo, rodeado por treinta pilares rectangulares y otros cuatro cuadrados, cada uno en una esquina.

Se encuentra elevado sobre un pedestal, más alto en su lado norte, donde se alcanza la entrada por medio de una escalera.

 Las paredes son lisas y bien talladas, adornadas por dos hileras de ventanas. La inferior es de estilo axumita, con formas de cruz, de diversas clases, y de cerradura.

Las ventanas de la hilera superior tienen forma básicamente de cerradura. En el lado este se abre una ventana rectangular por encima de la hilera superior.

En el lado norte, las ventanas de estilo axumita son más grandes.

En el lado sur se encuentra una entrada con forma de cerradura a la que se accede sin escalones, mientras en el lado oeste la entrada es de tipo axumita coronada por dos aperturas con forma de cerradura. La entrada principal se encuentra en el lado norte, también de estilo axumita, enmarcada en un arco con forma de cerradura y decorado con motivos vegetales.

Un friso decorado con arcos separa los pilares del tejado.

En su interior se disponen dos estancias separadas: una sería el atrio y la otra el ábside. La parte central se divide en cinco naves transversales y otras tantas longitudinales por medio de cuatro hileras de cuatro pilares conectados por arcos, lo que da al templo un aspecto que recuerda al de las iglesias europeas medievales.

Dentro se encuentran veintiocho pilares, de los cuales doce se localizan en la parte del atrio y del ábside.

La parte central tiene el techo abovedado y el resto plano. Todos los elementos estructurales están recorridos por frisos con formas geométricas.

Algunos le encuentran semejanza con los templos griegos, sugiriendo una posible inspiración en la iglesia de Santa María de Sion, en Axum, construida por el rey Ezana. Su interior es austero, albergando la cruz de Lalibela, que tiene 800 años de antigüedad.

Se dice que está hecha de oro macizo, que pesa siete kilos y que fue propiedad personal del rey Lalibela.

Tras el arca de la Alianza, es el objeto más preciado de la Iglesia etíope.

1997 desapareció de su lugar, causando un fuerte sentimiento de dolor y desamparo en el pueblo.

No se supo nada del paradero de la cruz hasta dos años después, cuando fue descubierta por los funcionarios de aduanas en el equipaje de un anticuario belga que regresaba a Bruselas desde Etiopía.

La cruz pudo ser devuelta a su emplazamiento legítimo en 1999. En las paredes que la rodean hay excavadas varias tumbas y cuevas de ermitaños (catacumbas).

Desde Bete Medhani Alem, a través de un corto túnel, se llega a un patio donde se encuentran tres iglesias: Bete Maryam, Bete Meskel y Bete Danaghel.

 La iglesia de Bete Maryam (iglesia de María) es la más grande, aunque menor que Bete Medhani Alem, igualmente monolítica.

Mide 10 m de altura, 16 m de longitud (incluyendo el porche) y 17 m de anchura (igualmente, incluyendo el porche).

Se sitúa en el centro de un patio trapezoidal al que se accede por una zanja de 50 m que acaba en unas escaleras.

Antes de llegar a ellas, la zanja se divide en dos: a la derecha conduce a Bete Medhani Alem y a la izquierda a la Tumba de Adán.

La iglesia se dispone sobre un pedestal de desigual altura para compensar el desnivel del suelo.

 La primera hilera de ventanas es de estilo axumita, mostrando formas cruciformes de distintos tipos (cuadrada o griega, gamada o esvástica, latina, de san Andrés, de san Antonio, etc.).

En la segunda hilera solo se encuentra abierta una ventana central con forma de cruz latina.

La tercera hilera está formada por ventanas cuadradas o rectangulares. Sus tres puertas están enmarcadas con porches que han sido restaurados. Por encima de la entrada principal, en el lado oeste, un bajorrelieve bastante deteriorado representa dos figuras a caballo persiguiendo a dos animales.

Otras figuras parecen representar un cocodrilo, un león alado y un gran pájaro. El interior se divide en tres naves por medio de dos hileras de cinco pilares, más otros dos en el sancta sanctorum. Los capiteles, ménsulas y arcos están profusamente tallados y pintados.

Los arcos conectan los pilares transversal y longitudinalmente. La bóveda de la nave central muestra restos de pinturas.

Las de las naves laterales son más bajas y están decoradas con flores. Los tres ábsides, de escasa profundidad, están tallados en la pared, situados a un nivel superior y separados del resto de la iglesia por una arcada.

Enfrente de la arcada se dispone un pilar carente de base y de capitel y completamente envuelto en telas, debajo de las cuales se encuentran gravados los diez mandamientos en griego y, en ge’ez, la historia de cómo fueron construidas las iglesias y la historia del origen y del fin del mundo.

Según los sacerdotes, sería muy peligroso destapar el velo y exponer lo que esconde a la vista de seglares y paganos.

Dispone de una galería para mujeres a la que se accede por una puerta axumita en el lado izquierdo del atrio.

Un friso de ventanas axumitas recorre la pared de la galería de mujeres.

 Todo el interior se encuentra decorado con relieves y pinturas que representan escenas tales como la anunciación a Zacarías, la visitación de María a Isabel, la cena en la casa de Simón y el paralítico curado con su cama, así como símbolos religiosos entre los que se distinguen la cruz de Lalibela, la estrella de David, la esvástica, un águila de dos cabezas, la paloma, el ave fénix, el pavo… y símbolos locales como cebúes voladores, un elefante, un camello, etc., todos realizados con extraordinario realismo. El piso superior dispone de siete estancias para guardar tesoros.

Por su advocación mariana, es muy popular entre los etíopes y la más utilizada para cultos y ceremonias de todas las iglesias de Lalibela.

Adosada a la pared norte del patio se encuentra la pequeña iglesia de Bete Meskel (iglesia de la Santa Cruz), de apenas 9 × 4 m.

Su apariencia es más de capilla que de verdadera iglesia, pero dispone de autonomía litúrgica, de modo que su posición no deja lugar a dudas.

Se trata de una sencilla galería excavada en la roca, a un nivel inferior que Bete Maryam.

Consta de dos estancias separadas por tres pilares cuadrados con base y capitel, que soportan arcos o arquitrabes.

 La iglesia se comunica con una oscura cueva de uso desconocido, tal vez una cripta o un almacén.

De las dos estancias, la esculpida con mayor esmero se encuentra a nivel inferior, circundada por un escalón a lo largo del perímetro interno y con una gran cruz tallada en el techo.

 La fachada está decorada con diez lunetas que representan los diez mandamientos. Hay también dos ventanas: una tiene forma de cruz doble y la otra de cruz de Malta con agujeros ovalados entre sus brazos. En el fondo del lado derecho hay una ventana con forma de cruz griega.

En la pared sur del patio, y aún menor, se halla la iglesia de Bete Danaghel (iglesia de las Vírgenes), dedicada a las cincuenta monjas cristianas que fueron asesinadas por el gobernador romano Juliano el Apóstata en el siglo iv, cuya leyenda se encuentra en el Libro de los mártires etíopes. Mide 8,6 m de longitud y 3,6 m de altura, y se encuentra parcialmente por debajo del nivel del suelo del patio. Se sitúa en el lado derecho de Bete Maryam.

Su estructura es muy simple, con cuatro pilares que soportan arcos redondeados y el techo plano que adquiere forma abovedada sobre el altar.

La conexión de dos de los arcos, frente a la entrada, no se apoya en ningún pilar.

 El suelo está toscamente esculpido debido a la mayor dureza de la roca. Pese a su modestia, se considera una iglesia normal, utilizada también como cámara de oración. En el suelo del patio se encuentran excavadas una pila bautismal y otra pila más grande a modo de piscina, de 11 m de profundidad, donde son sumergidas las mujeres que no consiguen quedarse encinta con la creencia de que desaparecerá su esterilidad. Al encontrarse el nivel del agua unos dos metros por debajo del suelo del patio, las mujeres deben ser descendidas mediante un arnés y una cuerda.

En un tercer patio del grupo noroeste, se encuentran las iglesias gemelas de Bete Debre Sina (iglesia del monte Sinaí) y Bete Golgotha (iglesia del Gólgota o del Calvario) que, junto con una celda de ermitaño cruciforme conocida como la Tumba de Adán, forman el llamado «complejo funerario».

Su ambiente húmedo y oscuro le confiere un halo de santidad. Según una leyenda, el rey Lalibela está enterrado bajo el suelo del complejo funerario y la losa bajo la que reposa tiene poderes curativos. No es posible levantarla si no es con permiso de la autoridad eclesiástica.

 Por debajo de Bete Golgotha se encuentra la capilla Selassie, considerada el lugar más sagrado de Lalibela. El complejo que incluye Bete Debre Sina, Bete Golgotha y Selassie tiene una longitud de 25 m en su muro oeste; 9,5 m en el muro este; 11 m en el muro sur, y 10,5 m de profundidad de zanja.

Por el lado este se encuentra conectado a la roca en la mitad de su longitud. La parte libre se alza sobre un pedestal formado por tres escalones.

Se accede desde la zanja mediante tres escalones inclinados. Los muros externos tienen dos hileras de ventanas: las inferiores cruciformes y las superiores con forma de cerradura.

En el lado este, dos de ellas están decoradas con palmas y tienen arcos apuntados. Ambas permiten la entrada de luz al interior de la celda de Jesús y a la cripta de Selassie.

El interior de Bete Debre Sina tiene una planta rectangular de 9,5 × 8,5 m, 5 m de altura, y se divide en tres naves mediante dos hileras de pilares cruciformes coronados por capiteles decorados con cruces griegas.

En el muro norte, una angosta puerta flanqueada por arcos decorados con garras y cruces griegas conduce a la capilla de Bete Golgotha, cuyas dimensiones son iguales a las de la anterior.

Se divide en dos naves separadas por tres pilares cruciformes.

Su interior es el único lugar de Lalibela donde no está permitido el acceso a las mujeres.

Hay siete relieves de santos de tamaño real tallados en las paredes, si bien los nombres que aparecen sobre ellos son posteriores y no guardan relación con las figuras. En la esquina noreste hay un bajorrelieve que representa a Cristo muerto protegido por la figura de un ángel.

 En el lado opuesto se encuentra la llamada «Celda de Jesús», y una puerta abierta en la misma nave lleva a la cripta de Selassie.

Su planta es trapezoidal y sus muros tienen forma de herradura formando una bóveda en el techo, sostenida por un pilar de 5,4 m de altura. La cripta contiene tres altares monolíticos.

La última iglesia del grupo noroeste es Biet Uraiel, situada muy próxima a la Tumba de Adán y difícil de reconocer desde el exterior, al carecer de ventanas y fachadas aparentes.

Su interior es muy sencillo, sin apenas ornamento, semejando más una gruta, con el sancta sanctorum adosado a la roca. Contiene algunas pinturas interesantes, como la que representa la escena de Longinos atravesando el cuerpo de Cristo con su lanza en la crucifixión, o aquella en la que aparecen la sagrada familia, el arcángel san Gabriel y cuatro patriarcas de la Iglesia ortodoxa.

La salida occidental del patio está en la base de la Tumba de Adán, cuyo interior está decorado con pinturas de los reyes de Lalibela.

 Esta celda mide en su parte externa 2 m de longitud, 3,5 m de anchura y 5,5 m de altura, situada al final de la zanja de 25 m de longitud que conduce a las iglesias del grupo noroeste.

En cuanto a su significado, una interpretación bastante aceptada sería servir de introducción a este grupo de iglesias, ya que se cree que la cruz de Cristo fue clavada sobre la tumba de Adán.

En el lado izquierdo, se abren cinco pequeñas ventanas con forma de cruz coronadas por dos aperturas semicirculares más grandes, y por encima de ellas una gran ventana con travesaños cruzados y cabezas de monos.

En el lado derecho hay una puerta y dos ventanas con forma de garra a ambos lados, y por encima dos ventanas con forma de cerradura.

Tras cruzar la galería de entrada, dentro de la Tumba de Adán encontramos, a la izquierda, las grutas de Petros y Paulos, y a la derecha, la entrada a la zanja que rodea Bete Golgotha, Bete Meskel y Selassie.

Las grutas de Petros y Paulos, también llamadas Biet Hawaryat, consisten en tres habitaciones conectadas entre sí, groseramente excavadas en la roca.

 La primera de las estancias recibe la luz exterior a través de cuatro ventanas cruciformes. La segunda dispone de una apertura hacia la misma zanja.

No se conoce muy bien la finalidad de estas grutas, aunque la existencia de dos toscos pilares en la primera habitación parece sugerir la posibilidad de que se tratara de una iglesia cuya excavación se inició, pero por razones desconocidas luego fue abandonada.

Las iglesias del grupo sureste tienen un aspecto menos homogéneo en cuanto a su estilo constructivo. De hecho, se duda de que en su origen tuvieran una finalidad religiosa, ya que no se disponen siguiendo la orientación este-oeste.

Para otros, no hay duda de este extremo por cuanto representan el cielo, el purgatorio y el infierno, o bien representan la Jerusalén celestial, mientras el primer grupo representa la Jerusalén terrenal.

Todo el conjunto se encuentra dentro de una gran zanja, que en algunas zonas se estrecha considerablemente y alcanza cierta altura.

Se accede a través de cuatro puntos, y toda una serie de túneles y pasadizos interiores conectan entre sí las iglesias.

Uno de los túneles, el que conecta Bete Emanuel con Bethelehem, mide 50 m y tiene que ser recorrido completamente a oscuras.

A través de una estrecha zanja se accede a la iglesia de Bete Gebriel-Rafael (iglesia de los arcángeles Gabriel y Rafael), cruzando por una pasarela de madera construida por los italianos durante la ocupación (1935-1941).

Por su apariencia de fortaleza, algunos estudiosos del tema han considerado la hipótesis de que se tratara de la residencia del rey Lalibela.

Estudios más recientes parecen sugerir que esta iglesia, junto con la de Bete Merkorios, fue excavada como centro de un complejo palaciego fortificado en los siglos vii y viii, cuando el Imperio axumita se encontraba en proceso de desintegración. De ser así, son bastante anteriores al reinado de Lalibela y, por tanto, también a las iglesias del grupo noroeste. Vista desde el exterior, la iglesia de Bete Gebriel-Rafael se presenta imponente, al parecer aún más alta por la grieta que tiene debajo.

El patio circundante tiene una altura entre 9 y 15 m. En la base del pedestal que hay a la entrada de Bete Gebriel, hay una trampilla que lleva a una habitación subterránea de unos 8 × 10 m, sostenida por un pilar.

El exterior de la iglesia mite 17,5 m de anchura y 19,5 m de longitud.

 El complejo presenta también características peculiares no compartidas con las restantes iglesias.

Por ejemplo, carece de la división interna en naves y tampoco sigue la orientación habitual.

En la fachada se encuentran siete hornacinas ojivales, cinco de ellas con su correspondiente ventana de la misma forma, y las otras dos con puertas abiertas sobre el pedestal.

En el corto lado nordeste hay una hornacina similar. Los otros dos lados están unidos a la roca.

La puerta que conduce a Bete Rafael tiene también forma ojival, mientras la de acceso a Bete Gebriel tiene un marco decorativo de estilo axumita.

El interior resulta más pequeño de lo que el imponente exterior insinúa. Se compone de dos capillas con plantas diferentes e irregulares.

La del oeste es la de Bete Rafael y tiene dos pilares.

 La del este es la de Bete Gebriel y se encuentra dividida en dos espacios por medio de dos pilares, y tiene además dos celdas internas comunicadas entre sí, la segunda de ellas con tres hondas ventanas al patio en la trasera.

Ambas capillas se comunican por medio de una puerta. La única decoración interior son tres cruces latinas talladas en la pared.

Bete Gebriel tiene otra puerta en la pared opuesta a la entrada que comunica con el amplio patio (27 × 4,5 m) excavado detrás de ella, que contiene algunas sepulturas rupestres. En el lado nordeste de la iglesia hay tres bonitas ventanas con forma de cerradura y doble marco tallado.

La iglesia de Bete Abba Lebanos (iglesia de la Casa de Líbanos), según la leyenda, fue construida de la noche a la mañana por la esposa de Lalibela, Meskel Kebre, con la ayuda de un grupo de ángeles. Tiene una altura exterior de 7,5 m e interior de 6 m, una anchura exterior de 7,5 e interior de 5,4 m, y una longitud exterior de 9,5 m e interior de 7,8 m.

Aprovecha una oquedad del terreno, por lo que el techo está adosado a la roca, mientras los laterales y la fachada trasera se encuentran separados de la roca por estrechos túneles.

El patio que la rodea es espacioso, al que se accede a través de un pasadizo abierto en la roca por el lado sur, y a menudo es frecuentado por los fieles para la oración.

En su fachada principal, que es la orientada al sur, destacan cinco hornacinas verticales, y en la segunda de ellas empezando por la izquierda frente a la iglesia se alza la entrada encima de una plataforma a la que se accede por medio de cuatro escalones.

En las restantes hornacinas se abren ventanas cruciformes al mismo nivel que la entrada.

En la parte superior de las tres hornacinas centrales hay tres ventanas con forma de arco ojival, y en el nivel más alto se abren cinco ventanas cuadradas.

El interior tiene planta rectangular con dos líneas de pilares formando tres naves. Los pilares centrales tienen las aristas redondeadas.

Los arquitrabes están coronados por frisos, así como los arcos de la bóveda del techo de la nave central.

Al final de cada lado hay una puerta axumita ciega.

El ábside central se encuentra elevado y separado por un arco triunfal al frente y por arcos redondeados a los lados.

La iglesia en su conjunto da la impresión de encontrarse inconclusa, ya que en el lado sur la plataforma que la sustenta no está tallada.

Estas ventanas arqueadas y cruciformes, y su entrada, recuerdan influencias axumitas evidentes en algunas iglesias rupestres de Tigray, ciudad del norte de Etiopía donde se encuentra otro complejo de iglesias excavadas en roca. En el interior destaca una rendija por la que penetra la luz.

La capilla de Bethelehem (capilla de Belén) es un pequeño santuario que pudo haber sido una celda de ermitaño.

Tiene aspecto de torre circular o bastión. Su origen y su función no son del todo conocidos.

Mientras todas las iglesias poseen un único nombre, esta tiene cuatro: Bethelehem, la Celda de Ermitaño del rey Lalibela, la Tahona del Pan Sagrado y el Establo del Caballo de Lalibela.

 Algunos son poco verosímiles, pues el pasadizo, además de tortuoso, es demasiado pequeño para un caballo; no tiene sentido la existencia de tahonas cuando no hay ninguna en todo el país, y para una celda de ermitaño el acceso tiene una complicación innecesaria.

La más congruente sería la idea de panadería, dada la presencia de pequeños agujeros al nivel del suelo que podrían servir para evacuar el humo.

Además, muchas iglesias de Etiopía disponen de un habitáculo para elaborar el pan de la comunión.

Bete Emanuel (iglesia de Emmanuel) es un edificio monolítico de 11 m de altura, 11,5 de anchura, y 17,5 m de longitud.

Para muchos es la iglesia de estilo más refinado de todo el conjunto, tal vez por tratarse del templo privado de la familia real.

El patio donde se ubica mide 15,7 m de altura máxima, 24 m de anchura y 30 m de longitud. Dispersos en él se encuentran algunos bloques de piedra, y uno de ellos contiene una estrecha escalera que conduce a Bete Merkorios.

 De acuerdo con la tradición, algunas de las cuevas y catacumbas excavadas en el patio se hicieron para las abejas, en recuerdo de la leyenda del rey Lalibela.

A la esquina noroeste se encuentra una pila bautismal tallada en el suelo. La iglesia se encuentra enteramente elevada sobre un pedestal de tres escalones.

Su estilo combina elementos axumitas y características propias de las iglesias occidentales.

De hecho, sus muros exteriores imitan las bandas de madera y mampostería características de los palacios de Axum. En ellos se muestran tres filas de ventanas de diferentes estilos.

La superior y la inferior son de estilo axumita, con cruces insertas, mientras las centrales tienen forma de cerradura.

Tiene tres puertas de acceso, de estilo igualmente axumita, abiertas sobre un pedestal a nivel más alto que la base de la iglesia.

El interior es bastante similar al de Bere Maryam, pero sin el pilar central.

Una escalera cuidadosamente tallada conduce a la galería de las mujeres. Destaca un friso ornamental de ventanas ciegas en la parte superior de los muros de la nave central y de la orientada al norte, y la media cúpula por debajo del ábside, con su cruz meticulosamente tallada.

El techo de la nave central es abovedado, mientras el de las naves laterales es plano. Los muros interiores están decorados con una banda triple y todos los arcos están perfilados con molduras.

En el suelo del lado sur se encuentra una trampilla por la que se accede a un oscuro túnel subterráneo que conduce a los alrededores de Bete Merkorios, tras 15 m de recorrido.

Bete Merkorios (iglesia de San Mercurio) es una iglesia cueva, posiblemente la más antigua de todas, excavada en una cavidad irregular, con pilares desiguales.

Sus dimensiones externas son 6-8 m de altura, 25 m de anchura y 31 m de longitud. Tiene un sector hipogeo en la parte nordeste.

 Es también una iglesia bastante peculiar, con algunas características diferenciales. Por ejemplo, no está orientada en la dirección este-oeste; se compone de dos secciones a diferentes niveles, la superior un metro más elevada; su planta tiene forma de triángulo irregular; no es posible reconocer una fachada principal, y, además, carece de bajorrelieves, frisos u otros elementos decorativos.

Tiene tres amplias entradas rectangulares situadas entre toscos pilares.

Estos puntos de acceso se encuentran cegados actualmente.

 Los pilares están conectados con arcos en parte destruidos.

En el interior, la estancia principal se divide en tres espacios mediante cuatro hileras de dos pilares cada una.

Frente a la entrada principal se encuentran tres pequeñas celdas separadas por un muro, cada una accesible por medio de una puerta arqueada.

La celda central se comunica con una galería abierta en el patio de Bete Emanuel, posiblemente cerrada antiguamente por medio de una reja de hierro, como parecen indicar los agujeros todavía visibles en los muros.

En la celda de la izquierda hay una trampilla seguida de unas escaleras que conducen al patio de Bete Emanuel.

La presencia de grilletes de hierro en una grieta puede indicar que anteriormente tuvo una función penitenciaria.

La última iglesia del conjunto es Bete Giyorgis (iglesia de San Jorge). Se trata de un monolito aislado excavado por debajo del nivel del suelo en un patio delimitado por paredes verticales, 13 m de profundidad, 22 m de anchura y 23 m de longitud.

 Es la más majestuosa de todas las iglesias de Lalibela.

 Su vista desde lo alto de la roca se hace aún más sobrecogedora al desplegarse tras ella, como telón de fondo, las montañas de Lasta.

Tiene una altura de 13 m, una anchura de 12,5 m y una longitud de 19,9 m, y es la única con forma cruciforme simétrica.

De acuerdo con la leyenda, fue la última iglesia en ser construida, ya que se hizo a instancia del propio san Jorge, enojado por no habérsele dedicado ninguna de ellas. Lalibela le prometió que construiría para él la mejor de todas las iglesias.

 Se accede a ella a través de un túnel, en cuyas paredes hay unos agujeros que se dice son las huellas del caballo de san Jorge quien, emocionado por la promesa de Lalibela, cabalgó por la pared hasta la entrada del túnel.

 En las paredes del patio hay varias tumbas y catacumbas, algunas con huesos humanos en su interior.

Se accede a través de un camino excavado que concluye en un corto túnel que da acceso al patio y antes, a la derecha, a una cámara llamada la Casa de los Pobres.

 El edificio es una cruz griega tridimensional, por lo que tiene doce caras con ventanas y puertas. Sobre el tejado, bien visible desde lo alto de la roca, se encuentra tallada una cruz triple, que no solo tiene función decorativa sino que también facilita el drenaje del agua de lluvia.

Gracias a ello, y tal vez a la mayor resistencia de la roca, es la iglesia mejor conservada y la única que no necesita cubierta. La fachada está recorrida por líneas horizontales talladas en todo su perímetro, que la dividen en cuatro cuerpos.

En el tercero se abren ventanas ojivales, una en cada cara, similares a las de Bete Golgotha.

Las bandas horizontales disimulan el aumento del grosor de los muros de arriba hacia abajo.

 Las tres puertas, situadas en el lado oeste, tienen las típicas vigas salientes del estilo axumita.

 La del centro está, además, resaltada con un marco.

En el interior no hay pilares, sino cuatro pilastras con forma de cruz unidas a las esquinas de los muros, que soportan los cuatro arcos que separan la zona central de los brazos.

Ello es consecuencia lógica de su planta cruciforme, aunque podría tener un significado simbólico.

Durante la celebración de la epifanía (bautismo de Cristo), la congregación se reúne bajo dos olivos situados al este de la iglesia, cerca del borde del precipicio del patio.

 En el brazo oeste se encuentra el atrio, mientras en el este, sobre una plataforma elevada, se encuentra el sancta sanctorum, cubierto con una cúpula semicircular decorada con una cruz de Malta.

 El techo de la parte central forma una ligera curva, careciendo de decoración.

Un sencillo friso recorre las paredes en todo su perímetro en correspondencia con las líneas horizontales exteriores.

Otro friso similar discurre paralelo a los arcos.

http://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/las-iglesias-monoliticas-de-lalibela-en-etiopia-patrimonio-de-la-humanidad-784309/html/

https://www.bbc.com/mundo/vert-tra-41089177

http://barbiegirltravelsarts.com/2018/04/15/el-misterio-las-iglesias-talladas-la-roca-lalibela/

http://nurianomada.blogspot.com/2015/01/el-misterio-de-lalibela.html

https://www.larazon.es/viajes/20200320/5ilihr424feivibdzgmbcjxxne.html

https://elpais.com/diario/2011/05/28/viajero/1306616895_850215.html

Bernard Zehrfuss y el edificio de la UNESCO en París

UNESCO

Arquitecto francés que nace en Angers el 20 de octubre de 1911 y fallece en Neully sur Seine, 3 de julio de 1996.

People sitting at tables in the restaurant on the 7th floor of the UNESCO Headquarters (or Maison de l’UNESCO) on Place de Fontenoy in Paris, France, March 1961. The combined work of three architects (Bernard Zehrfuss, Marcel Breuer, and Pier Luigi Nervi) the building opened in November 1958. (Photo by Gunter Reitz/Pix/Michael Ochs Archives/Getty Images)

Representante en Francia de las tendencias arquitectónicas funcionalistas que emplea  acero, vidrio, aluminio y materias plásticas.

Destaca en su obra, la fábrica Renault, en Flins (1951), el centro nacional de la industria y la técnica de la Défense de París (junto con Camelot y Mailly, 1958), el palacio de la Unesco en París (en colaboración con Breuer y Nervi, 1958) y, en Tunicia, la nueva universidad (1963) y varios edificios públicos.

Nace en Angers, en una familia que huye de Alsacia en 1870 por la guerra franco-prusiana.

1914 su padre muere en la primera batalla de Marne.

UNESCO Headquarters in Paris. Marcel Breuer and Bernard Zehrfuss, Architects

18 años, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París y al terminar gana la beca al Colegio Frances de Roma en 1939 (también el año de su primera gran diseño, para el Estadio Sebastien Charlety de París, pero la Segunda Guerra Mundial le impide la estancia en la Villa Medici de Roma.

Después de una breve estancia en Niza, se convierte en un asistente de Eugene Beaudoin en su despacho de Marsella.

Mas tarde funda una comuna artística efímera en los alrededores Oppede, en la que esta el escultor francés François Stahly y a la escritora y artista Consuelo de Saint Exupéry. 

1936 va a luchar a España con las Fuerzas Francesas Libres.

En Argelia y Túnez controladas por Francia desde 1943 hasta 1953, Zehrfuss es nombrado para la Dirección de Obras Públicas y construye muchos proyectos de vivienda, escuelas y hospitales con bastante éxito.

A su regreso a Francia, es nombrado Arquitecto Jefe de Edificios Públicos y Palacios Nacionales y participa en la sede europea de la UNESCO de 1953, en colaboración con Marcel Breuer y Pier Luigi Nervi y el Centro de Nuevas industrias y Tecnologías de 1958, uno de los primeros edificios de la Defense.

Birth Of The Cnit Of La Defense. Les architectes: Jean de Mailly, Robert Camelot, Bernard Zehrfuss. (Photo by Maurice Jarnoux/Paris Match via Getty Images)

1960-1970 estos se encuentran entre muchos proyectos de vivienda y embajadas francesas que erige durante esta década.

1975 diseña el nuevo edificio del Museo Galorromano de Lyon. 

Museo galorromano de Lyon

1983, Zehrfuss es elegido miembro de la Academia de Bellas Artes, donde se convierte en secretario perpetuo en 1994, sucediendo a Marcel Landowski.

1996 fallece en Neully sur Seine.

El encargo de la sede en París de la UNESCO catapulta a Marcel Breuer, que actúa entonces a nivel regional especializado en arquitectura residencial, a lo más alto en la escala internacional de arquitectos estrella.

Marcel Breuer
Marcel Breuer

Convocado por Walter Gropius y en equipo con el francés Bernard Zehrfuss y el italiano Pier Luigi Nervi, célebre por sus construcciones de hormigón, Breuer se encarga del diseño de las fachadas y los espacios exteriores.

Tras un primer proyecto duramente criticado y destinado a otro emplazamiento, los arquitectos presentan la propuesta para el complejo entre 1955-1958.

Alberga un edificio de secretariado (de ocho pisos y una planta en Y), el edificio de conferencias de forma trapezoidal y el edificio de oficinas de cinco pisos y planta cuadrada en la zona posterior.

Los extensos espacios exteriores se jerarquizan con la Figura reclinada de Henry Moore y dos murales de Joan Miró.

Henry Moore’s sculpture ‘Reclining Figure’ outside the UNESCO headquarters on Place de Fontenoy in Paris, France, March 1961. (Photo by Gunter R. Reitz/Pix/Michael Ochs Archives/Getty Images)

Originalmente, el acceso a este parque es libre.

En la actualidad, todo el complejo está protegido con muros y cercos, y se accede a él por lo que en realidad es la parte trasera del edificio alto.

1965, Zehrfuss construye en el jardín el edificio IV, que consta de dos pisos bajo tierra cuyas oficinas son iluminadas naturalmente por seis patios interiores.

Las ochocientas oficinas del edificio en altura están soportadas por setenta y dos columnas.

 Originalmente, el área de la planta baja esta acristalada en torno a los apoyos inclinados de hormigón de siete metros de altura.

Todas las paredes exteriores de las plantas superiores son de muro cortina.

Los tres testeros son ciegos y de travertino; las fachadas largas hacia el este y el suroeste están acristaladas; el frente norte muestra una fachada de travertino con ventanas de forma apaisada dispuestas alternadamente.

Según la orientación, hay cuatro sistemas de protección solar.

El de la fachada principal está compuesto por parrillas de hormigón, aleros de travertino, barras de metal y vidrio solar, elementos que dotan a la fachada de plasticidad.

Un ala de transición y de escasa altura, llamada Salle des Pas Perdus, articula el edificio alto con el centro de conferencias, que alberga una sala grande, otra pequeña, espacios de recepción y oficinas.

Sala de los pasos perdidos

Los testeros y la cubierta en alas de mariposa son de hormigón plegado.

Nervi quiere restringir su uso al techo, pero Breuer argumentaba a favor de una aplicación en las fachadas de hormigón, un motivo del que se sirve en posteriores proyectos.

Las fachadas largas presentan travertino pulido, granito rugoso y superficies de vidrio características de todo el complejo que vive del estímulo de los contrastes de formas y materiales.

https://arquitecturayempresa.es/noticia/sede-de-la-unesco-en-paris-recordando-la-arquitectura-de-marcel-breuer

February 16, 1967, the architect Bernard ZEHRFUSS in his office. (Photo by Manuel Litran/Paris Match via Getty Images)

¿Nazca Land Art?

La primera referencia que se tiene sobre estas señales es la del español Pedro Cieza de León en 1547.

1568 después de que Cieza de León observe señales sobre la llanura desértica, el corregidor Luis Monzón quiere interpretarlas y en 1568 opina que las líneas son carreteras.

Aunque pueden ser vistas parcialmente desde las colinas próximas, los primeros en distinguirlas son pilotos militares y civiles peruanos.

1932 los arqueólogos Julio Cesar Tello y Toribio Mejía Xesspe hacen la primera investigación científica sobre las líneas.

Tello piensa que se trataba de simples caminos.

 1942 prosigue sus investigaciones el historiador estadounidense John Rowe, quien las considera centros de adoración.

Este enigma le entusiasma hasta su muerte en 1969.

Su discípulo, el matemático Max Uhle, que dedica 60 años al estudio de los geoglifos, aventura la hipótesis de que dichos dibujos tienen un significado esencial, puede tratarse de un gigantesco calendario.

Paul Kosok, antropólogo norteamericano que investiga las líneas de Nazca desde la década de 1930 hasta fines de los 50, determina mediante la técnica del Carbono 14 su antigüedad en 550 años d. C. y en 1941 propone la hipótesis que las líneas son signos calendáricos y astronómicos.

Llama a las líneas El calendario de mayor escala en el mundo.

1949, su compañera la alemana Maria Reiche sigue sus investigaciones sobre las líneas de Nazca y dedica el resto de su vida al estudio, conservación y difusión de este legado de la cultura nazca.

Reiche consiguió que el gobierno de Perú construyera una torre de observación junto a la carretera panaméricana.
Maria Reiche encontró similitud entre el dibujo del mono y la Osa Mayor. Crédito: Markus Leupold-Löwenthal

Kosok y Reiche adelantan una de las primeras explicaciones dadas sobre las líneas de Nazca, que estas tienen como propósito apuntar al sol y a los cuerpos celestes en el lejano horizonte.

Henri Stielin en su libro Nazca. La solución de un enigma arqueológico (1983) plantea que las rectas funcionan como telares y las figuras tienen un carácter protector. Aunque la hipótesis no ha sido demostrada, la obra es una aproximación sensata al enigma de nazca.

1996 el primer estudio de campo sistemático sobre estos dibujos se debe, tras cinco temporadas de trabajo de campo, al equipo arqueológico de la Fundación Suiza Liechtenstein para las Investigaciones Arqueológicas en el Exterior, encabezado por los arqueólogos  Markus Reindel y Johny Isla Cuadrado desde 1996.

Han documentado y excavado más de 650 yacimientos y han conseguido trazar la historia de la cultura que genera estos dibujos, además de darles un sentido científico…

Vistas de cerca, estas líneas se convierten en simples surcos en el suelo. Las características geológicas de la pampa propician que no sea necesario mucho más para obtener un resultado visible.

La superficie está compuesta por una capa de guijarros de un color rojizo oscuro causado por la oxidación, que cubre otra de un color amarillento claro.

La coincidencia de los motivos de la cerámica nazca con las figuras dibujadas en la llanura lleva a los arqueólogos a concluir que las líneas son hechas 200-600 a. C.

Los nazcas se limitan a retirar las piedras superiores siguiendo un trazado que previamente señalan con estacas, unidas por cordeles, a partir de un modelo a escala menor.

Las piedras eliminadas sonn acumuladas en pequeños túmulos que todavía se conservan.

El método de trabajo es completamente reconstruido a partir de las pruebas recogidas por las expediciones arqueológicas.

El aprovisionamiento de agua juega un importante papel en la región.

Las excavaciones sacan a la luz pequeñas cavidades en los geoglifos en las que se encuentran ofrendas religiosas de productos agrícolas y animales, sobre todo marinos. Los dibujos forman un paisaje ritual cuyo fin debe ser propiciar la invocación del agua. Además se encuentran estacas, cordeles y ensayos de figuras.

De estos elementos tan simples se sirven los antiguos pobladores de Nazca para trazar los dibujos.

Asimismo, hay que recordar que es una de las zonas más secas del mundo, lo que favorece la conservación de los dibujos.

Una investigación de Nicola Massini y Giusepe Orefici en Pampa de Atarco, cerca del centro ceremonial de Cahuachi,  pone de relieve una relación espacial, funcional y religiosa entre los geoglifos y los templos de Cahuachi.

Con la ayuda de técnicas de detección remota satelital, los investigadores italianos detectan y analizan cinco grupos de geoglifos, cada uno caracterizado por distintos motivos, patrones y funciones.

El más importante se caracteriza por motivos serpenteantes o en zigzag con una clara función ceremonial, trapecios y líneas que convergen hacia las pirámides de Cahuachi.​

Una reciente investigación publicada en 2021 en el  Journal of Tourism and Heritage Research determina que las líneas de Nazca son un complejo sistema de gestión de agua, un uso muy perfeccionado de la ya conocida técnica preinca llamada cosechas de agua.

El español Carlos Enrique Hermida García, director de diseño en Ingeniería, presentará en febrero junto a su equipo uno de los mayores descubrimientos del mundo de la arqueología a nivel internacional: El misterio de las Líneas de Nazca: Son un complejo sistema de canales de riego.

La investigación realizada a través de métodos de ingeniería civil destaca que las Líneas de Nazca son en realidad un complejo sistema de canales para el riego de vastas extensiones del desierto, una técnica preinca ya conocida como cosechas de agua.

Un descubrimiento que marca un antes y un después en la concepción que el mundo tenía de este yacimiento arqueológico de Perú, unos enormes geoglifos que se han convertido hoy en día en uno de los principales atractivos turísticos del país andino.

Salvar Nazca, el equipo internacional multidisciplinar responsable del descubrimiento, está dirigido por Carlos E. Hermida, el coautor principal es el investigador peruano Luis Cabrejo, y lo completan la turismóloga y doctora en Historia del Arte Ana Mafé García y el ingeniero de Caminos, Canales y Puertos, Xosé Manuel Carreira Rodriguez.

El proyecto se presentará en el VII Congreso Internacional Científico Profesional de Turismo Cultural, considerado el mejor del sector en toda Europa, dirigido por la Dra. y Catedrática Mª Genoveva Millán Vázquez de la Torre, y que se celebra de forma online este próximo 17, 18 y 19 de febrero de 2021 desde la ciudad de Córdoba (España), con la ponencia titulada Turismo Arqueológico en Perú: las Líneas de Nazca como sistema de riego para mega cosechas de agua.

La divulgación de este estudio lleva a entender a partir de ahora las famosas líneas de Nazca como un complejo sistema de gestión del agua para el riego de vastas extensiones del desierto, que tenía el objetivo de controlarla y aprovecharla en las diferentes estaciones del año ante unas condiciones de humedad tan cambiantes en aquella región.

Salvar Nazca es un proyecto de unión entre diferentes profesionales e investigadores que lleva realizando trabajos de campo desde hace más de ocho años.

El estudio se realizó dentro del área en la que se encuentran las Pampas de Jumana en el desierto de Nazca.

Ha sido necesario recopilar 3750 imágenes por satélite y se ha creado un mosaico de 75 filas y 50 columnas.

La zona abarca un estudio de 2500 kilómetros cuadrados.

Cada geoglifo, línea y estructura de la zona ha sido estudiada respetando y cotejando la cartografía oficial del Departamento de Ica.

https://www.viajandoporelmundomundial.com/lineas-de-nazca-peru-tour-precio/

https://es.wikipedia.org/wiki/L%C3%ADneas_de_Nazca

https://www.bbc.com/mundo/noticias-america-latina-50467520

https://www.elconfidencial.com/alma-corazon-vida/2015-05-07/el-misterio-de-las-lineas-de-nazca-resuelto_789817/

https://www.nationalgeographic.com.es/temas/lineas-de-nazca/fotos

https://agroinformacion.com/desvelado-el-misterio-de-las-lineas-de-nazca-son-un-complejo-sistema-de-canales-de-riego/

https://agroinformacion.com/desvelado-el-misterio-de-las-lineas-de-nazca-son-un-complejo-sistema-de-canales-de-riego/

https://www.bbvaopenmind.com/ciencia/grandes-personajes/maria-reiche-y-la-tecnologia-tras-las-lineas-de-nazca/

https://www.lugaresconhistoria.com/nazca-peru

La Case Study House, el sueño americano ,Thornton Abell (1906-1984)

Thornton Abell

Es un arquitecto con base en California. Nace en South Haven, Michigan.

1924-1925 asiste a la Universidad de Michigan.

Thornton Abell

 1927-1928, Universidad de California, Berkeley 

Thornton Abell

1928-1931 Licenciatura en arquitectura, Universidad del Sur de California 

Thornton Abell

1925-1926 trabaja con Clare C. Hosmer en Sarasota

Thornton Abell

1926-1927 con Joseph J. Kucera, Pasadena

Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell

1930-1942 con Marsh, Smith y Powell, Los Ángeles. 

1943, crea su despacho. 

Sus archivos están en UC Santa Barbara. 

Thornton Abell
Thornton Abell
Thornton Abell

1953-1965, Abell enseña en la Escuela de Arquitectura de la USC de Santa Barbara. 

Thornton Abell

Es criador de iris de renombre mundial y desarrolla lo que se llama Black Iris. 

Thornton Abell
Thornton Abell

1945-1948 con los cristales hasta el techo, la Case Study House n.° 7 de San Gabriel, California, de una sola planta y construida con bloques de hormigón, presenta la particularidad de una luz cenital sobre un espacio con plantas del interior de la casa.

Case Study House Nº 7 es proyectada y construida por Thornton Abell entre 1945 y 1948 en San Gabriel.
La casa está situada en una parcela horizontal irregular. Las necesidades de la familia eran los de una típica familia pequeña. Gente activa con una hija pequeña; el padre, aficionado a la fotografía, necesitaba un lugar para estudiar y trabajar cuando estába en casa; la madre, interesada en la cocina, costura y jardinería, y también con intereses musicales junto con la hija pequeña. Los requisitos debían cumplirse con un mínimo de costo, pero con la máxima flexibilidad y amplitud, y con un aprovechamiento máximo de la vida interior y exterior.
Tal como se desarrolló, la vivienda se compone de una sala de estar con tres zonas: una para el estudio, uno para la actividad, y uno totalmente fuera de las circulaciones para la relajación y la conversación. Las tres zonas se pueden combinar para el entretenimiento y amplia sala de estar, sin embargo, pueden separarse rápidamente por paneles deslizantes para su uso independiente.
Tal como se ha indicado, la sala de estar puede separarse del resto de zonas por paneles deslizante y hay una piscina justo fuera de sus ventanales hacia la terraza, y la amplia protección de alero. Estos elementos, así como su ubicación fuera de los recorridos de la casa, pretenden crear un ambiente de serenidad y reposo.
Las zonas de dormir se separan del resto de la casa por muros de mampostería, y cuentan con un patio protegido de las vistas desde la calle mediante un murete.
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Case Study House
Case Study House
Case Study House.
Case Study House
Case Study House

1937 destaca su propia casa de Santa Monica Canyon, una casa prototipo para la Exposición del Hogar y la Industria de la Construcción del Sur de California de Los Ángeles (1952) y su edificio de oficinas de Los Ángeles (1954).

En sus lujosas villas posteriores, como en 1966 la Casa Lebrun de Zuma Beach o en 1967 La casa Rich de Brentwood, el tejado ya no es una superficie plana que sobresale.

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LeBrun+House+malibu+latimes.com, Thornton Abell

Ejerce la docencia en el Chouinard Art Institute de Los Ángeles…

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Las Case Study Houses son un experimento de la arquitectura residencial estadounidense, patrocinado en 1945 por la revista Arts & Architecture de los Ángeles, que encarga a los arquitectos de moda de la época diseñar y construir prototipos de casas baratas y eficientes, debido a la demanda de viviendas que sobrevino en Estados Unidos al finalizar la Segunda Guerra Mundial y al regreso de miles de soldados.
Durante la segunda guerra mundial Estados Unidos invirtió en el desarrollo de la industria siderúrgica para la fabricación de armamento.

Al finalizar la guerra se encuentran con la necesidad de buscarle un nuevo uso a las infraestructuras siderúrgicas que se habían creado y ya no eran necesarias.

Por este motivo que la revista Arts & Architecture y su editor, John Entenza, organiza un concurso de ideas en el que los arquitectos de la época puedan aportar ideas y propuestas de como aprovechar esa industria ya establecida para la fabricación de elementos metálicos aprovechables en construcción.

Case Study House

Utilizando la revista como vehículo, el objetivo de Entenza era permitir a los arquitectos diseñar y construir viviendas modernas de bajo coste para los clientes del momento, con materiales donados por la industria y fabricantes a la vez que lograr una amplia publicidad dando a conocer sus esfuerzos.


Con anterioridad al inicio oficial del programa de 1945, Entenza ya patrocina concursos en la revista para el diseño de pequeñas casas de cara el próximo período de postguerra, anticipándose al creciente interés de los arquitectos en el tema.


Entre los arquitectos que participan en el programa se encuentran nombres como Richard Neutra, Raphael Soriano, Craig Ellwood, Charles y Ray Eames, Pierre Koenig y Eero Saarinen.

Case Study House

Este grupo de jóvenes arquitectos conciben la arquitectura como una tarea social, un urbanismo democrático y moderno al alcance de todos.

Case Study House

Sus proyectos se acercan más al bloque de viviendas Weißenhof en Stuttgart, de Mies van der Rohe que a los trabajos de Le Corbusier o F.L.Wright en Le Ville Radiente o Broadacre City.

Case Study House


1966, fecha en que finaliza el proyecto, y pese a que muchos de los primeros diseños no se llegan a construir y pocos de los que sí son realizados cumplen la función prevista de prototipos reproducibles y el programa Casa Study House logra crear algunos de los más importantes trabajos de la arquitectura residencial.

Case Study House


De los 36 diseños proyectados no todos son construidos, las primeras 6 casas se realizan en 1948 y atraen a más de 350.000 visitantes.

Case Study House

La mayoría de las viviendas son levantadas en California y una en Phoenix, Arizona.

Case Study House


Mientras que con el tiempo el término Case Study House es  sinónimo de un tipo de residencia moderna construida a una escala modesta, y sencilla, con materiales de bajo coste y un marcado énfasis interior-exterior, en la actualidad las casas construidas bajo los auspicios del programa durante 21 años representan una amplia gama de diferentes sensibilidades en el diseño arquitectónico.

Case Study House

Las construcciones más conocidas dentro de CSH son las casas de acero y cristal realizadas por Charles y Ray Eames, Craig Ellwood, Pierre Koening y Raphael Soriano.

Case Study House

Entre los diversos ejemplos del programa, éstas se aproximan más al espíritu del Estilo Moderno Internacional y su rigurosa aplicación de métodos y materiales industriales en la construcción de arquitectura residencial.

Case Study House

El programa también abarca un considerable trabajo no tan tecnológico pero no menos moderno.

Case Study House

Se trata de postes y vigas o marcos de madera como los utilizados en las casas realizadas por los arquitectos Thornton Abell, Julius Ralph Davidson, Richard Neutra o Rodney Walker.

Case Study House
Case Study House


La casa como laboratorio para la experimentación con materiales, técnicas de construcción y estética, es un tema persistente a lo largo de la historia de la arquitectura moderna.

Case Study House

 En Los Ángeles el programa es parte de una continua práctica experimental de diseños residenciales a lo largo del siglo XX.

Case Study House

Case Study es un producto de su tiempo y lugar, el resultado de una convergencia de factores históricos, económicos, tecnológicos, sociales y culturales de mediados de siglo en ese lugar, que atrae una generación innovadora de arquitectos de vanguardia, sensibles con el clima y el paisaje de California que permite un estilo de vida informal, próxima a la naturaleza y a su cultura de invención, a la ausencia de estructuras opresivas y tradicionales.

Case Study House

Al mismo tiempo todo el movimiento está inspirado en las premisas sociales del modernismo internacional que esta en esos momentos en Europa.

Case Study House
Case Study House de Eames

https://archxde.com/arquitectos/abell-thornton-montaigne/

https://blogs.salleurl.edu/es/tech-architecture/2010/11/29/case-study-house

http://oa.upm.es/62787/1/TF_Jun20_Cid_Izquierdo_EvaMaria.pdf

824. Thornton Abell /// Case Study House 07 /// San Gabriel, California, USA /// 1948

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://www.dirt.com/gallery/more-dirt/design/thornton-abell-midcentury-house-bel-air-1203382025/&prev=search&pto=aue

https://es.wikipedia.org/wiki/Case_Study_Houses

http://mid2mod.blogspot.com/2012/10/thornton-abell.html

http://valenciaisawesome.blogspot.com/2014/02/case-study-house.html

https://michaellafetra.com/abell-689-elkins-road/

https://docplayer.es/12008707-03-04-04-1959-60-csh-21-csh-22-hollywood-hills-pierre-koenig.html

Elizabeth A.T. Smith del libro

‘CASE STUDY HOUSES – The CSH complete program 1945-1966

http://www.artsandarchitecture.com/case.houses/pdf01/csh_announcement.pdf

https://rpharteyarquitectura.weebly.com/week-4.html

Eros y Posmodernidad, Eric Fischl

1948 nace en Nueva York, Estados Unidos.


1970-1972 en principio estudia en Phoenix, Arizona, y después, en el Institute for the Arts de California.

Durante un tiempo reside en Chicago y trabaja como guardia de seguridad en el Museo de Arte Contemporáneo.

1974-1978 ejerce como profesor en la Nova Scotia College of Art and Design de Halifax, Canadá.

Pintor y escultor, ubicado en el movimiento Postmoderno por unos y por otros en el Neoexpresionismo, o cercano al Bad painting.

Expone de forma individual por primera vez en la Dalhousie Art Gallery de Halifax.

En sus obras más tempranas sus pinturas están más cercanas al abstracto, pero desde 1976, comienza a introducir elementos figurativos.

1970 a finales su realismo consigue fuerza expresiva, dejándose ver en sus cuadros las influencias de Max Beckman y Lucien Freud por un lado, y la de los naturalistas norteamericanos Wislow Homer, John Singer Sargent o Edward Hopper por otro.

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El tema de sus pintura es en muchos casos de contenido sexual o erótico, con frecuentes representaciones de cuerpos desnudos, siempre con aire enigmático, en ocasiones angustioso, u opresivo, enfatizados con de colores apagados, que acentúan la expresividad de sus figuras.

De esta manera el artista llama la atención sobre la evaluación de los valores morales y la ética de la actual sociedad en su país.

Su obra está en numerosos e importantes museos de todo el mundo y en más de mil publicaciones de prestigio.

Su enorme éxito, premios y logros conseguidos a lo largo de su carrera hacen de él uno de los pintores figurativos más influyentes e importantes de finales del siglo XX y principios del XXI.

Sus escultura, pintura, dibujos y grabados están presentes en las más prestigiosas colecciones privadas y públicas de todo el mundo.

Sus obras están en el Metropolitan de NY, el Museo Whitney de Arte Americano, Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, St. Louis Art Museum, Louisiana Museum of Art en Dinamarca Beaubourg, Museo de París, en la Colección Paine Weber, entre otros.

Es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras y de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.
Vive y trabaja en Sag Harbor, Nueva York.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/9-invitados-con-arte/41515-entrevista-eric-fischl

trianar

Fusión, Jean François Zevacos

The fundamental things apply as time goes by

 1916-2003, arquitecto franco-marroquí nacido en Casablanca. 

Figura emblemática del movimiento arquitectónico modernista en Marruecos y en África, su legado es importante por la cantidad de construcciones erigidas en Marruecos, la diversidad de su obra y el aura internacional.

1945 después de terminar sus estudios en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París y Marsella, abre un despacho en Marruecos y comienza una carrera que va del 1947 al 1999. 

Marca la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX con una obra moderna en  diálogo con el entorno que lo rodea.

1916 nace en Casablanca el 8 de agosto en una familia francesa de Córcega.

1937 ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París, donde se incorpora al estudio Pontrémoli-Leconte

Continua sus estudios en Marsella en el estudio de Eugène Beaudoin durante la ocupación nazi del norte de Francia durante la II Guerra Mundial.

Regresa a Casablanca después de la guerra y abre un despacho improvisado ocupando la galería de la casa familiar. 

Luego se instala con su socio Paul Messina en la rue Bugeaud y más tarde abre su propio despacho en 7 Passage Sumica.

Hasta 1954 es asociado de Paul Messina

1949 hace Villa Craig su primer proyecto de arenisca gris, persianas amarillas, elementos visuales verdes y naranjas y una puerta roja, con la que el edificio llama la atención en un entorno de casas encaladas blancas.

Empieza su carrera diseñando villas privadas como en 1947-1949 Villa Sami Suissa, también conocida como la Pagode es un gran escándalo y acontecimiento a la vez, donde los elementos tradicionales y modernos se combinan entre si

Realizada para un adinerado promotor inmobiliario judío, el prisma de la casa parece expandirse gracias a las terrazas voladas de la planta alta, cuyas formas curvadas y encuentros agudos se convirtieron en un reclamo vanguardista. El interior cuenta con elementos decorativos realizados por el prestigioso taller Vincent Timsit. Recientemente restaurada, actualmente funciona como restaurante.

1949 Villa Gilardi

Aziza Chaouni describe este edificio como la reacción de Zevaco a la arquitectura moderna de California.

En contraste con la Europa de la posguerra, Casablanca es a mediados de siglo una ciudad pujante en expansión que atrae inversiones de todo el mundo, una ciudad en medio de la euforia y un campo fértil para la experimentación arquitectónica.

Sus villas blancas con enormes voladizos y protectores solares incisivos resultan escandalosos tanto por su contraste con la arquitectura neomorisca de la administración colonial como por la audacia y destreza técnica en el uso del hormigón. 

1950, se une al Grupo de Arquitectos Modernos Marroquíes (GAMMA) —la rama marroquí del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM) —cuando es creado por Michel Ecochard. 

Las actividades de GAMMA continúan hasta 1959. 

1952 erige la Fabrica Vincent Timsit en el distrito de Roches Noires en el este de Casablanca. 

Después de la Independencia del país, una continuidad de lenguaje y discurso es efectivamente transmitida por muchos miembros fundadores del grupo que permanecen en Marruecos y que defienden una modernidad basada en una relación con el sitio local y el clima. 

Contra la corriente del funcionalismo de tipo internacional y como el modernismo brasileño o mexicano de la posguerra, produce una obra singular y marroquí, una arquitectura-escultura sublimemente inervada por el tiempo y el espacio en el que evoluciona. 

1951-1953 en Tit Mellil, diseña junto a Dominique Basciano y Paolo Messina, la casa del club del aeródromo de Tit Mellil de Casablanca.

Recurriendo al hormigón como un material dotado de características escultóricas, y teniendo presente el ejemplo de la arquitectura brasileña contemporánea, Zevaco, junto a Domenico Basciano y Paolo Messina, proyectaron la terminal de Tit Mellil (1953) de formas onduladas y sinuosas.

Este cuerpo arquitectónico esta levantado sobre pilotes conicos

Asimilando la lección corbusieriana, la estética brutalista será un nuevo punto de experimentación formal, en obras donde se combina con un importante sustrato local. Un ejemplo significativo es la clínica construida, en 1956, en Ben Slimane.

Tras la independencia de Marruecos, Zevaco no abandonó el país, consiguiendo la aceptación de la modernidad, por parte de la administración, en todo tipo de obras civiles.

La fusión de influencias internacionales y su adaptación a los condicionantes marroquíes da como resultado una obra distintiva y personal.

Todo esto se muestra claramente en el Juzgado de Ben Ahmed 1958.

Las piezas arquitectónicas se desarrollan alrededor de un vacío central en planta baja. Parte de la edificación se levanta sobre soportes esculturales, dejando un gran espacio exterior a cubierto donde confluyen las distintas circulaciones. Las escaleras se disponen estratégicamente y adquieren protagonismo al descomponerse en elementos independientes, de connotación escultórica. El resultado es un espacio altamente abstracto.

 1960 crea el Centro de Rehabilitación Tit Mellil

Con un carácter más arriesgado y unas formas más contundentes, el centro de rehabilitación (1953-1960) de Tit Mellil se convirtió en un icono de la arquitectura marroquí de los años cincuenta, actualmente abandonado. Sus formas alargadas y puntiagudas muestran las posibilidades expresivas del hormigón.

Con sus formas planas de hormigon visto, el edificio es atrevido.

Cambia el panorama en Casablanca con sus escuelas brutalistas, como en 1960 la Escuela Theophile Gautier. 

Diseña el complejo de baños termales de Sidi Harazen, que lleva el nombre de Ali ibn Harzihim, con una arquitectura brutalista combinada con elementos locales, como el zeliij azul y el cobre. 

Una estética similar se emplea en las termas de Sidi Harazem (1960) o en los numerosos grupos escolares que proyecta, como el denominado Georges-Bizet (1960), en Casablanca. En este caso, la búsqueda de la orientación norte motiva el giro de las distintas unidades, que se escalonan y desalinean para adaptarse a la parcela.

1960 trabaja con colegas de GAMMA, como Elie Azagury y Mourad Ben Embarek en la reconstrucción de Agadir después del terremoto. 

El terremoto que asoló Agadir, en 1960, supuso una oportunidad para la reconstrucción de la población a partir de los postulados de la arquitectura moderna, con la intervención de arquitectos como Elie Azagury (1918-2009) o Mourad Ben Embarek (m. 2011). De los encargos recibidos por Zevaco sobresale la oficina central de correos (1963)
El hormigón visto se trata de manera expresiva, en una composición libre de fachada, donde destacan las rasgaduras de vanos, las interpenetraciones de elementos o el propio giro de uno de los cerramientos.
Con el paso del tiempo, su obra se vincula cada vez más con el brutalismo, como queda constancia en el pabellón de la ciudad (1960) para la Feria Internacional de Casablanca, un artefacto lúdico-arquitectónico, de forma irónica, que parece sacado de un cómic futurista.

Buscando el fuerte contraste entre luces y sombras, experimenta con las celosías y los parasoles, convertidos en referentes formales para la definición de la imagen exterior de la arquitectura. Un caso significativo es la sede social de BNDE (1962), en Rabat.

1960-1963 construye dos escuelas para la Misión Cultural Francesa en Casablanca.

1965 uno de los complejos que mejor define la arquitectura de Jean-François Zevaco es la Escuela Regional de Educadores de Ouarzazate.

Los volúmenes de formas rotundas se encuentran perforados por vanos en composiciones plásticas de enorme riqueza en el juego de luces y sombras arrojadas.

Los elementos de protección solar, las pérgolas y pasarelas, los soportes y vigas, son tratados como elementos formales, manipulables y expresivos. El atractivo de la edificación quedó remarcado por las fotografías en blanco y negro de Marc Lacroix (1927-2007), que exalta la omnipresencia del volumen arquitectónico que emerge de la tierra en un paisaje donde apenas hay nada.

1974 Renuevala Plaza de las Naciones Unidas con su pasaje subterráneo Kora Ardia ( كرة أرضية  ). 

Es miembro del Grupo de Arquitectos Marroquies (GAMMA). 

1965, diseña casas con patio en Agadir que más tarde le valen el premio Aga Khan de arquitectura. 

En el apartado de arquitectura residencial, destacan sus casas patio (1964) en el distrito de Talborjt, en Agadir. Se trata de viviendas baratas, distribuidas en planta baja alrededor de patios y espacios exteriores ajardinados de carácter privativo. Interiormente, las casas de 3 o 4 dormitorios se disponen en una secuencia espacial que lleva, gradualmente, del salón a los espacios más íntimos.

1970 en la Villa Zniber de Rabat el cuerpo arquitectónico esta dividido en numerosos fragmentos mas pequeños que solo se mantienen unidos por el tejado.

1970 la mezquita de Assuna en Casablanca, la diseña con un estilo modernista que se inspira en la Iglesia de San Francisco de Asis de Oscar Niemeyer en Pampulha, Belo Horizonte.

 1975 su Agadir Street Market se basa en Pedro Ramirez Vazquez. 

Recibe el Aga Khan de Arquitectura en el ciclo 1978-1980 por sus Courtyard Houses de 1965 en Agadir, Marruecos. 

Villa et Atelier Zevaco
Villa et Atelier Zevaco
Villa et Atelier Zevaco
Villa et Atelier Zevaco
Villa et Atelier Zevaco
Villa et Atelier Zevaco
Villa et Atelier Zevaco
Villa et Atelier Zevaco
Villa et Atelier Zevaco

http://hiddenarchitecture.net/villa-et-atelier-zevaco/

https://arquitecturayempresa.es/noticia/introduciendo-la-arquitectura-moderna-en-marruecos-jean-francois-zevaco

El laberinto de la risa, Yue Minjun

Es una respuesta irónica al vacío espiritual y la locura de la China moderna.

Son pinturas fantásticas están pobladas de autorretratos histéricos.

Satiriza a la sociedad contemporánea y los ancestrales tropos del arte.

Se pinta a sí mismo en tonos fluor con una gran sonrisa.

En ocasiones multiplica su imagen, haciendo que sus composiciones sean aún más amenazadoras.

Su discurso lo hace pionero del movimiento realismo cínico de China.

Las influencias de Yue incluyen el realismo socialista chino, el surrealismo y la pintura clásica europea.

Estudia pintura al óleo en la Universidad Normal de Hebei en Shijiazhuang y ha expuesto en Hong Kong, Berlín, Shenzhen, Shanghai, Londres, Basilea y Nueva York.  

Es objeto de infinidad de exposiciones institucionales en lugares como el Museo de Macao, el Museo de Arte Aros Aarhus, el Museo Nacional de Arte de China, el Kunstmuseum Bonn y el Museo de Bellas Artes de Berna.

Es conocido por las pinturas al óleo que se representan a sí mismo en varios escenarios, congelado por la risa. 

También reproduce esta imagen en escultura, acuarela y grabados. 

Aunque se le etiqueta como parte del movimiento realista cínico chino de 1989, rechaza esta clasificacion. 

1962 nace en Daging, Heilongjiang, China.

Su familia trabaja en un campo petrolífero y también enseña arte en la escuela de petróleo por un corto tiempo.

1980, se gradúa de secundaria y va a la Compañía Nacional Tian Jing.

1983, decide ir a He Pei y se convierte en electricista.

Pinta y trabaja al mismo tiempo, y normalmente puede pintar y trabajar sin parar durante 20 días.

Esta experiencia de vida podría indicar por qué pinta la piel de rojo.

1980 en esta década, empieza a pintar retratos de sus compañeros de trabajo y del mar mientras se dedica a la extracción de petróleo en aguas profundas.

1989, se inspira en una pintura de Geng Jianyi en una exposición de arte en Pekin, que muestra la propia cara risueña de Geng. 

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1990, se muda a Hongmiao en el distrito de Chaoyang, Pekin, que también es el hogar de muchos otros artistas chinos.

Ahora, su discurso se desarrolla a partir de los retratos de sus amigos bohemios de la aldea de los artistas.

Es importante señalar que Yue vive una existencia nómada durante gran parte de su vida, porque su familia se muda para encontrar trabajo en diferentes campos petroleros.

Etiquetado por los críticos como un miembro muy influyente del movimiento del Realismo Cínico, encuentra éxito y elogios por sus imágenes distintivas en una variedad de esculturas, acuarelas e impresiones. 

 El país experimenta la complejidad de la modernidad y la posmodernidad, rompiendo viejas ideas y haciendo algo nuevo, reflejado en la revolución del arte moderno chino. 

Esto es de vital importancia para Yue. 

Crece en un mundo muy cerrado, donde las familias militares le dan sensacion de protección, pero todo lo que sucede en este período cambia su percepción del mundo.

El estilo de Yue Minjun se remonta al trabajo de Geng Jianyi, quien inspira por primera vez a Yue con el trabajo de su propia cara risueña.

A lo largo de los años, el estilo de Yue Minjun también se desarrolla rápido.

A menudo desafía las convenciones sociales y culturales al representar objetos e incluso temas políticos de una manera radical y abstracta.

 También cambia su enfoque de los aspectos técnicos al concepto integral de creación. Masacre de Chios, una de sus obras más conocidas, comparte título con la obra de Eugene Delacroix de 1822.

2007, trece de sus cuadros se venden por más de un millón de dólares.

Una de sus series más populares es su colección Sombrero.

Esta serie muestra la cabeza sonriente de Yue con una variedad de sombreros: un gorro de chef, una boina de las Fuerzas Especiales, el casco de un policía británico, la máscara de Catwoman, etc.

La serie trata sobre  el absurdo de las ideas que rige el protocolo sociopolítico en torno a los sombreros.

La serie ilustra muy bien la forma en que el personaje de Yue es universalmente adaptable, una especie de logotipo que se puede adjuntar a cualquier entorno para agregar valor.

1999 cuando se le pide que participe en la Bienal de Venecia, opta por hacer versiones escultóricas de bronce de sus autorretratos característicos, que representan el famoso ejército de guerreros de terracota de la dinastía Qin de China. 

Si bien las esculturas antiguas son conocidas por la individualidad de cada uno de los guerreros, su versión moderna de carcajada es idéntica. 

En Noah’s Ark, seis de los autorretratos de Yue están sentados en un pequeño bote de remos en un mar azul, sentados juntos en cuclillas, agarrando sus rodillas y gritando en una risa silenciosa. 

En el Sistema Solar, tres Yues idénticos están riendo en la parte inferior del lienzo, cada uno vestido solo con ropa interior, planetas gigantes girando detrás de ellos en el espacio exterior.

 Los críticos de arte a menudo han asociado a Yue con el movimiento artístico del Realismo Cínico en el arte chino contemporáneo. 

Reside actualmente con otros cincuenta artistas chinos en la aldea de Songzhuang .

Desde su debut, su obra se muestra en galerías de Singapur, Hong Kong y Pekin . 

Ejecución se convierte en la obra más cara de la historia de un artista contemporáneo chino, cuando se vende en 2007 por 2,9 millones de libras, 5,9 millones de dólares en la Sotherby de Londres . 

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 2007 hasta su venta en Sotheby’s Hong Kong, esta pintura es de Trevor Simon, un banquero de inversiones junior que la compra con aproximadamente un tercio de su salario mientras trabajaba en la región.

Simon guarda esta pintura durante 10 años según lo exigido por las condiciones de venta.

 La venta récord tiene lugar una semana después de que su pintura Massacre of Chios se vende en Hong Kong Sotheby’s por casi $ 4,1 millones. 

2003-2004 durante el Año de China en Francia, participa en la exposición China, ¿el cuerpo por todas partes? incluye 39 artistas contemporáneos chinos en el Museo de Arte de Marsella.

2003/2004  en la nueva colección Kunsthalle Mannheim bajo la dirección de Rolf Lauter ya integra obras de Yue Minjun, Fang Lijun y Yang Shaobin en sus primeras presentaciones.

 Las constelaciones con retratos del siglo XIX – Maillol y Rodin – así como las obras de Jeff Wall y Alex Katz encuentran una respuesta crítica y amplia en Alemania en ese momento. 

Primera exposición del museo de Yue Minjun en los Estados Unidos tiene lugar en el Museo de Arte de Queens, Queens, NY. 

Desde octubre de 2007-enero 2008, la muestra, Yue Minjun y la sonrisa simbólica , cuenta con esculturas, pinturas y dibujos de bronce y policromados.

14 de noviembre de 2012 al 17 de marzo de 2013, es la primera gran exposición en Europa dedicada a Yue.

La Fundacion Cartier por el Arte Contemporaneo presenta la primera gran exposición europea dedicada al artista chino Yue Minjun.

https://en.wikipedia.org/wiki/Yue_Minjun

https://poramoralarte-exposito.blogspot.com/2017/06/yue-minjun_19.html

http://thecultural.es/2017/07/25/que-hay-detras-de-las-sonrisas-de-yue-minjun/

https://fahrenheitmagazine.com/arte/plasticas/la-risa-revolucionaria-de-yue-minjun

https://www.eltelegrafo.com.ec/noticias/cultura/1/conociendo-a-yue-minjun

Hormigón estético, Auguste Perret

12 de febrero de 1874 – 25 de febrero de 1954 es un arquitecto francés, pionero en el uso arquitectónico del hormigón armado. 

Sus principales obras son el Teatro de los Campos Elíseos, el primer edificio Art Deco de París

1922-1923 la Iglesia de Notre Dame de Rainci

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1937 Mobilier National de París

 1937-1939 el edificio del Consejo Económico, Social y Ambiental de Francia en París. 

Después de la Segunda Guerra Mundial, diseña un grupo de edificios en el centro de la ciudad portuaria de Le Havre , incluida la iglesia de San Jose, Le Havre, para reemplazar los edificios destruidos por los bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial. 

08 Jun 2012, Le Havre, France — France, High-Normandy, Le Havre . The Bassin du Commerce and the Espace Niemeyer — Image by © Atlantide Phototravel/Corbis

Su reconstrucción de la ciudad es ahora Patrimonio de la Humanidad.

Nace en Ixelle, Bélgica, porque su padre, un cantero, se refugia después de la Comuna de Paris .

Recibe su educación inicial de arquitectura en la empresa familiar.

Es aceptado en el curso de arquitectura de la Escuela de Bellas Artes de París, junto con sus dos hermanos, Gustave (1876-1952) y Claude (1880-1960).

Estudia con Julien Guadet, un neoclásico que colabora con Charles Garnier en la construcción de la Opera de Paris.

Julien Guadet
Charles Garnier

Más allá del racionalismo neoclásico que aprende de Gaudet, el interés particular de Perret es la estructura de los edificios y el uso de nuevos materiales, como el hormigón.

 Aunque se le considera un estudiante brillante, deja la escuela sin obtener la licenciatura y trabaja para la empresa familiar. 

Inmediatamente empieza a experimentar con hormigón. 

1903 su primer proyecto importante es un edificio de apartamentos en la Rue Franklin en París, donde la estructura de hormigón, en lugar de ocultarse, es visible y forma parte del diseño exterior. 

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Detalle fachada Rue Franklin

1906 hace un experimento más radical con la construcción de un garaje en la rue de Ponthieu -ahora destruido- con una estructura cúbica simplificada que expresa el interior, grandes tramos de ventanas y una falta de decoración, que se asemeja al Estilo Internacional posterior. 

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Su edificio más famoso es el Teatro de los Campos Elíseos, proyecto que asume del arquitecto modernista Henry van der Velde .

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La fachada es sencilla y esta decorada únicamente con un bajorrelieve escultórico de Antoine Bourdelle.

La esquina del edificio era lisa y redondeada, anticipándose al estilo Streamline Moderne 30 años después.

Gracias al uso de pilares de hormigón, el vestíbulo interior y el propio teatro son amplios y abiertos, sin columnas.

 La decoración interior tiene obras de los artistas modernistas de la época; una cúpula de Maurice Denis, pinturas de Edouard Vuillard y  Jacquelin Marval y un telón de Ker-Xavier Roussel. 

En sus trabajos siguientes, utiliza el hormigón de formas imaginativas para lograr las funciones de sus edificios, preservando la armonía, la simetría y las proporciones clásicas. 

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Sus principales obras incluyen el edificio del Consejo Económico Social y Ambiental de Francia, originalmente construido para el Museo de Obras Públicas de la Exposición de París de 1937; y el Mobilier Nationale, el taller de muebles del gobierno nacional en París.

También crea innovadores edificios industriales, como un almacén en Casablanca cubierto con un velo de hormigón (1915); 

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1925 la Torre Perret, la primera torre de hormigón para la Exposición Internacional de Energía Hidroeléctrica y Turismo de Grenoble (1925), para demostrar su Orden del hormigón.

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1922-1923 la iglesia de Notre Dame du Raincy, donde las columnas interiores se dejan sin decorar y las bóvedas de hormigón del techo se convirtieron en el elemento decorativo más destacado. 

Notre Dame de Raincy

1929 experimenta con formas de hormigón para lograr la mejor acústica para la sala de conciertos de la Escuela Normal de Música de Paris.

1952 completa la construcción del Centro de Investigación Nuclear de Saclay en el suburbio parisino de Essonne. 

Describe este campus como un pequeño Versalles para la investigación nuclear. 

La mayoría de los primeros reactores nucleares de Francia se construyen dentro del sitio.

Sus otros grandes proyectos de posguerra incluyen la reconstrucción del centro del puerto de Le Havre, que es casi totalmente destruido durante la guerra. 

LeHavre

Su primer plan es rechazado por ser demasiado ambicioso, pero se siguieron sus planes modificados. 

También participa en la reconstrucción de posguerra del puerto de Marsella y de Amiens.

Iglesia de San José, La Haya (1951)

1951-1958 su última gran obra, terminada tras su muerte, es la Iglesia de San Jose de Havre, cuyo rasgo más destacado es su torre, a modo de faro, de 107 metros de altura y visible desde el mar. 

Entre los muchos arquitectos jóvenes que trabajan en la oficina de Perret de 1908 a 1910 se encuentra Charles-Édouard Jeanneret-Gris, que más tarde se conoce como Le Corbusier; es su primera experiencia en un estudio de arquitectura.

Desde 1940 Perret enseñó en la Escuela de Bellas Artes. 

1948 ganó la Medalla de Oro Real

 1952 gana la Medalla de Oro AIA.

1948 su trabajo también es parte del evento de arquitectura en el concurso de arte en los Juegos Olímpicos de Verano.

También es jurado con Florence Meyer Blumenthal en la concesión del Prix Blumenthal, una subvención otorgada entre 1919 y 1954 a jóvenes pintores, escultores, decoradores, grabadores, escritores y músicos franceses. 

1998, la Torre Perret de Grenoble es declarada Patrimonio de la Humanidad por Francia.

2005, la reconstrucción de Le Havre es declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO .

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/Auguste_Perret&prev=search&pto=aue

Desfile de Miucia Prada en el Palacio de Iena de Auguste Perret

El mas grande entre los escultores vivos, Richard Serra

1938, nace el 2 de noviembre en San Francisco, segundo de tres hijos. 

 Su padre, Tony, es oriundo de Mallorca y trabajaba como capataz en una fábrica de dulces y en la fundicion. 

 Serra describe el astillero de San Francisco donde su padre trabajaba como instalador de tuberías como una influencia importante en su trabajo. 

1969, Richard Serra

 Su madre, Gladys Feinberg, nace en Los Ángeles hija de rusos judíos inmigrantes de Odessa y más tarde se hace ama de casa. 

Después de sus estudios de Literatura en la Universidad de California y de Arte en la de Yale, en las que conoce a artistas como Philip Guston, Jasper Johns, o Frank Stella, viaja a París con una beca de Yale  y a Florencia con una beca Fulbright, donde se introduce en un ambiente artístico y cultural que modifica su percepción de hacer arte.

Abandona la filologia y se entrega a la escultura, con la que llega a ser según Norman Foster el más grande de los escultores vivos.

Sus primeros trabajos son abstractos, todavía lejos de sus grandes dimensiones posteriores, basados en el movimiento conocido como process art (arte en proceso).

Lo importante de esos primeros tiempos es el proceso creativo, no el resultado final.

 En esta época, utiliza cuatro principios para crear, arrojar, rajar, rodar y apilar, (to hurl, to split, to roll and to heap), experimentando además con las propiedades plásticas de materiales como el cuero, el neón o el plomo.

Belts

Surgen en estos años las series Apuntalar (Prop), con piezas apoyadas unas en otras, una explicación personal de los principios del equilibro.

Prop
Prop

Belts, cinturones suspendidos de un muro como figuras blandas y retorcidas, ambas expuestas en el Guggenheim de Nueva York, en 1976.

Su primera individual la hace, algunos años antes, en Roma, en la galería La Salita, demostrando creatividad y también toda su osadía ante lo que se consideraba exposición ya que recrea el hábitat de varios animales vivos, encerrados en sus jaulas y lo llama Live Animal Habitat y que, más tarde, no incluye en su catálogo.

Es diferente la exposición años después con el galerista Leo Castelli

Confecciona para su galería unas 100 esculturas arrojando plomo derretido contra una pared y contra el suelo, para que el metal se estrelle antes de solidificarse y cree así formas.

Detail of Gutter Corner Splash. Photo: Saul Rosenfield, © 2010, with permission of San Francisco Museum of Modern Art and the Studio of Richard Serra.

Prueba suerte en el cine y hace el corto Hands catching Lead (La mano cogiendo el plomo), continuando en el vídeo durante los setenta con Television Delivers People en 1973 y mas tarde Boomerang.

1973 realizó el video “Television Delivers People”, un video basado solo en textos que se constituye como una crítica de los medios de comunicación corporativos, con música  ambiental de supermercado como banda sonora. Esta obra se ha convertido en una obra de referencia en la historia del video arte.


En “Boomerang” de 1974, Serra grabó a Nancy Holt, mientras habla y escucha sus palabras que reproducen retrasadas por vía electrónica.

No se aleja de la escultura y es galardonado con el Premio Theodoron en el Guggenheim de Nueva York.

Hace una individual para el Museo de Arte Pasadera, aunque sus inquietudes se encaminan a los espacios urbanos.

Es el momento en el que se lanza a por la escala monumental.

Su objetivo es relacionar al ciudadano con su espacio creando esculturas impactantes por su tamaño y también por su sencillez.

1981, en el gran maestro del acero crea obras tales como Arco Inclinado (Tilted Arc) para la Plaza Federal de Nueva York, originando, sin embargo, hay una polémica entre los trabajadores de los edificios colindantes, que se quejan de no poder atravesar directamente dicha plaza.

Richard Serra-Tilted Arc

Hasta tal punto presionan que, en 1989, se desmonta y traslada la escultura a un parque público, descontextualizándose, perdiendo todo su poder y su sentido.

Richard Serra-Tilted Arc
Richard Serra-Tilted Arc

Después de esta, hace otras obras caracterizadas, por sus formas (grandes rollos en forma de láminas) y por su material, el acero corten, cuya composición química produce una oxidación que protege la pieza de la corrosión del exterior sin apenas perder sus propiedades.

Busca la manera de integrar la obra en su entorno en lo que se llama land art, que trata de liberar a la escultura de los límites de la talla.

Surgen así piezas como la serie Serpiente (Snake), creada ex profeso para el Guggemheim de Bilbao, en su inauguración, o Equal-Parallel-Guernica-Bengasi, para el Reina Sofía de Madrid, con el deseo de que el público que las visite, las recorra por entero, las atraviese, las viva.

Snake
Snake

1982 su relación artística con España empieza cuando viene para conocer de cerca la escultura mozárabe.

Después, sus obras no han dejan de visitar nuestros museos, algunas para quedarse definitivamente.

Este es el caso Snake y del conjunto La materia del tiempo, expuesto en 2005 y definitivamente instalado en la Sala Arcelor del Guggenheim.

The matter of time

 Una experiencia que el artista define como sobrecogedora y la creación más grande de su carrera.

Otros la han definido como una increíble sensación de vértigo y de espacio en movimiento.

Durante todos estos años, confecciona infinidad de piezas repartidas por todo el mundo como

1987 Fulcrum para la boca de metro de Liverpool, en Londres,

Fulkrum
Fulkrum

2000 Charlie Brown, para la nueva central de Gap Inc., en San Francisco

Charlie Brown
Charlie Brown

 2008 Tuileries and Obalisque, en París.

Continúa participando en numerosas muestras y exposiciones, aunque no siempre con sus monumentales esculturas.

2006, participa en la Bienal del Whitney Museum de Nueva York, con la obra Stop Bush, un dibujo negro de crayón que representa a un preso de Abu Graib, y que luego utiliza la propia bienal para realizar los carteles publicitarios, aunque con el lema modificado (Stop B S).

Stop Bush

2007, Richard Serra Sculpture: Forty Years, protagoniza una de sus mayores exposiciones retrospectivas, MoMA, titulada 

Ciudades de medio mundo e instituciones culturales del otro medio reconocen su obra; unas ocasiones, exhibiendo sus esculturas, otras otorgándole diferentes premios y galardones. Es Doctor Honoris Causa por las universidades de YaleLondres y Navarra.

 Es Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y España

 2010, es galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

2011, el Metropolitano, el Museo de Arte Moderno de San Francisco y la Coleccion Menil  acogen una exposición retrospectiva centrada en los dibujos de Serra, rastreando el desarrollo de su dibujo como una forma de arte independiente pero vinculada a su práctica escultórica.