El estoico Gordon Bunshaft

9 de mayo de 1909 – 6 de agosto 1990  arquitecto estadounidense que estudia en el Massachusetts Institute of Technology.

Nace en Buffalo, Nueva York, estudia en Lafayette High School.

Seguidor del Movimiento moderno, cuyas primeras influencias son de  Mies van der Rohe y Le Corbusier.

Se forma con diferentes arquitectos y diseñadores industriales, hasta que se hacerse socio de la recién creada agencia Skidmore, Owings and Merrill de Nueva York.

Destaca Lever House de Nueva York, que se construye como sede principal de la compañía de jabón Lever Brothers.

Lever house
Lever house
Lever house
Lever house
Lever house
Lever house
Lever house

1953 su diseño para la Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953), es una maravilla del movimiento moderno.

Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953)
Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953)
Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953)
Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953)
Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953)

La Casa Travertino construida para su familia es un proyecto excepcional.

A su muerte deja la casa para el MOMA, que en 1995 la vende a Martha Stewart.

1950, Bunshaft es contratado por el Departamento de Estado de la Oficina de Relaciones Exteriores como colaborador para el diseño de varios consulados de EE.UU. en Alemania.

Su enfoque minimalista se extiende más allá de su arquitectura.

Con el Pritzker en 1988, hace el discurso más corto de la historia.

En 1928, ingresé en la Escuela de Arquitectura del MIT y comencé mi viaje de arquitectura.

 Hoy, 60 años más tarde, he recibido el Premio de Arquitectura Pritzker por el que doy las gracias a la familia Pritzker y los distinguidos miembros de la comisión de selección por honrarme con este prestigioso premio. Esto es la culminación de mi vida en la arquitectura.

Eso es todo. 

Los papeles personales de Bunshaft están en poder del Departamento de Dibujos y archivos en Avery Architectural and Fine Arts Library de la Universidad de Columbia; sus dibujos arquitectónicos permanecen con SOM.

Está enterrado junto a su esposa y sus padres en el Templo Beth, en el cementerio Pine Ridge Road de Buffalo, Nueva York.

En 1988 consiguió el Pritzker junto a Oscar Niemeyer ex æquo.

1951 :  Lever House, Nueva York

1953 : Manufacturers Hanover Trust Branch Bank, New York

1962 : Albright-Knox Arte Galeria, Buffalo, New York.

1963 : Casa Travertino, Hamptons, EE.UU.

1963 : Biblioteca Beinecke de libros raros y manuscritos, Universidad de Yale, New Haven, Conneticut, EE.UU.

1965 : Banco Lambert, Bruselas, Belgica

1967 : Edificio Marine Midland, New York

1971 : Biblioteca Museo Lyndon Baines Johnson, Austin, Texas, EE.UU.

1974 : Edificio Solow, New York, New York

1974 : Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington, DC

1983 : National Commercial Bank, Jeddah, Arabia Saudí

 1990 el 6 de agosto, muere en Nueva York, a los 81 años.

https://catalogo.artium.eus/dossieres/exposiciones/premios-pritzker-viaje-por-la-arquitectura-contemporanea/biografia-y-obra

https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=5505

https://veredes.es/blog/caso-bunshaft-apuntes-la-fragilidad-jose-antonio-sumay-rey/

Arte, el factor añadido

Vivimos tiempos de levedad, donde el discurso efímero es el tono que predomina. Resulta curiosa tanta búsqueda de certeza por parte del público en el concepto de arte, cuando precisamente su imprecisión es lo que lo hace atractivo.

El arte tiene diferentes funciones, la propagandística, estética, ritual etc y en función del modo de producción histórico, predomina una u otra.

El arte factura cada año millones, de la que nuestro país solo participa en apenas un 2% La poética desde los años 50 se pone al servicio de la publicidad, y lo que antes son mecanismos poéticos, ahora, muta para convertirse en mecanismos de seducción para estimular el consumo.

El arte pasa a ser un tipo de consumo elitista, en el que el coleccionista o comprador se singularizan a si mismos mediante la compra o colección de una pieza. Es mercado en estado puro.

Captar la atención de los media es lo más complicado, porque asegura la promoción. No hay que perder de vista al mecenas, sin cuya intervención el artista sucumbe.

En todo este ruido, se lee mucho afán de confundir, pues para revalorizar colecciones, se promocionan artistas ya consagrados o emergentes en los que hay una inversión importante en la mayoría de los casos.

Todo ello contribuye a una falta de educación artística, donde se mezclan churras con merinas y donde el espectador se pierde en un bosque de información.

Es importante ser contemporáneo, aprender a mirar lo que se hace en el momento, que es reflejo del discurso que predomina, y no que bajo el velo del especialista, decidan el criterio de los gustos de la mayoría.

Cada generación ha de revisar en la historia, el modelo de arte a elegir que mas se adapte a la sensibilidad del momento.

Quizás ha de crear el arte que mejor refleje su actitud, pero para ello ha de retomar la tradición, sin tener la mirada pervertida, por los que se erigen popes o voceros de esta disciplina que es de todos y de nadie.

La arquitectura como invención, Oscar Niemeyer

Oscar Ribeiro de Almeida Niemeyer Soares Filho, Rio de Janeiro, 19 de diciembre de 1907 -2012, 5 de diciembre, reconocido como Oscar Niemeyer, es un arquitecto brasileño.

Cercano a las ideas de Le Corbusier, es uno de los personajes más influyentes de la arquitectura moderna internacional.

Pionero en la exploración de las posibilidades constructivas y plásticas del hormigón armado.

1960 destaca la construcción de Brasilia como nueva capital de su país en apenas tres años y medio.

Es el principal responsable de algunos icónicos edificios públicos de la ciudad, como el Congreso Nacional, la catedral de Brasilia, el Palacio de Planalto y el Palacio de Alvorada.

Es también uno de los que diseña la Sede de la Organización de las Naciones Unidas en Nueva York.

No es el ángulo oblicuo el que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por el hombre. Lo que me atrae es la curva libre y sensual, la curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las olas del mar, en el cuerpo de la mujer preferida. De curvas es hecho todo el universo, el universo curvo de Einstein.

Hijo de Oscar de Niemeyer Soares y de Delfina Ribeiro de Almeida, nace en la ciudad de Rio de Janeiro en 1907, en el barrio de Laranjeiras, en una calle que después recibe el nombre de su abuelo, Ribeiro de Almeida.

Su juventud la pasa como el típico carioca bohemio de la época, sin preocupaciones por su futuro.

Concluye la educación secundaria a los 21 años.

Se casa con Annita Baldo, ese año, hija de inmigrantes italianos de Padua.

El matrimonio le da sentido de responsabilidad y decide trabajar e ingresar a la universidad.

Empieza a trabajar en el taller de tipografía de su padre y entra en la Escuela de Bellas Artes (Brasil)

1934 se gradúa como ingeniero arquitecto.

A pesar de las dificultades financieras por las que pasa, trabaja gratis en el estudio del arquitecto Lucio Costa y Carlos Leão.

Pabellón Brasileiro en Nueva York

Niemeyer no se siente satisfecho con la arquitectura en la ciudad y decide que puede hacer carrera en ese nicho.

1945, ya como un arquitecto de cierta reputación, se une al Partido Comunista.

 Niemeyer es sólo un niño en la época de la Revolución Rusa de 1917, y se hace un joven idealista en la Segunda Guerra Mundial.

Es un comunista entusiasta, actitud que le cuesta cara más tarde. 

Lucio Costa

1932 inicia su vida profesional en la oficina de Lucio Costa, arquitecto que le ayuda años después a construir Brasilia, él es pasante del equipo de Lúcio Costa, que trabaja al lado del arquitecto franco-suízo ​ Le Corbusier​ en un proyecto del nuevo edificio para el Ministerio de la Educación y la Sanidad Pública, en Río de Janeiro, un marco de la arquitectura moderna brasileña.

Siendo aprendiz en aquella época, es Niemeyer el que sugiere el cambio en la altura de los pilotes de cuatro a diez metros y su propuesta es aceptada.

1937 proyecta la Obra de la Cuna, en Río de Janeiro y este es su primer proyecto construido y el lugar donde están algunas instituciones filantrópicas, sin ánimo de lucro, su objetivo es el apoyo a los bebés, una ayuda a los niños y las madres vulnerables en situación de exclusión social.

1938, proyecta la casa de Oswald de Andrade, ​un poeta brasileño del periodo modernista; utiliza una combinación de líneas curvas y rectas innovadoras, en São Paulo hace también un pequeño hotel en Ouro Preto – MG, con detalles parecidos a los que utiliza en el proyecto del Catetinho años después.

1940 conoce al alcalde de la ciudad de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek (1902-1976), quien le invita a proyectar una iglesia y un casino a orillas del Lago de Pampulha que se llamaría Conjunto de Pampulha, tiene áreas abiertas con vías de acceso y alrededor hay una laguna artificial.

Tiene un casino, un club, un salón para baile, una iglesia y un hotel, pero el hotel no está construido.

Para que el proyecto no se demore, a Niemeyer le ayuda del ingeniero Joaquim Cardozo y el paisajista Burle Marx.

La novedad de las líneas de esa pequeña iglesia construida en homenaje a San Francisco le da fama en todo el país.

Su interior está decorado con azulejos y frescos pintados por Candido Portinari.

El casino se transforma años después en el Museo de Pampulha, dedicado a la difusión del arte contemporáneo.

1942 hace la casa de la laguna Rodrigo Freitas.

El edificio Copan constituye un símbolo urbano en el paisaje de São Paulo.

Este edificio fue construido entre 1951 y 1957, y represento un cambio drástico en el planteamiento arquitectónico carioca, gracias a su exclusiva forma curvilínea, lo cual es difícil de ignorar, incluso por aquellos que no han ingresado al edificio.

De entre muchas otra construcciones elaboradas por el gobierno brasileño durante los años 50, ninguno ha sido tan moldeado y tan bello como el Copan. Este se caracteriza por una estrecha planta en forma de S y 38 pisos de altura. Las franjas horizontales que actúan como parasoles protegen del extremo calor a sus habitantes.

1951 empieza la construcción del proyecto del Parque Ibirapuera.

Esta idea surge a causa del cumpleaños de 400 años de la ciudad de Sao Paulo, es una conmemoración, es el segundo gran proyecto de su vida y es una solicitud del gobierno de São Paulo, el proyecto quiere dar a la ciudad una gran área verde con lugares de exposición y ocio uniendo  arquitectura y paisajismo.

La Marquise del Ibirapuera y el Auditorio Ibirapuera son característicos de Oscar Niemeyer, los dos tienen características de la generación modernista brasileña.

1951 Casa de las Canoas, es la residencia del propio arquitecto, su preocupación es que sea una parcela llena de desniveles, ya que erige su casa con curvas sin líneas rectas.

1953 comienza su construcción.

Casa da canoas
Casa da canoas

1954 ayuda en un proyecto de un conjunto de edificios para el barrio Hansa, que es una parte del programa de reconstrucción de Berlín (Alemania), proyecta también el Museo de Caracas en Venezuela.

1955 funda la revista Módulo en Río de Janeiro.

Tras dos años​, ​Juscelino elige a Niemeyer para juntos crear la más linda capital del mundo. Juscelino es elegido el presidente de Brasil y su principal objetivo es cambiar la capital, entonces sale de Río de Janeiro, litoral, para Brasília en el centro del país, escrito en la primera Constitución de Brasil, es estrenado en las bases del concurso de un Plan Maestro para Brasília.

1952 Oscar Niemeyer participa también con Le Corbusier en la elaboración del proyecto del edificio principal de las Naciones Unidas en Nueva York.

Edificio de las Naciones Unidas

1954 desarrolla el proyecto privado Casa Niemeyer en la localidad de Pedro del Rio en Río de Janeiro, que le proporciona prestigio nacional revolucionando la arquitectura brasileña en los años 60.

La casa Niemeyer es uno de los pocos proyectos privados que el afamado arquitecto desarrolla.

1955 trabaja con el arquitecto venezolano Fruto Vivas en el diseño del Museo de Arte Moderno de Caracas, una estructura futurista de pirámide invertida que nunca se construye pero que inspira algunas de sus obras como el Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi.

Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi.

1961 conocido como la primera casa de la cultura creada por André Malraux , Le volcán es uno de los escenarios nacionales más significativos de Francia; un lugar de producción y propagación artística de referencia nacional enfocado en el campo del teatro, la música, la danza, el circo, la nueva estética, las nuevas imágenes y las artes digitales.

El complejo fue elaborado por el arquitecto Oscar Niemeyer, el cual está compuesto por dos salas de espectáculos, una con 800 asientos y la otra con 125 asientos.

En 1990, la Casa de la Cultura pasa a llamarse El Volcán por decisión del nuevo director, Alain Milianti; y un año después, fue catalogado como escenario nacional por el Ministerio de Cultura, convirtiéndose en Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 2005.

1971, erige la Sede del Partido Comunista Francés, junto con los primeros pasos en el dibujo mobiliario, diez años después lo llaman nuevamente para hacer la Sede del Humanité.

1972 abre su despacho en los Champs Elysées, en París y proyecta la Bolsa del Trabajo de Bobigny y el Centro Cultural del Le Havre en Francia.

1983 hace su primera retrospectiva de su obra en el Museo del Arte de Río de Janeiro, año en que proyecta el sistema de las escuelas públicas llamado de CIEPs junto con Darcy Ribeiro.

1984 erige el Sambódromo de Río de Janeiro, también conocido como Pasarela Maestro Darcy Ribeiro.

1985 erige el proyecto del Panteão de la Patria en la Plaza de los Tres Poderes.

1987 proyecta el Memorial de la América Latina en São Paulo y el edificio de la Sede del Periódico I’Humanité, en París.

1956 se muestran las bases del concurso de un Plan Maestro para Brasília.

Ese plan debe tener toda la parte urbanística de la ciudad, pero no contempla el proyecto inicial los edificios públicos.

El urbanista Lucio Costa gana el concurso de proyectos para escoger la nueva ciudad capital en el centro del país, Brasilia, y por iniciativa del presidente Kubitschek, Oscar Niemeyer es invitado a trabajar en el proyecto de la nueva capital.

Niemeyer queda a cargo de los proyectos de los edificios y Lúcio Costa del plan de la ciudad y toda la parte urbanística.

En pocos meses, Niemeyer diseña decenas de edificios residenciales, comerciales y administrativos.

Entre ellos la residencia del Presidente Palacio da Alvorada, el Congreso Nacional (Cámara de los Diputados y el Senado Federal), la Catedral de Brasilia, el palacio de Itamaraty, sede del Ministerio de Asuntos Exteriores, la sede del Tribunal Federal supremo, los edificios de los ministerios, y la sede del gobierno, el Palacio Planalto.

Brasilia es diseñada, construida e inaugurada durante el plazo de un mandato presidencial, cuatro años.

21 de abril de 1960 la nueva capital es oficialmente inaugurada.

1962 recibe el encargo de organizar la Facultad de Arquitectura en la recién creada Universidad de Brasilia (UnB).

1963 es nombrado miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectos de Estados Unidos y en el mismo año gana el premio soviético de paz, el Premio Lenin de la Paz.

1964 viaja a Israel por motivos de trabajo y en su regreso encuentra un Brasil completamente diferente.

En marzo es presidente Joao Goulart, que asume el poder después de la renuncia del presidente electo, Janio Quadros, quien es derrocado por un golpe militar.

Brasilia

1980, vuelta a Brasil y crea el Memorial JK y el Museo del Indio, los dos en Brasília.

En la dictadura militar de Brasil su oficina es invadida de repente, sus proyectos son rechazados y pierde sus clientes.

Diseño de Niemeyer

1965 doscientos profesores, entre ellos Niemeyer, dimiten en la Universidad de Brasilia, en protesta contra la política universitaria.

Brasilia

1965 viaja a Francia, por una exposición sobre su obra en el Museo del Louvre.

El Ministro de Aeronáutica brasileño dice que el lugar para un arquitecto comunista es Moscú.

1966 Niemeyer se ve obligado a exiliarse en Europa, y escoge para vivir París.

Abre una oficina en los Campos Elíseos, y consigue clientes en diversos países.

En Argelia diseña la Universidad de Constantina.

Universidad de Constantine
Universidad de Constantine
Universidad de Constantine
Universidad de Constantine
Universidad de Constantine

1970 la Mezquita de Argel.

En Francia crea la Sede del Partido Comunista Frances, el Place du Colonel Fabien, y en Italia la sede de la Editora Mondadori.

Sede del Partido Comunista Frances
Monddori

En Portugal realiza una obra en la ciudad de Funchal, el Pestana Casino Park.

1960 Mezquita Estatal de Penang en George Town, la capital del estado de Penang (Malasia), realizada en los años setenta.

Después del final de la dictadura en los años ochenta, Niemeyer vuelve a Brasil.

Él mismo define esta época como el inicio de la última fase de su vida.

1980 erige el Memorial JK, en Brasilia), el edificio-sede de la Red de Televisión Manchete en 1983, los CIEPs (centros de educación pública) y los sambódromos de las ciudades de Rio de Janeiro en 1984 y de de Sao Paolo en 1991, el Panteón de la Patria, en Brasília en 1985 y el Memorial de América Latina en 1987, en São Paulo.

Este último tiene una bella escultura representando una mano herida como un Cristo, de cuya llaga sangra América Latina.

1989 le dan el Príncipe de Asturias que recoge en Oviedo.

1991-1996 realiza lo que muchos consideran su mejor obra, el Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi (MAC).

Rio de Janeiro – Museu de Arte Contemporânea de Niterói

Es un museo en un lugar improbable, con una forma bella y original, una escultura que se proyecta sobre la piedra, dando una linda visión de la Bahía de Guanabara y de la ciudad de Rio de Janeiro.

2002, el 22 de noviembre es inaugurado el complejo que abriga el Museo Oscar Niemeyer (MON), en la ciudad de Curitiba en Paraná, en la región sur de Brasil.

Esta obra es un anexo al museo original diseñado por el mismo Niemeyer.

Ese mismo año recibe el Premio Konex Mercosur al mejor arquitecto de la región de la década.

2003, proyecta el 6 Gallery Pavillon, en el Hyde Park (Londres), inicia en Brasília la construcción de la Biblioteca Nacional y el Museo Nacional, los dos en el Sector Cultural de Brasília.

2004, hace el Monumento de la Paz en la ciudad de París.

Un año más tarde proyecta el Parque Acuático de Potsdam en Alemania y el complejo Administrativo de la Hidroeléctrica de Itaipu.

2006, proyecta el Centro Cultural Principado de Asturias en España y el Memorial Leonel Brizola en Río de Janeiro; se casa nuevamente con Vera Lúcia Cabreira, con quién vive en Ipanema-RJ.

En ese año es inaugurado el Complejo Cultural de la República, en Brasília, junto con el Museo Nacional Honestino Guimarães y la Biblioteca Nacional Leonel de Moura Brizola, formando uno de los mayores centros culturales del país.

2006, el 30 de marzo, se inaugura en la región del sur de la ciudad de Goaiania, GO, Brasil, el Centro Cultural Oscar Niemeyer, también conocido como CCON y NIE..

2006, el 15 de diciembre, con casi 50 años de atraso, es inaugurado el Museo Nacional Honestino Guimarães y la Biblioteca Nacional Leonal de Moura Brizola, que forman juntos, el mayor centro cultural de Brasil, denominado Complejo Cultural de la República, ubicado en la Explanada de los Ministerios en Brasilia.

La inauguración es programada para coincidir con el 99 cumpleaños de Oscar Niemeyer.

En el transcurso de ese año planifica un balneario para Potsdam, en Alemania, previsto para 2007, pero las obras son canceladas antes de su inicio debido a sus dimensiones faraónicas.

Es invitado a diseñar un estadio con motivo de la Copa Mundial de Futbol 2014 que es organizado por Brasil.

 Se inaugura el Teatro Popular Oscar Niemeyer de Niteroi en Rio de Janeiro, obra dedicada a Brasil simbolizado con los colores verde, amarillo, azul y blanco.

Ese mismo año dona a España el diseño de su mayor proyecto en Europa, como su colaboración, en calidad de galardonado, en la celebración del veinticinco aniversario de los Premios Príncipe de Asturias.

El Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer (también conocido como Centro Niemeyer o, coloquialmente, como El Niemeyer) tiene una estética provocadora, resumen de la mejor arquitectura del brasileño.

Una gran plaza abierta a todos los hombres y mujeres del mundo, un gran palco de teatro sobre la ría y la ciudad vieja.

Un lugar para la educación, la cultura y la paz

El Niemeyer se encuentra en la ciudad de Aviles, en el  Principado de Asturias y es inaugurado en la primavera de 2011.

2007 cumplidos los 100 años, Niemeyer asume junto con el gobernador José Roberto Arruda el compromiso de proyectar la Sede del Archivo Público de Distrito, como también la Universidad de Ciencias e Informática de Cuba y el Centro Cultural de Valparaíso, en Chile.

Todavía en activo, perfectamente lúcido e involucrado en diversos proyectos, principalmente esculturas y ajustes de algunas de sus obras antiguas, que están protegidas como patrimonio nacional o internacional, y por lo tanto, sólo pueden ser modificadas con la autorización de Niemeyer.

Con motivo de su centenario, Vladimir Putin, en nombre del gobierno ruso, le da la condecoración de la Orden de la Amistad.

Teatro Popular de Niterói, Caminho Niemeyer, Rio de Janeiro

2008, presenta el proyecto Puerto de la Música, que se realizará en Rosario, Argentina en el Parque Urquiza, cercano al Monumento a la Bandera.

Visita la ciudad de Brasília e inaugura el Museo Nacional y el tercer número de sus revistas de arquitectura Nosso Caminho.

Proyecta el Teatro del Puerto de la Música de Rosario, en Argentina.

Puerto de la Música

2009, el 10 de enero con 101 años de edad, Oscar Niemeyer, presenta un nuevo proyecto, la Plaza de la Soberanía, que es realizada en la Explanada de los Ministerios, en Brasilia

Dicha plaza que hubiera sido inaugurada en abril de 2010 es rechazada por la oposición suscitada por la población de Brasilia.

2009 se completa la construcción del Auditorio Oscar Niemeyer de Ravello en Italia.

2010 inaugura la Ciudad Administrativa de Minas Gerais, a base de curvas, hormigón armado y el mayor piso suspendido del mundo.

La ciudad Administrativa es considerada el proyecto más raro y más audaz de Oscar Niemeyer.

2012, sufrió problemas de salud debido a su avanzada edad que le obligaron a ser hospitalizado dos semanas en mayo por deshidratación y neumonía, y en octubre de nuevo es hospitalizado por deshidratación.

Museo del Ojo

El miércoles 5 de diciembre de 2012, fallece a los 104 años de edad en Río de Janeiro, su ciudad natal, anunciado por la portavoz del Hospital Samaritano Associated Press.

Catedral de Brasilia

https://fundaayc.wordpress.com/2013/12/01/1988%E2%80%A2-oscar-niemeyer-recibe-el-premio-pritzker/

https://www.metalocus.es/es/autor/niemeyer

https://noticias.arq.com.mx/Detalles/16541.html#.YMcocagzZPY

El ser que todo lo impregna, Cindy Sherman

Es una de las creadoras más importantes de los últimos tiempos, que crea roles donde ella se identifica.

Más que fotógrafa, se considera una artista visual que utiliza la fotografía.

El mérito de esta artista no ha sido solo captar una imagen más o menos impactante u original con su cámara, sino utilizarse a sí misma en sus representaciones y ser capaz de materializar el mensaje que quería transmitir.

Nacida en Nueva Jersey en 1954, Cyntia Morris Sherman no manifestó su vocación artística hasta que llegó a la Universidad de Buffalo. Allí comenzó pintando, pero pronto se dio cuenta de que no era lo suyo; de la pintura opina

no había nada más que decir. Estaba meticulosamente copiando otro arte y entonces me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella.

Y ciertamente, es en la fotografía donde encuentra su medio de expresión, llegando a convertirse en una de las fotógrafas más relevantes.

Las imágenes de sus comienzos, quizá las más representativas de su obra, pronto llaman la atención del público.

1977-1980 realiza la serie Untitled Film Stills en la que se retrata a sí misma adoptando multitud de clichés femeninos típicos de la sociedad machista (prostituta, ama de casa, drogadicta, despechada, bailarina).

Las imágenes, en blanco y negro, se asemejan a fotogramas de películas de los años 40-50.

Recuerdan a Hitchcock, Visconti o Truffaut.

No quiere dar título a las piezas, que son conocidas por el número de inventario… es el espectador a quien corresponde atribuir un significado a la imagen.

69 fotografías en blanco y negro sin título, Cindy Sherman exhibe una capacidad camaleónica.

Desde un inicio es artista multidisciplinar, se ocupa de todas las fases de producción de sus obras.

Imágenes ambiguas, artificiosas, muy teatralizadas, propias de la estética y el planteamiento  excesivo del film noir, donde los estereotipos se repiten.

En este popurrí, Sherman encuentra un lugar idóneo para explorar el papel de la mujer dentro de la cultura popular occidental, convirtiéndose en la abanderada de toda una generación de artistas feministas que emergen en los 70.

La artista no duda en recurrir al artificio, en la expresión y en la preparación, para narrar una historia valiéndose de una sola imagen, para incitar a la imaginación a que invente la historia que hay detrás.

Y, al parecer, todo comienza por la afición a disfrazarse que tiene desde que es niña; reconoce que no sabe si por aburrimiento, como terapia o por su fascinación por el maquillaje.

El caso es que comienza jugando con disfraces y maquillaje en la intimidad de su casa, pero, alentada por Robert Longo, a quien conoce en la universidad, decide inmortalizar sus performances ante la cámara.

Untitled Film Stills rememoran el carácter narrativo de obras de autores posteriores, como Gregory Crewdson, donde el momento congelado en el tiempo es sólo un instante dentro de una historia que el espectador debe desentrañar en el interior de su mente.

Son imágenes que generan preguntas que ni siquiera pueden ser atisbadas por el inexistente título de las obras, más allá de una mera enumeración.

No se trata de autorretratos, como ha señalado la autora en numerosas ocasiones.

Ella no es ella, es un papel dentro de un guión que utiliza como base una atmósfera general, más que referentes espaciales o temporales.

Con pocos medios, crea un discurso potente y bien articulado, con fuerza expresiva.

Gran parte de las fotografías son realizadas en su propia casa, ocupándose su padre en alguno de los casos de fotografiar.

A diferencia de las obras posteriores, en este caso las imágenes se presentan en pequeño formato y de manera austera, y con una estética envejecida de fotografía antigua.

Sin considerar que su trabajo sea feminista, en todas las series que ha realizado a los largo de sus casi 40 años de trabajo explora los innumerables estereotipos de la mujer. 1980 llama la atención hacia la utilización como símbolo sexual que fomentan las revistas y la televisión, y realiza la serie Centerfolds, representándose como las modelos de los desplegables en las revistas masculinas.

Sus trabajos esconden un mensaje, aunque tenga que recurrir a imágenes que son como un puñetazo en el estómago… DisastersFairy Tales y Disgust pictures son trabajos en los que, por medio de lo abyecto, representando vísceras, vómitos, mutaciones y personajes de terror, alerta del cambio que está sufriendo la sociedad, cayendo en un consumismo feroz.

History Portraits vuelve al autorretrato, en color y recreando pinturas renacentistas y barrocas, representando personajes femeninos y masculinos, o personajes mediáticos del momento.

Su idea es desmitificar las personalidades que la sociedad se empeña en ensalzar, ya sea en forma de obras maestras o de estrellas de televisión.

Aparece en sus obras porque le gusta trabajar sola y hacer todo por sí misma, a lo que se une que contratar modelos puede ser una ardua tarea… lo intenta una vez y no le gusta la experiencia.

Ella afirma que es por la libertad que supone trabajar sola, pero quizá sea también por timidez: disfrazarse puede resultar muy liberador y, aunque preste su imagen, su intención no es dejar su esencia, por eso deshecha las imágenes cuando se parecen demasiado a ella.

Experimenta con naturalezas muertas en las que no se muestra, pero carecen de la fuerza de sus demás trabajos.

Los fetichistas coleccionistas que desean una obra de Sherman, la quieren con ella y pueden llegar a pagar sumas exorbitantes.

Su Untitled #96 se subasta en 2011 en Christies de Nueva York por casi cuatro millones de dólares.

La mujer de las mil identidades se ve a sí misma como un lienzo en blanco en el que plasmar diferentes iconografías de mujer y el resultado es un cumulo de estereotipos femeninos.

Sus fotografías no son autobiográficas pero, en ocasiones, por medio de la artificiosidad, parecen plasmar la cruda realidad.

A medida que su trabajo evoluciona,  incorpora poco a poco prótesis como las utilizadas por los estudiantes de medicina.

Cuando realiza la serie Sex Pictures ya no queda nada de sí misma.

Las figuras aparecen retorcidas, mutiladas, rezumando líquidos y, aunque el espectador sabe que se trata de maniquíes, provoca acritud, logrando denunciar la violencia física contra la mujer.

Después recurre al tratamiento digital de las imágenes, lo que le permite crear escenas cromáticamente chillonas y montajes de numerosos caracteres, como en la serie Clowns, donde no queda muy claro si se trata de una parodia de sí misma.

Los personajes que encarna en sus Society Portraits sin título no representan personas reales, sin embargo, la artista las ha hecho parecer familiares en su lucha contra los estándares de belleza que predominan en nuestra sociedad obsesionada por la juventud y la belleza.

Conociendo el uso del maquillaje, los postizos y cualquier tipo de atrezo corporal por parte de Cindy Sherman, no es de extrañar que entre las numerosas alianzas comerciales que ha formado a lo largo de su carrera, una de ellas haya sido con la marca de cosméticos MAC, en 2011.

El maquillaje, ya sea como elemento de parodia, de sátira o como puro complemento, esta presente en sus series.

No sabemos si las habituales compradoras de maquillaje se encontrarían reflejadas en el uso que hace de la gama de colores de MAC.

Tres imágenes fuertemente saturadas, cada una usando diferentes colores, donde se transforma en un payaso, en una ingenua joven-muñeca y en una excesiva mujer con un toque inquietante.

2010, une su creatividad a la legendaria marca de moda Balenciaga.

Con su ropa, adopta variadas personalidades, con poses inspiradas en las características fotografías de fiesta donde cada uno intenta mostrar lo divertida, interesante y envidiable que es su vida.

Seis fotografías donde se nos aparece como una fashion victim y una clubera, entre otros personajes.

También han sido muy numerosas las colaboraciones con revistas punteras, como W MagazinePop, y especialmente, Harper’s Bazaar.

Para esta última publicación realiza un curioso trabajo inspirado en la llamada Street style photography y en las it girls, que van marcando tendencia a base de lucir la ropa publicitada a través de ellas por las marcas.  

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/409-cindy-sherman-biografia-obras-y-exposiciones

Cindy Sherman: Imitation of Life. The Broad Museum. Los Ángeles. Hasta el 2 de octubre

https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/untitled-363-sin-titulo-no-363

https://oscarenfotos.com/2012/08/18/cindy-sherman-la-nina-de-los-disfraces/

https://elpais.com/cultura/2016/06/22/babelia/1466593797_087722.html

https://www.harpersbazaar.com/es/cultura/ocio/a355059/cindy-sherman-artista-selfies-instagram-autorretratos-arte-contemporaneo-feminismo/

https://albedomedia.com/la-cara-b-cindy-sherman/ (mirar este que es muy interesante)

Cindy Sherman en el MALBA. La artista que se burló de la historia.

https://www.abc.es/cultura/abci-cindy-sherman-pasa-selfie-instagram-201708150251_noticia.html

https://www.abc.es/cultura/arte/abci-cindy-sherman-retrospectiva-monstruosa-202009240049_noticia.html

https://lamiradadepolifemo.wordpress.com/tag/cindy-sherman/

https://www.laizquierdadiario.com/La-fotografia-contra-si-misma

https://elobrero.es/cultura/30265-la-paradoja-de-cindy-sherman-en-el-centro-y-en-la-sombra-de-sus-fotografias.html

El escultor Frank Gehry

2005 Sydney Pollack realiza un documental sobre la trayectoria de Frank Gehry titulado Sketches of Frank Gehry .

2009 diseña un sombrero para la artista pop Lady Gaga con motivo de un musical benéfico, colaboración entre Lady Gaga y Francesco Vezzoli, celebrado en Los Ángeles.

En los Simpson, aparece en un capítulo como el diseñador de una Sala de Conciertos que acababa convertida en prisión.

1929 nace con el nombre de Frank Owen Goldberg en Toronto, el 28 de febrero.

Arquitecto canadiense asentado en EEUU, ganador del Pritzker, reconocido por las innovadoras formas de los edificios que diseña.

1947 se traslada con sus padres a la ciudad de Los Ángeles.

 1954 se gradúa en arquitectura en la Universidad del Sur de California (USC), obteniendo más tarde la nacionalidad estadounidense.

Su familia es de origen judío-polaco, con un padre que se dedica al comercio de materiales y una madre melómana.

1954 se gradúa en la Universidad del Sur de California, año en que cambia el nombre por el antisemitismo reinante y por presiones de su exmujer.

Empieza a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles.

Se ausenta un año para hacer el servicio militar y, a su vuelta, es admitido en la Escuela de Diseño en la Universidad de Harvard para estudiar urbanismo.

A su regreso a Los Ángeles se incorpora nuevamente al despacho de Gruen.

1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se traslada con su familia a París, donde trabaja en el estudio de Andre Rémonder.

La educación francófona canadiense le ayuda para desenvolverse en París.

Permanece un año, durante el cual estudia las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, como las iglesias románicas existentes en Francia.

De regreso a Los Ángeles, abre su propio despacho de arquitectura.

En los años siguientes desarrolla su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional.

Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados.

En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas.

Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño  estructural.

Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, este debe ser una escultura.

Para acercarse cada vez más a este ideal, trabaja en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de este en el entorno.

Habiendo crecido en Canadá, Gehry es un gran aficionado al hockey.

2004 diseña el trofeo de la Liga Mundial de Hockey.

2011 inaugura el rascacielos New York by Gehry, también conocido como 8 Spruce Street, levantado en la ciudad de Nueva York, un ansiado proyecto del arquitecto.

Con 76 plantas y 265 metros de altura, el edificio es la torre residencial más alta de EEUU.

Construida con 10.500 paneles de titanio y hierro, el edificio semeja estar en constante mutación.

Está situado cerca del Woolworth Building, un rascacielos de 1913.

El edificio alberga una escuela pública, aunque las aulas no las diseña Gehry.

En reconocimiento a su labor, Frank Gehry recibe prestigiosos premios:

1977 – Arnold W. Brunner Memorial Prize in Architecture (American Academy of Arts and Letters).

1989 – Pritzker.

1992 – Premio de la Fundacion Wolf de las Artes (Arquitectura).

1992 – Praemium Imperiale Award for Architecture, de la Japan Art Association.

1994 – Premio Dorothy and Lillian Gish.

1998 – National Medal of Arts (AEB).

1998 – Premio Friedrich Kiesler.

1999 -Medalla de Oro de la AIA, American Institute of Architects (AEB).

2000 – Medalla de Oro, Royal Institute of British Architects.

2002 – Gold Medal for Architecture (American Academy of Arts and Letters).

2002 – Comendador de la  Orden de Canadá.

2003 – Medalla de Plata de Caldes de Malavella.

2008 – Gran Cruz de la Orden de Carlomagno del Principado de Andorra (luego la rechaza).

2014 – Premio Principe de Asturias de las artes.

Proyectos

Casa Frank Gehry (California).

Lou Ruvo Brain InstituteLas VegasEE. UU.

Museo Guggenheim BilbaoBilbaoEspaña.

Bodega-Hotel Marqués de RiscalElciego (Álava), España.

Casa DanzantePragaRepública Checa.

Edificio del Banco DG, BerlínAlemania.

Centro Stata, Instituto Tecnológico de Massachusetts, BostonEE. UU.

Edificio Peter B. Lewis, ClevelandOhioEE. UU.

Escuela de Management Weatherhead, ClevelandOhioEE. UU.

Centro de Exposiciones, ColumbiaMarylandEE. UU.

Centro postal Merriweather, ColumbiaMarylandEE. UU.

Sede principal de Rouse Company, Columbia, MarylandEE. UU.

Centro Maggie’s Dundee, DundeeEscocia.

Torre GehryHannoverAlemania.

Sala de Conciertos Walt DisneyLos ÁngelesEE. UU.

Museo Experience Music ProjectSeattleEE. UU.

Universidad de MinnesotaMinneapolisMinnesotaEE. UU.

Museo de Arte WeismanMinneapolisMinnesotaEE. UU.

Pabellón Jay PritzkerChicagoIllinoisEE. UU.

El Pez dorado en el Puerto Olímpico de BarcelonaEspaña.

Vitra Design Museum en Weil am Rhein.

Biomuseo en la Ciudad de PanamáPanamá.

https://www.revistaad.es/arquitectura/articulos/proyectos-mas-bellos-frank-gehry/27968

https://www.lavanguardia.com/ocio/viajes/20190228/46620538310/frank-gehry-90-aniversario-turismo-arquitectonico.html#foto-13

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/6685/Frank%20Gehry

Gehry Partners, LLP :: Home

https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=49

https://www.jmhdezhdez.com/2013/06/frases-frank-gehry-phrases-quotes.html

https://culturainquieta.com/es/arte/arquitectura/item/14741-los-10-edificios-mas-emblematicos-del-arquitecto-frank-gehry.html

https://profeanacob.wordpress.com/2021/04/30/12-el-deconstructivismo-frank-ghery/

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/tag/frank-gehry

https://www.gettyimages.es/fotos/frank-gehry

http://vaumm.com/la-arquitectura-clasica-de-frank-gehry/

https://www.elmundo.es/cronica/2017/11/14/5a074f75e5fdea43778b469c.html

A mi si me gusta y mucho, José María Cano

Madrid, 21 de febrero de 1959, es un musico, compositor, director de orquesta, productor discográfico y artista plástico español que con su hermano Nacho y Ana Torroja, forma Mecano entre 1981 y 1998.

Ahora es pintor.

Es el segundo hijo de Modesto Diego Cano Hurtado, licenciado en ICADE que desarrolla profesión en el sector textil, y Emilia Andrés, licenciada en ciencias políticas.

 Tiene dos hermanos (Modesto y Nacho) y una hermana (Pilar).

Durante su infancia estudia en el Colegio Nuestra Señora del Recuerdo, de cuyo coro forma parte como solista. También dibuja en una academia.

Los Cano recuerdan que a sus padres no les gusta la música y, de hecho, en su casa no hay ni radio ni tocadiscos.

Pero sí una guitarra que su padre compra para aprender a tocar flamenco, proyecto que nunca lleva a cabo, y que es el primer instrumento con el que tienen contacto los hermanos.

Su descubrimiento real de la música es con 13, cuando, durante unas vacaciones en  Valencia, escucha Imagine de John Lennon.

A partir de ese momento empieza a desarrollar una gran afición por la música que contagia a su hermano Nacho cuatro años menor pero al que está muy unido. Compran todo tipo de discos y aprende a tocar la guitarra con un libro de canciones de los Beatles y toca también temas de Cat Stevens y James Taylor.

Sigue entre tanto perfeccionando su técnica de dibujo.

1974, con 15 años conoce en una fiesta que se celebra en el paseo de la Habana a Ana Torroja, de 14 años y de su barrio.

José y Ana entablan una relación de noviazgo que dura 3 años.

1976, a los 17 comienza a estudiar arquitectura en Valencia, donde va en gran parte huyendo del ambiente familiar en lo referente a su afición por la música.

Destaca en la asignatura de análisis de formas cuya base es el dibujo artístico.

Tras solo dos cursos decide abandonar la carrera de arquitectura y regresar a Madrid. Según afirma en una entrevista realizada en 2008, el motivo es que su padre pasa por una situación profesional complicada y José María quiere ayudar trabajando con él como representante textil.

Sigue haciéndolo sin cobrar nada hasta que es sustituido por su hermana Pilar ya en pleno éxito de Mecano.

1979 a su regreso a la capital comienza a estudiar ciencias empresariales.

Ana Torroja, ya convertida en solo amiga después de terminar el noviazgo de ambos, comienza a hacerle los coros cuando José María interpreta, normalmente en fiestas, alguna canción en público.

En Madrid, José María sopesa la posibilidad de grabar un disco con temas que compone.

También se reencuentra con su hermano Nacho, que abandona la guitarra por los teclados y toca música electrónica.

José María toca la guitarra y canta, Ana hace los coros y Nacho los solos. Progresivamente Ana, que no tiene afición por cantar en su infancia, desarrolla un timbre de voz muy bello que provoca que compongan para ella.

1980 se unen definitivamente los tres para formar el grupo Mecano, que tiene un éxito espectacular en España, Latinoamérica y otros países.

Aunque al principio las canciones que más éxito son las de su hermano, con el tiempo, especialmente a partir de 1984 cuando compra su primer piano, José María acaba componiendo los temas más relevantes de la banda y los que les abren una carrera internacional.

Hace además que la crítica musical cambie diametralmente su percepción de Mecano. La canción Hijo de la luna se convierte en el tema en lengua española con más versiones en otros idiomas de todos los tiempos.

La versión francesa de Mujer contra Mujer (Un femme avec un femme) es la canción extranjera que más tiempo esta de número uno en la historia de la música francesa, el anuncio de la cerveza más popular de Japón se hacía con Naturaleza muerta.

se convierte en uno de los mayores éxitos de la cantante británica Sarah Brightman. Cruz de navajas y Me cuesta tanto olvidarte abren a Mecano las puertas de Latinoamérica hasta entonces cerradas para ellos.

Otras de los clásicos compuestos por José María para Mecano son:

Una rosa es una rosa, No hay marcha en Nueva York, Eungenio Salvador Dalí, Hawaii Bombay, El blues del esclavo, Solo soy una persona, Quédate en Madrid, Sentía, El peón del rey de negras, Héroes de la Antártida, No es serio este cementerio y un largo etcétera.

Se convierte en el compositor en lengua española más demandado de su tiempo con éxitos para otros artistas como Lía para Ana Belén, Y aunque te haga calor” para Julio Iglesias, Solo para Enmanuel, Tiempo de vals para Chayanne, o la sintonía de La bola de cristal para Alaska.

Sus canciones son versionadas por intérpretes tan diversos como Vanesa Mae, Francoise Hardy, Celia Cruz, Sumi Jo, Mario Frangoulis, Maria Dolores Pradera, Montserrat Caballe, Sara Montiel, Mocedades, Simone, Mijares, o el grupo heavy Stravagganza.

1992, el grupo se toma un descanso de al menos 3 años.

José se retira a Londres, donde compra una casa.

Allí, durante cinco años, apadrinado y asesorado en la parte instrumental por Placido Domingo, se dedica a componer una ópera, animado tras su colaboración con la soprano Monserrat Caballe, que versiona su tema Hijo de la Luna.

Tras este esfuerzo, José María, que pasa largas horas frente a la pantalla del ordenador, acaba con grandes problemas de vista.

1997 va Nueva York para grabar el drama lírico en el que ha estado ocupado un lustro y que llevará por nombre Luna.

Para ello cuenta con la colaboración de intérpretes del mundo de la lírica, como Ainhoa Arteta, Renee Fleming, Teresa Berganza y su amigo Placido Domingo. 

Para llevarlo a cabo crea su propia compañía, llamada Ediciones Musicales Santa Teresa, que más tarde pasa a llamarse Red Rat y se especializa en el lanzamiento de artistas noveles, como el cantautor Juan Sinmiedo o el grupo Silent Childs.

1997 el 10 de octubre, se edita Luna, el primer trabajo en solitario de José María después de Mecano.

Obtiene el apoyo del público. Vende 125.000 copias que la convierten en la ópera más vendida hasta ahora en España.

 Pero no consigue el favor de la crítica del mundo lírico, que incluso llevó a cabo una campaña de boicot promocional para que la obra no pueda representarse en el Teatro Real, donde quiere estrenarla.

Aunque recibe múltiples apoyos desde el mundo artístico, incluida una recogida de firmas, finalmente la obra no puede ser representada en el teatro madrileño.

1995 nace su hijo Daniel (Dani), fruto de su relación con la azafata Marta Gómez Visedo, con la que se casa por poderes el 2 de marzo de 1998.

1998 el retorno de Mecano, junto con el álbum recopilatorio Ana|José|Nacho es un éxito de ventas que lo saca de la ruina económica en la que lo lleva Luna.

Ese retorno no interrumpe la promoción de la ópera, que llega a ser representada en versión concierto (corta) en el Palau de la Música de Valencia el 15 de junio de 1998.

Cuenta con Yves Abel como director de orquesta, así como con los cantantes que trabajan en la grabación de estudio, a excepción de la soprano Renée Fleming y la mezzo-soprano Teresa Berganza, quienes son sustituidas por Agnes Baltsa y por María José Martos.

1998 en noviembre, José María anuncia su salida de Mecano, siguiendo cada uno de los componentes sus carreras en solitario.

José María vuelve a su trabajo como productor y compositor para otros artistas.

Años después, el propio José María explica que el motivo de su salida del grupo es el diagnóstico que se le hace a su hijo Daniel de síndrome de Asperger.

Acontece cuando Mecano empieza una gira mundial de dos años y José María opina que afrontar esta nueva circunstancia es incompatible con tal vorágine.

Lo hace sin comunicar los motivos para no generar un espectáculo de la situación de su hijo.

2000 publica bajo el nombre de Josecano, su nuevo nombre artístico, el disco homónimo, su primer y último hasta la fecha disco pop en solitario.

El trabajo se presenta con el sencillo Y ahora tengo un novio, dedicada a su hijo Dani. Este trabajo no tiene éxito, solo vende 20.000 copias.

2001 con este disco y con nuevas versiones de temas de Mecano, realiza una gira en verano, sin gran éxito pero con muy buenas críticas por la cercanía y calidez con el público mostradas por el artista, algo que extrañó en él, recordado por su timidez sobre el escenario en la época de Mecano.

2002 compone el himno del centenario del Real Madrid.

Interpretado por Plácido Domingo, y con José María Cano dirigiendo una banda, es interpretado en el Bernabéu el día en que se celebran los cien años del club.

2002-2005 después de un tormentoso proceso de divorcio que le llevó a los tribunales británicos entre y que casi le lleva a la ruina, decide dedicarse profesionalmente al mundo de la pintura, adoptando como nuevo nombre artístico Cano de Andrés.

Su obra se basa en la encáustica que consiste en la utilización de cera como aglutinante de los pigmentos.

Trata la violación de los derechos humanos, la prostitución o el mundo de la banca y también los dibujos infantiles de su hijo.

Realiza para el Senado español un retrato de la histórica feminista Clara Campoamor.

Las ventas de sus obras, cotizadas hasta en 75.000€, y el nuevo éxito de Mecano en el bienio 2005-2006 (con ventas de más de un millón de ejemplares y una gira protagonizada por Ana Torroja) le ayudan a salir de los problemas económicos en los que esta sumido debido a la sentencia de divorcio.

2006 dirige una pequeña orquesta que interpreta, con la colaboración de Montserrat Caballé, el Padrenuestro sobre el Epílogo de su ópera Luna.

La actuación es ofrecida en el Encuentro Mundial de las Familias, en Valencia, ante el Papa Benedicto XVI.

2007 presenta un retrato de la actriz Sonia Martinez, fallecida de sida en 1994, durante un acto de la Fundacion de ayuda contra la drogadicción.

 El cuadro tiene el título “Take a walk on the wild side y como otros de su autor, se basa en la reproducción a gran escala de un titular periodístico.

2008 expone en Berlín y Praga.

2009 se mete en el estudio de grabación junto a Nacho y Ana para grabar un tema compuesto por él Maria Luz.

La canción se publica dentro en el recopilatorio siglo XXI.

2009 su serie de dibujos taurinos durante la Feria de San Isidro hacen descubrir su destreza con el dibujo.

También expone sus dibujos en la galería londinense Riflemaker.

2010 la misma feria patrocinadora le encarga el cartel para la promoción.

José Antonio Abellán anuncia la reunificación de Mecano en ABC Punto Radio para una gira mundial en 2012.

 Aunque algún otro medio se hace eco​, dicha gira nunca se llega a confirmar.

https://www.elmundo.es/suplementos/magazine/2006/374/1164309954.html

https://www.huffingtonpost.es/2017/11/24/jose-maria-cano-de-alma-de-mecano-a-ganar-300-000-euros-por-cuadro_a_23278411/

https://www.laopiniondemurcia.es/cultura/2006/11/29/jose-maria-cano-expone-shanghai-33086536.html

https://www.elperiodico.com/es/cuaderno/20171111/jose-maria-cano-pillado-en-paraiso-por-ramon-de-espana-6412511

https://efemeridesdelamusica.blogspot.com/2020/02/jose-maria-cano.html

http://artigoo.com/jose-maria-cano-andres-pintor

http://milkbaronline.org/es-jose-maria-cano-ozymandias/

https://www.elconfidencial.com/economia/paradise-papers/2017-11-05/jose-maria-cano-mecano-malta-sociedad-gestionar-negocio-arte-paradise-papers_1469855/

https://www.religionenlibertad.com/personajes/348996637/Jose-Maria-Cano-ante-la-pandemia-Pocos-nos-invitan-a-rezar-y-para-orar-no-hay-que-ser-prudente.html

https://www.youtube.com/channel/UC_nobImccVHfskbh5kBAk3A

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/9-invitados-con-arte/41441-entrevista-jose-maria-cano

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/invitados

https://elpais.com/elpais/2020/02/21/gente/1582293116_197174.html

https://elpais.com/elpais/2019/01/23/icon/1548240697_159128.html

https://www.elmundo.es/cronica/2019/02/26/5c6f078621efa023158b4584.html

La reivindicación de la memoria colectiva en la ciudad, Aldo Rossi

La ciudad se puede controlar pero no se debería modificar

Hay una evolución artística entre la obsesión por las formalidades recurrentes y la curiosidad por un mundo en ebullicion

Para la mala arquitectura no hay ninguna justificación ideológica, como no la hay para un puente que se hunde.

En la segunda mitad del siglo XX, la búsqueda arquitectónica de posguerra se esfuerza por alcanzar una propuesta alternativa de la modernidad.

Siempre he afirmado que los lugares son más fuertes que las personas, el escenario más que el acontecimiento. Esa posibilidad de permanencia es lo único que hace al paisaje o a las cosas construidas superiores a las personas

Robert Venturi, Denise Scott Braun, Charles Moore y Robert Stern impulsan, en armonia con el capitalismo consumista, una vuelta a la representatividad y el simbolismo suprimido por el movimiento moderno, no para actualizar el diseño sino para suplantarlo.

Simultáneamente en Inglaterra la obra teórica de Banham, el contextualismo del matrimonio Smitshon y los esquemas de ilusorios de Archigram, buscan el modo de actualizar el movimiento moderno mediante el uso de un lenguaje de expresión tecnológica más contundente que se progresa años después en la obra de Richard Rogers, Renzo Piano y Norman Foster. 

En Italia, mediando en ese contexto y mientras el movimiento Neo Liberty se debate en sus contradicciones, la figura de  Aldo Rossi emerge como la voz teórica más sugestiva y coherente del panorama arquitectónico.

Arquitecto y diseñador italiano considerado como uno de los principales exponentes del movimiento posmoderno, a pesar de que él lo rechace

Es un clásico heterodoxo en la arquitectura de hoy.

Es uno de los grandes renovadores ideológicos y plásticos de la arquitectura contemporánea; con su poesía metafísica y el culto que profesa a la vez a la geometría y a la memoria.

Cambia el curso de la arquitectura y del urbanismo del último tercio del siglo XX.

Teatro flotante Teatro del Mondo (Venecia)

Edificio de Viviendas en Friedrichstadt, Berlín

Cementerio de San Cataldo en Módena, Italia

Ópera Nacional (Génova, Italia)

Museo del Mar de Galicia

Aldo Rossi [3 de mayo de 1931 – 4 de septiembre de 1997], arquitecto italiano, nacido en Milán.

Su padre posee una pequeña fábrica de bicicletas, cuya marca es Rossi.

Va a dos colegios diferentes durante la Segunda Guerra Mundial.

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1959 se gradúa de arquitectura en el Politecnico di Milano.

1963 inicia su actividad docente, primero como asistente de Ludovico Quaroni (1963) en la Escuela de Urbanismo de Arezzo, posteriormente de Carlo Aymonino en el Instituto Universitario di Architettura di Venezia.

Rossi trabaja durante tres años para una revista de arquitectura.

1966 publica La Arquitectura de la ciudad, en el que establece sus teorías sobre el diseño urbanístico de las ciudades.

Rossi se interesa inicialmente por el cine, pero al final se dedica a la arquitectura.

No obstante, en todos sus diseños están presentes de alguna forma los rasgos de los decorados teatrales.

Realiza proyectos destinados al teatro y a la ópera.

1979 para la Bienal de Venecia, diseña un teatro flotante, el Teatro del Mondo. con capacidad para 250 espectadores sentados alrededor del escenario.

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Diseña también el edificio de la Ópera Nacional de Génova.

Su primera obra en América es un teatro, el Lighthouse Theatre, situado junto al lago Ontario en Toronto, Canadá.

1971 Rossi sufre un accidente de automóvil, cuyas consecuencias le obligan a permanecer en el hospital durante algún tiempo.

En esa época, cambia su vida, ya que comenzó a pensar en la muerte.

Surge en su mente la idea de que las ciudades son lugares para los vivos y los cementerios lugares para los muertos, que también requieren una planificación y diseño.

Así es como gana el concurso para el cementerio de San Cataldo en Módena.

De la misma época es su primer complejo de viviendas, diseñado para un barrio de la periferia de Milán, y denominado Gallaratese.

Se trata de dos edificios iguales, separados por un espacio estrecho.

Para Rossi la originalidad de este proyecto consiste en que los dos edificios pueden repetirse varias veces, sin que por ello el conjunto pierda atractivo.

A partir de entonces hace numerosos proyectos residenciales, tanto viviendas y hoteles, como casas individuales.

A lo largo de su carrera, Rossi realiza numerosos e importantes proyectos en los Estados Unidos.

Uno de los primeros es la casa unifamiliar en Mount Pocono, Pennsylvania.

En Galveston, Texas diseña un arco monumental para la ciudad, y en Coral Gables, Florida, recibe el encargo de proyectar la nueva Escuela de Arquitectura.

1990 Rossi recibe el Pritzker de arquitectura.

Sus méritos no se limitan al campo de la arquitectura, sino que es también diseñador, teórico, profesor y autor.

Es profesor de la Escuela Politécnica de Milán, el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, la Escuela Técnica Superior de Zúrich y la escuela Cooper Unión de Nueva York.

https://alrededordelaarquitectura.wordpress.com/2015/06/26/viernes-clasico-la-cara-de-los-premios-pritzker-aldo-rossi-1990/

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-240164/feliz-cumpleanos-aldo-rossi

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-71078/clasicos-de-la-arquitectura-cementerio-de-san-cataldo-aldo-rosi

https://www.revistaad.es/diseno/iconos/articulos/aldo-rossi-icono-ad/22328

https://www.metalocus.es/es/noticias/el-arquitecto-y-las-ciudades-gran-retrospectiva-de-aldo-rossi-en-maxxi

https://artchist.blogspot.com/2017/04/teatro-del-mondo-en-la-bienal-de.html

A mi si me gusta y mucho Lita Cabellut

Lita Cabellut nace en Sariñena, Huesca en 1961.

Vive allí hasta que se mudan a Barcelona, donde Cabellut vive en casa de su abuela Rosa.

Va a la escuela aunque tiene problemas de dislexia.

Mendiga en la calle en la Rambla, el mercado de la Boquería, Port Vell y la Plaza Real, especialmente concurrida por los turistas que lanzaban monedas a la fuente, eran su espacio habitual.

A los 10 años su abuela muere y es internada en un orfanato donde una familia catalana pudiente la adoptó a los 13 años.

Descubre su vocación con la pintura en una de sus visitas al Museo del Prado con la obra de Goya, Velázquez, Ribera y Rembrandt.

En el garaje de la casa puede montar un pequeño estudio en el empieza a desarrollar su vocación.

1978 es su primera exposición es en el Ayuntamiento del Masnou. 1982, a los 19 años, Cabellut se muda a Ámsterdam donde estudia becada en la academia de arte Gerrit Rietveld hasta el año 1984.

Durante estos años su trabajo se vio influenciado por los grandes maestros holandeses y la artista desarrolló algunas de las técnicas que se han convertido en su seña de identidad.

Cabellut pinta retratos fotorrealistas, considerados como una variante del hiperrealismo. En sus cuadros monumentales emplea de una manera revisada la pintura al fresco con influencias de autores tan diferentes como Rembrandt, Francis Bacon, Jackson Pollock o Antoni Tapies y que deliberadamente rompen la belleza de sus modelos imprimiendo la realidad del paso del tiempo.

Refleja la violencia hacia las mujeres, la sordidez, la crueldad, representada con precisión, con textura o por la intimidación que supone la aceptación de un falso concepto de belleza basado en el glamour como su valor más alto.

Se hace experta en una técnica innovadora que por medio de un craquelado hace aumentar el impacto visual de cada una de sus obras.

Trabaja en lienzos de gran formato, Lita Cabellut genera una variación contemporánea de la técnica del fresco y una paleta de colores reconocible que surge de su obsesión por darles piel a sus personajes.

Pero más allá de sus trabajos y técnicas más reconocidas, es una artista multidisciplinar.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/9-invitados-con-arte/561-entrevista-a-lita-callebut

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/noticias-arte/41657-lita-cabellut-cumple-el-sueno-de-exponer-con-su-maestro

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/invitados

https://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/17223-lita-cabellut-de-la-indigencia-a-convertirse-en-la-pintora-espanola-mas-cotizada-del-mundo.html

https://historia-arte.com/artistas/lita-cabellut

Lita Cabellut

Lita Cabellut: el arte no se piensa, se vomita

https://www.revistavanityfair.es/cultura/articulos/lita-cabellut-pintora-gitana-calles-barcelona-lahaya-familia-real-exposicion-amsterdam/34481

Less is a bore, Robert Venturi

Modernism is about space, post modernism is about communication, you should do what turns you on

Rechaza desde sus inicios la austeridad del movimiento moderno y anima la vuelta del historicismo, la decoración añadida y al simbolismo en el diseño arquitectónico.

Es el creador de la Postmodernidad en arquitectura

Trabaja con su mujer, Denise Scott Brown, también arquitecta y consiguen romper la hegemonía del modernismo.

Muere a los 93 años considerado uno de los arquitectos más originales de finales del siglo

Arquitecto inconformista, crítico y revolucionario del movimiento moderno, con les is a born, lidera el posmodernismo que desemboca en la década de 1970.

Defiende una arquitectura compleja que acepte sus contradicciones y es considerado como uno de los teóricos más importantes de la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX.

Nace en Filadelfia (EE.UU.), estudia arquitectura en la Universidad de Princeton, en Nueva Jersey

 1958 trabaja en el estudio de los arquitectos Eero Saarinen y Louis Kahn.

La mayor influencia en su obra es la de su mujer sudafricana, la también arquitecto, Daniel Scott Brown.

Daniel Scott Brown.

1964, fundan Venturi Scott Brown Associates (VSBA).

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Muchas de las obras atribuidas exclusivamente a Venturi las crea a partes iguales con Scott Brown.

Robert Venturi y Daniel Scott Brown
Robert Venturi, Seattle Art Museum

En respuesta al less is more (menos es más) de Mies van der Rohe, la pareja acuña less is a bore (menos es aburrido) como grito de guerra de la arquitectura posmoderna.

1966 uno de sus primeros libros, Contradicción y complejidad en la arquitectura sigue siendo referencia de esa reivindicación del historicismo, de lo simbólico.

1991 fruto de su carácter visionario, recibe el Pritzker

1983, Robert Venturi con 58 años, Gordon Vu Hall, Princeton (EEUU)
1983, Robert Venturi con 58 años, Gordon Vu Hall, Princeton (EEUU)

Sus proyectos tienen un diseño peculiar, tanto por el empleo de colores, como por la ubicación de las ventanas y de los elementos decorativos en las fachadas.

Vanna Venturi House
Vanna Venturi House
Vanna Venturi House

Uno de sus obras más importantes es en 1962, cuando Vanna Venturi encarga a su hijo el proyecto de una casa en Filadelfia (EE.UU.)

Fachada y planos de la ‘Vanna Venturi House’ (1964), la casa que Robert Venturi hizo para su madre.

Es su punto de partida y una de las primeras obras de Robert Venturi, de estructura compleja, sus aspectos formales contradicen los aspectos funcionales, pero pronto alcanza un reconocimiento internacional.

1964 lo que destaca en la Vanna Venturi House es la referencia abstracta que toma de las casas tradicionales estadounidenses, con un tejado a dos aguas y un arco sin aparente propósito.

Fachada y planos de la ‘Vanna Venturi House’ (1964), la casa que Robert Venturi hizo para su madre.

Consigue crear un nuevo hogar para su madre y, además, poner de manifiesto su reacción al movimiento moderno, protagonista de la primera mitad del siglo XX.

Fachada y planos de la ‘Vanna Venturi House’ (1964), la casa que Robert Venturi hizo para su madre.

1963 destaca la Guild House, un edificio de apartamentos construido para personas de edad avanzada con bajos recursos.

La Guild House de Venturi, un ejemplo práctico de su lema: “less is bore”

Destacan las ventanas cuadradas de guillotina, características en las construcciones sociales.

También destaca la columna de granito pulido en mitad de la entrada, que contrasta con el revestimiento de cerámica blanca del acceso principal y que incluye el nombre del edificio con grandes letras que cubren el balcón del primer piso.

1989-1991, edificio de la National Gallery de Londres, hacen la ampliación Sainsbury Wing, una de las más reconocidas del edificio construido por el arquitecto Williams Wilkins entre 1832 y 1838.

ALA SAINSBURY DE LA NATIONAL GALLERY DE LONDRES.

Junto a su esposa, Venturi consigue combinar la construcción contemporánea, el clasicismo inglés, el simbolismo y la creatividad espacial con el acero, la piedra y el vidrio.

ALA SAINSBURY DE LA NATIONAL GALLERY DE LONDRES.

1979-1981 diseña muebles para Knoll

2016 Robert Venturi y Denise Scott Brown son distinguidos de manera conjunta con la Medalla de Oro del AIA,American Institute of Architects,  el premio de arquitectura más importante de Estados Unidos.
Venturi también es profesor de arquitectura teórica en la Universidad de Pensilvania, en Filadelfia.

houston-children-museum-robert-venturi
houston-children-museum-robert-venturi

https://www.revistaad.es/diseno/iconos/articulos/arquitecto-inconformista-robert-venturi-lidero-el-posmodernismo/25834

https://elpais.com/elpais/2018/09/20/icon/1537453803_535873.html

https://elpais.com/cultura/2013/04/24/actualidad/1366823468_552339.html

https://cesarulisesparraltorres.wordpress.com/robert-venturi/

https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=170

https://www.elmundo.es/cultura/2018/09/21/5ba4a56a268e3e36348b4656.html

https://www.metalocus.es/es/noticias/robert-venturi-clasicos-contemporaneos-hoy

https://ggili.com/blog/robert-venturi-1925-2018/

https://www.cosasdearquitectos.com/2018/09/robert-venturi-y-denise-scott-brown-en-life-stories-of-remarkable-people/

Juan Muñoz

Juan Muñoz (derecha) con Bart Cassiman junto a una escultura de Thierry de Cordier, Espacio Mental, IVAM, Valencia (1991)

Alcanza la fama internacional por su singular visión sobre la escultura, al tratarla como un medio narrativo.

“Thirteen Laughing at Each Other” (2001).

Esto le vale el apodo de poeta del espacio y lo llevó a exponer en grandes instituciones del mundo, como el Tate Modern de Londres y el Guggenheim de Nueva York,

“Thirteen Laughing at Each Other” (2001).

Es el segundo de una familia de siete hermanos.

“Last Conversation Piece” (1994-1995).

En la década de los setenta se va a UK para estudiar en el Croydon College y luego al  Central School of Art and Design.

Conoce allí a su mujer, la escultora Cristina Iglesias, con quien tiene dos hijos.

  Conversation Piece, disponible en http://www.guggenheim.org/

1982 viaja a EEUU para estudiar con una beca en el Pratt Centre of NY.

Many Times (1999), disponible en http://www.guggenheim-bilbao.es/

1984 primera exposición en Madrid en la galería Fernando Vijande.

 Conversation, disponible en http://www.thinkspain.com/, 16 de febrero de 2011

Desde entonces expone sus trabajos en diferentes partes del mundo.

Figuras sentadas con cinco tambores 1999, disponible en http://www.ocio.net

1990 comienza a producir piezas de carácter narrativo rompiendo los límites de la escultura tradicional- las cuales constan de instalaciones de figuras de tamaño ligeramente inferior al natural que interactúan entre si, distribuidas en ambientes tanto cerrados como abiertos.

Double Blind, disponible en http://www.bbc.co.uk/

Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para discretamente formar parte de ellas.

Sus figuras monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en discreción, en universalidad por su falta de particularización, pero esa ausencia de individualidad nos cuestiona y, tal vez, hasta incomoda.

Para sus esculturas, Juan Muñoz utiliza papel mache, resina y bronce.

Además de en la escultura, se interesa en la creación de carácter auditivo, produciendo algunos trabajos para radio.

1980 tiene uno de sus trabajos más reconocidos en este medio que realiza junto con el compositor británico Gavin Bryan.

 Llamado A Man in a Room, Gambling ,un hombre en una habitación, apostando,  ern el cual describe trucos de naipes acompañado por una composición de Bryars.

 Las piezas, diez segmentos de no más de cinco minutos, son emitidas por la cadena de radio Radio 3 de la BBC.

1992 En un programa de radio inédito –Third Ear-, Juan Muñoz plantea que existen dos cosas imposibles de representar: el presente y la  muerte, y que la única manera de llegar a ellas era por su ausencia.

2000 es Premio Nacional de Artes Plasticas

2001, agosto de veraneo en Santa Eularia des Riu, Ibiza, fallece súbitamente de un aneurisma, tiene 46 años de edad.

En ese momento esta expuesto  en la Tate Modern Gallery su obra Double Bind 

https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Mu%C3%B1oz_(escultor)

https://elpais.com/diario/2001/08/30/cultura/999122407_850215.html

http://www.xn--espaaescultura-tnb.es/es/artistas_creadores/juan_munoz.html

https://www.macba.cat/es/arte-artistas/artistas/a-z/munoz-juan