El objetivo de estos artistas es hacer de la pintura algo externo, un objeto, tratarla como algo que esta fuera y para conseguirlo le añaden a la obra elementos de la realidad como objetos cotidianos, latas de refrescos usadas, fragmentos de fotografías, a lo que pintan por encima casi borrando la pintura.

Este tratamiento a la obra pictórica lo acerca a las piezas de escultura, ya que trae la ruptura bidimensional del cuadro al incorporarle objetos cotidianos a la pintura, que generando una peculiar atmósfera, tridimensionan el lienzo.

Y al seguir la incorporación del universo a la representación plástica inventan el Happening, que en ingles significa Acontecimiento, y que en arte supone una especie de cuadro animado, con actuaciones teatrales improvisadas y divertidas.

Tiene un paralelo desarrollo en Europa y EEUU durante los 50 y primeros 60 y los protagonistas en América son Robert Rauschemberg y Jasper Johns a los que mas después se unen Jim Dine y Larry Rivers.

Pero todo esto genera una dispar evolución en los artistas del grupo que interactúan entre ellos con sus piezas.

Rauschenberg continúa recubriendo de objetos el cuadro, Johns en cambio es mas frío y a partir de imágenes cotidianas como la bandera americana, dianas, latas de cerveza, moldes de letras y números, pinta con técnicas sofisticadas como el temple o la cera, pero que resultan desapercibidas para un profano.

Con lo que es una actitud retorcida que desvía la mirada del espectador a quien manipula su atención, pero no tanto por sentirse mas fuerte y dominante, sino por hacerlo cómplice del engaño de la ilusión pictórica, de esa ilusión visual que es lo que el arte busca, para una mejor comprensión de la realidad.

En Europa hay un fenómeno paralelo a EEUU con manifestaciones mas importantes en Francia, donde emerge un grupo llamado Nuevo Realismo, en Alemania surge Movimiento Zero, cuyos artistas son de diferentes países, un poco después Fluxus, en Italia surgen Especialismo, Azimuth y el Arte Povera.

En Europa hay una diferencia a la hora de trabajar, y es que como son países meridionales católicos, diferentes a los septentrionales protestantes, hay un mayor sentido físico de la materia con una mayor carga de simbolismo.

Un ejemplo es Yves Klein (1882-1962), amante del exoterismo, que llega a lo que él denomina Monocromo, una pintura de un tipo de azul que llega a patentar con las siglas IKB (International Klein Blue), un color que pasa a ser solo una cosa.

Tiene unos happening espectaculares, de gran agudeza, uno de ellos queda para la posteridad, y es el de la orquesta con las modelos desnudas que impregnan de azul sus cuerpos y se restriegan contra el lienzo, donde dejan una huella muy interesante.

A esto lo denomina Antropometrías.

Esta misma locura dosificada le lleva a hacer una serie de pinturas al fuego, en las que ahúma una superficie con un lanzallamas, también con unos resultados espectaculares.

La utilización de técnicas soportes diferentes y espectaculares en estos artistas es constante y hay que mencionar a Christo (1935), que empaqueta paisajes, puentes, edificios, con los que llama la atencion sobre algun aspecto de la historia del lugar o de relación del hombre con el medio, algo que ademas hace autofinanciándose, que también resulta artistico.

Hay que realizar un trabajo de planificación e ingeniería descomunal.

Hay que destacar a Piero Manzoni (1933-1963) con su Mierda de artista, su detritus que mete en conserva, una critica fantástica a la imagen mítica del artista, oscurecida por una injusta polémica que crea el envasado.

Hay que destacar a Joseph Beuys (1921-1986) del que hablaré próximamente, que noveliza su existencia, con narraciones fantásticas para generar una leyenda del personaje, y que hace incapié en la misión chamánica y liberadora del artista, así como de la utilización del arte como medio político de transformación de la realidad social siguiendo pautas del Romanticismo germano, basado en la tragedia griega.

Para este artista -muy buen dibujante- los objetos y determinadas materias están cargados de enorme simbolismo a veces biográfico como el fieltro en su caso.

A la par del Expresionismo Abstracto se genera otro mas figurativo.

Pero ahora lo que predomina es la gestualidad, la violencia expresiva del trazo, el valor de la carga matérica.

Destacan Bernard Buffet (1928), Francis Gruber (1912-1948), Jean Helion (1904-1987) y los surrealistas como Balthus o expresionistas radicales como lo ingleses Sutherland o Bacon y los miembros del grupo Cobra.

Hay que destacar La Escuela de Londres con Francis Bacon (1909-1982), Lucian Freud (1922) y Frank Auerbach.

Estos últimos artistas evolucionan de forma independiente en relación con la marcha de las vanguardias pues desde los años 30 el núcleo de pintura figurativa va creando su propia vía cuyo resultado después de la guerra es La Escuela de Londres.

Para interpretar a Bacon hay que entender a los que le preceden como Stanley Spencer (1891-1959) que hace un arte visionario o Paul Nash (1889-1992) que desarrolla el surrealismo, Grahan Sutherland (1903-1980) con sus crucifixiones germanas.

Toda esta tradición que precede, propicia la aparición de posguerra de La Escuela de Londres ya que no hay nada por generación espontanea.

Pero quien ocupa un lugar central en la figuración europea de posguerra es Francis Bacon ya que no son deformes sus figuras sino que crea un espacio síquico para describir la imagen solitaria del individuo, convertido en una masa informe de carne donde se percibe el drama de la existencia.

Hay que destacar también al grupo CoBrA, cada una de las tres mayusculas hace referencia a las tres ciudades a la que pertenecen sus componentes que son Copenhage, Bruselas y Amsterdam.

Se funda en noviembre de 1948 con los pintores daneses Karen Appel (1921), Costant (1920) y Corneille (1922), y el danés Asger Jorn (1914-1973) y los escritores belgas Detremont y Noiret, añadiendose al grupo el pintor belga Pierre Alechinsky (1927).

Con orígenes en el Expresionismo y Surrealismo reivindican lo poético del mundo de los sueños, el primitivismo, los niños, los locos, pero lo hacen con violencia, con una pintura muy empastada y un gesto agresivo y directo.

Fancis Bacon el inquietante

Quisiera que mis pinturas se vieran como si un ser humano hubiera pasado por ellas, como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana, como el caracol que deja su baba

(Dublín, Irlanda,28 de octubre 1909–Madrid, España, 28 de abril 1992)

Es autor de 584 pinturas y alrededor de 600 dibujos en los que utiliza lo impreciso e inquietante la deformidad y ambigüedad como recurso creativo.

El аrte europeo tras la Segunda Guerra Mundial, muestra un duelo como respuesta a la guerra y sus consecuencias.

Dos artistas dominan el panorama del arte europeo de los años 1940-50, Francis Bacon y Alberto Giacometti.

Las figuras de Giacometti son famélicas, otras mutiladas; Bacon compara a los seres humanos con animales y sus caras suelen tener la boca gritando silenciosamente y en los dos, los seres humanos aparecen aislados y solitarios.

1944 termina el tríptico Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión.

Esta obra marca el principio de su discurso creativo donde muestra el instinto autodestructivo y sádico junto a la vulnerabilidad humana.

1945 Bacon ya tiene un lenguaje propio que más tarde se vuelve obsesivo y redundante.

En 1949 el MOMA adquiere Pintura 1946, que representa dos figuras, una de ellas suspendida crucificada.

1949 Bacon desarrolla variaciones sobre el Retrato de Inocencio Xde Velázquez, efectuando cuarenta y rechazando cuando esta en Roma conocer el original.

Lucian Freud compañero de generación y amigo dice de Bacon que es el mas sabio y el mas salvaje.

Con frecuencia Bacon se asoma al Prado y hace que su amiga Manuela Mena, conservadora del museo le permita verlo en lunes cuando las salas están cerradas y sólo desea ver Velázquez y Goya, ni El Bosco ni Brueghel, ni Tiziano ni Rubens, nada, asi lo relata El País en una entrevista a la conservadora, que tras su muerte le hace un homenaje en forma de exposición retrospectiva.

Cuenta de sus visitas con el pintor, que se ubica próximo a las 16 pinturas y se mantiene observándolas durante bastante tiempo sin hablar. Se las sabe de memoria, pero siempre encuentra algo nuevo.

Con los años aprende de todas las pinturas que observa, mucho más que de las figuras, como la del soldado romano cayendo de espaldas en La Resurrección, la pieza del El Greco, que se muestra en los desnudos invertidos que reitera enla década de entre 1950 y de 1960, o en el Papa Inocencio X de Velázquez, que él realiza en infinidad de ocasiones.

Bacon le preocupa la manera de aplicar la pintura y Manuela Mena su amiga indica en una entrevista al País que la línea negra entre la manga y la piel ante la Figura en un paisaje de 1945 es igual que en Las Meninas.

Sigue explicando que en el Papa I de 1951, el negro brillante detrás de la cabeza retoma una tradición anterior, pues los pintores clásicos hacen eso para conseguir el espacio y separar la cabeza del fondo.

El empleo por parte de Bacon de una línea ancha de un color fuerte para perfilar un cuerpo, cuenta con un precedente en varias de las Pinturas negras de Goya, sobre todo en Saturno devorando a un hijo.

Ahí Goya utiliza un rojo intenso para delimitar no sólo los restos blanquecinos de la figura que está siendo devorada sino también los dedos ávidos y aferrados de Saturno.

Y Bacon piensa en el cuello de la Venus del espejo cuando pinta, una y otra vez, el cuello y la espalda de un desnudo masculino, especialmente los de su amante George Dyer.

Tampoco se le olvida nunca nunca los colores modernos de aquel cuadro, una audaz combinación de carmesí, blanco, gris metálico y una piel clara y luminosa, que ha seguido utilizando con frecuencia en su obra desde la Cabeza II, de 1949, a la Segunda versión del tríptico de 1944, de 1988.

¿Qué es lo más importante que aprende Bacon de Velázquez? la manera de reducir los trazos con el pincel al mínimo.

Velázquez da un solo toque con el pincel y basta. Es la economía de medios llevada al extremo. Y también el sentido del espacio.

El sentido del espacio es absolutamente Velázquez, de nuevo hay que pensar en la Venus.

Pintar con un sentido velazqueño de la economía tiene profundas implicaciones para la actitud del pintor, más allá de lo que Bacon pueda afirmar (como que la inteligencia jamás crea el arte, jamás crea la pintura) eso requiere una poderosa inteligencia pictórica.

Velázquez pinta deprisa, pero planifica antes de poner el pincel sobre el lienzo y cuando empieza tiene una idea clara de lo que va a realizar.

La posguerra europea que habla mas de duelo que la americana, es paralela al Expresionismo Abstracto Norteamericano, donde emerge también una pintura abstracta impresionista a la que se denomina Informalismo y que abarca todas las tendencias abstractas y gestuales que acontecen a partir de la posguerra, a finales de los 1940 y 1950 en Francia, Italia y España

El movimiento es llamado así por Juan Eduardo Cirlot y tiene como representantes en España a Antoni Tapies del grupo Dau al Set, y Antonio Saura y Manuel Millares del grupo El Paso.

El Paso fundado en 1957 en Madrid, tiene en torno a él personalidades muy dispares pero cohesionadas, y organiza de alguna manera el caos de la pintura de la posguerra española, generando un nuevo orden.

Hay que destacar a Rafael Canogar, Juana Francés, Luis Feito, Manolo Millares, Manuel Ribera, Antonio Suarez, Antonio Saura y el escultor Pablo Serrano, en el 58 se añaden los artistas Martin Chirino y Manuel Viola, ademas del arquitecto Antonio Fernández Alba.

Dau al Set en cambio, es un grupo de Cataluña, cuyos fundadores son el poeta Joan Brossa que crea el nombre del grupo, el filosofo Arnau Puig y los pintores Joan Ponc, director de la revista, Antoni Tapies, Modest Cuixart y Joan Tarras editor de la revista, al poco tiempo se les une Juan Eduardo Cirlot.

En Europa de posguerra se produce el Informalismo que también es una pintura abstracta expresionista, que se diferencia de Norteamérica en que los europeos no trabajan en grandes formatos, y que le dan mas importancia a los recursos que utilizan como la materia y los temas.

Asi frente al vigor de pintura de acción, el action painting americana donde hay una gran gestualidad y violencia, Europa contrapone una pintura mas intimista y poética.

Quitando que los informalistas europeos nunca mantuvieron una estrecha relación entre ellos como los norteamericanos y menos con las plataformas de promoción comercial que podría haberlos cohesionado, o por lo menos no lo hicieron hasta mas tarde.

En Europa mas complicado que en Estados Unidos el retomar el camino cultural interrumpido por la guerra y aunque París pierde su protagonismo en favor de NY, allí continúan trabajando Picasso, Miró, Braque o Matisse, que influyen en las nuevas generaciones.

Las teorías existencialistas suponen el refugio de los artistas europeos en la subjetividad.

El centro del Informalismo Europeo esta en Francia, donde hay que destacar a Jean Fautrier (1898-1964) que a fines de los años 20 ya hace abstracción, pero que es una exposición de 1943 en plena guerra denominada Otages (Rehenes) la que da a conocer su discurso informal.

Jean Dubuffet creador del arte bruto (Art Brut) investiga el mundo del instinto y lo primitivo e introduce carga matérica como elementos de arcilla, pequeñas piedras, cerámicas, que es lo que se hace desde la expontaneidad de lo primitivo, de los niños, de los pintores naives o ingenuos, la de los locos y los niños, la de los no profesionales, sin inhibiciones.

Wols (1913-1951) y Henry Michaux (1899- 1951) son mas poéticos, el primero es un alemán afincado en Francia y tiene una pintura que consiste en una caligrafía dibujada en tinta, y el segundo también trabaja el mundo de la percepción de alteración de la conciencia con tinta china y acuarela.

Despues de estos pintores que son de finales de los 40 y principio de los 50 se unen mas pintores informalistas, llegando a formar una escuela Abstracción Lírica Francesa, Arte Otro, que la invento el crítico Michael Tapie, Tachismo formado a partir de la voz tache que significa mancha.

Destacan Hans Hartung (1904), Georges Mathieu (1921) o Nicolas Stael (1914-1955).

En Italia destaca Alberto Burri (1915-1991) que trabajo nuevos soportes como la arpillera, para dotar de nueva expresividad a la materia.

Aquí en España lo hizo Lucio Fontana (1899-1968) pintor del grupo Abstracción Creación desde antes de la guerra y que en 1946 publica El Manifiesto Blanco, que demanda la presencia de la ciencia para investigar soportes y métodos a partir de lo que hace una obra muy original y variada, centrada en una manera novedosa de tratar el espacio.

Academia Breve de Xenius en la primera posguerra

Mientras que Europa y EEUU los jóvenes creadores están afectados por la afrenta moral de la contienda, en España Eugenio d’Ors al ser liberado de sus obligaciones en 1942 como Secretario perpetuo del Instituto España, funda La Academia Breve de Critica de Arte, como elemento de difusión de la actividad artística y promoción de emergentes la España de la primera posguerra.

Cada año, a imagen y semejanza de los Salones de Otoño parisinos, unos académicos muy heterogéneos que van cambiando eligen un artista y ademas de hacer una glosa del porque de su elección se le promociona con un catalogo cuidado y se expone su obra.

Sus actividades se desarrollan del 12 de mayo de 1942 teniendo un prologo en la exposición homenaje de Isidre Nonell y un epilogo denominada Ultima Exposicion en 1955 por la muerte de Eugeni d’Ors

Con el éxito de los Salones, la Academia amplia su actividad y celebra las Exposiciones Antológicas de la Academia Breve de Crítica de Arte que se realizan entre las diversas ediciones del Salón.

Las exposiciones se hacen en la Galería Biosca de Madrid, realizándose otras en el Museo Nacional de Arte Moderno de Madrid o en la Galería Buchholz también de Madrid.

Importante es su relación con la Galería Stvdio de Bilbao de Guillermo Wakonnig.

Se pueden ver obras de consagrados y emergentes, determinando lo que sería el arte moderno español futuro como Conejo, Clará, Eduardo Vicente, José Gutiérrez Solana, Francisco Cossío, Modesto Ciruelos, Benjamín Palencia, Antoni Tàpies, Manolo Millares, Josep Guinovart, Cristino Mallo, Francisco Capulino, «Capuleto», Pinazo o Ignacio Zuloaga.

En los 50 el Expresionismo Abstracto americano es un boom comercial y publicitario.

Muchos de sus protagonistas imbuidos por el ideal romántico del artista que no teme agotar la vida joven en aras de la obra, mueren de manera trágica, bien suicidándose o autodestruyéndose que es casi lo mismo, como Gorky, Pollock o Rothko.

Con lo que su obra se revaloriza al aumentar su carisma de artista total con este final que engrandece la leyenda de cada uno.

Pero ahora hay un consumo popular de la vanguardia y sus miembros son estrellas del mundo cultural que todos quieren tener tocar.

Esto supone como menciono en el capitulo anterior una asimilación de la vanguardia, una total institucionalización de lo que debía ser algo transgresor, lo que termina provocando una crisis y destrucción de sus protagonistas al generar ansiedad en perfiles autodestructivos.

Pero ademas otro factor negativo de esta seudopopularidad nefasta para el elitista arte provoco que apenas muerto Pollock se estaban produciendo alternativas artísticas a lo que él había ingeniado.

Hay ya un potente mercado del arte americano de vanguardia que percibe que hay en todo occidente una reacción anti expresionista.

Al dogmático Expresionismo Abstracto se responde con un extremo objetivísmo de carácter impersonal y normativo que abarca la década de los 50 y los 60.

Se incorpora de forma progresiva retazos de lo cotidiano al cuadro, como se empieza a hacer en los primeros collages del cubismo, aunque son los dadaistas y los surrealistas los que desarrollan esta técnica, hasta llegar al Pop , que incorpora imágenes icónicas sacadas de los medios de comunicación.

Hay frialdad en la creatividad ahora, por lo que se aparca la dimensión subjetiva y emocional y se intenta hasta neutralizar la huella de la mano en el trabajo, algo que cualquiera puede sustituir al pintor, por lo que la pieza es mas aseptica, fría, distante y neutra.

Lo que importa ahora no es la acción de pintar, el arte procesual, sino la materialización de la idea.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial la total falta de perspectiva de la vanguardia plástica augura un futuro incierto y no solo por el golpe moral que supone los genocidios y el conflicto bélico.

Del patrón heredado de las anteriores vanguardias que eran la transgresión, la defensa de la experimentación y el retorno al figurativo no queda nada, y sus recursos están un tanto trillados por no decir desacreditado pues están fuera de contexto.

De la experiencia formalista no se puede esperar demasiado y si se hace parece que se parodie algo, unido a que tampoco hay mucho ímpetu por defender la figuración, pues la imagen tras los años 30 se ha instrumentalizado, pues se usa con carácter publicitario político, convirtiéndose por los regímenes totalitarios en un arte de propaganda de masas.

No es sencilla ni homogénea la respuesta a la cuestión subyacente de esta epoca de posguerra para recobrar un nuevo impulso moral en el arte, pero si hay un instinto común que configura dos movimientos, estas son el del Expresionismo Abstracto americano o Escuela de Nueva York y el del Informalísmo europeo.

Estos artistas son de países diferentes con formaciones distintas, pero una misma sensibilidad ante cuanto acontece.

Destacan el armenio Arshile Gorky (1905-1946), el holandés Willem de Kooning (1904), el ruso Mark Rothko (1903-70) y el canadiense Philip Gustom.

Todos en la década entre los 1930-40 convergen en NY da igual las diferencias culturales y los lugares de origen, he de destacar también los restantes, me refiero a Jacson Pollock (1912-56), Frank Kline (1910-62), William Baziotes (1912-63), Adolph Gottlieb (1903-74), Clyfford Still (1904-80), Barnet Newman (1905-70) y Ad Reindhardt (1913-67).

No hay que olvidar la importante ayuda del presidente Roosevelt a los artistas para paliar la depresión del 29, programas que abren la posibilidad de supervivencia profesional, ademas de cohesionarlos en programas de acción comunes.

Hay que destacar dos maestros europeos que tienen que ver con la formación de algunos de estos artistas, me refiero a Joseph Albers de la Bauhaus (1888-1976) y a Hans Hofmann (1880-1966) y la influencia del muralismo mejicano que muestran un arte local no provinciano e ideas progresistas, y también la influencia de los surrealistas instalados en EEUU desde inicios de la guerra que por entonces domina el prestigioso circulo de la vanguardia de arte.

La action painting deriva del automatismo de los surrealistas en su primera etapa, pero ahora transformado en pintura de acción, unido a la utilización de grandes formatos a los que se han acostumbrado estos artistas por las decoraciones que hacen a los edificios públicos como por la influencia de los muralistas mejicanos.

Quien mas utiliza esta técnica es Jackson Pollock a quien le da igual el goteo o la salpicadura, pues lo que importa es la furia del gesto automático, el proceso que ahora tiene mas importancia que el resultado en si.

El precedente expresionista es Gorky pero muere joven en circunstancias terribles en plenitud artística cuando evoluciona desde una pintura como Miro al action painting, no sabemos si hubiera vivido mas quien habría sido.

Frank Kline comparte la gestualidad no figurativa y el negro de Pollock, aunque con formatos mas pequeños y mas delicado en su trabajo.

De Kooning tiene un expresionismo de colores fuertes, es en esta etapa figurativo.

Rothko evoluciona hacia una pintura totalmente abstracta, con unos cuadrados superpuestos que en cada uno de los cuales la tonalidad es diferente.

Newman extiende una capa de color uniforme por todo el lienzo dejando solo algún elemento de contraste a modo de banda vertical.

En estos últimos tres junto con Reinhardt, el expresionismo se vuelve mas místico.

La Segunda Guerra Mundial convierte a EEUU en una potencia donde todos los centros de decisión incluido los culturales se trasladan allí, es por ello destino de científicos, intelectuales y artistas, sin contar que durante la contienda infinidad de alemanes, italianos, judíos etc se refugian en este país y al terminar la guerra deciden asentarse allí.

Sin contar con que EEUU convierte el triunfo de los aliados en el triunfo de la democracia frente a los regímenes totalitarios en los que incluye a la URRSS.

Una estigmatización gratuita de una antigua aliada ya que los rusos tienen 24 millones de bajas y habrían ganado la guerra sin ayuda norteamericana, solo que habrían tardado un año mas, pero ahora es rival por la hegemonía mundial en la guerra fría y difama que algo queda.

De tal manera que para publicitar los valores democráticos de un país cuyo desarrollo lo baso en el genocidio de los indios y la esclavitud negra, es imprescindible fomentar un frente ideológico que estigmatice al adversario, pero asociado también a la cultura para que sea mas contundente y colonice.

Lo que es agua de mayo, una bendición para los artistas ya que el estado usa sus fondos y medios -que son muchos- para su promoción internacional.

Todo esto viene a colación de que que los nazis tachan al arte de vanguardia de degenerado, llegando a organizar una muestra monográfica representativa en 1937 (y a quemar infinidad de obras).

No hay que olvidar que la URRSS en 1920 mira con mucho recelo sus vanguardias, a las que asfixia prohibiendo cualquier exposición o muestra en un museo en 1930, porque lo ve símbolo pequeñoburgués.

Así que el impopular arte de vanguardia de la noche a la mañana se convierte en portavoz de la ideología democrática sin comerlo ni beberlo con la sanción del gobierno norteamericano, y sin comerlo ni beberlo, estos artistas son promocionados por el estado que lo hace para vender la marca de su país.

Quitando que a mediados de la década de los 40 emerge la Escuela de Nueva York formada por una joven generación venida de los puntos mas lejanos del planeta, con lo que la capitalidad del arte se traslada de París a NY (donde ademas proliferan los museos y el coleccionismo de arte moderno ya que los americanos apuestan por el arte emergente).

Con el Pop se une la cultura minoritaria con la popular y hay un proceso de asimilación social que devora el contenido moral de cualquier ruptura artística.

La vanguardia que es choque y desencuentro con lo establecido, aguanta cualquier cosa menos su institucionalización que la vacía porque se integra en una sociedad que premia la novedad, el cambio y la sorpresa, ya nada transgrede a partir del Pop, y la furia es bien recibida.

También es verdad que esa vanguardia esta exhausta y agotada, porque la experimentación le ha hecho consumir todas las vías posibles.

Las dos guerras mundiales con sus genocidios que quiebran el monolito del canon universal occidental por su doble moral, que rompe la fe en el futuro de la modernidad, deja un individuo escéptico con las ideologías, sin fe en el futuro, que solo busca un lugar al sol y una sociedad de masas adicta y adepta al consumo, con un gran poder de los medios de comunicación que se erigen en poder al crear corrientes de opinión.

Las vanguardias históricas del periodo de entreguerras dejan de existir porque también lo hacen las causas que la originan, y el arte cae en un proceso de descomposición, hasta que encuentra otros soportes para perpetuarse, aunque hay que decir que a principios de siglo XX ya se habla de agotamiento en la experimentación artística porque ademas hay una generalizada actitud de auto-satisfacción y hedonismo muy peligrosos en arte.

En España en este mismo periodo por la resolución de la ONU de genocidio de 1946, se cierran embajadas, congelan créditos internacionales y hay lo que llamaríamos hoy un bloqueo económico que produce incontables hambrunas, porque nuestro país es enemigo de la democracia para EEUU.

Pero he aquí que con todo en contra los gobernantes son astutos y creativos y con escasos medios mandan a Lequerica a EEUU a vender la Marca España, un diplomático que viene de la Francia de Vichy (de perseguir exiliados políticos) que en 1945 es nombrado inspector general de embajadas con la misión de restablecer relaciones diplomáticas con EEUU y lograr que el régimen sea reconocido por este país, algo que consigue en 1951 por lo que es nombrado embajador en Washington.

Desarrolla una gran labor de aproximación cuyo resultado son la firma de convenios bilaterales entre ambos países en 1953 (como como contraprestación a la colocación de las bases todo hay que decirlo).

Pero para ello lo que hacen es que nuestro país que es una fantástica cantera de artistas, selecciona a un grupo de ellos muy jóvenes y al igual que EEUU se encarga de asociarlo a la imagen del país, para contrarrestarlo a los totalitarismos donde el arte de vanguardia es denostado y destruido, de tal manera que artistas como Saura, Oteiza, Millares, Tapies y un larguísimo etc a los que se les prohibe exponer en su país -que no trabajar- el estado les promociona su obra rompedora y de calidad en el exterior como Marca España.

Años después en epoca de democracia cuando le preguntaban sobre el tema ponían cara de despistados o se hacían los desmemoriados, pero esa promoción hizo que sus carreras avanzaran a pasos agigantados y que nuestro país pasara de fascista a conservador» para EEUU en poco tiempo.

Hay que decir que la Guerra Fría ayuda, y no solamente se abren embajadas y se concedieron créditos internacionales, sino que se hacen inversiones, lo que es agua de mayo en este erial de posguerra que por fin permitie mirar al futuro esperanzados a toda una sociedad.


Sugerencias:


Sugerencias:

Considero que cualquier material, cual quier idea que surja en el espacio es una escultura.

Todo es escultura.

Autolimitarte a un estilo particular, puede hacerte un experto en esa escuela o punto de vista determinado, pero no deseo pertenecer a ninguna escuela.

Siempre estoy aprendiendo, siempre estoy descubriendo.

17 de noviembre de 1904, Los Ángeles, California-30 de diciembre de 1988 en NY Langore Orthopedic Center, Nueva York.

Me pregunto como Isamu Noguchi uno de los escultores mas aclamado por la critica de arte del siglo XX, que esta convencido que la tarea de un escultor es darle forma y orden al espacio, para que este arte no desaparezca y se integre con el entorno, sigue siendo un gran desconocido para el gran publico español, cuando es el pilar de la escultura contemporánea.

Noguchi encarna al escultor estadounidense cuyos trabajo

muestra el poder expresivo de la escultura abstracta orgánica del siglo XX con un mestizaje cultural japonés.

Su trayectoria crea un nuevo estándar para las artes, ya que su experimentación con escultura, espacio, iluminación, agua, jardines, diseño, cerámica, escenografía amplia la idea del escultor moderno del siglo XX, abierto a cualquier desafió.

Cualquier plaza diáfana del pueblo mas pequeño y perdido de nuestro país, reformada por el arquitecto municipal de turno, cualquier textura sobre la tierra, desde cantos rodados a corteza de árbol proviene de Noguchi.

Que digo yo, las lamparas baratas de papel de arroz que todo el mundo tiene en la casa de la playa, con una estructura de alambre o bambú, son de la serie Akari de este artista, sin contar con infinidad de diseños de muebles, y no quiero entrar en determinados chorros de fuentes de formas geométricas y particulares salidas de agua que hace posible este artista y que se han popularizado tanto por todo el mundo que se han integrado en la vida cotidiana.

Discípulo de Brancusi, la manera que tiene de la distribución espacial, el uso de materiales como la piedra a la que con el paso de los años interviene menos, metal, madera, arcilla, hueso, papel o una mezcla de muchos de esos materiales con los métodos de fundido, seccionado, tallado, intervenido, cincelado o dinamitado, sin contar los espacios que interviene o los jardines que inventa, son una parte minúscula de su obra.

Él no disocia el arte de la funcionalidad, por lo que moderniza la escultura al incluir el diseño y la arquitectura en su trabajo, sin contar las colaboraciones de puesta en escena, escenografías y vestuarios el ballet de Martha Graham, colaboración que dura 10 años y Merce Cunnigham, lo que le lleva a tener una actividad exitosa en la escultura durante 6 décadas.

Pero ya que he hablado de lo general, empezare por un inicio para poder entender y sistematizar la actitud de este personaje que tiene una vida muy azarosa.

Su madre la escritora escocesa estadounidense Leonie Gilmour se queda embarazada de el poeta Yone Noguchi, un personaje severo.

Pasa su infancia en Japón hasta los 13 años y cuando son abandonados por su padre se va interno a un colegio elitista de Indiana, EEUU, donde su madre en un momento determinado dejo de enviar dinero para su mantenimiento, lo abandona y es adoptado por un pastor protestante.

Ambos abandonos marcan de por vida el carácter solitario de Noguchi.

Inducido por su padrastro inicia estudios de medicina sin demasiado entusiasmo en la Universidad de Columbia, estudiando a la vez escultura en clases nocturnas en Lower East Side de NY, lo que le lleva a abandonar medicina y cursar estudios de arte, diplomándose en La Porte High School de Indiana en 1922.

Dos años mas tarde amplia sus estudios en NY con Onorio Ruotolo en la Leonardo da Vinci Art School.

En 1926 ve una exposición en NY de Costantin Brancusi que cambia sus presupuesto en arte.

Obtiene la Beca SimónGuggenheim en 1927, y en la solicitud de la beca dice que su padre Yone Noguchi es japones, y que durante mucho tiempo ha sido conocido porque su poesía tiende un puente entre oriente y occidente y que él quiere hacer lo mismo a través de la escultura.

En París estudia en Academie de la Grande Chaumiere y entre 1927 y 1928 trabaja en el estudio de Costantin Brancusi que va a ser realmente quien lo va a formar e influir, inspirado por las formas y la filosofía de la antigüedad y de quien siempre se declara discípulo.

Sus piezas cambian hacia el modernismo y la abstracción a partir de ahora.

Realiza su primera exposición individual en Nueva York.

De ahí viaja y estudia en Inglaterra, México, China donde estudia pintura tradicional con pincel y Japón donde estudia con el maestro alfarero Jinmatsu Uno.

En un inicio realiza bustos para ganarse la vida, o bien en barro, o tallados en madera o bronce, mas tarde realiza luces para lugares como bares etc que emerge de pequeñas figuras de escayola.

Entre 1920-30 es el periodo donde viaja y sobrevive gracias a los bustos como he mencionado, retratos, obras de paisajes, iluminación, asesoramiento de esculturas etc.

Su currículo es tan extenso que solo voy a nombrar algunas piezas que conozco o las que me parecen mas sorprendentes, por lo que la lista no va a ser rigurosa.

En el 38 gana el proyecto para decorar el pabellón de la agencia Associated Press en el Rockefeller Center de NY y la hace en acero inoxidable.

Como he mencionado, a partir de 1935 colabora con la escenografía y vestuario con Martha Graham en una veintena de obras que también supone una gran influencia.

Colabora ademas con Erick Hwkins y George Balanchine y el compositor John Cage.

Durante la Segunda Guerra Mundial, ingresa voluntariamente en un campamento para reubicacion para japoneses-estadounidenses en Arizona pero luego no puede obtener el permiso para salir, por lo que la estancia allí se convierte en un episodio angustioso.

Siete meses después es liberado y en palabras suyas finalmente es libre y desde ese momento decide ser artista unicamente y se convierte en un activista político en favor de los japoneses americanos.

Después de su liberación Noguchi establece un estudio en la 33 MacDougal lley en Greenwich Village de NY, donde regresa a la escultura de piedra así como a la exploración de materiales y métodos que se ve reflejada en la exposición de 1946 Catorce estadounidenses en el MOMA.

Colabora a partir de los 50 con arquitectos en la creación de espacios públicos a partir de presupuestos japoneses en la distribución espacial de los jardines zen.

En palabras suyas aguanta grandes presiones, y proyectos que tras noches sin dormir nunca llegan a ver la luz, pero con el tiempo aprende que cuando le encargan otro aprovecha retales de estos.

Descubre la obra publica en México, las técnicas de tinta en China y el mármol en Italia, impactos emocionales que suponen nuevos registros que traslada a infinidad de soportes con los que realiza intervenciones o piezas (acero inoxidable, mármol, hierro fundido, madera de balsa, bronce, chapa de aluminio, basalto, granito y agua).

Ejemplo destacado es El jardín de la paz de la UNESCO de París, en el que se le acaba el presupuesto, ya que utiliza cantos rodados y piedras traídas de Japón, y el propio emperador japones pone de su bolsillo los fondos, enviando ademas a su equipo de jardineros con su jefe.

Pero Noguchi tiene infinidad de desencuentros con él, pues quiere distribuir el agua y los cantos rodados con un principio Zen, por lo que la obra se demora mas tiempo de la cuenta por infinidad de obstáculos, pero el resultado final es espectacular.

Hoy por desgracia están cerrados, no entiendo porque ya que siguen siendo bellísimos, su intención es que los diplomáticos pasaran por un espacio de cascada, ruido de agua goteando, piedras y plantas antes de encerrarse en lóbregos despachos en el corazón de una ciudad superpoblada.

En sus últimos años mantiene estudios abiertos tanto en Japón como en Nueva York.

En 1985 Isamu Noguchi inaugura el Museo Jardín de Isamu Noguchi en Long Island diseñado por él mismo que supone la culminación de su compromiso con los espacios públicos, ubicado en una fabrica de 1920 al otro lado de la calle donde el artista había colocado su estudio en 1960 que alberga 500 esculturas al aire libre, modelos, fotografías, y maquetas de sus proyectos, no esta mal para aquel a quien con 15 años su profesor de escultura le vaticino que nunca seria un escultor.

Costantin Brancusi (Hobita 1876-París 1957)

Generador de una via novedosa sorprende por su simplicidad y rompe con la tradición anterior con una clara referencia en su obra del Paleolítico y el arte africano.

Simplifica las formas hasta convertirlas en geométricas y allana el camino para la posterior escultura abstracta, pintura y diseño industrial del siglo XX.

Sus geometrías son abstracciones con guiños a la figuración, pero las piezas todas están cargadas de simbolismo (pájaro, huevo etc).

Discípulo de Rodin que se carga el pedestal de las esculturas, es a su vez maestro de Isamu Noguchi y supone el hilo de Ariadna de la tradición de lo que sera la escultura moderna.

Libera a la escultura del realismo académico heredado del siglo XIX.

Tiene fama de hombre arisco, antisocial y convencido misántropo. pero a pesar de trabajar sin asistente, cuando vive en París en 1907 se hace intimo de Erik Satie, Marcel Ducham y Tristan Tzara.

Su influencia es la combinación de su formación, es decir las artes tradicionales rumanas, con el arte occidental, el paleolítico, el arte africano y la vanguardia.

Estudia escultura en La Escuela de Bellas Artes de Bucares (pero mas tarde se traslada a Munich) gracias a que gana una apuesta al fabricar un violín con una caja de frutas, por lo que un desconocido acaudalado se presta a financiarle los estudios, por entonces es analfabeto.

En 1904 se instala en París donde conoce a Rodin y Amadeo Modigliani, de quienes se hace intimo.

Rodin le propone que trabaje en su estudio, pero este lo rechaza agradecido (con una frase celebre, a la sombra de una encina no puede crecer un arbusto joven) y siempre considera a este escultor el punto de partida de la escultura contemporánea que el continuara con su trabajo.

La primeras piezas muestran influencia de Rodin y los impresionistas pero su trabajo evoluciona a un lenguaje propio mas simplificado y abstracto, de esta epoca proviene El beso.

A partir de 1909 trabaja sus temas como el pájaro o el huevo, ya no tiene lastre y a lo largo de su trabajo realiza diferentes versiones de una misma pieza (del beso hay otra de 1930 y de la columna sin fin hay varias versiones como he dicho.

En 1914 no esta satisfecho con la fotografiá de su obra y decide el mismo ser el fotógrafo.

En 1920 Man Ray le ayuda a instalar una cámara fotografiá en su taller y a mejorar los métodos de revelado, iniciándolo en la técnica de filmación.

De tal forma que él mismo ha sabido sacar partido a sus piezas, moviéndose alrededor y buscando la luz precisa de cada angulo.

De cada negativo realiza dos revelados y a veces hasta veinte, con diferentes tamaños y encuadres.

Muchas de sus fotografiás son fotogramas que obtiene a partir de películas expuestas.

De la misma manera que las esculturas y el taller, son los temas, también hace de modelo para sus obras.

Se filma mientras trabaja, y representa la imagen no ya del hombre hecho a si mismo, sino del artesano escultor y artista.

Su taller esta abierto a Man Ray, Tristan Tzara, Amedeo Modigliani, Barbara Hepworth o Marcel Duchamp, músicos, bailarines y coleccionistas.

Es muy sobrio comiendo y generoso con su tiempo para sus amigos, a los que invita a escuchar la música que interpreta a veces acompañado por Erik Satie.

Para Brancusi su taller es una isla aparte del universo y en 1907 cuando trabaja en el proyecto de un monumento funerario La Priere (La oración) abandona el uso de modelos.

Muchas de sus obras tienen nombres de mujeres a las que conoció (La señorita Pogany, Eileen Lane o Nancy Cunard) pero no son retratos sino homenajes.

La madera es su material preferido, había sido tallador de niño y de joven siguiendo la tradición rumana de tallas, fabrica sus propios muebles, pero su manera de trabajar recuerda el arte africano.

Hay figuras antropomorfas, le gusta también hacer piezas de yeso, mármol o bronce que a partir de 1916-17 seguirán una tendencia geométrica y abstracta.

Lo orgánico es el motor en la obra de Brancusi.

El rombo esta presente en la tradición popular rumana hasta que en 1918 se hace protagonista con La columna sin fin, de la que luego hace varias versiones.

1920 erige una segunda columna de madera de mas de 7 metros en el jardín de Edward Steichen en Voulangis (Francia).

A mediados de 1930 cerca de Trgu Jiu, realiza La columna sin fin mas grande, forma parte de un conjunto de tres obras, La puerta del beso y La mesa del silencio, dispuestas en un eje de mas de dos kilómetros, como resultado de un encargo de La Liga Nacional de mujeres Gorj, para alzar un monumento a los caídos en la Primera Guerra Mundial.

V

El Expresionismo en el mundo nórdico y germano es una tradición en escultura, grabado, dibujo y pintura, por lo que la violenta pasión que genera el fin de siglo XIX, hace que emerja una actitud que es inherente a este carácter y que realidad siempre ha estado ahí instalada ahi.

Infinidad de artistas de distantes puntos geográficos reivindican la paternidad de la Abstracción porque es la sensibilidad de la época.

Destacan Kupka, el pintor lituano Mikolajus K. Ciurlionis, el alemán Adolf Hoelzel, el americano Arthur Dove, Kattarina Schafner de Praga, o los artistas de Art Nouveau Henry van de Velde, Herman Obrist y August Endell.

Pero el primero que pinta e investiga los vínculos entre música y pintura es Kandisky, que es el líder de los artistas de Munich que se denominan a si mismos como Der Blauer Reiter (El jinete azul), su propósito que escribe Kandinsky en De lo espiritual en el arte ( Ube das Geistige in der Kunst) no es mejorar el mundo ni cambiar la sociedad, sino de que el arte puro no se ocupe de los problemas de los demás, ni de salvar al mundo, ni de perseguir propósito alguno ni sea algo metafórico, sino que sea un acto de creación independiente y satisfecho de si mismo, totalmente desvinculado de lo demas.

El mundo es cada vez mas un lugar complejo que necesita un arte acorde y Alemania se hace estado independiente en 1870 y desde ese preciso instante comienza con una historia agónica en busca de su identidad.

Hay también un gran desarrollo de la ciencia y la tecnología a la que los artistas no son ajenos, por lo que desde la teoría del color de Newton, Euler y Huygen, la teoría del color plano de Castel, la teoría de la luz, la cosmologia, la mecánica cuántica, unido al desarrollo de la fotografiá y los métodos de reproducción técnicos, se produce una continuación de las investigaciones de los artistas románticos del paralelismo sinestésico entre la pintura y la música, el color y el sonido.

Vasily Vasilievich Kandinsky nace en Moscú, en 1866 y muere en Neully-sur Seine.

El Expresionismo Abstracto domina el siglo XX durante 50 años.

Pasa la infancia en Odessa y se gradúa en la Escuela de Arte Grekov Odessa.

En Rusia le impacta Rembrandt del Hermitage de San Petersburgo, también Los Pajares de Monet y el Lohengrin de Wagner en Moscú.

Estudia en Universidad Estatal de Moscú, donde finaliza Derecho y Economía, tras lo cual ejerce la profesión con tanto éxito que le ofrecen un puesto de profesor de Derecho Romano en la Universidad de Dorpat, pero decide dedicarse a la pintura.

Percibe que la música puede ser representada a través del color y la forma, por lo que abandona su carrera de profesor de la universidad y se entrega de lleno al arte.

Se trata de un intelectual refinado con una gran capacidad y preparación, amante de la música, las ciencias naturales y las matemáticas, que decide un cambio de rumbo de su vida a los 30 años.

En 1889, año de la publicación de Essai sur les données inmédiates, Kandinsky esta por primera vez en París. La ciudad más visitada y en la que pasa largas temporadas y tras años en München (1896-1914) la residencia sera París.

En 1896 se establece en Munich, Alemania, donde se forma en la Escuela Privada de Anton Ažbe primero y en la Academia de Bellas Artes después.

Entre 1896 hasta comienzos de la Gran Guerra en 1914 Kandinsky vive en Munich –Schwabing–, con excepción de algunos períodos –se instala en París durante más de un año– en que realiza diversos viajes.

Schwabing es el barrio preferido por los artistas, se extiende al norte, más allá del Siegestor. En este barrio latino de München, lugar de una frenética actividad cultural y

artística, coincide con personajes de la talla de Franz Marc, Paul Klee, Richard

Strauss, Henrik Ibsen, Thomas Mann, Stefan George…

Los cuadros impresionistas de paisaje que realizase simplifican y se acercan al fauvismo que ha visto en París, y aplica colores planos y a través del color espera impactar al espectador.

Al principio la abstracción no es una prioridad, pero la progresión se produce a partir de este momento con una búsqueda de manera gradual.

La decisión por la abstracción le llega en Stafelsee, donde Kandinsky vive con su discípula Gabriele Munter.

Kandinsky se adentra en el mundo de lo psicológico aplicado al arte, un mundo a veces opuesto al mundo de lo físico, y a veces complementario.

Un mundo que tiene sus propias leyes, deducidas de la experimentación, que satisfacen las necesidades del hombre.

Kandinsky como los románticos percibe el arte vinculado a la religión, por lo que su pensamiento esta vinculado al cristianismo ortodoxo, con un anhelo de naturaleza, de pureza y redención, por lo que en su obra todo eso se convierte en necesidad interior. Para Kandinsky la ansiedad, el amor y el placer, son sentimientos vulgares y como tales no tienen lugar en el arte.

Frank Marc, su inseparable compañero y amigo en la formación del Jinete Azul y en la abstracción, es una personalidad también carismática, hijo de pintor y con una formación académica clásica en artes, posee una intensa inquietud filosófica, que le lleva a visitar el Monte Athos en Grecia en 1906.

Son estos dos artistas los que deciden fundar el Movimiento Abstracto y sobre todo es notable la intervención de ambos en la confección de El almanaque del Jinete Azul, que son los que le dan la necesaria cobertura teórica al movimiento de Expresionismo Abstracto.

A Kandinsky le preocupa la relación entre las artes plásticas y la música, mientras que a Marc le obsesiona lo primitivo, la antropología y todas las formas de creación espontáneas.

Suscita interés en esta época todo aquello que tiene que ver con el origen del hombre, lo primitivo, lo arcaico y cualquier vestigio del pasado que pueda ayudar a dar alguna explicación de los acontecimientos del presente.

Así las piezas de los museos etnográficos se convierte en una fuente de inspiración.

En el almanaque que confeccionan juntos Der BlaueReiterse puede comprobar que de las 144 ilustraciones, cinco proceden del departamento etnográfico del Museo Histórico de Berna y nueve del Museo Estatal de Etnología de Munich.

Para Kandinsky llega el momento de la gran abstracción, esta revolución estética no emerge por generación espontanea y se gesta años, el pintor tiene cerca de 45 cuando entre 1910-13 se decide por la abstracción.

Todo este suceso viene de que hay una disputa entre Ebsloh y Kanoldt no pueden continuar los planteamientos de Kandinsky, por lo que dimite y Kandinsky y Marc preparan un almanaque para explicar al gran publico sus postulados.

Elige como titulo Der Blaue Reiter, a partir de un motivo de Kandinsky y esta colaboración con el almanaque, coeditado por Kandinsky y Marc supone el nacimiento del grupo.

Se confeccionan reproducciones del mismo Kandinsky, Mark, Macke, Klee, Kubin, Cezanne, Matisse, Delaunay, Picasso, Rousseau, Kitrchner, Nolde, Kokoschka y Hans Arp.

El almanaque tiene composiciones de Schomberg, Alban Berg y Anton Weberg.

Incluyen compositores por lo que el grupo contempla la conexión de la música con las artes visuales.

Gaugin investiga antes de manera intuitiva este método de la sinestesia, para el grupo de pintores de Kandinsky la música y la pintura son lo mismo .

Ambos crean el Almanaque del Jinete Azuly como he comentado sorprenden las colaboraciones, en especial la música por el nivel de los ensayos teóricos de altura firmados por Thomas von Hartman, y el propio Kandinsky, con facsímiles de partituras de tres grandes compositores de la Escuela de Viena como, Anton Webern, Arnold Schonberg y Alan Berg, ademas de obras de arte primitivo, infantil, popular y obviamente de las vanguardias contemporáneas con reproducciones de Van Gogh, Cezanne, Matisse, Derain, Picasso, Delaunay, Braque, los miembros del Puente, junto con los del núcleo de Munich.

Es una publicación ejemplar insólita en los círculos de vanguardia y con gran repercusión y publicidad.

Al grupo del Jinete Azul se unen personalidades como Alexei von Jawlensky (1864-1941) y Paul Klee (1879-1940).

Por lo que la creación está intelectualizada, vinculada a los trascendental y metafísico, a la gravedad y sujeta al pensamiento racional.

Así la mayor revolución en la historia de la pintura desde el Renacimiento la lleva a cabo un respetable señor con canas de 45 años, que podría haber sido profesor de Derecho Romano o Economía Política en la Universidad de Dorpat si no hubiera sido la vocación de pintor la que le hizo emigrar -primero a Alemania y después a Francia- y teorizar sobre la pintura abstracta.

En estos años se aprecia una preocupación de Kandinsky por la ciencia. En sus escritos se refleja un interés por aquello que supone un cambio.

En 1910 Kandinsky escribe un tratado artistico titulado Sobre lo espiritual en el arte, que se publica dos años despues en 1912 y se convierte durante décadas en una especie de catecismo de iniciación a la experiencia artística de vanguardia.

En dicho tratado Kandinsky presenta la experiencia de acceso al arte no representativo como una especie de experiencia mística.

De hecho esta convencido de que los colores tienen correspondencia con sonidos, con sensaciones y sentimientos.

En su tratado programático De lo espiritual en el arte, diseña una tabla de valores inherente a los colores y formas.

Explica que los colores pueden ser fríos o cálidos, claros u obscuros, ásperos o suaves, delicados o duros.

El blanco tiene efecto de silencio, el gris es callado e inmobil, el rojo alegría etc.

Las formas también tiene su propio carácter, el circulo supone globalidad y perfección, mientras que el semicírculo representa tranquilidad, el triangulo vertical representa la energía.

El amarillo es el color del triangulo, el azul del circulo.

En el caso de la forma la dirección tiene un papel fundamental, por ejemplo el triangulo apuntando hacia arriba suscita en el espectador un estado de animo diferente al triangulo hacia abajo.

Lo mismo ocurre con las lineas, la horizontal es calma, una dirección ascendente es alegría.

La energía con la que se dibuja la linea, el grosor y la dirección también tiene connotaciones sicológicas.

Todas estas teorías inician una nueva epoca en el vocabulario totalmente nuevo para describir o hablar de arte.

La pintura se convierte en una especie de lenguaje escrito que había que aprender para apreciar.

Kandinsky imagina que todos estos colores y símbolos en el futuro provocaran conceptos precisos como los suscitados por palabras.

Como en la música se observa que la pintura posee ritmos, precisión matemática, precisiones etc.

Como en música en pintura había inspiración, estructura y sentimiento.

Esta convencido de que los colores y las formas como la música emergen de la profundidad del alma.

Aunque el proceso de ordenar colores y formas en una composición es racional, el trabajo del artista viene del subconsciente, para él cada forma tiene su contenido interno y era la expresión de este contenido, así pinta un mundo interior e imágenes mentales.

El objetivo de Kandinsky es hacer vibrar el alma del espectador por medio de los sonidos de los colores.

Permanece fiel a ese objetivo incluso en sus años mas dogmáticos cuando da clases en la Bauhaus.

Kandinsky reflexiona sobre los acontecimientos de la época en que vive.

Hace referencia a los descubrimientos de las ciencias, pero fundamentalmente habla de experiencias artísticas y de los trabajos de músicos, escritores, pintores, etc.

Recuerda también experiencias pasadas, aunque no para revivirlas, pues pretende convencer al lector de que al igual que la ciencia y la

investigación configuran progresivamente la vida de los hombres, también las experiencias artísticas de cada época colman las aspiraciones espirituales de éstos. Del pasado sólo se puede aprovechar aquello que en su momento tenía de actual.

Kandinsky admite una total separación entre dos mundos: el espiritual y el material.

Una separación que oscila entre lo irreconciliable y lo complementario.

Kandinsky desarrolla una serie de ideas a través de términos opuestos: habla de la vida espiritual como un movimiento, como algo complejo pero traducible a términos simples; de un movimiento progresivo y ascendente al que se opone la materialidad, entendida como movimiento de retroceso y de descenso.

Kandinsky representa el progreso de la vida espiritual como un gran triángulo agudo que se mueve hacia adelante y hacia arriba; en cambio, en los períodos de decadencia en el mundo espiritual ese triángulo se mueve hacia abajo y hacia atrás: son períodos en los cuales los fines materiales frenan el movimiento espiritual ascendente.

Aparecen las nociones de necesidad, de finalidad, de lo esencial y lo puro en la obra de arte, de lo objetivo y lo subjetivo, etc.

Aparecen también términos como evolución, fuerza profética vivificadora, duración, impulso, tendencia e intuición, o expresiones como dos grandes vías hacia un gran objetivo y el desarrollo artístico consiste en el proceso de diferenciación.

En Über das Geistige hace una referencia a la teoría de los electrones; En Rükcblicke habla de la desintegración del átomo.En el primero de los textos Kandinsky usa expresiones como actualmente, la nueva fortaleza de la ciencia y la ciencia del ayer.

No sabemos con certeza a qué teorías o experimentos se refiere en estos textos, pero en esos años son abundantes las publicaciones sobre los estudios más recientes de estos aspectos de la física.

Vale la pena destacar los dos artículos sobre atomismo y relatividad que Albert Einstein publica en Die Kultur der Gegenwart.

Kandinsky termina el manuscrito de Über das Geistige en 1910, y en diciembre de 1911 Reinhard Piper & Co. de München lo publicó con fecha deenero de 1912.

En el prólogo de la primera edición, Kandinsky afirma que lo expuesto en este libro es el resultado de observaciones y experiencias acumuladas durante los últimos cinco o seis años, al mismo tiempo que muestra una cierta insatisfacción por la brevedad del escrito, dejando abierta la posibilidad de publicar otro libro donde aparezcan estos experimentos mucho más desarrollados.

Kandinsky recuerda en Rückblicke su costumbre de, durante los primeros años de München, anotar pensamientos aislados; estas notas, acumuladas durante un período de unos diez años, dice el autor, serían el germen de este primer escrito.

En 1912 se publican dos ediciones más. Max Bill afirma que el libro pronto desaparece de las librerías sin que se volviera a reeditar.

En el prólogo a la segunda edición de Über das Geistige Kandinsky afirma que no renuncia a publicar el nuevo material que posee, fruto de la acumulación de observaciones y experiencias. Kandinsky considera “Über die Formfrage”,incluido de Der blaue Reiter, como veremos más adelante, consecuencia de la evolución de las ideas de su primer libro.

Durante la Primera Guerra mundial se va a su país y da clase en la Viutemás, su relación con el Constructivismo en un inicio son contradictorias, ya que sus ideas causan gran impresión en los constructivistas como Alexander Rodchenko, Ivan Puni, Tatlin etc, pero Kandinsky es partidario del individualismo mas acerrimo y los constructivistas son grupales al servicio de la sociedad.

La invitación de Gropius de unirse a la Bauhaus le viene anillo al dedo.

Hay un famoso relato en el que el vuelve a casa una tarde con la luz del crepúsculo tras un paseo y ve sus pinturas al revés, provocando una profunda emoción y extrañeza a la vez, prueba de que lo esencial en un cuadro no era el reconocimiento de la figura en concreto sino el resplandor azul que ve.

Así a partir de sus primeros paisajes que tienen mucho que ver con la tradición bizantina rusa, Kandinsky no tarda en llegar al arte abstracto en la segunda década del siglo XX.

Los primeros cuadros están llenos de formas orgánicas, pero en el resto el color será el protagonista, ya fuera en figuras orgánicas o en geométricas.

Tras su paso por la Bauhaus se convierte en uno de los mas dotados representantes de la pintura abstracta.

Mark y Marke mueren en la guerra, Alemania tiene una subida imparable como nación a nivel artistico, a pesar de su humillación en el Tratado de Versalles, que progresa hasta que en 1933 la llegada de los nazis le pone fin.

Marc pinta obsesivamente animales en pos de la liberación de lo instintivo, coloreandolos con tonos arbitrarios y dotando las imágenes de gran dinamismo trágico.

Paul Klee es excepcional, sus Diarios constituyen el mejor testimonio de su evolución.

Es un fantástico dibujante con un contorno de linea dura, al modo germánico de Durero, y un sentido irónico y sarcástico que atrae la atención, con motivo de un viaje a Túnez en 1914, cambia totalmente su obra, que marca un hito en el Expresionismo pero que también lo vincula con el Surrealismo.

El grupo del Jinete Azul se disuelve en 1916, año de la muerte trágica de Marc, pero la singularidad de sus miembros pasa a la historia.

Vuelve a Moscú en 1914, después del inicio de la Primera Guerra Mundial y tras la Revolución rusa, trabaja para Anatoli Lunacharski, es Comisario de Educación de la administración soviética, ayuda a fundar el Museo de Cultura de la Pintura y da clases en la Viutemás.

Sin embargo no comparte la ideología de la nueva URRSS,y las oportunidades le llevan de nuevo a Alemania donde vuelve en 1920.

Allí es del equipo de la Escuela de la Bauhaus de arte y arquitectura desde 1922 hasta que la cierran los nazis en 1933 y se muda a Francia hasta su muerte.

En Cours du Bauhaus Kandinsky pide a sus alumnos que experimenten sólo a partir de estas leyes.

Suder-Linden, 1888-Zurich, 1967

Tras iniciar sus estudios de magisterio en un seminario de Berna y ejercer como profesor al finalizar, decide su vocacion por la pintura.

Aunque la curiosidad le lleva a matricularse en Matemáticas y Ciencias Naturales, que son de gran influencia cuando con posterioridad en la Bauhaus intenta generar un corpus al Workurs que da.

Tiene gran influencia del psicoanálisis que practica influenciado por las ideas de Friedich Froebel.

Estudia en 1913 en Stutgar, en la Academia de Arte y recibe clases de pintura y dibujo, siguiendo los cursos de Adolf Hoezel que es pionero en la abstracción y que le influye muchísimo (su obra evoluciona con rapidez desde el expresionismo y ligado a lo figurativo hacia la total abstracción en 1916).

Es también discipulo de Eugene Gilliard un pintor abstracto.

En 1916 se marcha a Viena y entra en contacto con un grupo de artistas aglutinados en torno a Der Sturm (la tormenta), en concreto con dos músicos Alban Berg y Arnold Schonberg, que lo estimulan a buscar el paralelismo entre la música y la pintura, con los que expone y donde simultanea el dar clases de plástica con una mística oriental, hasta que Walter Gropius en 1919 lo selecciona para ser profesor de la Bauhaus de Weimar.

Su periodo de estancia en la Bauhaus -de octubre de 1919 a marzo del 1923-donde es ademas reconocido como alguien muy carismático, se reduce a la etapa de Weimar, que aunque limitado es de gran importancia para la historia y posterio evolucionr de la escuela.

Elabora el Workurs o curso inicial de experimentación de las artes, que dura seis meses en el que se intenta quitar la predisposición del futuro alumno y orientarlo en las disciplinas de los futuros talleres que mas le puedan interesar.

Para ello pone en contacto a los alumnos con el acero, cuerda, textiles, madera, cristal, fotografiá etc, algo a lo que eran ajenos los planes de estudios de las escuelas de artes entonces.

De hecho dirige el mismo varios de esos talleres (metal, pintura mural y pintura en vidrio en alguno de los cuales colabora con Georg Muche) hasta 1923 cuando se marcha de la escuela por disensiones con Gropius y Lazlo Moholy-Nagy, ya que el considera el arte individual como un vehiculo de desarrollo personal lo que entra en confrontación con la idea del gestor moderno de la escuela que considera el arte mas de grupo y enfocado a la industria y producción en serie que le permita llegar a todos mediante el diseño y cuyas ganancias haga que la escuela sea independiente del estado.

En esta epoca publica The Art of Color, en las que describe estos fundamentos y características de los materiales, la composición y el color que imparte en este Workurs.

El influye en que la escuela se incline por las formas básicas de la geometría.

Es un excepcional pedagogo singularizado por un gran misticismo oriental, al que mucho de sus alumnos siguen como fieles discípulos, cuando se traslada a la Bauhaus en 1919.

Su rasurado cráneo, su túnica de saco hasta los pies, su veganismo estricto (solo consume gachas) y el mazdeísmo que adopta al año siguiente de estar en la Bauhaus hacen de él un ser singular.

Hace meditación a diario e incita a sus alumnos a que le sigan, porque esta convencido de que es un vehículo para alcanzar el equilibrio interior, y que según él es la principal fuente de inspiración artística

Concede valores sicológicos a los colores y estudia la obra de los viejos maestros flamencos, elaborando un estudio geométrico y de composición sobre los mismos que luego traduce a versiones simplificadas para hacer un estudio de los ritmos que estas obras generan en el espectador (un ejemplo de ello es un estudio del maestro Franke que resuelve de forma audaz).

De 1923-26 junto a un grupo de alumnos-discipulos se recluye en un centro mazdeista en Suiza hasta 1926 que crea su propio centro en Berlin con La Escuela Moderna de Arte o Escuela Item como se le conoce, en la que imparte clases de pintura, arte grafico y fotografiá hasta 1934 que es clausurada como no por el Nacionalsocialismo.

Por su experiencia en lo textil de la Bauhaus es nombrado director de la Escuela Textil de Krefeld donde da clase de diseño.

Mas tarde entre 1952-53 dirige la Escuela de Artes y Oficios de Zurich, lo que simultanea hasta 1956 con el Museo Rietberg de Arte de Zurich también y hasta su fallecimiento en 1967 escribe tratados de arte y pedagogía como su obra mas celebre El arte del color 1961 y su Curso de la Bauhaus en 1963.