Edward’s instructions to Harold’, (19th century?). Harold Godwineson is advised by King Edward the Confessor. Illustration of a section from the Bayeux Tapestry, the famous embroidery depicting the Norman invasion of England in 1066. Artist Unknown. (Photo by Print Collector/Getty Images)The Bayeux Tapestry. Scene 38: William and His Fleet Cross the Channel, circa 1070. Found in the Collection of Musée de la Tapisserie de Bayeux. (Photo by Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images)
La mayoría de los historiadores creen que es encargado en 1070 por Odón, obispo de Bayeux, hermanastro de Guillermo el Conquistador.
Harold’s Coronation’, (19th century?). King Harold II is crowned by Archbishop Stigand. Illustration of a section from the Bayeux Tapestry, the famous embroidery depicting the Norman invasion of England in 1066. Artist Unknown. (Photo by Print Collector/Getty Images)The Death of Harold at the Battle of Hastings, 1066. Detail from the Bayeux Tapestry/ Tapisserie de Bayeux: La telle du conquest (a 0.5-by-68.38-metre (1.6 by 224.3 ft) long embroidered cloth depicting the events leading up to the Norman conquest of England as well as the events of the invasion itself, annotated in Latin. It is exhibited in a special museum in Bayeux, Normandy called Musée de la Tapisserie de Bayeux.) (Photo by Culture Club/Getty Images) *** Local Caption ***
El propio Odón aparece varias veces en la obra, incluso en la batalla de Hasting, donde se ve alentando a los soldados normandos.
El destino original del tapiz puede ser la nueva catedral consagrada en 1077, o un castillo.
FRANCE – CIRCA 2002: Norman fleet sets sail for England, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)1066, A section of the Bayeux Tapestry, an embroidered cloth 231 feet long depicting the Norman Conquest of England and the Battle of Hastings. (Photo by Hulton Archive/Getty Images)
Es muy probable que se realizaran bocetos en tela antes de ser bordados, tarea que se lleva a cabo en Inglaterra, no en Francia por costureras anglosajonas cuyo talento es muy apreciado en toda Europa.
Duke William Exhorts his Troops to Prepare Themselves Wisely Like Men for the Battle Against the English Army, detail from the Bayeux Tapestry, before 1082 (wool embroidery on linen) (Photo by Art Images via Getty Images)Norman Invasion depicted in the Bayeux Tapestry. (Photo by Time Life Pictures/Mansell/The LIFE Picture Collection via Getty Images)
Se cree que el diseñador del tapiz es Scolland, abad del monasterio de San Agustín de Canterbury en el condado de Kent.
FRANCE – CIRCA 2002: Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, detail. France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Battle of Hastings & Death of Harold’, (19th century?). King Harold is shot in the eye with an arrow and killed. Illustration of a section from the Bayeux Tapestry, the famous embroidery depicting the Norman invasion of England in 1066. Artist Unknown. (Photo by Print Collector/Getty Images)
1064 es el monje de Mont Saint Michel de Normandía por lo que cabe pensar que conoce los lugares y los hechos narrados.
Guillermo el ConquistadorFRANCE – CIRCA 2002: Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, detail. France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Circa 1090, The Norman army crossing the channel and food being prepared in the Norman conquest of England depicted in the Bayeux tapestry. Original Artwork: The Tapestry of Bayeux – Plate 10 (Photo by Hulton Archive/Getty Images)
El Tapiz de Bayeux, un logro del arte medieval, narra unos hechos, que acontecen en Inglaterra y el norte de Francia entre 1064 y 1066, que terminan en la invasión y la conquista normanda de Inglaterra.
FRANCE – CIRCA 2002: King Harold heading towards the coast, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)A scene from the Bayeux Tapestry, depicting the Norman Invasion of 1066. William the Conqueror’s troops land at Pevensey and make their way to Hastings, where they prepare food. The tapestry is housed in the town of Bayeux in Normandy. (Photo by Hulton Archive/Getty Images)
Considerado hoy uno de los relatos históricos claves de la victoria de Guillermpo, duque de Normandia, contra Haroldo, conde de Wessex, la versión de los hechos del tapiz despierta el escepticismo de los historiadores.
Detail of the Bayeux Tapestry – XIth century D?tail de la Tapisserie de Bayeux -XI em si?cle ;sur plus de 70 m?tres de long et 50 centim?tres de hauteur, cette pi?ce retrace l’histoire de la conqu?te de l’Angleterre par Guillaume le Conqu?rant. (Photo by David LEFRANC/Gamma-Rapho via Getty Images)1066, A scene from the Bayeux tapestry depicting the Norman Conquest of Britain in 1066. (Photo by Henry Guttmann Collection/Hulton Archive/Getty Images)
Algunos elementos del relato pueden considerarse propaganda política que busca justificar las aspiraciones al trono ingles de Guillermo el Conquistador.
FRANCE – CIRCA 2002: Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, detail. France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Detail from the Bayeux Tapestry depicting the events leading up to the Norman conquest of England. Specifically concerning William the Duke of Normandy and Harold, Earl of Wessex, and King of England. The events all lead up to the famous Battle of Hastings. It is not an actual tapestry, more an embroidered cloth that is almost 70 meters in length. It features fifty scenes with Latin tituli, or captions, and is thought to have been made in England in the 1070’s. (Photo by: Universal History Archive/Universal Images Group via Getty Images)1066: In a scene from the Bayeux Tapestry, Edward the Confessor (c.1003 – 1066) dies and the crown passes to King Harold II (c.1022 – 1066). In April of that year, Halley’s Comet passes overhead (bottom right). The tapestry is housed in the town of Bayeux in Normandy. (Photo by Hulton Archive/Getty Images)
Creado para los normandos poco después de la conquista, el tapiz parece una tira cómica enorme ya que mide 70 metros de largo y 50 cm de alto.
FRANCE – CIRCA 2002: Norman troops of William the Conqueror, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Bayeux Tapestry. Battle of Hastings, 14 October 1066. Norman cavalry charging. William I, the Conqueror, defeated Harold II, last Anglo-Saxon king of England. (Photo by: Photo12/Universal Images Group via Getty Images)Edward The Confessor, Anglo-Saxon king of England, 1070s. Edward (c1003-1066), king from 1042, on his throne. After Edward’s death, the throne was disputed between Harold Godwinson and William of Normandy, prompting the Norman Conquest of England. From the Bayeux Tapestry. The tapestry, which tells the story of the events leading to the Battle of Hastings in 1066, was probably commissioned by Odo, Bishop of Bayeux, William’s half-brother. (Photo by Ann Ronan Pictures/Print Collector/Getty Images)
Técnicamente no es un tapiz, sino un bordado, ya que las imágenes no están tejidas, sino cosidas sobre un lienzo de lino.
Episode from the Bayeux Tapestry, an embroidered cloth nearly 70 metres (230 ft) long, which depicts the events leading up to the Norman conquest of England, culminating in the Battle of Hastings, in 1066. It is thought to date to the 11th century, within a few years after the battle. It tells the story from the point of view of the conquering Normans. (Photo by: Universal History Archive/Universal Images Group via Getty Images)Funeral of St. Edward the Confessor, 1066Bayeux Tapestry known in France as ‘La Tapisserie de la Reine Mathilde’ (Tapestry of Queen Mathilda) (Photo by: Godong/Universal Images Group via Getty Images)FRANCE – CIRCA 2002: William the Conqueror’s fleet crossing the English Channel, detail from the Bayeux tapestry or the Tapestry of Queen Matilda. France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Embroidered scenes on the tapestry depicting the hit television series Game of Thrones are on show at the Ulster Museum in Belfast on July 5, 2019. – Like the Bayeux Tapestry, the Game of Thrones Tapestry is woven of fine linen and hand-embroidered, with decorative borders and a central pictorial narrative. It will reach 90 metres by the end of the final season of the show. (Photo by Paul Faith / AFP) (Photo credit should read PAUL FAITH/AFP via Getty Images)
La primera parte muestra a Haroldo capturado por el conde Guido, un noble normando tras un naufragio frente a la costa francesa.
Episode from the Bayeux Tapestry, an embroidered cloth nearly 70 metres (230 ft) long, which depicts the events leading up to the Norman conquest of England, culminating in the Battle of Hastings, in 1066. It is thought to date to the 11th century, within a few years after the battle. It tells the story from the point of view of the conquering Normans. (Photo by: Universal History Archive/Universal Images Group via Getty Images)Vintage engraving from 1876 of a section of the Bayeux TapestryFRANCE – CIRCA 1985: Bayeux Tapestry, fax-like; Norman work original conserved at the Museè de la Tapisserie in Bayeux (Photo by Alinari/Alinari Archives, Florence/Alinari via Getty Images)A scene from the Bayeux Tapestry, depicting the Norman Invasion of 1066. King Harold II (c.1022 – 1066) is killed at the Battle of Hastings. The tapestry is housed in the town of Bayeux in Normandy. (Photo by Hulton Archive/Getty Images)1066, A section of the Bayeux Tapestry, an embroidered cloth 231 feet long depicting the Norman Conquest of England and the Battle of Hastings. (Photo by Spencer Arnold Collection/Hulton Archive/Getty Images)Antique illustration of Bayeux TapestryHarold II, King of England, takes leave of Edward ‘The Confessor’ (right), King of England from 1042, on his departure for Normandy, in a scene in the Bayeux Tapestry, depicting the Norman conquest of England, circa 1064. (Photo by Hulton Archive/Getty Images)
Rescatado por Guillermo, Haroldo jura casarse con la hija de este, una decisión que refuerza las aspiraciones de Guillermo al trono.
FRANCE – CIRCA 2002: Men let horses get off the ship, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Reproduction de la Tapisserie de Bayeux (Tapisserie de la reine Mathilde) représentant la bataille d’Hastings, en 1066, réalisée en 1821. (Photo by API/Gamma-Rapho via Getty Images)Bayeux Tapestry, Battle of Hastings, 14 October 1066. Anglo-Saxon foot soldiers defend themselves with wall of shields against Norman cavalry. Men lie dead and wounded. (Photo by: Photo12/Universal Images Group via Getty Images)FRANCE – CIRCA 2002: Scene of knights in battle, detail from the Bayeux tapestry or the Tapestry of Queen Matilda. France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Bayeux Tapestry, 1070s. The tapestry, which tells the story of the events leading to the Battle of Hastings in 1066, was probably commissioned by Odo, Bishop of Bayeux, half-brother of William the Conqueror. This section shows Harold II (c1022-1066), last Anglo-Saxon king of England, on a visit to Normandy in 1064, swearing an oath of loyalty to William, then Duke of Normandy. Harold broke the oath when, following the death of Edward the Confessor, he claimed the throne of England. William responded by invading England, taking the crown after defeating Harold at Hastings. (Photo by Ann Ronan Pictures/Print Collector/Getty Images)Two scenes from the Bayeux Tapestry. The Tapestry is actually an embroidered length of cloth rather than a tapestry and measures around 70 metres. It portrays the events leading up to the Norman conquest of England by William, Duke of Normandy, who overcame Harold, King of England at the Battle of Hastings in 1066. It contains around seventy scenes, though the last section is missing. From “French Pictures: Drawn With Pen and Pencil” by the Rev. Samuel G. Green, D.D. Published by The Religious Tract Society, London, 1878.Vintage engraving of a scene from the Bayeux Tapestry showing Norman knights landing in England
Pero el juramento solo esta registrado en el tapiz y en otro documento normando muy posterior, lo que sugiere que el tapiz es un elemento clave de la propaganda normanda.
FRANCE – CIRCA 2002: Cavalry, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Harold II, last Anglo-Saxon king of England, 1066 (1070s). Harold (c1022-1066) and companions feasting. Harold’s succession to the throne was disputed by William of Normandy, who invaded England in 1066 and defeated Harold at the Battle of Hastings to claim the English crown. From the Bayeux Tapestry. The tapestry, which tells the story of the events leading to the Battle of Hastings in 1066, was probably commissioned by Odo, Bishop of Bayeux, William’s half-brother. (Photo by Ann Ronan Pictures/Print Collector/Getty Images)
Cuando Haroldo vuelve a Inglaterra y es coronado rey, los normandos consideran que ha incumplido el juramento y lanzan una invasión que termina en la batalla de Hastings y la muerte de Haroldo.
FRANCE – CIRCA 2002: Norman troops of William the Conqueror, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Bayeux Tapestry: William II Duke of Normandy sailing to England, September 1066. W: Also known as William the Conquerer and William I, c. 1028 9 September 1087. 19th century illustration. (Photo by Culture Club/Getty Images) *** Local Caption ***
El ultimo panel del tapiz se pierde, pero algunos eruditos creen que puede mostrar la coronación de Guillermo y en tal caso su mensaje es claro, Guillermo es el rey legitimo de Inglaterra y Haroldo un mentiroso.
FRANCE – CIRCA 2002: William, Duke of Normandy, between half-brothers Odo, bishop of Bayeux and Robert of Mortain, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Bayeux Tapestry, detail (Photo by: Universal History Archive/Universal Images Group via Getty Images)
Los expertos están divididos sobre la interpretación de los acontecimientos que narra el tapiz de Bayeux, pero su valor como documento histórico es indudable.
UNSPECIFIED – CIRCA 1754: Bayeux Tapestry 1067: A boat of William the Conqueror’s fleet carrying soldiers with their shields, arriving at Pevensey on the English coast. Invasion Textile Linen (Photo by Universal History Archive/Getty Images)Episode from the Bayeux Tapestry, an embroidered cloth nearly 70 metres (230 ft) long, which depicts the events leading up to the Norman conquest of England, culminating in the Battle of Hastings, in 1066. It is thought to date to the 11th century, within a few years after the battle. It tells the story from the point of view of the conquering Normans. (Photo by: Universal History Archive/Universal Images Group via Getty Images)
Es el único registro visual de la batalla de Hastings y proporciona imágenes de aspectos importantes de la vida medieval, como ropa, agricultura, armas, personas, animales y edificios.
FRANCE – CIRCA 2002: William the Conqueror in armour about to mount his horse before the Battle of Hastings, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)FRANCE – CIRCA 2002: William the Conqueror and his escorts on horseback, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)
Y fueran cuales fueran las intenciones propagandísticas, constituye el cenit del arte bordado anglosajón.
FRANCE – CIRCA 2002: Cavalry at Hastings battlefield, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)FRANCE – CIRCA 2002: Harold killed by chance arrow, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)
El valor del arte como herramienta de propaganda se aprovecha desde el imperio romano, cuando se encargan grandes obras para conmemorar campañas militares.
Bayeux Tapestry:_A pictorial narrative account of the conquest of England by William of Normandy and death of Harold II at Battle of Hastings in 1066. Woman and child fleeing from burning house. (Photo by: Photo12/Universal Images Group via Getty Images)Bayeux Tapestry. Harold Godwinson, Earl of Wessex (later Harold _II of England), holding hawk, riding to Bosham for hunting and sea fishing. (Photo by: Photo12/Universal Images Group via Getty Images)
En la era moderna el estado financia el arte para elevar la moral en épocas de guerra y para modificar la percepción de las naciones.
FRANCE – CIRCA 2002: Norman fleet sets sail for England; repast prior to departure, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)A scene from the Bayeux Tapestry depicting King Edward talking with Harold. William the conqueror is seen hunting. The Bayeux Tapestry is an embroidered cloth nearly 70 metres (230 ft) long and 50 centimetres (20 in) tall, It depicts the events leading up to the Norman conquest of England concerning William, Duke of Normandy, and Harold, Earl of Wessex, later King of England, and culminating in the Battle of Hastings. It is thought to date to the 11th century. (Photo by: Universal History Archive/Universal Images Group via Getty Images)
Del mismo modo que el realismo socialista glorifica los valores de Rusia soviética, la CIA exhibe la superioridad estadounidense mediante exposiciones itinerantes.
Episode from the Bayeux Tapestry, an embroidered cloth nearly 70 metres (230 ft) long, which depicts the events leading up to the Norman conquest of England, culminating in the Battle of Hastings, in 1066. It is thought to date to the 11th century, within a few years after the battle. It tells the story from the point of view of the conquering Normans. (Photo by: Universal History Archive/Universal Images Group via Getty Images)FRANCE – CIRCA 2002: Norman archers lead Duke William’s army, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)
Por su parte, los artistas independientes usan su creatividad para oponerse a la brutalidad de la guerra y la opresión del estado.
FRANCE – CIRCA 2002: Norman knights chase the English, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)Here Duke William of Normandy (c.1028-87) crosses the sea, detail from the Bayeux Tapestry, before 1082 (wool embroidery on linen) (Photo by Art Images via Getty Images)
Precedentes
106-113 d.C. la Columna de Trajano narra las victorias del emperador para enfatizar el poder de la Roma imperial
991 la viuda del conde sajón ofrece a la Abadía de Ely un tapiz que conmemora la valentía de su marido en la batalla de Maldon.
1801 Napoleón cruzando los Alpes, de Jaques Louis David, retrata a Napoleón de una manera heroica.
1937 el Guernica de Picasso es un poderoso alegato antibélico.
1946 el gobierno de EEUU expone cuadros de Georgina O´Keeffe detrás del Telón de Acero para contrarrestar las acusaciones soviéticas de la vacuidad cultural estadounidense.
Los títulos de crédito de apertura de la película La bruja novata son un homenaje al tapiz .
En los de Robin Hood: príncipe de los ladrones, aparecen directamente escenas del propio tapiz de Bayeux.
Los Simpsons le dedicaron un comienzo de episodio, un gag del sofá.FRANCE – CIRCA 2002: Woodcutting, detail of Queen Mathilda’s Tapestry or Bayeux Tapestry depicting Norman conquest of England in 1066, France, 11th century. (Photo by DeAgostini/Getty Images)
Christian Marclay, El reloj, 2010. Videoarte. El tiempo como modo de experiencia del mundo.
1955 nace en California y estudia arte en EEUU y Suiza.
Su carrera transcurre por diversos medios como instalaciones, performances, esculturas y música experimental.
1970 realiza collages con discos de vinilo. Desde entonces la mayor parte de su obra fusiona el sonido con lo visual de la música, la grabación y la interpretación.
1980-1981 Discos reciclados
2000 Guitarra arrastrada
2002 Cuarteto de video
2007 Fuego cruzado
1960 la tecnología del video comienza a ser accesible para los artistas
1963 Andy Warhol crea Sueño, una grabación de su amigo John Giorno durmiendo durante mas de cinco horas.
1968 Bruce Nauman pionero del videoarte, empieza a grabarse trabajando en el estudio.
1993 Douglas Gordon produce Psicosis 24 horas, de Hitchcock.
Ralentiza la clásica película de 1960 para que dure 24 horas.
2003 The listening post, de Ben Rubin y Mark Hansen, ensambla fragmentos de conversaciones en chats de internet en tiempo real.
Los artistas contemporáneos adoptan diferentes tecnologías, película, audio, libro y lo digital, para producir obra que usen la imagen en movimiento, donde la duración aparece como un tema central.
El arte basado en el tiempo adopta muchas formas distintas, arte procesual, incluyendo las instalaciones, performances.
Algunas obras combinan varios medios e incluso las hay que integran la experiencia del espectador.
Estas obras comienzan a desarrollarse en la década de 1960, cuando las tecnologías del video se hacen accesibles para la mayoría.
La propia naturaleza de esta tecnología hace de ella la herramienta ideal para grabar el mundo real.
Así el videoarte establece a menudo un fuerte compromiso con la realidad física, pues utiliza la imagen en movimiento que nos rodea día a día.
El videoarte puede implicar, actores y oralidad, pero a diferencia del cine, no requiere argumento o componente narrativo.
Mientras que las primeras obras consistían en grabaciones granuladas en blanco y negro, los ejemplos más recientes suelen ser instalaciones coloridas a gran escala, proyectadas sobre varias pantallas.
En cuanto a la extensión, estas obras pueden durar minutos u horas.
El tiempo sustenta el videoarte, pero El reloj, la pieza de 24 horas de Christian Marclay, trata de la noción del tiempo en si mismo.
Es un montaje de fragmentos de película y televisión que es al mismo tiempo, un cronometro en marcha.
Cada minuto del día aparece visible en una secuencia, donde hay algún tipo de reloj.
La proyección de la obra se hace siempre sincronizada con la hora local, de modo que el espectador puede saber la hora con El reloj.
Marclay emplea todo un equipo de investigadores para buscar las secuencias que necesita, y tarda tres años en editar y juntar todo en la obra final, que recorre a la vez un siglo de historia del cine.
La obra trata el modo en el que el argumento y el tiempo se representan en el cine, y muestra cosas de lo mas variopintas, desde accidentes de coche, salas de hospital y tiroteos, hasta escenas banales de la vida cotidiana o maravillosos momentos de humor.
El reloj a pesar de ser un collage se desarrolla en paralelo a los ritmos del día a día.
Los personajes beben o intiman por la noche, luego duermen o sueñan, se despiertan y desayunan a la hora normal.
El momento cumbre de la acción llega a medio día, con un fragmento del filme Solo ante el peligro.
Los personajes se apresuran ante los trenes, cenan y van a algún concierto y a media noche aparece un fragmento de V de Vendetta, cuando explota la torre del Big Ben.
El reloj gana los elogios de la crítica la primera vez que se proyecta en 2010 en la White Cube Gallery de Londres.
Cuando le conceden el León de Oro de la Bienal de Venecia en 2011, Christian Marclay agradece al jurado que premien la obra con 15 minutos de fama.
De la pieza se produce una serie de cinco, adquirida por colecciones como las del MoMA, el Pompidou o la Tate.
2014-03-06, Bilbo. Christian Marclay artistaren «The Clock» erakusketaren aurkezpena. Irudian, Christian Marclay.
06-03-2014, Bilbo. Presentación de la exposición «The Clock» de Christian Marclay. En la imagen, Christian Marclay.
El termino se acuña en occidente en el siglo XIX para designar las artes visuales creadas en territorio de dominio musulmán, de carácter tanto religioso como secular, a lo largo de un periodo casi de mil años desde poco después de la fundación del islam por el profeta Mahoma en el siglo VII, hasta el apogeo de los grandes imperios islámicos en el siglo XVII.
Cordoba, Spain – November 10, 2014: Hypostyle Hall of the Mosque-Cathedral. Though currently a catholic church, the building has a rich and complex history as both a Christian and Islamic holy site.
Estas obras se encuentran en un territorio que se extiende desde Arabia hasta España en Occidente e India en Oriente.
Aunque este arte muestra variaciones regionales e históricas, hay elementos estilísticos reconocibles, comunes a todas las épocas.
Mezquita de Córdoba
En un inicio la practica islámica no estipula ningún tipo de forma arquitectónica ni el uso de ningún tipo de imagen.
Interior de una mezquita en Córdoba, 1880 circa, The Walters Art Museum, Baltimore, Maryland, pintura de Edwin Lord Weeks
Los primeros estilos reflejan la influencia y tradiciones artísticas de los territorios que los musulmanes conquistan durante la dinastía Omeya.
Datados en el siglo VII y probablemente, obra de artistas que han trabajado para mecenas bizantinos, los mosaicos de la Cúpula de la roca de Jerusalén, uno de los ejemplos de arquitectura islámica más antigua que se conserva, se caracteriza por una serie de motivos vegetales azules y verdes y diseños geométricos que prefiguran el estilo islámico posterior.
Mezquita de Córdoba, minarete hoy campanario.
Tales elementos que evolucionan a partir de tradiciones locales, son comunes al arte islámico y lo hacen identificable.
Puerta de San Esteban, Mezquita de Cordoba
La edad dorada del arte islámico empieza en el 750 bajo la dinastía Abasí, que traslada la capital del islam de Damasco a Bagdad.
Puerta de los deanes, Mezquita de Córdoba.
Posteriormente el imperio islámico se fragmenta en dinastías regionales incluida la Fatimi de Egipto, la Omeya de España y más adelante la Savafi, la Otomana y la Mogol, a pesar de lo que las artes visuales no dejan de evolucionar.
Plano del alminar de la mezquita de Córdoba.
El Medievo ve una fértil etapa cuando los artistas islámicos comienzan a decorar con cerámica resplandeciente y mosaicos de cristal.
El arte islámico es decorativo y no figurativo, y hace un uso de la laceria y la geometría.
Aunque el Corán no prohíbe la representación de personas y animales, tampoco las fomenta.
Las interpretaciones de los hadices o tradiciones del Profeta, sugieren que la creación de formas vivas es obra de Dios y que los pintores no deben de intentar infundir vida.
Tampoco puede representarse a Alá ni al profeta Mahoma.
Pero los motivos de pinturas estilizadas se integran en ocasiones en la decoración de la superficie de los objetos, junto con criaturas fantásticas y también aparecen figuras iluminando manuscritos y en el arte secular.
Desde un inicio el islam es un fenómeno político y cultural, así como espiritual y moral.
Pero el arte de las mezquitas y madrasas (escuelas teológicas) sirve para expresar las creencias esenciales del islam y para fomentar un enfoque espiritual.
Mezquita de Córdoba.
Para lograr esto y como consecuencia del deseo de evitar el arte figurativo, los artistas musulmanes, centran su creatividad en desarrollar un arte decorativo característico con patrones geométricos abstractos, diseños vegetales y florales o arabescos y caligrafía de diversos estilos.
Estos elementos forman parte integral de la arquitectura islámica y puede apreciarse en el mihrab de la mezquita de Córdoba.
Iniciado con formas básicas (el circulo, el cuadrado y las estrellas) los artistas musulmanes desarrollan varios patrones geométricos que se entrelazan y se repiten formando complejos diseños.
Tomando el testigo de las tradiciones clásicas de la antigua Grecia y Roma, la ciencia y las matemáticas florecen durante la edad de oro del islam, y alcanzan un nivel de complejidad y conocimiento sin paragón.
Los diseños realizados por los artistas islámicos se basan en reglas de geometría estética y simbolizan la unidad y el orden del universo, tal y como lo crea Alá.
Además de cumplir una función decorativa, en los climas semiáridos de Oriente Próximo el exuberante follaje se asocia con el paraíso.
Inspirados en las tradiciones bizantinas anteriores, estos motivos son originariamente naturistas, pero pasan a ser mas abstractos a medida que evoluciona el discurso.
En el XVIII las expediciones de Napoleón a Egipto que llevan arte oriental a occidente pasan a ser conocidos como arabescos, lo que tan solo significa de estilo árabe.
La caligrafía tiene también un papel importante en el arte islámico, combinada con motivos geométricos o florales.
Considerada con frecuencia por los musulmanes como la forma de arte más elevada, la caligrafía árabe también asume un sentido muy espiritual como reflejo de la importancia del Coran, que los musulmanes consideran es la transcripción de la palabra de Ala.
La caligrafía por lo tanto es algo mas que un elemento decorativo, también tiene la misión de transmitir el mensaje del Coran, tal y como le es revelado al profeta.
Toda la caligrafía islámica esta escrita en árabe, prueba de la importancia de esta lengua como idioma de las plegarias y la importancia de la literatura y la escritura en la cultura islámica.
Se usan dos tipos de caligrafía, la cúfica o angulosa y la nasj, más redondeada.
Los diseños florales y geométricos y las formas abstractas de las caligrafías adornan los edificios en forma de tallas decorativas o azulejos pintados.
Cuando se usan en mezquitas y madrasas, los diseños entrelazados proporcionan un punto para la contemplación espiritual.
Hacen que el devoto se quede ensimismado en el laberinto de patrones regulares.
Se usan no solo para decorar las paredes de las mezquitas, sino también para su mihrab.
Hornacina enmarcada por un arco, normalmente de herradura, el mihrab es el elemento más importante de la mezquita.
Es un nicho que señala la dirección de la Meca (aquibla), hacia donde miran los musulmanes cuando oran.
El imán puede situarse ante el mihrab para dirigir la oración y su forma cóncava amplifica su voz.
Debido a su importancia religiosa, los mihrabs suelen estar decorados de forma suntuosa, lo que realza la impresión de que son una puerta que conduce a la Meca.
Uno de los mejores ejemplos de arte islámico es el mihrab del siglo X de la mezquita de Córdoba (dominada por la dinastía Omeya desde principios del siglo VIII).
La mezquita que hoy es una catedral se caracteriza por una gran sala hipóstila de 856 columnas rematadas por arcos dobles que alternan piedra blanca y ladrillo rojo.
Frente al mihrab hay un espacio cerrado llamado macsura, reservado para el gobernante y su sequito, caracterizado por los arcos entrelazados y rematado por una exquisita cúpula.
El mihrab tiene forma de arco de herradura y destaca por los mosaicos dorados y multicolores con diseños florales y vegetales.
Las inscripciones caligráficas del borde del alfiz están hechas con diminutas teselas negras y doradas.
Realizadas con caligrafía cúfica, incluyendo versos coránicos y relatos políticos e históricos.
Tras el arco la hornacina tiene el techo en forma de concha (símbolo del Corán) tallada a partir de una única pieza de mármol.
Las otras formas de arte islámico que se encuentran en la decoración de las mezquitas también se usan en el arte secular.
Los mosaicos con diseño geométrico, por ejemplo se emplean para decorar desde paredes y techos hasta patios y fuentes.
Los artistas y artesanos musulmanes de la dinastía abasí trabajan diversas formas artísticas aplicadas al cristal, la cerámica, el marfil, el metal y la tela.
Entre los siglos VII-XIII, desarrollan un gran número de técnicas innovadora, incluido un proceso de vidriado de la cerámica que permite lograr un efecto de porcelana.
Bajo la dinastía abasí, los artistas musulmanes producen loza dorada, un tipo de cerámica que se decora aplicando pigmentos metálicos sobre una capa de vidriado.
Los artistas de Persia adoptan la técnica durante el siglo X, y al comenzar el periodo medieval, la cristalería islámica se convierte en la más elaborada de Europa y Asia cuyos centros de producción se encuentran en Egipto, Siria y Persia.
Las alfombras y otros artículos textiles también adquieren fama mundial y muchos de ellos están decorados con típicos diseños geométricos.
A finales del siglo XV, la edad dorada, el arte islámico inicia su decadencia, pero la influencia del estilo islámico en el arte y la arquitectura europea es obvia.
A partir del Renacimiento, el motivo arabesco se usa en manuscritos iluminados y en paredes, muebles y cerámicas.
The Dinner Party es una instalación artística de Judy Chicago, realizada entre 1974 y 1979, con el objetivo de romper con el ciclo de omisión en el cual las mujeres son excluidas de los registros históricos.
Compuesta de una mesa bastante peculiar, la obra está en exposición permanente en el Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art en el Museo de Brooklyn en Nueva York.
Cada vajilla y mantel están decorados especialmente para una dama homenajeada, representándola a través de colores y símbolos.
Los platos son elaborados con cerámica y pintados con formas alusivas al órgano genital femenino.
Estos objetos son construidos de manera artesanal, como expresión del arte femenino y de poco valor en el mundo de las bellas artes, generalmente dominado por los hombres.
La obra es objeto de mucha controversia en su época y lo es también en la actualidad. Muchos artistas y críticos de arte la rechazan, pues argumentan que reduce la representación de la mujer a una vagina, y consecuentemente, no respeta la identidad de las damas homenajeadas.
Muchos, entre tanto, glorifican The Dinner Party como una obra fuertemente emocional, que retrata de manera heroica a estas féminas y encuentra su valor como un símbolo del contexto artístico e histórico del feminismo de los años 70.
Igualmente intensas son las críticas al proceso de construcción de la obra.
Producida a lo largo de 5 años, con la colaboración voluntaria y anónima de más de 400 artistas, The Dinner Party guarda en sí una ironía, pues una misma obra creada para dar visibilidad a tantas mujeres, mantiene el trabajo de muchas en el anonimato.
Estas mujeres sacrifican tiempo y dinero para contribuir con el proyecto y para muchas de ellas esta participación podría ser el impulso inicial que necesitan sus vidas profesionales.
Otros pueden argumentar que para estas y estos voluntarios fue un periodo productivo, de aprendizaje de las técnicas usadas por Chicago en la elaboración de la obra.
Después de construida, la instalación es expuesta mundialmente y la visitaron más de un millón de personas, pero acabada la gira, la obra es guardada en un depósito, donde esta durante 25 años, hasta que en el 2007, el Brooklin Museum construye el Centro para el Arte Feminista Elizabeth A. Stakler, con lo que The Dinner Table se tornó su obra principal.
Palffy Georgina, Atkinson Sam, El libro del arte, Akal, Madrid 2019.
Akbar en una moneda acuñada por su hijo y sucesor, Jahangir. 1605. Museo Británico, Londres. Foto: BRITISH MUSEUM / SCALA, FIRENZESegunda Batalla de Panipat 1556. Derrota de Homu por las fuerzas de Abkar. Fuente National Gallery of Victoria
El Fuerte Amber fue construido en 1592 por un comandante de Akbar, Man Singh, para defenderse de los ataques de los clanes rajputs de Rajastán. En la imagen, interior del palacio de los Espejos. Foto: B. MULLENNIX / GETTY IMAGES
La escultura narrativa emerge en las civilizaciones antiguas porque son culturas orales, incluso tras la invención de la escritura.
Derrota de los elamitas
La gente es analfabeta, por lo que los registros escritos solo tienen información para las clases instruidas.
Muchas sociedades se dan cuenta de la importancia de un registro gráfico de los acontecimientos importantes de su cultura y las historias relacionadas con su religión.
Ciertas pinturas en las paredes de los palacios y las tumbas cumplen esa función, pero las esculturas en piedra ofrecen un medio perdurable y monumental de conservar, historias, leyendas y la mitología de una cultura.
Los gobernadores y lideres militares quieren pasar a la posteridad gracias a esculturas de aspecto imponente.
Pero una forma escultórica más pictórica en relieve, ofrece la oportunidad de presentar escenas complejas en una serie de paneles o en un friso.
Asurbanipal cazando
Los primeros relieves narrativos surgen en paredes de tumbas del antiguo Egipto.
Muestran escenas de ultratumbas e imágenes de dioses y de difuntos.
Pero es en otra gran civilización del antiguo oriente próximo, el Imperio asirio, donde la escultura narrativa se convierte en una nueva forma de arte que homenajea mas a los vivos que a los muertos.
1500 a.C. el imperio desarrolla un estilo artístico característico que se manifiesta en las esculturas usadas para decorar los palacios reales.
slide 002British MuseumBritish Museum
Este estilo alcanza su cumbre creativa durante el reinado de Asurnasipal II (883-859 a.C.) y Asurbanipal (o Sardanapalos 668-627 a.C.).
Tablillas de la biblioteca de AsurbanipalAsurbanipal.
A medida que el imperio obtiene poder se erigen grandes esculturas de animales en las entradas de los palacios en la ciudad imperial de Nínive, mientras que los bajorrelieves muestran el heroísmo de los gobernantes.
Lamassu
Además de los relieves que recopilan los triunfos militares de los emperadores, una serie de paneles de alabastro muestran escenas de un espectáculo representado en una arena.
Estas escenas cuentan la historia de los leones liberados de las jaulas, la posterior persecución y la espantosa muerte de los animales a manos del rey Asurbanipal y sus oficiales.
Asurbanipal
El objetivo de estas escenas es recordar a los cortesanos y dignatarios extranjeros la valentía y el poder del emperador en acción.
Asurbanipal con su esposa en Ninive
Las narraciones en cuanto símbolo del control supremo que ejerce sobre el imperio y las fuerzas de la naturaleza, son publicidad, pero están narradas con la maestría que transmite el dramatismo del acontecimiento.
Los propios leones muestran un gran detalle, en una postura que expone su agilidad, poder y belleza y al mismo tiempo capta el horror y el dolor de ser presa de caza.
Los humanos aparecen representados con un estilo mas formal, con posturas rígidas, pero también con gran atención al detalle, subrayando el contraste entre el valor del rey y la nobleza y la naturaleza mas sensual de los animales.
Los relieves asirios señalan el comienzo de una tradición de escultura narrativa que además de ensalzar las hazañas de los gobernantes, se convierten en un medio para ilustrar los mitos e historia de la religión.
Esta tradición continua en la antigua Grecia y Roma y posteriormente en la narración de las primeras historias del cristianismo.
Los relieves que evolucionan a partir de imágenes grabadas en la roca hace 40000 años desarrollan estilos muy característicos y pasan a ser tridimensionales con el tiempo gracias a las figuras que destacan del fondo.
Los asirios tienen predilección por el bajorrelieve.
Los antiguos egipcios usan un relieve hundido, en el que la talla queda por debajo del fondo que la rodea.
En los altorrelieves de la Grecia Clásica, en cambio, las formas sobresalen del fondo de manera notable.
Durante la época romana y al principio del cristianismo, el altorrelieve continua gozando del favor de los artistas y también se utiliza en esculturas de templos budistas e hindúes del sur de Asia.
Palffy Georgina, Atkinson Sam. El libro del Arte. Editorial Akal. Madrid 1919.
El arte es garantía de cordura. Es lo más importante que puedo decir
1911 nace en París.
La destruction du père, (1974).
Todo lo que creo viene de algo personal, algún recuerdo o experiencia emocional. Todo mi trabajo… todos mis sujetos, han encontrado su inspiración en mi infancia. Mi infancia nunca ha perdido su magia, nunca ha perdido su misterio y nunca ha perdido su drama
Louis Bourjois y su madreSaint Germain (1938). Litografía sobre papel. En moma.org
El entorno familiar que rodea a Louise Bourgeois es acomodado y protector, pero al mismo tiempo inestable: en 1921, su madre Joséphine contrae la gripe española y cae gravemente enferma.
Louis Bourjois con su familia
Tan solo un año después, la familia contrata a la joven Sadie Gordon Richmond para trabajar como profesora de inglés.
Sadie se convierte en la amante de Louis, el padre, y pasa temporadas viviendo en la casa familiar.
Esta complicada situación afecta al carácter de Louise, que durante toda su vida experimenta un profundo sentimiento de abandono y un intenso miedo a la pérdida de sus seres queridos.
Con solo 12 años, su padre le pide que empiece a colaborar con el negocio familiar creando dibujos para los tapices.
La artista en ciernes combina este trabajo con su educación y con las temporadas que dedica a cuidar de su madre, quien sufre varias recaídas y fallece en 1932.
Bourgeois, Louise
Ese mismo año, Louise se gradúa con honores en Filosofía.
Bourgeois, Louise
La muerte de su madre hace que caiga en una fuerte depresión de la que decide salir a través del arte: deja los estudios y entra en contacto con los talleres que entonces bullían en Montparnasse y Montmartre.
1938 estudia con Fernand Léger; ese mismo año se desvincula del todo del negocio familiar y abre su propia galería de arte.
1938 después de casarse con el historiador del arte Robert Goldwater, se instala en Nueva York, donde se centra en la escultura.
En sus primeras obras trabaja con madera, bronce y mármol, pero después utiliza materiales menos convencionales como latex o tela.
Sin título (Las cuñas) (1950). En hyperallergic.com
Una vez en Norteamérica, Louise Bourgeois se enrola de inmediato en la Art Students League y se interesa por el grabado, técnica que no abandonará durante toda su vida.
Durante esos años investiga la tridimensionalidad en el arte: a mediados de la década de los 40 crea su primera serie de esculturas en madera, tótems de formas estilizadas e inquietantes.
En 1945 se inaugura su primera exposición en solitario, que tiene lugar en la prestigiosa Bertha Schaeffer Gallery de Nueva York.
Son los años del imperio del Expresionismo Abstracto: Bourgeois entra en contacto con los artistas más representativos del movimiento y expone con figuras como Rothko, de Kooning o Pollock.
Sin embargo, su obra se mantiene alejada de las encorsetadas propuestas abstraccionistas para mostrar un universo más carnal e inquietante.
Louise Bourgeois desarrolla siempre un imaginario periférico a escuelas y tendencias, a las que trascendió creando una trayectoria artística íntima y fascinante.
Tras la repentina muerte de su padre en 1951, la artista entra en una profunda depresión y empieza a desarrollar instalaciones envolventes relacionadas con sus recuerdos, experiencias y traumas.
Es entonces cuando empieza a asistir a sesiones de psicoanálisis, entrando a la vez en un periodo de reclusión.
En 1964 sale de su aislamiento para organizar una exposición en solitario, la primera en 11 años: en ella muestra su última obra, orgánica y plástica, y por primera vez incluye el concepto de “guarida” (que más adelante dará lugar a sus impresionantes Cells – Celdas).
La trayectoria artística de Louise Bourgeois parece ensancharse y enriquecerse a partir de 1973.
Son los años de sus primeras instalaciones, basadas en el concepto de lair (guarida) y que utiliza como herramienta para enfrentarse a sus fantasmas personales.
No hay una experiencia femenina del arte, no, al menos, en mi caso, porque tan solo por ser mujer, no se tiene una experiencia diferente: los individuos son diferentes, hombres y mujeres, pero no la naturaleza humana
Tras la muerte de su marido, decide utilizar el dolor y el resentimiento enquistados en su interior para crear obras en las que (literalmente) desnuda su yo interior.
Es el caso de The destruction of the father (1974), una instalación que parece reflejar el interior de un órgano vital y que al mismo tiempo reproduce una siniestra cena.
El entorno, revestido de formas orgánicas y teñido de una luz roja, destila degradación e incluso “digestión.
Es un enfrentamiento directo al recuerdo de su relación con su padre, que obligó a su familia a convivir con su amante (la tutora Sadie, a la que Louise Bourgeois adoraba) e incluso intenta emparejar con uno de sus amigos (acto que deriva en su primer intento de suicidio).
1986 es cuando empieza a crear ciertas piezas que contienen la esencia de su relación con sus experiencias vitales, el compromiso social y el subconsciente.
Son las Cells (Celdas), instalaciones cerradas que cuentan historias en sí mismas y se convierten en experiencias que se filtran en la mente de quien las penetra.
Articulated Lair (Guarida articulada, 1986) será la primera de una serie que comprende unas 60 obras creadas con elementos dramáticos, escenográficos y espacios de interacción.
Y con la presencia, siempre, de las emociones.
Louise Bourgeois empleó estos espacios para conectar su trabajo con determinados traumas vitales, utilizando esos escenarios como liberación: cuando el espectador entra en ellos y experimenta el mundo subconsciente de la artista, pasa a compartir sus pesadillas.
1990 empieza a explorar la araña como madre, depredadora y tejedora.
De nuevo acude a los referentes de su infancia (los telares, la madre enferma y a la vez protectora) y empieza a diseñar esculturas con forma de araña que son a la vez terribles y frágiles, destructoras y víctimas.
La araña representaba para ella la inteligencia, la productividad y la protección.
Crea esculturas monumentales como Maman de 1999, situada junto al Museo Guggenheim Bilbao y a escala diminuta: seres casi mitológicos con la misión de reconstruir y restaurar.
Vengo de una familia de reparadores. La araña es una reparadora. Si rompes su telaraña, no se altera. Teje y la repara.
2010 muere en Nueva York con 99 años y solo obtiene el reconocimiento artístico a partir de los 70 años.
Destacan
1947-1949 Los ciegos guiando a los ciegos
1950 Figura dormida
1974 La destrucción del padre
The destruction of the father (1974). En historia-arte.com
Me sentí atraída por el arte porque me aislaba de las difíciles conversaciones en las que mi padre se jactaba de lo bueno y maravilloso que era… Cogí un pedazo de pan blanco, lo mezclé con saliva y moldeé una figura de mi padre. Cuando estaba hecha la figura empecé a amputarle los miembros con un cuchillo. Considero esto como mi primera solución escultórica. Fue apropiada para el momento y me ayudó. Fue una importante experiencia y determinó ciertamente mi dirección futura.
The destruction of the father (1974)The destruction of the father (1974)
1993 El arco de la histeria
Arch of Hysteria (1993). MoMA, Nueva York. En moma.org
El tema de la maternidad es un motivo central del arte occidental.
Durante siglos la Virgen María constituye el ideal de madre protectora al que todas las mujeres deben aspirar.
En nuestro tiempo postsicoanalitico, la visión de la maternidad se convierte en un tema mas ambiguo y complejo, especialmente en las obras de artistas femeninas.
Louis Bourjois se inspira en recuerdos de su infancia, traumáticos y dolorosos, para homenajear a su madre, fallecida cuando ella tiene 21 años.
Cuando su padre se mofa del dolor que siente por la perdida, Bourgeois intenta suicidarse lanzándose al rio.
Reportaje sobre la instalación Confrontation (1978), la performance A Banquet: A Fashion Show of Body Parts (1978) y varios aspectos de la obra de Louise Bourgeois.
La muerte de su madre es el catalizador que la empuja al arte.
Maman es una gigantesca araña de acero sustentada sobre ocho patas que permiten al espectador caminar, no solo en torno a la escultura, sino también bajo de ella y admirar su enorme cuerpo que se eleva ante sus ojos.
De su vientre cuelga un saco de malla que contiene 17 huevos de mármol blanco y grises.
La madre de Bourjois trabajo en la industria textil reparando tapicerías y la artista vio el paralelismo entre el oficio de la madre y la araña que teje su red.
Pese a que muchas personas sienten ascos o pánico a las arañas, Bourjois las considera criaturas útiles y amistosas que libran a la humanidad de la enfermedad.
Junto a la enorme araña el publico desarrolla reacciones imprevisibles ante la pieza, que van desde el sentimiento de protección al de ansiedad.
La escala de la escultura, mide mas de 9 metros de alto y 10 de ancho, puede inducir al espectador la sensación de ser un niño que mira a una madre todopoderosa en lo alto que es al mismo tiempo, protectora con sus huevos y vulnerable, pues se mantiene en pie sobre unas patas muy delgadas.
Bourgeois confiesa que la principal razón para embarcarse en el arte es superar el miedo.
En este caso probablemente el miedo al abandono tras la muerte de su madre y el miedo por sus propios hijos.
En ultima instancia, Maman se interpreta como referencia a muchas figuras maternas, la artista, su madre y una madre mitológica.
Cuando se instala en la Tate Modern Gallery en Londres en el año 2000, la araña mira hacia tres torres de acero llamadas:
Hago, vinculada con el amor y el compromiso.
Deshago, como un tejido que se deshilacha
Rehago, que sugiere la reparación y reconciliación.
En las tres torres, coloca una campana de vidrio, que contienen pequeñas esculturas, que reflejan la relación madre e hijo.
En Hago, los dos se abrazan (la buena madre).
En Deshago, la madre esta distraída y el bebe llora (la mala madre).
En Rehago, la madre y un bebe flotante están conectados por el cordón umbilical.
1819 el científico ingles John Herschel descubre uno de los primeros fijadores fotográficos.
1827 Nicephore Niepce fija un paisaje con una cámara oscura y una placa de peltre.
1835 Henry Fox Talbot crea su primer negativo, Ventana en la abadía de Lacock.
UNITED KINGDOM – MAY 16: Talbot (1800-1877) is best known for his development of the calotype, an early photographic process that was an improvement over the daguerreotype of the French inventor Louis Jacques Mande Daguerre (1789-1851). Talbot’s calotypes involved the use of a photographic negative, from which multiple prints could be made. Had his method been announced a few weeks earlier, he and not Daguerre would probably have been known as the founder of photography. (Photo by SSPL/Getty Images)
1839 Alphonse Giroux obtiene permiso para fabricar la primera cámara de daguerrotipos.
1844 Fox Talbot publica El lápiz de la naturaleza, primer libro ilustrado con fotografías.
UNITED KINGDOM – MAY 16: Talbot (1800-1877) is best known for his development of the calotype, an early photographic process that was an improvement over the daguerreotype of the French inventor Louis Jacques Mande Daguerre (1789-1851). Talbot’s calotypes involved the use of a photographic negative, from which multiple prints could be made. Had his method been announced a few weeks earlier, he and not Daguerre would probably have been known as the founder of photography. (Photo by SSPL/Getty Images)
1850 Gustabe Coulbert, Paul Gauguin y otros artistas usan la fotografía como inspiración, referencia o material de base.
El invento de la fotografía no acaba con el arte como algunos vaticinan.
FRANCE – JUNE 10: This daguerreotype camera was manufactured in France by Charles Chevalier (1804-1859), within a year of the discovery by Louis Daguerre (1789-1851) of the first practicable photographic process. Its most interesting features are the hinged side panels which allow the camera to be collapsed down to a convenient flat package for transport and quickly re-erected for use. The earliest cameras were almost all rigid sliding box instruments which were bulky and awkward to transport. This camera represents the first attempt by a camera maker to produce a folding camera to overcome this problem. (Photo by SSPL/Getty Images)
En lugar de ello, estimula a los artistas, estimulándolos a indagar nuevas maneras de observar su entorno.
También la fotografía simplifica el proceso de copiar el mundo material y rectifica alguna de las suposiciones más comunes.
Engraving depicting a camera used to take daguerreotype photographs invented by Louis Daguerre. Louis Daguerre (1787-1851) a French artist, inventor and photographer. Dated 19th Century. (Photo by: Universal History Archive / Universal Images Group via Getty Images)
No hay un único inventor de la fotografía.
1820 Joseph Nicéphore Niepce desarrolla un proceso denominado heliografía (grafía de sol) que permite fijar de forma permanente imágenes formadas en una cámara oscura, aunque con unos tiempos de exposición largos.
Nicéphore Niépce (1765 -1833)Primeras fotografías de Niepce
1829 Niepce se asocia con Louis Daguerre y juntos crean el daguerrotipo que sale a la luz en 1939.
También en Francia Hippolite Bayard inventa un procedimiento de positivo directo, considerado superior al daguerrotipo, pero su invento es rechazado.
Boulevard du Temple de Daguerre es una prueba realizada desde su apartamento que el mismo envía a varias personalidades destacadas.
Louis Daguerre Boulevard du Temple.Los primeros informes sobre el descubrimiento aparecieron a comienzos de 1839, y las fotografías del bulevar del Templo eran siempre las que más admiración despertaban entre los académicos y periodistas de la época. La revista científica alemana Das Pfennig-Magazin relataba que en una de las imágenes se podía ver a un hombre “al que le estaban puliendo las botas”. Resaltaba también que “debió de haber estado muy quieto, porque su silueta se dibuja con gran nitidez, a diferencia de lo que sucede con el limpiabotas, que aparece borroso y poco claro a causa del movimiento”.
La imagen esta invertida de izquierda a derecha y constituye un testimonio interesante de un Paris anterior a las obras publicas de Haussmann.
La zona de tránsito, normalmente rebosante de actividad, aparece desierta.
El daguerrotipo necesita una exposición general de 10 minutos, así que cualquier objeto en movimiento no puede ser capturado.
Hay un elemento interesante, que es un individuo al que le están limpiando los zapatos en la esquina de la calle, probablemente los dos hombres permanecen quietos por orden del fotógrafo.
Son las dos primeras personas retratadas en una fotografía.
El proceso de Daguerre capta una sola imagen no reproducible, con un buen grado de tonalidad y detalle, sobre una placa de metal pulido.
Pero en Inglaterra, Henry Fox Talbot inventa otro proceso fotográfico denominado calotipo, con una diferencia importante, permite generar copias a partir de un negativo, de modo que el invento del inglés prevalece.
Los artistas se lanzan a la fotografía de retrato, para ofrecer este servicio a quienes no pueden permitirse el alto coste del retrato de pintura.
Seated Young Woman with Hand Raised to Jawline, 1840s-1850s, Daguerreotype, Image: 6.5 x 5.2 cm (2 9/16 x 2 1/16 in.), Photographs, Unknown (American), The daguerreotype, the first photographic process, was invented by Louis-Jacques-Mande Daguerre (French, 1787-1851) and spread rapidly around the world after its presentation to the public in Paris in 1839. (Photo by: Sepia Times/Universal Images Group via Getty Images)
También los artistas se ayudan de la fotografía para describir con más precisión como en el caso de los retratos, para reducir el tiempo y las dificultades de trabajar con un modelo en vivo.
Louis Jacques Mande Daguerre nace en 1787, comienza su carrera como escenógrafo y pintor.
1822 abre Diorama que es un espectáculo teatral donde conviven paisajes panorámicos con una iluminación ingeniosa.
Eso le conduce a sus primeros trabajos sobre fotografía con Nicephore Niepce.
Composición. Daguerre. 1837. Uno de los más antiguos daguerrotipos que se conservan. Sociedad Francesa de la Fotografía. París
Tras la muerte de este en 1833, termina el proyecto con Isidore el hijo de Niepce.
El Louvre. Daguerre. 1839 Conservatorio Nacional de las Artes. París
1839 el gobierno francés adquiere el daguerrotipo y su trabajo es muy elogiado.
circa 1933: Retrospecitive exhibition at the time of the centenary of the death of Niepce (1765 – 1833), inventor of photography, and Louis Jacques Mande Daguerre (1789 – 1851), at the Porte de Versaille, near Paris. (Photo by Henry Guttmann Collection/Hulton Archive/Getty Images)
Pese a todo sus investigaciones posteriores se ven truncadas por el incendio de Diorama, que destruye buena parte de sus obras y la mayoría de sus daguerrotipos.
Muere en 1851 cerca de Paris.
FRANCE – OCTOBER 20: Daguerreotype photography was invented by the French photographic pioneer Louis Daguerre (1789-1851) and was made public in 1839. In the daguerreotype process a picture made on a silver surface sensitized with iodine was developed by exposure to mercury vapour. This illustrates the equipment used in the process: a buffer (right) was used to impart a mirror-like gleam to the silvered surface of the plate (centre). This polishing was followed by sensitization using iodine and bromine vapours contained in a sensitizing box (top). After exposure the daguerreotype was developed by fuming with the vapour of heated mercury in a developing box (left), the beveller (bottom) put a neat edge on the plate. (Photo by SSPL/Getty Images)
Palffy Georgina, Atkinson Sam. El libro del Arte, Editorial Akal, Madrid 1919.
Son una colección constituida por más de mil piezas conmemorativas que provienen del palacio real del reino de Benín.
Son creadas por los pueblos edos desde el siglo XIII y, en 1897, los británicos se apoderan de la mayor parte de ellas.
Doscientas de estas piezas son llevadas al Museo británico, mientras que el resto se reparte entre otros museos.
Actualmente, una buena parte aún se encuentra en el Museo Británico, concretamente en la sala 25 (en la sección de África).
Otras piezas se hallan en los EE. UU. Alemania y otros países.
Los bronces de Benín propician una mayor apreciación por parte de Europa de la cultura africana y del arte tribal.
Inicialmente, parece imposible e increíble que gente tan primitiva y salvaje fuese la responsable de la creación de objetos tan desarrollados.
Incluso se llega a la conclusión que han tomado el conocimiento metalúrgico de los portugueses.
Actualmente, se sabe que los bronces son fabricados en Benín desde el siglo XIII y que buena parte de las colecciones datan del XV y XVI.
Se cree que los dos periodos dorados en la creación de bronces son el reinado de Esigie (c. 1550) y el de Eresonye (1735-1750).
Si bien el conjunto de piezas recibe el nombre de bronces de Benín, no todas las piezas son de este Material.
También las hay de latón, o de una mezcla de bronce y latón; de madera, cerámica, marfil, etc.
Han sido producidas por medio de la técnica de la cera perdida y son consideradas como las mejores esculturas hechas con esta técnica.
El Rreino de Benín, que entre el XIV-XIX ocupa el territorio de la actual Nigeria, es muy rico en esculturas realizadas con materiales diversos, tales como hierro, bronce, madera, marfil o terracota.
Se conserva un gran número de pequeñas copas o cálices tallados en marfil, los cuales son producidos por los bini, una etnia yoruba de la costa nigeriana.
Durante el XVIII, se recogen pocas piezas y en el XIX, cuando se inicia la colonización y, las misiones, llevan obras a Europa, donde son vistas como curiosidades de cultos.
Así, las primeras piezas que realmente llaman la atención occidental son aquellas enviadas por el Ejército británico a Londres en 1897, después de su expedición punitiva contra el reino de Benín.
Se trataba de un tesoro formado por esculturas de bronce y marfil, entre las que destacaban cabezas de reyes, figuras de leopardos, campanas y un gran número de placas con bajorrelieves, todas ellas realizadas con sorprendente maestría con la técnica de la cera perdida.
1910, el investigador alemán Leo Frobenius llevó a cabo una expedición a África con el propósito de recoger obras de arte africano para los museos de su país.
El expolio es tan grande que actualmente solo quedan en Nigeria unas cincuenta piezas, mientras que las colecciones europeas y estadounidenses cuentan con unas 2400.
En el África tropical, en el centro del continente, pronto se desarrolla la técnica de la cera perdida utilizada en las pequeñas esculturas de bronce, como atestiguan las piezas encontradas en Benín.
Cuando un rey muere, su sucesor manda hacer una cabeza de bronce.
Existen cerca de 160; y las más antiguas provienen seguramente del XII.
El Oba monopoliza los materiales más difíciles de obtener, como el oro, los colmillos de elefante o el bronce.
Estos reyes hacen posible la fabricación de los espléndidos bronces de Benín.
De esta forma, las cortes reales contribuyen de manera definitiva al arte subsahariano.
1939, se descubren cabezas muy similares a las de Benín en la ciudad santa de los yoruba, Ife, del siglo XIV y el XV.
Este descubrimiento confirma la tradición de Benín, que afirma que son artistas de Ife quienes les enseñan las técnicas de trabajo del bronce.
La sorpresa surge cuando estas son datadas de forma inequívoca en tales siglos: aquello significa que son anteriores a la primera escultura europea elaborada siguiendo la técnica de la cera perdida, creada por Bembenuto Cellini en su Perseo de mediados del XVI.
En el antiguo Egipto se esculpe con esta misma técnica y se transmite este conocimiento a la civilización greconubiana.
1897, el vicecónsul general James Philips, junto a otros seis oficiales británicos, dos comerciantes, intérpretes y 215 porteadores, se pone en marcha hacia Benín desde el pequeño puerto de Sapele.
Aunque informan que tenían previsto realizar una visita, les habían contestado que debían esperar, pues estaban realizando unos rituales y ningún extranjero podía entrar en la ciudad de Benín mientras tanto.
Los británicos ignoran el aviso y continúan con la expedición.
En el camino, son emboscados al sur de la ciudad por guerreros bini.
Como resultado, solo dos europeos sobreviven a la expedición.
Ocho días después, las noticias del incidente llegaron a Londres e, inmediatamente, se organiza una expedición naval punitiva, dirigida por el almirante Rawson.
La expedición saquea y destruye por completo la ciudad de Benín.
Tras la victoria británica, los conquistadores se llevan las obras de arte que decoraban el palacio real y las residencias de la nobleza, acumuladas durante muchos siglos.
La versión oficial mantiene que tal represalia es llevada a cabo porque las tribus emboscan a una misión humanitaria y pacífica.
También afirma que la expedición naval de Rawson libera a la población de un reinado de terror.
Los bronces de Benín que formaron parte del botín de la expedición punitiva de 1897 tuvieron diferentes destinos: una parte terminó en la colección privada de diferentes oficiales británicos.
La Foreign Office vende una cantidad importante que, posteriormente, acaba en distintos museos de Europa, principalmente en Alemania, y de los Estados Unidos.
La notable calidad de los trabajos se ve reflejada rápidamente en los altos precios que alcanzan en el mercado.
La Foreign Office dona al Museo Británico una gran cantidad de placas de pared de bronce, que representaban la historia del reino de Benín en los siglos XV y XVI.
Muchas de ellas son exhibidas en la sección etnográfica del Museo Británico, mientras que en el Museo de la Humanidad se encuentra la principal colección de estas obras de arte.
1984,Sotherby´s subasta una placa de Benín que representa a un músico.
El precio de venta se fija entre 25 000-35 000 libras esterlinas en el catálogo de la subasta.
Algunas colecciones museísticas de bronces de Benín:
Londres Museo Británico 700
Berlín Ethnologisches Museum 580
Oxford Museo Pitt Rivers 327
Hamburgo Museum für Kunst und Gewerbe 196
Nueva York Museo Metropolitano de Arte 163
Pensilvania Museum of Archaeology and Anthropology. 100
El pintor estadounidense Jackson Pollock, en 1943 junto a ‘Mural’.
A principios del XX Van Gogh utiliza distorsión, color y línea, para trasmitir mensajes emocionales, sus obras abren el camino al expresionismo.
1920 se habla de Expresionismo Abstracto en la obra de Vasili Kandinsky.
1935 el Federal Art Project ofrece empleo a artistas, incluyendo a los futuros expresionistas abstractos (Willem de Kooning, Jackson Pollock y Mark Rothko).
1939-1945 durante la guerra los artistas europeos huyen a EEUU.
1950 finales los happening de Allan Kaprow en Nueva York preludian las performance, nuevas formas de arte expresivo.
1912 Jackson Pollock nace en el seno de una familia humilde de granjeros en Cody (Wyoming).
Estudia en el Art Students League de Nueva York, donde aprende de Thomas Hart Benton.
Trianart fotografía
1935-1943 trabaja el muralismo y la pintura de caballete.
Trianart fotografía
1943 por primera vez, en la Peggy Guggenheim Gallery expone en solitario, y logra que el MOMA de Nueva York adquiera uno de sus cuadros.
El cuadro ‘Polar Stampede’ (1960), de Lee Krasner. SFMOMA
1945 se casa con la pintora Lee Krasner en East Hamptom, donde Pollok comienza a pintar sus drip painting.
El alcohol persigue a Pollock toda su vida.
Su personalidad voluble, su afición a la bebida, su aspecto de tipo duro y su arte revolucionario cautivan la atención de los medios y cautivan la mitología romántica asociada a su nombre.
Pollock deja de pintar en 1954, dos años antes de fallecer en un accidente de automóvil.
Destacan
1943 Mural
Peggy Guggenheim y Jackson Pollock ante ‘Mural’.
1946 Ojos en el calor
1950 Lavender Mist: number 1.
1952 Convergence
Jackson Pollock, Convergence
El Expresionismo Abstracto engloba varios estilos pictóricos muy diferentes entre si que comparten un intenso contenido emocional o expresivo.
A pesar de que los artistas vinculados a este movimiento sienten una animadversión extrema a la sociedad conservadora de EEUU de posguerra, el expresionismo abstracto se considera un fenómeno estadounidense.
Este arte producido en plena guerra fría es la antítesis a la rígida conformidad del arte soviético.
El Expresionismo Abstracto da lugar a dos corrientes o tendencias:
La action painting y la colour field painting, aunque algunos artistas están a caballo entre ambas.
Los action painters, como Jackson Pollock, Willem de Kooning y Franz Kline, realizan espectaculares obras de carácter dinámico y ponen énfasis en el acto de creación en si mismo.
Las obras de los color field painters en cambio como Mark Rotko y Barnet Newman, son mas sosegadas y los colores aplicados en grandes superficies, pretenden inspirar cierto sentido de trascendencia e invitar al espectador a una suerte de meditación.
Muchos expresionistas abstractos están influidos por la concepción surrealista del arte y consideran que la obra debe ser fruto directo de la mente subconsciente.
Conceden un interés particular al automatismo, donde el artista no busca controlar sus manos sino que permite a la mente inconsciente tomar las riendas.
La action painting expresa sentimientos intensos mediante exuberantes aplicaciones de pintura, a menudo en lienzos de grandes dimensiones.
Jackson Pollock, 1950 (Trianart foto).
Las obras que popularizan a Pollock se conocen como Drip Painting (obras de goteo) que realiza en 1947-1952) lo que le vale el apodo de Jack the Dripper, un juego de palabras de Jack the Ripper, Jack el Destripador.
Ritmo de otoño es uno de los drip painting más aclamados de Jackson Pollock.
‘Ritmo de otoño (Número 30)’ (1950), de Jackson Pollock, conservado en el Metropolitan Museum de Nueva York. METROPOLITAN MUSEUM OF ART
El fotógrafo alemán Hans Namuth fotografía y filma a Pollock mientras trabaja en este proyecto dejando un testimonio de las técnicas del artista y de las fases de la evolución del cuadro.
Las fotografías revelan que pese a que el método de Pollock, es espontaneo y no sigue imágenes pensadas con anterioridad o dibujos preliminares, su obra esta lejos de ser fruto del azar, pues implica destreza y concentración inmensas.
Blue poles’, de Jackson Pollock (1952). POLLOCK-KRASNER FOUNDATION/ARS
Tampoco requiere una perdida absoluta de control según afirma Pollock
Puedo controlar el flujo de pintura, no existe nada accidental.
Pollock trabaja el lienzo de forma metódica.
Comienza por la esquina superior derecha y a partir de ahí, avanza hacia la izquierda.
Sujeta la lata de pintura con la mano izquierda y con la derecha sostiene un pincel seco con el que salpica la tela.
Jackson Pollock, The Deep, 1951
Primero elabora un esqueleto de delgadas líneas negras y acentúa alguna de ellas con chorros de pintura que diluye para que penetre mejor la tela sin marcar.
Las fotografías de Namuth permiten ver tres formas humanoides en las fases mas tempranas de la composición que van desapareciendo bajo las densas capas de pintura.
En la siguiente fase aplica golpes de pintura marrón, blanca y gris turquesa que rompen las líneas continuas.
Después añade una última de finas líneas negras, confiriendo aún más agitación al conjunto, pues no existe un enfoque o punto de vista único.
Si bien se trata de una obra abstracta (y Pollock hace todo lo posible por borrar toda huella de elementos figurativos) no esta por ello vacía de contenido.
Teniendo en cuenta las líneas agitadas, los colores y las pistas proporcionadas por el titulo (añadido por insistencia del marchante de Pollock) resulta fácil imaginar la energía de los arboles mecidos por el aire o de las hojas arremolinándose en un ventoso día de otoño.
Las dimensiones de Ritmo de otoño (279 por 530) dan al espectador la sensación de estar inmerso en un paisaje donde las fuerzas elementales se despliegan desenfrenadas.
Diferentes expertos consideran la obra como un eco pictórico de los ritmos de Dixieland, un estilo de Jazz del que Pollock es un gran admirador, mientras que por otro lado, ha habido quien se ha interesado por su expansividad y su insistente horizontalidad como guiños a los extensos espacios abiertos del Lejano Oeste.
Jackson Pollock, 1951 (Trianart foto).
Las obras de Pollock pese a su aparente espontaneidad viven una evolución artística larga y compleja, modelada por varias influencias.
Se forma bajo Thomas Hart Benton, que esta especializado en escenas de la vida rural de EEUU.
Mas tarde entra en el taller experimental del muralista mejicano David Alfaro Siqueiros, donde descubre algunas técnicas poco ortodoxas, como la del uso artístico de las gotas de pintura.
1938 Pollock comienza un tratamiento por su alcoholismo y sus terapeutas jungianos le aconsejan el dibujo y la exploración del simbolismo inconsciente.
Es entonces cuando las formas arquetípicas comienzan en su arte.
Pollock esta al corriente de las vanguardias artísticas del otro lado del Atlantico y admira a Pablo Picasso y Joan Miro.
Además la Modernidad europea llama a su puerta cuando muchos surrealistas Emigrados como Andre Masson, Max Ernst y Roberto Matta Echaurren se instalan en Nueva York para escapar del nazismo.
Los primeros lienzos de Pollock son figurativos, representan escenas del mundo rural de EEUU, dotadas de cierta turbulencia enérgica.
1940 Pollock comienza a experimentar con la innovadora técnica pictórica que se convierte en su sello personal.
Un visitante toma una foto de la pintura ‘Mural’ (1943) de Jackson Pollock en la exhibición de la Royal Academy londinense. DANIEL LEAL-OLIVAS AFP
El primer paso es desarrollar la tela sin estirar previamente y fijarla en el suelo.
La Loba 1943. Trianart foto.
A continuación, a veces quieto y a veces en movimiento, aplica la pintura, derramando en chorros o salpicando con el pincel.
Circuncisión. Trianart foto.
El tamaño de su estudio que es un granero, le permite trabajar en torno a la tela y aproximarse desde todos los ángulos, así logra una composición all-over, donde no existe un punto focal y las esquinas del lienzo tienen tanta importancia como el centro.
Jackson Pollock. 1948. Trianart foto.
Movido por el deseo de alejarse de las herramientas habituales del pintor, Pollock cambia el caballete, la paleta y los pinceles por los palos, las toallas y los cuchillos.
Ocean Grisura, 1953. Trianart foto.
A veces sustituye la pintura por aluminio fluido y esmalte e incorpora otros elementos como arenas y esquirlas de vidrio.
Jackson Pollock, 1950. Trianart foto.
Durante la vida del artista, las action paintings de Pollock son tan objeto de admiración como de burla.
Pero en cualquier caso, les debe enorme éxito.
1949 un articulo de Life sugiere que es el mejor artista estadounidense con vida.
‘Mural’ de Jackson Pollock en el Museo Picasso de Málaga. La obra fue un encargo de la coleccionista Peggy Guggenheim, en el verano de 1943, para decorar la entrada de su apartamento de Nueva York. La pintura se entregó a principios de noviembre. Las características de la estancia, alargada y estrecha, proporcionaron una forma de contemplarla, sin distancia, que al final persiguieron todos los artistas expresionistas. “Los invitados que iban a la casa de Peggy Guggenheim se encontraban inmersos en la obra, como dentro del lienzo, y eso se convirtió en un objetivo”, ha explicado Sean O’Harrow, director del Museo de Arte de la Universidad de Iowa, propietario del cuadro.
1952 después de esta fecha deja de crear drip painting y las imágenes reconocibles aparecen de nuevo en sus telas.
Retrato y un sueño, 1953. Trianart foto.
Pollock no funda una escuela pictórica ni deja tras de si hordas de imitadores, sino que ejerce una influencia mas amplia.
Una clase en la Universidad de Iowa presidida por la obra de Pollock.
Abre el camino hacia la liberación de los métodos tradicionales de producir arte y consigue que el acto de creación en si mismo tenga un acto de relevancia.
Jackson Pollock, 1949. Trianart foto.
A partir de ese momento los artistas ven el lienzo como un escenario donde actuar.
Lo que va a suceder en el lienzo no es una imagen sino un evento.
Las fotografías, frenéticas y borrosas que Hans Namuth toma mientras Pollock trabaja, transmiten un sentido de la energía del momento creativo que mas adelante, durante las décadas 1960-1970 toma forma en el arte de las performance, donde los limites entre el artista y la obra se difuminan.
Palffy Georgina, Atkinson Sam. El libro del arte, Editorial Akal, Madrid 1919
El blog de Ila Basmati 