Toyo Ito

Es galardonado con el premio Pritzker de Arquitectura el 29 de mayo del 2013 por una obra que combina innovación conceptual con edificios soberbiamente ejecutados, por una arquitectura excepcional y por la dimensión espiritual y poética que transciende de todas sus obras.

Toyo Ito declara entonces que la arquitectura está muy limitada por condicionantes sociales.

 He diseñado mis proyectos arquitectónicos con el objetivo de que podría crear espacios más confortables si pudiera liberarme de esas restricciones de vez en cuando.  

Sin embargo, cuando acabo un edificio, inmediatamente me asalta la dolorosa impresión de mi propia limitación, algo que irremisiblemente se transforma en energía para afrontar mi siguiente proyecto.

Probablemente sea siempre así, y la misma sensación se repita en un futuro.

Así que es probable que nunca fije mi propio estilo porque nunca estaré satisfecho con mis obras.

Toyo Ito nace en Seúl, Corea del Sur, el 1 de junio de 1941.

Su padre es un hombre de negocios interesado en la cerámica de la dinastía Yi de Corea.

En 1943 vuelven a Japón junto con su padre y sus dos hermanas, y en 1953 muere su padre, cuando tiene 12 años.

La familia entonces regenta una factoría de sopa miso.

Hasta el inicio de sus estudios nunca se interesa por la arquitectura.

1965 se licencia en la Universidad de Tokio.

Trabaja con Kiyonori Kikutake Arquitecto y Asociados desde 1965 hasta 1969 junto con Itsuke Hasegawa.

1971 funda su estudio en Tokio denominado Urbot (Urban Robot).

1979 modifica el nombre del estudio al de Toyo Ito & Associates.

El estudio de Toyo Ito es un lugar conocido de prácticas para arquitectos emergente como Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (SANAA), Astrid Klein y Mark Dytham (KDa), Fukushima Katsuya, Yokomizo Makoto, y Akihisa Hirata.

Sus primeros trabajos  en la Casa de Aluminio son estructuras de madera recubiertas de ese metal.

La casa que hace para su hermana, la White U en 1976 es el edificio que le hace famoso.

Sus proyectos siempre combaten lo previsible.

En sus comienzos desarrolla obras modernas, mediante el uso de materiales industriales para construir estructuras ligeras, como tubos, mallas expandidas, aluminio perforado, láminas y telas permeables, aunque ahora en sus últimos trabajos incorpora el hormigón armado.

El proyecto de la Mediateca de Sendai, es el edificio que le consagra por la innovación estructural que incorpora.

A lo largo de su trayectoria erige infinidad de proyectos de viviendas privadas que vislumbran la forma de vida urbana en Japón.

Sus más destacados aportes conceptuales en un inicio se muestran a través de proyectos como la White U y Silver Hut en 1984.

Con el Pao para los proyectos de viviendas para la Mujer Nómada de Tokio en 1985 y 1989, muestra una visión de la vida de un nómada urbano, un perfil de vida típicos durante la fase de burbuja inmobiliaria en Japón.

La Torre de los Vientos en 1986 y el Huevo de los Vientos 1991 son hitos interactivos en espacios públicos.

Mientras que su función es una toma de salida de aire para el sistema de metro, su valor se basa en el tratamiento a su opacidad, una de las constantes de su trayectoria.

Mientras que aparece sólido durante el día, las estructuras de aluminio perforado se diluyen en la noche mediante el uso de sistemas de luz controlados por ordenador que forman una pantalla interactiva que representa datos medidos, como los niveles de ruido etc.

Se interesa por el vínculo entre habitaciones, exterior e interior, y el entorno de los edificios.

Sus parámetros se basan en los principios de la naturaleza, como lo demuestra la unidad conseguida entre estructuras orgánicas, superficies y revestimientos.

Sus proyectos contemplan un sentido ético de responsabilidad pública porque defiende que la arquitectura no sólo debe responder a las necesidades físicas, sino también a la sensibilidad.

Se afana por conseguir una arquitectura fluida y cercana, distante de las limitaciones de la arquitectura moderna.

En la Mediateca de Sendai en el 2000 destaca el uso de tubos estructurales que crean nuevas cualidades espaciales interiores.

En su trayectoria genera proyectos que combinan innovación conceptual con terminado optimo, muy bien ejecutados.

Sus proyectos buscan nuevas vías y mantiene también durante más de 40 años su excelencia ya sean bibliotecas, casas, parques, teatros, tiendas, edificios de oficinas y pabellones.

Con gran sensibilidad y talento desarrolla y perfecciona un discurso personal de ingenio estructural y técnica formal.

Sus formas no obedecen a enfoques minimalistas, concede valor a que diferentes contextos llevan a respuestas diferentes.

Sin ataduras estilísticas.

Innovación es el termino frecuente para describir los proyectos.

Es palpable en el pabellón temporal creado en Brujas en 2002 y el edificio TOD’S en Tokio en 2004, en los que la fachada, la piel del edificio, también sirve como estructura.  

Así como la abundancia de nuevas tecnologías en proyectos como el de la Cúpula de Odate (Japón) o la Torre de los Vientos de Yokohama.

 Son ejemplos de su arquitectura pública el Tanatorio de Gifu en 2006, la Biblioteca Universitaria Tama Art de Tokio en 2007 o el Pabellón de la Serpentine Gallery, en Londres en 2002.

O su trabajo para construir pequeños espacios comunales para los afectados por el terremoto en Japón en 2011, una expresión directa de su sentido de responsabilidad social.

A menudo se vincula su pensamiento con filósofos como Munesuke Mita y Gilles Deleuze.

Define la arquitectura como ropa para la población urbana, sobre todo en la metrópolis japonesa contemporánea.

Este tema se centra en el equilibrio de un individuo entre la vida privada/publica en el área metropolitana.

La actual arquitectura que hace, busca desarrollar potencialidades de las nuevas formas.

De este modo, trata de encontrar nuevas condiciones espaciales que manifiestan la filosofía del ser sin márgenes.

Diseña la Exposición Berlin-Tokyo en 2006 en la Neue Nationalgalerie de Berlín.

Muestra un sutil, suave y ondulado paisaje que ocupa casi la totalidad del espacio de la muestra principal de la exposición.

Esta exhibición, en colaboración con el Museo de Arte Mori, es una de las empresas más importantes en la historia del museo.

En 2006 es expuesta una gran retrospectiva de la obra de Ito en el Tokyo Galería Opera City Art como Toyo Ito. The New Real en la arquitectura.

Tiene una cátedra en la Universidad de Mujeres de Japón.

Es también profesor honorario de la Universidad de North London y ha sido profesor invitado en la Universidad de Columbia.

Es profesor en la Universidad de Arte Tama como profesor visitante.

En España tiene intervenciones de espacios públicos entre los que destacan el Parque de la Gavia de Vallecas, en Madrid; el proyecto Parque Oeste, de Murcia o el inacabado Parque de la Relajación, de Torrevieja.

 Es autor también de la Torres Fira, esta segunda torre, de planta más tradicional, es completamente de cristal y parece que dentro de ella hubiera alguna estructura de color rojo.

Es el responsable de la ampliación del recinto de Gran Vía de Fira de Barcelona, que incluye el nuevo vestíbulo de acceso, los pabellones 1, 5, 7 y 8, la pasarela que recorre y enlaza todos los edificios del complejo y el auditorio, así como de la estación del metro Fira 2 (L’Hospitalet) y Foc-Cisell (Barcelona).

Forma parte del Expresionismo Figurativo de posguerra y junto a Francis Bacon y Auerbach constituye la llamada Escuela de Londres.

Especializado en retratos, sus cuadros son fríos, pero enfatizan la carnalidad y la materia. 

Porque es figurativo en época de abstracción y conceptual, ha de batallar toda su existencia con sectores de la crítica especializada para defender la modernidad de su trabajo.

Nace en Berlín en 1922, hijo del arquitecto Ernst Ludwig Freud y de Lucie Brasch, debe su apellido a su abuelo, Sigmund Freud, padre del psicoanálisis.

Con la llegada al poder del nacional socialismo y ante la amenaza latente que supone ser judío, la familia emigra a Londres en 1933 cuando tiene 11 años.

El interés que muestra por el arte en la adolescencia, decide su ingreso en la Dedham School of Arts and Crafts  y después en la Goldsmith’s College de Londres en 1938.

Pero pronto cambia a la escuela de arte no reglada que Cedric Morris un paisajista notable dirige entonces en Essex.

Pero un incendio en la escuela de arte de Morris, supuestamente causado por una colilla arrojada por Freud supone que en 1941 que Lucien se enrole como marinero en un carguero mercante.

 De vuelta retoma su formación, esta vez en Suffolk, en 1944 con veintidós años monta su primera exposición en solitario, en la galería Alex Reid & Lefevre de Londres.

 En los años 40 ya consolida su figuración, huyendo de la abstracción de moda en la época, al inicio de su carrera abraza el  surrealismo 

Su formación en el clima intelectual existencialista de la Europa de entreguerras le condiciona a utilizar su pintura como instrumento de reflexión sobre el hombre contemporáneo.
Desde sus inicios como pintor, el tema central de su obra es la figura humana representada con intensidad psicológica.

Freud valora ante todo el estudio psicológico, que une a un realismo y a unas actitudes desinhibidas que en ocasiones se acercan a lo sórdido.

En sus retratos no busca el parecido, sino lo que representan sus personajes, el ser.

Casi exclusivamente trabaja el retrato de gente conocida como amigos, familia, colegas artistas, amante, Freud desvela la vulnerabilidad del cuerpo humano a través de la carnalidad.

Tiene la suerte de poder rechazar lucrativos retratos por encargo.

Siempre busca de alguna manera nutrirse de lo autobiográfico.

También trabaja el retrato de animales como mascotas y caballos, a veces acompañando a sus dueños.

 En 1946 Freud viaja a París y a la isla griega de Poros, permanece allí varios meses, trabajando mientras desarrolla un discurso propio.

En esta época Freud tiene relaciones con numerosos amantes de ambos sexos (algo que es una constante en su vida), entre los cuales destaca Lorna Wishart, esposa de Ernst Wishart y amante también del escritor Laurie Lee.

Tras una tumultuosa relación con Lorna, Freud termina casándose con su sobrina, Kitty Gartman.

Durante los cuatro años de matrimonio retrata a su mujer en infinidad de ocasiones. Destaca en esta época el cuadro del Joven con chaqueta negra (1947).

En los 50 Freud trabaja de manera intermitente en la Slade School of Arts de Londres, tiene gran influencia de Alberto Durero e Ingres.

Su técnica es concreta y figurativa aunque mantiene reminiscencias de sus primeros cuadros.

En 1951, la obra Interior en Paddington gana el Purchase Prize del Consejo de las Artes de Gran Bretaña.

Tras divorciarse de Kitti Gartman, Freud se casa con Caroline Blackwood que al igual que su primera esposa, es modelo en infinidad de cuadros.

1954 junto con Francis Bacon y Ben Nicholson, Lucian Freud representa a Gran Bretaña en la 27ª Edición de la Bienal de Venecia.

Ahora empiezan a emerger voces críticas acerca de la controvertida modernidad de su obra pictórica y hay quien ven su arte como un retroceso ya que es figurativo en época de abstracción.

A partir de 1958, Freud empieza a pintar de pie.

Su evolución presenta un giro y sus retratos muestran carnalidad con una pincelada muy empastada.

A partir de ahora Freud comienza a crear los mejores retratos, interiores y desnudos de su carrera.

Entre 1958 y 1968 expone con asiduidad en la Marlborough Gallery

En 1961 decide volver a dibujar.

En los 60 genera una serie donde destacan Joven Desnuda (1966)

Durante los 80, la producción alcanza su cenit, a esta época corresponden el Gran Interior (1983).

Influyen de nuevo clásicos de la pintura como Watteau o William Turner.

Entre 1987 y 1988 se organiza la primera retrospectiva, organizada por el British Council y el Museo Hirshhorn de Washington DC.

La muestra viaja por París, Londres y Berlín.

En los 90 se suceden las exposiciones como la muestra Lucian Freud: Obra Reciente, que genera multitudes a museos como el MoMA de Nueva York o el Museo Reina Sofía de Madrid.

La obra de Freud alcanza relevancia mundial, siendo considerado uno de los artistas vivos más importantes de la época.

 A lo largo de los años, además de pintar con modelos anónimos Freud plasma a las personas que son importantes para él: su madre (cuyo primer retrato data de 1972, siendo el último un dibujo realizado junto al lecho de muerte en 1989), sus esposas, sus hijos y sus amigos.

Los retratos del pintor Francis Bacon, y muy especialmente el desnudo del actor Leigh Bowery, revelan la capacidad para captar el ser.

También pinta al Barón Heinrich Thyssen-Bornemisza o la Reina Isabel II de Inglaterra.

Freud fallece en el 2011, a los 88 años en su domicilio de Londres. Como dice su marchante, William Acquabella, es un artista que vive para pintar, y pinta hasta el día de su muerte

Además del Expresionismo Abstracto emerge simultaneo otra vía figurativa.

En realidad independiente de su contenido abstracto o figurativo, lo que prevalece en la sensibilidad del momento o de la época que es la gestualidad o violencia expresiva de la pintura, la agresividad, la factura abrupta y el gran valor que se le concede a la materia y las texturas.

Por lo que se puede apreciar desde artistas que afinan o estilizan la figura como Bernard Buffet o Francis Gruber o el peculiar Jean Helion que muta sus iniciales formas geométricas en figuras sintéticas tras la guerra, incluyendo al surrealista Balthus o expresionistas radicales británicos como Sutherland o Bacon y los componentes del Grupo Cobra.

Un caso singular es el de los pintores británicos que de forma aislada en relación con el devenir de las vanguardias del contexto, habiendo generado a partir de los 30 un peculiar grupo de pintura figurativa, cuyos resultados emergen después de la Segunda Guerra Mundial con la Escuela de Londres integrada por Frank Auerbach, Lucien Freud y Francis Bacon.

Tienen el precedentes de Stanley Spencer (1891-1959) que recopila la tradición británica del arte visionario o Paul Nash (1894-1946) integrante y participe del Surrealismo local, y hasta Graham Sutherland cuyas crucifixiones retrotraen al mundo germano de la Grunewald, todos los cuales propician esa nueva figuración británica.

Entre todos destaca Bacon ya que no solo consigue un discurso personal con una deformación expresionista de gran impacto, sino que genera lo que se denomina espacio síquico, para describir la terrible imagen solitaria del hombre, convertido en una masa mostrenca e informe de carne tumefacta donde se percibe el drama de la existencia.

Pero como conjunto articulado de vanguardias no hay nada comparable el Grupo Cobra del que ya he hablado en solitario en una ocasión.

Cada una de sus mayúsculas hace alusión a tres ciudades a las que pertenecen los integrantes del movimiento, Copenhague, Bruselas y Ámsterdam.

En noviembre de 1948 se crea con los pintores daneses Karel Appel, Constant y Corneille y el danes Asger Jorn y los escritores belgas Detremont y Noiret, agregándose después artistas como Pierre Alechinsky.

Con vínculos con el Expresionismo y el Surrealismo, hacen suyo el mundo de los sueños, la expresividad de lo primitivo, los niños, los perturbados, pero lo hacen con una violenta liberación del color, con una pintura muy sólida y empastada y un gesto violento y agresivo además de directo.

Muy de izquierdas en su militancia política, sus parámetros teóricos sobre el destino del arte extienden su influencia más allá del estilo que pintan y de la propia historia del grupo que no dura demasiado.

Bill Viola es indispensable en el arte contemporáneo.

Sus temas rondan en torno a la conciencia y experiencias humanas, como el nacimiento, la muerte, el amor, las emociones y otros sentimientos espirituales similares.

Su carrera está influida por su curiosidad por tradiciones místicas como la filosofía Zen, la teología mística cristiana  y  musulmana, el arte medieval y renacentista.

Una obsesión es la exploración de la dualidad y como él dice difícilmente podemos saber qué buscamos a menos que sepamos lo opuesto.

Gran parte de su trayectoria contiene temas contrarios como la vida y la muerte, la luz y la oscuridad, la acción y la calma, la fuerza y la tranquilidad, etc.

La constante en sus obras es eros y Thanatos, pero tambien la fijación por captar emociones como en sus primeros trabajos The space between the teeth (1976) donde él mismo grita o Silent Mountain (2001) donde expresiones de angustia.

 En Bill Viola se perciben tres estructuras como patrones, la estructura ramificada, la estructura de matriz y la estructura esquizoide.

La ramificada es la más usual, donde el espectador se desliza en el tiempo desde el inicio al fin. ​

Supone la narrativa de lectura lineal, hay introducción, nudo y desenlace.

La de matriz es aquella en la que se continua una trayectoria no lineal a través de la información, como en los media.

El espectador puede acceder de inmediato, desplazarse en cualquier destino y a cualquier velocidad.

Tiene también contención y ciertos perímetros, pero en esta la via la define cada usuario, pudiendo tomar opciones que atañann a su percepción.

Esta opción se vincula con El jardin de los senderos que se bifurcan de Borges, donde el protagonista posee diferentes opciones sobre cómo percibir el discurso que se despliega ante ellos, pudiendo trazar diferentes vias.

Por último, la estructura esquizoide es casi o puramente aleatoria.

Todo es irrelevante e importante a la vez, los espectadores pueden perderse en esta estructura y no encontrar nunca la salida

Bill Viola videoartista  es de las figuras más con mas peso en la generación de artistas que usan los medios audiovisuales.

Tiene performances y video instalaciones, cuyo tema son las emociones y experiencias de la condición humana, tales como el nacimiento, la muerte y la consciencia

Bill Viola llega al mundo el 25 de enero de 1951 y  Queens y Westbury en Nueva York son los barrios donde crece.

La vocación artística emerge en su primera infancia.

En unas vacaciones en la montaña casi se ahoga, una vivencia que es una impronta tanto  en su vida como su obra y que relata como un mundo sin miedo y en paz.

En los 70 el videoarte se busca como arte independiente y Viola es protagonista,  admira a Bruce Nauman, Peter Campus, Vito Acconci, Nam June Paik, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Frank Gillette, Ira Zinder, Juan Downey.

Hace BBAA en la Universidad de Siracussa  donde se da gran valor a los nuevos medios de expresión.

Su primer trabajo es como técnico de video en el Museo de arte de Everson (Siracusa).

Entre 1973 y 1980 investiga y trabaja con el compositor David Tudor en el grupo de música Rainforest (posteriormente llamando «Composers Inside Electronics»).

También entre 1974 y 1976, actua como director técnico en Art/Tapes/22, un videoestudio pionero en Florencia (Italia) donde conoce a  otros artistas como Nam June Paik, Bruce Nawman y Victor Aconti. 

Después tiene una beca en la WNET Thirteen Television Laboratory en Nueva York.

Entre 1970–1980, sus parámetros progresan, debido entre otras a la mejora en la tecnología y a su propia progresión personal, con lo que su anhelos artísticos cambian.

Motivado por  oriente con el budismo, pensamiento zen y sufismo y de los místicos cristianos San Juan de la Cruz, Fray Luis de León, Santa Teresa.

Su búsqueda personal le lleva a viajar por todo el mundo, confeccionando grabaciones de artes y performance tradicionales en las Islas Solomon, Java e Indonesia.

1977 Es invitado a (Melbourne, Australia, donde conoce a la fotógrafa Kira Perov con la que se casa.

1980 pasa un año en Japón durante un año y medio aprendiendo Budismo con el Maestro Zen Daien Tanaka.

1983, Viola es instructor de vídeo avanzado en el Instituto de Artes de California, Valencia, California.

1995, Viola representa a Estados Unidos en la 46º Bienal de Venecia con su trabajo Buried Secrets, que incluye The Greeting, una interpretación contemporánea de La visitación de Pontormo.

1998, Viola trabaja en el Getty Research Institute, en Los Ángeles.  

2000 Es elegido para la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.

2002 realiza Going forth by day, cuadro digital proyectado en vídeo de alta definición  para el Guggenheim de Berlín y el Guguenheim de Nueva York.

2003 Muestra La pasión, basada en las tradiciones renacentistas que es expuesta en Los Ángeles, Londres, Madrid y Canberra.

En su búsqueda como artista, emerge en él un interés creciente por el arte tardo-medieval y renacentista.

La traumática muerte de su madre acentúa más su vínculo por la espiritualidad.  

2004, Viola proyecta una colaboración con el director  Peter Sellars, con nueva producción de la ópera de Richard Wagner Tristán e Isolda.

Estrenada en la Ópera de París en 2005 y el video de Viola es expuesto como LOVE/DEATH The Tristan Project en la galería Haunch of Venison de Londres en 2006.

2007, El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo  de Sevilla organiza una exposición en el Palacio de Carlos V  en la Alhambra, Granada, estableciendo un diálogo con los fondos del museo.

2009, Viola se le concede el Premio Internacional de Cataluña por su trayectoria

Sus obras  se exponen en la National Gallery londinense, en el Guggenheim de Berlín, en el de New York y en el de Bilbao, el Museo Whitney de Arte, o el Museo de Arte de Nueva York.

La vanguardia al termino de la segunda guerra mundial vive una total falta de perspectiva por el terrible golpe moral que supone la contienda.

Las dos orientaciones dominantes de vanguardia histórica heredada, que supone la experimentación formal pura y el posterior retorno de la imagen, pierden fuerza y están desacreditadas.

De la experimentación formal no se espera demasiado, pues cada vez que se intenta se corre el peligro de parodiar algo anterior, pero tampoco hay demasiado interes de la defensa de la imagen y su mayor fuerza significativa tras la experiencia de los años 30, cuando las imágenes son sobre todo objeto de manipulaciones interesadas y se convierten en publicidad de los regímenes totalitarios.

La pregunta entonces es que hacer y cómo hacerlo para recobrar el suficiente impulso moral, son las preguntas subyacentes de la primera posguerra.

La respuesta no es homogénea, aunque si hay una respuesta dominante con el Expresionismo abstracto de EEUU y el Informalismo Europeo, ambas vías coinciden en su carácter no figurativo y en la importancia que le dan a la técnica automática para su confección pero las piezas que se realizan son muy diferentes.

El Expresionismo Abstracto o Escuela de NY, porque es el lugar de elaboración y promoción, se gesta a inicios de los 40, para llegar a su proyección a principios de la década de los 50.

Esta configurada por la convergencia de varios artistas aunque la mayoría no se ha formado allí.

Los mas importantes como Arshile Gorky (1905-1946) es de origen armenio, Willem de Kooning (1904) es holandés, Mark Rothko (1903-1970) ruso, Philip Guston (1913-1980) es canadiense.

Es casi normal porque la primera mitad de siglo son las grandes emigraciones del país.

Lo que es significativo es que tanto estos como los que faltan, Jackson Pollock (1912-1956), Franz Kline (1910-1962), William Baziotes (1912-1963), Adolf Gottlieb (1903-1974), Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970) o Ad Reinhardt (1913-1967), son de lugares distantes dentro de su país, con enormes diferencias culturales que convergen durante la década de los 30 y los 40 en NY.

Se educan en similares escuelas, viven simultáneas influencias, comparten ideales culturales comunes y experimentan similares contextos profesionales.

Hay que destacar que se introducen en el lenguaje artístico a través de la enseñanza de maestros vanguardistas afincados en EEUU como los alemanes Hans Hoffman y Josef Albers, pero sobre todo de la influencia ejercida de los muralistas mejicanos, que ofrecen un ejemplo de un arte local no provinciano, además de reflejar los ideales izquierdistas que dominan entonces los círculos de vanguardia, y el aluvión de artistas extranjeros que desde inicios de la segunda guerra mundial se ubica en NY, sobre todo los surrealistas que son los que mas prestigio tienen por entonces.

Por otro lado, desde los 30 hay una ayuda federal para el arte, según las ideas del presidente demócrata Roosevelt, para combatir los efectos de la gran depresión económica.

Unos programas que abren una posibilidad de supervivencia profesional para los artistas más inquietos, además de cohesionarlos en programas de acción comunes.

Desde un punto de vista técnico el Expresionismo Abstracto es una continuación del automatismo innovador reivindicado   por los surrealistas en su primera etapa y ahora transformado en el action painting, unido al formato de gran escala al que se han acostumbrado los pintores americanos tanto por su actividad en las grandes decoraciones de edificios públicos como por el ejemplo de los muralistas mejicanos.

Quien de forma mas convincente practica esta formula de pintura gestual es Jackson Pollock que además de confeccionar grandes formatos, extiende en el suelo la tela, y danza sobre ella sin importar que caiga goteo o salpicadura, mas bien provocándolo.

Es una pintura abstracta pero marcada por la furia gestual automática, lo que le da un aspecto expresionista.

Por otra parte como pintura gestual, el tiempo de acción, el tiempo de ejecución es un nuevo elemento básico que aporta dimensión dramática al hecho de pintar.

No todos los expresionistas abstractos son expresionistas y abstractos, pero la formula triunfa.

En la misma línea que Pollock esta Gorky, pero muerto en situación trágica en 1948, cuando evoluciona de un estilo próximo a Miro hasta el tipo de pintura de acción, no se sabe que habría ocurrido de haber vivido más.

De Kooning, cuyo expresionismo de colores encendidos, es de carácter figurativo en esta primera etapa, y Franz Kline que comparte esta gestualidad no figurativa y esa afición al negro de Pollock, aunque con formula mas refinada y formatos mas pequeños.

Frente a los expresionistas genuinos hay otra expresión importante que la encarnan Clifford Still, que entierra el gesto dando capas de color tendentes a la monocromía, conservando una pintura muy empastada como rasgo expresionista.

Rothko  evoluciona a una pintura abstracta, que divide en campos de color en dos cuadros superpuestos en los que cada uno la tonalidad cromática es diferente.

Newman también se caracteriza por extender una capa cromática uniforme por toda la tela, dejando solo algún elemento de contraste a modo de aislada banda vertical.

 En estos tres casos junto a Reinhardt, el Expresionismo es místico.

En Europa de posguerra paralelo emerge también una pintura abstracta y de carácter expresionista que se denomina con el nombre de Informalismo.

La diferencia con el Expresionismo Abstracto Norteamericano es la técnica y estética.

Tecnica porque los informalistas europeos no trabajan grandes formatos y le dan mayor importancia a la materia y estética porque frente al vigor de la pintura de acción americana donde lo importante es la descarga vibrante del gesto sobre la tela, la pintura europea es mas existencial, mas intimista, poética y concentrada.

Los informalistas europeos no mantienen la estrecha relación de los americanos, ni entre ellos mismos ni con las plataformas de promoción comercial que pueden servir de aglutinante o por lo menos no lo hacen hasta mas tarde.

El centro mas importante del informalismo esta en Francia, donde destacan Jean Fautrier, un pintor que a finales de los 20 ya casi preconiza el Informalismo, pero que hasta una celebre exposición en 1943, sin haber terminado la guerra, cuando su serie titulada Otages (Rehenes) da a conocer su nuevo lenguaje informal.

Destaca también Jean Dubufett, que insiste también en valorar la calidad del empaste, aunque sin abandonar el dibujo figurativo, de trazo infantil, donde se refleja la vida desde una óptica muy rudimentaria, primitiva.

Pero pronto mezcla arcilla, piedras cerámicas, y sigue explorando el mundo del instinto y lo primitivo a partir de lo que crea El Arte Bruto (Art Brut), que es el que se hace desde este lado salvaje pero también el que hacen los pintores naives o ingenuos, la de los perturbados y los niños, o el de los profesionales dotados de una fuerte expresividad y sin inhibiciones.

De línea más intimista esta Wols, un acrónimo de A.O.W. Schulzer Battman afincado en Francia, cuya pintura es caligrafía dibujada en tinta china y acuarela creando imágenes de un universo microscópico y surrealista.

Michaux, un extraordinario poeta se dedica a explorar ese mundo de percepción cuando se alteran artificialmente las condiciones normales de conciencia.

Junto a ellos de finales de los 40 y primeros 50 se añaden otros llegándose a crear una escuela nacional que se denomina Abstracción Lirica Francesa, así como los calificativos de Arte Otro que inventa el crítico francés Michael Tapie y el Tachismo, formado a partir de la palabra Tache que en francés significa mancha.

En este grupo de informalistas franceses destacan Hans Hartung, George Mathieu o Nicolas de Stael.

El informalismo francés esta presente en Italia con Alberto Burri que trabaja con la arpillera y Lucio Fontana vinculado al grupo Abstracción-Creacion antes de la guerra y que luego publica El Manifiesto Blanco en 1946 donde reclama la presencia de la ciencia para investigar nuevos métodos y materiales.

En España la corriente informalista tiene a los representantes Antoni Tapies del grupo Dau al Set de Barcelona de finales de los 40 y  Antonio Saura y Manuel Millares del grupo El Paso que opera en Madrid a finales de los 50.

La Segunda Guerra Mundial y el Holocausto estimulan un periodo de incertidumbre y estupor artístico y se aborda una creación desgarradas en las que el goce estético tal y como antes se entendía quedaba fuera de lugar.

Tanto el Expresionismo Abstracto como el Informalismo abstracto emergen de la misma sensibilidad común dramática procedente del golpe moral que la guerra supone.

Nueva York, sustituye a París como entorno privilegiado de las novedades artísticas que se hacen desde 1945, dada la generalizada persecución de la creatividad experimental en los estados totalitarios europeos y a que muchos artistas europeos se establecen allí, como Mondrian, Chagall o Max Ernst.

Antes del nacimiento del Expresionismo Abstracto, en EEUU se llevan a la práctica  factores que favorecen al arte  como el Federal Art Project (ayudas del Gobierno a artistas entre 1939 y 1943 a través de su contratación para encargos públicos), la presencia de muralistas mexicanos en el país trabajando en encargos de gran escala y también la de surrealistas que apelan con sus obras al subconsciente, el nuevo arte da también gran valor a la subjetividad y defensa de la libertad individual).

A ello hay que sumar la sensibilidad común de la época -tanto para artistas, la sociedad americana o los emigrantes- de estar comenzando una nueva era.

El Expresionismo Abstracto supone el triunfo de la pintura americana entonces y es la marca USA en los inicios de la Guerra Fría.

Los expresionistas abstractos admiran el mito del pionero y sus implicaciones de austeridad, estoicismo, soledad, dureza y sobre todo el valor que dan al proceso, no en vanos son los inventores del arte procesual.

Su obra es heterogénea, no tienen un único estilo, reivindican la individualidad y el carácter expresivo del arte y, al igual que en el caso del Informalismo, este movimiento cohesiona redenciones personales, más que colectivas, en torno al signo gráfico (trazo o mancha) y a la materia.

Destaca la materialidad del cuadro, aparcando cualquier rasgo de ficción, tanto en perspectiva como en cuanto a composición, que se salga del propio trazo o materia.

Los expresionistas defienden por tanto, el principio de la materialidad y la sola pintura y apuestan por el artista que se proyecta a través del plano pictórico, el gesto y la acción física.

Entienden la pintura como producto de una experiencia dramática en la que el artista, desalentado por un entorno perturbador e inspirado quizá por el entonces Existencialismo, se cobija en su interior y desdeña referencias externas.

Rechazan las formas para incorporar manchas, arenas, goteos… haciendo del proceso un rito sustancial y la pintura en lugar durante ese proceso en huella o documento del mismo.

Destacan dos vias en el Expresionismo Abstracto, el Action Painting, enérgico y gestual, que ejecutan Pollock, Kline y De Kooning, y el Colour Field Painting, más abstracta, reposada y mística en la que Rothko es su representante.

En un inicio Pollock es un sobrio semiexpresionista evocador del El Greco, después le influyen el arte de los indios, la expresividad de la escala de los muralistas mexicanos, el surrealismo, la caligrafía oriental y Picasso.

En 1948 expone por vez primera sus pinturas realizadas con dripping, un goteo que se realiza moviéndose en torno al lienzo, dispuesto en el suelo.

Relaciona ese proceso con el rito por el que los indios pintan con arena en el suelo y se dejó llevar por una especie de automatismo vinculado al surrealismo.

Su proceso pictórico es emocional, violento, destructivo, con violencia.

Su obra de final de los 40 e inicios de los 50 poseen sentido rítmico, pese al deseo de Pollock de dar primacía al azar, no busca atacar los principios del arte sino entablar otra vía de acercamiento, de intimidad con la pintura.

Rothko también cubre superficies llenas de color con dos manchas principales.

Ningún color parece único, pues a través de veladuras se perciben otras posibilidades cromáticas.

La producción de Rothko destaca por su mística simplicidad y sutileza, características que muchos vinculan con la búsqueda de una búsqueda de lo sobrenatural.

También se han interpretado estos trabajos como paisajes, y Rosenblum los vincula  con la noción de lo sublime en una etapa en la que lo religioso está en un segundo plano y el anhelo de lo sobrenatural es una sensibilidad común en arte.

Debido a que Europa ha sufrido en sus carnes el conflicto bélico, se percibe -aún con mayor intensidad que en Estados Unidos- la dificultad de proseguir el camino cultural interrumpido de la vanguardia, desvirtuado por la guerra.

A pesar de que París pierde su capitalidad internacional, allí trabajan Picasso, Miró, Braque o Matisse, que detentan poder sobre las nuevas generaciones.

La inviabilidad una vía formalista de ideología definida y el Existencialismo que emerge, se convierte en refugio de los artistas europeos, una subjetividad individual de renuncia a lo que no fuera expresión de subjetividad.

Los informalistas, desencantados de utopías colectivas o ciencias positivas, apuestan por lo subjetivo, irracional e inmediato, que defienden como único camino y como vínculo con uno mismo y con el entorno, del que interesa lo más humilde y hasta entonces despreciable.  

 Hay cinco diferencias fundamentales entre Norteamérica y Europa, entre el Expresionismo Abstracto y el Informalismo:

–  La primera la marca el contexto. Estados Unidos, nueva potencia económica, inicia también en lo cultural una nueva era de liderazgo desde una renovada conciencia nacional. La cultura de una Europa devastada habla de duelo.

–  La escala de las obras de los expresionistas abstractos es gigantesca, la de los informalistas, íntima y reducida.

– En Estados Unidos se da mayor importancia a la pincelada gestual, en Europa, a la materia y lo estático.  

– El arte estadounidense es más conocedor de su impacto social, el Informalismo es más intimista, poético y concentrado.

– Los informalistas no mantienen vínculos personales que sí establecen los creadores norteamericanos, ni consiguen el apoyo de mercado de aquellos hasta más tarde.

Pero también hay similitudes, pues ambos movimientos surgen del mismo sentimiento traumático derivado del golpe moral que supone la guerra y los totalitarismos, que tanto en Europa como en EE.UU  supone la exaltación de lo subjetivo e individual como refugio.

Los artistas comparten dilemas y contradicciones, se debaten entre la improvisación y la búsqueda de fórmulas, la abstracción y la representación.

Dentro de ambos grupos hay personalidades diferenciadas más que de estilos únicos, en la línea de esa  idea citada de arte como expresión de lo individual.

Entre los informalistas destacan Dubuffet, Burri y  Tapies.

 Dubuffet trabaja la pintura como acto psíquico pues, como el Expresionismo Abstracto, el Informalismo hereda de los surrealistas su interés por el inconsciente y la técnica del automatismo, gesto pictórico rápido sin concesiones a la intervención de la razón que se proyecta sobre el lienzo en signos o caligrafías de apariencia salvaje o violenta.

Propone como discurso una belleza otra, la basada en texturas, materias, signos y gestos, la de la piel del cuadro concebida como piel del mundo.

Le interesa el arte infantil, el de los perturbados, las pintadas callejeras o las manchas y marcas de paredes y aceras, y explora las posibilidades estéticas de los materiales y superficies que emergen como soportes durante la posguerra.

Obsesionado con lo anticultural, intenta escapar de las barreras del buen gusto y confecciona esculturas con escoria, metal y cartón-piedra o cuadros con hojas y alas de mariposa. Sus obras destacan por su tosquedad y complejidad.

Burri emplea arpillera y trapos viejos, plástico quemado y fundido y hojas de estaño e incorpora alusiones existencialistas a la angustia metafísica. Se inicia en la pintura antes del fin de la guerra, en 1944, y expone por primera vez en 1947.

Tàpies, por su parte, con la influencia de pintores de la materia franceses como Fautrier, llama la atención por sus composiciones cuidadosamente organizadas y por la plasmación de una naturaleza serena frente a la inquieta abstracción gestual.

Ordena los planos en pasajes expansivos a veces vacíos y recurre a formas simples de estructura ordenada.

La tensión de sus obras procede del contraste entre los espacios de nuevo vacíos y silenciosos y los dotados de forma, en suma, entre azar y orden, protuberancias y depresiones.

A veces agrega inscripciones misteriosas que remiten a pictogramas asirios o egipcios; otras veces muestra paisajes primigenios no metafísicos sino telúricos.

Habitualmente oscuras o pardas, sus pinturas parecen aparentemente monocromas, pero en realidad las atraviesa una sutil gama cromática. Se han interpretado a veces como contraimágenes a la euforia por la alta tecnología.

Similar a Fautrier y Dubuffet en un principio, Antoni Tàpies usa yeso, arcilla, arena o cemento y, sin meter figuración, introduce presencia humana mediante trazos manuales

La popularidad de Edward Hopper actual colisiona con el poco aprecio que cuenta en su país de origen EEUU en su momento, que desdeña su producción artística posterior a la II Guerra Mundial por estimarlo pacato y provinciano, una idea que se mantiene hasta los 60 en el que muere.

Mas joven un año que Picasso, lo que lo sitúa espacio temporalmente en la generación de la vanguardia histórica, es decir con los que inician su obra en el primer tercio del XX.

Esta actitud desdeñosa ante el arte nacional, atañe todavía a muchos de sus paisanos y produce sorpresa en el caso de Hopper, por haber sido cronista de una época en Norteamérica, una mirada desde lo cotidiano y en lo urbano sobre todo, al que copia Hitchcock en los encuadres de sus Storyboard y los fotógrafos, se puede apreciar en La ventana indiscreta o Psicosis.

Ayuda a este desdén su clasificación convencional como representante del realismo, lo que hace que los críticos norteamericanos lo desdeñen mas todavía, pues los críticos consideran desafortunada cualquier manifestación que sea figurativa.

Las corrientes mas influyentes de la vanguardia de entreguerras, la etapa de madurez de Hopper, están adscritas al realismo de muy diferentes formas, entre los que están el Surrealismo de los 30 que es el que influye a los primeros expresionistas abstractos cuya pintura gestual no es mas que una creativa solución al fracasado automatismo.

La incomprensión de la vanguardia con sus fuentes o precedentes artísticos es producto de la desastrosa visión de la doctrina del progreso, cuya visión invalida todo lo anterior, por lo que exigen una perspectiva mas amplia pera su mejor apreciación critica.

Edward Hooper nace en un hogar de clase media al noroeste de Estados Unidos, tiene una formación artística local privilegiada y luego ampliada con diferentes intervalos de estancia en Europa en una etapa crucial entre 1906 y 1910.

Es alumno de la New York School of Art de NY y tras esa trayectoria esta bajo la tutela de Robert Henri (1865-1929), todo ello antes de marchar hacia Europa en 1906.

Una vez allí, al no seguir la idea del Cubismo, emergente estos años, se ha dicho de siempre que Hopper le da la espalda a la vanguardia o que no le presta la atención debida siendo contemporáneo de ella, lo que es un juicio simplificado, porque si que le interesa por los Nabis y los Fauves.

La obra que realiza en esta época es moderna, reconocida al ser seleccionado para participar en la famosa exposición del Armory Show de NY en 1913.

Durante los posteriores diez años Hopper desesperanzado deja la pintura y sobrevive con la ilustración grafica, lo que influye en el trabajo de su posterior retorno a la pintura, que madura ya haciendo de él un representante de entreguerras, aunque su discurso ya está consolidado para 1913.

Su trayectoria se mueve durante casi 50 años con un singular cuño muy personal, al margen de la aceptación de la crítica o el público.

Por ello al margen de la imprecisa etiqueta de su adscripción al Realismo, es difícil resumir la compleja trama sobre la que se basa la poética pictórica, simbólica y formal de Hopper

No solo muestra la vida cotidiana norteamericana, sino que lo hace con una perspectiva metafísica casi.

Calvo Serraller opina que tiene influencias de Vuillard, Bonnard, Felix Valloton, Walter Richard Sikert, y también de De Chirico y Mondrian.

En sus piezas el mundo urbano, visto desde la calle o el interior abierto al paisaje de la ciudad, son escenarios recurrentes en sus piezas, que también indaga visiones de casas abandonadas, pequeños pueblos o lugares interurbanos, como carreteras, vías de ferrocarril o residencias aisladas en los cuales deja una huella o eco latente para la posterior pintura norteamericana desde Mark Rothko hasta el Pop.

Zaha Hadid es una arquitecta   iraquí -aunque su vida profesional se desarrolla en el Reino Unido- que pasa a la historia por ser la primera mujer en recibir el Pritzker de arquitectura en el año 2004.

Recibe también el Ludwig Mies van der Rohe en y el premio Stirling en el año 2010 y 2011.

Siguiendo a Lino Alvarez, en el año 2012 es nombrada por la reina de Inglaterra como Comendadora de la Orden del Imperio Británico, y en el año 2015 se convierte en la primera mujer en recibir la Medalla de Oro del RIBA (el colegio de arquitectos británico).

Los edificios neofuturistas de Hadid se caracterizan por las formas curvas con multiples puntos de fuga y geometría fragmentada que buscan evocar el caos de la vida moderna. El pasado 31 de Marzo de 2016 Zaha Hadid muere a la edad de 65 años de un ataque al corazón en Miami.

Dame Zaha Mohammad Hadid nace el 32 de octubre de 1950 en Bagdad, la capital de Irak en el seno de una familia musulmana de clase alta.

Su padre, Muhammad al-Hajj Husayn Hadid, es un rico empresario y político de Mosul, la tercera ciudad más poblada de Irak, que cofunda el partido de izquierda-liberal al-Alahi en Irak en el año 1932, un partido que tiene una gran relevancia en la política del país durante los años 30 y 40 del siglo pasado, y posteriormente también ayuda a fundar el Partido Nacional Democrático de Irak.

Su madre, Wajiha al-Sabunji era una artista de Mosul. Gracias a su posición social privilegiada, Zaha Hadid puede marchar a estudiar en la década de 1960 a exclusivos internados en Inglaterra y Suiza.

Hadid estudia matemáticas en la Universidad Americana de Beirut, antes de mudarse en 1972 a Londres a estudiar arquitectura en la prestigiosa Architectural Association School of Architecture.

Allí fue donde conoce a prestigiosos arquitectos que impartían clase en esa escuela, como el holandés Rem Koolhaas -quien también es galardonado con el premio Pritzker- la arquitecta griega Elia Zenghelis o el danés Bernard Tschumi, quienes sin duda influencian su concepción arquitectónica.

Durante esos años, Hadid recibe además la doble nacionalidad británica.

Tras graduarse, Zaha Hadid, empezó a trabajar en el estudio de sus antiguos profesores Koolhaas y Zenghelis, el Office for Metropolitan Architecture -más conocido como estudio OMA- en Rotterdam, Países Bajos, y se hace socia del mismo en el año 1977. Durante su colaboración con Koolhaas conoce a Peter Rice, el ingeniero que harce posibles sus increíbles estructuras en un tiempo en el que llevarlas acabo parecía casi imposible.

Tras esto Hadid decidió crear su propio estudio de arquitectura, Zaha Hadid Architects, con sede en Londres en el año 1980, y que en la actualidad tiene una plantilla de más de 400 personas.

Su reputación internacional se acrecienta en el año 1988 tras la muestra de sus increíbles dibujos arquitectónicos dentro de la aclamada exhibición Deconstructivismo en la Arquitectura en el museo MoMA de Nueva York.

Gracias a esta exposición, donde Rolf Fehlbaum, el dueño de la empresa germana de mobiliario de diseño Vitra quedo fascinado con sus dibujos, y decidió darle la oportunidad de levantar el que sería su primer proyecto propio, la estación de bomberos de la fábrica de Vitra, construida en el año 1994.

Además de su trabajo como arquitecta, Hadid dedicó una gran parte de su vida a la docencia.

A mediados de los años 80, Zaha Hadid dio clases en la Escuela de Diseño de Harvard, donde ostentaba la cátedra Kenzo Tange, y en la Arquitectural Association (su alma mater).

En los años 90 comienza a dar clase en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Illionois, donde también es catedrática.

Imparte tambien clases en muchas otras reputadas universidades de distintos países como la Hochschule für bildende Künste Hamburg (más conocida como la HFBK de Hamburgo), la Escuela Knowlton de Arquitectura en la Universidad Estatal de Ohio, la Universidad de Columbia, la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale y en la Universidad de Artes aplicadas de Viena.

Además, Hadid es nombrada miembro honorario de la Academia Americana de las Artes y las Letras y miembro honorario de el Instituto Americano de Arquitectos.

Es además una de las patronas de “The Architecture Foundation“, una fundación que promueve el desarrollo y la divulgación de la arquitectura.

Zaha Hadid también diseña tanto espacios interiores como la “Mind Zone” del Millenium Dome de la capital británica, como mobiliario, especialmente sus colaboraciones con la Galería David Gill de Londres, de la que destacamos su increíble colección Liquid Glacial) y productos de consumo como el Z.CAR, un futurista prototipo de coche de tres ruedas propulsado por hidrógeno.

También a colaborado con marcas de ropa como Lacoste, para la cual hace zapatos de diseño con su característica estética, y también posee su propia marca de ropa con la que viste.

Pero lo que representa universalmente a Zaha Hadid es su impactante obra arquitectónica.

Pese a que su obra se encuentra enmarcada dentro de la corriente del deconstructivismo, ha recibido influencias de otras corrientes artísticas como el minimalismo y el cubismo.

Sus obras se caracterizan por un diseño de tipo no lineal, completamente dominado por la curva con el que pretende dotar a las ciudades de realidades utópicas en las escenas urbanas.

Hadid realizó una gran cantidad de obras en un corto plazo de tiempo por el boom de los starchitects, arquitectos estrella, en la década de los 2000, más conocido como el efecto Bilbao, así como por la burbuja inmobiliaria china.

Entre sus principales obras destaca el Centro Cultural Heydar Aliyev, que se encuentra en la capital de Azerbaiyan, Baku.

Construido en el año 2013, con diversas instalaciones como un museo con salas de exposiciones, un centro de conferencias así como oficinas.

Este proyecto arquitectónico es creado por Zaha Hadid con la intención de transformar y lograr ocupar un lugar central en la vida cultural de la ciudad y el país.

Otra de sus obras más destacas de la Ópera de Guangzhou, situada en la ciudad homónima del sur de China.

Este edificio construido en 2010 consta de una estructura con una superficie de 330.000 metros cuadrados dividida en cuatro volúmenes independientes comunicados por pasarelas sobre grandes patios interiores.

El sinuoso diseño del edificio es creado por Hadid para transmitir movimiento y fluidez.

Entre sus obras con más repercusión internacional encontramos el Centro Acuático de Londres, diseñado para acoger las pruebas acuáticas durante la celebración de los Juegos Olímpicos de la capital británica en el año 2012.

Este edificio constituido por una cubierta ondulada que nace del suelo como una onda similar al volumen de las piscinas donde se practica la natación y el buceo, inspirándose en la fluida geometría del movimiento del agua.

También destaca el Museo Nacional de Arte del Siglo XXI de Roma (más comúnmente conocido como MAXXI) construido en la capital italiana en el año 2009.

Cuenta con un contorno sinuoso, con diversas dimensiones superpuestas y formas complejas, que buscan crear un campus urbano que se proyecte desde los espacios interiores a la ciudad en su conjunto.

Sus llamativas paredes curvas sirven tanto para exponer obras en el interior como en el interior del centro, el principal museo de arte contemporáneo de la ciudad.

En España podemos encontrar varias obras (y innumerables proyectos no llevados a cabo) de la prolífica arquitecta británico-iraquí, pero entre ellas podemos destacar una, el Pabellón Puente de Zaragoza, construido para la Expo celebrada en el año 2008 en la capital aragonesa.

Este edificio conecta el margen derecho del rio Ebro con el recinto de la Expo, mediante una planta con forma de un gladiolo tendido de 270 de longitud, cubierto por curvas imposibles creada para alojar salas de exposiciones sobre la gestión sostenible del agua, y que tras la expo ha sido utilizado en innumerables campañas publicitarias por su aspecto futurista.

El estudio o revisión de la vanguardia histórica a través de grupos o movimientos característicos no solo provoca desajustes, sino que además condena a desaparecer del mapa a todos los artistas que no se adscribieron a ninguno de ellos, aunque su actitud o lenguaje fuera vanguardista.

La mayoría de ellos vive en Paris, por lo que se usa la fórmula de Escuela de Paris para poder nombrarlos, en el sentido de inscritos en ese centro capital de la modernidad y vanguardia, aunque sin que un cumulo de razones lleguen a encuadrarse en una disciplina de un grupo, movimiento, corriente o tendencia concreta.

La mayoría de ellos vive en Paris, por lo que se usa la fórmula de Escuela de Paris para poder nombrarlos, en el sentido de inscritos en ese centro capital de la modernidad y vanguardia, aunque sin que un cumulo de razones lleguen a encuadrarse en una disciplina de un grupo, movimiento, corriente o tendencia concreta.

Es por ejemplo el caso de artistas como el italiano Amedeo Modigliani (1884-1920), el ruso Marc Chagal (1887-1985), el lituano Chaim Soutine (1894-1943), el polaco Moises Kisling (1891-1953), el búlgaro Jules Pascin (1885-1930), la francesa Maie Laurencin (1885-1956) o el japones Tsugouharu Foujita (1886-1968).

Como Picasso, casi todos ellos nacen en la década de 1880, lo que les sitúa en el centro de la primera oleada de la vanguardia histórica.

Son camaradas y amigos en la época de la bohemia de Montmartre y por lo general asimilan las corrientes en boga del Expresionismo y el Cubismo y a veces sucesivamente, otras incluso sintetizando aspectos de ambos simultáneamente.

En todo caso llevan a cabo una poderosa y muy interesante obra personal, aunque sea al margen de la vanguardia organizada.

En la época de entreguerras se incrementa el grupo en torno a la vanguardia de París de esa heteróclita masa de artistas, haciéndose ahora un grupo más heterogéneo, indiscriminado y desigual, pero es importante tener constancia de su existencia, ya que en algunos casos como los arriba citados constituyen jalones imprescindibles del arte contemporáneo.

Independiente del predominio del Surrealismo, las restantes vanguardias europeas, reconsidera su posición formalista de antaño.
Hay algunos grupos de artistas como los defensores del arte concreto de orientación abstracto-geométrica, y muchos mas de forma aislada que continúan con sus investigaciones, pero la mayoría busca aproximarse al realismo y volver a reivindicar el contenido, el significado de la obra.
Hay una corriente que se denomina Nueva Objetividad, con una representación hiperrealista de contenido crítico, cuyos protagonistas son representantes italianos y alemanes.
Simultaneo a todo esta el muralismo mejicano, un arte político que de forma realista y gigantescos formatos, los propios para decorar locales de instituciones públicas, no solo sirve para generar una identidad artística propia, americana, sino que con su actitud estimula el posterior desarrollo del Expresionismo Abstracto estadounidense de posguerra.
Destacan Diego Rivera (1886-1957), José Clemente Orozco (1883-1949) y David Alfaro Siqueiros (1896-1974).

También paralelos a todos ellos, los grandes maestros de vanguardia continúan en activo y se mantienen visibles continuando con su propia evolución.
Hay que destacar a Picasso, con su obra a partir de 1925 muy aclamada por los surrealistas, aun no siendo de su generación, ni tampoco militantes formales de sus ideas, consideran al pintor español como la máxima expresión del arte de vanguardia.
De hecho, Picasso consigue grandes logros en pintura, escultura y grabado durante los años 30, y sobre todo realiza el formidable mural del Guernica en 1937 que se convierte en el reflejo de la barbarie de la contienda civil española y lo que ha de venir con la II Guerra Mundial.

Aunque son menos visibles, también es muy importante la evolución de Matisse, Derain, Léger, Mondrian Kandinsky o Braque.
Pero he de subrayar al italiano Giorgio de Chirico (1888-1978) cuyas imágenes oníricas despiertan particular interés en los primeros surrealistas y que junto al citado Carlos Carrá y el también italiano Giorgio Morandi (1890-1964) promueve el arte metafísico, con imágenes intemporales, así como de fuerte carga inconsciente y simbólica

Hay que destacar también a Paul Klee, del que ya he hablado al comentar el grupo expresionista de Munich del Jinete Azul, pero que madura su mejor obra precisamente durante los años veinte y treinta, cuando participa de las investigaciones formales en la Escuela de la Bauhaus, dando a su obra su característico toque geométrico, que tras la clausura de la Escuela por los Nazis y su definitivo exilio a Suiza, realiza una obra muy personal y de enorme fuerza poética, con figuras alegóricas que flotan en un espacio indeterminado, a medias entre el Expresionismo y el Surrealismo