Coleccionista de estampas, Museo Petir Palais, 1860

Autor de 4000 estampas litográficas, un fantástico escultor del XIX y extraordinario pintor durante la última época de su vida, su obra prolífica y formidable no ha hecho de él una figura internacionalmente popular, quedando en claroscuro, técnica que domina como nadie.

Baudelaire alaba de Daumier, su maestría satírica a la manera de Moliere.

Cuando Baudelaire habla en los salones de 1845 de la forma e improvisada y espiritual de acometer el dibujo dice que no se conoce en Paris mas que dos hombres que dibujen tan bien como Delacroix, uno es Daumier y el otro Ingres.

Proyecta una ingeniosa interpretación de los modos de vida de una época en la mayoría de sus obras, siempre exhibiendo expresividad y modernidad, por lo que es uno de los grandes del Arte Moderno.

Hijo de un modesto cristalero ambulante poeta, conoce la pobreza al inicio y final de su existencia.

Llega al mundo en 1808 en Marsella, aunque en su infancia se traslada a Paris con su familia.

Es el tercer vástago y único varón del vidriero Jean Batiste Daumier y de Cécile-Catherine Philip.

Su progenitor vidriero ambulante y poeta, consigue reconocimiento en Marsella de donde marcha a Paris en un afán de reconocimiento definitivo.

Los versos de su padre gustan al director del Museo Real Alexander Lenoir, que le proporciona un puesto de copista en un tribunal.  Su padre puede publicar versos en las imprentas reales de la restauración borbónica.

También consigue llevar a escena su obra Felipe II en un pequeño teatro.

A la vez que se queda desempleado y Honoré Daumier tiene que trabajar adolescente, primero como ujier en un tribunal de justicia y como aprendiz en una librería.

Mas tarde estudia pintura y dibujo para el que está muy dotado con Alexander Lenoir, celebre anticuario y antiguo director del Museo de Monumentos Escultóricos de Francia.

Con 14 años en1822 comienza a aprender litografía.

1825 entra a trabajar como aprendiz en el taller del grabador Zephirin Belliard.

En 1828 confecciona sus primeras litografías para el diario La Silhouette (La Silueta).

A la par que empieza el Romanticismo y el Realismo, se inicia como artista realizando xilografías e ilustrando anuncios publicitarios en los que se aprecia la huella de Charlet.

 

En 1830 es su época de lanzamiento, que se inicia con La Revolución de Julio empieza a trabajar en la revista de humor La Caricature en donde adquiere fama por sus grabados y dibujos satíricos de crítica social (incluyendo escenas domésticas).

En 1832 trabaja en Le Caricature periódico humorístico-político dirigido por Charles Philipon y en Le Charivari donde tiene que luchar con la censura.

Gracias a Philipon hace una serie de bustos en terracota, representando a Las celebridades del Justo Medio, dándoles un tono de humor al utilizar las características físicas de los políticos.

Lacera al gobierno de Luis Felipe I de Orleans y por hacer una caricatura en la que ese monarca aparece retratado como Gargantúa (el glotón personaje de Rabelais), por lo que es encarcelado medio año.

1835, Debido a la instauración de la censura en Francia, Daumier evita la caricatura política y ridiculiza las convenciones y costumbres entonces imperantes.

1846 Se casa con una costurera y se instala en una barriada popular de la Isla de San Luis de Paris.

Retoma la sátira política con la Revolución francesa de 1848.

Comienza  a pintar ese año con una influencia de Delacroix, Corot, Millet, Rousseau y Fragonard (como en El estudio)¹​ y los  impresionistas (por ejemplo en La lavandera).

A medida que se queda ciego, abandona la litografía y pinta de forma rápida sin retoques.

También sus esculturas, bustos de yeso (escayola) y bronce, que hace para que le valgan de modelos al realizar sus ilustraciones son de calidad.

Los grabados son satíricos, llenos de matices y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones, muestra la personalidad de los sujetos representados.

 Es interesante notar la huella de Goya en sus litografías que tienen una calidad próxima a su pintura.

 En cuanto a su menos conocida pintura, se caracteriza por un patetismo logrado con masas oscuras y contrastes de luces y sombras

 En el año de 1851 hace destacadas piezas  como  La ebriedad del sileno y Maria Magdalena.

En sus obras muestra los acontecimientos de la época como el golpe de estado de Luis Napoleón Bonaparte, la rebelión de los trabajadores por la opresión y la imposición de este para emperador.

Aunque tiene destacados admiradores como Delacroix, Baudelaire, Balzac, Corot o Degas, solo un año antes de su muerte en 1878 es cuando la galería Durand Ruel lo incluye en una exposición y lo da a conocer

En 1865 sabedores de el desamparo económico por la cual pasa Daumier y su esposa, su amigo el escultor Geoffroy Dechaume les persuade para que vayan a vivir a Valmondois donde su otro amigo, Corot, les facilita una pequeña casa en el centro del pueblo donde muere Daumier.

Tras su fallecimiento comienzan a publicarse monografías sobre su vida y extensa obra que le permite hacerse un hueco en la historia del arte si bien de forma tardía, una pena un pintor y escultor tan soberbio.

Nace el 23 de enero de 1832 y muere el 30 de abril de 1883 en Paris una ciudad de la que apenas deja solo por intervalos.

Muere con 52 años que es poco para las expectativas que genera la madurez en un artista con talento.

Incluso así son suficientes para la realización de una obra muy discutida y polémica a los ojos de sus contemporáneos, pero que el tiempo convierte en una pieza clave en el arte moderno

El escandalo organizado por su cuadro El almuerzo campestre, que se muestra en el Salón de los Rechazados en 1863, nutre la historia que escribe Emile Zola para describir el rechazo publico sufrido por Claude Lantier el pintor protagonista de su novela La obra.

Olimpia que la pinta en el mismo año y mostrada dos años después, no solo sufre idéntica rechazo social, sino que le granjea al autor fama de inmoral que tarda mucho tiempo en disiparse.

En absoluto estos escándalos y polémicas son anhelados por Manet, que ni por nacimiento, temperamento, educación, ni por estilo de vida tiene que ver con el pintor bohemio y rebelde.

Primogénito de un alto funcionario del Ministerio de Justicia, Auguste Manet y de Eugenie-Desire Fourier, mujer sensible e hija de un diplomático de carrera, el entorno de Edouard Monet es el de una burguesía acomodada, cuyo espíritu y costumbres jamás le hacen sentirse inadaptado.

Nunca conoce falta de dinero, estrechez, ni esta tentado por desorden alguno, y le provoca gran sorpresa que su obra sea escandalosa, aunque este factor lo convirta en líder de la vanguardia.

Con independencia de lo que suscita su pintura, Manet es coherente y fiel a su concepción artística.

De pequeño da señales precoces de ser un buen dibujante, pero nada hace presagiar durante su infancia que seria un pintor de talla.

Tiene una educación convencional que le lleva del Instituto Poiloup al Colegio Roollin, que deja en 1884 para ingresar en la Escuela Naval, donde no supera el examen, lo que no le impide embarcarse en el buque escuela Havre et Guadeloupe, rumbo a Rio de Janeiro, periplo que se dilata desde el 9 de diciembre de 1848 al 13 de junio de 1949, y durante el que muestra mas talento para el dibujo que para la navegación, abandonando  tras la aventura los delirios de marinero

En 1850, con 18 años se decide definitivamente por su carrera artística, pues está en nómina de copistas del Museo del Louvre, y en septiembre se inicia en el Taller de Thomas Couture (1815-1879), un pintor que se hace famoso con Los romanos en la decadencia (1847) y que tiene prestigio como maestro por el uso de innovaciones técnicas, como el estilo a la prima, famoso por entonces, que permite cierto efecto inacabado muy expresivo, frente frente a la hierática terminación académica.

Durante la década de 1850 en la que se impone La Ecuela Realista de Gustave Courbert, se deja notar también la influencia del Museo Español de Luis Felipe de Orleans que se muestra en Paris entre 1838-1848, una colección de grandes maestros españoles del siglo XVIII, desconocida hasta entonces por el público francés.

Manet añade a su formación artística, no solo estas inquietudes locales, sino sucesivos viajes a Italia que recorre entre 1853-1857, Holanda en 1852 y el tardío y más fecundo viaje, el español de 1865.

En 1860 se inicia el discurso personal y la carrera publica, que inicialmente es terrible como he dicho, aunque gracia a estos escándalos conoce a jóvenes artistas inquietos de su generación.

Hace sus obras más famosas en esta década como El almuerzo campestre, y Olimpia, y también Lola la de Valencia, La cantante callejera, Música en las Tullerias, El Pifamo, El torero muerto, La mujer del papagayo, La ejecución del emperador Maximiliano, el retrato de Emile Zola, El almuerzo en el estudio o El balcon, donde muestra su inclinación naturalista y gran influencia española que son sus puntos de apoyo fundamentales en Diego Velazquez y Francisco de Goya, sobre todo al que considera el mejor pintor d todos los tiempos, lo cual supone la proyección internacional del maestro español que era desconocido para el gran público.

En la década de 1870 influida por la derrota de la guerra franco-prusiana y los desordenes sangrientos de la Comuna y su posterior cruenta represión, que le mantiene temporalmente alejado de Paris, Manet hace un tímido acercamiento a la Escuela Impresionista, sobre todo en el verano de 1874, en el que frecuenta a Claude Monet, Gustave Caillebotte, y Pierre Auguste Renoir que están pintando en Argenteuil.

De esta experiencia le queda gusto por la luz natural, que aclara sus cuadros y una pincelada mas suelta, aunque ni la pintura al aire libre, ni la técnica de estos pintores le gusta demasiado por ser antitética a su temperamento y carácter de hombre urbano que ya ha convertido la vida parisina en su motivo principal de pintura.

Durante la ultima etapa de su vida vuelve a sus temas preferidos de pintar la vida moderna de escenas, tipos y personajes de París.

Pinta el empedrado de la calle Mosnier, jardines públicos, cafes conciertos, tabernas, prototipos sociales como Nana, la protagonista de la novela de Zola, o amigos como George Moore, Georges Clemenceau, Antonin Proust, Henri de Rochefort, Eugene Pertuiset, además de retratar mujeres de su circulo intimo algo que le encanta.

Aunque graves problemas circulatorios menguan su salud, esencial para un pintor como las piernas, todavía acomete grandes obras como Un bar de Folies Bergere (1881-1882).

Termina la obra un año antes de su muerte y después de esto ya no puede pintar por problemas de salud, pero cuando le es imposible estar de pie hace bodegones maravillosos, junto a su celebre cartas acuarelas en las que al lado del texto manuscrito ilustra escenas cotidianas.

Muere diez días después de amputarle la pierna izquierda, para entonces es ya una figura conocida y respetada, pero le falta tiempo para disfrutar del reconocimiento del público.

Un siglo y medio después es parte imprescindible de la Historia del Arte.

Pinté así porque quería llegar a algo nuevo, una especie de pintura que era mía

Las Panateneas de Fidias eran una `procesión. Yo pretendo hacer deambular como en esos frisos a los modernos, en lo que tienen de esencial y emplazarlos en telas tratadas como combinaciones armónicas de colores según las direcciones tonales, con armonías lineales según la dirección de las líneas y el color interrelacionados en su mutuo apoyo.

Nace el 2 de diciembre de 1859 en París, hijo de Chrysostome Antoine Seurat y Ernestine Faivre.

Desde temprana edad se muestra interesado por el arte y la pintura, e ingresa al Taller de Lehman, donde entra en contacto con las teorías sobre el color y la luz, basadas en la obra del pintor neoclasicista Jean-Auguste-Dominique Ingres

Mas tarde en 1875, con 15 años entra en la Escuela Municipal de Dibujo y en 1878 en la Escuela de Bellas Artes de París, donde permanece hasta 1879, que no termina porque ha de cumplir el servicio militar.

En 1880 decide seguir la exploración artística por su cuenta dedicándose compulsivamente al dibujo con brillantes resultados.

Introvertido, solitario y casi secreto, ese ser metódico y obsesivo tras esa experiencia como dibujante, comienza a dibujar con la misma disciplina un par de años después, consiguiendo sorprendentes resultados solo interrumpidos por su prematura muerte a la edad de 32 años.

A pesar de todo, los 7 años que pinta, lega una serie de obras fantasticas que un importante lugar en la historia del arte reciente y el liderazgo en Neopimpresionismo, Puntillismo o Divisionismo.

Hijo del siglo del Positivismo y enfrascado en estudios científicos, nadie niega que sea el creador de esa corriente que el critico Felix Feneon bautiza con el nombre de Puntillismo, aunque George Pierre Seurat utilice el termino de Divisionismo.

Todo porque Puntiliismo es la descripción de una técnica de toques atomizados de pincel, mientras que el divisionismo hace referencia al contraste simultaneo de colores originalmente basadas en las publicaciones del físico francés Michel Eugene Chevreul, cuyas observaciones sobre el comportamiento cromatico en el tejido de tapices le había revelado la eficacia óptica del uso de colores complementarios.

El pronto interés de Seurat sobre este asunto y sus muchas lecturas científicas sobre óptica y sobre la teoría positivista aplicada a la historia del arte del pensador francés Hippolite Taine, le conducen a la aplicación esos diminutos toques de pincel, mas en forma de comas que de puntos, que se asemejan a la textura punteada de la trama tejida de un tapiz.

En 1880 su obra todavía no es aceptada por el público ni por la crítica, que con continuas burlas evitan que su obra sea adquirida por coleccionistas.

Esto condiciona que la situación económica de Seurat sea mala.

Después de ser rechazado por el Salón de París, se encuentra con pintores independientes de París.

En 1884, junto a otros artistas forman la Société des Artistes Indépendants, en la que se hace amigo de  Paul Signac con el que comparte ideas y que despues genera el Fauvismo e influye en la formación del Cubismo.

Seurat vive en secreto con Madeleine Knobloch, una joven modelo a quien pinta en su cuadro Young Woman Powder.

En febrero de 1890 da a luz a su hijo, Pierre Georges que muere a los pocos años.

Con 31 años muere de difteria y es incinerado en el cementerio de Père Lachaise, dejando parte de su obra inacabada (caso de «El Circo»).

Temáticamente se interesa por la vida moderna parisina, con sus monumentos (la Torre Eiffel), sus paisajes (la isla de la Grande Jatte) y sus gentes.

Tras la muerte de Seurat, Signac continua promoviendo las bases del neoimpresionismo, la cuales son resumidas en su libro De Eugène Delacroix al Neoimpresionismo (1899). 

El Puntillismo se usa poco tiempo pero los aportes de Georges Pierre Seurat condicionan el nacimiento del Faubismo y después el Cubismo.

Nace en 1853 en Gurzelen, próximo a Berna, en una familia de artesanos y queda huérfano de padre a los 7 años y su madre se casa con Gottlieb Schupbach, un pintor decorativo, que inicia a Hodler en el oficio.

Es difícil saber cuanto oficio consigue con su padrastro, ya que tras la repentina muerte de la madre, emigra a EEUU cuando Ferdinand cuenta trece años, pero está claro que a partir de esta experiencia, se siente atraído por la pintura decorativa.

Lo que explica la mutua simpatía con Puvis de Chavanne manifestada años después, que es el responsable que Holder al hablar de sus preferencias de los grandes maestros del pasado, declare su predilección en el Museo del Prado por Tiziano y Velazquez, pero sobre todo por Giotto.

Tras la huida de su padrastro y siendo con trece años el responsable de la suerte de seis hermanos menores, se las ingenia para vivir mediante el oficio de pintor artesano en el que ha sido introducido.

En un inicio trabaja junto a un pintor local de cortos vuelos artísticos llamado Ferdinand Sommer que hace paisajes convencionales de ínfima calidad para turistas.

Holder no recuerda con entusiasmo lo que tiene que hacer entonces por cuestiones alimenticias.

Este origen vergonzante recuerda a Watteau fabricando San Roques para venderlo a los campesinos en las ferias de Paris.

Su formación artística es de autodidacta,artesanal poco cualificado con carencias prácticas y teóricas.

En 1870 decide con 17 años instalarse en Ginebra, donde en un inicio sobrevive como siempre mediante cuadros o carteles al gusto del comprador.

Pero tiene la suerte de conocer a Barthelemy Menn, que es profesor de la Escuela de Bellas Artes de Ginebra, donde se le permite estudiar gratuitamente.

Es ahora cuando puede adquirir los conocimientos de los que carece y ser algo más que un hábil fabricante de postales y retratos callejeros.

Estudia con Barthelemy Menn entre 1871-1876, que ha sido discípulo de Ingres y Corot, lo cual ayuda a interpretar la huella directa en la pintura de Holder.

Así alguien formado en los principios de Ingres de lo lineal y aplanamiento así como en la abstracción idealista, su pintura refleja estas enseñanzas.

Menn le inculca en el valor de la construcción abstracto-matemática del cuadro.

Antes de terminar su formación con Menn, comienza a dar muestras de su inquietud cuyo resultado es un viaje a Basilea en 1875, a Madrid en 1878 en el que pasa 6 meses viviendo en Villalba, viajes todos ellos destinados a estudiar en directo la obra de maestras como Durero, Tiziano, Velazquez y Holbein, así como Rafael (que también era preferido de Ingres).

Aunque nunca deja de pintar por cuestiones de supervivencia, es a partir de 1880 cuando su trabajo empieza a ser personal, pero a partir de 1890 es mas interesante todavía porque ya tiene un discurso propio.

Hay algo que marca su biografía y artística y es cuando en 1884 conoce a Louis Duchosal uno de los muchos poetas influido por Baudelaire y Wagner.

El cambio definitivo es en la segunda mitad de 1880 que es la del triunfo internacional del Simbolismo que vive con pasión y su pintura refleja la huella de Camille Pisarro, Claude Monet, Alfred Sisley pero sobre todo Edouard Manet.

Sabe lo que ocurre en Paris aunque lo aborda desde un ángulo más germánico o desde personalidades independientes como Charles Auguste Emile Durand, conocido como Carolus Duran o Giovanni Segantini.

La situación de Holder en 1880 es de gran espectación.

En 1891 esa maduración se concreta en la obra La Noche, que primero es un escándalo en Ginebra y es retirada de la exposición pública oficial al turbar las conciencias puritanas, aunque continúa consiguiendo éxito del público en su exhibición en otro local privado pero sobre todo tiene un reconocimiento internacional al triunfar en París.

El presidente del Salón francés es además Pierre Puvis de Chavannes, con cuya obra se ha relacionada y que le brinda un apoyo entusiasta, además de que allí se rodea de artistas protagonistas entonces del pujante simbolismo.

Recibe la invitación para participar en el Salón de los Rosacruces, lo que confirma la consagración del artista que considera La Noche, su primera obra que marca su destino definitivo.

El simbolismo queda claro porque la obra es una meditación sobre la muerte, aunque la muerte despierta, sorprende al durmiente.

Desdeña en sus cuadros la elaboración de símbolos artificiosos e intelectualizados.

Holder es mas que un simple seguidor del Simbolismo ya que en su obra cuajan muchos elementos que sirve para explicar en que consiste ese movimiento.

A partir de 1890 su obra es simbolista lo que no supone una ruptura con su estilo naturalista anterior ya que el contorno duro muy en consonancia con la tradición germana, las figuras vigorosas, y la expresividad psicológica de los rostros continúan hasta el final lo que le sirve como bisagra para conectar con el Expresionismo emergente de principios del siglo XX.

Es un artista peculiar que desarrolla un discurso muy personal en medio de una arrolladora vanguardia aclamada por la sociedad.

Su existencia es corta, pero no su producción artística.

Apenas se conoce nada de lo que hace antes de instalarse en Paris en 1906 con 22 años.

Su obra despunta en 1909 y concluye con su prematura muerte en 1920, por lo que hay una década intensa de trabajo.

Los testimonios hablan de un joven sensible y muy atractivo, al que el exceso de alcohol y estupefacientes terminan provocando la muerte.

Cuando llega a ese punto se airea el rumor de que tamaña autodestrucción está provocada por la incomprensión hacia su arte, por lo que alcanza la gloria póstuma de los mártires.

La crítica piensa que como no está adscrito a ninguna vanguardia, ni ha hecho aportación de ninguna fórmula, no vale demasiado, de hecho está en la denominada Escuela de Paris que es como un cajón de sastre o desastre, donde se introduce a aquellos autores que no hay donde adscribirlos.

Modigliani es un buen lector que se fotografía más con escritores que con artistas plásticos.

Recita en su lengua a Baudelaire, Dante, D´Annunnzio, el conde Lautremont y Nietzsche etc.

Modigliani que es tísico y ha pasado un tifus incrementa en Paris la cantidad y calidad de sus venenos y en su caso además de bebedor es un Don Juan, demasiado para una salud quebradiza.

Pero todas estas contrariedades no le impiden desarrollar una obra de gran interés.

La aportación singular de Modigliani al arte de la primera parte del siglo XX que se inicia con la revolución cromática de los Nabis y los Fauves y que alcanza el paroxismo con el Cubismo, termina con el retorno al orden en el cual muere Mondrian.

Este artista no se incluye como miembro en ningún movimiento, pero tampoco es ajeno a ninguno de ellos, el problema de la ubicación de Modigliani no es suyo sino de quien establece el discurso narrativo esclerotizado de la vanguardia a lo largo del siglo XX.

Cuando se instala en París con 22 años, es un artista formado que inicia temprano su formación en Livorno y lo continua en diversas ciudades italianas, a veces orientado por su dolencia pulmonar que le obliga a viajar al sur, con estancias en Nápoles, Capri, Roma y Florencia.

Otra por intereses más profesionales como en 1902 con su inscripción en la Scuola Liberal di Nudo de Florencia, donde conoce en directo lo mejor de la historia del arte italiano justo cuando está la reivindicación de los primitivos, que le deja una huella honda.

Y aunque el arte de vanguardia italiano todavía no empieza, hay un ambiente de fermentación al que no es ajeno al trasladarse a Paris.

Nada más llegar a París conoce la obra de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin y Paul Cezane, pero también a los fauves y a lo que luego será el cubismo.

A partir de 1906 se encuentra en el epicentro de la vanguardia mundial, pero después de haber conocido lo mejor de la tradición histórica que le precede.

Abre una pausa de asimilación reflexiva ante tanta intimidación, cuando Costantin Brancusi hace renacer en él su vocación escultórica, ya apuntada en Venecia, pero que le ocupa entre 1909-1912.

Cuando llega a París, es justamente el periodo del descubrimiento de la escultura africana y de los primeros pasos del Cubismo, siendo quizás uno de los primeros que accediera a ver Las señoritas de Aviñón ya que Picasso es vecino y amigo.

Modigliani queda fascinado por Picasso no solo por el periodo azul, sino por el posterior Cubismo.

Trata a  lo mas granado de la vanguardia como Picasso, Braque, Matisse, Gris, Brancusi, Lipchitz, Zadkine, Laurens, Archipenko, Leger, Ribera, Chagall, Derain, Soutine, Vlamink, Kisling, Chirico etc.

Además de la huella que le pueda dejar Cezanne y Gauguin, los que le influyen de verdad son Picasso y Brancusi.

Picasso le produce fascinación y autoridad y el segundo, porque fue con quien aclara la identidad y las posibilidades de Modigliani como artista de captar el alma como escultor.

Y es a partir de entonces cuando tiene un discurso más personal.

Cuando se revisan los trabajos anteriores se ven las huellas de Toulouse Lautrec, Picasso, Cézanne y hasta Ferdinand Holder, pero a partir de 1909 Modigliani muestra su discurso más auténtico, su lenguaje propio.

Es su experimentación escultórica la que condiciona esa transicion, aunque al abandonar la talla de nuevo se concentre en la pintura y el dibujo.

Si se observan los años de dedicación de Modigliani a la escultura, de 1909-1914, es el momento mas revolucionario de este medio cuando empiezan a multiplicarse las obras cubistas y poscubistas, y con el momento álgido de la convergencia de las transformaciones primitivistas que alcanzan de lleno a Modigliani, cuya esculturas toman aspecto de arte primitivo africano, asiático u oceánico, pero también de arte arcaico griego.

Tiene gran fascinación primitivista por el arte egipcio y de otras civilizaciones antiguas.

A diferencia de Picasso que a partir de 1910 simultanea este modelo primitivista con el conceptual poscubista y a diferencia de Brancusi, que trata de realizar una peculiar síntesis entre el arcaísmo y la estilización clasicista, Modigliani fija su experiencia escultórica en el primer peldaño de ambos.

Cuando abandona la escultura por la imposibilidad física de perseverar en un oficio que destroza su precaria salud, se lleva consigo una experiencia plástica que es decisiva para la maduración definitiva de su pintura.

A partir de lo que experimenta como escultor, surgen los dos modelos figurativos característicos de su obra pictórica de madurez: el retrato y el desnudo.

Pero sobre todo la practica escultórica le ayuda a conseguir una síntesis lineal mucho mas radical y a aplanar la profundidad del campo visual, olvidándose así del lastre de la perspectiva tradicional.

En este sentido es un inteligente interlocutor de los cubistas, cuyo revolucionario espíritu comprende como pocos aunque luego no emplee las formas y los temas de este movimiento.

En sus retratos a partir de 1915 se puede rastrear muchas influencias del pasado interpretadas en clave moderna.

La mas destacable el Manierismo, su importancia no es porque alargue el cuello, sino porque el manierismo distorsiona el espacio de la perspectiva hasta el punto que es definido en su época como irracional.

Boticelli y Parmegianino son para Modigliani lo que el Greco para Picasso, el recurso no para estirar la figura sino para aplanar la profundidad.

De tal manera que no necesitan temas modernos para ser modernos, sino que son capaces de modernizar lo antiguo.

Dialogan desde el presente con el pasado, sea histórico, prehistórico o primitivo.

Modigliani no renuncia a la narración y dota al retrato y al desnudo con una enorme carga simbólica.

Es muy difícil despojar a los retratos de Modigliani de su carga sentimental y sicológica pero también ocurre con sus desnudos.

En el Desnudo recostado del MOMA de NY, pintado en 1917, se nota la tendencia del artista de neutralizar la fuerza magnética de la mirada de la modelo, borrando cuando no anulando los ojos.

El simbolismo tardo rromántico ya lo hace hecho antes con la idea intentando subrayar el ensimismamiento  o la vida interior de la figura humana.

Hay que decir que las Venus venecianas se muestran dormidas, no tanto por el pudor sino para hacerse refractarias a través de su sueño o mundo interior, frente a los espectadores que las observaban.

Modigliani traslada ese enigma moral al plano físico, lleva la duda al plano de la costumbre, al de la visión.

En este sentido de nuevo muestra una actitud sintética muy sutil, que no se puede separar de la que aplica a nivel formal.

Además introduce en el melancólico rostro la reflexión moderna sobre el desdoblamiento, la doble visión simultanea del interior y exterior.

El rostro ausente ensimismado que mira hacia adentro es el contrapunto al desnudo sensual, donde se crea una tensión entre ambos.

Afirma la inmortalidad del cuerpo secundando el paradigma clásico frente a la mortalidad del alma

En sus desnudos femeninos poseen firmeza y elasticidad y la frescura de la naturaleza eternamente renovada, pero en sus rostros habita la nostalgia, la conciencia de lo temporal.

Salvador Dalí i Domènech Figueras (Gerona)11 de mayo de 1904-Figueras 23 de enero de 1989.

Es considerado como uno de los máximos exponentes del Surrealismo.

Hijo de Salvador Dalí i Cusí y de Felipa Domènech i Ferrés, crece en Figueras.

Tiene dos hermanos: Salvador que muere antes de que nazca, unos dos años mayor que el artista, y Anna Maria, cuatro años menor que él.

Tras haber pasado por la Escuela Pública de Párvulos de Figueras y por el Colegio Hispano-Francés de la Inmaculada Concepción de la misma localidad, en 1916 se traslada una temporada a las afueras.

En una excursión a Cadaques con su familia pasa unos días en casa de un amigo del padre, en la finca de la familia Pitxot, formada por intelectuales y artistas.

Es allí donde descubre el Impresionismo gracias a la vasta colección de arte del pintor Ramón Pitxot, que le aconseja al padre que tome un profesor particular para que le de clases al chico, y toman a Rivas un pintor local de Figueras.

En ese mismo año cuando comienza sus estudios secundarios y su formación en dibujo.

En 1919 funda la revista Studium junto a compañeros de instituto, donde publica sus primeros textos y es un buen escritor.

Además, participa en su primera exposición en los salones del Teatro Municipal de Figueras, destrozado tras la Guerra Civil, lugar que después se convierte en el Teatro-Museo Dalí.

En 1921, con 16 años, Salvador Dalí se enfrenta a la muerte de su madre como consecuencia de un cáncer de útero.

Un año más tarde, su padre contrae matrimonio con la hermana de su madre, Catalina Domènech, algo que nunca acepta.

Para cumplir su deseo de convertirse en pintor, debe mudarse a Madrid como le aconseja su padre.

En 1922 estudia en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.   

En la capital se aloja en la elitista Residencia de Estudiantes, donde conoce jóvenes que pronto se convierten en importantes personalidades e intelectuales del siglo XX como Luis Buñuel, Pepín Bello, Federico García Lorca.

El joven Dalí, de carácter y estilo excéntricos, es expulsado de la Academia en 1923 acusado de encabezar una protesta de estudiantes.

Tras este hecho, vuelve a su Figueras natal.

 Del 30 de mayo al 11 de junio de 1924, Dalí es preso en la cárcel de Gerona   se supone como represalia por unas declaraciones antimonárquicas de su padre.

En otoño de ese mismo año regresa a la Academia de San Fernando.

Un año después, realiza su primera exposición individual en las Galerías Dalmau de Barcelona.

Influido por el estilo cubista y realista, presenta una de sus obras más populares:  Muchacha en la ventana

A pesar de ser readmitido en la Academia, es expulsado definitivamente en 1926 por calificar de incompetente al tribunal que le tenía que examinar.

Regresa de nuevo a Cataluña y le da un giro a su profesión y existencia.

Tras un primer viaje a París en 1926, donde conoce a Picasso, regresa de nuevo en 1929.

Esta vez, gracias a Joan Miró, se relaciona con el grupo de surrealistas liderado por el poeta André Breton.

Colabora con Luis Buñuel en Un perro andaluz (Un chien andalou), aportando imágenes puramente surrealistas.

El cortometraje se proyecta por primera vez en la sala Studio des Ursulines de París en 1929.

En agosto de ese mismo año, de veraneo en Cadaqués, recibe la visita de varios artistas de la época. 

Allí conoce a Gala once años mayor que él, entonces casada con el poeta francés Paul Éluard. 

Desde ese momento, Gala, de origen ruso, permanece al lado de Dalí.

Contraen matrimonio civil en 1934 y religioso en 1958.

Es también en 1929 cuando la relación con su padre se rompe.

Se dice que Salvador Dalí i Cusí no acepta la relación de su hijo con Gala ni aprueba que pertenezca al Surrealismo.

1935, padre e hijo se reconcilian.

 Años 30, Salvador Dalí encuentra su propio discurso que fusiona vanguardia y tradición.

Tal es así, que en esta misma década expone La persistencia de la memoria 

En 1933 hace su primera exposición individual en Nueva York, hecho que le consagra como artista.

A partir de ahora, monta exposiciones en París, Londres y también de nuevo en la Gran Manzana.

En 1940, con la llegada de las tropas alemanas a Burdeos, Salvador Dalí y Gala se trasladan a Estados Unidos.

Allí permanecen hasta julio de 1948.

Durante sus años en ese país, Dalí prosigue con su carrera como artista, aunque esta vez desarrolla más su faceta de escritor.

En 1942, la editorial Dial Press de Nueva York publica La vida secreta de Salvador Dalí, escrita por el propio Dalí.

En Nueva York también se atreve con el ballet.

Escribe obras, como Tristán loco (1944) y diseña decorados como en Coloquio sentimental (1944).

En 1945 realiza colaboraciones cinematográficas colaborando con Alfred Hitchcock en la película Recuerda (Spellbound) y en 1946 con Walt Disney en Destino.

Durante el regreso a España, sigue escribiendo, pintando, montando exposiciones por todo el mundo y organiza un museo para su obra.

También colabora con personalidades de la época como Sigmund Freud, prologando uno de sus libros.

En los 60 y 70, se interesa en nuevos procesos como la holografía, técnica que brinda la posibilidad de crear imágenes tridimensionales que dan al espectador la impresión de espacio.

En lo personal, Salvador Dalí recibe numerosos reconocimientos.

En 1982, Juan Carlos I, le nombra Marqués Dalí de Púbol.

Ese mismo año, con la pérdida de su esposa también pierde la ilusión por vivir.

Se cree que, sumido en la tristeza, el pintor intenta acabar con su vida en varias ocasiones.

Pocos años después, el 23 de enero de 1989, muere a causa de un paro cardiaco mientras escucha Tristán e Isolda.

Tras su muerte surgen muchísimos rumores de falsificaciones.

Uno de los más extendidos fue que sus cuidadores le obligan a firmar lienzos en blanco para poder venderlos después.  

Cuando en 1960 el Expresionismo Abstracto esta en la cumbre de popularidad, escribe:

Hay algo ridículo y miserable en el mito que heredamos del arte abstracto.

Eso de que la pintura es autónoma, pura y para si misma y en consecuencia definimos habitualmente sus ingredientes como si fueran sus límites.

Pero la pintura es impura.

Es el control de las impurezas el que impulsa la continuidad de la pintura.

Somos creadores y explotadores de imágenes.

La pintura no está en una superficie, sino en un plano imaginado

Se mueve en una mente. No está allí físicamente en absoluto. Es una ilusión, una pieza de magia, de modo que lo que ves no es lo que ves

Tiempo después de manifestar estas opiniones que no habrían dudado de secundar los poperos que triunfan con éxito en la década de los 70, Philip Gustom presenta en la Marlborough de NY, una importante muestra individual con su ultima obra, que produce tanto malestar que hace falta que transcurran diez años mas para que se integre o asimile lo que es la última etapa en pintura.

De hecho el giro critico de la critica no acontece hasta la gran retrospectiva que le organiza el Museo de arte Moderno de San Francisco en 1980, tres semanas después de la inauguración muere en Woodstock, NY, que es su lugar de trabajo habitual de los último 40 años.

Esa ultima etapa de su vida supone un cambio sorprendente de uno de los componentes de la mítica Escuela de NY, que hace necesario repensar su evolución artística desde sus inicios.

Su adscripción estilística a la abstracción es tardía y no deja de generar equívocos, entre el que esta el de impresionista abstracto, relacionándolo con el ultimo Claude Monet.

Tiene un proceso evolutivo de maduración lenta, que encaja dentro de la tradición romántica, del monte que sobrevive a todo lo largo de todo el arte contemporáneo desde Caspar David Friedrich hasta Mark Rothko.

Considerado menor, esta condición contribuye a dificultar su encuadramiento en los manuales académicos en los que si se enseña a Viccent van Gogh, Piet Mondrian y Rotko, artistas con los que Guston tiene vinculo, a pesar de la diferente naturaleza especifica en los tres casos.

Mondrian le influye en la obra realizada por este entre 1911-15 que Gustom realiza en la primera mitad de la década de los 50, que es la de su paso a la abstracción.

Van Gogh tiene influencia en la obra de Guston y se puede ver en Naturaleza muerta (par de botas) que se conserva en el Museo de Baltimore, que hace en la última época del periodo figurativo.

Hay una ostentación de lo impuro, de la impureza-torpeza de la que hace ostentación Van Gogh y Guston a su manera.

La búsqueda deliberada de la impureza-torpeza es una constante en el arte contemporáneo que emerge tras la crisis del clasicismo.

La lucha por la restauración del orden perdido o el ahondar la crisis divide a los artistas de vanguardia.

Rosenberg el teórico del Expresionismo Abstracto habla de pureza primitiva que permite a determinados pintores caer en un antiestilo.

Con el cuadro titulado Piramide y zapato de 1977, es el primer artista del expresionismo abstracto en mantener un dialogo con las fuentes del clasicismo pictórico moderno, desde Giotto a Piero de la Francesca.

Pero es el suyo una dialéctica enfrentada, un dialogo por confrontación, porque su lectura del clasicismo es de carácter intempestivo y desestabilizador, en la misma línea que Picasso, el paradigma mas claro del artista moderno marcado por la ansiedad moderna del antiestilo.

Montreal 27 de julio 1913- Nueva York 7 de julio 1980

Pintor de la Escuela de Nueva York en la que están los pintores del Expresionismo abstracto como Jackson Pollock y Willem de Kooning.

En 1960 lleva a cabo una transición del abstracto al figurativo en pintura, abandonando  el Expresionismo Abstracto.

Hijo de inmigrantes judíos ucranios, nace como Philip Goldstein, es el más joven de siete hijos nacidos de una pareja judía, Rachel y Luis Goldstein que vienen a América después de huir de Odessa por los progroms que se suceden en Rusia.

América parece ofrecer refugio a la persecución, pero la familia encuentra la vida difícil alli.

El padre de Guston, herrero de oficio, lucha por un trabajo que no encuentra y se reduce a recoger basura para ganarse la vida.

En 1919 se trasladan a Los Ángeles con la esperanza de tener mejor fortuna, pero las dificultades para sostener económicamente la familia continúan.

A ello se suma el crecimiento del racismo propiciado en ese período por el Ku Klux Klan, que dirige sus agresiones a negros y judíos.

Cuando tiene 10 años, el niño encuentra a su padre  ahorcado en el cobertizo.

Más tarde, el hermano mayor de Philip, Nat, resulta herido cuando el freno de su coche aparcado se desliza y el coche lo arrolla.

Resulta con ambas piernas amputadas que engangrenando le provocan la muerte.

Estas experiencias le marcan profundamente, que junto a los sucesos racistas protagonizados por el Ku Klux Klan se ven reflejados en sus pinturas años más tarde.

A medida que crece, Guston se refugia en el mundo de la fantasía de los cómics, y comienza a interesarse por el dibujo.

Su lugar favorito es un armario iluminado por una sola bombilla, un símbolo de su infancia recurrente que vuelve a aparecer en muchas de sus pinturas posteriores.

Crece en California, donde acude a la escuela secundaria de artes manuales de Los Ángeles con Jackson Pollock . 

Al trasladarse a Nueva York, se matricula en la Administración de Progreso de Obras durante los 30, donde confecciona obras inspiradas en los muralistas mexicanos y las pinturas del Renacimiento italiano.

A la edad de 12 años ya se convierte en un dibujante y para su 13 cumpleaños su madre Rachel lo matricula en un curso por correspondencia en la Cleveland School of Cartooning, comenzando así su formación como artista.

En 1927 ingresa en la Manual Arts High School de Los Angeles, California.

Allí es amigo de Jackson Pollock, Manuel Tolegian y Reuben Kadish.

Tanto él como Pollock estudian con Frederick John de St. Vrain Schwankovsky que les da a conocer la filosofía oriental, la teosofía y la mística, así como a artistas como Pablo Picasso y Giorgio de Chirico.

Este último es muy influyente a lo largo de su trayectoria y sobre todo en la década de los treinta, en los que es figurativo.

Al inicio de sus estudios  junto a Pollock son expulsados de la escuela por dibujar cómics en los que ridiculizaban el programa académico del centro.

Posteriormente y como él dice, se mete con una mala multitud de radicales, artistas y poetas.

Al igual que la mayoría de los adolescentes, viajan en busca de muevas experiencias y generan broncas.

Casi todos ellos son pobres, tienen que trabajar para ganarse la vida incluso cuando van a la escuela sin contar con la llegada de la Depresión.

Esa etapa no dura mucho y Guston aprende a vivir varias vidas paralelas.

Durante el día conduce un camión de reparto, mientras que en la noche y los fines de semana prosigue con su educación.

Esta aspiración romántica es evidente para todos los que conocen a Guston durante su adolescencia.

Alto, delgado, con un aspecto serio, ya se comportaba como un artista.

Tiempo después el pintor realista local, Lorser Feitelson lo lleva a conocer la colección de Walter y Louise Arensberg.

 En 1930 obtiene una Beca del Otis Art Institute, de Los Ángeles, donde conoce a Musa McKim, con la que más tarde se casa.

 No obstante Gustón se harta pronto pues se siente insatisfecho por el enfoque académico de sus estudios, que lo limita y dice:

Ahí estaba yo, pensando en Miguel Ángel y Picasso y tuve que estudiar anatomía y construir modelos de arcilla de torsos

Ello lo lleva a abandonar sus estudios

Percibe  el creciente malestar social que existe.

Durante el día tiene que trabajar y esto lo torna en testigo de huelgas y de la violencia con que éstas se reprimen, también comienzan a hablar de los matones de la American Legión y del resurgir del Ku Klux Klan.

Trabaja como extra en el cine y frecuenta la famosa librería The Stanley Rose Bookshop, una leyenda en Los Angeles y donde Guston expone su obra por primera vez a los 18 años.

Es éste un momento histórico complicado, es la época de los Red Squads, un grupo especializado de la policía que combate el comunismo y los sindicatos, y que queman libros en casas particulares como le ocurre a Kadish, según cuenta él mismo.

Es también la época previa al Great Crash (La Gran Depresión).

En 1931 Guston estando en medio de los círculos del Partido Comunista agrupados en el John Reed Club pinta un mural con Reuben Kaddish para recaudar fondos en apoyo de nueve adolescentes afroamericanos injustamente acusados de violar a dos mujeres blancas en el juicio de Scottsboro Boys.

Este mural es luego desfigurado por las fuerzas policiales locales, causándole un daño irreversible al mural.

Esto es un caso de corrupción política presenciado por Guston que vuelve a pintar ese tema en su estilo tardío.

En 1932, junto a Pollock visitan el Pomona College en Claremont, California, allí conocen al gran muralista mexicano Jose Clemente Orozco que esta trabajando en su mural Prometheus.

   Un par de años más tarde, en 1934, Guston se dirige a Morelia, en el centro de México, realizó el viaje junto a Kaddish y a ellos también se unió al poeta y amigo Jules Langsner.

El objetivo del viaje era trabajar en una comisión bajo el patrocinio del muralista revolucionario David Alfaro Siqueiros -el maestro de Pollock en Nueva York-.

Allí se les ofrece a los artistas una pared de 93 m² en el antiguo palacio de verano del emperador Maximiliano (hoy Museo Regional Michoacano) con el fin de realizar un enorme mural.

Producen el impresionante La lucha contra la guerra y el fascismo una obra claramente influenciada por Siqueiros.

En México también conoce a Frida Kahlo y su marido Diego Rivera.

La experiencia mexicana de Guston, Kadish y Langsner es  buena; no obstante, en su correspondencia Guston manifiesta su aversión por el expresionismo de los maestros mexicanos, afirmando así su preferencia por el primitivo arte flamenco y alemán, así como por el renacimiento italiano, influencias que se perciben en el mural, que incluyó también la representación de un pequeño lienzo que muestra una escena, hoy desaparecida, inspirada en una antigua xilografía relativa a la injusta quema de judíos en Trento.

Pese a estar acorde con los postulados socialistas de la época, con los cuales comulga la Universidad Michoacana, el mural es cubierto en los 40 y no es hasta 1975 que restaurado vuelve a mostrarse al público.

Guston tiene entonces veintiún años.

En septiembre de 1935 a su regreso a Estados Unidos, Guston se traslada a Nueva York. Allí, junto a Kadish realizan obras murales como parte del Public Works Administration (PWA), uno de los programas del presidente Roosevelt para impulsar la economía estadounidense en la década de los años treinta; empero, dichas obras estan muy lejos del muralismo mexicano.

Es la época de los grandes murales apadrinados por el Gobierno federal y también de la creación de un círculo de artistas -entre los que estaban Franz Kline, Mark Rothko, Willem de Kooning, Barnett Newman y, por supuesto, Pollock con quienes Guston comparte amistad y experiencias.

Estos artistas son los que forman el núcleo de lo que se convierte en el movimiento del Expresionismo Abstracto.

En 1937 se casa con la artista y poetisa, Musa McKim.

Musa y Guston colaboran en varios murales del programa de la WPA.

Durante este período, su trabajo se ve influenciado por pintores del Renacimiento a quienes Guston admira, Piero Della Francesca, Paolo Uccello, Masaccio y Giotto, que junto a de Chirico son sus preferido

La obra de estos maestros y la de los grandes muralistas mexicanos son la inspiración en el trabajo del artista.

Entre 1937 y 1938 Guston pinta un mural titulado Bombardeo, la escena emocionalmente cargada, que reflejaba el arte activista del artista, representa el bombardeo aéreo de la población civil de Guernica, en España por los aviones de combate de Franco.

Sin embargo algunos detalles sugieren que Guston tenía la intención de crear un icono universal que desacreditara el odio y la destrucción humanos, más que un comentario específico sobre la guerra en España.

Es a finales de los treinta cuando Philip Goldstein adopta el apellido Guston.

 Entre 1939 y 1940 acontece la Feria Mundial de Nueva York y Guston participa en ella con un mural titulado Mantener las Habilidades de América en la  fachada del Edificio WPA, que es galardonado con el primer premio de Murales al aire libre.

Posteriormente el artista realiza varios murales más como el que en colaboración con Musa McKim realizan para la Forestry Building, en Laconia, New Hampshire.

 La primera incursión de Guston en el mundo de la enseñanza es siendo artista en residencia en la Escuela de Arte y de Historia del Arte en la Universidad de Iowa donde esta de 1941 a 1945.

Allí completa un nuevo mural para la Seguridad Social en Washington, antes de volcarse a la pintura de caballete.

En 1943 nace su hija, Musa Jane.
En esta época se profesionaliza. 

Es en 1945 que realiza su primera exposición en Nueva York, en la Midtown Gallery. Posteriormente se suceden un primer Premio de Pintura, en el Carnegie Institute de Pittsburgh y el Premio John Barton Payne, en la Bienal del Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond.

Continúa en el campo de la enseñanza y siendo también artista en residencia Guston imparte clases en la Universidad de Washington en St. Louis, Missouri desde 1945 hasta 1947.

Posteriormente enseña en La Universidad de Nueva York y en el Pratt Institute de Brooklin.

Guston se siente atraído hacia el expresionismo abstracto cuando se establece en Nueva York, allí da el paso hacia la abstracción entre 1947 y 1948, con un ligero retraso respecto al resto del colectivo neoyorquino.

En 1947 le es concedida la beca Guggenheim y es entonces cuando se muda a Woodstock.

Su primer pintura abstracta es Tormentors.

En 1948 gana el Premio de Roma de la Academia Americana y viaja por Italia, Francia y España durante un año.

De vuelta a Nueva York, su pintura se ve influenciada en alguna medida por la amistad que ejercen sus amigos John Cage y Harold Rosenberg.

También comienza una amistad con el compositor Morton Feldman.

Su nuevo estilo de pintura se mantiene 16 años y es esta una etapa sumamente interesante en la trayectoria del artista que durante todos esos años mantiene una intensa actividad de la que, por lo numerosa, solo mencionaremos algunos de los hitos más relevantes.

En la década de 1950, Guston logra éxito y renombre dentro una primera generación del expresionismo abstracto, aunque él prefiere el término Escuela de Nueva York.

Durante este período sus pinturas consisten en bloques y masas de trazos gestuales y marcas de color flotando dentro del plano del cuadro.

Estas obras, con marcas que suelen agruparse hacia el centro de la composición, recuerdan las composiciones de más-menos realizados por Piet Mondrian o la serie de Nympheas, los célebres lienzos de Monet.

Guston usa una paleta donde prevalece el blanco y negro, así como grises y rojos.

No obstante, al contrario que muchos de sus colegas, la deriva hacia las formas abstractas para Guston no supone necesariamente una ampliación de los horizontes de la libertad, sino más bien es el fruto de un sentimiento de pérdida de fe en los símbolos e imágenes conocidos.

A pesar de esta visión aparentemente negativa, las obras creadas en esos años son un estallido de colores vitalistas a base de una pincelada aplicada con serenidad y delicadeza.

La luz reflejada en los rojos y los rosas que dominaban las composiciones es donde el artista consigue el triunfo del color sobre la imagen y sobre la estructura lineal.

Tiempo después, el artista se traslada permanentemente al West 10th Street, Nueva York, donde establece un contacto más cercano con de Kooning, James Brooks, Motherwell, Rothko y Barnett Newman.

Allí muestra su interés crítico en cuestiones filosóficas leyendo a Sartre, Camus, Kafka y Kierkegaard.

Guston, junto a John Cage, a quien conoce en Roma, asiste a conferencias sobre el budismo Zen.

 Es éste un período de dibujos abstractos que lo conducen a las pinturas que muestra con gran éxito en la Galería Peridot en 1952.

En esa galería se unen trabajando Charles Egan, con Willem de Kooning, Franz Kline, Isamu Noguchi, George McNeil y Reuben Nakian.

En 1955 se integra a la Galería Sidney Janis y a finales de los años cincuenta desarrolla una especie de estilo lírico dentro del expresionismo abstracto, caracterizado por la presencia de grandes masas de color oscuro y títulos evocadores como en Cythera de 1957.

En 1958 es Incluido en la exposición La Nueva Pintura Americana, organizada por el Museo de Arte Moderno que se muestra en toda Europa.

Recibe posteriormente el Premio de la Fundación Ford y realiza su primera exposición retrospectiva en la V Bienal, Sao Paulo, Brasil, con David Smith.

Un año más tarde se lleva a cabo una presentación importante de su trabajo en la XXX Bienal de Venecia, que se muestra más adelante en Baltimore.

Realiza una nueva muestra, esta vez en 1962, donde inaugura una exposición retrospectiva completa en el nuevo Museo Solomon R. Guggenheim, en Nueva York, que viajaría luego a Amsterdam, Bruselas, Londres y Los Ángeles.

Posteriormente en 1964 se une a la Marlborough-Gerson Gallery en Nueva York y dos año más tarde realiza una gran exposición de sus últimas pinturas en el Museo Judío de Nueva York, donde recibió amplias críticas.

Los siguientes dos años sonn años de crisis con respecto a la pintura y Guston casi no pinta, pero dibuja continuamente en tinta y pincel o en carbón sobre papel.

En el año 1967 el artista se aleja de Nueva York y se muda de forma permanente a Woodstock, pasando los inviernos en Sarasota, Florida.

Es en Woodstock donde establece una fructífera amistad con el escritor Philip Roth, quien también se traslada allí.

Posteriormente recibe una segunda Beca Guggenheim y es a finales de los años 70 que la obra de Guston da un sorprendente viraje hacia sus orígenes figurativos con trabajos de una fuerte carga autobiográfica y social, como por ejemplo en El estudio, una obra de 1969 que marca esa vuelta a la figuración, alejándose de la abstracción.

En realidad los trastornos de los años 60 hacen que Guston se sienta cada vez más incómodo con la pintura abstracta y es esa nueva búsqueda la que lo lleva de nuevo a sus primeros años, al estilo de los cómics que ama cuando es niño y a las imágenes de los Klansmen encapuchados que explora por primera vez en los años treinta.

Aparecen temas como una bombilla suspendida de un cordel, los encapuchados,

el brazo acusador, las piernas kilométricas y suelas de zapatos, además de cigarrillos y puros perennemente encendidos

En las obras de este periodo, la figura y el objeto intentan resurgir entre los cortantes brochazos que Guston practica.

Y cuando lo logran, su creador cae en el centro de un huracán de críticas.

Es  en la exposición de 1970 de la galería Marlborough de Nueva York, en la que desvela su retorno a la figuración, con imágenes de tono infantil y fondo perverso.

Allí pierde a viejos amigos, entre ellos el compositor John Cage y también se termina la amistad con Morton Feldman con quien nunca se volvera a encontrar.

Controversial figurativo, era el hereje que renunciaba al credo del expresionismo abstracto.

 Se siente, -llega a decir el artista- como excomulgado de una secta.

Sólo De Kooning ve las nuevas pinturas como una expresión de libertad.

Con esa exposición Guston vuela frente a todas las ortodoxias de la época, vuelve al estilo figurativo de sus años de formación creando pinturas que parecen tan voluntariamente vulgares y crudas, tan cargado de imágenes oscuras pero a la vez tan extrañamente cómicas -y tan repleto de historietas- que muchos de sus compañeros artistas salen de la vista privada con disgusto.

 Esto para muchos no significa tanto el choque de lo nuevo, como el trauma de lo incomprensible.

Él causa el más enorme alboroto, recuerda David Anfam, un destacado historiador, porque se le considera haber traicionado los ideales de la forma en que se hace su nombre.

 No sólo eso, sino que había parece abrazar una forma baja y vulgar que parece casi caricaturesca.

 Hilton Kramer, uno de los críticos más importantes de la época, se enfurece, calificando las pinturas de primitivas y describe a Guston como un mandarín pretendiendo ser un estomago.

En realidad esas obras son tan impactantes y conflictivas como cualquier arte creado en el siglo pasado.

El trabaja de 1969 de Guston El Estudio -un autorretrato del artista como un miembro de Ku Klux Klan– es descrito por Jake Chapman como una pintura verdaderamente negativa … No es bonita, continua, es cínico y misántropo … Él no presenta pintura ni hace arte como si fuera una actividad ideal. Lo trata como si fuera algo mucho más siniestro.

Los últimos trabajos son muy crudos y poderosos, pero luego se ve la pintura real, la calidad y la seguridad, contrariamente a muchos, dice por su parte Nicolas Serota, director de la Tate Modern En muchos sentidos, es pintor de pintor, por lo que tuvo un impacto tan grande en artistas que trabajan en los años ochenta, como Julian Schnabel e incluso un pintor abstracto como Sean Scully.

En pocas palabras, las pinturas tardías de Guston confundien y confunden, perturban y consternan en igual medida; a menudo son vulgarmente graciosas y absolutamente ominosas.

Resulta interesante conocer el razonamiento y los sentimientos que el artista manifiesta acerca de ese momento de su carrera artística.

Para Guston, el arte abstracto llega a un punto muerto.

Lo calificó de falso, de ser una forma de evasión de los sentimientos genuinos que tenemos del mundo, con nosotros dentro de él,

A medida que avanzaban los años sesenta me sentía dividido, esquizofrénico», dijo entonces.

La guerra de Vietnam, la situación en EE UU, la brutalidad del mundo. Qué tipo de persona soy: leo revistas, en casa, y me acosa una furia frustrante; pero, luego, voy al estudio a ajustar un rojo sobre un azul. Debía hacer algo. Sabía que se estaba abriendo una senda delante de mí. Una senda cruda, a medio formar. Quería ser un todo de nuevo, como lo era de niño… quería ser una unidad entre lo que pienso y lo que siento.

Y añade, Me sentí como un explorador que está a punto de alcanzar la cima del Himalaya cuando se da cuenta de que ha olvidado parte del equipo y, en la bajada, se ve forzado a tomar algunos atajos, así lo expresó Guston al resumir su búsqueda de expresión plástica de una forma honesta.
De esa etapa vivida por Guston nos dice el escritor Antonio Muñoz Molina en una nota aparecida en el periódico El País: …cuando mostró sus pinturas y dibujos recientes en la galería Marlborough, de la noche a la mañana se convirtió en un apestado. El héroe ahora era un traidor; el genio obstinado y solitario, un farsante vendido a la frivolidad comercial del arte pop. A los cincuenta y tres años pertenecía al panteón de la gran pintura americana, junto a los más grandes de todos, Pollock, Kline, Rothko: a los cincuenta y siete los críticos se cebaron en él con esa gallardía que algunos incorruptibles se reservan para humillar al débil y patear al caído…

No obstante los cambios acaecidos, tanto en cuanto a su arte como en su vida de relaciones personales, el artista prosiguió desplegando una intensa actividad en la siguiente década, tanto en el plano educacional como en el artístico.

Recibe el doctorado honoris causa de la Universidad de Boston y en

1970-1971 es artista en residencia en la Academia Americana en Roma. Allí completa una extensa serie de óleos sobre papel, influenciados por el entorno italiano. Viaja por toda Italia y nuevamente regresa a Woodstock.

En 1972 es elegido miembro del Instituto Nacional de Artes y Letras  de Nueva York y posteriormente realiza una exposición de dibujos en el Museo Metropolitano de Nueva York que abarca el período comprendido entre 1938 y 1972. Luego, desde 1973 a 1978 desempeña su cargo de profesor de arte en la  Boston University de Massachusetts y en el intermedio, en 1975 recibe el Premio de Enseñanza del Arte de la The College Art Association.

En 1977 Musa Guston sufre una grave enfermedad de la cual se recupera lentamente. Un año más tarde el matrimonio viaja a San Francisco con el objetivo de preparar una pequeña exposición preliminar que lo llevaría a una posterior retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Tiempo después de que se realizara esa muestra aparece una extensísima nota titulada “Philip Guston:un recuerdo” firmada por el entonces Director del Museo de Arte Moderno de San Francisco, Henry T. Hopkins y también co-comisionado de la XVI Bienal Internacional de Sao Paulo.

 En ella, entre otras cosas nos dice: “En enero de 1979 tuve el privilegio de trabajar con Philip Guston en la selección de una exposición retrospectiva de su obra, que debía iniciarse en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, que luego viajaría a varios museos importantes de los EUA…”

Y señala; Estuve especialmente interesado en la obra de los períodos de transición, del figurativo al abstracto y nuevamente al primero…como a Guston, también me pareció que debía darse cierto énfasis a la obra nueva.  Además, quise ver todo el círculo de actividad que, en el caso de Guston, tanto difería de la evolución más o menos directa de colegas suyos como Still, Rothko, Pollock, Kline, Motherwell e incluso De Kooning.

En este artículo Hopkins cuenta que Guston en 1966, trabajando con el profesor Joseph Ablow ofreció una charla en la Universidad de Boston donde reveló parte del cambio inminente. De esa charla extractamos algunos párrafos que creemos reveladores:

“Guston: Creo que los problemas originales que se plantearon después del periodo de la guerra (Segunda Guerra Mundial) en la pintura fueron, según mi parecer, los mas revolucionarios y aún lo son…

…En términos de los críticos, comerciantes, museos – el museo oficial del arte, los jerarcas, los pontífices de vanguardia, igual que cualquier otro tipo de oficialidad- es que vieron la obra del Expresionismo Abstracto como un estilo, como cierta forma de pintar…Ahora que, por supuesto, si se entiende de esa manera, los estilos vienen y van. Es decir, todo el mundo se harta de cierto estilo. Después de 10 o 15 años aburre hasta el grado de la nausea. Pintores más jóvenes llegan y quieren reaccionar contra dicho estilo. Creo que ese fue uno de los motivos para tratar de acabar con el…

…Todo esto es cierto. Todo eso existe y nada hay de malo en ello. Sin embargo, no podía pintar un minuto mas en la forma en que lo hago sino creyera que esto es una revolución…La verdadera cuestión es que…la pintura y la escultura son formas muy arcaicas. Es lo único que queda en nuestra sociedad industrial en que un individuo solo puede hacer algo no únicamente con sus manos, sino con su cerebro, imaginación, corazón quizá. Es una forma muy arcaica…

…Creo que el impulso revolucionario original tras la Escuela de Nueva York, como lo percibí al menos y como creo que les pareció a mis colegas por la forma en que hablamos de el, era una especie de…uno se sentía como arrinconado contra la pared sin mas espacio que el sitio que uno ocupaba… era como si uno tratara de probarse a sí mismo que el acto de creación era posible todavía…”

…¿Qué quiero decir yo con crear? Quiero decir que las cosas que sentía y disfrutaba de ciertos pintores del pasado que me gustaban, que me inspiraban, como Cézanne y Manet, eso que disfrutaban de su obra… para mi…

Entonces no me pareció así por razones que yo mismo no comprendo… Todavía me preocupa y me desconcierta eso, y doy dos pasos hacia atrás, porque me desconciertan muchos problemas sobre los cuales no sabría como empezar a hablar…De modo que, como decía, por razones que no comprendo, a fines de los cuarenta y principios de los cincuenta, cuando me dediqué a la pintura no figurativa, aunque consideré que incluso entonces manejaba una temática, aunque yo mismo no la entendía del todo y, por alguna razón eso no está completamente claro para mi todavía y posiblemente tampoco quiero aclararlo…

Fui empujado por la fuerza al tipo de pintura que hacia. Es decir, las exigencias de este dialogo conmigo mismo-me entrego a él, hago algunos trazos, me habla, le hablo, tenemos discusiones terribles que duran toda la noche, semanas y semanas- ¿realmente creo en eso?… Hago un trazo, unas cuantas pinceladas, discuto conmigo mismo, no si “me gusta o no” sino si “¿es veraz o no?” “¿es eso lo que intento decir, lo que realmente quiero?”.

Surgió una pregunta: Cuando está usted trabajando y ve algo que le recuerda una imagen literal, ¿cómo le afecta?

Guston: Batallo con esas cosas todo el tiempo. Hace unos años, como me sucede a menudo, me puse muy nervioso respecto a lo que estaba haciendo, quizás estaba exhausto; entre al desván un día y clavé una tela sobre la pared –nunca pinto sobre un caballete- un desván muy viejo lleno de tragaluces sucios y con un montón de basura; entonces pensé: pintaré sin pensar, simplemente lo que vea…

Eso negaba todo lo que yo solía producir. Fue uno de esos momentos extraños que tiene uno, hace cerca de cinco años. Siempre estoy confundido entre la representación y la no representación, la imagen literal y lo no objetivo; no existe un arte no objetivo. Todo tiene un objeto, una figura. La cuestión es ¿de qué tipo? ¿Tiene ilusiones? ¿De qué manera se puede tener figuración? En este caso pinté bastante literalmente, con colores caprichosos, grises sucios, rosados agradables, ocres. Se ve formidable. Me costó trabajo dormir esa noche. Yo estaba muy alterado; ¿adonde voy? ¿Es ésta una nueva carrera o qué? Estoy cambiando; ¿temo cambiar?…

Y en medio de extensas y a veces confusas explicaciones, buscando respuestas a sí mismo acerca del camino que su obra llevaba, el artista reflexionaba: Ahora siento que pinto; no estoy dibujando nada, ni siquiera representando arte no objetivo. Usted sabe, puede representarse el arte abstracto también, así como cabezas, figuras, desnudos. Muchos artistas abstractos son tan solo pintores figurativos, usted lo sabe. Y muchos artistas figurativos son muy abstractos…

No me siento como si estuviera haciendo eso; mi sensación es, más bien, como si estuviera modelando algo con las manos. Siento como si siempre hubiera querido llegar a esa situación.

Estas y muchas otras fueron algunas de las palabras que dijo Guston. A su vez, en la nota comentada Hopkins nos da su propia perspectiva acerca de los diversos momentos en la obra de Guston, y de los cambios acontecidos en ella que se hicieron notorios en las diversas muestras que el artista ofrecía.

Volviendo a Hopkins, éste señala: ”…Cuando vi la obra nueva sentí que yo sabia lo que había sucedido. Guston se estaba revelando finalmente como lo que eran el judío errante intelectual que llevaba todo lo de valor en su masiva cabeza.

Durante toda una vida, las cadenas del conocimiento lo habían entrelazado como las del fantasma de Marley en el Cuento de Navidad de Dickens. Y ahora se las estaba arrancando.

Como en el caso de Monet y Matisse en sus años de madurez, su obra parecía fluir sencillamente. No había duda de que pintar y como pintarlo; los años de confrontación material con la pintura y la tela así como la constante inquietud respecto a lo que el arte lo habían condicionado. Pero Guston no era Monet o Matisse; el tormento interno de las ultimas pinturas de Goya o Rembrandt viene a la mente…

…Estaba nuevamente en su juventud, preocupado por la humanidad y las fuerzas de la sociedad. Siguió pensando en el gran muralista italiano del Renacimiento, Piero Della Francesca, de quien tomó prestada la forma; en el más español de todos los españoles, Goya, de quien tomó la pasión, y en los mexicanos Siqueiros y Orozco, de quienes tomó prestada la preocupación social. Pero más que nada, describió el ciclo completo hasta si mismo tal como él era en los treinta cuando con Jackson Pollock eran camaradas”.

Hacia finales de los años 70 Guston sufre un ataque cardíaco grave del cual se va recuperando lentamente y vuelve a la pintura.

En 1980 recibió el Premio de Artes Creativas de la Brandeis University, Waltham, Massachusetts y luego asiste a la inauguración de su mayor exposición retrospectiva en el  Museo de Arte Moderno de San Francisco que posteriormente viaja a Denver, Chicago, Washington DC y Nueva York. Vuelve a casa para seleccionar sus últimas pinturas en papel para una  exposición que debía realizar en la Phillips Colección de Washington, DC.

Guston murió de un ataque al corazón en 1980 con 67 años, cenaba en Woodstock con sus amigos Fred y Sylvia Elias. Según Fred, Él simplemente bajó la cabeza y murió.

Tal vez, Gustón pensaba en ese momento: “Yo no siento nada diferente de lo que sentía a principios de los 50 cuando hacía lo que llaman pintura no figurativa. Reconozco que ahí las formas se disuelven y no tienen esta figuración y todo eso, pero eso no es lo importante, lo que importa es que estoy en el mismo estado …lo demás no es asunto mío, todo lo que quiero es estar en ese estado, el resto no es asunto mío”.

Links

https://www.tarbutsefarad.com/tarbut-arte/6579-philip-guston-un-pintor-fiel-a-si-mismo.html

Cuando tenía la edad suficiente para comenzar a comprender el mundo, mi ciudad natal fue quemada.

En el otro lado de la costa, arrojaron la bomba atómica sobre Hiroshima, así que crecí cerca del punto cero.

Estaba completamente en ruinas y no había arquitectura, edificios y ni siquiera una ciudad. Solo cuarteles y refugios me rodeaban. 

 Por lo tanto, mi primera experiencia arquitectónica fue el vacío de la arquitectura y comencé a considerar cómo las personas podrían reconstruir sus casas y ciudades».

 El jurado del Prizker otorga el premio argumentando que las obras de Isozaki son descritas como heterogéneas y van desde lo vernacular hasta lo high tech.

Lo que esta claro es que no sigue tendencias, sino que forja su propio camino

Este arquitecto, urbanista y teórico japonés es un visionario que, con un enfoque progresista, desarrolla un profundo compromiso con el arte del espacio.

Con su trabajo facilita el diálogo entre oriente y occidente, reinterpretando las influencias globales dentro de la arquitectura y apoyando el desarrollo de las generaciones más jóvenes.

Nace en un hogar acomodado, su padre es empresario y es el mayor de cinco hermanos en  Oita, en la isla de Kyushu.

Estudia en la universidad de Tokio con Kenzo Tange que al terminar la carrera lo capta para su despacho, trabajando con él hasta el 1963 cuando crea su propio atelier.

 

Los primeros proyectos de Isozaki se caracterizan por la síntesis de la tradición japonesa con las modernas estructuras realizadas con tecnología avanzada.

1970 su estilo se modifica al casarse por tercera vez con una escultora conocida que le influencia su trabajo.

Empieza a sustituir elementos tradicionales por posmodernos.

A pesar del cambio de dirección que realiza, sigue mezclando elementos orientales con elementos occidentales en una síntesis que se constituye en su lenguaje personal.

Para Isozaki la estructura del edificio es un elemento de conexión entre la realidad y la ilusión, y logra introducir en obras efectos visuales, de manera que la observación de éstos varía según el ángulo desde el que se observan.

 Con respecto a su estilo, Isozaki recalca más de una vez, que aplica soluciones específicas a cada uno de sus proyectos.  

 En su carrera evoluciona de tendencias brutalistas a metabolistas y posmodernas por ultimo 

Isozaki es distinguido con el Pritzker 2019, el de la Asociación de Arquitectos de Japón, el de Royal Institute of Architects británico y el de la American Academy, entre otros.

Arata Isozaki es profesor invitado en varias universidades, entre ellas las de Harvard, Yale y Columbia

Obras: Museo de Arte Contempránea de GUnma (Gunma, Japón) Ampliación del Museo de Arte de Brooklyn (Nueva York, EEUU) Banco Volksbank Potsdamer Platz (Berlín, Alemania) Biblioteca Municipal (Kitakyushu, Japón) Palladium (N.Y. EEUU) Museo de Arte Contemporánes de Los Angeles (Los Angeles, EEUU) Casa del Hombre – Domus (La Coruña, España) Centre of Japanese Art and Technology (Cracovia, Polonia) Edificio Arch, Universidad Bond (Gold Coast, Australia) Pabellón polideportivo en Palafolls “Palauet” (Palafolls, España) Palacio de Hielo para olimpiada de 2006 (Torino, Italia) Planta 10 de Hotel Puerta America (Madrid, España) Isozaki Atea (Bilbao, España) Acceso al CaixaForum (Barcelona, España) D38 (Barcelona, España) City Life (Milán, Italia) Museo Nacional de Cultura Egípcia (Cairo, Egípto) Campus Universitaria en Alajandría (Alejandría, Egípto)

Siguiendo Arquitectura Diseño, el MoMa Gunma fue realizado en 1974 y supone un testimonio del corpus arquitectónico de Isozaki. El Museo de Arte Moderno de Japón es una declaración conceptual sobre el museo como vacío y recipiente. Utilizando un cubo de doce metros como forma metafórica para expresar un marco, Isozaki convirtió el museo en un escenario y un contenedor para exhibir obras de arte. Su estructura cúbica crea un marco tridimensional alrededor de cada espacio, aislando metafóricamente el arte del parque que lo rodea. Así como un marco delimita una imagen de su contexto, el marco espacial del museo separa los espacios interiores del paisaje y los dedica solo al arte.

Siguiendo Arquitectura Diseño, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles es un intrigante ensamblaje de formas geométricas revestidas de paneles de piedra caliza roja y de aluminio verde.

Construído en 1986, está dedicado a las artes visuales producidas desde la década de 1940. Unos cubos, un cilindro y once claraboyas piramidales definen los edificios de oficinas, biblioteca y librería del MoCA,  que flanquean un pozo solar que conduce a los 2.300 metros cuadrados de galerías subterráneas.

Siguiendo Arquitectura Diseño, El Palau Sant Jordi es concebido para los Juegos Olímpicos de 1992.

Es la instalación cubierta más grande de Barcelona, y en su diseño el arquitecto tuvo muy en cuenta el contexto en el que se situaba.

La cúpula que lo cubre fue levantada desde el suelo con una innovadora técnica hidráulica y su silueta guarda parecido con el caparazón de una tortuga, un elemento orgánico que entronca con Gaudí y el entorno de la montaña en la que se encuentra. Obra maestra de la ingeniería, la cúpula se levanta sobre una base clásica la cual se une por un elemento ondulante que dota de armonía a todo el conjunto.

La estructura utilizada, así como los materiales, dan una gran versatilidad a un edificio polivalente.

La Domus o La Casa del Hombre es el primer museo interactivo del mundo dedicado al ser humano.

Construido por Isozaki en A Coruña en 1995. Situado en el paseo marítimo, se enmarca en una zona rocosa, que mira directamente al mar.

Entendiendo la naturaleza tectónica del lugar, el arquitecto japonés decide diseñar un edificio dividido claramente en dos partes, por un lado una base de piedra de granito gris de Mondariz, sobre la que emerge un volumen curvo que recuerda a una gigantesca ola, y cuya fachada se compone de pequeñas piezas de pizarra a modo de escamas.

Siguiendo Arquitectura Diseño es iniciado en 1990 y concluido en 1998, el Nara Centennial Hall en Japón fue concebido a modo de contenedor. 

Recupera la simplicidad formal y la escala de los grandes templos nipones milenarios. Las dimensiones se definieron en relación a las de la gran sala de Buda del templo Todai-ji.

La distribución interior de la construcción, con un total de 22.682 metros cuadrados y dotada de una estructura de hormigón armado y paneles de hormigón prefabricado, se articula alrededor de las dos salas principales.

Segun Arquitectura y Diseño es una obra del 2010, el Zendai Himalayas Center, en el distrito de Pudong, en Shanghái, abre sus puertas coincidiendo con la exposición mundial que tiene lugar en la ciudad.

Con un área de 150,000 metros cuadrados, el proyecto es diseñado por Arata Isozaki y encargado por el grupo Zendai con el objetivo de crear una ‘obra maestra arquitectónica para la China del siglo XXI’.

El exterior escultórico del edificio presenta una fachada orgánica y tallada de manera totalmente desigual, simulando un bosque en el que la naturaleza porosa e irregular se ha traducido en su interior, formando una atmósfera a modo de cueva para que los visitantes puedan deambular y perderse.

Siguiendo Arquitectura y Diseño, la Torre Allianz de Milán es terminada en 2011.

Obra de Arata Isozaki y Andrea Maffei, es ahora el edificio más alto de Italia, si no se tiene en cuenta la aguja del complejo Unicredit de Cesar Pelli, también en Milán.

La planta, que mide un total de 21 × 58 metros, tiene una huella estrecha que acentúa la verticalidad del edificio, con una forma delgada que se extiende por encima del tejido urbano de la capital lombarda.

Un rascacielos sin límite o una especie de torre sin fin.

Siguiendo Arquitectura y Diseño, tras el tsunami de Japón de 2011, el Lucerne Festival se asoció con una empresa de gestión de conciertos, para llevar la esperanza a las regiones afectadas a través de la música.

Así surge Ark Nova en 2013, como una sala de conciertos concebida por Arata Isozaki y Anish Kapoor.

Un local móvil creado por y para la música con una capacidad de 500 personas.

Se trata de una estructura de membrana hinchable, que cuenta con el escenario y el equipo de sonido necesario para celebrar un festival itinerante.

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                     Lo que es claro es que no sigueencias, sino que forja su propio camino

Este arquitecto, urbanista y teórico japonés es un visionario que, con un enfoque progresista, desarrolla un profundo compromiso con el arte del espacio.

Con su trabajo facilita el diálogo entre oriente y occidente, reinterpretando las influencias globales dentro de la arquitectura y apoyando el desarrollo de las generaciones más jóvenes.

Nace en un hogar acomodado, su padre es empresario y es el mayor de cinco hermanos en  Oita, en la isla de Kyushu.

Estudia en la universidad de Tokio con Kenzo Tange que al terminar la carrera lo ficha para su despacho, trabajando con él hasta el 1963 cuando crea su propio atelier.  

Los primeros proyectos de Isozaki se caracterizan por la síntesis de la tradición japonesa con las modernas estructuras realizadas con tecnología avanzada.

1970 su estilo se modifica al casarse por tercera vez con una escultora conocida que le influencia su trabajo.

Empieza a sustituir elementos tradicionales por posmodernos.

A pesar del cambio de dirección que realiza, sigue mezclando elementos orientales con elementos occidentales en una síntesis que se constituye en su lenguaje personal.

Para Isozaki la estructura del edificio es un elemento de conexión entre la realidad y la ilusión, y logra introducir en obras efectos visuales, de manera que la observación de éstos varía según el ángulo desde el que se observan.

 Con respecto a su estilo, Isozaki recalca más de una vez, que aplica soluciones específicas a cada uno de sus proyectos.  

 En su carrera evoluciona de tendencias brutalistas a metabolistas y posmodernas por ultimo 

Isozaki es distinguido con el Pritzker 2019, el de la Asociación de Arquitectos de Japón, el de Royal Institute of Architects británico y el de la American Academy, entre otros.

Arata Isozaki es profesor invitado en varias universidades importantes, entre ellas las de Harvard, Yale y Columbia

Obras: Museo de Arte Contempránea de GUnma (Gunma, Japón) Ampliación del Museo de Arte de Brooklyn (Nueva York, EEUU) Banco Volksbank Potsdamer Platz (Berlín, Alemania) Biblioteca Municipal (Kitakyushu, Japón) Palladium (N.Y. EEUU) Museo de Arte Contemporánes de Los Angeles (Los Angeles, EEUU) Casa del Hombre – Domus (La Coruña, España) Centre of Japanese Art and Technology (Cracovia, Polonia) Edificio Arch, Universidad Bond (Gold Coast, Australia) Pabellón polideportivo en Palafolls “Palauet” (Palafolls, España) Palacio de Hielo para olimpiada de 2006 (Torino, Italia) Planta 10 de Hotel Puerta America (Madrid, España) Isozaki Atea (Bilbao, España) Acceso al CaixaForum (Barcelona, España) D38 (Barcelona, España) City Life (Milán, Italia) Museo Nacional de Cultura Egípcia (Cairo, Egípto) Campus Universitaria en Alajandría (Alejandría, Egípto)

Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habita en él. Se trata de cómo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo. Se trata de tu visión, como el pensamiento sin palabras que proviene de mirar hacia el fuego.

Mi trabajo se trata más de tu visión que de la mía, aunque es un producto de mi visión. También me interesa la sensación de presencia del espacio; ese es el espacio donde sientes una presencia, casi una entidad, ese sentimiento físico y el poder que el espacio puede dar.

Durante más de medio siglo James Turrell trabaja la percepción de la luz y el espacio que son los nuevos soportes tras el agotamiento de la pintura y escultura por las vanguardias a principios de siglo.

James Turrell, hijo de un ingeniero aeronáutico y de una médica, ambos cuáqueros, nace en Pasadena (1943), California.

Con 16 años obtiene la licencia de piloto y en la actualidad es un experimentado piloto que acumula más de doce mil horas volando y considera el cielo como observatorio y parte de su material de estudio. 

Estudia Percepción Psicológica en Pompona College, en 1965 simultaneado con matemáticas, geología y astronomía.

Licenciado en Psicología Perceptiva y con una fascinación infantil por la luz, comienza a experimentar en el sur de California con la luz como soporte a mediados de los 60. 

En 1966 estudia arte en la CALART, California School of Art, realizando alli sus primeras actividades con luz.

1967 El Museo de Arte de Pasadena monta una exposición individual de sus Piezas de proyección, Projection Pieces creadas con proyectores de alta intensidad y espacios modificados con precisión, en 1967.

Reforma el Hotel Mendota, haciendo aberturas en paredes y techos, restaurando las persianas y tratando de integrar el entorno urbano en su interior.

El objetivo es modificar la percepción de quienes penetren en él, a través de la luz y la proyección del edificio.

A partir de ahí emergen distintos proyectos en los que investiga sobre la percepción del espacio y la proyección de la luz a través de él.

Después hace una serie confeccionada en su estudio de Santa Mónica como Mendota Stoppages, son una serie de obras de luz creadas y exhibidas en este estudio donde combina piezas de proyección con cortes estructurales en el edificio, creando aberturas abiertas a la luz exterior. 

Estas obras son la serie de Shallow Space Constructions, poseedoras de una gran espiritualidad resultado de su condición cuáquera.

Su manejo de la luz modifica los espacios induciendo a la meditación, cambiando la percepción que siempre es subjetiva sobre ellos.

Estas investigaciones donde interior/exterior interactúan, supone el inicio para los espacios de cielo abierto que se encuentran en sus ambiciosas obras posteriores Skyspace, Tunnel y Crater.

Los Skyspaces (Espacios celestes), son habitáculos con un vano en el techo por donde ver el cielo, espacios que dan la opción al espectador de crear su propia percepción de interacción de luz y color que gradualmente se producen.

Turrell a menudo cita la parábola de la cueva de Platón para introducir la noción de que estamos viviendo en una realidad de ilusión propia, sujeta a limitaciones sensoriales, así como condicionados por las normas culturales y de entorno. 

Es evidente en los más de ochenta espacios Skys de Turrell, cámaras con una abertura en el techo abierta al cielo. 

El simple acto de presenciar el cielo desde el interior de un Turrell Skyspace al amanecer y al anochecer, revela cómo fabricamos los colores que vemos y nuestra percepción de la realidad que siempre es una ilusión.

En 1977 Turrell inicia el proyecto monumental del Roden Crater, un volcán extinto en el norte de Arizona,  

Continuando con la práctica comenzada en su estudio de Ocean Park, talla el cuenco del cráter y corta una serie de cámaras, túneles y aberturas dentro del volcán que aumentan la percepción de cielo y tierra. 

Un proyecto costoso pendiente aún de inauguración y que para conseguir fondos para el proceso necesita la intervención de ingenieros y planificación, compagina con exposiciones y trabajos en el Guggenheim, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, los museos de arte contemporáneo de Los Ángeles y de San Francisco y la Colección Panza de Biumo en Varese, Italia, el IVAM de Valencia.

Sin olvidar Meeting, en 1986, para el MoMA PS1 en Nueva York, o Irish Sky Garden, su creación de 1992 para el hotel Liss Ard Estate, en Irlanda

En el Roden Crate genera un observatorio de luz a lo largo de los años desde el interior del volcán, excavando túneles y abriendo cámaras con diferentes orientaciones.

Roden Crater pertenece a una tradición de estructuras monumentales erigidas por artistas, gobernantes y sacerdotes, antiguos y modernos. 

Los observatorios sobre tierra para eventos celestiales específicos incluyen Maeshowe en Escocia (que es anterior a las pirámides), Newgrange en Irlanda y Abu Simbel en Egipto. 

Los restos de sitios antiguos que se asemejan a volcanes hechos a mano, grandes montículos con una depresión en la cumbre, también se encuentran dispersos por todo el mundo. 

Estos incluyen Herodium cerca de Jerusalén y Old Sarum en Inglaterra. 

En el siglo XVI, el gran astrónomo Tycho Brahe es pionero en los observatorios a simple vista, de los cuales el Jantar Mantar del siglo XVIII en Jaipur es quizás el mejor ejemplo. 

Turrell estudia y adapta las características esenciales del observatorio a simple vista en sus diseños para Roden Crater, donde la formación natural recordaba estos precedentes hechos por el hombre.

A lo largo de la planificación y construcción del cráter Roden, Turrell consulta con astrónomos destacados, entre ellos EC Krupp, director del Observatorio Griffith en Los Ángeles, y el fallecido Richard Walker, astrónomo del Observatorio Naval de EE. UU.

En Flagstaff, para calcular la excavación y alineación de los túneles y aberturas del cráter. 

Cuando se completen, las estructuras dentro del Cráter formarán un vasto observatorio a simple vista de objetos celestes que va desde oscuros e infrecuentes hasta el solsticio de verano e invierno.

Paralela a esta labor titánica realiza Skyspaces: Kielder Skyspace (2000) en Inglaterra, Sky-Space (2006) en Salzburgo y Second Wind 2005 en Cádiz.
La pieza de Cádiz (2009) no es la primera en España pues realiza encargos para coleccionistas privados que no son accesibles al  gran público, una de ellas en Ibiza.

Dirige personalmente la confección del proyecto eligiendo el terreno para su construcción; un terreno en pendiente que permita crear una estructura subterránea y en su interior una estupa de piedra sobre una cisterna con agua, a la que se accede por un túnel, y una abertura en el techo que permite ver un trozo de cielo.

Es para que el espectador pueda percibir durante una hora y media al atardecer la interacción entre los colores del interior y el exterior que engañan a los bastoncillos de sus ojos modificando la percepción sensorial, algo que comienza a realizarse con el Impresionismo.

Es para que el espectador pueda percibir durante una hora y media al atardecer la interacción entre los colores del interior y el exterior que engañan a los bastoncillos de sus ojos modificando la percepción sensorial, algo que comienza a realizarse con el Impresionismo.

Destacan entre sus proyectos el Wolfsburg Project, en Alemania (2009), una instalación que iluminaba un área de 700 metros cuadrados, o su trabajo en el Yucatán (México), llamado Agua de luz, en donde genera una serie de sus Skyspaces junto a unas piscinas, dentro de una pirámide (2010), se hace una retrospectiva de su carrera.

Expuesta en tres lugares durante el 2013 y parte del 2014, Los Angeles County Museum of Art,  Museum of Fine Arts, de Houston y  Solomon R. Guggenheim Museum, New York), utiliza la peculiaridad arquitectónica de cada edificio para crear una masa de colores en movimiento similares a sus Skyspaces, además de contar con dibujos y bocetos de su gran proyecto Roden Crater en la que ha creado una especie de suscripción popular, para intentar poder acabarlo.

Si bien Roden Crater aún no está abierto al público, Turrell ha instalado obras en veintidós países y en diecisiete estados de EE. UU. Que están abiertos al público o se pueden ver con cita previa. 

Agua de Luz, una serie de Skyspaces y piscinas construidas dentro de una pirámide en Yucatán, y los próximos proyectos en todo el mundo, desde Ras al-Khaimah hasta Tasmania, integran muchos de los principios y características introducidos en Roden Crater.

El medio de Turrell es pura luz. 

 Mi trabajo no tiene objeto, ni imagen ni foco. Sin objeto, sin imagen y sin foco, ¿qué estás mirando? Te estás mirando. Lo que es importante para mí es crear una experiencia de pensamiento sin palabras.

En esta etapa de tiempo geológico, quería hacer espacios que involucraran eventos celestiales en la luz para que los espacios interpretaran una ‘música de las esferas’ en la luz.

A pesar de ser norteamericano, es considerado como uno de los más famosos representantes del Pop inglés.

Comienza a estudiar arte en la Cooper Union de NY en 1950, antes de trasladarse a Europa, donde prosigue su formación en prestigiosos centros como la Academia de Bellas Artes de Viena, la Ruski School of Drawing de Oxford y por último el Royal College of Art de Londres.

Es en este sitio donde permanece desde 1957 hasta 1961, donde Kitaj se relaciona con la generación más joven de pintores Pop británica como David Hockney, Allen Jones, Derek Boshier, Patrick Caufield, Peter Philips, Billy Apple y Norman Toynton, alguno de los cuales confiesan el impacto que les produce, con su actitud concentrada, este singular e introvertido norteamericano que no parece pensar en otra cosa que no sea la pintura.

Destaca su carácter nómada, que se asocia con su enrolamiento juvenil en la marina mercante noruega y permite comparar su emigración a Inglaterra con la de otros ilustres personajes como Henry James, Ezra Pound y T.S Eliot.

Al emigrar a Europa, parece reflejarse una actitud de búsqueda consciente de exilio o desarraigo cultural.

El desarraigo es una constante en el creador moderno, incluso en los escritores que son capaces de adoptar otra lengua en su escritura diferente a la nativa.

En Kitaj parece repetirse ese patrón, también presente en Pound y en Eliot, de intentar desarrollar la investigación de la novedad artística, apoyándose en el abono cultural de la tradición de la vieja Europa, en resumen, la búsqueda de una síntesis o certeza soñada desde tiempo inmemorial por los americanos.

El perfil del introvertido Kitaj no encaja con la idea que se tiene del americano medio más desenfadado y extrovertido y menos aun con el estilo desvergonzadamente directo del Pop, que ensalza la retorica cotidiana del lenguaje comercial para el consumo de masas.

El artista niega su adscripción al Pop aunque esté relacionado históricamente con algunas de sus tendencias básicas y mantenga con el Pop circunstancial coincidencia formal, además de que diferencia al Pop ingles del norteamericano y analiza su obra dentro de la tradición figurativa del arte contemporáneo.

Kitaj no se cansa de repetir que la figura humana es el verdadero centro de sus preocupaciones, es decir que el hombre es el protagonista directo de su vocación figurativa.

En medio de la infinidad de sentidos que adquiere la definición de figura en el arte contemporáneo, esta precisión resulta imprescindible, ya que avisa de la dimensión no geométrica o topológica sino existencial con la que Kitaj concibe la figura.

Este criterio es equidistante tanto del énfasis moral con el que la retórica clásica defiende la pintura histórica como el despersonalizado formalismo de la modernidad, aunque no por ello deja de tener raíces que vinculan el arte del pasado y del presente.

Entre estas influencias está el retrato romántico de Theodore Gericault, o el de las líneas maestras del impresionismo de Edgar Degas, o mirando atrás a Frans Hals, Rembrand etc.

Es necesario diferenciar el concepto de figuración de Kitaj del modelo clasicista imperante en la pintura moderna desde el Renacimiento.

En el Renacimiento se considera la figura humana como el eje central de la representación artística, pero abstraída de toda contingencia, como protagonista de una historia cuyo sentido moral solo se sostiene por la sublimación heroica del individuo convertido en patrón de conducta.

Este orden moral de la estética clásica es cuestionado por el realismo expresionista de Caravaggio, de Hals o de Rembrandt.

Con los tres artistas barrocos comparte el desinterés por representar la belleza del modelo y la ejemplaridad de sus gestos heroicos, le gusta mostrar el valor expresivo de lo imperfecto.

Kitaj confiesa una admiración sin límites por Degas quizás porque tienen idéntica actitud reflexiva, una común obsesión por el análisis de los maestros del pasado y un largo proceso de elaboración pictórica.

El dice que el desnudo siempre se ha representado para el público pero que sus modelos son gente sencilla, despreocupada de otros intereses que los envueltos en la condición física.

El pintor es como si mirara por el ojo de la cerradura.

Con esta declaración Degas no defiende la captación instantánea de la actitud de una modelo sorprendida sin posar, sino un punto de vista transversal, algo inesperado.

Esa mirada oblicua de reproducir algo con la memoria también esta en Kitaj, donde se da una empatía con el objeto representado.

La pieza resultante es producto de una visión sintética y alcanza la categoría de totalidad dialéctica.

En esa línea se nota la influencia del Norte, de Vicen van Gogh, Edward Munch, Gustav Klimt, Egon Schiele, pero también de Picasso.

En el caos de referencias pictóricas, hay matices, ya que aprovecha las imágenes ya hechas como material susceptible de reciclaje, con lo que vuelve sobre el ready-made de Marcel Duchamp.

Este concepto de ready-made tiene gran influencia en el Pop, cuya iconología arrastra estereotipos visuales de circulación masiva, aunque en el caso de Kitaj esos modelos prestados sin ser de procedencia de medios de masas, son sometidos a un complejo proceso de asimilación pictórica, lo cual es común en cierta figuración británica, desde Francis Bacon a Richard Hamilton.

Kitaj prosigue esa vía expresionista de la figuración que arranca de Van Gogh, Munch y Picasso para continuar después, generalmente al margen del gusto oficial de la llamada Escuela de Paris, a través de los grupos alemanes del Puente y El Jinete Azul, de Oskar Kokoschka, cuya influencia en Inglaterra es notable, de Max Beckann que produce un impacto similar en Norteamérica y de los realistas americanos Ben Shan y Edward Hooper  y por encima de todo de Francis Bacon, cuyo trabajo de reelaboración pictórica sobre imágenes fotográficas y cuadros del pasado es bien conocido, como también de fuentes literarias en concreto de T.S. Eliot.

Kitaj es un manipulador de imágenes en la que se mezcla lo ordinario y lo culto, pero sobre todo es un pintor preocupado por la dimensión ético-política de la dimensión pictórica lo que le lleva al terreno de una eficacia comunicativa.

Aunque coincide con los Pop en muchas cosas y pese a que destaque sus vínculos con el expresionismo abstracto y retome la subjetividad del expresionismo abstracto norteamericano, es un figurativo.

Igual le ocurre a su narración donde se combinan dialécticamente la asociación libre con la inducción argumentada con buenos registros.

Pero con estos elementos de composición Kitaj se aleja de otras direcciones figurativas de los 60 como la corriente fría que va del Pop americano al Hiperrealismo, pero no de otras personalidades que en aquella época o un poco antes mantienen sin contención una parecida tensión dialéctica de la obra con elementos plásticos antitéticos como los americanos Robert Rauschemberg o Jasper Johns, cuya relación con el Pop es ambigua y también se nutren del Expresionismo Abstracto, pero sobre todo en la tradición figurativa del arte ingles en la que Kitaj se inserta voluntariamente y sobre la que ejerce una fecunda influencia.

Kitaj establece una relación muy cercana con los padres fundadores del Pop inglés, Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton y Peter Blake.

El arte ingles de posguerra constituye el mejor caldo de cultivo para el tipo de búsqueda e inquietud de Kitaj, y se desconoce el tipo de huella que dejan los fundadores del Pop británico que son los primeros del mundo en desarrollar esta tendencia.

De hecho los jóvenes del Pop de 1970 que junto a Kitaj proceden de una misma promoción del Royal College of Art de Londres, son considerados tercera generación.

Antes que ellos están Eduardo Paolozzi, pionero y profeta del Pop, con su obra Yo fui el juguete de un hombre rico de 1947, como Richard Hamilton y Peter Blake, ya que se adelantan a los acontecimientos en la década de 1950.

Pero lo que importa no es tanto la precedencia cronológica como el modelo Pop que desarrollan muy diferente del americano.

Desde este ángulo Hamilton por su manera de pensar la obra tiene influencia posterior decisiva y es quizás uno de los mas agudos interpretes que tiene Marcel Duchamp y Kitaj, es el que traduce en términos pictóricos el proceso analítico de formación de imágenes.

Por esto ultimo hay que asociar los nombres de Hamilton y Kitaj ya que coinciden en el tratamiento de la obra como un collage mental, donde quedan atrapados trozos sueltos de realidad tomados al azar, pero sometidos a una organización u ordenamiento críticos.

Kitaj es un ejemplo de sentido sintético y complejo de creación plástica, heredera de una riquísima tradición de vanguardia, que rehúye dicotomías en favor de una actitud combinatoria, como también lo es de una aplicación dialéctica del impulso y la reflexión, de la versatilidad frente al pasado, de la actuación critica del desdoblamiento, de la superación del dilema de la vanguardia entre lo analítico formal y lo discursivo.

La pintura de Kitaj proyecta muchas de las preocupaciones de su generación, pero a su vez se muestra singular.