Nace en Pisa, en el seno de una familia de artistas, su padre, Giovambattista Lomi, es orfebre, y su hermano Aurelio pintor.

1576 se traslada a Roma al cuidado del hermano de su madre, de quien toma el apellido Gentileschi. y trabaja en los talleres que ejecutan ciclos decorativos en el Vaticano y las basílicas.

Durante los primeros años de su carrera, los últimos del siglo, colabora en algunos de los grandes encargos de la Roma de Sixto V, como la decoración de la Biblioteca Sixtina, de Santa Maria Maggiore y de San Giovanni in Laterano.

Década de 1590, hace frescos del manierismo tardío, pero a partir de 1600 muda su forma de trabajo por el encuentro con Caravaggio con quien hace amistad.

1605 la pintura de Gentileschi integra las formas de Caravaggio y abandona el manierismo de sus primeras obras.

El caravaggismo de Gentileschi tiene un tono lírico muy refinado, como se aprecia en su San Francisco sostenido por un ángel (Prado).

 En estos años combina la influencia de la pintura realista de Caravaggio, con rasgos claroscuristas de los paisajes de Adam Elsheimer.

La década de 1600 es un periodo brillante de su carrera, en el que diseñó mosaicos para la bóveda de San Pedro y pinta varios cuadros de altar, entre ellos el Bautismo de Cristo para la iglesia romana de Santa María de la Paz (1607).

1600-1620 es su fase productiva, ejecutando: David contra Goliat (Berlín, Gemäldegalerie), David matando a Goliat (Dublín, National Gallery), Judit con su sirvienta (Hartford, Wadsworth Atheneum Museum of Art) y La estigmatización de san Francisco (Roma, San Silvestro in Capite).

Orazio Gentileschi participa en grandes programas decorativos, entre 1611 y 1612 forma equipo con el pintor Agostino Tassi, con quien colabora en los frescos del Casino delle Muse del cardenal Scipione, y

En 1611-1612 forma equipo con Agostino Tassi con quien trabaja en en la Sala del Consistorio, en el palacio del Quirinal y decora al fresco el Casino de los Museos para el cardenal Scipione Borghese, sobrino del papa Pablo V, con figuras dispuestas a lo largo de un balcón dentro de una compleja arquitectura fingida del florentino Agostino Tassi.

Hace también exquisitas pinturas de gabinete sobre alabastro y cobre.

El exitoso tándem con Tassi se rompe tras acusar Gentileschi a Tassi de la violación de su hija, la pintora Artemisia, que durante aquellos años aprende el oficio de su padre.

El violador es juzgado y encarcelado por poco tiempo, pero parece ser que el papel de acusador de Orazio y la intervención de amigos poderosos de Tassi dañan gravemente sus perspectivas de trabajo en Roma, por lo que en la década de 1610 acepta encargos de las opulentas iglesias y monasterios de Las Marcas.

En 1621 Gentileschi va a Génova llamado por el aristócrata Giovanni Antonio Sauli e inició allí una etapa muy afortunada de su actividad.

En Génova su estilo adquiere un carácter más solemne y teatral (Lot y sus hijas, h. 1622, J. Paul Getty Museum, Los Ángeles).

Desde allí manda obras al duque Carlos Manuel I de Saboya en Turín, y en 1624 entra al servicio de la reina María de Médicis en París.

En la capital de Francia pinta una figura alegórica de La Felicidad pública (1625, Musée du Louvre, París), y también un Descanso en la Huida a Egipto y una Magdalena penitente (1625-1626, Kunsthistorisches Museum, Viena), que son adqui­ridas para la colección del I duque de Buckingham, favorito y ministro principal de Carlos I de Inglaterra.

A instancias de Buckingham se traslada a Londres a finales de septiembre de 1626.

Carlos I le asigna una pensión de cien libras, pero Gentileschi trabaja sobre todo para Buckingham (que muere en 1628) y después para la reina Enriqueta María.

Al periodo londinense pertenecen Lot y sus hijas (1628, Museo de Bellas Artes de Bilbao), Moisés salvado de las aguas (comienzos de la década de 1630, colección particular, Inglaterra) y José y la mujer de Putifar (comienzos de la década de 1630, Royal Collection, Hampton Court, Herefordshire).

Lo más importante de su producción inglesa es las telas que pintó para el techo del gran salón de la Queen’s House con una Alegoría de la Paz y las Artes (1635-1638), que se conservan mutiladas en la Marlborough House de Londres.

En la corte de los Estuardo, Gentileschi se ve eclipsado por Rubens, que esta en Londres entre 1629-1630, y después por Van Dyck, que llega en 1632.

Una carta de 1633 revela su deseo de regresar a la Toscana. Pintó una segunda versión del Moisés y se la envió al rey Felipe IV de España (1632-1633, Prado) con la esperanza de granjearse su apoyo para una repatriación honrosa.

Pero, finalmente, permaneció en Londres, donde muere el 7 de febrero de 1639.

Moisés salvado de las aguas 1633

Hay que trasladarse a la corte británica en la que se instala en 1626 para entender esta pintura que se encuentra en el Prado.

Es una obra maestra que luce con tanto esplendor que no se desdibuja con todas las pinturas de los maestros que la rodean.

Este cuadro es ofrecido  como regalo a Felipe IV por el artista a través de su hijo Francesco, siguiendo una estrategia para ganar clientes importantes.

En la obra se sintetiza sus mejores cualidades como pintor ingles y su etapa final inglesa.

Hay un predominio del clasicismo que triunfa en Italia entre 1620-1630, pero también un Gentileschi que vuelve a sus orígenes toscanos.

Las figuras tienen solemnidad, con telas y ropajes suntuosos, el espacio se agranda y los gestos están subrayados, con armonioso ritmo y con unos rostros expresivos sin vulgaridad, y con una atmosfera fundida, de una luz que irradia con uniformidad y que amortigua el claroscuro de un artista en su madurez, seguro, dueño de su discurso.

Muere en Londres en 1639 con 76 años de edad, excepcional longevidad para la época.

Ha llegado a Inglaterra con 63 años lo que demuestra gran vitalidad, pues no es una edad para emprender aventuras.

La etapa londinense que son 13 supone su época mas madura artísticamente y la huella que deja en la corte británica muy receptiva del refinamiento es muy profunda.

De hecho sin Gentileschi ni Van Dick es difícil entender el esplendor de la pintura británica del XVIII.

A Van Dick nadie le discute la huella en el esplendor en la formación del retrato británico, pero el entusiasmo por Gentileschi decrece en nuestra época, como si el alejamiento del discurso de Caravaggio supusiera  tibieza, desfallecimiento, debilidad.

Así se refleja entre los historiadores del arte ingleses de mediados del XX, curiosamente en teoría grandes especialistas del barroco italiano.

Es obvio que su reacción refleja el replanteamiento que hacen de su propia tradición local artística, pero hay que reivindicar ya esta postura devolviendo a Gentileschi al lugar que le corresponde en la historia por calidad de su trabajo.

Las palabras del jurado del Pritzker son que todo en los edificios de Peter Zumthor tiene una presencia fuerte, atemporal y que tiene un talento único para combinar el pensamiento claro y riguroso con una dimensión verdaderamente poética, lo que da como resultado un trabajo que nunca deja de inspirar

En el discurso de aceptación del premio Pritzker de 2009, Zumthor se refiere a la integridad de su obra como un acontecimiento natural, presente desde un inicio:

Me presente a concursos. Gané uno de ellos. Hice mis dos primeros edificios. Los dos edificios empezaron a crecer. Y recuerdo el momento en que miramos a los dos edificios, Annalisa y yo, y me sentí realmente deprimido. Fue terrible.

Contemplé los edificios y podía ver sus modelos. Eso fue terrible. Podía escuchar la discusión arquitectónica de la época en mis edificios. Pensé que era la última vez que debía pasarme. La primera vez que no era yo mismo

Peter Zumthor, arquitecto suizo que recibe el premio Pritzker en 2009, nace en Basilea un 26 de abril de 1943.

El jurado del Pritzker, destaca entre su obra las Termas de Vals y el Museo de Arte de Bregenz

Es ebanista antes que arquitecto, que lo estudia estudia en Kunstgewerbeschule de Basilea y en el Pratt Institute de Nueva York.

1979 se instala en los Grisones.

Zumthor toma su tiempo para diseñar y decide los proyectos por afinidad y con un  afán de progresión en su discurso antes que económico.

Su obra es  muy artesanal, y atemporal, además de emplear con profusión la madera por ser ebanista, una fuerte definición espacial y un amplio manejo de la combinación de la luz y oscuridad

Su arquitectura está en la experiencia de las texturas, el juego de la luz, la celebración de la manualidad y una buena distribución espacial.

Es ganador del proyecto de recuperación del Museo Diocesano de Kolumba, en Colonia; su edificio envuelve por completo las ruinas de la iglesia, integrandose con ellas; además, utiliza el nivel superior y un ala lateral para albergar las áreas expositivas, donde se mezclan obras medievales con las contemporáneas.

2009 Recibe el Pritzker de Arquitectura y la Royal Gold Medal de arquitectura 2013.Trabajó como consultor de construcción en el Departamento de Conservación de Monumentos del cantón suizo de Graubünden y analista de pueblos históricos.1979 instala su despacho en Haldeasteis donde tiene un staff de 15 personas

Es profesor de la Accademia di Architettura dell’Università della Svizzera Italiana en Mendrisio (Suiza) y ha sido profesor invitado en diversas universidades en todo el mundo.

Destaca El recubrimiento del yacimiento arqueológico romano (Chur, Suizza, 1986),  La capilla de Sogn Benedeto (Sumvitg, Suiza, 1988), Viviendas para jubilados (Chur-Masans, Suiza, 1993), Termas (Vals, Suiza, 1996), Kunsthaus Bregenz (Bregenz, Austria, 1997), Pabellón de Suiza en la Exposición Universal (Hannover, Alemania, 2000), Centro de documentación `Topografía del terror’ piezas prefabricadas (Berlín, Alemania, 1997; proyecto interrumpido por el gobierno regional), Kunstmuseum Kolumba (Colonia, Alemania, 2007) y lla Bruder Klaus (finca de Scheidtweiler, Mechernich, Alemania, 2007).. 

 

Sevilla, 6 de junio de 1599, Madrid 6 de agosto de 1660.

Vive 61 años que en esa época es vivir mucho, pero tarda en ocupar el puesto de privilegio que hoy se le concede universalmente en la historia del arte.

La causa de ese reconocimiento critico se debe al aislamiento del pintor en la corte de Felipe IV, a cuyo servicio ingresa en 1623 y en el cual permanece durante 37 años hasta su fallecimiento, pero también al progresivo aislamiento del país, que inicia en estos momentos su declive, y al aislamiento de su obra, que conservada en las infranqueables estancias palaciegas, no puede ser contemplada por nadie hasta la apertura al público del Museo del Prado inaugurado en 1819.

Superada esta contrariedad, no hay aprecio por su obra pues lo que viene son viajeros de gustos románticos que busca el exacerbado naturalismo y la exaltada religiosidad, dos cualidades que no son características de Velazquez.

Hasta la segunda mitad del siglo XIX, hasta 1860-1880 que son el desarrollo y triunfo del naturalismo impresionista en Francia, no se puede hablar de auténtica estima internacional por la obra del maestro sevillano al que descubre Manet con motivo de su viaje a España en 1865, quedando tan impresionado que lo eleva a la categoría de pintor de pintores.

La suerte artística de Velázquez queda fijada, de hecho hoy es en la historia del arte como Cervantes en la historia de la literatura, no solo el máximo exponente del genio artístico español sino el más refinado y complejo prototipo de la cultura visual del Barroco y en general de toda la época moderna.

Dotado de gran capacidad para asimilar lo mejor de la tradición artística, que puede estudiar con detalle gracias a la visión de pictórica de la excepcional colección de los reyes de España, así como las novedades mas interesantes que se producen en su época, a las que puede acceder gracias a su infancia y juventud sevillana, pues por allí llegan a España buena parte de la pintura europea de entonces, pero de las que después se sigue informando gracias a sus viajes a Italia, Velázquez es un compendio de los rasgos artísticos mas sobresalientes del siglo XVII, a los que además aporta su sello personal.

Se considera a Las Meninas pintadas al final de su vida y en plena madurez de su arte, como la obra maestra mas importante del siglo XVII, obra que se conserva en el Prado, donde se exhiben también 50 obras, una gran cantidad ya que no fue un artista que se prodigara mucho tanto por su carácter flemático como por los múltiples esfuerzos por cumplir con las múltiples tareas que desempeña en su carrera cortesana.

Esta se inicia con su nombramiento en 1623 como pintor de cámara y concluye con la de aposentador mayor de palacio, no sin antes haber ocupado la de ujier, alguacil de corte, ayuda de guardarropía, ayuda de cámara y superintendente de las obras reales.

Si esta dedicación de tareas cortesanas lo aleja de la pintura también es verdad que le proporciona la holgura material suficiente y una envidiable independencia para pintar cuanto quiere.

Esa libertad de acción artística la transmiten muchos de sus cuadros.

 Pasa infancia, adolescencia y juventud en Sevilla, donde desarrolla un estilo naturalista de iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio.

A los 24 años se muda a Madrid, donde es nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después es ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte.

Su labor consiste en pintar retratos del rey y su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales.

Su presencia en la corte le permite estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoce tanto la pintura antigua como la que se hace en su tiempo, influyen en un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas.

En su madurez, a partir de 1631, pinta obras como  La Rendición de Breda.

En su última década tiene un estilo más esquemático y abocetado, alcanzando un dominio extraordinario de la luz.

Se inicia con el Retrato del Papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras Las Meninas y Las Hilanderas.

Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras.

La fábula de Aracne 1658

La composición se organiza en planos de luz y sombra muy contrastados. Es en este cuadro donde alcanza mayor dominio de la luz.

La mayoría de las figuras están difuminadas, definidas con toques rápidos que provocan borrosidad.

Después de pintarlo Velázquez, se añaden cuatro bandas, al superior se le aumenta unos 50 cm, sobre 22 cm el lateral derecho, 21 el izquierdo y unos 10 cm el lado inferior,​ quedando al final con 222 cm de altura y 293 de anchura.

Está ejecutado de forma suelta y rápida sobre un fondo anaranjado empleando mezclas muy fluidas

 Introduce en la composición muchos cambios, uno de los más significativos es la mujer de la izquierda que aparta la cortina, que al principio no figura en el cuadro.

El cuadro llega en malas condiciones de conservación, atenuadas mediante una restauración en la década de 1980.

Para los estudiosos, es la obra donde el color es más luminoso y donde alcanza el mayor dominio de la luz.

El contraste entre la luminosidad del fondo y el claroscuro de la estancia en primer plano es muy acusado.

Hay otro gran contraste en el primer término entre la luminosa figura de Aracne y las figuras en sombra de la diosa Minerva y demás tejedoras

Pintada hacia 1657 es considerada junto a Las Meninas una de las obras maestras del periodo final.

En el cuadro representa el mito de Aracne, una extraordinaria tejedora, que Ovidio describe en Las Metamorfosis.

La mortal desafía a la diosa Minerva para demostrar que teje como una diosa.

El resultado es un empate y se concluye que el tapiz de Aracne es de igual calidad que el de la diosa.

Hay que recordar que Minerva es diosa de la sabiduría, de las artes y la artesanía, pero también de las técnicas de la guerra. 

El titulo de La Hilanderas por el que se le conoce, tiene que ver con las mujeres que hilan en el primer plano del cuadro, cual si fueran obreras trabajando en la fabrica de tapices de Santa Isabel de Madrid.

Utiliza el recurso barroco de insertar un cuadro dentro del cuadro, desde su juventud, invirtiendo el orden de importancia de la historia, es decir poniendo lo trivial delante y lo fundamental detrás, hace aquí lo propio.

En el segundo plano al fondo, es donde se nos da la clave del cuadro, a través de la historia mitológica antes mencionada.

La escena tiene como fondo un tapiz que reproduce la obra de Tiziano El rapto de Europa, que Velazquez conoce perfectamente por pertenecer a las colecciones reales españolas que además ha sido copiado por Rubens en su segunda estancia en España, en la que mantiene una estrecha relación con Velázquez.

Todo este complejo juego de relaciones entre obras y artista dentro del cuadro, habla de la existencia de un trasfondo teórico en esta pintura que va más allá de la mera representación de la historia mitológica.

Se discute mucho sobre el significado del cuadro, que parece ser una declaración de la superioridad del arte como invención sobre la mera habilidad manual.

Es un encargo de Pedro de Arce, que pertenecía a la corte.

En primer término se ven a la diosa y a Aracne tejiendo sus respectivos tapices.

En el fondo se representa el momento posterior, colgados en las paredes los tapices terminados, en que se declaran de calidad equivalentes.

El motivo representado en el tapiz, como homenaje a sus maestros Tiziano, autor del cuadro, y Rubens, que pinta la copia que se conserva en el palacio real.

Queremos edificios sensuales. A la gente le gusta tocar y sentir

Su obra es un referente actual, tanto como proyecto como construcción.

La relación que establecen entre el edificio y su envolvente hace que la piel que envuelve el volumen deba definir al máximo el concepto del edificio.

Por ello, es fundamental entender la conexión entre la idea de proyecto y la solución constructiva en la obra.

Es un despacho suizo de arquitectos, integrado por Jacques Herzog y Pierre de Meuron que hoy tiene oficinas adscritas, en Londres, Madrid, Pekin y Nueva York.

Nacen en 1950 (el 19 de abril y el 8 de mayo respectivamente) en Basilea (Suiza).

Estudian Arquitectura en la Escuela Politécnica Federal (ETH) de Zurich y terminan en 1975.

1978 Abren un estudio de arquitectura Herzog & de Meuron en Basilea.

Otros socios del estudio son: Harry Gugger (1991), Christine Binswanger (1994), Robert Hösl (2004), Ascan Mergenthaler (2004) y Stefan Marbach (2006).
Una vez constituido el despacho, los proyectos no tardan en llegar como la Casa Azul, la Casa de Piedra o el Almacén Ricola,  que parten de la construcción tradicional y los materiales cotidianos pero reinterpretándolos para que adquiieran un nuevo significado.

El resultado son edificios de aspecto minimalista en la que la novedad se manifestaba sobre todo en el exterior.

La búsqueda de la forma del edificio mediante el material empleado y del proceso constructivo, es una característica que les ha acompañado  a lo largo de su trayectoria.

Esta concesión del resultado formal al material niegan,  el componente meramente artistico de la arquitectura.

Los dos arquitectos suizos niegan la interpretación meramente estilística de la arquitectura.

El redescubrimiento de los materiales y sus capacidades expresivas desembocaba también, como señala Moneo, en una vuelta a los orígenes de la arquitectura, donde son los materiales quienes determinaban el resultado.

Ejemplo de esto son los proyectos de los almacenes Ricola, pero especialmente en las Bodegas Dominus de Napa Valley, California, (1995-97), el centro Polideportivo de Pfaflenholz en Basilea y con la que ha sido una de sus obras más emblemáticas y conocidas para el público en general, la Tate Modern en Londres donde transforma una antigua central eléctrica, situada en la margen sur del Támesis, fusionando elementos tradicionales con Art Déco y modernismo según la Enciclopedia Británica.

La arquitectura deportiva ocupa en los últimos años un lugar destacado en el estudio, el cual ha proyectado y ejecutado los estadios de St. Jakob en Basel, Alianz Arena, Múnich y el Estadio Nacional de Pekín de los Juegos Olímpicos 2008.

Como alumnos en Zúrich, y admiradores en un principio, de Aldo Rossi, Herzog y de Meuron estaban familiarizados con el lenguaje de formas simples y volúmenes puros de éste último.

Pero la arquitectura de Herzog y de Meuron poco tiene que ver con la de Rossi, cuyo interés por la expresividad del material era mucho menor que la de los suizos.

En ese sentido, es mucho más importante el interés por algunos de los más representativos artistas minimalistas como Donald Judd.

La síntesis del trabajo de ambos es la tradición combinada con la tecnología moderna y con creatividad hacia los retos arquitectónicos que se les plantean.

Destacan las bodegas Dominus en el valle de Napa (California), el revestimiento de cobre de la Signal Box, en Basilea para los ferrocarriles suizos, y las imágenes impresas en los paramentos de la biblioteca de la universidad de Eberswalde (Alemania).

Diseñan proyectos que van desde la pequeña escala, con numerosas viviendas y edificios residenciales, hasta la gran escala del diseño urbano, estadios, museos y fábricas.

Figuran entre los arquitectos más prestigiosos del mundo, y también entre los más laureados: el Pritzker en el año 2001, y en el 2006 les ha sido otorgada la medalla de oro de la RIBA (Royal Institute of British Architects), el Premio Imperial de Japón (2007).

 Son profesores en la ETH de Zúrich y en Harvard.

Es descubierto internacionalmente en el ultimo tercio del siglo XIX, ya que su memoria queda borrada incluso en su propio país.

Su obra hoy día se ha convertido en referencia imprescindible.

Su obra representa la culminación del realismo óptico y la reivindicación del valor de la intimidad cotidiana burguesa, las dos obsesiones centrales de la pintura holandesa de la segunda mitad del siglo XVII.

El concepto óptico añade al realismo su diafanidad, su meridiana transparencia cristalina, porque son los holandeses de esta época los que se esmeran en pulir los cristales de aumento visual y los que aplican mejor que nadie la cámara oscura, antecedente de la fotografía.

Una visión cristalina es una visión higienizada, en la que la captación visual objetiva empieza a ser más técnica que manual, más ocular que táctil.

La reivindicación del mundo intimo burgués, equiparable al genero ancestral de la comedia, protagonizada por irrelevantes seres mortales contemporáneos, los holandeses también aportan planteamientos innovadores y virtualmente muy fecundos, que se podría resumir en un afán de crear silencio, justo la antítesis de las bullangueras escenas del pueblo llano que se solían representar.

Vermeer no es el inventor de esta forma de representación pictórica, practicada por mucho de sus paisanos contemporáneos, pero en cambio es quien la eleva a la perfección.

Este nuevo modo de ver y representar la realidad, mascada por los maestros holandeses de aquel tiempo, esta impulsado por una cultura protestante, que es quien revoluciona su mundo y el nuestro en la medida en que se centra obsesivamente en fijar en el mas acá, el mas allá, justo lo inverso de lo que pasa tradicionalmente.

Cabe rastrear el origen de esta vía hasta remontarnos a los primitivos flamencos, pero una cosa es la raíz y otra la madurez de sus frutos.

da igual lo que sea, es Vermeer el mejor interprete de esos ideales estéticos y morales, porque dentro del desconocimiento de su vida, choca que fuese católico, si bien esta profesión de fe, esta condicionada por ser la familia de su mujer de esta religión.

Al margen de esto, poco mas se conoce de su existencia, la formación, la trayectoria profesional y la obra del maestro antiguo mas apreciada universalmente hoy en día.

Viaja poco y no se mueve de Delf, salvo en una ocasión en que se traslada a la Haya en 1672 para acreditar la autenticidad de unas pinturas italianas dudosas.

En 1653 con 21 años ingresa en la guilda de pintores locales, lo que indica que antes realiza otras actividades como la de posadero y marchante de arte, teniendo en cuenta que siguiera el oficio del padre que había heredado.

Además de su matrimonio, tiene 11 hijos, lo que explica sus constantes estrecheces, pero no se sabe quienes son sus maestros, ni porque su obra conservada es tan escasa, no supera las 40 pinturas, es elegido dos veces como jefe máximo de su cofradía pictórica.

 En su formación se le asocia con frecuencia con Carel Fabritius de la misma generación de Vermeer, discípulo y colaborador de Rembrandt (que serviría de puente con Vermeer, o lo que es igual entre una versión táctil y otra optica) , cuyos cuadros de los que solo se conocen 6 son de gran calidad y guardan gran semejanza con los de Vermeer, aunque la hipótesis no esta documentada.

Tampoco hay una explicación para la pequeña obra que tiene, quizás tiene gran lentitud en la preparación como Velázquez.

Desde el punto de vista técnico y simbólico es un virtuoso

Lo es en la forma de fabricar los colores y en como los aplica, logrando el efecto de que sus capas pictóricas parecieran el resultado de perlas molidas y fundidas juntas.

También es un maravilloso perspectivista, estuviera o no ayudado por la cámara oscura, algo que también hace en los cuadros de pequeño formato.

Auna sensibilidad e inteligencia de forma equilibrada y si esto es excepcional, todavía queda su ambición conceptual que no se achica ante la realización de cuadros de historia o alegorías.

El arte de la pintura pertenece al genero alegorico, el tradicionalmente mas apreciado pero en progresivo desuso en los países de iconoclasta cultura protestante y burguesa como Holanda.

De hecho la mayor parte de su pobra va en esta dirección, con representación de escenas cotidianas de interiores urbanos en los que suele haber una figura femenina solitaria ensimismada, ya sea leyendo una carta o en cualquier menester.

Aborda también el tema de conversación de parejas, bien por un hombre y una mujer de cortejo, o bien por una señora y su criada.

Como sus contemporáneos se asoma a la calle e incluso hace una panorámica de Delf.

Sabe imprimir un sello personal en la representación de esta temática común al acentuar la densidad del silencio, la captación del instante que se suspende y la luz como algo que unifica ese momento.

El arte de la pintura es una obra de madurez de Vermeer en la que se basa casi todo en el equivoco.

El tema es un pintor que copia a su modelo, el propio Vermeer, el artista trabajando en el taller.

Pero el escenario es suntuoso, poco acorde con lo que es un espacio artesanal.

Se puede entender que la modelo este engalanada, pero no tanto que el maestro de espaldas este vestido con un lujoso traje poco apropiado para este menester y aun menos que lo haga a la antigua usanza.

A eso hay que añadir los objetos en la mesa, como una mascara de yeso, un libro cerrado colocado en vertical, un trozo de papel, un cuaderno de estampas abierto y un alargado pañuelo plisado de seda.

Y as aun la joven modelo de perfil, y con la laureada cabellera mirando hacia el espectador aunque sus ojos entrecerrados lo rehuyan con encanto.

A través del taller del pintor se alegoriza sobre el arte de pintura como el ideal.

De tal manera que con este patrón toman sentido los objetos allí reunidos y los demás objetos extraños y el que el propio autor nos de la espalda es que carga con la responsabilidad de su noble oficio.

La modelo es Clío, la musa de la historia con su prosapia triunfante con la corona de laurel y la trompeta de la fama.

La escultura, la imprenta, la tapicería, la música, junto a la arquitectura de la estancia y los aperos de la pintura, nos proporcionan el inventario completo del paragón entre las artes en clave jerárquica como corresponde.

Pero Vermeer además de la fantástica composición incluye al espectador, nosotros mismos cuando miramos el cuadro.

No es una suposición arbitraria, recordad que pocos años antes Velázquez pinta las Meninas con la misma intención.

Toda la composición esta basada en la mirada de quien sin en apariencia ser visto por sus protagonistas, acaba de entrar en la estancia y observa lo que hay y acontece en ella, algo que hace una mano invisible, que ha corrido la cortina que ponía a resguardo la escena ahora desvelada.

Contar con el espectador en la obra, supone haber subido un peldaño en la modernización artística y mental ya que emplaza a la pintura en un punto critico y reflexivo el de una representación de la representación.

El arte de la pintura permanece siempre junto a Vermeer y tras su muerte acaecida en plena bancarrota, su viuda y su suegra tratan de conservar el cuadro a toda costa, aunque al final es subastado.

Hay una intención escondida por parte del autor de mostrar en esta pintura lo que fue y lo que se esta convirtiendo.

 

 

 

Es mejor ser ingenuo y juvenil. Cuando has madurado del todo, dejas de ser capaz de aprender cosas nuevas y de intentar aquellas otras que puedan resultar un fracaso. Como dice uno de mis poemas favoritos, Juventud, de Samuel Ullman, ‘Los años pueden arrugar la piel, pero abandonar el entusiasmo arruga el alma. 

Tadao Ando, nace en 1941 en Osaka (Japón), se forma entre 1962 y 1969 de manera autodidacta en Arquitectura

 Tiene un hermano gemelo, pero crecen en hogares diferentes

Es boxeador aficionado de joven y deja el deporte para dedicarse a la arquitectura.

No recibe formación en escuelas de arquitectura y su aprendizaje es autodidácta, fruto de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara.

Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteon en Roma supe que quería ser arquitecto.

1970 inaugura en Osaka Tadao Ando Architect & Associates, despacho con la que inicia su andadura, primero en pequeñas construcciones de casas, y luego con proyectos más ambiciosos.

1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka.

La opinión pública queda fascinada y se pone de moda, lo que se consolida con su proyecto para el complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kobe.

1980 erige la Casa Koshino en la ciudad de Asiya.

Entre sus proyectos destacados están la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido,  la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, Osaka, ​ el Museo de los Niños (1990) en Himeji.

Es considerado representante del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo.

Sintetiza materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural.

Usa el hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.

Abomina del consumismo generalizado de la sociedad actual, que es visible en la arquitectura.

Lo que no le impide usar en sus proyectos materiales actuales, aunque empleándolos con sencillez para que generen buenas sensaciones, lo que logra, mediante la luz y el agua.

Utiliza tramas geométricas que sirven de patrón para su distribución espacial.

También busca fórmulas para mejorar el caos urbanístico de infinidad de poblaciones japonesas.

Lo aborda desde una doble vertiente, una de crítica y la otra de sensibilidad y comprensión.

Contrariamente al estilo arquitectónico tradicional japonés, Ando crea espacios interiores cerrados, y no abiertos:

Creo espacios interiores cerrados, y no abiertos. Utilizo paredes para definir los límites de estos espacios, y lo hago basándome en criterios humanos, de forma que las personas perciban esos espacios como apropiados y cómodos.

Con las paredes rompo también la monotonía habitual de, por ejemplo, los edificios comerciales. Finalmente, las paredes separan el exterior, frecuentemente ruidoso y caótico, del interior, que está diseñado como remanso de tranquilidad, aislado de lo demás.

 Tiene  la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, el Praemium Imperiale de 1996,​ el Premio Kioto, el Premio Carlsberg y en  1995 el Pritzker.

 Es profesor en la Columbia, en la Universidad de Tokio y en Yale.

El siglo XVIII es el Siglo de las Luces y del despotismo ilustrado pero no acontece de forma general, simultanea ni idéntica en toda Europa porque la historia es complejidad.

Esta la música de Vivaldi, Bach, Haendel y Mozart y la pintura galante de Watteau, Fragonard y Gaisborough.

Hay jardines y villas inglesas y la enciclopedia de Diderot y D´Alembert, El espíritu de las leyes de Montesquieu y el Candido de Voltaire.

La población europea pasa de 81 millones de habitantes en 1700 a 123 millones en 1800.

Pero el siglo no es solo progreso armónico y felicidad y evolución tranquila.

La guerra, la censura, represión, violencia, criminalidad, intolerancia, conflictos, pobreza, ignorancia acompaña siempre a la Ilustración que es una revolución cultural.

El fin de siglo es calamitoso, el Terror jacobino de 1793-94 significa no ya la liquidación del proyecto reformista ilustrado del XVIII, sino del sueño de libertad de 1789.

Jean Antoine Watteau (1684-1721)

Tiene una personalidad inquieta y autoexigente ya que aborda infinidad de temas y experimenta.

El eje de su obra es la querencia humana por la búsqueda del placer erótico pero sin limar las sombras que conllevan eso lo diferencia del resto de artistas salvo de Goya que también ahonda en la indagación de los placeres y la pasion.

El siglo XVIII se caracteriza por la frustrante y compulsiva búsqueda de la felicidad

Es uno de los pintores franceses de cualquier época, sino uno de los mas notables maestros antiguos de toda la historia del arte.

Tiene el dibujo de Parmigianino, la frescura de Van Dick, la composición de Rubens, la manera de Correggio, la ingenuidad de Giorgione, y la armonía de la escuela veneciana.

Pero esto no configura una personalidad ecléctica porque al estar hilada avisa de un creador original.

Sus fuentes son los maestros flamencos y holandeses pero lucha por adquirir una cultura artística de la que carece.

 Es el transformador de la pintura francesa, es el creador de la pintura galante, y no es ni académico, ni francés, pues nace en Valenciennes que es flamenca hasta 1677, hace que en su época sea considerado un artista flamenco.

Se sabe muy poco de su vida ya que es muy celoso de su intimidad afectada de carácter melancólico y cierno nerviosismo, quizás agravado por su precaria salud minada por la tuberculosis como se corrobora con su temprana muerte a los 37 años,

Tiene influencias flamencas, venecianas de Veronés, más el gusto francés.

Hijo de un modesto artesano tejador, marcha en 1702 a Paris sin dinero, allí sobrevive con dificultad, realizando cuadros `piadosos para los campesinos.

Se forma en los talleres de Claude Gillot, pintor costumbrista y de Claude Audran III el mas dotado miembro de una dinastía de decoradores y posedor de la llave de la Galeria de Luxemburgo, el sancta santoum francés de Rubens, a partir de ahí no se sabe mas de él.

Decepcionado y deprimido en 1709 al no ganar el Premio de Roma casi vuelve a su ciudad, pero tres años más tarde lo vuelve a intentar con éxito y le invitan a formar parte de la institución académica.

Sorprende al presidente de la Academia, el escultor Corneille van Cleve que renuncia a asignarle un tema como se acostumbra y que nombrado en 1712 non entregue la prenda artística correspondiente hasta un lustro después en 1717, que es Peregrinacion a la isla de Citera

Cuando llega al éxito tiene 25 años y un bagaje de terrible miseria, pero enfermo de tuberculosis muere muy joven a los 37.

La sensualidad exagerada y los arrebatos de melancolía que se asocian a la enfermedad que padece, son lo que caracteriza su obra.

Sus cuadros ilustran el placer del gozo del amor, el juego, pero con un fondo de desasosiego de alguien enfermo y derrotado por una existencia dura.

Desde un punto de vista formal la huella de Rubens es notoria, como lo es su interés por las pinturas de genero flamencas y el color de los venecianos, aunque ninguna de esas influencias quitan valor a su singular manera de pintar y al universo que representa.

Repite infinidad de veces las fiestas galantes representadas en el jardín como una ensoñación, con diversas variantes de juegos eróticos, así como el de la Comedia del Arte Italiana basada en la mímica que son los ancestros de los payasos actuales.

Dota a esos temas frívolos de melancolía y gran ambigüedad.

En Paso en falso (1717) un hombre tropieza y cae, pero no sabemos si en realidad lo que hace es abrazar a la mujer.

En El Indiferente (1617) de nuevo no se sabe si ensalza al bailarín afeminado o se ríe de él.

En La peregrinación a la isla de Citera hay dos versiones mayores y muy semejantes, la que entrega para ingresar en la Academia que esta en el Louvre y la posterior de 1718 que la termina adquiriendo Federico II de Prusia y se encuentra en el Charlottenburg de Berlín.

El tamaño es mayor que el habitual, no es un factor baladi, porque había una convención para este genero de pintura cuyo formato solía ser pequeño, pero a partir de este pintor cambia al homologarla a la pintura histórica.

Para esta cuadro elige un tipo de composición que en francés se denomina ondoyante que en castellano es ondulante, de influencia de Rubens, wn wl que las figuras se engarzan de manera serpenteante, lo cual favorece su dinamismo musical y le dan a la narración un carácter circular, pues al final se enrreda con el principio.

En cuanto al tema es tipo de la prosapia clásica que tradicionalmente se pasa sobre ascuas.

No es para menos pues todo es literalmente pornografico en relación con Afrodita, no solo por ser la diosa del amor y por su comportamiento conscupiscente, sino por haberse signado su nacimiento mediante una castración fértil, balanceada por las olas espumantes del divino esperma paterno, de tal manera que viajar a Citera constituye una navegación erótica.

No esperaba tener la oportunidad de construir en Manhattan,declara Siza en una entrevista con The New York Times.

A mi edad, pensé que había perdido la oportunidad.

Me hizo muy feliz que me lo pidieran y pensé: Bueno, veamos si todavía tengo energía para este proyecto, explicó desde su estudio de Oporto, donde aún trabaja fuera del foco de atención.

Álvaro Siza nace en Matoshinos, puerto pesquero cercano a Oporto y aunque su vocación es la de escultor, se matricula en arquitectura  para no enojar a su padre

Su mayor influencia es el Coliseo Romano.

Licenciado en Arquitectura por la vieja Facultad de Bellas Artes de la Universidad Oporto.

Es profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes de Oporto entre 1966 y 1969 y profesor adjunto de Construcción en la Facultad de Arquitectura de la misma ciudad desde 1976. También es profesor visitante en Lausana, Pensilvania, Bogotá y Harvard.

Es Director del Plan de Recuperación de Schilderseijk en la Hayay de la reconstrucción del Chiado en Lisboa, proyecto por el que es premiado con el Prizker.

 Laureado por su sobrio estilo que le ha procurado los más altos honores de su profesión, incluido el Pritzker de 1992 o, más recientemente, el Premio Nacional de Arquitectura de España 2019, ha hecho más de veinte proyectos en España.

Recibe en 2019 el Premio Nacional de Arquitectura de España 2019, una decisión tomada durante el II Congreso Internacional Arte, Ciudad y Paisaje, que finaliza hace poco en Cuenca y tiene a Portugal como país invitado.

Con una amplia producción en Portugal y, más recientemente, en Asia, Siza construye en España, entre otros, el Centro Meteorológico de la Villa Olímpica de Barcelona, la vivienda social de Cádiz, la Facultad de Ciencias de la Información de Santiago de Compostela, la Rectoría de la Universidad de Alicante y el edificio Zaida de Granada.

Es uno de los arquitectos más prestigiosos de la arquitectura mundial, habiendo sido reconocido con el Premio de Arquitectura de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (1982), el Premio de Arquitectura de la Asociación de Arquitectos Portugueses (1987), la Medalla de Oro de Arquitectura del Consejo Superior de las Escuelas de Arquitectura de España (1988), el Premio Mies van der Rohe (1988) por el proyecto de renovación en el área de Chiado en Lisboa (1992), y el Premio Pritzker de Arquitectura.

Destacan 15 proyectos

El edificio del Pabellón de Portugal es diseñado para la Exposición Universal de Lisboa de 1998.

Instalación en la Bienal de Venecia de 2018 titulada Evasão.

Fundación Iberê Camargo en Porto Alegre, Brasil.

Entrada del Parc Esportiu Llobregat, en Barcelona.

Biblioteca municipal en Viana do Castelo, Portugal

Uno de los edificios del Museo del Diseño de Vitra, en Weil am Rhein, localidad cercana a Basilea. En el parque arquitectónico se encuentran diseños de Frank Gehry, Zaha Hadid o este de Álvaro Siza entre otros.

En este parque arquitectónico de Vitra, Álvaro Siza diseñó The promenade, un ejemplo sencilló de su estilo de arquitectura.

Iglesia de Santa María en Marco de Canaveses, Portugal. Diseñada en 1996.

Residencia Bonjour Tristesse, un proyecto de vivienda social en Berlín diseñado para la Exposición Internacional de la Construcción de 1987.

Vivienda social Bouça en Oporto, Portugal.

Museo de Arte Moderno de la Fundación Serralves, en Oporto, Portugal.

Pabellón diseñado junto a Carlos Castanheira y Jun Sung Kim en la ciudad de Anyang, Corea del Sur, en 2005.

Museo Insel Hombroich, en Neuss, Almania, un diseño de 2008.

Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC), en Santiago de Compostela.

Sí, yo dibujo mucho. Dibujo sobre todo para despejar dudas. A veces, mis alumnos me criticaban porque no les ofrecía un camino claro, una manera clara para hacer un proyecto, pero es que no hay un camino claro ni una manera directa de hacer arquitectura.

 Al menos yo no la tengo.

Cuando comienzo un proyecto suelo estar inseguro y lleno de preguntas, así que se puede decir que mi trabajo surge de las dudas. Por eso dibujo y dibujo hasta que las ideas se van aclarando y encuentro por fin apoyos más sólidos.

Así nace el proyecto.

El dibujo es una herramienta muy buena por su inmediatez. Es una conexión directa entre el cerebro y el papel, sin otra interferencia intelectual. Aunque también puede ser muy mentiroso.

 Hace poco me pidieron que hiciese un panel para explicar un proyecto en una exposición. Les envié una planta general pero los clientes me dijeron que no querían una planta, que querían un boceto, uno de mis dibujos. Eso me enfadó un poco, porque la planta era un plano muy bueno que explicaba perfectamente todo el proyecto. Pero ellos insistieron en que querían un boceto. Les mandé un boceto y es bonito, pero no describe el proyecto con la misma precisión

La Enciclopedia de Diderot y D´Alembert, Enciclopedia o Diccionario razonado de las ciencias, las artes y los oficios, es no solo un colosal esfuerzo editorial de 28 volúmenes de texto y 11 laminas de grabado (grabado e ilustraciones) entre 1751-1772, mas 7 volúmenes adicionales de Suplementos publicados entre 1776-1780, con 139 colaboradores, 72000 entradas, 2500 láminas.

Además de las dificultades con las que se enfrenta -la más importante la prohibición por real orden en 1759, orden luego revocada, es un gran éxito comercial.

La difusión de la obra entre 1751-1782 puede alcanzar los 25000 ejemplares, los beneficios según Voltaire los 7,5 millones de libras, una cifra inmensa, el sueldo anual de un obrero francés esta en 280 libras, y da trabajo durante 25 años a 2000 trabajadores y varias imprentas.

Las ventas de la Enciclopedia son increíbles.

Ello explica que el enciclopedismo, la aspiración a una explicación racional del mundo, penetra en la educación y mentalidad de círculos de magistrados, funcionarios y de patriciados rurales y urbanos franceses y europeos, los principales suscriptores de la obra.

El éxito corrobora otra realidad, el éxito que a lo largo del siglo XVIII experimenta la oferta y la demanda de lectura, uno de los hechos mas importantes de la Ilustración.

La publicación periódica -gacetas, diarios, periódicos-, una prensa de aparición irregular, tipografía y maquetación próximas al libro, precio elevado y poca y escasamente fiable, información, en otras palabras, una prensa erudita y literaria mas que informativa, se asienta como forma de lectura en toda Europa y América, tanto en la América británica como en la española.

En Francia puede haber en 1745, 15 publicaciones periódicas, en 1785 son 82, alguna de las cuales como La Gazete de France tira en torno a los 12000 ejemplares.

Inglaterra tiene prensa diaria, newspapers, desde 1702 en que aparece The Daily Courant que dura  30 años y al que se le añade Daily Post desde 1720, The Morning Chronicle en 1769, The Times en 1788.

El gran éxito con una tirada de 20000 ejemplares es The Spectator de Richard Steele y Joseph Addison, dos excelentes escritores publican entre mayo de 1711 y diciembre de 1712, un diario muy popular entre la clase media inglesa, que con un estilo donde prima la ironía y el ingenio, trata de costumbre moral, habito de conducta y literatura (pero no de política por lo que pudiera pasar).

El Journal de Paris, el primer diario francés aparece en 1777 y es también un éxito inmediato y anticipa lo que con el tiempo será el periodismo ofreciendo cotizaciones financieras, anuncios de espectáculos, meteorología, cartas de los lectores, noticias de la vida cotidiana y comentarios de libros.

Pese a la censura y prohibiciones, el mundo del libro se transforma.

La producción de libros aumenta de forma exponencial en toda Europa.

La aparición de libro de pequeño formato, que puede llevarse en el bolsillo o de viaje, los hace mas accesible y manejables.

Las librerías comerciales se multiplican.

En Inglaterra proliferan las bibliotecas circulantes o de préstamo y los club del libro.

El gusto lector se modifica con respecto a siglos anteriores, también la literatura y el libro filosófico o el libro científico sustituyen al libro religioso en producción y ventas.

La expansión de la novela, que la Enciclopedia de Diderot y D´Alembert define como relato ficticio de diversas aventuras maravillosas e inverosímiles de la vida humana, es una expresión de los cambios de gustos, valores y forma de vida, que supone la revolución ilustrada.

Su expansión se debe a la nueva forma de vida industrial editorial (pequeño formato, colecciones populares, prensa literaria.

Y porque buena parte de su publico son mujeres cuya irrupción en la vida intelectual como lectoras o salonieres, como autoras o como protagonistas de la ficción, es en si mismo un cambio histórico fundamental.

En el XVIII la novela define su propia carácter. Robinson Crusoe (1719) novela de Daniel Defoe basada en un hecho real que es la experiencia solitaria durante cinco años de náufrago Alexander Selkirk en la isla de Juan Fernández donde hay una exaltación del individuo como clave de supervivencia y vida.

Las cartas persas de Montesquieu, que el mismo define como una especie de novela, son una sátira divertida y aguda de la sociedad francesa a través de la correspondencia de un viajero persa Usbek que visita Paris.

Tom Jones (1749) de Henry Fielding es una novela cómica en la que un joven humilde enamorado de una joven rica, triunfa y logra su verdadero lugar en la sociedad, pero es una reflexión sobre la bondad, la felicidad, la hipocresía, la justicia y la vida sexual.

Pamela de Samuel Richardson y Julia o la Nueva Eloisa de Rousseau, son novelas epistolares, sentimentales, pero moralizantes sobre la pasión amorosa, la virtud y la respetabilidad personal y familiar.

Tristan Shandy (1759-1767) de Lawrence Sterne es una narrativa desordenada sin trama precisa, constantemente interrumpida por digresiones y derivaciones, y con una tipografía audaz que incluye paginas en blanco, asteriscos, párrafos rayados y garabatos que es una celebración de la invención literaria y es una novela de como escribir la novela, la autobiografía del protagonista.

En Las desventuras del joven Werther (1774) muchos jóvenes alemanes se visten como Werther, con chaqueta azul y pantalón amarillo, Goethe crea el prototipo de héroe romántico, el joven melancólico y desesperado en rebeldía contra la sociedad, enamorado sin esperanza e inevitablemente abocado hacia el suicidio, con ese sentimiento trágico de la vida tan germano.

Jean François Boucher

Es un artista versátil, que confecciona infinidad de temas, desde religiosos y mitológicos hasta retratos, escenas campestres y pastorales, así como paisajes.

Su fama llega hasta Suecia, de donde recibe encargos para las colecciones reales.

Posee influencias de Jean-Antoine Watteau, Giovanni Battista Tiépolo y Peter Paul Rubens.

Interpreta la naturaleza y los paisajes con gran pasión y también hace retratos de clientes nobles o mujeres desnudas.

Escenas idílicas, mitológicas y alegóricas caracterizan su estilo galante.

París, 1703-1770, hijo de un artesano y pintor

Es el perfil de la pintura galante francesa que nace el 29 de septiembre de 1703 en París, es pintor, escenógrafo e ilustrador de libros.

Boucher aprende los conceptos básicos de la pintura de su padre Nicolas, un diseñador industrial y miembro de la Académie de Saint-Luc.

Formado con el pintor François Lemoyne, uno de los principales pintores históricos de la época.

1727-1731 visita Italia para ampliar sus conocimientos, donde pinta en el transcurso de su estancia temas históricos y religiosos.

En Italia visita Roma, Génova y Parma, dedicando su tiempo a estudiar la obra de Correggio y de los venecianos.

El éxito llega a Boucher a través de sus escenas galantes donde el artista encuentra su estilo.

Más tarde aprende el arte del grabado en la casa del grabador Jean-François Cars, reproduciendo en esta etapa obras de Watteau.

donde conoce al editor Jean de Jullienne, para quien confecciona infinidad de grabados

Nunca deja el grabado y sigue ilustrando libros durante toda su carrera.

1734 es admitido en la Académie donde presenta la obra Rinaldo y Armida, hoy en el Musée du Louvre, y en 1737 es nombrado profesor de esa institución.

Recibe su primer encargo real en 1731: una serie de cuatro grisallas para el apartamento de la reina en el palacio de Versalles, desde entonces es requerido por la corte para distintos trabajos durante el resto de su vida.

Boucher alterna la pintura con la decoración de los objetos más diversos: muebles, abanicos, porcelanas de Sèvres y telones de teatro con escenas bucólicas.

En su etapa de madurez, entre 1734 y 1764, destaca la década de 1740 en la que ejecuta varias de sus obras maestras.

Es decorador de la Academia Real de Música entre 1744 y 1748, el de director de la fábrica de tapices de los Gobelinos en 1755 y el de director de la Académie en 1765.

1765, el rey Luis XV lo nombra pintor de la corte del rey.

 Realiza decoraciones para castillos reales y pinturas para habitaciones privadas reales.

Protegido de Madame Pompadour, expone en los Salones desde 1740, siendo objeto de encendidos comentarios y críticas por parte de Diderot en la década de 1760, momento en el que la estética de Boucher comienza a declinar.

Fallece el 30 de mayo de 1770 en París y su nombre, como el de su patrona, Madame de Pompadour, y sus obras son la expresión perfecta de la pintura galante francesa.

La incógnita de si los libros de Voltaire y Rousseau hacen o no revoluciones es una cuestión falaz, ya que los libros son la revolución.

Lo fueron en el Renacimiento y lo son en el Siglo de las Luces.

El féretro de Voltaires es depositado en el Panteon de hombres ilustres creados por la Revolución el 11 de julio de 1791.

 Cuatro años más tarde en 1794 los de Rousseau.

La Revolución Francesa declara a los filósofos Ilustrados del XVIII como sus promotores intelectuales, un argumento del que primero se apropia el pensamiento ultracatólico y contrarrevolucionario y mas tarde la propia historiografía de la Revolución.

La asociación Ilustración/Revolución Francesa es errónea.

El pensamiento ilustrado es una revolución cultural, pero a medio y largo plazo.

Su influencia inmediata y directa sobre los acontecimientos de 1789 es mínima.

Las ideas de la Ilustración influyen en círculos minoritarios de la aristocracia y la nobleza rural europea, en los salones y medios literarios -muchos de ellos sostenidos por aristócratas o por comerciantes y hombres de negocio enriquecidos- y en medios profesionales de las ciudades (abogados, funcionarios, profesores, publicistas, médicos).

La Revolución Francesa, honra a Rousseau en muchas ocasiones y en diferentes formas.

Pero la idea de la Ilustración tiene escasísimas, si no nula relevancia en la conciencia popular parisina que estalla en 1789.

Rousseau por ejemplo  detesta la violencia.

Voltaire 1694-177, Françoise Marie Arouet, es quien mejor encarna el perfil de la Ilustración.

Con sus virtudes, pero también con todas sus contradicciones.

Es ante todo un polemista, pero no un gran pensador como Montesquieu, ni mucho menos un filosofo como Hume o Kant.

Es un escritor y un intelectual especialmente brillante e ingenioso, pero no excepcional.

No todo en su vida y en su carácter es irreprochable.

Es un hombre valeroso e intelectualmente honesto pero también un individuo caprichoso, ávido de dinero y a menudo seducido por los monarcas absolutos (supuestamente ilustrados) y por los halago del poder.

En su relación con Catalina de Rusia y Federico II de Prusia puede ser hasta en determinados momentos servil y el valor de las propiedades y fortuna que adquiere -especialmente su finca de Ferney en Suiza y de las rentas anuales que le proporcionaron es inmenso.

Su obra poética y teatral envejece rápido.

Sus estudios históricos como Historia de Carlos II, El siglo de Luis XIV, Ensayo sobre las costumbres y espíritu de las naciones, Historia del Imperio de Rusia bajo Pedro el Grande, son al contrario excelentes.

Crea una nueva forma de interpretar la historia, que es una interpretación filosófica de la historia pero con una base de erudición extraordinaria y un sentido crítico agudo y certero, historia como explicación (no como crónica narrativa) y como contribución positiva a la creación del pensamiento más racional e inteligente.

Sus narraciones breves y sus novelas son excelentes.

Cándido (1759) es un prodigio de mordacidad e ironía, de precisión y rapidez narrativa de Voltaire (a quien una ficha policial de 1748 describe como alto, seco y con aire de sátiro) satiriza despiadadamente el optimismo filosófico, la religión la guerra, la nobleza, las artes y los clásicos.

Voltaire es sobre todo el símbolo de la fuerza y la verdad de la razón frente al fanatismo y la injusticia.

Sus dos contribuciones a la humanidad es la defensa de la tolerancia frente al fanatismo religioso (resumida en su eslogan Ecrasez l´infame, Aplasten al infame aparecido en 1762 y argumentada en su Tratado sobre la tolerancia en 1763 y su pasión por la libertad de expresión, por la libertad de pensamiento.

Greuze, La boda de pueblo

Paralelo a la pintura galante hay otras notables corrientes destinadas a tener una gran influencia posterior, como la del género sentimental de Jean Batiste Greuze (1725-1805) o el naturismo de Jean Batiste Simeón Chardin (1699-1779).

Ambos hacen cuadros de género a los que les dan un aire moderno en los que abundan escenas populares o bodegones tipo los flamencos y los holandeses.

Greuze muestra sus escenas populares a la misma altura que la pintura histórica.

Greuze hace un guiño al espectador para buscar complicidad con un toque sentimental, para eso busca a los niños y muchachas adolescentes por lo general campesinas a las que idealiza.

Es a su vez un guiño a Rousseau que defiende la bondad natural frente a la corrupción social.

Destacan El amor filial, El cántaro roto, El fruto de la buena educación y La boda de pueblo.

La boda de pueblo es un óleo sobre lienzo de 1761.

Es una pieza del gusto cortesano de la época que presenta escenas idílicas.

 Los delicados gestos de los personajes son el reflejo de esta corriente artística.

El lienzo puede ser dividido en dos: las mujeres a la izquierda con sus vestimentas de colores  brillantes, representantes del mundo de la aristocracia provinciana.

A la derecha, con ropajes oscuros, está el mundo masculino de la administración, las leyes y un estado que intenta expandirse hacia el mundo rural.

Nace en en 1725 en Tournus, Borgoña, a orillas del Saona, en una de familia de clase media, se forma en Lyon a finales del 1740 con Charles Grandon. 

1750 se muda a París, donde entra en la Real Academia . 

Durante esta etapa, desarrolla una pintura de arte sentimental. 

Es aceptado como miembro asociado de la Academia después de que presenta Un padre leyendo la Biblia a su familia, el Blindman yerra, y el Colegial de albergue. 

Estas historias moralizantes recuerdan a William Hogarth que 20 años antes, estan de moda entre la clase trabajadora. 

El discurso de Greuze es este género costumbrista.

Se esfuerza por ser pintor de genero de historia (que en su época es el rango más alto del arte). 

Pero, la Academia no acepta su afán de medrar.

Este rechazo le incomoda tanto y se niega a presentar más obras  a la Academia. 

La boda pueblerina o Acordée de village presentada en el Salón de 1761, muestra dos mundos enfrentados.

A la izquierda de la composición el mundo femenino de la intimidad y en la parte derecha el universo masculino de las leyes y los negocios.

Como ya he indicado antes, una vez alcanzado el éxito entre el público y sus pares con estas pinturas de género se embarcó en la búsqueda de un rango superior en la jerarquía pictórica, iniciándose en la pintura de historia, género de mayor rango dentro de la pintura oficial.

Su primera obra en este orden es la llamada Séptimo-Severo reprochando a Caracalla el haber atentado contra su vida, que presenta en 1769. la cual le acarrea la enemistad y críticas demoledoras de Denis Diderot hasta entonces su defensor.

Años más tarde Jaques Louis David, el pintor de la revolución, toma la idea y la desarrolla con exito.

La importancia de la clase media, y de la moralidad, juega un papel importante en el éxito de la pintura de género de Greuze. 

Sus pinturas fomentan las virtudes ordinarias de la vida sencilla, es una llamada a la vuelta de la tranquilidad. 

 Mejor dibujante que pintor, la fama de Greuze disminuye  final de su vida y durante la primera parte del siglo XIX, pero revive brevemente después de 1850, cuando la pintura del siglo XVIII vuelve a florecer. 

El advenimiento de la modernidad en las primeras décadas del siglo XX, ponen de actualidad a Greuze.

Greuze sobrevive a la Revolución Francesa, pero su fama no. 

Muere en París el 21 de marzo de 1805, en la miseria

Sus pinturas están en el Louvre (París), en la colección Wallace de Londres, en el museo Fabre Montpellier y en el museo de Tournus, su ciudad natal.