Es el resurgimiento del arte y la literatura bajo la influencia de los modelos clásicos entre los siglos XIV-XVI iniciado en Italia.

Como muchos otros conceptos históricos el termino Renacimiento es un invento de los historiadores.

El primero en usarlo es Jules Micheleten su tomo VII (1855) de La Historia de Francia (1855-1857) en el que define el Renacimiento como el descubrimiento del mundo y del hombre que sigue a la Edad Media.

Quien fija el concepto es Jacob Burckhardt (1818-1897) con La civilización del Renacimiento, un académico que enseña en la Universidad de Basilea.

Lo circunscribe a la Italia entre el XIV y XV, no como un estilo, un movimiento o un periodo, sino como una civilización como lo es la Antigüedad Clásica o el cristianismo, esto es una totalidad, un sistema orgánico de ideas, creencias y forma de vida, un tipo de poder y Estado (las repúblicas italianas), un mundo complejo de gustos y valores estéticos y morales (fascinación con la Antigüedad, Humanismo), una forma de vida social (refinamiento, sociabilidad).

La esencia del Renacimiento es el desarrollo del individuo, el descubrimiento del mundo (viaje, ciencias naturales, paisaje) y la afirmación de la dignidad del hombre (de ahí el gusto renacentista por la biografía y autobiografía o la importancia del retrato en la pintura renacentista).

El Renacimiento como un espíritu profano, pero no antirreligioso, impregnado de humanismo clasicista y ennoblecido por el arte, la etapa para la que Burckhardt, ve en la democracia de masas, el nacionalismo, la industrialización y el militarismo del siglo XIX que vive, que amenaza a toda la vieja cultura europea que es faro y guía en el mundo en que vivimos.

Plantea un tema muy debatido en historia que es la idea de que el Renacimiento conlleva elementos equívocos.

Implica ruptura con la Edad Media, una ruptura que no existió.

Los hombres del XIV al XVI no saben que viven en el Renacimiento, es la prolongación natural de la Baja Edad Media.

El termino es además demasiado genérico e inespecífico y de geografía y cronología muy imprecisas.

En realidad, hay varios renacimientos.

El primer Renacimiento italiano aparece en la Toscana y el Renacimiento Nórdico de Flandes, Países Bajos y la Borgoña, paralelos pero distintos del italiano, son tempranos y surgen en la primera mitad del siglo XV.

El pleno renacimiento solo cristaliza en Florencia, en Roma en torno a 1500-1520.

El veneciano es tardío entre 1510-1580

En Francia, España, Portugal o Inglaterra el Renacimiento es como en Venecia es del siglo XVI.

Con los focos iniciales de Florencia de los Medici (Brunelleschi, Masaccio, Donatello, Lorenzo Gilberti, Luca della Robbia etc) y en los Países Bajos borgoñés (la pintura de Jean y Hubert van Eyck, Van der Weiden, Memling, Patinir y El Bosco).

La arquitectura civil y religiosa de Amberes, Malinas, Brujas etc y el precedente literario y filosófico de la primera generación del humanismo italiano (Petrarca, Bocaccio, Salutati, Bruni, L. B. Alberti, Valla) el Renacimiento es europeo, un periodo entre 1450 y 1560 y uno de los mas grandes de la historia del arte.

Para Walter Pater autor de Ensayo sobre la historia del Renacimiento, (1873) es la edad de Pico della Mirandola, Boticelli y Della Robbia, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, de la Escuela de Giogione.

Para Gombrich es la edad de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, de Giorgione, da Correggio, de Durero y Hans Holbein.

La edad de la arquitectura de Brunelleschi, Donato d´Angelo, Bramante y Miguel Ángel, Carlo Maderno y Antonio de Sangallo, Jacopo Barozzi da Vignola y Andrea Palladio, de los castillos de Blois y Chambord en Francia y del plateresco en el Alcázar de Toledo y la Universidad de Alcalá en España, y de la música de Giovanni Pierluigi de Palestrina, Thomas Tallis y Antonio de Cabezón.

El Renacimiento política e internacionalmente es un periodo de cambio con la consolidación y expansión del Imperio otomano.

La lucha por el dominio de Italia (1494-1558) provocada por las ambiciones francesas sobre el reino de Nápoles y el Ducado de Milan.

La aparición de nuevo del Imperio de los Hausburgo (Maximiliano I, Carlos I, Carlos V), monarquía universal que abarca, Alemania, España y Las Indias, los Países Bajos, el Franco Condado, el Milanesado, Austria, Bohemia y Moravia.

La hegemonía española con Carlos V y Felipe II, desde mediados del XVI trae un nuevo sentido del mundo.

Los descubrimientos geográficos del XV de los portugueses (costas africanas, océano Indico, India, sureste asiático, China, Japón) y el descubrimiento, exploración y conquista de los españoles (viajes de Colón 1492-1502); descubrimiento del Pacifico en 1513, conquista de Méjico por Hernán Cortes en 1519-1521 y de Perú por Francisco Pizarro en 1531-1533).

La circunnavegación de la tierra por Fernando de Magallanes y Juan Sebastián Elcano en 1519-1521) amplían el conocimiento de la geografía del mundo y enfrentan al hombre con el dilema de descubrir un Nuevo Mundo.

Hay una gran producción de mapas, topografías y atlas, de factura, calidad y precisión extraordinaria.

Los cartógrafos flamencos Mercatos y Otelius crean los atlas modernos, sobre todo el primero, el primer mapamundi en 1569.

Los descubrimientos científicos en astronomía (Nicolas Copérnico, Johanes Kepler, Tycho Brahe, Galileo Galilei) medicina y fisiología (Andrea Vesalius, Parascelso, Miguel Servert, Ambroise Paré), Matemáticas (Johanes Muller, Regimontanus), física (Niccolo Fontana Tartaglia), química y ciencias naturales, transformación de la realidad física y de la naturaleza humana, en algunos casos de la esfericidad de la tierra, gravitación de los planetas alrededor del sol, anatomía del cuerpo humano.

En Sobre el movimiento de las esferas celestes de 1532, Copérnico demuestra que los planetas giran alrededor del sol, y que este y no la tierra es el centro del universo.

Kepler en Misterium cosmographicum (1596) demuestra que los planetas describen órbitas elípticas alrededor del sol.

Galileo Galilei (1564-1642) descubre a través de sus observaciones con el telescopio, las montañas lunares, las manchas solares, numerosas estrellas nuevas, los satélites de Júpiter y las fases de Venus.

Es condenado por la Iglesia, pero relativamente tarde en 1663.

Arrogante, con gran éxito social y cercano a los círculos de poder de Florencia y en Roma, su condena se debe menos a sus trabajos de investigación que a la publicación de sus Diálogos sobre los principales sistemas del mundo (1632) en el que ridiculiza el conocimiento medieval y por tanto cristiano sobre la tierra y la perfección del orden celestial y hacia la observación y experimentación la clave de la explicación del mundo, lo que mucho después se define como razón científica.

Antes de ellos Regiomontanus, procede a corregir y rectificar las mediciones astronómicas erróneas de Almagesto de Ptolomeo, un trabajo decisivo para rectificar las mediciones astronómicas y cartográficas posteriores.

La imprenta en Nuremberg es capital para la impresión y difusión de libros e imágenes científicas de todo tipo.

En 1543, el mismo año que Copérnico publica Sobre el movimiento de las esferas celestiales, el medico flamenco Andrea Vesalius publica Sobre la estructura del cuerpo humano, el primer tratado de anatomía del cuerpo humano, basado en la disección de cadáveres que realiza delante de estudiantes en Padua, y en el estudio minucioso de órganos, nervios, músculos, arterias y huesos humanos.

Ambriose Pare médico del ejército de Italia de Francisco I, al descubrir la cauterización de las heridas por arma de fuego y la ligadura de vasos sanguíneos, crea la cirugía moderna.

William Harvey que estudia en Cambridge y Padua (donde Vesalius y Galileo son profesores) lleva a cabo un descubrimiento revolucionario que publica en 1628 Motu cordis (sobre el movimiento del corazón), la circulación de la sangre del corazón, las arterias y las venas y de estas al corazón.

Así, aunque el Renacimiento sigue creyendo en profecías, milagros, hechicerías, hadas y nigromancias, y es un periodo de profunda revisión y tensiones religiosas que termina en la Reforma luterana y cambia la conciencia de la humanidad.

El humanismo renacentista esta asociado al neoplatonismo florentino de Marsilio Ficcio y Pico della Mirandola y también en Roma al papa Pio II (Enea Silvio Picolomini) y a la Academia de Nápoles y a la obra de entre otros de Erasmo, Luis Vives, Tomas Moro, convertidos en una Republica de la Letras gracias a la imprenta, supone una nueva visión del hombre, de la búsqueda de la razón a través de la especulación filosófica y del estudio de los clásicos greco-romanos.

La literatura renacentista, una literatura en lengua vernácula, una literatura ya nacional y muy difundida gracias a la imprenta, esto es el mundo de La Celestina (1527), El cortesano de Castiglione (1527), Las aventuras de Gargantua y Pantagruel de Francois Rabelais, El lazarillo de Tormes (1553) de los poetas isabelinos Philip Sidney, Edmund Spenser, o de Os Lusiada de Luis de Camoens 1572), y Jerusalén liberada de Torcuato Tasso de 1575, del ensayismo de Michael Montaigne (1580).

Es un mundo profano, secular, culto, civilizado, muy alejado ya del espíritu religioso de los ideales épicos y caballerescos de la Edad Media.

Beltrand Rusell escribe en Renacimiento Nórdico que es muy diferente al de Italia porque no es anárquico o amoral, por el contrario, esta asociado a la piedad y la virtud pública.

Erasmo y Moro lo encarnan, ambos desprecian la filosofía escolástica.

Ambos aspiran a una reforma eclesiástica desde dentro, pero deploran el cisma protestante cuando surge.

Los dos son ingeniosos, tienen humor y son escritores muy experimentados

Como pensamiento y como moral, el Renaciiento Nordico (Países Bajos, Inglaterra, Alemania y Francia) que hay que asociar no solo con Erasmo y Moro sino también con Vives, Budé, Lefevre y Reuchlin, es un renacimiento de raíz cristiana y no de inspiración greco-romana como el Renacimiento italiano.

Un humanismo cristiano, una corriente de pensamiento que ve en el ejercicio de la razón, en el saber erudito y científico, en el sentido común, en la moderación y en la imitación de Cristo como vía para la perfectibilidad del hombre, los fundamentos de la virtud y de la moral, y por tanto de la salvación individual y los fundamentos de la vida pública y del poder.

El humanismo cristiano pudo haber sido el pensamiento rector, la razón espiritual del mundo del Renacimiento europeo.

En la primera mitad del siglo XVI esa es la posibilidad real.

Lo encabeza Erasmo que cuenta con el apoyo del emperador Carlos V, Francisco I de Francia, Enrique VIII de Inglaterra y Margarita de Angulema (Reina de Navarra).

El Humanismo cristiano cuenta con centros de poder (Universidades como la de Oxford, Bolonia, Lovaina, Salamanca, Mompellier, Cracovia y otras) de vehículos de difusión de sus ideas, la imprenta y el libro.

Su ideario integra en una nueva síntesis muchas de las doctrinas y tendencias intelectuales que se discuten en los grandes centros entre los siglos XIV y XV.

El Humanismo Cristiano, busca definir desde la razón, la crítica, la erudición, la esencia espiritual del cristianismo y construir así la base de la ética europea.

El humanismo cristiano es un movimiento europeo.

Erasmo nace en Roterdam, formado en la tradición de la devotio moderna de los Países Bajos y ordenado sacerdote en 1492, si bien el Papa Julio II lo dispensa de sus votos, estudia en Paris, reside en Oxford y Cambridge, donde es profesor de Teología y de Griego, y tiene una intima amistad con Moro, John Colet, William Grocyn y otros humanistas ingleses y viaja y vive en Francia, los Países Bajos e Italia (Turín, Padua, Venecia, Roma) hasta que en 1521 se establece en Basilea.

Luis Vives nacido de padres judíos en Valencia en 1492 y muerto en Brujas en 1540, estudia en Paris, se establece en Brujas donde conoce a Erasmo y enseña en diferentes momentos en Paris, Lovaina y Oxford en el Corpus Christi College.

Tomas Moro es hijo de un juez, estudia en Londres y Oxford, tiene una carrera brillante como jurista y Enrrique VIII lo incorpora a su Consejo, lo ennoblece, lo hace primero presidente de la Cámara de los Comunes y luego Canciller, cargo precedente del de primer ministro y del que dimite en mayo de 1532 por su oposición al proceso de ruptura con Roma impulsado por Enrrique VIII, por lo que es ejecutado en 1535.

Guillaume Budé hombre de posición acomodada, ocupa cargos de relevancia en la administración de Luis XII y Francisco I (embajador, alcalde de Paris, inspector real) y logra que el rey cree el esplendido College de France como alternativa humanística a la Sorbona para el estudio de lenguas clásicas, la especialidad de Budé y el hebreo.

La mayoría de las personalidades mencionadas tienen un gran prestigio intelectual en Europa.

Erasmo tiene una muy clara conciencia europea, Vives la usa como titulo de su libro Las divisiones de Europa y la Guerra Turca.

La principal obra de Erasmo (Adagis, Elogio de la locura, Equiridion o manual de caballero cristiano, su edición de 1516 del Nuevo Testamento, Coloquios etc) tienen continuas rediciones y son traducidas a las principales lenguas europeas.

En Utopias Tomas Moro presenta una sociedad plenamente igualitaria como la forma ideal de gobierno, tiene un éxito inmediato.

Johanes Reuchlin es el máximo hebraísta europeo.

La Reforma y la Contrarreforma católica terminan por hacer imposibles los planteamientos del humanismo europeo.

A Erasmo un hombre sutil y muy ambiguo no le gusta nunca ni el dogmatismo teológico de Lutero ni sus doctrinas sobre la predestinación y polemiza con él en sus escritos De libero arbitrio (1524).

La Iglesia Católica lo acusa en cambio de haber preparado la Reforma y condenas sus escritos.

Tomas Moro, un hombre enigmático y reservado que como el resto de humanistas cristianos cree en la necesidad de reformas en la Iglesia, pero no en la Reforma de esta, y así combate el luteranismo en su escrito Dialogo sobre la herejia de 1528, se opone a la separación de la Iglesia británica y la Iglesia católica    que impulsa Enrique VIII.

Dimite como canciller antes que firmar la Ley de Supremacía (1532) que hace del Rey la cabeza del clero británico y se niega después a jurar la Ley de Sucesión que declara invalido el matrimonio entre Enrrique VIII y Catalina de Aragón, desautoriza al Papa y hace herederos a los hijos de Ana Bolena, por lo que acusado de traición es decapitado en 1535, aunque la Iglesia católica no lo canoniza hasta 1935.

Jaques Lefevre junto a Guillaume Bude, el principal exponente del humanismo francés, es acusado de luteranismo por teólogos de la Sorbona y los tribunales de Paris y huye a Estrasburgo primero en 1525 y a la corte de Margarita de Navarra en 1531.

Los descendientes de Budé son perseguidos como sospechosos de protestantismo tras la masacre de los hugonotes en la Noche de San Bartolomé (24 de agosto de 1572).

Luis Vives un hombre discreto, bueno, sosegado (nació, estudio, escribió y murió según Ortega) cuya obra aborda mucho de los temas del humanismo como la beneficencia, la educación cristiana de la mujer, la organización de la paz, las pasiones y las sensaciones, las cualidades de las cosas, sufre igualmente, pero por razones distintas.

La Inquisición persigue cruelmente a su familia en Valencia por su condición judía, que debe ser la razón o una de las razones por las que se marcha de España en 1508 y rechaza luego en 1522 la catedra que le ofrece la Universidad de Alcalá.

Ortega en algunos artículos para la prensa argentina, dice en una conferencia en 1940 en la capital de los humanistas cristianos, que son un puñado de intelectuales que vivieron su personal vocación entre los conflictos de su tiempo (protestantismo, ruptura de la unidad moral de Europa, guerras políticas etc) en el marco de una crisis histórica de la que germina una vida nueva.

Diálogos con el lugar

Richard Long o el lugar como escenario del acontecer

Para Richard Long cada lugar requiere una intervención única de tal forma que la pieza confeccionada allí, no podría estar en otro sitio ya que dialoga con el lugar, como en el Sahara cuando dibuja un círculo en el suelo para dejar constancia de su paso dejando una señal.

Esta señal es un rastro del acontecer, huellas que unas veces hace visibles y otras invisibles.

Long no quiere crear espacios sino abrir el lugar a la mirada de ahí que sus señales sorprendan por su carácter sencillo e ingenuo.

Los otros lugares

Christo y Jean Claude recubren un espacio que tiene un sentido directo con el entorno.

Al ocultar mediante tela emergen las formas naturales del sitio que se dejan ver mejor.

La valla corriendo (California 1972-1976) esta muralla de tela que recorre 40 kilómetros en California, es una parodia del telón de acero que dividía el mundo capitalista del comunista, también es comparada con la muralla china.

La forma en como refleja la luz la convierte en un espejo.

 Andrew Goldsworthy no entiende el arte como un objeto;

Lo importante no es la hoja o la piedra con la que trabajo sino el proceso que hay tras ella. Eso es lo que estoy intentando entender, la naturaleza como un todo y no como un elemento aislado de ella.

Su filosofía trasciende al proceso artístico o espiritual que le lleva a descubrir los mecanismos de la naturaleza, por eso su relación con ella es intima como Richard Long.

Lo mismo trabaja con hielo que, con las hojas de las plantas, con los tallos, con los pétalos, con las flores o cualquier otro elemento natural.

Trabaja con las manos sin ningún instrumento que no sean los que le confiere la naturaleza.

Debo tocar las cosas…nunca uso ninguna herramienta, cuerda, pegamento, prefiero explorar los límites de la naturaleza y explorar las tensiones que existen en la propia tierra.

Las formas como escritura

Para Smithson hay una relación entre la lingüística y el paisaje.

Así entiende la línea de alquitrán que forma la carretera como una frase y lo que vemos a ambos lados, signos de puntuación.

La torre se percibe como signo de exclamación, el humo como interrogación y las luces coloreadas como los puntos.

Smithson ve el paisaje como un texto, pues la investigación de un lugar consiste en extraer conceptos de datos sensoriales a través de percepciones directas.

La percepción es anterior al pensamiento cuando se trata de definir el lugar, lo que hace es exponerlo y hacerlo legible.

La línea del horizonte es una sintaxis total vaciada de contenido compuesta por morfemas.

Intervenir el paisaje supone en poner comas, espaciar el texto es lo que hace Richard Long cuando recorre un paisaje, convirtiéndolo con sus intervenciones en un poema visual.

 El lugar cerrado

La galería entendida como único lugar donde enseñar la obra es un espacio tan restrictivo como a principios del XX es el marco para mostrar la pintura.

Pero combinada con el espacio abierto resulta ser buena aliada del Land Art, cuya intención no es tanto acabar con las galerías de arte como ensanchar sus límites.

Hasta entonces se entiende la galería como un cubo blanco hermético donde se proyectan las frustraciones de la pequeña burguesía restrictiva, de hecho la galería se construye de acuerdo a leyes tan rigurosas como la catedral medieval, donde el mundo exterior no interfiere por ello tiene las ventanas selladas.

Todo eso acontece mientras la estética se convierte en una forma de elitismo social.

El espacio de la galería es exclusivo, es caro y no es accesible para no iniciados, está muy intelectualizado.

El arte difícil, los objetos raros, la audiencia elitista, la dificultad de comprensión son productos del esnobismo social, económico e intelectual que cataliza y parodia nuestro limitado sistema de producción, nuestra forma de asignar valores.

Nunca un espacio alberga mejor los prejuicios de la clase media alta.

Pero a pesar de esta revisión del espacio cerrado todos los artistas de Land Art exponen sus obras en la galería a través de documentos, ya sean fotografías, mapas, videos o textos o instalaciones como los no lugares de Smithson, quien considera el espacio interior de la galería como parte dialéctica de su obra exterior.

No se puede estar constantemente por ahí fuera y regresar sin nada.

La representación de la obra tiene en la galería un carácter conceptual siendo la única vía de acceso.

Eso supone complicación para el espectador acostumbrado al objeto artístico, como ocurre en el Campo de relámpagos de Walter de María donde el espectador es pasivo.

El público tiene que leer la obra a través de los documentos.

Dialéctica entre espacio interior y exterior

Las obras de Land Art que se ven en el exterior seducen al espectador por su grandeza y conexión con lo telúrico, son accesibles estéticamente pues la comprensión de la obra no juega un papel tan importante en la percepción, pues es suficiente con la sensación.

Cuando la obra se transfiere al espacio cerrado de la galería ocurre algo diferente, pues o bien el artista transfiere la obra de forma conceptual o bien realiza obras semejantes al exterior con materiales recogidos del lugar.

Mientras Richar Long expone círculos de piedra o líneas de ramas recogidas en el recorrido otros como Dennis Openheim, Nancy Holt o Michael Heizer introducen fotografías del lugar con textos informativos.

La documentación de la obra no ha de ser considerado como mera representación del lugar sino como parte de la obra que ha servido y sirve para descubrir y trabajar en ella.

No es un simulacro del lugar, sino forma parte de él.

De ahí que las palabras, las imágenes fotográficas y cartográficas, las películas, son sustancias semejantes al agua, la piedra o la tierra.

Con ellas también se modela, se fractura, se interviene en el territorio, de tal manera que entre la obra presentada en la galería y la realizada en el exterior, se genera una dialéctica eficaz que una parte no se explica sin la otra.

Esta dialéctica afuera/adentro es significativa para Smithson para quien la galería es un espacio central pues es donde se abstrae el proceso y donde se estructura mentalmente la obra.

De tal manera que el binomio espacio interior-exterior cobra un significado estético que el resume en otro formado por lo abstracto y lo natural.

Esta es la base de su teoría site-non site.

El lugar es la realidad cruda, es la tierra o el suelo en la que se interviene.

El no lugar es una abstracccion de aquel.

Los no lugares pueden constar de dos elementos interactivos a la vez: un contenedor, que alberga elementos del lugar (roca, arena, carbon) y un mapa del lugar (o fotografía aérea) cortado con la misma forma geométrica que la del contenedor.

Site-non site son dos dominios que se interrelacionan y son difícilmente separables.

Son tan inseparables como el reflejo lo es del espejo.

La dialéctica entre el espacio interior y el exterior

Las obras de Land Art del exterior seducen al espectador por su conexión con lo telúrico o por su grandeza.

Son fácilmente accesibles desde el punto de vista estético ya que la comprensión de la obra no juega un papel tan importante en la percepción porque con la sensación es suficiente.

Cuando la obra se transfiere al espacio cerrado de la galería es diferente, pues o bien el artista presenta la obra de modo conceptual o bien realiza obras semejantes a las del exterior con materiales recogidos del lugar.

Así mientras Richard Long expone círculos de piedra o líneas de rama recogidas en el recorrido, otros como Dennis Oppenheim, Nancy Holt o Michael Heizer, introducen fotografías del lugar con textos informativos.

Esta documentación de la obra no es considerada una mera representación del lugar, sino como parte de la obra que ha servido y sirve para descubrirlo y trabajar en él.

No es un simulacro del lugar, sino que forma parte de él.

Por ello las palabras, las imágenes, la cartografía, las películas son semejantes al agua, la piedra y la tierra.

También se modela con ellas, se fractura e interviene el territorio, de tal manera que entre la obra presentada en la galería y la realizada en el exterior se genera una dialéctica tan eficaz, que la una no puede ser entendida sin la otra.

Esta dialéctica entre afuera y adentro es determinante en Smithson, para quien la galería es un espacio central, pues es donde se abstrae el proceso y donde se estructura mentalmente la obra.

El binomio espacial interior-exterior para él es lo abstracto y lo natural.

Ambos dominios se interrelacionan de tal manera que es difícil separarlos.

Son tan inseparables como el reflejo lo es del objeto que lo refleja.

La imagen especular es de lo mas utilizado por Smithson tanto en sus lugares como en sus no lugares.

El espejo epitomiza en si la convergencia dialéctica entre el lugar y el no lugar, ya que para Smithson el espejo es a la vez un contenedor o una superficie non site y sus reflejos son site.

Los reflejos por su naturaleza inmaterial pueden ser manipulados hasta desintegrar al objeto que reflejan, hasta convertirlos en una abstracción, en un non site del lugar.

En Los Nueve desplazamientos de espejos que hace en 1969 durante un viaje al Yucatán en 1969, Smithson experimenta intensamente las falacias de la mimesis, aprovechando para parodiar la practica de la pintura que entiende el arte como reflejo de la naturaleza, de la realidad.

De forma irregular coloca los doce espejos en 9 sitios elegidos a lo largo de su viaje fortuito, sin un recorrido organizado.

Unas veces entierra los espejos en la arena, otras en las ramas de un árbol, otras en las hojas, otras en las rocas.

Primero elijo el sitio por el interés que tiene el material (hojas, piedras) luego agrupo los espejos y uso el material crudo para apoyarlos.

La luz actúa entonces como un opuesto al pigmento, que es básicamente una capa que recubre.

En su artículo Incidentes de espejos, Viaje al Yucatán (1969) aprovecha para distinguir la pintura matérica que la entiende como una superficie que cubre, que oculta, y el verdadero color, es decir la luz que reverbera en la superficie de los espejos, que lejos de ocultar muestra a cada instante los cambios experimentados en la atmosfera y consiguientemente en el objeto que reverbera.

Por eso dice que la luz es el color peligroso, desleal y arriesgado, no como la domesticada sustancia que sale de los tubos de pintura.

El texto que muestra sus intervenciones en Yucatán es una reflexión sobre el arte y la mirada en torno al espejo cuyas imágenes espectrales contestan o responden a la pintura tradicional.

Para ello coloca los espejos sin un orden, de manera irregular pues solo así consigue el objetivo deseado, esto es desestructurar el objeto que reflejan.

Y así el artista detecta la falsedad en la apariencia de lo real, formándose al final una visión escéptica sobre las nociones de la existencia, de los objetos y de la realidad.

El espejo para Smithson es una abstracción atemporal y los reflejos son ejemplos efímeros que eluden conformarse.

Los objetos son espacios simulados, son el excremento del pensamiento y del lenguaje, son los fantasmas de la mente.

Pero la verdadera ficción erradica la falsa realidad, por eso el arte trabaja sobre lo inexplicable, trabaja con la no existencia de las cosas, con el objeto desestructurado, con el no objeto.

El esto es aquello aristotélico base de la mimesis no solo como parecido sino también como imitación, ya sea figurativo, abstracto, interno o externo se resquebraja.

Por ello la superficie del espejo ya no puede ser entendida por la razón ni siquiera por aquella razón que explica lo irracional.

Los reflejos especulares caen sobre la superficie sin lógica, fragmentando el espacio euclidiano, borrando la huella del tiempo, invalidando cualquier aseveración.

Smithson desmaterializa el arte como cosa para recordar que la mirada es la que crea.

Con los espejos su dialéctica de espacio abierto, exterior y el cerrado, interior cobra una nueva dimensión como si fuera  la galería dispone los espejos de forma irregular para destruir la ilusión de un mundo veraz y desestructural, dentro lo hace de forma regular.

El espejo refleja lo que allí no hay, ya que el material crudo que acompaña lo trae de fuera y lo hace dentro del espacio, medible y racional.

Su objetivo es pues la reverberación nítida y clara de lo ausente, para de esa forma reflejar la acción del propio espejo y confeccionar así, toda una metáfora critica del arte como doble.

Robert Smithson, Contenedores de No-Lugar Mono Lake, 1968

Cuando genera el No-lugar, lo hace inspirándose en las sensaciones de cuando viaja a la zona desértica de Las Vegas, al norte de California.

En Mono Lake, todo parece desaparecer de tal manera que el lugar no exista, es como un espejismo que desaparece a medida que te acercas al horizonte.

El mapa que utiliza para el viaje le resulta desconcertante y divertido, pues es un mapa que explica como ir a ninguna parte, por ello en su no lugar el mapa está vacío, solo está el marco que lo limita sin centro.

El No-lugar alude en este caso, pero también en general, a la incapacidad de ver, si se tiene en cuenta la cantidad de significados, como un juego de palabras que este nombre tiene en su idioma original.

En ingles lugar (site) y no lugar (non-sight) suenan fonéticamente igual que ver (sight) o no ver (non-sight), por lo que un no-lugar es algo que no puede divisarse.

Para Smithson uno de los sentidos del no-lugar es el proceso de desmaterialización que se lleva a cabo con la naturalidad del lugar, que desaparece por abstracción.

Por ello sus no lugares implican una crítica al arte tradicional que basa su existencia en la mirada, en la contemplación.

Su no lugar es un no al arte retiniano.

No-lugar, Mano Lake, introduce un sentido diferente al no lugar.

Aquí el artista utiliza el concepto como sinónimo de no-espacio y en ese sentido se relaciona con otros no espacios que son impersonales, que no tienen una idiosincrasia, como los de las autopistas.

Un lugar que podría considerarse un símbolo de la vida americana en los años sesenta para los que como Smithson crecen en torno a la beat generation, con On the road de Jaques Kerouac.

A mediados del XV los 14 estados italianos con diez millones de habitantes, parecen estados viables.

Cinco de ellos, el Ducado de Milán con 1,2 millones de habitantes, la Republica de Florencia con 750000, la Republica de Venecia con 1,5 millones, los Estados Papales con 2 millones y el Reino de Nápoles con 2 millones, se encuentran entre los más importantes de Europa.

La Italia septentrional -el Milanesado, la Toscana, el Véneto- siguen siendo por el volumen de su comercio, el desarrollo de su vida financiera y de sus manufacturas, por la densidad de población y su capacidad de consumo, uno de los puntos neurálgicos de la economía europea, con el sur de Alemania, los Países Bajos y el Norte de Francia.

Política y territorialmente, los estados italianos del Quattrocento son estados mas fuertes y autoritarios que las admirables ciudades-estado de los siglos XII-XIII-

Por un lado el régimen político y de muchas ciudades autónomas dentro de estos, deriva a finales del XIV hacia la señoría, esto es al dominio dinástico de familias notables de la oligarquía y el patriciado urbano como los Visconti y los Sforza en Milan, los Medicis en Florencia, los Malatesta en Rimini, los Della Scala en Verona, los del Este en Ferrara, los Gonzaga en Mantua, los Montefeltro en Urbino, la casa de Saboya en Piamonte etc.

Por otro lado, Milán, Florencia y Venecia integran bajo sus dominios amplios territorios.

El ducado de Milán, titulo reconocido a los Visconti en 1395, abarca toda la Lombardía, las ciudades de Parma y Piacenza en el sur, y la Valtelina y Bellinzona en el norte.

Florencia domina toda la Toscana salvo Siena que los españoles integran en 1555 en el ducado de Toscana que crean con los Medicis como duques en 1532.

Venecia incluye como imperio ultramarino Dalmacia, Corfú, Creta, Chipre y en tierra firme el Véneto, Verona, Brescia y Bérgamo.

Los Estados Papales reorganizados a partir de 1357 por el Cardenal Gil de Albornoz tras la larga estancia de los papas de Aviñón (1309-1376) amplían su territorio a lo largo de los siglos XV y XVI, extendiéndose de Ferrara a Bolonia al norte hasta la Campania marítima fronteriza por el sur con el reino de Nápoles.

El régimen oligárquico de las Señorías refuerza el policentrismo italiano.

Italia no es una mera expresión geográfica.

Constituye a su modo, una unidad cultural.

Todos los estados italianos tienen conciencia de su pasado común y del peso que la herencia de Roma tiene en su conciencia.

El pasado romano es en la mayoría de los casos -Venecia de origen bizantino es la gran excepción- parte principal del origen de los mitos de ciudades y señorías, y factor de legitimación de su soberanía y aspiraciones.

Italia es una comunidad espiritual católica.

A pesar del episodio de Avignon, Roma es capital de la cristiandad.

La religión cristiana impregna la vida moral, social y familiar de toda Italia.

La extensión desde el siglo XII del dialecto toscano como lengua estándar de las elites urbanas hace de la península una comunidad literaria con la Divina Comedia de Dante Alighieri, el Cancionero de Francesco Petrarca (1470), el Decameron de Govanni Bocaccio, El Principe de Nicolas Maquiavelo (1515), El Cortesano de Baltasar Castiglione (1528) y Vida de los mas excelentes escultores y arquitectos de Giorgio Vasari (1550).

El publico culto italiano tiene tempranamente algo muy parecido a una literatura nacional.

Italia es un mercado común artístico y literario.

Andrea Mantegna nacido en Padua, trabaja desde 1460 en Mantua.

Leonardo da Vinci, florentino trabaja en Milan y luego en Roma.

Sandro Botticelli y Domenico Bigordi, conocido como Ghirlandaio, florentinos también, trabajan en Roma, en la Capilla Sixtina.

Perugino lo hace en Roma, Florencia, Luca, Bolonia y Milan.

Piero della Francesca nacido y muerto en Borgo San Sepolcro trabaja en Ferrara, Rimini, Ancona, Pesaro y Bolonia.

Por poner un ejemplo los Este en Ferrara, ciudad que gobiernan desde el XII a finales del XVI (y cuyas bellísimas plazas inspiran a Giorgio de Chirico en el siglo XX), reúnen a Mantegna, Piero della Francesca, Giovanni Bellini y Tiziano Vecello y a los escritores Ludovico Ariosto (Orlando Furioso, 1516) y Torquato Tasso (Jerusalén liberada, 1580).

En Mantua de los Gonzaga (1328-1708) que tiene una de las mejores colecciones de arte de toda Europa, buena parte de ella vendida a principios del XVII a Carlos de Inglaterra, trabajan Leon Batista Alberti como arquitecto, Antonio di Puccio Pisano, Pisanello como pintor y Andrea Mantegna como pintor de corte entre 1460 y 1506.

La fragmentación del país y su policentrismo político muestra su debilidad en 1494 cuando se produce la penetración en Italia de los ejércitos de Carlos VIII, rey de Francia, tiene consecuencias positivas.

Los estados italianos del XV (Florencia, Milan, Venecia, Roma, Napoles-Sicilia, Siena, Genova, Saboya-Piamonte, Monferrato, Luca, Mantua, Ferrara) fueron ámbitos de soberanía de dimensiones idóneas para la acción -embellecimiento urbanistico, mecenazgo artístico- que en su beneficio y al servicio de la política llevan a cabo desde el poder las oligarquías señoriales italianas.

Cosme de Medici que controla la Republica florentina entre 1429-1464, sin ocupar cargo oficial alguno construye en Florencia la iglesia de San Lorenzo (por Filippo Brunelleschi) y el palacio de los Medici (Michelozzo di Bartolomeo) y reconstruye el convento de San Marcos, con frecos de Fray Angelico.

Su hijo Pedro que tiene a su servicio a Andrea Veroccio y Filippo Lipi, encarga a Benozzo Gozzoli los bellísimos frescos de la capilla del Palacio Medici.

Lorenzo el Magnifico  (1469-1492) es un experto en arquitectura, un excelente poeta y un gran coleccionista de libros (la imprenta se establece en Florencia en 1477) y de obras de arte, y gestiona personalmente la presencia de artistas florentinos como Botticelli, Ghirlandaio, Antonio Pollaiuolo o Verochio en otras cortes italianas al servicio de Florencia.

Bajo su mandato y con su apoyo y con personalidades como Pico de la Mirandola y Marsilio Ficino, el gran estudioso de Platón y el inspirador del platonismo florentino, Florencia lidera la vida intelectual europea.

El desarrollo urbanístico de Italia en la segunda mitad del Quattrocento es espectacular.

Los papas de ese periodo, (Martin V, Nicolas V, Pio II, Pablo II, Sixto IV, Inocencio VIII) hacen de Roma objeto de masiva reconstrucción, un gran centro del humanismo, de los estudios clásicos y de la creación artística.

Confeccionado en 1970 en el Gran Lago Salado del desierto de Utah, cuyos alrededores Smithson denomina de eslabón perdido, este muelle se pliega en si mismo en unas aguas rojas por la presencia de algas marinas.

La densidad de sal es tan elevada que se puede divisar rocas blancas de sal rodeando el lago.

Agua roja, rocas blancas de sol y basalto negro que halla en la orilla, constituyen el soporte que utiliza para la configuración de la pieza.

De gran tamaño, esta pieza tiene tres umbrales perceptivos que se corresponden con tres preposiciones inglesas; desde el aire (out), desde el suelo (in) y desde dentro del muelle (at).

Desde el avión se percibe la pieza a gran escala, lo que permite apreciarla dentro del paisaje que se inserta.

Con ello su forma adquiere un valor enigmático con el entorno que la rodea.

Desde el suelo, la obra se percibe aislada y mas acorde con la escala humana, con lo que el muelle se engrandece en relación a nuestro punto de vista.

Dentro de la espiral la obra nos envuelve, ya no esta en la naturaleza, sino nosotros en ella, y solo la percibimos de forma fragmentada.

Dentro de la espiral la obra nos envuelve, ya no esta en la naturaleza, sino nosotros en ella, y solo la percibimos de forma fragmentada.

Lo que se percibe ahora no es la pieza sino barro, cristales salinos, rocas y agua.

Estas tres perspectivas se corresponden con las que Smithson metafóricamente introduce en su muelle.

En sus escritos insiste que la sal es un componente esencial de su obra, ya que cada molécula cristalizada se encuentra tanto en su obra como en la nebulosa que da origen el universo.

Detenida en el tiempo, Smithson otorga movimiento a su espiral a través de la cámara, con la que filma la obra desde el helicóptero en sus distintas fases de creación.

Si hubiera sido un objeto de arte tradicional, el muelle hubiera permanecido inaccesible para la casi totalidad de la humanidad, pues no solo se encuentra en un lugar recóndito sino que además desaparece bajo el agua debido a las fluctuaciones del líquido del lago.

Fuera del contexto tradicional, la obra Muelle en espiral es la película, las fotografías y el texto que se escribe.

Todos estos documentos no son la obra, sino la propia obra, Smithson reivindica la mirada en directo y no en diferido.

Heinrich Wolfflin (1864-1945) escribe Renacimiento y Barroco en 1888 y fija el concepto de Barroco, el paso del Renacimiento al Barroco que tiene gran importancia histórica.

El Barroco supone desde su perspectiva, la transformación completa y radical del Renacimiento que expresa un tiempo nuevo.

Es un término peyorativo usado antes por ilustrados del XVIII, Rousseau, Diderot, como sinónimo de confuso, caprichoso y extravagante, que hace referencia a una época del XVII y primera década del XVIII, caracterizado por la magnificencia, el esplendor y la ornamentación exuberante y fantástica.

Es una época de guerras y crisis nacionales (políticas, económicas, demográficas) pero no un tiempo de crisis general.

XVII hay una expansión de imperios coloniales europeos.

1607 Inglaterra establece su primera colonia Jamestown, en América del Norte.

1620 los padres peregrinos en realidad disidentes puritanos llegan a Massachussets, en el Mayflower.

1683 William Penn funda Filadelfia y la colonia cuáquera de Pensilvania.

1655 Bermudas, Antigua, Barbados, Jamaica, St Kitts quedan a la largo del siglo bajo jurisdicción de la Corona británica.

La Compañía de las Indias Orientales establece sus primeros enclaves en la India (Bombay y Calcuta).

1603 Samuel de Champlain toma posesión en nombre de Francia de Terranova, Nueva Escocia y Nueva Francia, futura Canadá francés, Montreal es fundada en 1643.

1697 Francia se hace con un pequeño imperio en las Antillas (Guadalupe, Dominica, Martinica y en 1697 Haití) y con emplazamientos en Senegal y el Indico (Madagascar y Reunión).

1602 Holanda a final de este siglo es la mayor potencia comercial del mundo y es hostigada por Francia e Inglaterra.

Los holandeses se establecen en 1602 a través de sus compañías de las Indias Orientales y en 1621 de las Indias Occidentales, en el Caribe (Guayana, Tobago, Curaçao), América del Norte (Nueva Ámsterdam 1623), África (colonia del Cabo, 1652), el Indico (Mauricio, Ceilán), la India y el Pacifico (Malaca, Sumatra, Java, Borneo, Célebes, Molucas).

En Europa más que crisis general lo que hay es un cambio de poder (si se quiere de sistema internacional).

La Guerra de los Treinta Años (1608-1648) que implican a casi todo el continente, supone el inicio de la decadencia española y la subida de Francia como primera potencia continental.

Supone también el fin de la pretensión de los Habsburgo de fundamentar el orden internacional sobre criterios dinásticos y religiosos y la consolidación en su lugar de la Europa de los estados, sancionado por Tratado de Westfalia el 24 de octubre de 1648.

Estados en los que el poder y la administración, a cuyo frente aparecen los reyes y sus validos o privados (como el duque de Lerma, el conde duque de Olivares, el cardenal Richelieu, cardenal Mazarino, duque de Buckingham etc) queda definitivamente centralizado en la corte.

El arte del Barroco se asocia a la Roma de Francesco Borromini y Gian Lorenzo Bernini, la pintura de Pieter Paul Rubens, a la grandiosidad de Versalles de Luis XIV y al gusto por el teatro sacramental de Calderón, Monteverdi etc y al exceso ornamental de muebles, jardines, tapices etc.

El Éxtasis de Santa Teresa (1645-1652) en la Capilla Cornaro de la Iglesia de Santa María de la Victoria de Roma de Bernini es la pieza mas brillante y representativa del Barroco.

La santa es arrebatada, transportada, turbadora, sensual, dramática y es transportada por el amor divino.

El barroco es un término complejo.

El Barroco es un estilo mundial o más que los estilos precedentes, como revela el éxito del barroco en la arquitectura barroca en América española y portuguesa, o el gusto del Barroco en porcelanas y lacas chinas y japonesas.

Pero el Barroco no gusta en países como Gran Bretaña, Holanda y los estados escandinavos, es decir los países protestantes.

Los desfases cronológicos son también evidentes.

En Italia Roma, Nápoles, Venecia, Turín, es algo que pertenece al XVII.

El Barroco austriaco y bávaro (Salzburgo, Iglesia de San Carlos de Viena, Iglesia de Neresheim y Vierzehnheilingen), el Barroco portugués y brasileño y en general el también excepcional Barroco americano en cambio tienen su momento en el XVIII.

XVII arquitectura española de la Plaza Mayor y el Ayuntamiento de Madrid dominado por un estilo severo y sobrio de El Escorial.

XVIII Pleno Barroco la Universidad de Valladolid, la Plaza Mayor de Salamanca, Hospicio de Madrid, Fachada del Obradoiro de Santiago de Compostela, Barroco andaluz, casa del Marques de Dos Aguas de Valencia.

El barroco tiene rasgos comunes como el colosalismo, movimiento, ruptura de planos, suntuosidad decorativa, efectismo dramático, pero hay variables estilísticas nacionales.

XVII el clasicismo francés de Versalles, la Plaza Vedome de Paris, el Teatro de Pierre Corneille y Jean Racine, la pintura de Nicolas Poussin, los palacios, palacetes y jardines de la aristocracia francesa, la estatuaria clásica de Pierre Pouget.

XVII También la intensa religiosidad de la pintura y escultura española de ese mismo siglo, las Inmaculadas de Murillo, el intenso patetismo de las esculturas religiosas de la Semana Santa responde a planteamientos estilísticos y morales muy diferentes.

Aun siendo coetáneos, Caravaggio, Bernini, Rubens, Velázquez, Poussin y Rembrandt crean universos artísticos, obra, estilo, temas, acusadamente propios y muy diferentes entre si.

Llamar barroca a la música ascética y contenida de Johanes Sebastian Bach, un protestante, es una incongruencia.

1637, en pleno Barroco Rene Descartes publica el Discurso del Método.

La grandeza, complejidad y opulencia del estilo barroco conviven a la perfección a una época 1600/1620 a 1730/1750, que ve (con la excepción de Inglaterra) el triunfo de la monarquía absoluta y la afirmación plena tras Trento de la Iglesia católica.

La Roma barroca del XVII es la afirmación de la Contrarreforma triunfante.

Quería hacer del vasto espacio del desierto algo más humano, no quería hacer un monumento megalítico.

La vista panorámica del paisaje es demasiado grande para ser entendida sin puntos de referencias visuales, pues el conjunto se desdibuja más que enfocarse.

Por medio de los Túneles parte del paisaje se enmarca y se enfoca.

Confeccionados entre 1973-1976, estos 4 túneles de hormigón se hallan en un terreno adquirido por la propia artista para su instalación al noroeste del desierto de Utah.

Organizada alrededor de un circulo de cemento a ras del suelo, dos de los túneles están orientados hacia el eje noreste-sureste, mientras que los otros -dos lo están hacia el eje noreste-sureste, de tal forma que a través de ellos se puede divisar los solsticios de verano e invierno.

La artista desea introducir al viajero espectador en la dimensión cósmica del tiempo, pero sin involucrarle por ello en un espacio desmesurado.

Advierte de la dificultad de calcular las escalas en el desierto:

Los túneles parecen muy grandes vistos desde unas cuatro millas; mas cerca, desde una milla, el equilibrio relacional cambia siendo difícil apreciar su escala.

También la estructura del conjunto cambia según desde el punto de vista desde el que se miren los túneles.

Divisados desde el centro, los túneles transportan visualmente al observador hacia el horizonte del paisaje, abriendo el espacio percibido.

Lejos de los túneles, si nos colocamos frontalmente siguiendo uno de sus ejes, de tal forma que dos de los túneles se alinean exactamente, se aprecia que el eje se sitúa detrás para desaparecer.

Visto desde un punto de vista angular, los dos túneles de frente parecen converger y cancelan la visión de los dos que hay detrás.

Desde el interior los túneles envuelven, donde cualquiera se puede resguardar del sol y de la misma luz para percibir el universo nocturno, ya que, en la parte superior de cada uno de los túneles, existen una serie de perforaciones que se corresponden con las estrellas de las cuatro constelaciones.

Así estos túneles solares son también mapas estelares donde se dibujan los astros por medio de la luz solar que pasa a través de las aberturas realizadas en la superficie.

Cada perforación tiene una dimensión distinta de acuerdo con el tamaño de la estrella que representa.

Mediante estos mapas estelares que se proyectan en el interior de cada túnel, Holt quiere;

Que el día se torne noche en noche y se produzca la inversión del cielo: las estrellas se dibujan en la tierra y las manchas de calor en los fríos túneles.

Es un concepto histórico y religioso reduccionista y engañoso además de simplificador.

De hecho la Contrarreforma, la respuesta católica a la Reforma protestante, es un movimiento muy complejo, no una mera reacción dogmática contra la herejía y el error.

La reforma católica es en realidad un largo proceso de reforma espiritual cuyas primeras realizaciones son anteriores a Lutero y que se prolonga hasta mediados del siglo XVII.

En España la reforma católica comienza a finales del XV y principios del XVI con Francisco Jiménez de Cisneros (1433-1517`) franciscano, confesor y consejero de la reina Isabel la Católica, arzobispo de Toledo (1495-1517), regente del reino en 1506-1507, cardenal e inquisidor general de 1507-1517.

Cisneros reforma las órdenes religiosas, prohíbe las indulgencias antes que Lutero las ataque en Alemania, refuerza la Inquisición -Tribunal creado a instancia de los Reyes Católicos en 1480 para perseguir el judaísmo y los conversos- y crea en 1499 la Universidad de Alcalá de Henares al servicio de una mejor formación religiosa de la Iglesia, cuya primera gran obra es la Biblia Poliglota (seis volúmenes 1514-1517) que incluye junto a los textos hebreos, traducciones revisadas en griego y latín y un diccionario hebreo-caldeo.

En Italia el rigor religioso de Girolamo Savonarola (1452-1498), el dominio que entre 1494 y 1498 establece en Florencia una  republica teocrática, genera un espíritu profético y místico que luego inspira alguno de los movimientos mas radicales de la Reforma.

Savonarola denuncia al papa Alejandro VI (Rodrigo Borgia, padre de Cesar y Lucrecia Borgia y Papa entre 1492 y 1503) como simoniaco, herético e infiel, y posiblemente llevara razón total tuvo 7 hijos entre otras siendo Papa.

 Es revelador también la creación en Roma en 1511 del Oratorio del Amor Divino, una fraternidad de sacerdotes laicos para fomentar la piedad y las buenas obras.

Son miembros Cayetano de Thienne y Gian Pietro Caraffa, el futuro Pablo IV, Gian Mateo Giberti, mas tarde obispo de Verona, el futuro cardenal Gaspar Cortarini y Jacobo Sadoleto después obispo de Carpentras.

Todos ellos hombres piadosos, de profunda religiosidad trabajan por limpiar la Iglesia de vicios y abusos y por devolver el sentido autentico a su misión, la pasión y la excelencia espiritual.

Los cardenales John Fisher, el principal enemigo a la reforma anglicana de Enrrique VIII, como Tomas Moro decapitado por ello y Reginal Pole, pariente cercano del rey de Inglaterra y arzobispo católico de Canterbury durante el reinado de María Tudor, son igualmente humanistas cultos, sinceramente religiosos y decididamente reformistas.

Pole estudia en Oxford y Padua y es amigo de Erasmo y Moro.

El Concilio de Letran (1512-1517) que se hace antes de la ruptura protestante, condena la simonía -comprar mediante sumas de dinero- en las elecciones pontificias y plantea algunas reformas del clero y la curia romana.

Cayetano de Thienne y Gian Pietro Caraffa crean en 1524 la Orden de los Teatinos, la primera orden de clérigos regulares que practican como ejemplo la pobreza evangélica.

Mateo de Bascio reforma en 1528 la orden de los franciscanos creando los capuchinos.

Antonio María Zacarias funda en 1530 los barnabitas, una orden de predicadores con base en Milán.

Ignacio de Loyola, un vasco rectilíneo, tenaz y taciturno, crea el 15 de septiembre de 1534 en Montmatre la Compañía de Jesús, aprobada por el papa Pablo III, uno de los pilares de la Contrarreforma, una institución disciplinada y jerarquizada, puesta al servicio del Papa y guiada por una espiritualidad pragmática y culta, guiada por el rigor intelectual y filosófico y no por la piedad o la liturgia.

Angela Merici funda a su vez en 1535 la Compañía de las Ursulinas, orden dedicada a la enseñanza femenina, con éxito temprano en Lombardía y Francia.

La reforma de la Iglesia está en marcha.

Con todo Roma está gobernada hasta mediados del XVI por papas desastrosos Julio II, Clemente VII, el único que no lo fue es Adriano VI, un buen teólogo y un prelado de moral estricta, solo gobierna entre enero de 1522 y septiembre de 1523, opta ante el desafío protestante por una definición amplia y oficialista y debidamente publicitada de sus doctrinas, de sus prácticas litúrgicas y devociones y de su aparato institucional y de poder.

Esa es la obra del Concilio de Trento (13 de diciembre de 1545 a 6 de diciembre de 1563), uno de los mayores acontecimientos del catolicismo convocado por Pablo III, un Farnesio astuto y duro que antes de reunir el Concilio aprueba la Compañía de Jesús y el restablecimiento de la Inquisición romana e impulsa el papel diplomático del papado y el embellecimiento del Vaticano (es él quien incorpora a Miguel Ángel a la Capilla Sixtina y a las obras del edificio.

Trento aprueba una masa de legislación importante.

Fija el canon de las Escrituras, declarando la Vulgata, la traducción y revisión de los Evangelios hecha en el siglo IV por San Jerónimo, texto autentico de la Biblia frente a otras producciones, por supuesto la hecha en alemán por el propio Lutero en 1524.

Reafirma frente a los protestantes la teoría del pecado original y de su rescate por el bautismo.

Contra la doctrina luterana de la salvación solo por la fe y la gracia, el Concilio perfila la teoría católica de la salvación: pecado, redención, justificación por Cristo, vida de la gracia, méritos, buenas obras.

Reafirma la vigencia y obligatoriedad de todos los sacramentos (en su mayoría negados por los protestantes) como bautismo, confirmación, eucaristía, penitencia -contrición, confesión y absolución-, extremaunción.

Desarrollado en tres periodos bajo cuatro Papas (Pablo III, Julio III, Pablo IV, Pio IV, a lo largo de 25 sesiones y con participación de 300 prelados y teólogos.

Trento reafirma el poder del Papa y la disciplina interna de la Iglesia (obispos, párrocos) y confirma toda la vigencia de la cuestión doctrinal y liturgia cristiana: la misa como sacrificio de Cristo, el purgatorio, la invocación y veneración de los santos y de sus imágenes, el sacerdocio como orden y sacramento (no como contrato), los votos de religiosos y de monjas.

Trento reafirma la Iglesia católica.

La hace más rígida e intransigente en su doctrina, mas aparatosa e imponente en su liturgia, mas uniforme, beligerante contra la herejía y el error, más absolutista y centralizada.

Pablo IV publica el primer índice de libros prohibidos y hace de la Inquisición uno de los primeros elementos de la Contrarreforma.

Humanista y reformista en su juventud, el Papa se instala ahora en el fanatismo y la violencia.

Detesta España y a la Compañía de Jesús, excomulga y encarcela a algunos de sus anteriores colaboradores, como el cardenal Givanni Morone, uno de los hombres de Trento y piensa en perseguir a Carlos V y Felipe II.

Pero el Concilio de Trento rehace el mundo católico y le da instrumentos, valores y principios que le van a permitir sobreponerse con éxito considerable a la gran crisis que es la ruptura de la cristiandad por el protestantismo.

Pio V que es un dominico que fue Inquisidor general, publica el catecismo romano, los nuevos breviarios y misal aprobados en Trento y proclama a Santo Tomas de Aquino como el pensador oficial de la Iglesia.

Excomulga a Isabel I de Inglaterra e inspira la cruzada contra los turcos que lleva a la victoria de Juan de Austria en Lepanto (1571).

Sixto V un franciscano autocrático, austero y firme, un gran gestor y posiblemente el gran Papa de la Contrarreforma, reforma la curia y todo el gobierno de la Iglesia, afirmando el poder papal sobre cardenales, arzobispos y obispos a los que obliga a acudir regularmente a Roma para informar sobre su diócesis.

Reurbaniza y embellece Roma y el propio Vaticano, a la vez que sanea la ciudad y pone fin a la violencia y a la delincuencia en sus calles.

Anima a España a enviar la Armada Invencible contra Inglaterra y afirma la reafirmación y extensión del catolicismo en Francia y Polonia.

La Contrarreforma que cuenta con excelentes obispos y arzobispos a nivel local, tiene el apoyo del Imperio de Carlos V, Fernando II, Maximiliano II, de la España de Felipe II y de Maximiliano I de Baviera.

En España se asocia con la teoría escolástica, Melchor Cano, Domingo de Soto, Benito Arias Montano, Francisco Suarez, con el colosal esfuerzo del Escorial, con la mística de Santa Teresa y San Juan de la Cruz y la literatura de ensayo religioso, Fray Luis de Leon, Fray Luis de Granada, con el teatro de Temas sagrados como Calderon de la Barca y la pintura y escultura religiosas y devocionales del XVI y XVII como El Greco, Zurbaran, Murillo, Pedro de Mena, Gregorio Fernandez etc.

Carlos Borromeo cardenal y arzobispo de Milan hace de su ciudad bajo dominio español entre 1535-1713 el modelo ideal de la ciudad de Dios, una vía a la Contrarreforma asociada por el propio cardenal y su sobrino, Federico Borromeo, también arzobispo de Milan a la espiritualidad, el arte y la cultura.

El jesuita Francisco Javier compañero del fundador inicia en solitario la evangelización de la India, Ceilan, Malaca, Las Molucas y Japón antes de morir de agotamiento cerca de Cantón.

Pedro Clacer otro miembro de la Compañía de Jesús acomete en América, en Cartagena de Indias la evangelización de esclavos negros de los que bautiza unos 300000.

Felipe Neri vive en Roma donde funda la Congregación del Oratorio dedicada a las obras de penitencia y caridad.

La Francia del XVII, la de Richelieu y Luis XIV no solo es la Francia del Clasicismo sino la de San Francisco de Sales, obispo de Ginebra que escribe Introducción a la vida devota y Tratado del amor de Dios, y de San Vicente Paul, el aposto del misionerismo rural que en 1625 crea los lazaristas o sacerdotes de la misión, para evangelizar las parroquias abandonadas y que multiplica las cofradías de caridad por toda Francia.

Hay también una Francia que expulsa a los hugonotes y que persigue el janseanismo, que es un movimiento puritano cristiano basado en la creencia de la predestinación cuyo símbolo y epicentro es el convento de Port Royal.

Urbano VIII e Inocencio X son los últimos grandes papas del XVII, no por su religiosodad o por su labor frente a la diplomacia vaticana, al contrario Urbano VIII, indeciso entre España y Francia no sabe mediar en la Guerra de los Treinta Años e Inocencio X no sabe defender los intereses católicos en la Paz de Westfalia de 1648.

Su importancia radica en que con ellos se completa la definitiva transformación de Roma en la capital espiritual del mundo.

 Aunque tras Westfalia deja de ser un poder en el mundo, cerca de 700000 peregrinos acuden a Roma en 1650 para hacer la visita a todas sus grandes basílicas.

Es un genio, pero pocos artistas pasan a la historia con un expediente tan tremendo como Caravaggio, quien, tras alcanzar la gloria rápida, se hunde al poco en el descrédito.

Y no por su mala fama moral de la que se hacen eco sus admiradores contemporáneos, y al cuestionamiento de su valía como pintor.

Tras media docenas de años en Roma sobreviviendo de mala manera, a finales de 1590 se polariza la atención artística, pero entre esa fecha y la de 1606 en la que mata en duelo a Ranuccio Tomassoni y emprende una huida sin retorno, en 7 años hace una sensación incomparable, en parte al suceso de escándalo, tanto por su forma de pintar como por su mala conducta, contrastada a través de los procesos judiciales.

Da la impresión de estar poseído por una fiebre de creación unido a un afán autodestructivo.

Como fugitivo sobrevive cuatro años mas sin que le sirva el salvoconducto de su genio, pues por un motivo u otro el éxito le hace recaer en sus peores andanzas con lo que fallece sin rendirse y en soledad a los 39 años.

La corriente que él alumbra, la del naturalismo claroscurista, cae pronto en desuso, y a partir de1620, en la que se impone el clasicismo barroco mas acorde con la Roma triunfante, su nombre se asocia con la destrucción en arte y apenas si es recordado.

La reivindicación de Caravaggio data de la segunda mitad del siglo XX, cuando a raíz de la exposición que auspicia Roberto Longhi de Caravaggio y los Caravaggistas en 1951, este artista empieza a alcanzar un gran prestigio entre el gran publico hasta convertirse en uno de los maestros históricos mas apreciados de la pintura moderna.

Académicamente su provocativa novedad artística es porque es el iniciador de la corriente del naturalismo claroscurista, lo cual es correcto, pero como toda formula, insuficiente.

La fórmula del claroscuro es un invento del tardomanierismo y el naturalismo, una tendencia propiciada por el mundo de la Contrarreforma que fomenta el protagonismo de la presencia de lo popular en la representación devota, en parte para obtener una mayor implicación en la gente humilde (para no perder la cuota de mercado ahora que perdían clientes con el protestantismo), en parte porque se mostraba mejor el mensaje anti humanista de la precariedad del ser humano y por lo tanto del imprescindible socorro de la Providencia.

También influye el Concilio de Trento que defiende la pertinencia del culto de las imágenes, pero limitando las licencias interpretativas que se practican hasta entonces, es decir ordenando que las representaciones artísticas se atengan de forma literal a los textos sagrados.

 Su capacidad innovadora esta más en el uso que hace de esas condicionantes que en su invención.

Caravaggio no ignora la tradición artística del Renacimiento clásico y de su remodeladora crisis del XVI que se denomina Manierismo, con lo que su revolucionario estilo no es por un corte abrupto del pasado sino por su reinvención.

Hay pocos datos sobre su infancia y primera adolescencia, que debe el apodo por el topónimo de su pueblo próximo a Bérgamo, hijo de un albañil Fernando Merisi y Lucia Aratori, quizás de la pequeña nobleza local, quiere ser pintor y se educa en Milán con Simone Peterzano, un pintor de Bérgamo que se presenta como discípulo de Tiziano.

Se instala en Roma en 1592 con un bagaje bien nutrido de las tendencias del norte de Italia durante el ultimo tercio del siglo XVI.

Hay que recordar la influencia de la espiritualidad de la Contrarreforma de la Lombardía entonces bajo dominio español, sobre todo a través de la impronta del arzobispo Carlo Borromeo, un hombre muy obsesionado por la reanimación de la fe al estilo del Concilio de Trento.

Esto tiene su importancia porque Caravaggio al margen de su creencia religiosa, e independientemente de su vida disoluta o de su homosexualidad, se termina haciendo un compulsivo y sorprendente pintor de escenas devotas.

Su obra se divide en tres periodos: la que realiza en Roma entre 1592-1599: la que sigue haciendo allí entre 1599-1606; y ya prófugo la que hace en Nápoles, Malta y Sicilia, entre 1606-1610, el año en que muere cerca de Porto Ercole, camino de Roma, habiendo obtenido por fin el indulto.

En cada etapa muestra una singular y rutilante personalidad.

Cada una de ellas posee un designio y una temática diferente, pero sin dejar de estar escalonadas entre si como peldaños que le llevan a reinterpretar por completo (a reinventar mas bien) la pintura religiosa.

El primer movimiento en esa dirección es el encargo y la realización de las pinturas sobre San Mateo en la Capilla Cortarelli de la iglesia de San Luis de los Franceses 1599-1601 cuyas innovaciones causan gran sensación a la vez que polémica.

Así como la Capilla Cerassi en la iglesia de Santa María del Popolo 1600-1601 con los cuadros La crucifixión de San Pedro y La caída de Saulo también envueltos en polémica.

El cuadro del altar del Entierro de Cristo 1602-1604 para otra capilla de la iglesia de Santa Maria in Varicella conocida como Chiesa Nuova, supone un punto de inflexión en la trayectoria de Caravaggio, porque junto a los efectos naturales de las anteriores hay elementos de la tradición clásica romana lo que quizás explique su mayor aceptación general.

Aunque este cambio puede explicarse como reacción del pintor frente a las criticas anteriores y ante el peligro de perder clientela, no cabe duda de que supone un desafío a los que le acusan de no saber utilizar los recursos tradicionales, logrando además una notable síntesis entre lo viejo y lo nuevo.

La Chiesa Nuova es una institución ligada a la orden contrarreformista de los oratonianos de San Felipe Neri, cuyo espíritu esta marcado por la devoción sencilla y emocional, nada incompatible al naturalismo de corte popular.

El tema está recogido en todos los evangelios donde se cuenta que un hacendado José de Arimatea reclama el cuerpo de Cristo muerto y lo deposita en su propia tumba.

Hay discrepancias de quienes asisten a la ceremonia, pero Caravaggio se toma licencias al respecto, como la exclusión de Arimatea, la inclusión de las tres Marias, y mas sorprendente San Juan, lo cual hace evocar el momento del descendimiento, nombre que también recibe este cuadro.

La figura mas sobresaliente y que sirve de gozne para articular el grupo es la de Nicodemo, que solo se sabe que es el que unge el cadáver de Cristo.

La inclusión y relevancia que le presta Caravaggio no pasa desapercibida, desde el punto de vista artístico y moral, porque supone dar preeminencia a un representante secundario de la piedad popular, pero por otro explica mejor que nadie las características del naturalismo.

La figura de Nicodemo que abraza las piernas de Cristo inerte para sostener su peso esta en primerísimo plano a la derecha con todo su inclinado cuerpo visible, recibiendo el haz de luz que le da relieve y brillo a sus toscas piernas desnudas y por si fuera poco es el único que vuelve su cara al espectador mientras el resto esta absorto en otras direcciones.

Quizás este protagonismo de Nicodemo este hecho por centrar la escena en el manejo del cuerpo de Cristo muerto, aun en volandas a manos de Nicodemo y San Juan que lo abraza mas íntimamente, el pecho de uno sobre el pecho del otro, aunque ello no apague el dolor del duelo, como ostentosamente lo manifiesta María Magdalena y María por no hablar de la Virgen María, caracterizada como mujer de mayor edad y la delicada ternura de San Juan.

Ninguna de las figuras se mira entre sí, aunque la Virgen y San Juan lo hacen en dirección al cuerpo.

El conjunto posee la fuerza plástica de un grupo escultórico, lo que hay que atribuir a la evidente orientación clasicista que imprime Caravaggio a esta composición.

El entierro de Cristo no solo es una excelente obra de madurez, unánimemente aceptada por sus contemporáneos, sino que muestra por primera vez la capacidad de síntesis entre tradición e innovación de Caravaggio.

Da una lección asombrosa de como armonizar el grupo a través de la gravidez del sagrado cuerpo, que sostienen los dos varones pero cuyo esfuerzo físico implica a las dos mujeres.

 La composición es un perfecto ejemplo de sabiduría clásica

Esta obra maestra influye en Rubens, Fragonard, Gericault o Cezanne.

Caravaggio tras esta obra maestra pinta unas cuantas mas durante los seis años de vida que le quedan consumido en duelos y quebrantos hasta el último día.

Es un conjunto de obras en Buffalo Rocks (Otawa, Illinois) que realiza Heizer entre 1983-1985 tras ganar un concurso que convoca Edmund Thorton, presidente de la compañía Silice, para recuperar una zona minera antigua y degradada por la explotación.

El terreno hoy recuperado esta a cargo de Medio Ambiente y forma parte del parque natural Buffalo Rocks State Park.

Para reconstruir la zona destruida por la agresiva industria del hombre moderno, Heizer mueve 460000 metros cúbicos de tierra y añade 6000 toneladas de caliza para rebajar la acidez y permitir que la vegetación crezca de nuevo allí.

La recuperación ecológica se asocia a las 5 piezas de esculturas que componen el total de la obra, un túmulo en forma de rana, otro en forma de tripula, otro en forma de tortuga marina, otro en forma de pez siluro y otra de serpiente.

Esta es la única obra de Heizer que presenta estructuras orgánicas que no obstante han sido geometrizadas para hacer de ellas una alegoría de la fauna original de ese territorio cuando estaba habitado por los indios.

Sus túmulos -construidos aprovechando las formas existentes de las minas para abaratar la intervención se asocian con otros que hacían los indios y cuyas formas también se asemejaban a pájaros, osos, serpientes y otros animales.

En esta pieza Heizer ha buscado los modelos propios de la prehistoria americana para rememorarla.

Conecta con el pasado remoto y la colonización de la tierra americana por el hombre blanco.