Es peligroso continuar el trabajo de un arquitecto como Mies van der Rohe, considerado un pope de la Modernidad.
Esto hace Rem Koolhaas, cuando anuncia un nuevo plan para el campus del Instituto de Tecnología de Illinois en 1998.
El carácter del campus lo establece Mies van der Rohe durante su estancia aquí como profesor.
A Mies el instituto le debe el Crown Hall.
El plan de Koolhaas es muy diferente al de Mies.
Donde Ludwig Mies opta por una reinterpretación purista del Movimiento Moderno de la idea de una ciudad griega ideal, el Plan de Koolhaas representa una línea de pensamiento muy diferente.
Esto es un campus universitario de finales del siglo XX, diseñado con la complejidad de un mundo de opciones aparentemente interminable.
Para Kool Haas y la Oficina de Arquitectura Metropolitana (OMA), la ciudad moderna es algo con dinamismo, narrativa y de interminables conexiones y posibilidades, un lugar de incertidumbre, posibilidades y encuentros casuales.
Así que aquí no habrá absolutos, ni en términos de camino en el campus, ni en el diseño de los nuevos edificios.
La idea de que un edificio o el plan de un campus o el de una ciudad debería ser un poco como Internet -elije donde quieres ir y que quieres encontrar desde una red casi infinita de caminos y fuentes- sigue siendo radical a final de siglo ¿puede la ciudad y la arquitectura sobrevivir sin incertidumbre?
Esa es la pregunta que se hace Koolhaas y no es fácil contestarla y mucho menos afrontarla.
Rem Koolhaas (Photo by Neil Wilder/Corbis via Getty Images)
El legado de Frank Lloyd Wright comprende 679 edificios proyectados a lo largo de sus 72 años de vida profesional.
Hasta posee una ópera que se le dedica, Shinning Brown
Es un arquitecto inmenso, desbordante, que deja 500 proyectos construidos de las que quedan 433, en su mayoría casas individuales.
De casi mil proyectos que hace, en un país como EEUU, que es un país fungible para la arquitectura, donde una casa suele durar no más de 30 años.
Resume en su propia trayectoria vital, la vida americana, cuando nace, por la muerte de Lincoln que acaba de suceder, le bautizan Frank Lincoln Wright, y que al final de su vida se fotografía con Arthur Miller y Marilyn, buscando un emplazamiento para erigirles un proyecto a los jóvenes recién casados.
Así que se constituye por si mismo en un siglo de América, desde Lincoln a Marilyn.
Como todos los genios no surge de la nada y se alimenta del humus creativo de Chicago esfuerzo posterior, que se quema en 1871, y el esfuerzo por reconstruir, le da a la ciudad un ímpetu, brutal pero extraordinario.
Allí nacen los rascacielos, La Escuela de Chicago, inventa los rascacielos con las estructuras metálicas.
Es contradictorio de Frank Lloyd Wright, que pese a ser el discípulo predilecto de Sullivan, quizás el arquitecto más significativo teorizador y constructor de rascacielos de esa escuela junto con Richardson, que son los inventores de los rascacielos, se dedique a erigir proyectos privados.
Él cambia la historia de la arquitectura, no con rascacielos sino con casas individuales.
De hecho, es un hombre moderno, que rompe la caja, que empieza a hace los planos que se deslizan y todas estas innovaciones formales y estéticas, que se trasladan a Holanda, de ahí a Alemania y cambian el rumbo de la arquitectura moderna para generar lo que luego es el Estilo Internacional.
De hecho, es un hombre moderno, que rompe la caja, que empieza a hace los planos que se deslizan y todas estas innovaciones formales y estéticas, que se trasladan a Holanda, de ahí a Alemania y cambian el rumbo de la arquitectura moderna para generar lo que luego es el Estilo Internacional.
Es sobre todo un artista americano, que proviene del naturalismo romántico, de esa veta de frontera americana, amantes de la independencia, amante de la naturaleza, seguidores de Pogo, de Emerson, de Walt Whitman.
Y resulta que es un gran arquitecto modernos y un tradicionalista romántico
Desarrolla parte de su arquitectura en el siglo XIX y parte de su arquitectura esta teñida de convenciones de ese siglo.
También es el primer arquitecto del siglo XX
Se genera en el marco de la Escuela de Chicago y hay que destacar tres arquitectos que son los que inician este mundo.
Richardson, curiosísimo de Luisiana que estudia en la Facultad de Bellas Artes de Paris porque entonces no hay Escuelas en EEUU.
Al regresar, crea un estilo peculiar como se puede ver en el Marshall Field de Chicago un edificio que hace del románico francés y que de repente altera las convenciones vosartianas con una potencia extraordinaria.
Él cambia a Sullivan con el Auditorio de Chicago. Richardson y Sullivan son esa trinidad donde comienza la arquitectura americana contemporánea o de cualquier tipo.
Porque salvo el presidente Jefferson, un hombre refinado y culto que erige Monticello, y la Universidad de Virginia que introduce el Clasicismo en EEUU, salvo él, la arquitectura norteamericana nace con estos personajes.
El auditorio se hace en una ciudad posterior al incendio, una ciudad llena de vitalidad, llena de inventores y de arquitectos que pueden soñar por encima de las limitaciones que se tienen en Europa y sobre todo ingenieros.
Cuando los arquitectos europeos van a América, no les interesan tanto los arquitectos como los ingenieros americanos que hacen unas estructuras metálicas, inventaban el ascensor, el aire acondicionado, Willis Carrier y Otis, eran los héroes de los europeos.
Pero también hay arquitectos que se contaminaban de esa energía.
1892 se intenta celebrar el Cuarto Centenario del descubrimiento de América con la Exposición Colombina, que al final se hace al final en 1893.
La confecciona Daniel Burham, el gran enemigo de Sullivan, y es como Chicago renunciando a sus raices, y la hace con un estilo bosartiano, y es el final de la Escuela Chicago de esa energía inventora donde vive y se forma el joven Frank Lloyd Wright.
Burham impone un clasicismo francés y hace una propuesta de voluntad clasicista que es la que rechazan estos arquitectos vigorosos de la Escuela de Chicago.
En aquella exposición colombina de 1893 hay dos elementos singulares, una La puerta dorada de Sullivan que entra en contradicción con el estilo afrancesado de Burham, la otra es la reproducción de un templo japonés y que causa un impacto extraordinario en el joven Wright.
Donde esa disciplina vosartiana de Burham es ajena a su interés, pero en cambio en Japón y en las láminas ukiyo-e encuentra una fuente de inspiración que alimenta toda su vida.
Después colecciona estampa japonesa, llega a tener hasta 20000, escribe libros sobre estampa japonesa, se hace marchante y suministra al Metropolitan estampa japonesa que compra en Japón.
Cuando quiere entrar en su despacho, que es la mejor oficina de Chicago, condición indispensable es dibujar muy bien, y hay un dibujo que presenta y que hace que Sullivan lo contrate y ahí esta escrito Mein lieber Lehrer.
El dibujo que le mostré a mi querido maestro cuando le pedi trabajo. Ese dibujo es el que gana el corazón de su maestro.
Lo contrata como delineante jefe del despacho, empieza a aprender haciendo.
Lo contrata cinco años y le dice que ya que confía tanto en él, que le preste 5000 dólares para hacerse una cas y poder casarse porque tiene una novia, supone un acto audaz, el jefe se lo presta y se casa.
Es su primera casa en Oak Park con 22 años, un barrio de una burguesia emergente que despues del incendio, empuja por hacerse un lugar en el mundo economico.
Su proyecto nada tiene que ver con el arquitecto que seria, pero se conserva por fetichismo.
Sullivan esta asociado con Adler que es un ingeniero muy poderoso, y Sullivan tiene el despacho al fondo.
Sullivan es el pensador, el artista y Adler, el hombre practico el que habla con los clientes y Wright aprende de su maestro y del ingeniero Adler.
Su madre es muy importante en su vida, se cambia el apellido, y subraya el apellido de la madre, ya esta creando el personaje, la madre vive por y para el hijo y nada de lo que hace le parece mal salvo, las novias que le parecen todas mal.
Pero es un apoyo total, cuando tiene mas de 60, enferma en Japon se lo cuenta su madre y esta con 85 años se va alli a cuidarlo.
La madre y la familia de la madre, los Lloyd Jones, galeses de religion cristiano unitaria, amantes de la naturaleza, muy buenos musicos todos, su padre tambien, y con una conviccion de ser especiales
La relacion de Wright con la familia de su madre todavia seria mayor cuando en Wisconsin viven en plena naturaleza intentando reconstruir esa utopia agraria.
Las obras que hace para Sulivan son todavía muy Sullivan, pero todavía no es el.
Al termino de su contrato de 5 años, se independiza con su despacho hace su primer proyecto La casa Wislow y ahi si es él.
Durante 15 años hace mas de 100 proyectos y siempre un cliente trae otro cliente.
Esta presentes los elementos de su lenguaje
Wright deja atras a Sullivan y culmina con Las casas de la pradera como el las acuña, dedicadas a esta burguesia emergente que no quiere vivir en la ciudad y se va a estas urbanizaciones residenciales de casas arboladas.
Crea un nuevo estilo enfatizanto la horizontalidad sustituyendo la organizacion de cajas de arquitecturas, por pantallas que no llegan a encontrarse y las ventanas dejan de ser rectángulos que se recortan y pasan a ser bandas entre paños de ladrillos o por debajo de grandes aleros.
Se anuncia no en revistas de arquitectura, sino en revistas de decoracion con un publico femenino, Ladies home journal, para las que dibuja dos casas
1901 las publica, son casas pequeñas con mucho espacio dentro y eso le hace tener muchos clientes, con casas de agua caliente y fria gran ventilacion, etc, cosas que antes no eran tan habituales.
No eran lujos corrientes en el mundo de Chicago.
Hace proyectos de casas agrupadas, para hablar con promotores y que luego las vendas y todo esto de geometrías de formas elementales lo extrae de los juegos de Fruebel, que era un gran pedagogo, que estaba convencido que los niños desde pequeños han de educar su sensibilidad jugando con formas geométricas, uno de los cuales compra su madre, es para Wright le permite llegar a abstracciones tan extraordinarias como la Casa Martí.
Que se ha comparado con un cuadro de Mondrian para el que faltaria 10 años.
Ese proyecto es para un cliente con mucho dinero, y que se puede entender como el neoplasticismo holandes.
Sus proyectos están muy influidos por las estampas japonesas.
El primer viaje a Japón lo hace invitado por unos clientes.
Casi siempre los proyectos se salen del presupuesto pero los clientes le toman afecto.
Mis dos referencias decian son Berlin y Tokio, lo paso muy mal en la II Guerra Mundial cuando su pais estuvo en guerra con sus dos paises de referencia.
Pero Japon siempre fue su tierra prometida que le influye muchisimo en la arquitectura que hace.
Ahora hace proyectos para hombres de negocios con grandes parcelas y gran capacidad adquisitiva, pero siempre con grandes aleros con horizontalidad, con gran afán de pegarse al terreno, con pérgolas, estanque etc.
A eso le llamaba orgánico, hay una relación de las partes con el todo, hay una comunión de integrarse con el paisaje.
Cada detalle esta relacionado entre si, desde el mobiliario a cualquier parte de la casa, en eso si es una construccion del siglo XIX.
Como esa hace 100, en un esfuerzo creativo excepcional.
Hace una que es una obra maestra, con esa transformación de la casa americana ya habría pasado a la historia, por el esfuerzo titánico.
Además de estas casas extraordinarias hace dos dos proyectos espectaculares, como el Edificio Larkin en Búfalo, NY, demolido después de la II Guerra Mundial, en los años 40 por razones económicas, lo que es una pena y el otro es el Templo que todavía sigue en pie.
El Larkin era una compañía que vende por correo productos de limpieza y tenia que hacer una sede administrativa en Búfalo, donde están los empleados que venden por correo, y lo hace un edificio introvertido, tiene ecos de lo que hace en Europa, tiene deuda del edificio de la Secesión de Olbrich, de Viena.
El manifiesto de aquel movimiento vienes, pero hace algo mas, esos dibujos, que es un edificio de oficinas, hace una catedral del trabajo, herméticamente cerrada, pero con avances tecnológicos, que es el aire acondicionado, que emerge desde el sótano.
Un edificio con grandes tecnológicos que quiere mostrarlo monumental como si fueran unos juzgados.
Un interior cerrado con iluminación cenital, con todos los avances mecánicos con todos los avances del momento.
Verlage, el gran arquitecto holandes, es el introductor de las ideas norteamericanas en Europa y una de las cosas que mas le impresionan es el interior del Edificio Larkin, y asi lo refleja en su libro.
Berlage hace la Bolsa de Ámsterdam
Simultaneo a Larkin es otro interior de Otto Wagner, la Caja Postal.
El interior de Larquin, esta lleno de lellendas que estimulan el trabajo, como economia, laboriosidad, entusiasmo, control, cooperacion, iniciativa, inteligencia…
En el conjunto del edificio Larkin, Wright diseña los pupitres con sillas articuladas, en una manifestacion temprana del tailorismo.
Pero si llega el Templo que hace para los cristianos unitarios, el no cree nada mas allá de si mismo y en la naturaleza.
Hay una gran sala, realmente son dos salas, una de culto y otra de dependencias parroquiales, construido en hormigón.
Él lo representa abreviadamente abstrayéndolo, y lo introduce en el Wasmuth porfolio que es imprescindible para la expansión de su obra por Europa y que tiene una grandísima repercusión en los arquitectos jóvenes.
1907 una casa a prueba de incendios por 5000 dólares
Casa Jacob
Su despacho tiene un éxito extraordinario.
Se enamora de la mujer de un cliente, mama Cheney a quienes les hace la casa, le fascina, era una librepensadora, feminista, sufragista y le deslumbra
Desde 1905 son amantes y se lo explican a sus parejas y a continuación se van a Europa, abandonando Lloyd Wright a su mujer y sus 6 hijos.
Es un escandalo en Chicago, porque como un constructor de hogares puede destruir uno, y se va a Europa huyendo.
Courtesy Douglas M. Steiner
Se va a Europa y consigue seducir a los arquitectos y convencerles que sus proyectos los pueden hacer ellos.
Hay un proyecto de Vanhof su editorial, consigue con su presencia en Europa introducir su arquitectura en el debate europeo.
La huida a Europa es muy complicada, pasa un tiempo en Berlín preparando el Porfolio Wosmuth y otro tiempo en Fiésole, en la Toscana, muy cerca de Florencia viviendo un romance.
Y la influencia de lo que hace en lo que hace en Europa tiene una repercusion grandísima, porque hace que cristalice en Holanda el neoplasticismo le debe muchísimo, o Risbel que hace la casa Sweder, van Doesburg etc.
Reinterpretan la poética de Wright
La rotura de la caja de Wright la llevan los holandeses al extremo y ahí se gesta la arquitectura moderna, y los holandeses tienen una gran ventaja y es que no intervinieron en la I Guerra Mundial, y así como en el año 1914 Alemania esta en el fragor de la batalla, ellos pueden mantener un tiempo superior esta condición experimental y beneficiarse de las lecciones de Wright que ha venido como embajador a Europa.
Sobre esto hay dos versiones, la persona que lo invita le dice que vaya a Berlín que va a aprender mucho de Europa, y en su biografía cuenta que le llamaron a Europa a que predicara su evangelio.
Sea como sea en su venida hay un intercambio de información, porque él también se impregna de lo que ve.
Cuando regresa las cosas cambian, no puede volver a Chicago, se instala donde sus ancestros, en una propiedad que su madre le regala en Wisconsin, donde son oriundo los galeses emigrados Lloyd Jones y allí erige Talesim.
Tiene una voluntad ruralista ruralista, en las montañas de Wisconsin, funda su referente, su despacho, inicia su carrera desde otras bases.
Allí se planean dos proyectos muy creativos y hoy desaparecidos, uno es el Midway garden, recién llegado de Alemania, desaparecido por la Ley seca.
Donde ha conocido los bier garden donde se puede comer y beber cerveza al aire libre y los crea en Chicago, donde la influencia japonesa se ve en detalles.
El otro gran proyecto al que dedica casi 10 años de su vida es El Hotel Imperial de Tokio, con una planta colosal, es un proyecto excepcional, en el que parece en un inicio que ha traicionado sus ideas porque es una planta clasicista.
Pero esta presente en el lenguaje decorativo, de gran sofisticación, materializados en el Hotel Imperial, nada mas terminar hubo un gran terremoto y sobrevive al terremoto devastador.
Pero lo abate la especulación inmobiliaria.
1913 proyecta un edificio en San Francisco que no se hace
1914, un sirviente enloquecido mata a hachazos a Mama Cheney, sus dos hijos y cuatro personas mas, siete en total.
A la muerte de esta mujer cae en manos de Miriam Noel, igual de narcisista que el, morfinómana que hacia de vidente para la alta sociedad.
Le escribe una carta de condolencia y al conocerla cae en sus redes y durante diez años
Intenta reconstruir su trayectoria de constructor residencial, traba amistad con una rica heredera, para la que hace la Holy Hook, que es una flor geometrizada, la malvarrosa.
Durante años viajaba a Japón, vive de marchante de estampas japonesas, haciendo el Hotel Imperial de Tokio y haciendo la Holy Hook.
Una obra hermosa pero extraña, parece una extravagancia, mucha de las cosas no tienen explicacion alguna.
En 1921-1923 se instala en California que son exrtraordinarias, cuatro casas, hace un encofrado de hormigon, hace un bloque textil, lo hace en la naturaleza, la casa estoresr, con bloque textil, con sensualidad, la casa Freeman, y la casa Ellis, cuatro casas maravillosas qeu demostraron que la casa no ha perdido el toque.
1923 muere su madre que para él es una gran calamidad pues esta muy unido a ella.
Se casa con Miriam Noel, para divorciarse seis meses después. A su mujer y sus hijos ni casi los visita.
1925 otro terrible incendio destruye Talesim y le produce la ruina económica y se convierte en otra década perdida.
Tiene proyectos pero ninguno se realiza pero que luego recicla, dejan huela posterior
Son diez años en los que hace 5 proyectos, un hombre que con anterioridad en 15 años hace 100 edificios de pronto se ve olvidado.
De todo esto lo rescata Olgivana
Cuando se arruina, sus amigos decidieron que legalmente no se pertenece a si mismo, sino a todos sus amigos que han comprado acciones de su persona, con lo que le inyectaron un flujo importante de dinero para qeu continue con sus proyectos.
Olgivana 30 años mas jove, cambia su vida y le da estabilidad, ella ha estado en una secta y crea una secta con el arquitecto, conlo que le asegura el mantenimiento economico.
Se casa tarde porque su otra esposa no le da el divorcio.
En los años 20 ue eran alegres y habia dinero por todas partes no tuvo trabajo, pero en los 30 con la depresion, gracias a Orgivana, crea el invento de Taliesin y va a ser en adelante como una comuna, de tal manera que los jovenes que quisieran aprender tendrian que pagar un salario, con lo que le asegurarian el mantenimiento del arquitecto.
Con una oficina de proyectos, le daban mantenimiento.
1932 escribe su biografia, muy bien escrita, muy mentirosa, es muy creativa, tiene gran empuje y le da gran popularidad.
De repente vuelve al primer plano de actualidad, Taliesin lo vuelve a reconstruir, es el tercero.
Uno de los primeros alumnos de ese invento es un joven hijo de un hombre rico, que quiere ser arquitecto, que ha estado viajando por Europa, conocia mundo, e ingresa alli
Muchos de sus encargos vienen de padre de sus alumnos.
Hacen una gran maqueta para visualizar su mito rural, todo el mundo viviria en el campo, su utopia agraria, sin ciudad, se manifiesta su voluntad de retorno al campo.
Se dice que es perjudicial porque fomenta las urbanizaciones del mundo que tanto mal han hecho al medio ambiente.
Es el promotor de esas urbanizaciones que las posibilita el automobil, la extension indefinida de la ciudad que aunque este señor es un buen arquitecto es un pesimo urbanista.
Hace dos proyectos extraordinarios, una para el señor Kaufman, dueño de unos grandes almacenes, La casa de la cascada, funda la visión romántica con la racionalidad.
Este proyecto se convierte en un icono, recupera la carrera de Wright, y lo devuelve a la actualidad, y lo convierte en un arquitecto mítico.
Lo hace un arquitecto que vuelve a estar en los periódicos y en los debates de los arquitectos.
El otro gran proyecto que muestra su todavia gran vitalidad, son los laboratorios Johnson.
Con unas columnas con un capitel en forma de flor de lotos, que tenian sus dudas pudiera aguantar y que tambien se convierte en un mito, en una oficina perfecta, y diseña ademas las mesas de la oficina.
1935 su tercer proyecto son las Usonian houses, casas usonianas, casas baratas para la depresión, casas muy modestas, con poca superficie.
Introduce muchas cosas que hoy nos parecen normales, y es su aportación a como se pueden hacer casas cuando hay pocos medios.
Vuelve al primer plano, sigue produciendo proyectos.
Ya abre un Taliesim West donde pasa el invierno, en medio del desierto
Siempre tiene un piano de cola para relajarse.
Salomón Guggenheim le paga una suite con piano de cola en el Plaza de Nueva York mientras erige el museo, aunque el era persona de campo y no le gustaba la ciudad.
Todos estos fenómenos hacen del arquitecto una persona tan famosa que se convierte en portada del Time, que es la consagración en América, y encarna al hombre sabio que ha sabido derrotar a sus enemigos.
Consigue resucitar de sus cenizas y el MOMA le dedica una monografica y lo hace en paralelo a una exposicion de Griffith El nacimiento de una nacion, y lo hace entendiendo que Grifith como Lloyd Wright, habian sido dos constructores de la identidad norteamericana.
Los años de la guerra son años dedicados en los dos Taliesin a sus alumnos.
Pero al terminar la guerra hace una torre singular a Johnson, para los que había trabajado antes.
Su primer rascacielo.
En la exposición colombina propone hace un rascacielos de media milla de alto para alojar a todos los edificios de la municipalidad de Chicago.
Hace una torre en Oklahoma, con una distribucion en turbina tan caracteristica, en medio de la nada, que ha pasado a la historia, a un cliente que le pide que le haga tres plantas y le convence para que le haga mas porque es una forma de publicitarse a si mismo y a su empresa.
1956 propone hace un rascacielos de una milla de alto en Illinois, pinta un lienzo de 8 metros de altura que lo presenta en un hotel para buscar socios.
Este proyecto se lo dedica a 10 que han sido sus maestros como Sullivan, Otis etc, pero hay un español incluido Torroja.
El final es su culminación para Salomón Guggenheim.
En un principio piensa en un zigurat, pero lo repiensa y lo invierte, zigurat hay que escribirlo al reves, taburit, un zigurat que avanza en sentido contrario, se construye frente al Central Park.
Se convierte en un icono de América y un símbolo de Nueva York, un hombre que aborrece esta ciudad aunque tenga en el Plaza su Taliesim East.
Germania capital mundial es el plan eje norte-sur para el nuevo Berlín o Germania de Albert Speer, que va a ser construido, tras la victoria alemana en la segunda guerra mundial, es producto de la megalomanía.
La maquina de guerra nazi de Hitler es vencida y Speer pasa 25 años en la cárcel.
Cuando sale de la prisión de Spandau, a las afueras de Berlin en 1966, lo llevan por la calle más inmensa jamás concebida.
En un momento exclama que lo que no había visto en años es que su plan carecía de sentido de la proporción.
No bromea. La escala es difícil de creer.
La grandiosa avenida comienza en el Grossehalle, pasa bajo un arco de la victoria el doble de grande que el Arco de Triunfo de Paris -su arquitecto es el mismísimo Hitler- y después atraviesa hileras de monumentos neoclásicos gigantescos.
Están incluidos un palacio para Goring y Hitler y un complejo para el alto mando de la SS, un monumento a Musolini tan grande como la columnata de Bernini frente a San Pedro en el Vaticano y una universidad, coronada con una altísima torre.
En medio hay hoteles inmensos, enormes cines y muchas aburridas salas ministeriales.
Speer ha estudiado el plan de Daniel Bumham de 1909 para Chicago y el de Lutyens para Nueva Dehli, pero el proyecto de Berlín es propio.
Se construye muy poco de Germania y hoy apenas queda nada.
Glamcey Jonathan. Siglo XX arquitectura. Las estructuras que dieron forma al siglo. Lisma ediciones, S L. Madrid 2003.
La Opera de la Bahía de Cardiff, no erigida erróneamente, es uno de los mejores proyectos no realizado en los 90.
Es una tragedia para Gales, un lugar que nunca se ha caracterizado por su buen gusto en arquitectura y que actúa con estrechez de miras respecto a este soberbio diseño.
La idea es que el nuevo palacio de la ópera actúe como un eje cultural de recuperación y urbanización de la Bahía de Cardiff, que forma la línea de la costa de esta ciudad del sur de Gales.
Se convoca un concurso internacional que atrae a lo mas granado de la arquitectura.
Lo gana Zaha Hadid (1951), una arquitecta nacida en Irak, que tiene el inconveniente de ser mujer e iraquí.
No hay que olvidar que dos años antes del concurso, Occidente lucha contra Sadam Hussein.
Es injustamente tratada por mezquinos intereses locales y tipos malhumorados de la Comisión del Milenio (un organismo publico creado para gastar el dinero de la lotería), `por lo que el proyecto se desvanece, pero no se olvida.
Zaha Hadid es una mezcla entre constructivistas rusos, deconstructivistas modernos y su propio y poderosos discurso de formas dinámicas y muy angulosas que más tarde le hace triunfar por todo el mundo.
Vitra campusMuseo Nacional de Arte del Siglo XXI en Roma (MAXXI)Opera House de GuangzhouHeydar Aliyev Center en Baku
1998 gana un concurso para diseñar un museo de arte contemporáneo en, Cincinnati, Ohio y puede por fin demostrar que su arquitectura es increíble y devuelve la vida a la imagen de una ciudad.
Centro de Arte Contemporáneo Lois & Richard Rosenthal de Cincinnati
Glamcey Jonathan. Siglo XX arquitectura. Las estructuras que dieron forma al siglo. Lisma ediciones, S L. Madrid 2003.
Las ilustraciones, publicadas en el Portfolio Wasmuth, una lujosa publicación sobre su obra realizada en dos volúmenes, conformada por 100 láminas litográficas en formato 64 x 41 cm, realizada en Berlín en 1910,
Un ensayo de 1912 escrito por Frank Lloyd Wright declara su amor por la cultura nipona y cómo su estilo influye en su obra.
Considerado el más importante registro gráfico de la época y consagratorio del período dorado del arquitecto, realizada con el fin de difundir sus obras y ampliar su cartera de clientes, abrumaba no solo por la calidad de sus obras e ilustraciones, sino también por los conceptos temáticos desarrollados en su prefacio.
El Portfolio Wasmuth da notable reputación y prestigio a Wright en Europa, Estados Unidos y Australia tanto por sus obras como por su manifiesto conceptual, convirtiéndose en uno de los impulsores de la arquitectura moderna y ejerciendo enorme influencia en arquitectos europeos de principios de siglo.
Fundamentando los principios de su nueva arquitectura orgánica, su obra esta vinculada al Movimiento Impresionista.
Así nace la arquitectura orgánica y moderna, con la mítica Casa de la Cascada como cúspide.
Frank Lloyd Wright es el gran arquitecto estadounidense del siglo XX.
Diseña unas 1.000 estructuras y más de la mitad llegan a construirse.
Su carrera se prolonga durante siete décadas y su influencia permanece tan vigente como muchos de sus edificios.
Su obra más alabada e icónica sigue siendo la Casa de la Cascada, construida en una zona rural de Pennsylvania en 1935.
La vivienda, levantada en pleno bosque junto a una catarata, se integra en el entorno con tal armonía que parece formar parte de la propia naturaleza, lo que da lugar a que muchos empiecen a referirse a su estilo como arquitectura orgánica.
Esa obra supone un auténtico hito en su carrera, aunque tiene 67 años, y es tambien la culminación de su pasión por la arquitectura japonesa.
Destaca la influencia gráfica de las xilografías Ukiyo-e, del artista Hiroshige (1797-1858)
Impresa en los dibujos del Portafolio Wasmuth, publicación presentada en Berlín en el año 1910, supone la carta de presentación de Wright en Europa.
Los Ukiyo-e son xilografías de género que aparecen en Japón en el XVII en la ciudad de Edo, hoy Tokio.
Ukiyo-e significa imágenes del mundo flotante y deriva de la idea budista del carácter efímero e ilusorio de la existencia.
Pero en el periodo Edo, este concepto se interpreta como las diversiones cosmopolitas de la población de las 3 ciudades mas importantes en las casas del té y en los barrios del placer; en el teatro Kabuki y en los torneos de sumo.
El paisaje importa a ciertos artistas, no como genero sino como telón de fondo.
1830-1834 y no es hasta esta fecha con la publicación de las 36 vistas del monte Fuji de Hokusai y de los 53 sitios de la ruta Toukaidouie de Hiroshige, entre 1832 y 1834, cuando el paisaje se convierte en genero.
Destacan las estampas por sus formatos verticales, la composición de la elección de puntos de vista elevados, originales encuadres, asimetría, predomino de la linealidad, el dinamismo provocado por la multiplicación de líneas diagonales, cromatismo, oblicuidad y el valor del espacio vacío.
Siglo XVII hay un aislamiento de Japón, para evitar a los evangelizadores jesuitas españoles y portugueses que colisionan con el poder político, que no se levanta hasta 1853.
La apertura de la isla forzada por EEUU, tras un aislamiento de casi dos siglos y medio, junto con la desilusión creada por la revolución industrial y la búsqueda de nuevas vías de arte por los artistas hace que se ponga de moda.
Las Exposiciones Universales constituyen la fuente de difusión de la cultura japonesa.
Destacan también las galerías, bazares o casa de subastas, que se desarrollan debido al número de coleccionistas privados de arte, cuyos precursores son Samuel Bing (1838-1905) y Hayashi Tadamasa (1853-1906).
Bing hace exposiciones públicas de Ukiyo-e por toda Europa que las ven Monet, Degas, Toulouse Lautrec, Cassat, van Gogh o Emile Bernard.
1887, Wright con 19 años se muda a Chicago y consigue trabajo como delineante en el despacho de Joseph Lyman Silsbee (1848-1913), en el que permanece un año.
Alli tiene su primer contacto con el arte japonés, por la colección de Silsbee.
Se introduce en su círculo de amistades, entre los que esta una de las principales figuras del arte japonés en Estados Unidos, Ernest Fenollosa de quien es primo.
1893 tiene Chicago la Exposición Universal, que marca un punto de inflexión en la vida de Wright.
Entra en contacto con la arquitectura japonesa, gracias al pabellón de Japón, donde se exponen grabados de Hokusai e Hiroshige.
21 de febrero de 1905, Wright viaja a Japón, viaja por el país durante tres meses, volviendo con varios cientos de grabados de Hiroshige, que expone en marzo de 1906 en el Art Institute of Chicago, siendo la primera retrospectiva de Hiroshige en el mundo.
Confecciona un catálogo Hiroshige, An Exhibition of Colour Prints from de Collection of Frank Lloyd Wright en el que escribe el prólogo.
1908 en marzo Wright contribuye con 218 grabados a la mayor exposición de Ukiyo-e hasta la fecha, en el Art Institute de Chicago, además de realizar el diseño de la instalación y los stands sobre los que se colocan los dibujos.
1912 publica el ensayo The Japenese Print: An Interpretation donde reflexiona sobre la filosofía que subyace a las estampas niponas.
1913 hace un segundo viaje de 5 meses.
1917-1922 vive en Tokio, donde erige el Hotel Imperial.
Hiroshige es un artista innovador por su subjetividad, composición, semitonos, colores vivos etc
Todas estas novedades hacen que las Ukiyo-e pasen de simples estampas a piezas que deslumbran en Occidente y que, junto al hecho de ser un arte democrático, hace que a Wright le fascine.
1909, Kuno Francke, profesor alemán de estética en Harvard, viaja a Oak Park para que Wright le muestre su obra.
Según Wright atónito y encantado con lo que ve, cuando viene, me sugiere que vaya a Alemania.
Pero Wright declina la invitación. Algunos meses más tarde, Wasmuth le hace la propuesta de publicar la obra que Kuno Francke había visto si iba a Alemania a supervisar la publicación.
1910 se traslada a Florencia para trabajar en la publicación.
Desde el estudio se envían planos y fotografías de los proyectos que él, su hijo Lloyd y su delineante Taylor Woolley dibujan con pluma, a tinta china.
También rehacen algunos dibujos que habían servido en su día como herramienta de proyecto, en su mayoría, ejecutados por la arquitecta Marion Mahony.
Tras enviarlos a Alemania, se publica en Berlín ese mismo año.
El texto, que sirve como prefacio de la publicación, termina con las siguientes palabras:
Los dibujos a través de los que estos edificios se presentan aquí son expresamente realizados para en 1911.
Estas publicaciones prácticamente han desaparecido. Wright se lleva a Japón la mayoría de los dibujos originales y desaparecen.
El Portafolio Wasmuth hace conocido y admirado a Wright en Europa, tanto por su obra como por su manifiesto conceptual, entre Henrik Berlage, Theo van Doesburg, Walter Gropius, Le Corbusier o Mies van der Rohe.
Los dibujos que integran este portafolio son obras de arte en sí mismos, que reconocen la influencia japonesa sobre Wright.
Los dibujos que integran este portafolio son obras de arte en sí mismos, que reconocen la influencia japonesa sobre Wright.
Hay conceptos que son la base filosófica del arte japonés, en general, y de los grabados Ukiyo-e
Uno es el aware, este término tiene una significación compleja y podría traducirse como sensibilidad ante lo efímero de las cosas, es decir su no permanencia.
Esa obsesión por captar un instante; las nubes que dibujando formas cruzan el cielo, un cerezo que florece o una casa entre la naturaleza, que hacen que sea una imagen efímera, única.
La naturaleza o el uso de puntos de vista subjetivos son sin duda recursos que consiguen transmitirnos este concepto.
Otro concepto es mono-no-aware, que en este contexto es la sensibilidad por las cosas, la capacidad de experimentar el mundo natural y el mundo de las cosas de forma directa.
La esencia de la estética japonesa se encuentra en el concepto kokoro; un estado intermedio entre el pensamiento y el mundo de los sentidos.
Esta base filosófica, junto con la tradición de las escuelas y los límites de la técnica, hace que la xilografía japonesa muestre una imagen unitaria, lo que la convierten en paradigmas estético-filosóficos.
Uno de los aspectos que con más énfasis destaca Wright en el ensayo The Japenese Print: An Interpretation es la importancia del carácter estructural del dibujo, que a través de la geometría llega a la esencia del objeto.
La geometría también afecta a la composición global del dibujo.
Una de las estructuras utilizadas en múltiples ocasiones por Hiroshige es la composición diagonal, fórmula también recurrente en Wright.
Las obras poseen tanta tensión que si se altera la posición de cualquiera de sus partes, el efecto final cambia.
Se cuida tanto la forma de las líneas que se ensamblan para crear una flor, una ola, un pliegue o una mano, como el vacío entre ellas, es tan importante lo que se dibuja como lo que no.
La relevancia que tiene para Wright el entorno, el dialogo con el lugar, ha sido ampliamente estudiada por otros autores, y en este sentido el planteamiento de Hiroshige es paralelo.
Es recurrente la utilización de la vegetación en un primer plano, a modo de ventana a través de la cual se contempla la profundidad del espacio.
El empleo de una línea que envuelve al dibujo, con vocación de marco, es a veces interrumpida por los propios elementos del dibujo que se salen de los límites marcados.
Las composiciones harimaze son composiciones formadas por varios dibujos, que incluso pueden ser de distintos autores y no tratar del mismo tema.
Este concepto lo traduce Wright en sus dibujos, así podemos ver que en la Lámina XV utiliza este sistema de varios marcos pero en este caso para dividir una única perspectiva.
A diferencia de las formas chinas que son autosuficientes y relajadas, las japonesas vienen determinadas por la composición global de un cuadro.
Todos estos paradigmas estético-filosóficos, se ponen de manifiesto en los dibujos para el portfolio Wasmuth, demuestra la deuda que Wright tiene con el arte japonés, y con las xilográfias Ukiyo-e de Hirosige.
Siglo XVII, finales, Hishiwaka Moronobu desarrolla el estilo ukiyo-e en más de 100 ilustraciones.
1765 Suzuki Harunobu realiza nishiki-e, los primeros grabados en color sobre madera.
1826-1833 Katsushika Hokusai produce la serie de grabados Treinta y seis vistas del monte Fuji.
Después
1887 Vicent van Gogh copia La lluvia repentina de Hiroshige.
Edgar Degas y Claude Monet son influidos por los grabados japoneses.
1904 con Pescadores, Kanae Yamamoto inicia el movimiento sosaku-hanga (grabado creativo).
Los grabadores japoneses son muy influyentes en el arte europeo de la segunda mitad del siglo XIX con la apertura de Japón a Occidente tras siglos de aislamiento.
Los artistas europeos en busca de nuevas vías, quedan impresionados con el aspecto despejado de estas obras, sus vivos colores y la originalidad que reflejan.
influyen también en la arquitectura de Frank Lloyd Wright
La estampación sobre madera florece en Japón durante el periodo Edo (1603-1868), la pacifica era gobernada por los sogunes Tokugawa, prolífica para las artes y la cultura.
El grabado vive su época dorada durante los últimos años del siglo XVIII, cuando se pueden reproducir en masa y su precio asequible permite acercar el arte a todo el mundo.
Algunos grandes maestros del grabado, entre ellos Kitagawa Utamaro conocido por sus grabados de mujeres, o Katsuhika Hokusai e Hiroshige, producen obra magnifica que se convierten en piezas fáciles de coleccionar.
La simplicidad de los grabados muy admirada en Europa, es en parte una respuesta practica a la complejidad del proceso del grabado (un esfuerzo colaborativo entre un editor, un artista, un cortador y un grabador.
Un cortador traslada el diseño sobre papel a una plancha de madera de cerezo.
Después el grabador realiza el grabado a veces empleando hasta 20 0 30 planchas diferentes, una para cada color.
Así los dibujos simples son los que mejor funcionan.
Los grabados mas famosos son los ukiyo-e o pinturas del mundo flotante.
Este mundo gira en torno a los entretenimientos hedonistas de los distritos del placer de las grandes ciudades, con sus teatros kabuki, salones de te, burdeles, exhibiciones pirotécnicas y torneos de sumo.
Generalmente los grabados ukiyo-e representan a actores, geishas y cortesanos.
Mas tarde se incorporan temas nuevos como pasajes o escenas urbanas que surgen como telón de fondo para después pasar a ser géneros independientes.
Hiroshige es natural de Edo, la ciudad que en 1868 se convierte en Tokio, después de que trasladen allí la capital desde Kioto.
Representa su hogar en las diferentes estaciones y condiciones meteorológicas.
Lluvia repentina pertenece a su última gran colección de grabados, Cien vistas famosas de Edo.
En este grabado evoca la fuerza de una tormenta de verano mediante un bocashi oscuro y amenazante (la línea de color en el extremo superior) y su ingeniosa representación de la lluvia.
Para esta ultima emplea dos planchas, en las que traza las líneas de ángulos y colores ligeramente diferentes.
Del mismo modo que otros artistas japoneses Hiroshige no utiliza la perspectiva geométrica tan valorada en Occidente, sino que recurre a otros medios para aportar sensación de profundidad, como el puente o la perspectiva desde lo alto.
Todo esto sumado a la extrema sobriedad de los personajes, encorvados bajo sus paraguas y sombreros produce una escena excepcional.
Utagawa Hiroshige nace en Edo en 1797, hijo de un capitán de bomberos, un empleo que mas tarde hereda.
Se forma con el maestro de ukiyo-e Utagawa Toyohiro, pero desarrolla un discurso propio y en 1818 publica sus obras por primera vez.
Al inicio de su carrera, sus grabados muestran a guerreros y actores de Kabuki, pero con el tiempo tiende hacia el paisaje y las formas naturales y suele además documentar sus viajes.
Artista prolifico, realiza miles de grabados, es una figura muy influyente en Occidente, sobre todo en la experimentación de los impresionistas.
Influye también en Van Gogh
Muere de una epidemia de colera en 1858.
Destacan 1833-1834 Cincuenta y tres estaciones de Tokaido (serie).
1837 Sesenta y nueve estaciones de Kisokaido (serie).
Alemán, grande corpulento, taciturno, que no dice nada, introvertido, que no da entrevistas y cuyo pensamiento se reconstruye a través de su biblioteca llena por cierto de todas las obras de Ortega traducidas al alemán.
Una vida más aburrida que cualquier otro arquitecto de su época como Lloyd Wright, Le Corbusier o Walter Gropius
Se exilia a Chicago donde pasa la segunda parte de su carrera en el exilio, donde se va con 50 años y un nieto.
Tiene una obsesión por el rigor y la técnica, sus auditorios son perfectos.
Es alguien que persevera con severidad en la disciplina, dice que no hay que inventar una nueva arquitectura cada mañana.
Hace una arquitectura de tradición y modernidad, está vinculado en la continuidad con el mundo clásico, aunque ahora se lea como un arquitecto moderno.
El máximo representante de la sobriedad moderna no estudia arquitectura. Ni siquiera se saca el bachillerato.
Hijo de un cantero, Maria Ludwig Michael Mies (Aquisgrán, 1886-Chicago, 1969) comienza a trabajar con 14 años haciendo florituras para un fabricante de cornisas y la modernidad la capta en una revista –Die Zukunft
Vestido con bata blanca, posa junto a Walter Gropius en el alféizar de una ventana del estudio de Peter Behrens, director artístico de la empresa AEG.
De él hereda la sobriedad.
De Berlín, el amor hacia la metrópolis, los trajes a medida y el éxito.
A Mies sólo lo mueve un objetivo: construir.
Por hacerlo apoya a los nazis, abandona a su mujer o, consumido por la artritis, acude a las obras en silla de ruedas durante dos décadas.
A pesar de no tener estudios, Mies lee toda su vida, su primer cliente, el filósofo Alois Riehl, le inculca la costumbre y lo cambia como individuo
Alex Riehl, que es un intelectual y profesor de quien se hace amigo, lector de Nietzsche, defensor de un realismo neokantiano, que quiere reconciliar la tradición con la modernidad
Es un joven de provincias de 20 años cuando le encarga su casa en Postdam, a las afueras de Berlín, y le transmite una idea: la transformación del individuo como requisito para la transformación de la sociedad.
A los 19 años Mies se va desde Aquisgrán que está en la esquina de tres países, Alemania, Bélgica y Holanda, a Berlín, porque allí es donde pasan las cosas, no tiene mucha formación, es familia de canteros, tallista de lapidas.
Tiene buena formación de dibujo, talla lapidas y es buen conocedor de los materiales, pero al que le hace la casa, Alex Riel cambia de vida, se amuebla la cabeza a un mundo al que es ajeno por su infancia y formación.
A esa casa que construye que le llaman familiarmente clausterliz, el claustro, hacen regularmente reuniones donde se debate de todo, tertulias donde está la gente más interesante del momento.
Este joven llegado de Aquisgrán se dota de gran refinamiento por estas improvisadas reuniones que además lo hacer gran lector de por vida. Tiene otra actitud posando.
Primero trabaja con Bruno Paul, crítico del barroquismo de la Alemania Guillermina, hace una arquitectura clásica, pero depurada sin grandes alaracas, desnuda de detalles, y esa influencia esta presente para el proyecto que hace para Alef Riehl.
Después de trabajar con Paul, entra a trabajar al gran despacho de Berlín de Peter Behrens, allí están Le Corbusier y Walter Gropius.
Cuando está en el despacho de Behrens la misma obra de Behrens se contamina de las ideas de este joven Mies, entra de delineante, carece de formación, no ha ido a la Universidad.
Tiene la formación de Arte y Oficios y lo que oye en las tertulias del claustro.
En el estudio de Behrens hay dos ramas los arquitectos más técnicos, que hacen edificios mas funcionales como fábricas y los que se ocupan de las casas y la parte monumental de la oficina
Se familiariza con determinado discurso arquitectónico cuando proyecta el Monumento a Bismark, que no se realiza pero lo marca y determina hacia una arquitectura progresista pero enraizada en el clasicismo prusiano de Shinkel.
Tiene influencia de la obra de Shinkel de la misma época.
Anhela hacer arquitectura moderna enraizada con la convención.
La oportunidad le llega con otro proyecto de casa que es un palacio, que es para una familia muy poderosa de Holanda, coleccionista de arte, los Collen Muller.
Son clientes importantes pero la señora es muy indecisa, no le gusta el proyecto de Behrens, pero si lo que le sugiere Mies, por lo que empieza a sugerir a Mies que abandone el estudio de Behrens y se dedique en exclusiva a la villa.
Behrens sospecha que Mies le va a levantar el encargo
1912 así lo hace, deja el despacho de Peter Behren para hacer el proyecto de la villa, primero le propone la casa con una acuarela y luego con una maqueta en el sitio.
Le permite tener un despacho propio. Pero el proyecto con la indecisión de la señora no se realiza, le da el proyecto a Berlage, que tampoco la hace, al final la hace el belga Van de Velde.
Todos estos arquitectos están presentes en el meollo de renovación de Europa.
El proyecto es importante, tiene familiaridad con la casa que se hace para si mismo, es un clasicismo despojado de adornos.
En el despacho de Behrens pasa los arquitectos más importantes del siglo XX, el que lleva los proyectos de fabricas es Gropius, que se basa en la fascinación en América
Fusiona la idea de Alber Khan de la Ford de América que lo ve muy tosco con lo que se hace en Alemania, su maestro Behrens en la AEG que es más refinado y tiene un guiño con el mundo clásico.
Gropius después hace la Fagus, donde el vidrio y el metal se convierten en protagonistas y las oficinas de la Werkbund de Colonia de 1914, donde la nueva arquitectura empieza a gestarse.
Mies y Gropius comparten sillón en el despacho de Behrens, Mies desprecia a Gropius porque no sabe dibujar, Gropius que es de ascendencia aristocrática ve en Mies una persona de provincias, muy clásico con escasa formación intelectual, que no ha entendido la nueva sintonía, que la nueva arquitectura va en otra dirección.
Mies tiene fascinación por el holandés Berlage.
Hay un polo de retroalimentación Berlín-Chicago esos dos polos de creación que alimenta las primeras décadas del siglo
Mies recuerda la exposición en Berlín de Frank Lloyd Wright que cambia su vida en algo distinto, cambia la visión europea de la arquitectura, le transforma en algo distinto
1912 Mies comienza a cortejar a la ilustrada y rica Ada Bruhn que esta comprometida con el gran historiador del arte Wolfric, con la que tiene seguidas tres hijas en el periodo de la I Guerra Mundial
Los padres de Ada mantienen a la pareja durante la Primera Guerra Mundial, cuando él ingresa en la infantería para combatir en Rumania. Puede que sea allí, en el campo de batalla, donde gesta el cambio.
Al volver en 1918 de Rumania se separa para dedicarse a su profesión de lleno.
Alemania ha perdido la guerra y para los alemanes es un trauma extremo, buscan en el pasado gótico de Alemania, 1921 se divorcia, Mies vuelve diferente de la guerra, decide su identidad con una autonomía taciturna.
Construye el personaje ahora en vez de llamarse María Ludwig Michael Mies, pasa a Ludwig Mies van der Rohe, partículas aristocráticas holandesas, crea el personaje y con este nombre artístico ha llegado hasta nosotros.
Empieza a hacer manifiestos, quiere influir en el mundo que le rodea, el cuarto proyecto es la casa de hormigón, donde hay una maqueta.
Al regresar, defiende una arquitectura de piel y huesos con 5 proyectos, 3 de ellos rascacielos de vidrio con esqueleto de acero para la Friedrichstrasse de Berlín.
Luego le pide a su ayudante, Sergius Reuenberg, que tire todos sus dibujos de proyectos neoclásicos.
Su primer reto como nuevo arquitecto es meter la naturaleza en los edificios.
Lo hace con vidrio. En viviendas como la casa Tugendhat en Brno o rascacielos como despues las Torres de Chicago se vive con más intensidad lo que ocurre fuera.
En estos años frecuenta los círculos de vanguardia pero lo miran raro porque no lo ven vanguardista, quiere empaparse de ideas nuevas.
Mies una de las figuras claves, participa de Dada, participa y financia revista, el es un individualista acérrimo
En estos años cultiva la amistad en estos círculos de vanguardia y como no hay trabajo, alumbra una nueva arquitectura con unos proyectos teóricos que nunca llegan a materializarse, son solo dibujos pero que cambian la arquitectura de manera definitiva como lo habían hecho las casas de Frank Lloyd Wright que cambian la arquitectura 20 años antes.
Quiere hacer un rascacielos de vidrio en Friedrichstrasse, hace un montaje, tiene un ángulo aguzado expresionista, luego hace un carboncillo precioso, que cuando el MOMA hace una exposición por los 100 años de su nacimiento, se ve el carboncillo gigante que hace para mostrar el proyecto del edificio.
El otro proyecto de rascacielos, el rascacielos de vidrio, con una planta llena de curvas, muestra como puede ser el edificio, las nuevas ciudades alemanas.
1919 cuando se funda la Bauhaus, Gropius en su declaración de intenciones lo ilustra con un grabado de Feininger que son cristales con ángulos muy agudos de catedral gótica, con un sueño del ser alemán.
También está la Torre Einstein, porque hay una voluntad de buscar una nueva vía por donde transitar, por donde buscar el ser alemán.
Hay una revista del expresionista Bruno Taut, Fruhlich que expone sus propias arquitecturas cristalográfico, dibuja ciudades de vidrio en lo alto de los Alpes, hay una reacción de defensa ante esa crisis que viven, donde hay una nación derrotada, con Versalles que los tienen abrumados.
El expresionista Taut dice en la revista que es uno de los nuestros, pero Mies tiene otra agenda, otros proyectos.
Tiene una racionalidad de la técnica en su rascacielos que proyecta en el carboncillo, es un edificio racional, una forma elemental, eso lo publica en su revista G.
Hace 3 proyectos teóricos más, hace otro dibujo gigantesco para publicarlo, un edificio de oficinas, para decir este es el nuevo mundo, es el que usa en su primer número de G, donde muestra su manifiesto de cómo ha de ser la arquitectura de los nuevos tiempos.
Mies es seco, áspero, estas ventanas apaisadas, todo el proyecto se convierte en esperanto y utiliza el proyecto en la revista G, Material para las formas elementales, y utiliza el manifiesto para mostrar el proyecto del mismo género.
Y por último el mas lirico de los cinco proyectos y el mas difícil, La casa de campo de ladrillo, la planta es deslumbrante, un ideograma de la arquitectura moderna, lo que había intentado hace tiempo Wright que es romper la caja, ya lo ha conseguido por entero por Mies.
Ahora la arquitectura se ha roto los planos y el espacio fluye entre ellos las paredes se prolongan, algo que proviene de Wright a través del neoplasticismo holandés de van Doesburg filtrado con lo que hacen los rusos, los prauns de Lisisky y les da una vida arquitectónica.
Se alimenta de las artes plásticas para cambiar la arquitectura.
El movimiento neoplastico holandés Der Stjil valora tanto a Mies que cuando exponen en Paris, son todos holandeses salvo Mies, porque lo consideran uno mas de ellos además de llamarse van der.
En ese momento Gropius dirige la Bauhaus, tiene una versión de una lampara de Richbel, y cuando crea la sede de la Bauhaus, utiliza para el proyecto la organización en turbinas y las bandas horizontales que ya ha hecho Mies en la casa de campo
Esa maqueta es el origen que hace que este edificio pase a la historia, además de por ser la sede de la escuela mas famosa
Mientras Gropius hace la Bauhaus, Mies hace una carrera independiente, a la vez que hace proyectos para magnates adinerados, como hombre de vinculación de izquierda que en este momento tiene, hace proyectos para obreros, viviendas sociales.
Es muy interesante comparar esa Bauhaus de arquitectura blanca nautica, que extrae sus ideas de los paquebote, de locomotoras, con La casa Wolf de Mies, esa casa que hace tras la larga sequia de la guerra y posguerra sin construir.
Wolf House 1926
Tiene de particular una planta articulada de ladrillo, reúne los planos que se deslizan los Neoconstructivista y lo hace en ladrillo porque esta prohibido para los modernos porque es tradición.
Y el piensa que el ladrillo no tiene porque estar prohibido.
Resulta tan dañada por las bombas de la II Guerra Mundial que hay que abatirla, pero el tiempo que se mantiene es el cartel turístico de la zona por lo atractivo del proyecto.
Los bancales de plantación se mimetizan con el ladrillo tosco, es como Land Art, la casa esta integrada con el paisaje, es lo que Mies siempre busca, sus obras están integradas con el contexto.
Están integrados la casa y el paisaje, esa casa es también el origen de una larga amistad entre Mies y Lilly Righ, que es su amante, compañera, colaboradora, hasta que emigra a América, que además lo refina.
Es una diseñadora de interiores, el dueño de la casa además de coleccionista de arte es un comerciante de textiles, ella tiene una larga experiencia, y hace el amueblamiento de la casa y ahí la conoce Mies.
A partir de ahora ella va a aparecer mucho porque va a cambiar la forma de mirar de Mies.
Es un pragmático, un hombre conservador, nunca tiene convicciones ideológicas, se deja arrastrar por los de November Group, un grupo de arquitectos, por la sublevación espartaquista de Rosa Luxemburgo que fracasa y son fusilados, y le piden que haga un monumento a los héroes de la Alemania postrada del año 1919.
Lo hace con un Clinker muy tosco, grueso, que se macla, pero lo sustancial es lo que el propone, que es al mismo tiempo una tribuna que sobre ella se da un discurso, y el muro simboliza donde son fusilados.
Pero el mantiene su distancia olímpica frente a todo.
Ahora hace la casa Lange Exter, son gente de su tiempo que son gerentes que quieren dos casa de ladrillo con pequeñas diferencias, hay refinamiento en los detalles, son casa de ladrillos, tienes unos niveles de acabado excepcionales.
Dos casas cuyo encargo le vienen a través de Lilli Righ pues son dos gerentes de productos de seda
1927 cuando la Werkbund quiere hacer un barrio modelo en la Weissenhofsiedlung piensan en Mies, el director de obra, que es la presentación en sociedad de la vanguardia.
Su maqueta enfurece a muchos porque recuerda un barrio de Jerusalén con esas cubiertas frente a la expresión germánica de los tejados inclinados, en un ambiente cada vez mas antisemita.
Tanto Gropius que le hacia el encargo como Mies eran discípulos de Behrens que era judío.
En el mundo de la Alemania de entonces en el momento en que Hitler ya ha publicado en el 1925 su ideario Mein Kampf, hay mucha susceptibilidad y ambos son discípulos de un judío que ha tenido el despacho mas poderoso de Berlín.
Mies modifica el proyecto y lo hace mas fragmentado, cada pieza se atribuye a un arquitecto emergente distinto que esta transformando el entorno en esos momentos, por lo que además de un proyecto es una gran exposición de sensibilidades distintas en un solo proyecto, que parece hecho por una sola mano.
Un barrio modelo que va a estar coronado y estaría coronado por los bloques de Mies, unos bloques que inventa en estos bloques, que son vivienda social que llega hasta los años 60, la Weissenhofsiedlung
Intervienen arquitectos como Le Corbusier, Mies, Gropius etc mostrando al mundo, no proyectos que no llegan a ver la luz sino una realidad.
Después hacen postales satíricas donde hay musulmanes con redes, camellos, vendedores de fruta callejera, alfombras etc en la época nazi, lo ven como un lugar meridional, una kasba del norte de Africa, enemigo de la nación.
Mies consigue flotar por encima del ambiente político convulso
Los fabricantes de vidrio, publican en la revista Glas, proyectos de edificios de cristal y le encargan a Mies y Lilly Righ que es coautora, la Glassroom de Stutgart que es un pabellón de vidrio que muestran como se vivirá en el futuro.
Hace en poco tiempo cuatro pabellones que deslumbran
Intentan evocar con muros de vidrio y espacios fluidos, para que fuera una alternativa a las casas paredadas con múltiples tabiques en las que todos vivian.
Lili Right a la que Mies fagocita y es tan artista o más que él, además de más culta y refinada, tiene infinidad de colaboraciones con Mies como el café de seda y terciopelo, que trasmite a Mies el amor por la sensualidad de los materiales.
Lilli le inculca a Mies el amor por la sensualidad de los materiales, y al final de su carrera no solo es famoso por el vidrio de sus proyectos sino por la infinidad de materiales que lo acompañan, como el travertino, ónice, el cedro, el terciopelo blanco.
El pabellón de Barcelona para la Exposición Universal de 1929 representa la Alemania moderna.
Mies se pone chistera para recibir allí al rey Alfonso XIII.
El edificio –cuya reconstrucción puede visitarse en Montjuïch–parece un Mondrian en tres dimensiones.
Tal vez por eso el monarca preguntó si esta terminado.
Es la primera vez que pronuncia la frase de San Agustin La belleza es la manifestación de la verdad.
En el Pabellon de Barcelona que desaparece y se vuelve a construir, pero nadie se acuerda de una exposición que hace Lilli Reich hace con Mies de sedas porque lo importante es el pabellón.
El Pabellón de 1929 es una obra extraña que no encajaba en la exposición, la exposicion causa gran impacto, hoy se considera una obra clave del siglo XX.
La inaugura Alfonso XIII por primera vez se hace legible la cerrazón del cerramiento y la estructura
Esto que hace de colocar los pilares y los cerramientos separado, eso de que cada parte de la construcción se pueda leer independientemente, segregándola es una revolución, hay espacio fluido y habitaciones al aire libre con la escultura de Kolbe, junto a eso está la segregación de estructura y cerramientos.
El espacio que había inventado Wright pero llevado hasta el paroxismo, Wright que era poco prodigo en elogios alabo el pabellón pero luego añadió que tenia que quitar esos postes tan peligrosos porque la gente se golpea en ellos.
Es una obra extraordinaria por lo espacial, por lo que supone y por los materiales que usa de gran riqueza como el travertino, los muros de onice, los sillones de cuero cromado.
Materiales carísimos y el emblema que es la sección de un pilar que consigue diluirse porque al ser reflectante casi no se ve, esta sección ha quedado como el emblema de Mies.
En su última etapa quiere hacer una arquitectura sin nada, que se diluya y para ello citaba a los escolásticos, a San Agustin, no se los había leído pero al que si había leído era a Ortega en traducciones al alemán que era el autor del que mas libros tiene en su biblioteca, todas las citas que daba a sus alumnos era de Ortega
A finales de los años treinta Mies ya esta con Lilly Reich, una diseñadora excepcional que firmaría con él el mobiliario de la Casa Tugendhat.
También la más celebrada por sus dueños Fritz y Grete Tugendhat.
Los acaudalados padres de ella les regalan un solar en una colina junto a su vivienda en Brno (Checoslovaquia). Mies idea lavadoras, un jardín de invierno y un sistema para levantar una cristalera de más de cinco metros.
La casa es sobria, pero el muro de onyx que separa el salón de la biblioteca cuesta el equivalente a un bloque de viviendas sociales de la época. ¿Es la casa Tugendhat habitable? Se preguntó un crítico de la época. La austeridad evita que pierdas el tiempo, contestó Grete.
Hay una voluntad muy grande de depuración que prolonga en dos proyectos uno de ellos es la Casa Tubendar en
Checoslovaquia.
Pone esculturas en el interior, porque los espacios de Mies son tan gélidos escuetos y rigurosos que necesitan el contrapunto para poder amar este espacio
Sus propietarios lo abandonan por coyunturas de la guerra y el gobierno de Checoslovaquia dedica la vivienda a niños con minusvalías en la etapa socialista
El cuarto proyecto, diseña muchos muebles, hace la silla como había hecho Marcel Breuer, hace una casa para explicar una casa en como ha de vivirse, donde desarrolla proyectos anteriores
En todos los proyectos intenta hacer espacios fluidos con muros verticales que nunca se encuentran
La otra persona importante en su vida es un urbanista, Ludwig Hilbertseimer, y Mies cuando tiene que hacer ciudad cambio de completamente de registro estético y usa las ideas de Hilbertseimer.
Años de gran complejidad política, va a concursos y nunca consigue ninguno, pero hay que decir que los que conseguían los concursos tampoco los construían, sino que los hacían otros, el contexto político es muy convulso.
Hay unos Almacenes Adam en Friedristrasse, en el que el propietario es judío, el negocio prospera y quiere un proyecto pero ocurre La noche de los cristales rotos y la familia tiene a partir de 1933 que huir al extranjero.
Hay otro proyecto de un banco en Stutgar frente a la gran estación de Bonat.
Tampoco tiene éxito en Alexanderplatz con bloques, al final lo hacen Bonat.
El ultimo en Friedristrasse, lo gana Mendelsohn y lo hace otro,
El último concurso, decide presentarse para hacer el Reichbank, unos bloques austeros de la nueva arquitectura
1930 Gropius abandona la Bauhaus, y el alcalde de Dessau llama a Mies que se hace cargo con Lili Right y Hilbertseimer
Toman a Mies porque no lo ven como un bolchevique, esta de director 3 años y el 1933 y el año de la clausura Hilber Saimer y Lili dan explicaciones a los alumnos antes de que sea clausurada la escuela.
Y Mies entra en pausa creativa histórica de 10 años e intenta reconciliarse con los nazis en el año 34, del trabajo alemán, intentando que los nazis asuman sus ideas como algo propio.
Dentro del régimen nazi hay muchas tendencia, Goebel que era propangandista defiende una línea expresionista, pensaba que lo mismo que Mussolini había adoptado el futurismo, ellos podrían adoptar el Expresionismo aleman como arte del nacional socialismo.
Pero choca con Rosemberg que es populista y gana Rosemberg, y es una derrota de Goebbels, que intenta por todos los medios ganar la batalla.
1934 Intenta Mies ganar el pabellón de los nazis para Bruselas
Intenta llegar a un pacto por todas las maneras pero todos terminan en el exilio americano, luego le reprochan el deseo de reconciliarse con los nazis por querer hacer el pabellón de Bruselas.
Dibuja un refugio en las montañas, inventa las casas patios en un afán de aislamiento, la hace para el hijo de Lange y proyecta esa casa rodeada por un patio, algo que se le hará a los alumnos de arquitectura en primero.
Hay también la casa de tres patios que es como un recinto alrededor que se siguen poniendo en las escuelas como un ejercicio.
Hay un deseo de enclaustramiento del Mies devorado por los acontecimientos arrastrado por el enclaustramiento de la historia.
Habla de rehacer el mundo, de nuevas libertades y de la arquitectura como instrumento para el desarrollo de las personas.
Pero lo hace desde la seguridad de las casas burguesas. Mies no expresa opiniones políticas por escrito.
Si en Europa es testigo del ascenso de Hitler, cuando se traslada a Estados Unidos asiste a la carrera armamentística y la Guerra de Vietnam, pero no opina. Es un arquitecto radical que no abre la boca. Sólo se expresa con la obra.
Pero la libertad que defiende es más artística que social.
Como arquitecto moderno es atacado por los conservadores, pero también es criticado por la izquierda, por insistir en esta misión de la arquitectura.
Con todo, Mies se suma al grupo de defensores del nacional-socialismo.
Como director lleva estabilidad (neutralidad) a la Bauhaus. Cuando acepta dirigir la escuela cambia los estatutos, expulsa a 30 alumnos de izquierdas y prohíbe las actividades políticas. Pero es tibio con los nazis.
Es entonces cuando Philip Johnson llega a Europa y cree que Mies representaba el summum de la Modernidad.
El Museo de Arte de Nueva York, donde trabajaba, acababa de inaugurarse y le encarga a Mies el interior del apartamento que tiene alquilado en Nueva York.
Luego Johnson se pone a trabajar. Escribe en The New York Times que el alemán disgusta a los comunistas con su búsqueda de valores elevados y lo incluye en la exposición Modern Architecture.
Con los nazis en el poder comienza la persecución de judíos y comunistas y del arte degenerado.
16.000 obras de Kandinsky o Klee son retiradas de los museos.
La retórica antimoderna adquiere tintes racistas y los proyectos de los alumnos de la Bauhaus se vuelven políticos.
En abril de 1933 la escuela cierra.
La segunda mujer de Lászlo Moholy-Nagy, Sybil, historiadora, denuncia que Mies se había pasado al fascismo.
En opinión de Mertins, no dice nada de otros, como Walter Gropius, porque le había dado trabajo a su marido.
Hasta Hitler –que comienza a estudiar arquitectura– llega a defender un funcionalismo claro como el cristal para la arquitectura nazi. Puede que esa idea sedujera a Mies.
1933, 40.000 judíos emigran. No es fácil tomar esa decisión. La gente se identifica con su ciudad tanto como con su religión.
Pero los profesores de la Bauhaus se exilian sin excepción.
Kandinsky marcha a París, Klee a Suiza y Grosz a América, como André Kertész o Josep y Anni Albers. Marcel Breuer va a Londres, Kurt Schwitters a Noruega y los Moholy-Nagy a Holanda.
Mies se queda. Al final se va, pero toda su vida lo critican por no haberse ido antes.
Nunca se afilia al partido nazi, pero sí firma una petición de respaldo a Hitler.
Aun así, es demasiado tibio con los nazis, no tiene ánimo para oponerse y le faltaba decisión para emigrar.
1937 sólo lo hace cuando le ofrecen dirigir el futuro Illinois Institute of Technology (IIT) en Chicago y Alfred H Barr Junior, el director del MOMA, logra que la mujer de uno de los patronos del museo, la señora Resor le encargue una casa en Wyoming.
Propone una caja casi perfecta, que expresa el deseo de casi nada, la arquitectura es el marco que expresa casi nada.
En este primer viaje visita Frank Lloyd Wright, que no solía recibir a nadie, pero como él trabaja con planos que se deslizan los recibe con gran afecto, algo que no hace con Le Corbusier ni con Gropius.
Luego rompen relaciones, el romance dura poco, es 20 años mayor y lo ayuda en los primeros años en EEUU, con clientes de Costa Este que quieren llevárselo a NY o a Boston.
Luego rompen relaciones, el romance dura poco, es 20 años mayor y lo ayuda en los primeros años en EEUU, con clientes de Costa Este que quieren llevárselo a NY o a Boston.
Le ofrecen ser Decano de Harvard, pero para su gran decepción se lo dan a Gropius que él considera peor arquitecto que él, y si lo es pero también es mejor profesor.
La Bauhaus de Gropius es mejor que la de Mies, y el Harvar de Gropius es mejor que el Instituto de Tecnología de Chicago de Mies, donde termina enseñando.
El Chicago de Mies, es el Instituto de Illinois de tecnologia, al mismo tiempo de dar clase construye los edificios.
Cuando llega Mies ya no se habla alemán, y exige llevarse a alguien para tener su pequeña burbuja de amistad que lo mantenga estable emocionalmente y consiguen que contraten a dos baushauler, Hilber Saimer y el fotógrafo Peter Hans, que serán dos ayudantes con quienes puede hablar alemán.
Su primer proyecto es clasicista en cuanto que hay monumentalidad, luego hace otro proyecto que es fantásticos, todo el campo son piezas moduladas que las piezas urbanas lo hacen fluido, el espacio va a ser un espacio urbano fluido.
Haciendo los edificios de este IIT inventa el vernáculo industrial americano, El minerals and metals, el primero que hace con perfiles metálicos, vidrio y ladrillo pero lo interesante es que era un edificio gótico, es decir tres plantas de laboratorios y una gran sala.
Es un campus tecnológico, orientado a la industria metálica tan importante en aquella zona
El problema de la esquina es complicado, los griegos llegan a resolverlo, pero es producto de un esfuerzo intelectual importante.
Ese dialogo entre lo constructivo y lo estético que es la esencia de la arquitectura en este proyecto lo lleva la limite.
1947 Philip Johnson hace una exposición en el MOMA y lo consagra en EEUU.
Acuña el mito de Mies, donde los paneles evocan el proyecto del Pabellón de Barcelona y otros proyectos.
El proyecto para el campus del nuevo IIT es uno de los más notables de Mies, una pieza de land art minimalista. ¿La razón? Debía mantener la vigencia formal durante las décadas que tardase en construirse.
Ese urbanismo cambia el sur de Chicago. Pero construir el campus del IIT supone la demolición de The Mecca, el mayor inmueble de apartamentos y un reducto de convivencia en un barrio de inmigrantes.
Por eso, su decisión de no dotar de identidad a sus edificios para potenciar su flexibilidad –no podemos tirar un edificio cada vez que tenemos que cambiar su uso– choca con la tabla rasa que requiere su propia obra.
Cuando Mies termina el campus ha conocido a Edith Farnsworth, una nefróloga de 42 años que se entusiasma con él –que tiene 59– y le encarga un refugio en un bosque.
Es la construcción reducida a su esencia, ocho pilares que deja un espacio libre.
Mies idea un pabellón de vidrio. Arquitecto y clienta se hacen inseparables. Pero cuando la doctora comprueba que su casa de acero y vidrio –que para tantos arquitectos es el modelo de vivienda soñada– se inunda con las crecidas del río Fox y con las miradas de los curiosos, termina por denunciar a Mies.
La dama esperaba que el arquitecto fuera con la casa, se defiende él. Y gana el juicio. Farnsworth opta por venderla en 1961 y el National Trust lo compra y es visitable hoy en día.
Los primeros rascacielos que levanta Mies, los Lake Shore Drive de Chicago, le llegan tras una discusión filosófica.
El joven Herbert Greenwald un erudito rabínico que es su principal cliente los siguiente 15 años.
Es el mecenas Mies. Las torres de Chicago hacen despegar su carrera hacia el éxito, pero muere en un accidente de aviación en 1959 y se acaba la promocion.
Aquí hace la pastilla residencial, los bloques residenciales con lo que se coloniza medio mundo.
Con estos proyectos se inventa una nueva forma de hacer arquitectura.
Es la primera vez que se hace y construyen los bloques que en realidad es la caja de vidrio de la Farmworth apiladas una encima de otras. Cambia también del acero al aluminio. Después hace muchísimos
Cuando muere el mecenas centra sus esfuerzos en el Campus de Illinois.
Utiliza un discurso que sirve para todo y hace la escuela de arquitectura con ocho pilares donde él es decano, orgulloso porque era su obra más importante en el campus.
Phyllis Bronfman Lambert, tiene 27 años cuando ve en el Herald Tribune el edificio que iba a levantar su padre, dueño de la destilería Bronfman, en Park Avenue, y le ruega que encargue un rascacielos mejor que el mechero que le habían diseñado Pereira & Luckman.
Su padre le pide que busque al arquitecto y ella encuentra a Mies.
En Nueva York, no le dejan afiliarse al American Institute of Architects porque no presenta el graduado escolar, de modo que se asocia con Philip Johnson que, por entonces, a su profesión de historiador había sumado estudios de arquitectura, y recibe la propuesta con lágrimas en los ojos.
En Park Avenue todo lo que hace Mies es dejar el hueco, dice Phyllis describiendo la plaza frente a la Torre Seagram.
Al contrario que los apartamentos de Chicago, la primera torre de oficinas de Mies cuesta el doble que las habituales. No es innovadora, pero su elegancia aumenta la reputación de la compañía, las ventas y el precio del whisky.
Es frente al Seagram donde Audrey Hepburn – interpretando a Holly Golightly en Desayuno en Tiffany’s– dice que quiere volver a allí. Mies alcanza el éxito.
Mies termina su carrera en Nueva York donde erige el Seagram, su principal rascacielos de oficinas
Un edificio de oficinas con carpintería de bronce que copian durante los siguiente 20 años.
Después construye muchísimos, decenas por toda América y en Canada. Se convierte en un arquitecto genérico.
Termina con un edificio en Berlín y le ofrecen el museo que alberga la colección de arte prusiana, no puede dejar de ir a Berlín para ver como levantan la cubierta que se va a sostener sobre ocho grandes pilares, iba en silla de ruedas por la artritis.
Se acerca a su última década cuando regresa a Berlín. Lo hace como uno de los arquitectos más importantes del siglo XX para construir la Galería Nacional de la ciudad.
Hoy es el Kulturforum es su testamento, dentro materializan
Es un edificio contemporáneo muy clásico, un homenaje a Shinkel, aquí lo evoca con técnicas modernas.
Rem Koolhaas (Photo by Neil Wilder/Corbis via Getty Images)Architect Rem Koolhaas (Photo by Robin Holland/Corbis via Getty Images)
La belleza es como un ciervo huidizo. Aparece por casualidad y no cuando lo planeamos.
***EXCLUSIVE ACCESS*** PREMIUM RATES MAY APPLY/USER IS NOT PERMITTED TO DOWNLOAD OR USE IMAGE WITHOUT PRIOR APPROVAL/ FOR FURTHER INFORMATION PLEASE CONTACT YOUR LOCAL OFFICE PORTO: Architect Rem Koolhaas poses for a portrait shoot in Porto, Portugal. (Photo by Steve Pyke/Hulton Archive/Getty Images/Courtesy of The New Yorker)
Remment o Rem Koolhaas es una figura clave del panorama de la arquitectura desde hace décadas.
05 December 2019, Berlin: The Axel Springer new building in the evening at dusk. After completion, tinted glass surfaces and 3D-look elements will characterise the facade of the light-flooded office building. The building accommodates workplaces for up to 3500 employees. Photo: Jens Kalaene/dpa-Zentralbild/dpa (Photo by Jens Kalaene/picture alliance via Getty Images)
Gracias a su enfoque filosófico se acuñan términos como la ciudad genérica o arquitectura XL.
Architect Rem Koolhaas stands in front of the new inflatable canopy at the Serpentine Gallery, Hyde Park, London. (Photo by Chris Young – PA Images/PA Images via Getty Images)
Según su teoría, una ciudad no se puede planificar, sino que esta surge simplemente.
***EXCLUSIVE ACCESS*** PREMIUM RATES MAY APPLY/USER IS NOT PERMITTED TO DOWNLOAD OR USE IMAGE WITHOUT PRIOR APPROVAL/ FOR FURTHER INFORMATION PLEASE CONTACT YOUR LOCAL OFFICE PORTO: Architect Rem Koolhaas poses for a portrait shoot in Porto, Portugal. (Photo by Steve Pyke/Hulton Archive/Getty Images/Courtesy of The New Yorker)
Remment Lucas Koolhaas, nace en Róterdam en 1944 y es galardonado con el Pritzker por sus proyectos.
Pasa cuatro años de su niñez en Indonesia, donde su padre Anton Koolhaas, un escritor, crítico cinematográfico y director de una escuela de cine de Holanda, es invitado a dirigir una nueva institución cultural.
Aunque comienza su carrera como periodista, Koolhaas decide seguir los pasos de su abuelo Dirk Roosenburg y estudia arquitectura en la Architectural Association School de Londres donde se gradua en 1972.
Rem Koolhaas for the series Le ventre de l’architecte by photographer Catherine Cabrol. (Photo by Catherine Cabrol/Kipa/Sygma via Getty Images)
Consigue una beca para estudiar en Estados Unidos, y es la caótica vida urbana de Manhattan la que le impulsa a escribir su primer libro, Delirio de Nueva York.
Rem Koolhaas (Photo by Neil Wilder/Corbis via Getty Images)
Completa su formación con O.M. Ungers en la Cornell University de Ithaca, Nueva York. Después de haber trabajado como investigador en el IUAS de Nueva York (bajo la dirección de Peter Eisenman)
Guggenheim Museum, Venetian Hotel, Las Vegas, United States, Architect Frank Gehry/Rem Koolhaas, 2008, Guggenhiem Museum, Venetian Hotel View Of Installation And Glazed Roof (Photo By View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)
Koolhaas funda la Office for Metropolitan Architecture (OMA) en Londres en 1975, junto con Madelon Vriesendorp, y Elia y Zoe Zenghelis, enfatizando de inmediato los aspectos programáticos de la arquitectura, en lugar de los formales o estrictamente morfológicos (Van Dijk).
Architects, including Bernard Tschumi (left), Rem Koolhaus (3rd from right) and Zaha Hadid, at the Museum of Modern Art show ‘Deconstructivist Architecture’ in June 1988, New York City. (Robin Holland/Contour by Getty Images)
1978 La fama de Rem Koolhass comienza con la publicación del ensayo Delirious New York (1978), donde trata de explicar teóricamente cómo ha podido suceder que una ciudad como Nueva York, para nada planificada, se haya convertido en la quintaesencia de lo contemporáneo.
El autor sugiere que el desarrollo arquitectónico de Manhattan es un proceso orgánico creado a través de una variedad de fuerzas culturales.
De esta manera, Nueva York y otras grandes ciudades funcionan como metáfora de la experiencia contemporánea.
1978 la empresa consigue su primera gran oportunidad cuando gana el concurso para diseñar una ampliación del Binnenhof, el edificio del parlamento holandés de La Haya en colaboración de Zaha Hadid, que le abre el camino a varios proyectos estatales.
Aunque la ampliación nunca se llevó a cabo, el diseño impulsó a Koolhaas y su equipo a la fama.
1981-1988 realiza el plan urbano para el distrito residencial IJ-Plein en Ámsterdam, con 1375 apartamentos, un centro social y una escuela.
1982 proyecto del Parc de la Villette (55 hectáreas al norte de París), demuestra su programa artístico, basado en la necesidad de combinar la inestabilidad programática con la especificidad arquitectónica, no consigue el proyecto pero el proyecto le hace famoso
1991 el complejo residencial de alta densidad Nexus Housing en Fukuoka, Japón, compuesto por 24 casas individuales, cada una de tres plantas
1987 El Lucent Danstheater de la Haya
Es uno de los primeros logros de la OMA se convierte en el hogar de la compañía de danza y teatro Nederlands Dans Theater, internacionalmente famosa.
El diseño se completa en 1987 y es un gran triunfo.
Esta formado por un vestíbulo común, un auditorio, una sala de ensayos y un bar flotante.
El edificio permanece en pie hasta el 2015
1988-1994 en el plan maestro de Euro-Lille
Reinterpreta el centro de la ciudad francesa, desde la calle central hasta las tiendas, hasta el Palacio de Congresos (Congrexpo).
1992 El Kunsthal
El prestigioso museo de arte de Róterdam, es otro de los impresionantes diseños de Koolhaas.
Kunsthal, Rotterdam, RotterdamNetherlands, Architect: Rem Koolhaas – Office For Metropolitan Architecture, 1992, Kunsthal, Oma / Rem Koolhaas, Rotterdam The Netherlands, 1992, East Elevation At Dusk Seen From Museumpark (Photo by View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)
El espacio está diseñado como una caja cuadrada, con suelos inclinados en espiral que llevan a los visitantes por las diferentes exposiciones.
El edificio está repleto de detalles fascinantes, como la galería principal, que parece flotar por encima de la calle. Materiales inesperados como el plástico corrugado transparente, el hormigón al descubierto y el acero galvanizado aportan un toque especial a la estética industrial del edificio.
De Rotterdam 2013
Rotterdam, The netherlands – May 22, 2014: Panorama taken from the De Monchy square at the southside of the Kop van Zuid quarter in Rotterdam. The obsolete warehouse Pakhuismeesteren is surrounded by modern buildings like, from left, tower New Orleans with part of the World Port Center in its background, the huge building De Rotterdam, KPN office Belvédère, the Maastoren and the Luxor Theater.
Los rascacielos interconectados a orillas del agua, llamados en su conjunto De Rotterdam, siguen siendo un tema de conversación sobre la arquitectura de la ciudad desde que se completó su construcción en 2013.
Rotterdam, The Netherlands – April 15, 2014: «The Rotterdam» in Rotterdam, The Netherlands. Designed by Rem Koolhaas and finished in 2014
Koolhaas enfoca la elaboración del diseño desde la perspectiva de que las torres serían vistas principalmente desde vehículos en movimiento.
Rotterdam, Netherlands – August 27, 2016: The Ersamus Bridge with dynamic highrise buildings, designed by Rem Koolhaas on the Wilhelminapier, the city peninsula between Rijnhaven and Nieuwe Maas (a redeveloped former industrial area with new high-rise buildings). Water taxi passing by.
El arquitecto jugó con la ilusión óptica de que los edificios se fusionan y se separan mientras la gente pasa delante de ellos.
Rotterdam, The Netherlands – April 17, 2014: The building De Rotterdam rises with 44 floors high over the corners of 2 old warehouses on the Kop van Zuid in Rotterdam. This huge building holds a hotel, offices and apartments and was designed by Rem Koolhaas of OMA Architects and was delivered in 2013.
El edificio más grande de los Países Bajos no destaca solo por su altura (150 metros), sino también por su enorme superficie de 160.000 m2.
Modern Architecture in Rotterdam
Esta imponente edificación le confiere al puerto de Róterdam un aspecto moderno.
El objetivo del arquitecto Rem Koolhaas es crear un edificio polivalente en el que poder trabajar, vivir, comprar, relajarse y salir a comer.
Por este motivo, Rem Koolhaas bautizó su obra la ciudad vertical.
1996 son numerosos los proyectos para grandes edificios, como se evidencia en el volumen S, M, L, XL donde recopila todos los proyectos de OMA, con escritos teóricos sobre las problemáticas de la planificación urbana.
1998 Maison à Bordeaux.
Fusión de funcionalidad y estética, tres casas, una encima de la otra.
Mejor diseño del año para la revista Time.
Una de las obras de Rem Koolhaas más excepcionales la idea para un cliente que se queda postrado en una silla de ruedas tras sufrir un accidente de tráfico.
Este busca un edificio que este adaptado a sus necesidades.
El resultado es una casa que aúna funcionalidad y estética y está equipada con una serie de elementos técnicos como una plataforma elevadora para llegar a todas las plantas del edificio.
En el proyecto, la parte inferior essimilar a una cueva, para la vida más íntima de la familia: la casa superior se divide en espacios para la pareja y espacios para sus hijos.
En el medio hay una estancia de vidrio casi invisible, mitad dentro y mitad fuera (…) que en realidad es una plataforma de movimiento vertical que funciona como un ascensor y permite al hombre acceder a todos los niveles (…) una pared del ascensor es una superficie continua de estantes que permite el acceso a los libros para su trabajo.
2000 se adjudica el Premio Pritzker
NEW YORK – JANUARY 14: A general view of the sales office for Rem Koolhaas’ «23 East 22nd Street» January 14, 2009 in New York City. (Photo by Neilson Barnard/Getty Images for 23 East 22nd Street)
Es definido como un arquitecto en sintonía con el futuro (…) un profeta de una nueva arquitectura moderna, razón por la que no sorprende que el Museum of Modern Art haya dedicado ya dos exposiciones a sus obras.
BERLIN, Germany: Dutch ambassador in Berlin Nicolaos van Dam (C) shows the new embassy of the Netherlands to Queen Beatrix of the Netherlands (hat) 02 March 2004 in Berlin. Queen Beatrix is on a two-day-vist in Berlin for the inauguration of the new embassy, that was designed by Dutch architect Rem Koolhaas. AFP PHOTO DDP/MICHAEL KAPPELER GERMANY OUT (Photo credit should read MICHAEL KAPPELER/DDP/AFP via Getty Images)
El jurado del Pritzker también considera de suma importancia el corpus de ensayos y de textos divulgativos de Koolhaas, hasta el punto de que la cita del premio dice que es famoso por sus libros, sus planes y sus exploraciones académicas tanto como por sus edificios.
An escalator designed by Architect Rem Koolhaas is seen as part of the newly renovated Saks Fifth Avenue Inc. flagship store in New York, U.S., on Monday, Feb. 4, 2019. Saks Fifth Avenue is debuting the new main floor of its flagship this week, marking a major milestone in its $250 million renovation project as competition ramps up between New York’s department stores. Photographer: Mark Abramson/Bloomberg via Getty ImagesCasa da Musica. the modern concert hall by architect Rem Koolhaas. City Porto (Oporto) at Rio Douro in the north of Portugal. The old town is listed as UNESCO world heritage. Europe. southern Europe. Portugal. April. (Photo by: Martin Zwick/REDA&CO/Universal Images Group via Getty Images)Porto, Portugal – March 30, 2017: Casa da Musica – House of Music Theater in Porto, Portugal, designed by Dutch architect Rem Koolhaas. The Theater opened in April 2005.
Tras la asignación del Pritzker, OMA se adjudica muchos proyectos internacionales, entre ellos el Hermitage Guggenheim en Las Vegas (2001), la Casa de la Música en Oporto (2003); la Galería Malingue en Hong Kong (2010); el Centro de la televisión china en Pekín (2012); el Museo de la Fundación Prada de Milán (2015); el Palacio de Justicia de Lille (2017); La Torre Innovationen de Estocolmo (2019).
Rem Koolhaas (Photo by Neil Wilder/Corbis via Getty Images)Rotterdam, Netherlands – February 1, 2015: modern buildings at Rotterdam’s Kop van Zuid with the head office of the Port of Rotterdam, Hotel New York and the recently finished De Rotterdam by Dutch architect Rem Koolhaas.05 December 2019, Berlin: The Axel Springer new building in the evening at dusk. After completion, tinted glass surfaces and 3D-look elements will characterise the facade of the light-flooded office building. The building accommodates workplaces for up to 3500 employees. Photo: Jens Kalaene/dpa-Zentralbild/dpa (Photo by Jens Kalaene/picture alliance via Getty Images)Part of the Auditorium on a blue sky background in summertime, Porto, Portugal, Europe, August 3rd 2012.
Garage Museum of Contemporary Art.
MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: First visitors in Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: First visitors in Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: General view of Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: General view of Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)
En la antigua ubicación del café de las estaciones del Parque moscovita de Gorki, se erige hoy el futurista Garage Museum of Contemporary Art que atesora una de las colecciones de arte contemporáneo más amplias de Rusia.
MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: First visitors in Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: First visitors in Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: First visitors in Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)
Fusiona elementos arquitectónicos históricos con arquitectura moderna, entre ellos una puerta que se abre al estilo de una puerta de garaje.
MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: First visitors in Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: General view of Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: First visitors in Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: First visitors in Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)MOSCOW, RUSSIA – JUNE 12: General view of Rem Koolhaas-designed new building of Garage Museum of Contemporary Art in Gorky Park on June 12, 2015 in Moscow, Russia. Garage Museum of Contemporary Art is a non-profit project of The IRIS Foundation and was founded in 2008 by Dasha Zhukova. (Photo by Oleg Nikishin/Getty Images)
2004 Seattle Central Library.
SEATTLE – MAY 19: Rem Koolhaas (R) and Ole Scheeren of the Office for Metropolitan Architecture chat at the Central LIbrary on May 19, 2004 in Seattle, Washington. The glass and steel structure was designed by the Office for Metropolitan Architecture of the Netherlands and Seattle-based LMN Architects and cost $165.5 million to build. It is set to open to the public May 23. (Photo by Ron Wurzer/Getty Images)
La Seattle Central Library simula una pila de libros.
A study station at Seattle Public Library’s central branch, designed by Dutch architect Rem Koolhaas of OMA (Office for Metropolitan Architecture). Opened in 2004, Seattle Public Library has become a magnificent landmark in Downtown Seattle. (Photo by Ramin Talaie/Corbis via Getty Images)
La Biblioteca pública de Seattle recuerda a una pila de libros y combina el diseño futurista con la funcionalidad de una biblioteca.
Seattle Public Library (left) designed by architect Rem Koolhaas. Reservoir of knowledge and culture.
En la concepción del diseño, el arquitecto Rem Koolhaas no se inspiró en la conservación de los libros, sino en el acceso de los lectores.
The Seattle Central Library, designed by the Dutch Architect Rem Koolhaas, is the flagship library of the Seattle Public Library System. It opened to the public in 2004. (Photo by James Leynse/Corbis via Getty Images)
Fondazione Prada.
Italy, Lombardy, Milan, Fondazione Prada, Milan Design Week 2018. Whole artwork view. The gold-leaf Tower. (Photo by Andrea Del Bò/Archivio Andrea Del Bò/Mondadori via Getty Images)Fondazione Prada foundation, Largo Isarco square, Milan, Lombardy, Italy, Europe. (Photo by: Eddy Buttarelli/REDA&CO/Universal Images Group via Getty Images)Fondazione Prada foundation, Largo Isarco square, Milan, Lombardy, Italy, Europe. (Photo by: Eddy Buttarelli/REDA&CO/Universal Images Group via Getty Images)Fondazione Prada foundation, Rem Koolhaas architect, Largo Isarco square, Milan, Lombardy, Italy, Europe. (Photo by: Eddy Buttarelli/REDA&CO/Universal Images Group via Getty Images)Fondazione Prada foundation, Rem Koolhaas architect, Largo Isarco square, Milan, Lombardy, Italy, Europe. (Photo by: Eddy Buttarelli/REDA&CO/Universal Images Group via Getty Images)Fondazione Prada foundation, Rem Koolhaas architect, Largo Isarco square, Milan, Lombardy, Italy, Europe. (Photo by: Eddy Buttarelli/REDA&CO/Universal Images Group via Getty Images)Italy. Lombardia. Milan. Fondazione Prada Museum Designed By Rem Koolhaas. (Photo by: De Simone Lorenzo/AGF/Universal Images Group via Getty Images)
Transforma una antigua destilería de ginebra en un museo dorado brillante para la famosa marca de lujo Prada.
Fondazione Prada foundation, Rem Koolhaas architect, Largo Isarco square, Milan, Lombardy, Italy, Europe. (Photo by: Eddy Buttarelli/REDA&CO/Universal Images Group via Getty Images)
Alberga, además de las salas de exposiciones, un cine, una biblioteca y un café.
Fondazione Prada foundation, Largo Isarco square, Milan, Lombardy, Italy, Europe. (Photo by: Eddy Buttarelli/REDA&CO/Universal Images Group via Getty Images)Italy, Lombardy, Milan, Fondazione Prada, Milan Design Week 2018. Detail. Tables and chairs of the restaurant. (Photo by Andrea Del Bò/Archivio Andrea Del Bò/Mondadori via Getty Images)MILAN, ITALY – JULY 31: Rem Koolhaas and Irina Bokova visits Fondazione Prada on July 31, 2015 in Milan, Italy. (Photo by Vittorio Zunino Celotto/Getty Images for Fondazione Prada)
Realiza además las tiendas de Prada en diferentes partes del mundo como la del Soho de NY.
UNITED STATES – DECEMBER 20: A new Prada store, designed by architect Rem Koolhaas, opened on Broadway and Prince Street in SoHo on December 16, 2001 – This much anticipated and long delayed opening revealed a space the size of an entire block, one that includes unique features such as «the wave,» a concave shape that runs the length of the store, and stadium seating in the shoe department area. (Photo by David LEFRANC/Gamma-Rapho via Getty Images)Prada Fashion Store, New York, United States, Architect Rem Koolhaas – Office For Metropolitan Architecture, Prada Fashion Store Landscape View Of Lower Ground With Mirrored Ceiling. (Photo by View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)UNITED STATES – DECEMBER 20: A new Prada store, designed by architect Rem Koolhaas, opened on Broadway and Prince Street in SoHo on December 16, 2001 – This much anticipated and long delayed opening revealed a space the size of an entire block, one that includes unique features such as «the wave,» a concave shape that runs the length of the store, and stadium seating in the shoe department area. (Photo by David LEFRANC/Gamma-Rapho via Getty Images)UNITED STATES – DECEMBER 20: A new Prada store, designed by architect Rem Koolhaas, opened on Broadway and Prince Street in SoHo on December 16, 2001 – This much anticipated and long delayed opening revealed a space the size of an entire block, one that includes unique features such as «the wave,» a concave shape that runs the length of the store, and stadium seating in the shoe department area. (Photo by David LEFRANC/Gamma-Rapho via Getty Images)Prada Fashion Store, New York, United States, Architect Rem Koolhaas – Office For Metropolitan Architecture, Prada Fashion Store Portrait View From Walkway Of Main Space. (Photo by View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)Aoyama,Japan, Architect Tokyo, Prada Store Tokyo Exterior View. (Photo by View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)
2012 El edificio de la CCTV en Pekín
City-workers clear cut tree branches in Beijing’s Central Business District (CBD), 12 December 2007, beside the new headquarters of state broadcaster China Central Television (CCTV). Designed by Rem Koolhaas’s Office of Metropolitan Architecture (OMA), the CCTV Tower is one of the most striking additions to Beijing’s skyline, dotted with futuristic monuments to China’s rapid growth and new-found power and influence in the world. The complexity of the 234-metre (772-feet) tall structure locked together by an outer skeleton of 10,000 steel beams is heightened by the fact that Beijing is in an earthquake zone. AFP PHOTO/Frederic J. BROWN . (Photo credit should read FREDERIC J. BROWN/AFP via Getty Images)TO GO WITH AFP STORY by CHARLES WHELAN – FILES – A man walks between the glass and concrete towers of Beijing’s new and fast-developing Central Business District (CBD), 12 December 2007, with the new headquarters of state broadcaster China Central Television (CCTV) seen in between. Designed by Rem Koolhaas’s Office of Metropolitan Architecture (OMA), the CCTV Tower is one of the most striking additions to Beijing’s skyline, dotted with futuristic monuments to China’s rapid growth and new-found power and influence in the world. AFP PHOTO/Frederic J. BROWN (Photo credit should read FREDERIC J. BROWN/AFP via Getty Images)Picture taken on August 1, 2008 in Beijing, where the Summer Olympic Games 2008 will take place, shows a detail of the headquarters of the Central Chinese Television (CCTV), constructed by Dutch architect Rem Koolhaas. The 2008 Beijing Olympics will run from August 8-24. AFP PHOTO DDP/AXEL SCHMIDT (Photo credit should read AXEL SCHMIDT/DDP/AFP via Getty Images)
Abre sus puertas en 2012 tras un período de planificación y construcción de diez años.
BEIJING, CHINA – FEBRUARY 21: Original building of the Chinese TV CCTV (China Central Television) by the Dutch architect Rem Koolhaas in the new business district (CBD) of the Chinese capital on February 21, 2018 in Beijing, China. The Chinese capital, marked by a history of more than 3 millennia, is one of the most popular tourist destinations in China. (Photo by Vincent Isore/IP3/Getty Images)
La sede central de la televisión pública china consta de tres torres y, gracias a su forma geométrica irregular, parece cambiar según desde donde miremos.
BEIJING, CHINA – FEBRUARY 21: Original building of the Chinese TV CCTV (China Central Television) by the Dutch architect Rem Koolhaas in the new business district (CBD) of the Chinese capital on February 21, 2018 in Beijing, China. The Chinese capital, marked by a history of more than 3 millennia, is one of the most popular tourist destinations in China. (Photo by Vincent Isore/IP3/Getty Images)
Actualmente es el segundo edificio más grande de mundo tras el Pentágono en Washington.
BEIJING, CHINA – FEBRUARY 21: Original building of the Chinese TV CCTV (China Central Television) by the Dutch architect Rem Koolhaas in the new business district (CBD) of the Chinese capital on February 21, 2018 in Beijing, China. The Chinese capital, marked by a history of more than 3 millennia, is one of the most popular tourist destinations in China. (Photo by Vincent Isore/IP3/Getty Images)
Términos como ciudad, calle, identidad y arquitectura son cosa del pasado. El pasado es demasiado pequeño como para vivir en él.
NEW YORK – JANUARY 14: A general view of the sales office for Rem Koolhaas’ «23 East 22nd Street» January 14, 2009 in New York City. (Photo by Neilson Barnard/Getty Images for 23 East 22nd Street)
Lo malo de la arquitectura empieza cuando el arquitecto se toma en serio a sí mismo y se cree la idea que los demás tienen de él.
CHICAGO – MAY 01: Rem Koolhaas’ oval tube of concrete and steel muffles the el train as it passes over the McCormick Tribune Campus Center at the Illinois Institute of Technology in Chicago, Illinois on MAY 01, 2011. (Photo By Raymond Boyd/Michael Ochs Archives/Getty Images)
El mundo se mueve por mutaciones más que por ideas. Así es, se mueve por emociones y no por la racionalidad.
Architect Rem Koolhaas of the Netherlands adjusts the screen mesh cover of the model rendition that will be used for the major overhaul of the Los Angeles County Museum of Art on Wilshire Blvd. Digital Image 12/05/2001 (Photo by Carlos Chavez/Los Angeles Times via Getty Images)
Italy, Lombardy, Milan, Fondazione Prada, Milan Design Week 2018. Detail. An installation depicting a lifeless body set up in an exhibition room of the Fondazione Prada. (Photo by Andrea Del Bò/Archivio Andrea Del Bò/Mondadori via Getty Images)Italy, Lombardy, Milan, Fondazione Prada, Milan Design Week 2018. Whole artwork view. Installation composed with pieces of industrial archaeology. (Photo by Andrea Del Bò/Archivio Andrea Del Bò/Mondadori via Getty Images)Visitors walk in front of United Arab Emirates Pavillon » Lest we forget : Structures of Memory in the United Arab Emirates «, in Venice on June 5, 2014, during the 14th International Architecture Exhibition. The Exhibition, entitled Fundamentals, directed by Rem Koolhaas and organized by la Biennale di Venezia, mark the history of the past one hundred years and the various ways adopted in different countries, will be open to the public from June 7 through November 23, 2014, in the Giardini and the Arsenale. AFP PHOTO / VINCENZO PINTO (Photo credit should read VINCENZO PINTO/AFP via Getty Images)Neubau WELT N24 GmbH Axel Springer SE – Rem Koolhaas niederländischer Architekt (Photo by Lengemann/WELT/ullstein bild via Getty Images)Aoyama,Japan, Architect Tokyo, Prada Store Tokyo Basement. (Photo by View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)Seoul National University Museum, Seoul. 1997, Architects: OMA – Rem Koolhaas. (Photo by Arcaid/Universal Images Group via Getty Images)The Casa da Música is a concert hall in Porto, Portugal, designed by the Dutch architect Rem Koolhaas, in 2001, with a capacity for more than 1,200 people. (Photo by Oscar Gonzalez/NurPhoto via Getty Images)Casa De Musica, Porto, Portugal, Architect Rem Koolhaas – Office For Metropolitan Architecture, Casa De Musica Interior Detail Of A Glass Box. (Photo by View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)Serpentine Gallery Summer Pavilion 2006, London, United Kingdom, Architect Rem Koolhaas – Office For Metropolitan Architecture, 2006, Serpentine Gallery Pavilion 2006 3/4 Dusk Without People. (Photo by View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)A section of an escalator designed by Architect Rem Koolhaas is seen as part of the newly renovated Saks Fifth Avenue Inc. flagship store in New York, U.S., on Monday, Feb. 4, 2019. Saks Fifth Avenue is debuting the new main floor of its flagship this week, marking a major milestone in its $250 million renovation project as competition ramps up between New York’s department stores. Photographer: Mark Abramson/Bloomberg via Getty ImagesSerpentine Gallery Summer Pavilion 2006, London, United Kingdom, Architect Rem Koolhaas – Office For Metropolitan Architecture, 2006, Serpentine Gallery Pavilion 2006 Exterior Views. (Photo by View Pictures/Universal Images Group via Getty Images)Architect Rem Koolhaas (Photo by Robin Holland/Corbis via Getty Images)
El 16 de octubre de 1874, nace en Liebau (actualmente Lubawka), Polonia. De padre alemán y madre gitana sinti (población gitana que habita en Europa en esa época).
1890-1892 comienza su formación como litógrafo en Görlitz y Breslau.
1894-1896 asiste a la Academia de Bellas Artes de Dresde y en 1899 a la Academia de Bellas Artes de Múnich.
En ella, el maestro Franz von Stuck, considera que no tiene talento, por lo que abandona la Academia.
En su obra inicial, se aprecia influencia impresionista de Paul Gauguin, de Jugendstil y de los simbolistas.
1908 se muda a Berlín, evolucionado su estilo hacía el expresionismo. Se relaciona entonces con Wilhelm Lehmbruck, Riner Maria Rilke y Erich Heckel
1910 es el último artista en incorporarse al movimiento Die Brücke, que fundado en Dresde, por los estudiantes de arquitectura, Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff, reune a artistas adscritos al Expresionismo.
Pertenece a dicho grupo, hasta su disolución en 1913, año en el que se inician importantes discrepancias entre ellos.
Los componentes de Die Brücke declaran la guerra a la tradición decorativa y academicista del arte alemán, desarrollando el primer expresionismo alemán y que se extiende durante el primer tercio del siglo XX, trasladándose también a la literatura, el cine, la arquitectura y la música. Contacta así mismo, con el grupo Blaue Reiter.
Durante la I Guerra Mundial, lucha en el bando alemán en Francia y en Rusia.
Finalizada entra como docente en la Akademie der Bildenden Kunste, en Bresalu, permaneciendo en ella hasta su muerte.
En ella, tiene como alumnos a Johnny Friedlaender e Isidor Ascheim.
1937, los nazis confiscan 357 de sus obras que están depositadas en museos alemanes, al ser catalogada su pintura como arte degenerado.
La obra de Mueller, de la que son famosos, sobre todo, sus desnudos y sus mujeres gitanas. está centrada en la unión humana y la naturaleza, aplicando con total armonía y simplificación de formas, contornos de sus figuras y colores, siendo considerado como uno de los pintores alemanes más líricos; siendo menos desesperanzadores que los de sus compañeros expresionistas.
En el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid esta su pintura Dos mujeres sentadas de 1922.
El 1 de diciembre de 1884 nace en Rottluff, actualmente distrito de Chemnitz, Sajonia, Alemania.
Pintor e ilustrador, es uno de los más notables representantes del movimiento expresionista alemán de la primera mitad del XX.
Por influencia de Vincent Van Gogh, su discurso expresionista evoluciona con el tiempo.
Coincide con Erich Heckel en la Escuela de Chemnitz, donde estudia.
1905 siguiendo a su amigo se muda a Dresde con el fin de estudiar arquitectura y pintar.
Es uno de los creadores del grupo Die Brücke, junto a sus compañeros en la Escuela de Arquitectura, Ernst Ludwig Kichner, Fritz Bleyl y Erich Heckel.
Die Brücke se propone como objetivo buscar un nuevo lenguaje pictórico que colisione con el academicismo oficial.
1905, el 7 de junio, es fundado el grupo en Dresde y hacen su primera exposición en Leipzig en noviembre.
1906 añade a su nombre la toponimia de su lugar de nacimiento, convirtiéndose en Schmidt-Rottluff, con el que firma sus obras.
1906 pasa el verano en la isla de Alsen, pintando en compañía de Emil Nolde.
1907-1912 en los veranos va con Heckel a pintar a Dangast.
1911 sigue a sus compañeros en su traslado a Berlín, donde vive toda su vida, a excepción de la Segunda Guerra Mundial.
Supera a sus compañeros de grupo al insistir en los colores primarios puros, sus pinturas expresionistas están controladas y dominadas por un buen manejo de la técnica.
1913 se disuelve Die Brücke teniendo en su haber mas de 70 colectivas.
1915-1918 durante la Primera Guerra Mundial sirve en el ejército, a su regreso a Berlín se encuentra con que su estudio es destruido en una incursión aérea.
Entre los honores que le son concedidos por sus servicios durante la guerra, figuran el que el expresionismo sea reconocido oficialmente en Alemania, hasta la llegada al poder de los nazis.
1931 es nombrado miembro de la Academia Prusiana de las Artes, de la que es expulsado en 1933.
1937, 608 de sus pinturas son incautadas por los nazis y varias de estas se muestran en exposiciones de Arte degenerado (Entartete Kunst).
1941 es expulsado del gremio de pintores y se le prohíbe pintar.
Durante la II Guerra Mundial pasa temporadas en el lago de Leba, en el que realiza numerosas acuarelas, a su vuelta se encuentra nuevamente su estudio destruido perdiendo en él muchas de sus pinturas.
1947 es nombrado profesor de la Universidad de Artes de Berlín-Charlottenburg, gracias lo que vuelve a ejercer influencia en la nueva generación de artistas.
1964 hace una donación de sus obras que sirven de base para la fundación del Brücke Museum in West Berlin, que se abre en 1967 como representación de obras de todo el grupo.
Además de pintar, es un grabador prolífico, con 300 grabados en madera, 105 litografías, 70 aguafuertes, y 78 grabados comerciales.
Los grabados que confecciona de tema religioso durante su servicio en el frente oriental durante la guerra, en los que plasma sus horrores, están considerados como sus obras maestras gráficas.
Es galardonado con la más alta distinción de la Alemania Occidental, la Orden Pour le Mérite, además de ser honrado como un clásico.
Se realizan numerosas retrospectivas, y la República Federal le rinde homenaje a quien los historiadores del arte consideran por unanimidad que es uno de los expresionistas alemanes más importantes.
Su pintura está representada, además de en Alemania, en los más importantes museos de todo el mundo, entre ellos, el Metropolitan Museum y el Museum of Modern Art (MoMA), de Nueva York.
El Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, posee Paisaje de otoño en Oldenburg de 1907, Sol sobre un pinar de 1913; Reflejo de nubes de 1936; y Conchas de mar de 1953.
El 10 de agosto de 1976, fallece en Berlín a los 91 años.
El blog de Ila Basmati 