400 postes de acero inoxidable de 5 cm de diámetro y de longitud variable en torno a los 6 m para que todos los postes queden a la misma altura, salvando así las irregularidades del terreno.

Ocupan un espacio de 1 milla por 1 kilometro, aludiendo a los sistemas métricos mediante los cuales se ha dividido la superficie del planeta.

Con los postes metálicos dispuestos a una distancia calculada al milímetro e instalados en medio del desierto, De María crea una zona de atracción energética.

Las nubes a su paso descargan la electricidad generando un campo de truenos y relámpagos ante la presencia del espectador que lo observa.

La mejor época para su contemplación es desde finales de mayo a finales de septiembre.

Para De María este trabajo no es efímero sino permanente.

La tierra es tan importante como el cielo e insiste que la interrelación entre ambos es uno de los aspectos mas importantes de su obra, por lo que su contemplación desde un avión no es la correcta.

Le interesa destacar la desproporción entre los visitantes y el paisaje, así el grupo de personas siempre tiene que ser pequeño, ya que se trata de integrar poca presencia humana en vastos espacios.

Puesto que la luz es tan importante como el relámpago, los visitantes han de permanecer en el campo durante 24 horas.

Durante todo un día pueden asistir a los cambios lumínicos y percibir el efecto del sol en los postes, que debido al resplandor parecen invisibles a medio día.

Esta desmaterialización del objeto artístico que no es nada sino luz ha sido interpretada por Paul Virilio como lo que será el arte del futuro, es decir algo vertiginoso, sin objeto, sin documento, pura sensación transmitida a través de una red invisible, es decir energía.

Este campo de relámpagos es sublime.

Al ser detonante de las tormentas recoge la tradición romántica de lo sublime que en aquel periodo rompe con la lectura clásica de la naturaleza que censura lo inestable, deseando proyectar el mundo de una ficticia estabilidad (en un anhelo de detener el tiempo, el devenir inescrutable).

Aunque la fugacidad del tiempo es la dominante en la obra de Walter de María, no hay que olvidar que para captar ese instante la espera es obligada.

El tiempo dispone la expectación prolongada que contrasta con lo súbito del suceso.

Son ambos los que configuran la experiencia del lugar. Aunque la fotografía del relámpago es uno de los documentos impresionistas del Land Art, con el que tanto se intenta captar el instante, De María advierte que ninguna imagen puede reproducir la experiencia

Alto y de noble porte, tenía las facciones regulares, las mejillas rosadas, el cabello castaño y en los ojos el brillo de una pasión contenida. Su compañía es seductora, su temperamento afable, su conversación grata, su ingenio vivaz y penetrante, su manera de hablar tranquila y juiciosa y el tono de su voz agradable, lo que le hace elocuente y persuasivo.

Roger de Piles (1699)

Nace en Siegen, región de Westfalia, Alemania, el 28 de junio de 1577.

La familia de Rubens es oriunda de Amberes donde su padre, Jan Rubens llega a magistrado municipal, tras haber estudiado leyes en las universidades de Lovaina, Padua y Roma.

Sin embargo, los graves acontecimientos políticos y religiosos que viven los Países Bajos en la década de 1560 llevan al joven Jan al exilio en 1568, debido a las sospechas de calvinismo que sobre él pesan.

La familia Rubens -Jan casa con Maria Pypelinx y ya han nacido 5 hijos- se muda a la ciudad de Colonia donde Jan entra al servicio de Ana de Sajonia, la esposa de Guillermo de Orange.

La relación entre Jan y su señora se estrecha cada vez más hasta llegar a ser amantes durante tres años, hasta acabar siendo sorprendidos por Guillermo el Taciturno.

El adulterio esta castigado con la pena de muerte, pero la actuación de doña Maria Pypelinx en esta ocasión es determinante, consiguiendo que la pena capital sea conmutada por la cárcel, el pago de una considerable fianza y el exilio.

Jan abandona la prisión y se instala con su familia en Siegen, cerca de Colonia, donde nace como reconciliacion Peter Paul el 28 de junio de 1577.

Al año siguiente se trasladan a Colonia, una vez que Jan es indultado por completo, ciudad en la los Rubens vive hasta el fallecimiento paterno, en 1589.

Maria Pypelinx y sus hijos regresan a Amberes al poco tiempo, ya que ninguno es calvinista y nada les ata a la ciudad alemana, instalándose en el centro de la ciudad flamenca donde su abuelo ha prosperado como farmacéutico.

El pequeño Peter Paul inicia su formación en la Escuela Católica y con los jesuitas en Colonia, por lo que continua sus estudios en Amberes.

Frecuenta la Escuela Latina de Rombant Verdonck donde conoce a Balthasar Moretus y se relaciona con los clásicos griegos y latinos, pero esta formación académica duró poco tiempo, ya que en la casa de los Rubens hay carencias económicas y hay que dotar a Blandine, la hija casadera.

La escasez económica familiar obliga a que tanto Philip -el hermano mayor nacido en 1573- como Peter Paul abandonen los estudios y se ganen la vida por su cuenta.

Philip consiguió una plaza de bibliotecario en Roma, mientras que Peter Paul es colocado como paje al servicio de la condesa Margarita de la Ligne d´Aremberg, viuda de Felipe de Lalaing, en Oudenaarde.

Esta experiencia le sirve para aprender las maneras cortesanas que posteriormente le serán tan útiles en sus viajes por Europa.

Pero el joven Peter Paul no quiere permanecer mucho tiempo en ese oficio servil, por lo que decide hacerse pintor, aunque desconocemos las razones que le llevan a esta decisión, apuntando el propio Piles que no tenían, al principio, otra finalidad que la de aprenderla por gusto.

1591,  es su maestro Tobias Veraecht, pintor de paisajes con el que apenas esta tiempo.

La elección de Veraecht como profesor es bastante sorprendente; la razón debemos buscarla en cuestiones financieras o familiares ya que es un pariente lejano de María Pypelinx.

Una vez abandonado el taller de Veraecht, donde permanece apenas un año, se traslada al taller de Adam van Noort, habilísimo pintor de figuras pero de conducta abyecta y libertina y humor brutal por lo que el joven aprendiz abandona su taller para trasladarse al de Otto van Veen, uno de los mejores maestros activos en ese momento en Amberes y el que más influye en su estilo juvenil, además de Holbein y Durero, cuyos grabados copiaba desde un inicio.

1598, con 21 años, Rubens finaliza su periodo de aprendizaje y supera el correspondiente examen del maestro ante la Guilda de San Lucas de Amberes, corporación en la que se integrar como pintor independiente.

Si bien la estancia en el taller de Otto van Veen no es muy fructífera para el joven pintor, Van Veen inculcó a su discípulo la necesidad de acudir a Italia para realizar un segundo aprendizaje.

9 de mayo de 1600 emprende el viaje a Italia con el objetivo de ampliar su formación artística, estudiando las obras del Renacimiento y la escultura clásica.

Viaja en compañía de un joven pintor llamado Deodato del Monte y su primera parada es Venecia, donde conoce a un noble mantuano que le recomienda para trabajar en la corte del duque de Mantua, Vincenzo Gonzaga, curioso personaje sincero protector del arte y de los artistas para cuya familia ya había trabajado Tiziano, Mantegna o Giulio Romano.

En la corte de Mantua permanece durante  9 años, sirviendo al duque tanto en cuestiones artísticas como diplomáticas.

1601 Rubens está en Roma, donde trabaja su hermano Philip como bibliotecario.

La pintura de Caravaggio llama su atención y se interesa especialmente por la Capilla Sixtina pintada por Miguel Angel y las Stanzias de Rafael.

En la Ciudad Eterna tiene la primer oportunidad pública de demostrar sus dotes como pintor, ya que se le encarga la decoración de una capilla de la Iglesia de Santa Croce in Gerusalemme de Roma, iglesia de la que había sido cardenal titular el archiduque Alberto de Austria, en estos momentos gobernador de los Países Bajos.

El éxito obtenido por Rubens con estas pinturas es grande ya que aunque flamenco se le considera italiano por estilo

1602 está de nuevo trabajando en Mantua donde recibe una importante misión al año siguiente.

Tiene que realizar un viaje a España para entregar al rey Felipe III y su valido, el duque de Lerma, varios presentes, entre ellos un buen número de copias de los grandes artistas del Renacimiento, Tiziano y Rafael entre otros.

El duque de Mantua desea con estos presentes conseguir el cargo de almirante de la flota española.

Al llegar a Valladolid, Peter Paul realiza el impresionante retrato ecuestre del duque de Lerma, con el que logra gran fama entre los cortesanos españoles, especialmente el marqués de Siete Iglesias, don Rodrigo Calderón, la mano derecha de Lerma.

Los éxitos obtenidos permiten a Rubens recibir ofertas para mantenerse en la corte española pero vuelve al servicio de Vincenzo Gonzaga, posiblemente porque el ambiente artístico español de ese momento no es de su agrado, al tiempo que deseaba continuar con su aprendizaje.

Tras un nuevo periodo en Mantua, vuelve a finales de 1605 a Roma donde hace un importante encargo para la iglesia de San Felipe Neri.

En estas fechas realiza varios viajes a Génova donde ejecuta un buen número de retratos de la nobleza del lugar, insuflando la frescura y la vitalidad necesaria como para renovar el concepto de retrato aristocrático.

1604  el duque de Mantua solicita de Rubens el primer encargo de importancia, la decoración de la iglesia de la Trinidad de Mantua donde pone de manifiesto su admiración por la escuela veneciana integradapor Tiziano, Tintoretto, Veronés o Correggio. Las obras clave de esta estancia italiana son las pinturas realizadas para el altar mayor de la Chiesa Nuova, la iglesia romana de Santa Maria in Vallicella, encargadas por los Oratorianos a finales de 1606.

Octubre de 1608 vuelve de manera urgente a Flandes, su madre María Pypelinx, agoniza pero llega tarde porque muere antes.

Si bien se compromete a regresar a Mantua, la oferta realizada por los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia, gobernadores de los Países Bajos, no puede ser rechazada.

Se le ofrece el cargo de «pintor de la casa de sus Altezas Serenísimas», permitiéndole instalarse en Amberes y fijando un sueldo anual de 500 ducados, cobrando aparte las obras pintadas para los gobernadores, al tiempo que se le exime de impuestos y se le condonan las deudas establecidas con la Guilda.

 Al año siguiente de establecerse en Amberes, el 3 de octubre de 1609, Rubens contrae matrimonio con Isabella Brandt, la hija de un alto funcionario municipal llamado Jan Brandt.

La novia era catorce años más joven que el pintor pero esto no es inconveniente para una buena armonia, naciendo de este matrimonio tres hijos: Clara Serena, Albert y Nicolas.

El Autorretrato que pinta con su esposa entre 1609-1610 y los retratos que confecciona de sus hijos Alberto y Nicolás en 1626,  muestran a una familia que tiene una forma de vida lujosa.

Al poco de instalarse en Amberes erige una casa con un gran jardín donde construye un espacioso estudio, una amplia biblioteca y una sala para albergar sus colecciones.

 La casa responde a las características de la arquitectura y la decoración italianas, estando diseñada por él mismo.

En las inscripciones que decoran el arco del jardín se lee Dejemos a los dioses el cuidado de procurarnos sus dones y de concedernos lo que más nos conviene, pues ellos quieren a los hombres más de los que más de lo que los hombres se quieren a sí mismos; Pidamos la salud del cuerpo y la del espíritu. Un alma fuerte que no tema a la muerte, inaccesible a la cólera y a los deseos vanos.

En ambas inscripciones manifiesta su concepción neoestoica de la vida, en sintonía con buena parte de los humanistas flamencos del momento con los que estableció una estrecha relación: Justo Lipsio, Ludovicus Nonnius o Gaspar Gevaerts.

Ya en estas fechas Rubens lleva un ritmo de vida metódico.

Se levanta a las cuatro de la mañana, oía misa y se ponía a trabajar durante unas doce horas, al tiempo que un lector le leía en voz alta las obras de Plutarco, Tito Livio o Séneca.

Hace una comida frugal para que no interfiriera en el trabajo y una vez acabado éste, realiza un paseo a caballo por los alrededores de Amberes.

Regresa a casa para cenar en compañía de los amigos, disfrutando de las conversaciones.

Tras década de guerra, los Países Bajos pertenecientes a la corona española, se firma a una tregua en 1609 entre la monarquía española y las Provincias Unidas del Norte, la Tregua de los Doce Años, esto le permite contribuir con su obra en la  reconstrucción de la decoración de iglesias y de casas y palacios de la aristocracia y la alta burguesía.

1609 la ciudad de Amberes le encarga el cuadro La Adoración de los Magos, para adornar el salón el Ayuntamiento en el que se  firma de la tregua; cuadro que más tarde pasa a formar parte de la colección de Felipe IV.

1628-1629 el pintor lo retoca y amplia, incluyendo su propio autorretrato.

Pinta en esos primeros años en Amberes, algunos de los cuadros de altar más impresionantes de la historia del arte, como La ereccion de la Cruz, entre 1610-1611 y El Descendimiento entre 1611-1614.

Hace de su estudio una factoría, con 25 colaboradores como Anton van Dick, que entra en su taller en 1616, Gaspar de Crayer, Jacob Jordaens, Theodor van Thulden, Cornelis de Vos.

Colabora también con otros pintores, como Frans Snyders y sobre todo Jan Brueghel de Velours. 

1621 toma el encargo de decorar el Palacio de Luxemburgo en París, residencia de la reina madre de Francia, María de Médicis.
1625, la infanta Isabel Clara Eugenia pide al pintor el diseño de 20 grandes tapices para el Convento de las Descalzas Reales de Madrid.

1628 el rey Felipe IV llamó al pintor a Madrid para recibir información sobre el estado de las negociaciones.

me encuentro tan sobrecargado de encargos para edificios públicos y colecciones particulares que me resultará imposible aceptar otros nuevos antes de que transcurran varios años.

Con este motivo viaja a Madrid en agosto de 1628, y permanece en hasta abril de 1629.

Su actividad en Madrid es febril, tanto que el pintor  Francisco Pacheco (cuya información procedía de su yerno Velazquez, con quien Rubens seguramente comparte estudio en el Alcázar de Madrid) escribe en su libro Arte de la pintura: 

Parece cosa increíble haber pintado tanto en tan poco tiempo.

Pinta 40 cuadros durante su estancia en Madrid, algunos por encargo del rey, otros para la infanta Isabel Clara Eugenia y otros para sí mismo, como las numerosas copias que confecciona de los cuadros de Tiziano que pertenecen a la colección real.

1629-30 Tras España marcha a Londres y más tarde a La Haya (1631); en Londres confecciona parte de la decoración del Banqueting House, en el Whitehall, y para el rey Carlos I, una de sus alegorías políticas más conocidas, Alegoría de la Paz.

Recibe todo tipo de honores, entre los que se incluye un doctorado por la universidad de Cambridge, visita la colecciones de arte y estrechó contactos con anticuarios y humanistas.

Cansado de pasar tanto tiempo fuera de casa – más que ninguna otra cosa en el mundo desearía volver a mi casa y quedarme allí para el resto de mi vida– escribie a su amigo Gevaerts- y con sus deberes diplomáticos casi resueltos -el tratado se firmaría ese mismo año de 1630- embarca en Dover el 23 de marzo, poniendo fin a su etapa de grandes viajes, habiendo cumplido sus objetivos, tanto personales -es nombrado caballero por los reyes de España e Inglaterra- como diplomático.

Un vez en Amberes pide a la archiduquesa Isabel

como única recompensa a todos mis servicios, que me exima de nuevas misiones y me dejara servirla desde mi propia casa. De cuantos favores me ha concedido éste ha sido el que más trabajo me costó obtener.

Conseguido esto, su objetivo inmediato será encontrar esposa:

una mujer joven de una familia honrada pero burguesa, pues nadie puede intentar convencerme de que haga una boda cortesana. Me asusta el orgullo, un vicio inherente a la nobleza y en especial en aquel sexo, y por ello quiero elegir a alguien que no se avergüence de verme coger los pinceles. Y a decir verdad, me resultaría difícil cambiar el tesoro de mi libertad por los abrazos de una mujer vieja.

1630, tras quedar viudo, contrae matrimonio de nuevo con una bella joven, Helena Fourment, que constituye su principal fuente de inspiración en la última década de su vida.

Los últimos años, confecciona infinidad de encargos para Felipe V, entre 1636-1638, diseña para la Torre de la Parada, pabellón real de caza, alrededor de 60 escenas, la mayoría mitológicas, y entre 1638-1640 , hace 22  cuadros de tema mitológico y alegórico para decorar el Alcázar.

Pinta, pero además diseña tapices, estampas, esculturas y objetos de decoración, incluso ilustra libros, como una Biblia.

Abarca todos los temas desde los mitológicos, alegóricos religiosos, históricos, retratos y paisajes.

Su pintura aunque pomposa, grandilocuente, es a la vez delicada, dotada de calidad técnica, tanto en el dibujo como en el color, en las composiciones totalmente armónicas y la psicología de los personajes que sabe transmitir, dando una gran importancia a la expresividad de estos.

Fallece en Amberes, el 30 de mayo de 1640.

Rubens, rio de olvido, jardín de pereza, almohada de carne fresca donde no se puede amar, pero donde la vida fluye y se agita sin cesar, como el aire en el cielo y el mar en el mar.

Baudelaire

Cuando Peter Paul Rubens (Siegen 1577-Amberes 1640) casi con 60 años de edad pinta Las tres gracias fechado entre 1630-1635, se encuentra en plenitud máxima de su prestigio y rodeado de felicidad familiar.

En el cuadro se juntan todas las características del mejor Rubens, es un tema clásico, desarrollado con la sabiduría de un hombre de letras además de incomparable experto en arte; el desnudo femenino donde la sensualidad y el refinamiento del artista destacan.

Hay un tratamiento pictórico exquisito que la convierte en una celebración de la vida.

Las tres gracias es la visión de un hombre apaciguado, satisfecho, seguro de si mismo, pero cordial y nada arrogante.

Pictóricamente hay una gran soltura y una profunda unidad del trazo.

Las mujeres representadas tienen una mirada inocente, fresca que no tiene resquicio de inquietud o desasosiego.

Las tres gracias son Eufrosina que quiere decir gozosa; Aglaia que significa la deslumbrante; y Thalia, la floreciente, divinidades procedentes de la religión griega mencionadas por primera vez por Hesiodo.

Eran las protectoras de los filósofos como las musas lo fueron de los poetas, y desde la época helenística se les representa siguiendo la pauta de Hesiodo, nudae et connexae, desnudas y enlazadas, tal y como ahora las pinta Rubens.

Rubens representa sus dos mujeres Isabel Brandt y Elena Fourment, mientras que la tercera es la recreación que compendia lo mejor de ambas.

Rubens consigue con ello representar el ideal de la experiencia vivida, pero sin traicionar la preceptiva clásica sobre la belleza del pintor Zeuxis, y las cinco mejores vírgenes de Cretona, cuyos rasgos mas perfectos sirven para formar la imagen de la diosa Juno.

 Se muestra la expresión franca y autosatisfecha de la plenitud carnal.

En esta obra encarna la autosatisfecha alegría de vivir del pintor, cuyo simbolismo hay que interpretar como la divinización de la belleza, la alegría y la felicidad y no hay secreto erótico, porque no hay deseo insatisfecho.

Hay un canto a la plenitud que tiene algo de ofrenda religiosa, de oración de acción de gracias, de celebración de un paraíso anticipado.

Reflejan armonía.

En el tratado de beneficios de Seneca, las tres Gracias son tomadas como ejemplo de liberalidad que representa una triada complementaria cuyo significado es dar, recibir y ofrecer, es decir ser liberal y generoso.

El tema salta al Renacimiento ampliándose de forma sugestiva como se ve en el Quattrocento florentino donde Botticelli representa la imagen de Las tres Gracias poniendo énfasis en la idea de liberalidad e insinuando en la triada una idea de amor.

Según esta versión cada una de Las tres Gracias representa a Castitas, Pulcritudo y Voluptas, la virginidad entre la belleza y el deseo, una iniciación amorosa.

El sentido que le da Rubens va en la misma línea de significación de generosidad y de equilibrio.

El artista nunca quiso desprenderse de esta obra.

El hecho de que no quiera venderla no es un dato irrelevante, porque Rubens es el pintor mas solicitado de la época y las principales casas europeas se disputan sus composiciones.

Las tres Gracias va a parar a la corona española solo tras la muerte del pintor y tras complicadas negociaciones con la viuda para que accediera a venderlo.

Se trata de una obra muy estimada por el artista y próxima a la intimidad.

No es algo realizado con fórmulas, respondiendo a los miles de encargos que le llueven a diario y que le obligan a montar una especie de taller-fabrica.

Esta obra esta realizada por puro gusto personal se trasluce en este cuadro, que posee el encanto expresivo propio de una confesión del mundo intimo muy querido.

Rafael Moneo

Tudela, 1937. Sintetiza tradición y modernidad, con una gran versatilidad en sus proyectos, no se libra sin embargo de polémicas.

Colabora con Sainz de Oiza en sus últimos años de estudios académicos.

Terminados sus estudios trabaja con Jorn Utzon en Dinamarca durante las obras de la Ópera de Sídney y, antes de regresar a España en 1962, tiene la fortuna de que le reciba Alvar Aalto en Helsinki.

Le conceden una beca de dos años, en la Academia de España en Roma, de donde vuelve en 1965.

Es profesor en universidades como Princeton o Harvard –donde fue decano de su departamento de arquitectura–, en 1996 es el primer español en recibir el Pritzker. Luego vienen el Van der Rohe de 2001, el Principe de Asturias de las Artes de 2012 o el japonés Praemium Imperiale de 2017.

Sede social de Bankinter, Madrid (1963-1967)

1965 hace ampliación de la Plaza de Toros de Pamplona (1963-67) y la construcción de diferentes edificaciones de carácter residencial, como la del Edificio Urumea de San Sebastián (1969-73).

1972 recibe el encargo de construir, junto a Ramón Bescós, la nueva sede social del Banco Intercontinental Español (Bankinter). En el Paseo de la Castellana de Madrid, en el solar ocupado por el Palacio del Marqués de Múdela,  evitan la extendida moda de demoler los antiguos palacetes de la nobleza española para la construcción de edificaciones modernas.

Para conservar este, el nuevo edificio lo arrinconan en uno de los laterales de la parcela.

Museo Nacional de Arte Romano de Mérida (1979-1986)

Declarado Patrimonio Mundial como parte integrante del Conjunto Arqueológico de Mérida, es considerada como una de sus mejores y más geniales obras.

Pensado para albergar la extensa colección de piezas provenientes de las excavaciones arqueológicas de la ciudad, para su construcción recurre a lo aprendido durante sus años en Roma para plantear un edificio de indudable inspiración clásica.

Estación de Atocha, Madrid (1985-1992)

La ampliación y reforma de la Estación de Atocha es sin duda es de sus obras más conocidas y transitadas.

 En el momento en el que se decide realizar una gran remodelación que transforme por completo la antigua estación madrileña.

Fundación Pilar y Joan Miró, Mallorca (1981-1992)

Se inaugura en 1992 la sede en Mallorca de la Fundación Miró, un proyecto que surge tras la donación del matrimonió Miró de una considerable cantidad de obras y grabados, así como de los talleres del artista en la isla.

Moneo recoge así el testigo de Josep Lluis Sert, autor de la sede en Barcelona de la fundación y también de los citados talleres del pintor en Mallorca, planteando la construcción de un conjunto compuesto por dos edificios unidos, pero claramente diferenciados.

Auditorio Kursaal de San Sebastián (1996-1999)

A pesar del rechazo que genera su construcción por lo que supone de contraposición al estilo decimonónico de la ciudad, el Kursaal de Moneo ha sabido ganarse el aprecio de los donostiarras.

Es uno de los grandes iconos arquitectónicos de todo el país, y en un símbolo para la ciudad.

Ampliación del Museo del Prado (2001-2007)

Cuando en 2001 Moneo tiene que hacer frente al encargo de construir la ampliación de una de las mayores pinacotecas del mundo, tiene una trayectoria profesional a sus espaldas.

Además del Museo Romano de Mérida, hace la adecuación del Museo Thyssen-Bornemisza, o la construcción del Moderna Museet de Estocolmo y del Edificio Audrey Jones Beck del Museo de Bellas Artes de Huston.

Tras un primer concurso internacional organizado en 1995 que se declara desierto, en 1998 su proyecto para la ampliación del Prado es seleccionado.

Después de sufrir una serie de modificaciones a petición del propio patronato del museo y de otras instancias gubernamentales, en 2001 da comienzo las obras de la mayor ampliación en la historia del Museo, inmerso este año en las celebraciones por su bicentenario.

 Nueva biblioteca de la Universidad de Deusto, Bilbao (2004-2009)

Plantea  un edifico de fachadas de pavés translucido y vidrio, que rechaza entrar a competir con sus construcciones vecinas.

Zocos Sur de Beirut (1991-2009)

Tras casi 16 años de Guerra Civil, la ciudad de Beirut queda en ruinas.

Finalizada la guerra, uno de los principales focos económicos de la capital del Líbano, Los Zocos, están dañados, y las autoridades libanesas optan por organizar un concurso internacional para su reconstrucción en el que son elegidos el arquitecto inglés Kevin Dash, responsable de la zona de los Gold souks, y Rafael Moneo, que se encarga de desarrollar el área conocida como South Souks.

Un complejo destinado a devolverle la vida al centro neurálgico de la ciudad, en el que se combinan historia, arte y entretenimiento con grandes espacios comerciales.

Respetando la trama helenística clásica de esta zona histórica de Beirut, Moneo se desliza entre la modernidad y la tradición oriental

Iglesia de Iesu, San Sebastián (2007-2011)

  Una obra minimalista repleta de detalles, de la que el propio arquitecto se encarga  de diseñar la vidriera.

Su exterior enlucido en blanco recuerda a algunas obras de la mejor y más reciente arquitectura religiosa portuguesa —véase como ejemplo la Iglesia de Santa María de Alvaro Siza—, mientras que su planta, en forma de cruz quebrada, parece servir de homenaje tanto a las obras escultóricas de Chillida como a esa Iglesia Unitaria construida por Louis Khan en 1959.

Torre Puig, Hospitalet de Llobregat (2010-2013)

 En el año 2010 emprende la construcción, en colaboración con Lucho Marcial y GCA Arquitectos, de su primer y único rascacielos. Una etérea construcción de 23 plantas y 15.000 metros cuadrados, recubierta de una  fachada de cristal.

Edificio sostenible clasificado como LEED oro —solamente 9 edificios de oficinas en España cuentan con el prestigioso sello—, destinado a albergar las oficinas del grupo Puig.

Estudia arquitectura en la Universidad de Ithaca en el Estado de Nueva York, pero decide ser artista y no ser ni ejercer de arquitecto.

La auténtica naturaleza de mi trabajo con edificios está en desacuerdo con la actitud funcionalista, en la medida en que esa  profesionalidad cínica ha omitido cuestionar o reexaminar la calidad de vida que se ofrece.

1970-1978 desarrolla el corpus su obra -no objetual- y trabaja en la urgencia de los cambios económicos, políticos, sociales y culturales que la crisis muestra.

Es heredero de los años sesenta del pop, minimal y conceptual.

Erige un entramado política y artísticamente articulado, de crítica institucional, generando experiencias colectivas en el interior del espacio público.

Ve los edificios como esculturas con tuberías y, en una sucesión de metáforas dentro de otras, indaga espacios internos más allá de la geometría construida.

Cuestiona los patrones de la arquitectura a finales de los años 60 y durante la década de los 70, generando en NY una serie de obras con las que define una nueva anatomía del paisaje urbano.

Cortando y desmantelando estructuras de viejos edificios, consigue integrar el espacio arquitectónico interior al espacio público y urbano.

Reorienta sus conocimientos en arquitectura, utiliza el propio medio para cuestionar y replantearse las bases y postulados de la arquitectura más tradicional.

La mayor parte de estas intervenciones son realizadas al sur del Bronx, un barrio marginal que sufre un fuerte declive económico debido a el éxodo masivo de la clase media a los suburbios.

 Su obra influencia a una generación de jóvenes arquitectos, seguidores del deconstructivismo como, Frank Gehry, Peter Eisenman o Daniel Libeskind.

©Gordon Matta-Clark. Bronx Floor: Boston Road, 1972

En este contexto, Gordon Matta-Clark crea junto a un grupo de artistas coetáneos las bases de un nuevo movimiento que discute sobre una nueva concepción de arquitectura, que intenta romper con el modernismo y los cánones clásicos.

Este planteamiento subversivo marca las bases para la nueva corriente de Anarquitectura, una corriente que es seguida por artistas como Laurie Anderson, Tina Girouard, Suzanne Harris, Jene Highstein, Bernard Kirschenbaum, Richard Landry o Richard Nonas.

Hay referencias que atestiguan que el primero en usar Anarquitectura es el británico Robin Evans, quien utiliza el termino para oponerse al libro clásico de Le Corbusier, titulado Hacia una arquitectura.

En ambos casos tanto Matta-Clark como Robin Evans se refieren a lo mismo en sus escritos, critican la forma en como el estilo modernista aniquila los idealismo propios de una evolución natural de la arquitectura.

© Gordon Matta-Clark Day’s End, 1975

Para Gordon Matta-Clark es fundamental ir más allá de los conceptos de modulo y repetición, para embarcarse así, en concepciones más trascendentales de la arquitectura.

Se trataba de dar una nueva dimensión a la Arquitectura donde poder interactuar con el propio espacio público y la ciudadanía.

Gordon Matta-Clark es uno de los primeros artistas que fomentan y defienden el Grafiti como medio de expresión de los jóvenes desfavorecidos que deambulaban por las inmediaciones del Bronx, otra forma de mostrar rebelión contra la autoridad del arquitecto.

Tiene un gran compromiso social en toda su obra.

Los nuevos planteamientos de Matta-Clark no son revolucionarios por querer cambiar la arquitectura sin más, no es cuestión de mera originalidad plástica, sino que se trata de una apertura, un nuevo papel que debe adoptar la arquitectura como reto ante el espacio público y la ciudadanía.

En gran parte de su trabajo se observa un constante enfoque social, que le lleva en todo momento, a replantearse el contexto social y socioeconómico que le rodea.

Como prueba de ello y siendo muy consciente del deterioro del Bronx, se convierte en uno de los promotores más importantes de la época, en habilitar y crear las condiciones para que los jóvenes desfavorecidos tomen posesión de su entorno.

Tengo interés en una expedición al subsuelo: una búsqueda de los espacios olvidados y enterrados bajo la ciudad… Esta actividad debería sacar el arte de la galería e introducirlo en las cloacas.

 

 

 

 

Lorena es un pintor amado por los pintores, y hay gran consenso al respecto, pero poco amado por los críticos.

Un pintor secreto para el público muy poco conocido.

Es elogiado por los pintores más diversos, y personajes antitéticos lo consideran una figura central.

Me refiero un siglo después en Gran Bretaña a Joshua Reynolds y a los grandes introductores del paisaje moderno como Johns Constable y Joseph Mallord William Turner.

Es increíble cómo se puede llegar a hacer una obra tan extraordinaria con unos antecedentes biográficos tan deficientes, como falta de estudio, ejercicio de oficios menores, formación artística por los caminos más irregulares, la respuesta es solo a través de la pintura y en concreto del paisaje.

El paisaje es un tema moderno e inconcebible para alguien que no sea moderno.

Sobre todo, porque el paisaje tiene que ver con la naturaleza y es prácticamente hasta el XV el diablo, lo más temible, lo que impide al individuo sobrevivir.

Esto sorprende en una época de respeto al entorno y ecología, pero la naturaleza ha sido la maldición del hombre que solo ha podido bendecirla cuando ha estado protegida por ella, cuando no ha amenazado su supervivencia, lo que no ocurre hasta la época moderna.

De ahí que antes no proliferen los elogios a la naturaleza salvo en la ribera del Mediterráneo, en la que se encuentra más dulce.

Pero el mundo natural se convierte en una obsesión para el mundo moderno y mas para el mundo contemporáneo, lo que explica la importancia del paisaje para Lorena.

El paisaje no tiene un pleno reconocimiento como genero digno de aprecio hasta la época de Lorena, en el XVII.

En el Medievo el paisaje es un mero escenario simbólico o un decorado para las figuras.

Lo que se produce en el XVII con los holandeses, los italianos o con Lorena es la reivindicación de la contemplación de la naturaleza.

Pero la percepción que se tiene entonces es diferente a la actual, así lo que hace Lorena que es su aportación, es presentar el medio natural como ideal, como escenario donde se insinúan intuiciones, sueños y aspiraciones.

Para ello Lorena fusiona dos corrientes antitéticas en el XVII -el paisaje del norte y del sur-, el paisaje de hechos y de fantasía, a lo que añade el influjo que sobre él ejerce la obsesión por la luz que muestran pintores del norte muy anteriores como el alemán Albrecht Altdorfer.

Cuando Lorena llega a Roma ya están las bases para el paisaje clasicista.

Es un paisaje que actúa como escenario de una narración generalmente mitológica o pastoril en que se fusionan los planos de significación temática como la naturaleza y la arquitectura.

En ese instante y en ese género se produce una síntesis perfecta entre el hombre y su medio, que hace que el ser humano no sienta extraña su propia historia respecto al paisaje natural.

Para ello el artista busca la armonía.

Lo que singulariza a Lorena y lo hace diferente a los pintores contemporáneos como Nicolas Poussin y demás paisajistas de su epoca, es que convierte en protagonista a la naturaleza y sobre todo a la luz.

Fusiona el espíritu romántico del norte y su sensibilidad para la luz.

También dos características que luego amaran los románticos y es la luz crepuscular y el sentido elegiaco de la arquitectura como ruina.

  Claude Gellee a quien con el tiempo se conoce como Claudio de Lorena en honor a su origen, por entonces independiente de Francia, nace en 1600 en una familia de clase media.

1612 huérfano de padre y madre, marcha hacia Friburgo con su hermano Jean experto en marquetería que se supone lo inicia en ese oficio.

1613 se establece en Roma con un pariente, no como pintor sino como aprendiz de pastelero.

Entre 1613-1618 entra a trabajar con el pintor Agostino Tassi como criado, después como ayudante, iniciándose en la pintura por la puerta falsa y teniendo un maestro carne de presidio que viola a Artemisa Gentileschi y esta involucrado en procesos de asesinato, violación y sodomía.

1619 marcha a Napoles para estudiar con Goffredo Wals, uno de los numerosos pintores que llegan a Italia del norte y tiene una visión naturalista que por entonces esta todavía de moda, Pero no permanece demasiado tiempo allí.

1623 vive en Via della Croce en Roma.

1625 vuelve a su tierra La Lorena, a Nancy donde trabaja con el pintor oficial de la corte de Lorena, Claude Deruet en los frescos de la bóveda de las carmelitas hoy destruido.

1626 vuelve a Roma y desde entonces vive en esa ciudad.

1629 es la fecha de su primer cuadro y al año siguiente ya participa en encargo importantes en Roma como los frescos del Palacio Muti Papazzurri -hoy Palacio Balestra-, y del Palacio Crescenzi..

1632 publica su Liber veritatis o Libro de la Verdad, un cuaderno con el que Lorena trata de defenderse de los falsificadores y que se compone de los dibujos de sus propios cuadros, copiados con una precisión exacta que permite reconocer los originales.

Lo que indica que ha alcanzado el suficiente gran éxito como para necesitar elaborar un catalogo personal para evitar los fraudes con su nombre.

1633 Otro indicativo de su éxito artístico, es el nombramiento como miembro de la Academia de San Lucas.

Pronto es el protegido del Papa Urbano VIII, su fama traspasa fronteras y es recibido como miembro de la Congregazione dei Virtuosi.

A partir de aquí transcurre una vida llena de logros y reconocimientos que termina el 23 de noviembre de 1682 cuando tiene 82 años.

Es el ejemplo de como alguien solo pintando puede pasar a la historia.

El embarco  en Ostia de Santa Paula Romana

Hacia finales de la década de 1630 Lorena -que a diferencia de otros pintores el paisaje no es un mero decorado, sino un vehículo privilegiado para expresar la significación espiritual del hombre y de la historia-, logra convertir en un prodigio de armonía ese caos que es la naturaleza, dominando la técnica y creado un estilo y un discurso original.

1640 es reclamado por su fama que cruza fronteras por un coleccionista de gustos refinados como es Felipe IV quien le encarga obra para el palacio del Buen Retiro.

Uno de ellos es el paisaje con El embarco en Ostia de Santa Paula Romana de la primera época, prefiguración de otros paisajes portuarios posteriores del pintor.

Añade poética al ideal clásico que se reformula en el XVII por medio de luces rasantes, una atmosfera lirica y dramática, casi prerromántica, protagonizada por pequeñas figuras, envueltas en un marco natural donde se minimiza la acción de la obra.

La historia de Santa Paula es la de una matrona romana que al enviudar parte en el 385 a Tierra Santa para reunirse con San Gerónimo.

En el puerto de Ostia, la santa vive el trance de separarse de su hijo mayor para embarcarse con sus hijas con tan piadoso e incierto destino.

La obra esta hecha con el sol naciente cuyos rayos barren toda una arquitectura de edificios renacentistas que se escalonan formando un ángulo recto, consiguiendo un pasillo de luz.

Hay una transición de planos.

El escenario tiene una disposición teatral y nace de la superposición artificiosa de la arquitectura clásica que encuadra la escena y un lecho marítimo que sirve de lecho para la explosión de luz.

Todo esta dispuesto para lograr que la luz sea la protagonista de la escena como luego hacen los impresionistas.

La pintura para Lorena es un lenguaje a tono, algo muy diferente del clasicismo que era un mensaje de transmisión de un mensaje moral, con ella Lorena consigue transmitir un sentimiento de la naturaleza que por su profundidad y originalidad nada tienen que envidiar a Virgilio, Horacio o Teócrito o sus contemporáneos Jacopo Sannazaroo Torquato Tasso, todos los cuales aluden a un pasado mitológico en el que el hombre está en perfecta armonía con la naturaleza

El arte de Mendieta es áspero de abordar, sin concesiones.

Incorpora elementos como sangre, tierra, agua y fuego, y divulga su obra a través de fotografías, películas y presentaciones en vivo.

Nunca me sorprendió nada de lo que hizo, dice Raquel su hermana.

Siempre fue muy dramática, incluso de niña: le gustaba expandir los límites, provocar a la gente, impactarla un poco. Así era ella y lo disfrutaba bastante. Cuando la gente enloquecía en ocasiones ella se reía de la situación.

1973 En el corto  Moffitt Building Piece, que ruedan ella y su hermana captan las reacciones de los peatones que pasan junto a un charco de sangre de cerdo que Mendieta vierte con discreción en la calle.

Algunos lo miran sorprendidos y la mayoría lo evitan.

Al rato alguien limpia la sangre de la acera como algo molesto.

Para Mendieta, la grabación supone un experimento que genera una reflexión acerca de la indiferencia generalizada ante la violencia.

El talento de Mendieta nunca es reconocido en vida

Muere en 1985 a los 36 años; su esposo, el escultor Carl Andre, es acusado de lanzarla por la ventana de su apartamento en el piso 34 en Greenwich Village, pero es exonerado del delito de homicidio.

Por su situación de inmigrante, Mendieta se siente desarraigada en Estados Unidos.

El trauma de salir de manera forzada de Cuba en su infancia le provoca incognitas sobre su identidad.  

Lo que muestra en su obra, que aborda temas que estan por encima del pintoresquismo étnico, sexual, moral, religioso y político.

También anima a los espectadores de sus performance, a ignorar su género, raza u otros factores sociales y a interactuar, en cambio, con el factor humano que les vincula.

Ana María Mendieta nace en el seno de una familia de clase media en La Habana el 18 de noviembre de 1948.

Su padre, Ignacio, era una figura política destacada que se contraponía al gobierno de Fidel Castro; su madre, Raquel, es profesora de Química.

Ella y su hermana van a una escuela católica en la isla antes de que sus padres las manden a Estados Unidos por medio de la Operación Peter Pan, un programa secreto dirigido por la Iglesia con ayuda del Departamento de Estado para sacar de contrabando a miles de niños de Cuba al inicio del régimen castrista.

A Ana, que tiene 12 años, y a Raquelín, de 14, la experiencia les deja una sensación de pérdida a medida que van cambiando de casas de acogida en Florida y después en Iowa.

Mendieta pasa cinco años sin ver a su madre y dieciocho sin ver a su padre.

Pinta y estudia en la Universidad de Iowa, donde le influye artista alemán Hans Breder, quien realiza aperformances y video, y estimula a los estudiantes a explorar las distintas fronteras artísticas.

Mendieta adopta esas maneras y les añade su estilo propio, al mezclar en una obra elementos de performance, arte corporal y Land Art y luego con la captura de la obra en una fotografía o una película super-8.

1973, mientras estudia en la universidad, Mendieta conoce de la violación y asesinato en el campus de una estudiante de Enfermería llamada Sarah Ann Ottens.

Su impotencia ante la barbarie la lleva a representar una de sus obras más violentas y controvertidas, Escena de violación.

Para la pieza, Mendieta revuelve su apartamento, se cubre de sangre y se ata a una mesa para recrear los momentos posteriores a un ataque sexual violento.

Invitó al público a la ficticia escena del crimen, donde permaneció bocabajo sobre la mesa con sangre recorriendo sus piernas y acumulándose a sus pies mientras los espectadores hablan del incidente.

Aún hay fotografías de la escena en exposiciones en todo el mundo. La más reciente es en el Museo de Brooklyn a principios de este año.

Lo convierte en algo inteligente, desgarrador y emotivo.

Mendieta ejemplifica lo mejor de su arte en una colección llamada Siluetas, enfocada en figuras esculpidas hechas con elementos de la naturaleza como césped, flores, ramas y arcilla, e incorpora temas como la creación, la fe y la feminidad.

1973 En una de sus Siluetas más famosas, incorpora su cuerpo en la pieza recostándose desnuda en una vieja y olvidada tumba de piedra en México.

Luego colocó flores blancas sobre su cuerpo en lugares estratégicos para simular que crecen de su cuerpo.

Unas doscientas piezas conforman su colección, en la que trabaja durante la década de los setenta y principios de la de los ochenta.

La creación de mi silueta en la naturaleza guarda la transición entre mi tierra natal y mi nuevo hogar.

Es una forma de reclamar mis raíces y volverme una con la naturaleza. Aunque la cultura en la que vivo es parte de mí, mis raíces y mi identidad cultural son resultado de mi herencia cubana.

Al mudarse a Nueva York a finales de la década de los setenta, conoce una comunidad de artistas, entre los que estaba Andre, un escultor que, al igual que Mendieta, trabajaba con frecuencia con elementos naturales.

1985 Se casan, a pesar de tener una relación tormentosa.

Las circunstancias relacionadas con la muerte de Mendieta siguen siendo un misterio. La única certeza es que cayó por la ventana de su apartamento durante las primeras horas del 8 de septiembre de 1985 y que su esposo fue acusado de homicidio.

Durante los tres años que transcurre el juicio, Andre niega las acusaciones.

Afirma que él  discuten acerca de que el reconocimiento de él en el mundo del arte es superior al de ella.

Dice que, al momento de entrar en la habitación, ella ya no esta y la ventana estaba abierta.

Sin embargo, un transeúnte testifica que él había escucha gritos de lucha. Andre es absuelto por falta de evidencia.

Hoy en día, las presentaciones de Andre atraen a gente indignada que lo culpa de la muerte de Mendieta.

Contemporáneo de Velázquez, Poussin, Claudio de Lorena, Andrea Sacchi y Antón van Dick, heredero directo de una fuerte convulsión artística, Rembrandt tiene que negociar con la viabilidad de sus propios impulsos.

Todos estos pintores naden cerca de 1600, comienzan su trayectoria saludando a la vez a un naturalismo y un clasicismo que chocan, y han de responder con sus síntesis muy jóvenes.

Rembrandt nace en Leiden, Holanda y en él el proceso es más difícil y más original, pero como los anteriores pintores vive con ansiedad la década de 1620 y se encuentra a si mismo la siguiente.

Lo que lo separa de sus contemporáneos de profesión es que es el primero que se enfrenta a un mercado artístico puro y duro.

Penúltimo hijo de una familia con muchos hijos, cuyo padre es un acomodado molinero de fe calvinista, tiene una formación humana esmerada, asiste un tiempo a la Universidad de Leiden, aunque en 1621 con 15 años se inscribe como aprendiz en el taller de Jacob van Swanenburgh (1571-1638) que esta años en Italia, como también pasa un tiempo por el taller de Jacob Pynas (1585-1648) y completa su periodo de formación con Joris van Schooten (1587-1651).

Pero su maestro mas importante es Pieter Lastman (1583-1633) en cuyo taller de Amsterdam esta seis meses en 1624 y de quien tiene las primeras noticias de Caravaggio, además de ser en este momento el pintor mas cotizado de historia holandés.

1626 trabaja en Leiden asociado con Jan Lievens (1607-1674) al que conoce en el taller de Lastman.

Debe de existir entre ambos buena química pues durante un lustro de colaboración, logran llamar la atención de personajes importantes como el sabio y coleccionista Constantijn Huygens que hace una visita a su taller en 1628.

Aunque genera una obra abundante y singular durante estos primeros años no hay duda de que es decisivo su salto o asalto a Amsterdam, donde se instala entre 1631-1632.

Alcanza un éxito asombroso de forma súbita, producto de su talento y ambición.

En esta ciudad comprende la importancia y la rentabilidad del género artístico que practica en todas las modalidades, individuales y grupales, imprimiendo en todas ellas un sello de singularidad.

1630 encadena multitud de retratos, alguno de los que tienen novedad compositiva y habilidad técnica notables, como La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp (1632).

Le llueven los encargos y rápido se hace rico y famoso, una carrera fulgurante que corona con su matrimonio en 1634 con Saskia van Uylengburgh, prima de uno de los principales marchantes de arte de la ciudad, con el que hace muchos negocios.

La boda consolida su posición y le da estabilidad y felicidad.

Gana muchísimo dinero, pero es un manirroto como acredita la adquisición y decoración de su fastuosa mansión donde acumula obras propias y ajenas, junto a la más variopinta colección de objetos curiosos, cachivaches y objetos exóticos.

Poco a poco comienzan a ocurrirle desgracias, primero con la muerte de todos los hijos que concibe en el matrimonio salvo Titus y después con el fallecimiento de su adorada esposa Saskia en 1642.

Cuando muere tiene 36 años y en solo 10 ha llegado a una cumbre de éxito y solvencia que sus compañeros de profesión de la época no tenían ni de lejos.

Aun le quedan por vivir 27 años más, pero su estrella deja de ser rutilante y a veces casi se apaga por completo, deja de estar de moda.

1656 es declarado insolvente y se subastan sus bienes y en 1660 no solo abandona su lujosa mansión, sino que tiene que mudarse a un barrio pobre, donde sobrevive de mala manera.

Entre tanta desgracia es bendecido por una compañera adorable, Hendrickje Stoffels, con la que vive sin poder casarse durante ese periodo aciago.

Pero su genio no decae, produciendo cada vez más obras maestras.

Tiene una gran ambición por el papel artístico a desempeñar.

Elige modelo y referente a Rubens.

Pero no para seguir su estela pictórica ni para parodiar su éxito material, sino para desafiar y superar sus increíbles dotes en todos los campos.

De tal manera como Rubens, aborda todos los géneros y técnicas, pues hace pintura de historia, sacra o profana y todos los géneros menores que por entonces se multiplican, como el retrato, el paisaje, el bodegón, las escenas de costumbres, además de ser un dibujante o grabador como pocos.

En todos estos campos realiza piezas magistrales e innovadoras.

Usa el claroscuro y el naturalismo mas crudo, pero su luminosidad dorada y atrevimiento de sus contraluces no tienen paragón.

Sabe dotar de efectos dramáticos la acción mas vulgar de un acontecimiento, trastocando con ello el orden de atención del espectador.

 Este es un recurso inventado por los manieristas, como también estos son los creadores del claroscuro, pero una cosa es inventar y otra que sea operativo, es decir que sea dramáticamente rentable.

La obsesión de Rembrandt por acreditarse como un gran narrador de historias llega al punto de renunciar al muy rentable genero alimenticio de los retratos de encargo, justo en el momento de crisis económica personal a partir de 1650, para dar libre curso a su capacidad de invención.

Aun así, es difícil encontrar un retratista de su talla y menos que emprendiese una sistemática serie de autorretratos desde su primera juventud hasta su último suspiro.

Lo hace no por narcisismo sino por hacer mano y por estudiar la fugacidad del tiempo, rasgo de extrema modernidad.

En cuanto a los retratos de grupo, sabe dejar un sello personal, sometiendo la escena a los rigores de la composición, por encima del reconocimiento simplón de las individualidades que forman parte de ella y pagan el encargo como se ve en La Ronda Nocturna.

Por lo demás es precoz mezclador de géneros como se muestra en El buey desollado (1640) en el que un animal abierto en canal se muestra como una crucifixión.

Destaca su revolucionaria insolencia al tratar la materia pictórica, muy empastada y atrevidamente surcada con violentas grietas producidas por el mango del pincel, lo que convierte su factura en una acción gestual y táctil, justo la antítesis de la higienizada y vítrica tradición en la creación de los pintores holandeses de la segunda mitad del XVII.

Betsabé en el baño (1654)

En la tradición occidental de cuño clásico, el desnudo significa mas que un simple tema erótico.

No lo es desde el punto de vista simbólico, pues hasta la Contrarreforma es una forma de mostrarse como se es humanamente, es decir mostrarse sin mascara, una despojada acción virtuosa, pero también desde el punto de vista formal pues el desnudo se usa como canon de proporciones como cualquiera de las artes.

La afición de los venecianos por el desnudo desde el siglo XVI supone un cambio de orientación, ya que, a diferencia del desnudo masculino, no solo trastoca el orden simbólico, sino el formal al cambiar la recta por la curva.

Aunque Caravaggio no aborda nunca el desnudo integral, masculino o femenino no solo por respetar su moralización contrarreformista sino también por enfrentarse con la tradición académica del clasicismo, es difícil ignorar su contribución para despojar la figura humana de cualquier velo idealizador, y hay que considerarlo el virtual inductor del replanteamiento del desnudo.

Pero es Rembrandt quien aplica por primera vez esta versión naturalista al desnudo femenino quizás teniendo en mente contrarreplicar al bello desnudo estatuario de Rubens.

Sus descarnados desnudos femeninos más allá del naturalismo abren una nueva vía estética de la belleza de la imperfección, que es la fuente del erotismo, por el que el deseo emerge por lo irregular, lo insólito.

David sorprende un día desde un rincón de su palacio a Betsabé desnuda que va a bañarse asistida por una doncella, creyéndose a resguardo de cualquier mirada.

Betsabé esta casada con un hitita Urías, un aguerrido soldado de su propio ejército.

Pero no le detiene al lujurioso David el adulterio y aun peor, habiendo preñado a Betsabé, en ausencia de su marido provocar la muerte de este y tomar como esposa a esta mujer.

Para representar esta historia, Rembrandt elige el momento en el que le es entregada a Betsabé la misiva, casi una orden, de que franquee su intimidad, pero fusionando los dos pasos de esta dramática narración, el del espiado baño de Betsabé y el de la recepción de la carta incitadora.

El cuadro centra la atención sobre el objeto de deseo, abarcando con ello, el cuerpo y el alma de Betsabé, convertida en protagonista de la acción representada.

Para ello elige como modelo a Hendrickje Stoffels cuyo cuerpo no tiene para él secretos y puede así mostrar la imagen deseada.

Betsabé esta absorta, replegada en su pensamiento, ensimismada, expresando en su cara un pliegue de duda e inquietud, de zozobra.

Ese ensimismamiento junto al aire ausente de la criada multiplica el efecto de soledad y desamparo, generando Rembrandt una síntesis entre cuerpo y alma de Betsabé, a quien de pronto se le ha abierto un abismo a sus pies, por el que puede ser lapidada, cómplice de un homicidio o reina.

Jamás un desnudo se muestra tan tentador y a la vez en una manifestación angustiosa de desamparo.

Alguna de las intervenciones en el paisaje de Land Art, recuerdan las que hacían los hombres primitivos, y es porque al igual que las que hacían en la prehistoria estas piezas poseen una apariencia casi ancestral.

Este parecido no es casual es una búsqueda consciente, un acercamiento a las culturas primigenias, pues en arte aunque hay nuevos soportes, en cambio no hay evolución ni progreso, al contrario que en la tecnología.

Hay que recordar la importancia revolucionaria que tuvo en los 60 la Antropología, que influyo en las artes, ya que se desentrañaron los símbolos algo que antes eran desconocidos y se genero el concepto de progreso.

El Pensamiento salvaje (1961) y Mito y significado de Claude Lewi Strauss, son la clave de que cambie el concepto de progreso cultural.

Para el autor la mente primitiva es tan sofisticada y retorcida como la del hombre actual, pues tiene la capacidad de erigir un pensamiento lógico como el que elabora la ciencia moderna.

Según este, cuanto mas se desarrolla el concepto de pensamiento de nuestro tiempo tanto mas somos capaces de entender el pensamiento del hombre primitivo.

Es decir nos acercamos a la prehistoria, a un tiempo cíclico desarrollado en las obras mas representativas de Land Art.

Este tiempo cíclico permite interpretar el discurrir de la historia como una superposición de épocas extremadamente lejanas, es decir la mas actual superpuesta a la más antigua, de ahí que muchas de las obras de Land Art recuerden a los grandes complejos megalíticos como el Observatorio de Morris o las huellas escultóricas que dejan los hombres del neolítico como los trabajos de Richard Long, o rememoran civilizaciones como las precolombinas o las indias, como muestran las intervenciones de Heizer en Búfalo.

El hombre primitivo se expresa como el artista contemporáneo con un lenguaje abstracto con figuras primarias que el relaciona con la presencia de lo primordial.

Así Pierce, Metson, Smithson y Mendieta experimentan con estos significados de lo primordial y en general con el lado antropologico del arte.

Su obra sirve para entender porque se establecen estas conexiones con el pasado y como se recuperan las formas mas arcaicas como un lenguaje capaz de expresar la relación entre el hombre y la naturaleza desde pulsiones tan básicas como la sexualidad, la fecundidad y la maternidad, aspectos esenciales en el arte primitivo.

Así pues, el artista de Land Art establece un dialogo con la naturaleza propio de las culturas primitivas, ya sea por la inclusión de materiales autóctonos o por otros ajenos a él.

Cuando son materiales autóctonos la obra adquiere un aspecto telúrico que parece que sea el azar quien ha modificado el paisaje.

Quizás sea el caso de la Spiral Jetti de Smithson, con las rocas de basalto que encontró en el Lago Salado.

Cuando llego allí, según su cuaderno de campo no tenia ni idea de lo que pensaba hacer, no quería imponer ninguna imagen estética ajena al paisaje, muy al contrario, quería hacerlo visible, desentrañarlo.

De pronto emergió en su imaginación la espiral, que es lo que hace en el lago y eso lo transmite, porque emerge y la imagen es mas telúrica que estética, más natural que artificial.

El vinculo entre el objeto creado y el entorno es tan grande, que los límites del pensamiento romántico se desvanecen en un horizonte común, de tal forma que la metáfora que el artista crea en el paisaje es la propia naturaleza.

Esto se refleja también en la obra de Richard Long.

Pierce también experimenta de manera similar.

Pero en ocasiones en vez de trabajar con elementos del lugar introducen ellos los materiales para hacer la intervención.

Curiosamente este es un método mas de la prehistoria que el anterior pues los dólmenes de Stonehenge se realiza con roca que esta muy lejos del lugar algo inaudito.

La Masa desplazada y reemplazada de Michael Heizer hace en nevada en 1969 es algo parecido.

Es algo parecido a lo que ocurre con las Pirámides de Ejipto en un lugar vacio de arena, lo que produce un fuerte contraste por la diferencia de los materiales que genera una tensión.

 Comienza como artista en Roma, y sigue su carrera en distintas urbes de Italia, Francia e Inglaterra.

1612 se muda a Florencia y es la primera mujer en ser miembro de la Academia di Arte del Disegno de Firenze con una clientela internacional

Trabaja bajo los auspicios de Cosme II de Medici.

1621 trabaja en Genova, luego se trasladó a  Venecia, donde conoce a Antoine van Dick.

Regresa  Roma.

1626 -1630 se traslada a Napoles, allí por primera vez tiene un encargo de pintura al fresco de la iglesia Pouzzoli, cerca de Nápoles.

1638-1641, vive y trabaja en Londres con su padre bajo el patrocinio de Carlos I de Inglaterra que es coleccionista.

Luego regresa a Nápoles, donde vive hasta su muerte.

Cerró con llave la habitación y después me tiró sobre la cama, inmovilizándome con una mano sobre el pecho y poniéndome una rodilla entre los muslos para que no pudiera cerrarlos y me levantó las ropas, algo que le costó muchísimo trabajo. Me puso una mano con un pañuelo en la garganta y en la boca para que no gritara (…). Yo le arañé el rostro y le tiré del pelo.

Artemisia Gentileschi (1593-1652/53), hija del pintor Orazio Gentileschi, compañero de Caravaggio, es de novela.

 Artemisia (Periférica) de Anna Banti (1895-1985), publicada en 1947 que según Susan Sontag, bastaría para asegurar a su autora un puesto en la literatura mundial.

En mayo de 1611, es cuando Artemisia tiene 18 años es cuando es violad por el pintor Agostino Tassi maestro de Artemisia y amigo de su padre y colaborador en el trabajo.

El miedo y la vergüenza permiten que su denuncia se dilate un año.

La justicia del XVII tiene sus socavones y la víctima se convierte en culpable, por lo que el tribunal se permite dudar de su versión, por lo que la someten a humillantes exámenes ginecológicos –por si había perdido antes la virginidad– y le hacen prestar declaración sometida a tortura, con una cuerda enrollada en los dedos que una guardiana oprime vez más, provocándole gran dolor para asegurarse que dice la verdad.

Tassi es declarado culpable y condenado al exilio, que por supuesto no cumple y además se dedica a desprestigiar a la pintora.

 A pesar de su victoria judicial, canaliza en su obra la angustia vital que le provoca el degradante proceso.

 Muy freudianamente, confecciona en sus lienzos escenas del bíblicas, donde las mujeres son ellas las que hacen justicia.

En Judith y Holofernes no hay una víctima pasiva sino alguien que actúa y se venga.

 Sus retratos de Cleopatra, Dánae, santa Cecilia o Magdalena muestran líderes, mujeres activas.

La compra de la National Gallery de Londres de Autorretrato como santa Catalina de Alejandría, renueva la fascinación por la artista poco usual para la época.

 Nunca se sabrá si se pinta como santa Catalina de Alejandría porque se identificaba con la mártir —que prefiere morir decapitada antes que casarse con el emperador Majencio— o sencillamente porque así se lo pide quien encarga la pieza.

Esta pintura misteriosa la compra el 16 de julio la National Gallery de Londres

 Sigue intacta la tentación de buscar paralelismo entre el arte de la pintora italiana más influyente del siglo XVII -primera mujer de la historia en ser admitida en 1617 en la  Academia de las Artes y del Diseño de Florencia– y los acontecimientos que desbordan en su adolescencia.

 Cuando comienza la obra en 1615, ya no es la promesa del arte barroco que tanto satisface a su padre.

Tres años antes, el juicio ganado por su progenitor contra el hombre que la viola cuando tiene 18 años la hace objeto de escándalo del que Roma comenta.

 El boicoteo de familias importantes favorables a Tassi, algo común en la época, repercute negativamente en los encargos a su padre y la familia se traslada a Génova.

En las actas, aparecen la descripción del stupro, yla versión de Agostino Tassi, que la acusa de ser una mujer amoral, por lo que el impacto de la humillación a la es expuesta siendo adolescente es descomunal. 

El juicio cambia el curso de su vida y moldea su reputación, no solo en su época sino a través de los siglos.

 Libre sexualmente, independiente profesionalmente, la artista no se deja condicionar ni por el hecho de ser una mujer, ni por el estigma social del juicio.

Negocia el precio de venta de sus obras con coleccionistas privados de renombre —como los Médicis o el duque de Módena—, viajaba sola por toda Europa e incluso dirige un taller de pintura en Nápoles donde trabajaban, exclusivamente, hombres.

Su libertad y su modernidad la hacen un personaje excepcional para la época.