Nace en Turín, el 18 de julio de 1871.

Pintor, escultor y fundador y uno de los máximos exponentes del Movimiento Futurista en Italia

Aunque asiste a la Academia Albertina de Turín, su formación es autodidacta

1895 se muda a Roma, donde alcanza un notable éxito con sus retratos.

1900 viaja a París con el objetivo de asistir a la Exposición Universal, quedando impresionado por el bullicio y ambiente artístico parisino.

Estudia la obra de los neoimpresionistas, interesándose sobre todo por las de George Seurat, Paul Signac y Henri-Edmond Cross que tienen gran influencia en su obra.

De nuevo en Roma, difunde la técnica divisionista, entre jóvenes artistas, entre ellos Umberto Boccioni, Gino Severini y Mario Sironi.

1909 conoce al poeta Filippo Tommaso Marinetti que ejerce gran influencia en su obra y le acerca al Futurismo, movimiento literario y artístico que surge en Italia en la primera década del siglo XX, a la vez que el Cubismo aparece en Francia.

El Movimiento Futurista, al que también pertenecieron Russolo, Carlo Carra, Boccioni y Severini, entre otros, gira en torno a la figura de Marinetti, que publica en el diario parisino Le Figaró en febrero de 1909 el Manifiesto Futurista.

En él proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que responda en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades:
Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras… un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia

Balla se une al grupo en 1910, firmando La pittura futurista Manifesto técnico, aunque no expone con ellos hasta 1912, con su obra Dinamismo de un perro con una correa.

De esa época es también Muchacha corriendo en el balcón y Las manos del violinista.

Comienza a diseñar y pintar muebles futuristas y crea lo que se llama ropa antineutral.

En esa época introduce en el futurismo a Umberto Boccione.

En las obras de ese periodo, quiere representar el movimiento y la velocidad, y para ello, toma coma base las cronofotografías de Étienne-Jules Marey.

Para muchas de sus composiciones, continúa usando la técnica puntillista.

1913 su pintura evoluciona hacia la abstracción, la representación de la descomposición del desplazamiento da paso a estructuras espirales y el estudio del movimiento al análisis de la descomposición de la luz.
1914, empieza a esculpir y en 1915, creando la que será posiblemente su mejor escultura Puño de Boccioni.

1915 firma junto a Fortunato Depero el manifiesto Reconstrucción futurista del universo, en el que se extienden los principios futuristas a todos los aspectos de la vida diaria.

 Para ello toman como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización.

La estética futurista difunde así mismo una ética de origen machista y provocador, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro.

Al igual que sus compañeros de grupo, Balla es un activo nacionalista.

 1915 es detenido junto a Filippo Tommaso Marinetti por participar en una manifestación a favor de la participación de Italia en la Guerra; durante esta época su estudio es lugar de encuentro de artistas.

Desde entonces, comienza a interesarse por la construcción de objetos móviles de papel, cartón, tela y alambre que denomina Complejos plásticos

1917 trabaja también como escenógrafo para Feu d’artifice de Stravinsky, de los ballets rusos de Serguéi Diághilev, que en esa época vivía refugiado en Roma huyendo de la guerra.

1930, abandonó definitivamente el futurismo, que entra en declive, va politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresa Marinetti en 1919.

Dice en el manifiesto:
Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer.

Comienza entonces una pintura figurativa, de inspiración fascista, que marca su producción artística hasta su muerte.
1935 es nombrado miembro de la Academia di San Luca de Roma.

Fallece en Roma, el 1 de marzo de 1958. En el Thysen de Madrid se puede contemplar Manifestación patriótica de 1915.

https://es.wikipedia.org/wiki/Giacomo_Balla

https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/balla-giacomo

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/balla.htm

https://historia-arte.com/artistas/giacomo-balla

https://www.cassina.com/es/disenador/giacomo-balla

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el artista moderno debe liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución

Escultor y pintor, uno de los más importantes representantes y teórico del Movimiento Futurista

Nace el 19 de octubre de 1882 en Reggio Calabria, pero su familia cambia de domicilio con frecuencia por ser funcionario el padre.

1901 Al terminar la escuela, Boccioni ingresa en la Academia de Bellas Artes de Roma, siendo alumno del pintor divisionista Giacomo Balla y también conoce a Gino Severini, gracias a los cuales entra en contacto con el puntillismo  que utiliza en sus primeras obras cuando comienza a trabajar como artista.

1906 viaja a París donde estudia a los Impresionistas y Postimpresionistas.

1907 viaja a Venecia donde asiste a clases en la la Accademia di Belle Arti .

Ese mismo año se traslada a Milán, donde se implica con el poeta Filippo Tommaso Marinetti en el Movimiento Futurista emergente, haciendo grandes aportaciones a sus teorías.

Los dos artistas más tarde se unen con otros para publicar sus Manifiestos sobre el Futurismo.

1910 es autor del Manifiesto de los pintores futuristas, junto con Carlo Carrá, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini y del Manifiesto Técnico del movimiento futurista, los dos publicados en el mismo año.

En ambos escritos se dice que 

el artista moderno debe liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. 

Como temas artísticos proponemos la ciudad, los automóviles y la caótica realidad cotidiana.

1912, tras visitar varios estudios en París, los de Braque, Archipenko , Brancusi , Raymond Duchamp-Villon, entre otros, decide dedicarse a la escultura; rechaza en esta modalidad artística los metales nobles como mármol o bronce, y utilizó la madera, el cristal e incluso el hierro.

Lo que le interesa es mostrar la interacción de un objeto en movimiento con el espacio circundante.

1912 también, expone algunas pinturas junto con otros futuristas italianos en el Bernheim-JEUn.

1913 muestra sus esculturas la Gallerie La Boeti.

1913 también expone en Londres, junto con el grupo, en 1912, en la Sackville Gallery, y 1914 en la Doré Gallery; en las dos exposiciones causa impresión en los artistas ingleses.

Sus pinturas más reconocidas son: Tumulto en la galería, Estados de la mente nº 1, Las despedidas, en las que los estados de ánimo se expresan mediante relámpagos de luz, espirales y líneas onduladas dispuestas diagonalmente; y Forze di una strada de 1911, donde la ciudad, casi un organismo vivo, tiene mayor importancia que las presencias humanas.

En una primera etapa practica el Postimpresionismo, y pinta algunos cuadros de estilo Simbolista.
Más tarde, influido por el Cubismo, lleva a cabo algunos óleos en este estilo, aunque huye de las líneas rectas, para aumentar la vibración en sus obras  y utiliza colores complementarios con el fin de crear vibración.

Y Boccioni, en sus obras expresa el movimiento de las formas y la concreción de la materia. 

En cuadros como Dinamismo de un ciclista, o Dinamismo de un jugador de fútbol, las representaciones de un mismo tema en estadios temporales sucesivos sugieren la idea del movimiento en el espacio.

Se le acusa de violación en Porto Bello, Italia, causa por la que es rechazado por la comunidad artística durante seis años.

Movilizado tras declararse la I Guerra Mundial, es asignado a un regimiento de artillería en Sorte, cerca de Verona.

El 17 de agosto de 1916, Boccioni es tirado por su caballo durante un ejercicio de entrenamiento de la caballería, siendo pisoteado por el animal, fallece al día siguiente con 33 años de edad.

Fuentes

https://historia-arte.com/artistas/umberto-boccioni

https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/boccioni-umberto

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Francis-Marie Martínez Picabia nace en París, el 22 de enero de 1879.

Picabia desciende por vía paterna de una familia emigrada a Cuba procedente de Galicia y de madre vascofrancesa.

Los padres de Picabia se conocen en París cuando su padre trabaja como diplomático en Francia.

Se forma en L’École des Beaux-Arts y en L’École des Arts Décoratifs de París.

Tras recibir la influencia del Impresionismo y del Fauvismo, especialmente de Camille Pisarro y Alfred Sisley , practica todos los estilos de las vanguardias de su época: el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el figurativismo, el surrealismo y el arte abstracto, el dibujo y el collage.

1909-1911 se vincula al Cubismo, siendo miembro del Grupo de Puteaux, en el que hace amistad con los Hermanos Duchamp (Marcel, Jaques y Raymond) en el suburbio parisino de Puteaux, donde se reunen los domingos para discutir sobre arte, matemáticas y otros temas.

1913-1916, viaja a Nueva York para asistir a la exposición The Internacional Exhibition of Modern Art, que pretende mostrar al pueblo estadounidense las vanguardias europeas.

En el citado viaje contacta con el fotógrafo Alfred Stieglitz, marido de la pintora Georgia O´Keeffe, que introduce de forma tímida la vanguardia europea en Estados Unidos, y los pintores Dadás americanos.

1916 publica en Barcelona, ciudad en la que reside dos años, 291, una revista Dadá, en la que cuenta con la colaboración de Guillaume Apollinaire, Marcel Duchamp, Tristán Tzara, Man Ray y Jean Cocteau.

En Barcelona apenas tiene contacto con la vanguardia catalana, salvo con Josep María Tamburini, quien en 1916 edita el primer número de su revista Dadá 391.

Reside una larga temporada en la Costa Azul, durante la que realiza pintura surrealista.

A su regreso a París, funda una nueva revista: 391, en compañía de André Bretón.

1917 en París entra de lleno en Dadá, conducido por Tristan Tzara, participando en todo tipo de provocaciones y escándalos.

1922 Dalmau organiza una exposición que reúne 46 obras de Picabia, con un catalogo editado por André Bretón

Sus obras posteriores, son más Futuristas, como El apuro, actualmente en el Museo Thyssen- Bornemisza de Madrid, que junto a una serie de obras se pueden calificar como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.

El Reina Sofia de Madrid alberga varias obras suyas.

1924, vuelve al figurativo, con obras surrealista.

1930 se celebra la primera de las grandes retrospectivas sobre Picabia en la galería francesa Rosenberg, donde se muestra la obra comprendida entre 1900-1930.

Fallece en París, el 30 de noviembre de 1953.

Fuentes

https://www.mchampetier.com/biografia-Francis-Picabia.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Picabia

https://historia-arte.com/artistas/francis-picabia

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picabia.htm

https://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/picabia-francis

https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/picabia-francis

Fotografía Trianart

Nace en Blainville-Crevon, Francia, el 28 de julio de 1887.
Artista polifacético y ajedrecista, es uno de los personajes más influyentes durante el siglo XX

Novedoso en sus postulados, desdeña el poso que deja el tiempo en arte, destacando  la fugacidad y lo contemporáneo

Partidario de la creación artística como un ejercicio de la voluntad, sin que ésta precise de estudios de formación ni de talento especial.

Su hermano Gaston, que firma sus obras como Jaques Villon, alcanza alguna fama pintando carteles en París, en aquella época en la que triunfan Henri Toulouse Lautrec y Alfons Mucha, Marcel, que admira a su hermano, trata de imitar su estilo en sus primeros trabajos.

1902, con 14 años pinta sus primeros óleos, de influencia impresionista, paisajes de Blainville y varios dibujos con técnicas diversas, acuarela, tempera, lápiz, etc. con un único tema, su hermana Suzanne, dos años menor que él, que también se dedica a la pintura.

 1904 marcha a París, instalándose en Montmartre, donde vive junto a su hermano Gastón.

Intenta el ingreso en L’École des Beaux-Arts, matriculándose en la Academia Julien que abandona a los pocos meses para frecuentar la vida de los cafés de Montmartre, que llevan más de cincuenta años acogiendo a la mayor parte de la comunidad artística de la vanguardia francesa, yendo siempre acompañado de su cuaderno de dibujo donde toma apuntes de la vida cotidiana.

Es el tiempo más trasgresor de todo el siglo XX, con Pablo Picasso, George Braque, la poesía de Apollinaire y el arte abstracto de Vasili Kandinsky, Robert Delaunay y Piet Mondrian.

1911 comienza su carrera en este sentido innovador, su cuadro Sonata, marca el inicio de esta etapa.

Pintura que se inspira y que tiene una clara influencia de Picasso y Braque, plasma a sus tres hermanas que interpretan una pieza musical, mientras su madre aparece ajena a lo que ocurre.

Tras experimentar con el fauvismo, queda atrapado por el cubismo tras visitar la Galeria Kahnweiler, donde hay lienzos de Picasso y Braque.

A partir de Retrato de jugadores de ajedrez, primera pintura innovadora, cada nueva obra es distinta a las anteriores, rápidamente genera una nueva obra con nuevos planteamientos.

En este tiempo deja de visitar a sus hermanos, frecuentando un grupo de amigos, en especial Francis Picabia, momento en el que empieza a interesarse por el movimiento.

 Ejemplo de ello Joven triste en un tren y Desnudo bajando una escalera, del que pinta dos versiones.

El cuadro tendría que haberse mostrado en la exposición cubista del Salon des Indépendants, sin embargo Albert Gleizes pide que retire voluntariamente el cuadro, o que le cambie el título, que les parece caricaturesco.

….no repliqué. Dije muy bien, muy bien, cogí un taxi para la exposición, recuperé mi cuadro y me lo llevé. Fue un auténtico giro en mi vida. Me di cuenta de que, después de aquello, nunca más volverían a interesarme demasiado los grupos.

En aquellos años recibe, la influencia de Jules Laforgue y Raymond Roussel; le atrae, la locura de lo inesperado y el descubrimiento de una obra que parte únicamente de la imaginación del autor, las obras no deben contener nada salvo combinaciones de objetos totalmente imaginarios.

Poco después viaja a Munich, y aunque admira el trabajo de Kandinsky, no hace ningún intento de conocerle, se dedica a trabajar, en ese tiempo comienza con los dibujos de la Virgen, después continua con la pintura El tránsito de la virgen a la novia y Novia.

Tras dos meses de trabajo hace una escapada por Viena, Praga, Leipzig, Dresde y Berlín y sus museos antes de volver a París.

Después de practicar unos meses en la corrosión del vidrio con ácido fluorhídrico, abandona la idea porque le resulta demasiado engorrosa y peligrosa, pues la reacción química emite gases tóxicos.

Francia entra en la Primera Guerra Mundial el 3 de agosto de 1914, Duchamp es eximido del ejército al detectarle un soplo reumático en el corazón.

Aunque no exhibe su actitud escéptica con la guerra e impermeable al patriotismo, tiene que aguantar los reproches de su cuñada y de los desconocidos que le increpan por la calle por no estar en el frente.

2 de abril de 1915 totalmente decidido a marcharse de Francia, No me voy a Nueva York, me marcho de París, que es muy distinto.

15 de junio zarpa en el Rochambeau rumbo a Nueva York.

En Nueva York contacta con su amigo Francis Picabia, al que secunda en su tarea de dar a conocer el movimiento Dadá en Estados Unidos, entre otras la creación de revistas adscritas al movimiento.

1920-1930, abandona el arte para dedicarse a jugar de forma semiprofesional al ajedrez, en el que llega a ser un moderado experto.

1934 establece fuertes lazos con el movimiento surrealista, en particular con André Bretón, que en 1935 publica el primer estudio exhaustivo de su obra.

Poco a poco, Duchamp se recluye en el anonimato con la única compañía de su esposa, Teeny Sattler, con quien contrae matrimonio en 1954.

1955 Duchamp se nacionaliza estadounidense.
Muere en Neuilly-sur-Seine, el 2 de octubre de 1968.

Su aportación más importante al surrealismo es la invención de la decalcomanía o calcomanía, técnica en la que el automatismo psíquico tiene un protagonismo absoluto.

       

                Nace el 3 de enero de 1906 en Tacoronte, Tenerife.

Al poco de nacer se traslada junto a su familia a La Laguna, las playas negras de ésta están representadas en muchas de sus obras.

Pertenece a la Escuela de París.

Comienza a pintar muy joven, su primer autorretrato es de 1926.

1927 su padre lo envía a París, donde su hermana Antonia casada con el pintor Álvaro Fariña se hace cargo de él.

Entra en contacto y se relaciona con pintores del movimiento surrealista, especialmente con André Bretón, hasta que es postergado por este grupo, después de conocer y aproximarse a la obra de Pablo Picasso.

 Pero, así y todo, el surrealismo influye toda su obra además de que conoce y frecuenta a Paul Eluard y Man Ray.

1928 expone en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife, junto a Lily Guettam.

1933 realiza su primera muestra individual.

En la temática de sus pinturas, se evocan con frecuencia volcanes, grutas y la flora y fauna típica de sus islas; así como latas de conserva, imperdibles, revólveres, flechas, leones y toros que conforman sus objetos surreales.

1934 se une al círculo de André Bretón y se adentra por completo en el surrealismo de sus grandes referentes Salvador Dalí, Max Ernst, Yves Tanguy, el rumano Víctor Brauner, el chileno Roberto Mata y Pablo Picasso.

Influencia de Salvador Dalí es Drago, de 1933, Máquina de coser electrosexual, de 1935, y la más representativa, Cueva de guanches, de 1935, actualmente en el Museo Reina Sofía de Madrid.

1936 da a conocer sus decalcomanías, técnica que consiste en introducir gouache negro líquido entre dos superficies, presionándolas de modo incontrolado, técnica que adoptan inmediatamente los surrealistas, influyendo posteriormente en el Expresionismo Abstracto.

En una visita a Barcelona ese mismo año, hace amistad con Remedios Varo, Esteban Francés y Manuel Viola.

Al estallar la Guerra civil española se refugia inicialmente en Tenerife, huyendo a París en un barco frutero, provisto de documentación falsa.

En París, permanece en esta ciudad el resto de su existencia.

Inicia allí, una etapa nueva en su obra, el llamado Periodo cósmico, catalogado como uno de los más interesantes, y consolida su amistad con Pablo Picasso.

Cuando comienza la Segunda Guerra Mundial, y para huir de los nazis, se refugia en Marsella.

A su vuelta a París colabora con el grupo surrealista clandestino La Main à Plume, y conoce a Giorgio de Chirico.

En ese tiempo, pinta, El mapamundi, Toro moribundo y El revólver.

Ilustra también con aguafuertes Poésie et verité (París: Les nourritures terrestres, 1947), de `Paul Eluard.

Como casi todos los artistas españoles exiliados, participa en 1945 en el Salon des surindépendants.

Poco después, rompe con el Surrealismo y con André Bretón, influenciado por la obra de Picasso.

Sus últimos años, están marcados por la locura, tras detectársele una acromegalia, enfermedad degenerativa que deforma el cráneo haciendo crecer extraordinariamente la cabeza.

Al finalizar la II Guerra Mundial le son rendidos homenajes en Alemania y Checoslovaquia.

1953, Este año ha sido una cosa terrible; he perdido más de diez amigos que quería profundamente.

1957 se suicida la noche de fin de año en París, cuando esta borracho, cortándose las venas en el baño, en una fiesta que da en su casa su amiga, la Vizcondesa de Noaffles

Está enterrado en el Panteón de los Noailles del cementerio de Montparnasse.
Está considerado como uno de los mayores exponentes mundiales de la vanguardia histórica española en París en las primeras décadas del siglo XX.

https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%93scar_Dom%C3%ADnguez

https://teatenerife.es/oscar-dominguez

Fotografías trianart

Raymond Georges Yves Tanguy nace en París, el 5 de enero de 1900.
Muestra en su obra grandes paisajes abstractos.

Es considerada paradigma del movimiento de Andre Breton y, en la década de 1940 ejerce una fuerte influencia sobre la generación de jóvenes artistas entre los que se encuentra Roberto Matta.

Utiliza pocos colores.

Sus pinturas son paisajes oníricos, poblados de formas distintas, siempre abstractas, unas veces con agudos ángulos, como fragmento de cristales rotos, otras redondeadas, con aspecto como de amebas gigantes petrificadas.

Sus pinturas son paisajes oníricos, poblados de formas distintas, siempre abstractas, unas veces con agudos ángulos, como fragmento de cristales rotos, otras redondeadas, con aspecto como de amebas gigantes petrificadas.

Tiene similitud con parte de la obra de Dalí.

De origen bretón al morir el padre, vuelve junto a su madre al pueblo natal de esta, Locronan, Finisterre, donde Tanguy pasa su juventud.

1918 se embarca en un mercante para después alistarse en el ejército, donde hace amistad con Jaques Prevent.

1922 al terminar su servicio militar, vuelve a París, donde desempeña oficios distintos.

1923 queda impactado tras observar una obra de Girgio de Chirico en el escaparate de la galería Paul Guillaume, y aun sin ningún tipo de formación artística, decide dedicarse a la pintura.

Con poco presupuesto, monta un estudio tan reducido que sólo puede almacenar las obras de una en una.

1924 su amistad con Jacques Prévert permite que sea admitido en el círculo de surrealistas de André Bretón.

Pasa del expresionismo de sus obras iniciales al automatismo del del surrealismo.
1927 expone de forma individual por primera vez en París.

También firma a partir de entonces los manifiestos surrealistas y participa con sus pinturas en las exposiciones de estos.

Sus obras, evocan atmosfera onírica, con figuras de aspecto fantasmagórico y formas de perspectivas irreales

1927 se casa y firma con Breton un contrato para pintar 12 cuadros al año, de los que sólo realizaría 8.

1930 lleva una vida de excesos y bohemia, que es el motivo de su divorcio.

1938, al conocer la obra de Kay Sage, inicia una relación con ella.

Al iniciarse la II Guerra Mundial, Kay regresa a Nueva York, su ciudad natal, y marcha con ella al ser declarado no apto para regresar al ejército.

1940 se casan en Reno, Nevada, permaneciendo en Estados Unidos el resto de su vida.

Al finalizar la guerra se instalan en Woodbury, Connecticut, montando un estudio que comparten en una antigua granja que restauran y donde viven siempre desde entonces.

1948 se concede a Tanguy la ciudadanía norteamericana.

El 15 de enero de 1955, fallece tras sufrir un infarto.

Sus restos son incinerados y conservadas hasta la muerte de Kay en 1963.

Las cenizas de ambos son esparcidas en su querida Bretaña, concretamente en la playa de Douarnenez por su gran amigo Pierre Matisse.

Su obra está en los más importantes Museos y Galerías de todo el mundo, entre ellos: El Metropolitan, el MoMA y el Guggenheim, en Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

En España se pueden ver en el Museo Reina Sofía y el Museo Thyssen Bornemisza, ambos en Madrid.

Fuentes

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/t/tanguy.htm

https://historia-arte.com/artistas/yves-tanguy

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/6064/Yves%20Tanguy

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Ernst Nace el 2 de abril de 1891, en Brühl, Alemania.

Es un miembro fundamental de Dadá y el Surrealismo.

Estudia arte, filosofía y psiquiatría en la Universidad de Bonn.

Se inician en la pintura dentro del Expresionismo junto a su gran amigo August Macke, miembro de El Jinete Azul

1912 en la Exposición del Sonderbund, celebrada en Colonia conoce las obras de Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Edward Munch y Pablo Picasso.

Se alista al ejercito durante la Primera Guerra Mundial y al concluir en Suiza ha emergido Dadá.

Le atrae la revolución en el mundo del arte que supone Dada, que se enfrenta a lo convencional

Se afinca en Colonia y comienza a trabajar en el collage, que hace a base de recortes de grabados antiguos. 

Contacta con los dada de Zurich y París y pronto se constituye en el principal impulsor del grupo de Colonia.

1921 conoce en Colonia a Paul Éluard y a Gala, entonces su mujer.

1922 se muda a París, comenzando a pintar obras surrealistas, con figuras solemnes figuras humanas

Genera seres fantásticos en un escenario renacentista en el que cuida los detalles, como L’eléphant célèbes, actualmente en la Tate Gallery de Londres.

Realiza las piezas con técnicas semiautomáticas, como el frottage, que descubre cuando observa los nudos de la madera del suelo de su habitación de hotel.

Consiste en frotar suave y regularmente con un lápiz, un papel situado sobre esta superficie, descubriendo las imágenes que van surgiendo, con lo que, de acuerdo con las teorías del automatismo surrealista, reduce al mínimo su participación consciente en la creación de la obra.

Otra técnica que practica es la decalcomanía, que la inicia el canario Oscar Domínguez, que le facilita crear texturas en las que emergen paisajes de lugares devastados.

1926 utiliza el grattage, consistente en raspar la pintura aún húmeda sobre el lienzo, colocado previamente sobre una superficie rugosa y rica en texturas como la de las piedras, conchas, maderas…

Fruto de ello son algunas de sus series más representativas, como las dedicadas a los bosques o a los pájaros como Oiseaux rouges del Reina Sofía de Madrid.

Confecciona también una serie de esculturas basada en la técnica del assemblage con madera y alambre como respuesta al nihilismo en arte que Dadá promueve.

1930 hace de actor en La edad de oro de Luis Buñuel, en el que interpreta el papel de un cruel jefe de bandidos, cita que causa un verdadero escándalo en Francia, y que está prohibida durante más de cincuenta años.

Rueda algunas películas surrealistas más en los años siguientes.
Algunos de sus grabados son tildados de blasfemos, y vetados en la exposición de 1936 en el Museo de Arte Moderno de Madrid, cinco de ellos son recuperados por la Fundación Mapfre añadiendo dos inéditos que Ernst crea  más tarde.

1938, tras abandonar el grupo surrealista parisiense por solidaridad con Paul Éluard, se muda a vivir con Leonora Carrington con la que tiene entonces una relación sentimental, a Saint-Martin d’Ardèche, al norte de Avignón, donde juntos reconstruyen una vivienda que colman de relieves, esculturas y pinturas.

A inicios de la Segunda Guerra Mundial, es detenido y encarcelado por ser súbdito alemán, tras varios encarcelamientos y fugas, es liberado y viaja a Estados Unidos, a finales de 1941, con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942, y de la que posteriormente se divorcia.

1953 vuelve a Francia, junto a su nueva pareja, la también surrealista Dorotea Tanning, con la que se casó en una ceremonia doble, en la que también contraen matrimonio el fotógrafo Man Ray y Juliette Browner.
1958 obtiene la nacionalidad francesa.

Su obra influye en sus coetáneos y generaciones posteriores.

Vive los últimos años de su vida en Seillans, al sur de Francia.

El 1 de abril de 1976, fallece en París a los 85 años.

Dorotea Tanning

Nace en Galesburg, Illinois, Estados Unidos, el 25 de agosto de 1910.
Es pintora, escritora, ilustradora, escultora, diseñadora de decorados y vestuario teatral y de ballet.

Es una de las representantes más importantes del Surrealismo en la segunda mitad del siglo XX.

Trabaja como bibliotecaria, estudia en la universidad de Knox y para ayudarse en los estudios en Nueva York se emplea como artista comercial y hace otros trabajos vinculado con las artes.

Sus primeras obras están dentro de la figuración onírica e inspiradas por las fantasías de pesadillas infantiles.

Ávida lectora, visita museos y comienza a pintar sin formación.

1936 asiste a una exhibición de Arte Fantástico, Dadá y surrealismo en el MOMA de Nueva York que le produce sorpresa.

Tras esto hace amistad con en el grupo de artistas surrealistas que viven exiliados en Nueva York, en el transcurso de la Segunda Guerra Mundial.

Expone de forma individual por primera vez en la Galería Julien Levy en 1944.
Durante esta década diseña el vestuario y los decorados para ballets de Balanchine.

1946 se casa con el pintor Max Ernst, en una doble ceremonia celebrada en Beverly Hills, junto a Man Ray y Juliet Browner.

1947 la pareja se muda a vivir a Sedona, Arizona.

1950 sus pinturas se vuelven semiabstractas, en las aparecen misteriosa imágenes eróticas o violentas como envueltas en niebla.

1955 expone en Londres, su estilo entonces cambia radical, el figurativismo inicial, da paso al surrealismo, en series que se pueden resumir en sus prismáticos primero e insomnios despues.

Estas piezas son confeccionadas sobre superficies fracturadas de formas entrelazadas, algunas con formas humanas, otras biomórficas, envueltas por velos traslúcidos de pintura.

1957 se mudan a Francia

1969 creó las conocidas como esculturas blandas, realizadas con una máquina de coser.

1976 a la muerte de Ernst, vuelve a Estados Unidos, donde continúa pintando, y escribiendo poesía, novela y sus memorias.

Es la última surrealista, falleciendo el 31 de enero de 2012 en Nueva York a los 101 años.

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Yo pinto como si fuera andando por la calle. Recojo una perla o un mendrugo de pan; es eso lo que doy, lo que hago

Joan Miró i Ferrà, nace en Barcelona, 20 de abril de 1893.
Pintor, escultor, grabador y ceramista, está considerado uno de los máximos representantes del surrealismo en España.

Es hijo del también pintor Miquel Miró i Adzeries.
Estudia Comercio, que simultanea con clases nocturnas de dibujo en la Escuela Llotja.

Con 17 años finaliza los estudios de comercio y entra a trabajar como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad, que le sobreviene a los 2 años, le obliga a retirarse a una casa familiar en el pueblo de Montroig.

A su regreso a Barcelona ya tiene el propósito de dedicarse a la pintura.

Ingresa en la Academia de Arte que dirige Francesc d’Assís Galí, en la que conoce las últimas tendencias artísticas europeas, y a la que acude hasta su cierre en 1915.

Mientras, también asiste a clases de dibujo del natural, en el Círculo Artístico de Sant Lluc, donde entabla amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos ellos el grupo artístico llamado Agrupación Courbet, fundada el 28 de febrero de 1918 en La Publicitat.

1918 expone por primera vez de forma individual en las Galerías Dalmau de Barcelona, en una muestra en la que presenta 64 obras que incluye paisajes, naturalezas muertas y retratos.

En estas primeras obras se observa la fuerte influencia de los fauves, los cubistas y los expresionistas.

En Ciurana, el pueblo de 1917, se ven muchos detalles que podemos relacionar con los colores de Vincent Van Gofh y los paisajes de Paul Cézane, que Miró acentúa con una pincelada oscura.

 1921-1922 realiza La masía, siendo la obra culminante de esta época detallista.

 Trabaja en ella durante 9 meses de dura elaboración; la relación mítica mantenida por Miró con la tierra se resume en este cuadro, que representa la granja de su familia en Montroig.

En los retratos como el Retrato de V. Nubiola, o el de Juanita Obrador, muestra la fusión del cubismo con el agresivo color fauve.  

En esta misma primavera expone en el Círculo Artístico de Sant Lluc junto con los miembros de la Agrupació Coubert.

Tras instalarse en París, empieza a asistir al taller de Pablo Gargallo, y contacta con artistas Dadá, que se crea en 1924, entre algunos de ellos, con André Brettón, Francis Picabia, Tristan Tzara, Man Ray y Max Ernst al frente de los surrealistas.

En diversas entrevistas que concede y publicaciones de la década de 1930, manifiesta el deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, matarlos, asesinarlos o violarlos, para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera comprometiéndose con los surrealistas.

En su obra refleja su interés en el subconsciente, en lo infantil, y en su país.
Uno de sus grandes proyectos es la creación de la Fundación Joan Miró, en Barcelona, importante centro cultural y artístico destinado a difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor.

Además, cuentan con importantes fondos de sus obras:  la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma de Mallorca, el MNAM, de París, y el MOMA, de Nueva York.
Fallece en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983.

https://es.wikipedia.org/wiki/Joan_Mir%C3%B3

https://www.fmirobcn.org/es/joan-miro/

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Mis obras se caracterizan por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo.

 La búsqueda de libertad y placer, ocupa todo mi arte.

 Además de la pintura y la fotografía, hace películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y de moda.

El 27 de agosto de 1890, nace en Filadelfia, Estados Unidos, Emmanuel Rudzitsky, Man Ray.

Es promotor de Dadá y Surrealismo en los Estados Unidos.

Sus principios en el arte son de grabador en una agencia publicitaria, mientras asiste a clases nocturnas en la National Academy of Design.

Se considera pintor, aunque el reconocimiento se lo da la fotografía, que eleva a la categoría de arte.

Con frecuencia asiste la Galería de Arte de Alfred Stieglitz y acude asiduamente a las tertulias de los Arensberg.

Con 18 años se casa con la poeta belga Adon Lacroix, y en 1915, expone por primera vez en la Daniel Gallery de Nueva York.

1915 funda el grupo Dadá en Nueva York, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia.

1918 realiza trabajos sobre con aerógrafos sobre papel de fotografía.

1920, junto a K. Dreier y M. Duchamp, crea la Société Anonyme, compañía desde la que organizan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).

1930 se instala en París y polariza el Dadá parisino, pero su obra no consigue triunfar y vuelve a la fotografía.

1930, realiza su serie de solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz.

Sus primeras obras experimentales son los Rayographs, imágenes fotográficas obtenidas sin cámara.

Continúa pintando con estilo surrealista y publica varios volúmenes de fotografías y rayogramas.

Se convierte a partir de entonces en el fotógrafo retratista de personas influyentes en el mundo de la cultura.

1924 el Surrealismo se bifurca del Dadá, y él es uno de los promotores.

1924 realiza también, una de sus obras más famosas, Le Violon d’Ingres en el que usa como modelo a su amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse.

1925 participa en la primera exposición surrealista en la Galería Pierre de París.

Confecciona así mismo esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte creado por Marcel Duchamp, como Object to dead be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923, a la que él añade a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja.

Nueve años después es abandonado por su pareja Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituye el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título por el de Objeto de destrucción.

1957 un grupo de estudiantes destruyen el metrónomo.

1963 Ray lo reconstruye, titulándole definitivamente Objeto indestructible y da un giro conceptual.

El Museo Reina Sofía, posee una reproducción a escala gigante de la obra que se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa).

1936 su obra está presente desde entonces en la Exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo, del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

1940 durante la ocupación de París por parte de los nazis, escapa a Estados Unidos, instalándose en Hollywood y en Nueva York.

1946 se casa con Juliette Browner, en una doble ceremonia junto con la pareja formada por Max Ernst y Dorotea Tanning. 

1951 regresa a Francia.

1963 publica sus memorias y experimenta con la fotografía en color.

1968 fotografía a Catherine Deneuve, en uno de sus últimos encargos, para la revista del dominical británico The Sunday Times.

1973 el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su trayectoria.

El 18 de noviembre de 1976, fallece en París.

Despreocupado pero no indiferente, reza su epitafio en el cementerio de Montparnasse.

André Breton: «En el surrealismo hay un compromiso tácito de comportarse según ciertas normas artísticas, morales y sociales»

Palffi Georgina, Atkinson Sam, El libro del arte, Editorial Akal, segunda edición, Madrid 1919.

https://www.fotonostra.com/biografias/manray.htm

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Según Breton el Surrealismo es un movimiento que se alimenta del inconsciente, de la libertad y del amor, sin tener, en principio, un interés estético o moral en sus producciones.

Los surrealistas usan infinidad de técnicas, inspiradas en la publicidad, el psicoanálisis, para producir arte y explorar y estimular su creatividad.

Joan Miro, en sus cuadros combina símbolos abstractos con una iconografía muy personal que incluye pájaros, mujeres, flores, luna.

Yves Tanguy pinta paisajes oníricos detallados y abstractos.

El realismo de las figuras, sobre todo de las formaciones rocosas proviene de la infancia.

André Masson emplea técnicas de dibujo automático sin control consciente, se priva de comida o sueño y consume drogas para escapar de la racionalidad de la mente.

Rene Magritte inspirado en la industria publicitaria, realiza imágenes muy definidas, donde los objetos corrientes figuran en contextos y yuxtaposiciones poco habituales.

Max Ernst usa el frotagge y decalcomanía para liberar las imágenes de su subconsciente

1900 la interpretación de los sueños de Sigmund Freud es publicada, pero quien mas influye en el surrealismo es Carl Jung.

1916-1922 Dada sorprende y escandaliza con su puesta en escena de un arte creativo.

1924 André Breton publica su Manifiesto Surrealista

1936 se celebra la Exposición Surrealista Internacional en Londres

Dalí pronuncia una conferencia vestido de buzo.

1938 la galería de Bellas Artes de Paris acoge 300 cuadros de 60 artistas surrealistas.

1939-1945 durante la II Guerra Mundial, muchos surrealistas se escapan a Nueva York e influyen en América.

Entre 1920-1930 muchos creadores tienen fijación por lo irracional y extravagante.

La fijación por la extravagancia parte del final de la primera guerra mundial cuando reina un clima de melancolía por la contienda.

Dadá fundado en Zurich reacciona frente a ese mundo incomprensible con provocación nihilista, ironía y desdén, que pone en duda todos los patrones de la sociedad burguesa.

Es una sensibilidad común, porque todos los escritores vanguardistas europeos que coinciden en Paris a principios de los 20.

Tanto sus recursos de cuestionar la realidad como su experimentación con nuevas formas de vida se sustentan en el absurdo.

El fundador y portavoz del movimiento surrealista es Breton, autor del Manifiesto Surrealista en 1924 y promotor de la La revolution surrealiste.

Breton antiguo dada estaba deslumbrado por el subconsciente y el vinculo entre el inconsciente y los sueños.

Pero mientras Freud buscaba sanar a los pacientes, los surrealistas estan encantados de poder enterrar el sueño de la racionalidad.

Breton quiere liberar la mente del control consciente y las preocupaciones morales o estéticas y recurre a métodos como la libre asociación o la escritura automática, para que las imágenes inesperadas emerjan del subconsciente.

Su mayor anhelo es resolver las contradictorias condiciones previas del sueño y la realidad dentro de otra realidad, una superrealidad.

Aunque el surrealismo este basado en la literatura, pronto hay una gran variedad de artistas que los adopta y se hace eco de las preocupaciones y el deseo de Breton de producir un arte verdaderamente revolucionario.

Al ser un movimiento que intenta sobrepasar la razón para que emerja el verdadero funcionamiento del pensamiento, la pintura surrealista no desarrolla un estilo único.

Hay dos vías, la primera la de Max Ernst y André Masson, que se basa en el automatismo de dejar que la mano dibuje libremente sobre el papel, que renuncia al control consciente y conseguir la pieza desde la imaginación sin ningún tipo de intervención.

La segunda la de Dalí y Rene Magritte, evoca extraños estados mentales, donde los objetos figuran en composiciones inverosímiles con realismo.

Ambos tipos de arte implican la yuxtaposición de objetos que no guardan correlación entre ellos.

Pero mientras que en las obras surrealistas las imágenes emergen desde el subconsciente, llevarlas al lienzo supone disciplina, control y dominio de técnica.

Dalí comienza a experimentar con el surrealismo en 1928 cuando trabaja con Luis Buñuel en Un perro andaluz.

El cortometraje remplaza el argumento y la narrativa convencional por secuencias oníricas, algunas basadas en escenas soñadas por ambos artistas.

Una de las escenas es una mano devorada por hormigas, tema que vuelve a reiterar en su obra, incluyendo el cuadro de La persistencia de la memoria.

Al controlar la técnica de la pintura el resultado es un buen terminado de una escena de alucinación.

Dalí utiliza un método paranoico crítico para liberar imágenes de su subconsciente.

Cultiva alucinaciones autoinducidas que fusiona sueños, fantasía y realidad.

En la persistencia de la memoria, las tres esferas de los relojes derretidos indican una hora distinta y unas hormigas se abalanzan sobre un reloj de bolsillo metálico.

Un olivo seco con una única rama y ninguna hoja parece crecer de una mesa de madera, no de la tierra.

Las esferas de los relojes y las hormigas, símbolo de decadencia, aluden al paso del tiempo y a la muerte.

Es una obra de difícil interpretación y Dalí afirma que pinta el lienzo en la furia mas imperialista de la precisión a fin de sistematizar la confusión y así ayudar a desacreditar el mundo de la realidad.

Pese a las pequeñas dimensiones de la pintura (24 por 33 cm) es una de sus obras más emblemáticas y causa sorpresa cuando se expone en la Julien Levy Gallery en 1932.

Es adquirido por un comprador particular que lo cede al MOMA de Nueva York, donde continúa siendo una de sus obras mas estelares de su colección.

1952 Dalí vuelve a trabajar el tema en La desintegración de la persistencia de la memoria, una reinterpretación del original.

1945 a raíz de la detonación de la bomba atómica desarrolla gran fijación por la física nuclear y de la idea de que la materia está compuesta por partículas.

Comienza a pintar objetos como si se desintegraran en átomos.

En la nueva cosmovisión los bloques rectangulares y cuernos de rinoceronte que corren por el espacio evocan la estructura atómica que subyace en la obra original.

Los relojes ya no se derriten sobre objetos, sino que flotan en el espacio.

Las preocupaciones entre las dos pinturas de Dalí en 23 años han cambiado.

Durante el periodo surrealista, he deseado crear la iconografía del mundo interior, el mundo de lo maravilloso de mi padre Freud, lo he logrado.

En la actualidad, el mundo exterior, el de la física, ha trascendido al de la psicología.

Mi padre hoy es el doctor Heisenberg (el pionero de la mecánica cuántica).

Fuentes

Palffi Georgina, Atkinson Sam, El libro del arte, Editorial Akal, segunda edición, Madrid 1919.

Fotografía Trianart

André Breton: «En el surrealismo hay un compromiso tácito de comportarse según ciertas normas artísticas, morales y sociales»