El Pabellón de Cristal, construido en 1914 por Bruno Taut, es una estructura de cúpula de cristal prismática en la Exposición Deutscher Werkbund de Colonia.
La estructura construida de hormigón y vidrio de colores brillantes, supone el hito de la exposición
Tiene placas de vidrio de colores incrustadas en la fachada que actúan como espejos.
Los reflejos de colores comienzan en la base con un azul oscuro y suben a través del verde musgo y el amarillo dorado para culminar en la parte superior en amarillo pálido.
El Pabellón de Cristal es una estructura rómbica poligonal en forma de piña.
Es una base de catorce lados construida con gruesos ladrillos de vidrio utilizados en las paredes exteriores sin rectángulos.
El Pabellón de Vidrio de Taut es el primer edificio de importancia con ladrillos de vidrio.
En el interior hay unas escaleras metálicas revestidas de vidrio que conducen a la sala de proyección superior que muestra un caleidoscopio de colores.
Entre las escaleras hay una cascada de siete niveles con iluminación subacuática.
El interior tiene prismas que producen rayos de colores de la luz solar exterior.
Las paredes de vidrio de colores del piso al techo son de mosaico.
Todo esto tiene el efecto de un gran cristal que produce una gran variedad de colores.
El friso del Pabellón de Cristal es escrito con poemas aforísticos de vidrio realizados por el escritor anarco-socialista Paul Scheerbart. Sin un palacio de cristal, la vida es solo una suposición.
Paul Scheerbart en 1914 escribe Glasarchitektur (Arquitectura en vidrio) y a su vez se lo dedicó a Taut.
Taut en 1914 funda una revista llamada Frühlicht (La luz del amanecer) para su círculo expresionista de seguidores. iconografía de vidrio que él dibujó y que está representada en su Pabellón de Vidrio.
Esta filosofía se remonta a los relatos del Templo de Salomón.
Un dibujo temprano del Pabellón de Vidrio de Taut dice que lo proyecta con el espíritu de una catedral gótica.
Lo financia la industria del vidrio alemana para la exposición de 1914 y se realiza en el momento en que el Expresionismo tiene mayor pujanza Alemania.
Solo se conocen fotografías de 1914 en blanco y negro del edificio.
Es abatido poco después de la exposición ya que es solo un edificio de exhibición.
Ahora en el expresionismo la visión subjetiva de la realidad es lo que prima, deformando la realidad bajo la óptica de los sentimientos.
Los nuevos patrones ahora son la transgresion de la realidad, la expresividad del color y la abstracción de las formas.
En la obra hay al mismo tiempo fascinación y rechazo de la vida urbana.
Nace en Döbeln, Sajonia, Alemania, el 31 de julio de 1883.
Inicia su educación en la escuela elemental en Olbernau y despues en Freiberg y Chemnitz, donde entabla amistad con Karl Schmidt-Rottluff.
1904-1906 estudia arquitectura en la Escuela Técnica Local, en la que conoce a Ernst Ludwig Kirchner.
Tras acabar su formación en la escuela trabaja durante un tiempo en el estudio del arquitecto Wilhelm Kreis.
1904 es uno de los miembros fundadores del grupo Die Brücke, junto a su inspirador, Ernst Ludwig Kirchner; Fritz Bleyl y Karl Schmidt-Rottluff que se unen en 1905.
1906 se les unen Emil Nolde, Cuno Amiet y Max Pechstein.
1911, residiendo en Berlín, su pincelada es más enérgica, oscurece los colores, destacando sobre todo los verdes, ocres y negros, destaca Corpus Christi en Brujas, de 1914.
1913 se agregan el escultor Barlach; el pintor finlandés Axel Gallen-Kallela y, finalmente Otto Muller que es el último.
Mas tarde el grupo se muda a Berlín, deshaciéndose en 1913. Heckel mientras esta activo, juega un papel importante en la cohesión del grupo.
Le fascina la obra de Edvard Munch y también como el resto usa el grabado como técnica, le da más rapidez y abarataba los materiales a usar, haciendo su obra más asequibles al público.
1913 primera individual en la galería Fritz Gurlitt de Berlín.
Durante la I Guerra Mundial participa como voluntario de la Cruz Roja, conociendo en su unidad al historiador Walter Kaesbach.
Durante el voluntariado en la Cruz Roja pinta paisajes, donde la luz es protagonista, como en Planicie flamenca, de 1916.
Tras finalizar la contienda no vuelve a hacer obras de estilo expresionista de años atrás y su pincelada enérgica es sustituida por el naturalismo en sus composiciones.
1920 en esa década, su obra está influenciada del movimiento Nueva Objetividad, lo que une al Expresionismo de sus primeros años, marcando el discurso que conserva hasta su muerte.
1937 su obra como la de tantos expresionistas, es declarada arte degenerado por los nazis, y 729 de sus cuadros son confiscados de los museos alemanes.
Su estudio en Berlín es destruido en un bombardeo aéreo, durante la contienda y al finalizar esta, su grabado en madera, y las planchas de sus láminas son destruidas
Es un artista muy prolífico, están catalogados, además de sus pinturas, 465 grabados en madera, 375 aguafuertes y 400 litografías, de todas ellas, más de 200 están fechadas en los 7 últimos años de su vida.
Terminada la contienda se muda a Hemmenhofen, cerca del Lago Constanza, dando clases de dibujo y pintura en la Academia Karlsruhe hasta 1955. Sigue pintando hasta su fallecimiento.
Entre las obras de su primera época, que se caracterizan por una pintura empastada con pinceladas nerviosas, destacan El pajar, de 1907 y Bañistas en el juncal, de 1909.
Fallece en Radolfzell, el 27 de enero de 1970.
En el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid están La fábrica de ladrillos de 1907, Casa en Dangast (La Casa Blanca), de 1908, Ante la cortina roja, de 1912 y Bañistas en la playa de 1913.
Ernst Ludwig Kirchner nace en Aschaffenburg, Baviera, Alemania, el 6 de mayo de 1880.
1901-1903 Estudia arquitectura en Dresde y se traslada a Munich para estudiar pintura, ingresa en la Escuela de Bellas Artes.
Es uno de los 5 estudiantes, junto a Erich Heckel, Karl Schmitdt-Rottluff, Fritz Bleyl, Klauss MacGrath y Maurice Chobart, de la Escuela Técnica Superior de Dresde.
1905 crean el grupo expresionista Die Brücke, movimiento que pretende confeccionar un estilo plano, de colores puros inspirado a caballo entre arte primitivo y el fauvismo francés.
Tiene colores fuertes, no naturalistas, en ocasiones violentos, formas simplificadas y distorsionadas, énfasis en el sentimiento subjetivo y efectos emocionales exagerados.
Die Bruke, El puente es un nombre que refleja su afán de cruzar hacia un nuevo futuro artístico y rinde homenaje a Friedrich Nietzsche quien dice que la grandeza del hombre esta en ser un puente y no una meta.
Trabaja como pintor, escultor y grabador y es una figura fundamental en el renacimiento de la xilografía.
Son estos artistas los que recuperan la técnica de la xilografía, de origen medieval.
Beben del arte tribal africano, de los mares del Sur, de los grabados de Albeto Durero y los cuadros de Mathias Grunewald.
También se inspiran en Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Edward Munch.
Prefieren las formas marcadas y distorsionadas a menudo primitivas para expresar sus respuestas emocionales y subjetivas ante el mundo exterior, así como para ahondar en las presiones psicológicas de la vida moderna.
Son temas escabrosos, prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas etc.
1911 se forma en Munich Der Blauer Reiter, El jinete azul, liderado por Frnaz Marc y Vasili Kandinsky, en la que sus integrantes dan mas importancia a la armonía y la espiritualidad que en Die Bruke, pero la obra de ambos es Expresionista.
Ambos cristalizan una tendencia en el panorama artístico, literario y teatral de Alemania orientado a la búsqueda de un método nuevo para descubrir la la vida interior.
Gana la intensidad de la expresión en detrimento de la forma y del equilibrio.
Este grupo unido a Der Blaue Reiter, forman la segunda oleada expresionista en Alemania.
1913 Tras vivir en Dresde, se muda a Berlín, donde refleja la locura de la gran ciudad, siendo un tema de gran interés la prostitución femenina, como en Calle con buscona de rojo, actualmente en la colección del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
1914 Movilizado en la I Guerra Mundial, sufre unas graves crisis de nervios.
De vuelta en 1915, su salud mental se deteriora, y empeora tras ser atropellado por un coche.
Se retira en Davos, Suiza, donde se dedica a pintar paisajes tranquilos, que son las obras menos cotizadas actualmente.
A la llegada del nazismo, su obra es catalogada junto a la de otros como arte degenerado, siendo destruidos muchos de sus cuadros.
El suceso lo aboca al suicidio en Frauenkirch, ciudad cercana a Davos, el 15 de junio de 1938.
Destaca entre sus obras 1910 Autorretrato con una modelo, 1912 Entrando en el mar, 1913 Mujeres en la calle, 1915 Autorretrato como soldado.
El Kirchner Museum Davos posee la mayor colección mundial de su obra.
Además de la ya citada Calle con buscona de rojo, el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid posee otras 9 obras más de Kirchner.
Palffy Georgina, Atkinson Sam. El libro del Arte, Editorial Akal, Madrid 2019.
Tietz Jurgen. Historia de la Arquitectura del siglo XX. Konemann, Barcelona, 2008.
1911 se reúnen en Praga un grupo de intelectuales en cuya obra es evidente la influencia de la clara arquitectura estereométrica del arquitecto modernista vienes Otto Wagner.
1897, Otto Wagner, Gustav Klimt, Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffman y Kolomann Moser fundan con anterioridad la Secesión Vienesa que supone una herencia que condiciona la recepción del Cubismo en Praga.
De las ideas de este grupo emerge un estilo cuasi simbólico a las nuevas formas de modernidad.
Carl Moll
A la vez los praguenses se inspiran en las formas originales de los objetos y como son ensamblados después en los cuadros de Robert Delaunay, George Braque, Juan Gris y Pablo Picasso. Aunque sienten preferencia por Robert Delaunay.
Robert Delaunay
Cualquiera de ellos en un determinado momento, hace que el objeto pintado quede reducido a formas geométricas elementales como cubo, cono y circulo.
La historia del cubismo en la arquitectura comienza en 1912 con la instalación de La Maison Cubiste en una exhibición anual en París.
Marcel Ducham en La Maison Cubiste
Aunque la instalación es un éxito entre críticos y público, no estimula la tendencia del nuevo estilo arquitectónico en Francia.
Es en Bohemia (actual República Checa) es dónde el Cubismo encuentra eco, ya que los arquitectos locales están buscando una nueva vía de expresión artística.
1912 cuando Josef Gočár, Pavel Janák, y Josef Chochol inician el Taller Artístico de Praga.
ChocholGocarJanak
De esta forma son los padres del Cubismo Checo.
Los arquitectos del cubismo praguense trasladan a las fachadas de sus edificios, que decoran con series aditivas de formas cubicas, el dinamismo de la gran ciudad y el efecto dramático característico de los cuadros cubistas de Delaunay, sobre todo de la Torre Eiffel y de la enorme composición La ciudad de París.
Como sucede con el Expresionismo Contemporáneo, el edificio en su conjunto es sometido una transformación plástica y se percibe como una escultura.
A la vez los arquitectos de Praga pueden seguir sus modelos de arquitectura gótica tardía con sus formas abovedadas casi abstractas, tan frecuentes todavía hoy en Praga.
Durante mucho tiempo la Arquitectura Cubista de Praga es considerada como una simple variante regional.
Actualmente se valora como una alternativa autónoma al Expresionismo afín del norte de Europa.
Los grandes almacenes La Virgen Negra, de Josef Gocar, una de las principales obras del cubismo praguense, muestran la diferencia entre la arquitectura expresionista y la cubista.
En lugar de ornamentos decorativos de elementos pequeños, como los que caracterizan las obras de la Escuela de Amsterdam, Gocar diseña un edificio tan distinto como estructurado.
Por su fachada interrumpida de cristal y por las luces y sombras a las que da lugar, el edificio tiene encanto.
Parecido lenguaje arquitectónico se refleja en la Casa de apartamentos Hodek, obra del arquitecto Josef Chochol.
A pesar de estar modelada solo con cubos y prismas la fachada esta articulada en un entramado riguroso de elementos verticales y horizontales.
Destaca la planta baja con sus singulares ventanas hexagonales.
Los remates en forma de diamante de las ventanas se repiten a lo largo del relieve dentado de la cornisa, muy saliente y a pesar del carácter dinámico que refleja el edificio, constituye de alguna manera un cierre armónico del mismo.
Genera varios movimientos artísticos que a los que se adhieren artistas de todo el mundo, e influye en generaciones.
Junto a George Braque y Juan Gris crea el Cubismo
Su padre, que es profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo, le fomenta la practica artística.
Trabajador incansable, es uno de los artistas más prolífico de toda la historia del arte, pinta más de 20000 obras, que actualmente se encuentran en los más importantes museos de todo el mundo y en numerosas colecciones privadas.
Estudiante brillante y precoz, supera en un día, con sólo 14 años, el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona.
Políticamente se declara pacifista y comunista, siendo miembro del Partido Comunista de España y del Partido Comunista Francés, desde 1944.
Tiene una intensa actividad en favor de una decidida defensa en pro de la libertad y la paz, que queda plasmada en su obra de ese momento y participa en los congresos de la Paz de 1948, en Wroclaw, el de 1949 en París, y el de 1950 en Londres, en los que sus dibujos y litografías de palomas se convierten en emblema de la paz mundial.
1895 septiembre, su padre logra una cátedra en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, en la que Pablo cursa estudios durante 2 años tiempo en el que pinta, quizás por complacer a su padre, una serie de cuadros academicistas, entre ellos, su primer gran lienzo La primera comunión, de 1895, actualmente en el Museo Picasso, Barcelona.
1897 exibe en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid, Ciencia y caridad, en el Museo Picasso de Barcelona.
1897 viaja a Madrid donde ingresa en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, que abandona muy pronto debido a la atmósfera intelectual de la capital, que se mantiene impermeable al modernismo catalán.
Pablo Picasso, Tejados azules de París.
1900 octubre, visita París para asistir a la Exposición Universal, donde se exhibe una obra suya, Últimos momentos, desaparecida en la actualidad.
Pablo Picasso, Moulin de la Galette, 1900
En París se instala en el estudio de Isidre Nonell, al que conoce del grupo Els Quatre Gats.
Pablo Picasso, Public garden, 1901Pablo Picasso, A spanish couple in front of inn, 1900
1911 definitivamente se traslada a París, donde entra en contacto con el círculo que se reune en los barrios de Montmartre y Montparnasse, al que pertenecían entre otros Andre Breton, Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry, y Gertrude Stein.
Pablo Picasso, A blue room, 1900
A partir de entonces su carrera es imparable, pasando por numerosas etapas, que son desde el realismo academicista inicial, sus épocas rosa y azul, el protocubismo, el cubismo.
Periodo que a su vez pasa por etapas como el Cubismo cezanesco, o el Período verde, bautizado por Henri Matisse, el cubismo analítico, el cubismo hermético, sus retratos cubistas, cubismo sintético, cubismo poético, cubismo surrealista, cubismo puntillista y cubismo frío.
El cubismo da lugar a:
Futurismo (1909-1916) liderado por Tomasso Marinetti y Umberto Boccioni, quienes recuperan la fragmentación del cubismo para transmitir su visión trepidante del mundo moderno.
Orfismo (1911-1914) Esta rama del cubismo, cuyos principales exponentes son Robert Delaunay y Frantisek Kupka se caracteriza por lienzos abstractos y muy coloridos.
Vorticismo (1914-1915) movimiento vanguardista británico encabezado por Wyndham Lewis e imbuido de las formas fragmentarias cubistas.
Suprematismo (1915-1920) Kazimir Malevich es el fundador del suprematismo.
Crea obras abstractas con líneas y figuras geométricas como círculos y cuadrados.
Preciosismo (1920-1939) Charles Sheeler es la cabeza del preciosismo, la variación estadounidense del cubismo.
Los artistas usan formas simples y figuras geométricas facetadas.
1920 en la segunda mitad de la década se hace surrealista.
1925 en julio, en el número 4 de La Révolution Surréaliste, Breton declaraba a Picasso como modelo de pintor y lo reclamaba como surrealista, al tiempo que señalaba la imposibilidad de aplicar una etiqueta que constriñera su trabajo:
La etiqueta cubista ha cometido mucho ese error.
Muere en Notre-Dame-de-Vie en Mougins (cerca de Cannes), el 8 de abril de 1973, con 91 años. Es enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues, de Bouches-du-Rhone.
Su aportación es ser el inventor del collage, al que incorpora textos y número, incluye recortes de periódicos y revistas, etiquetas de licores, paquetes de cigarrillos, papeles coloreados y todo tipo de objetos encontrados que el pintor añade al lienzo como un pigmento más
Nace en Argenteuil-sur-Seine, Francia, el 13 de mayo de 1882. Junto a Juan Gris y Pablo Picasso es uno de los tres padres del Cubismo.
1897-1899 se forma artísticamente en L’Ecole des Beaux-Arts de Le Havre. 1900 viaja a París para seguir su formación, inicialmente en la Academia Humbert, a la que también asisten Francis Picabia y Marie Laurencin.
1903 a partir de entonces en L’Ecole des Beaux-Arts de París.
1905 queda impresionado en la Exposición Fauvista, adoptando este estilo durante un tiempo, de esta época son sus obras en tonos rosa y violeta.
1907 tras ver la Retrospectiva de Paul Cezane, y hacer amistad con Pablo Picasso, que ha terminado recientemente su cuadro Las Señoritas e Avignon, vuelve a cambiar de estilo.
La obra de Braque después de su época fauve, comienza un periodo pre-cubista, la época de L’Estaque, que pinta el verano siguiente, realizando paisajes lineales.
La amistad con Picasso les lleva a trabajar juntos de forma estrecha, les hace a los dos evolucionar al estilo que estaba a punto de surgir, el Cubismo.
Su Cubismo pasa por varios momentos:
En el primero pintó superficies superpuestas y planos con ángulos que se componen a base de cubos con tono de poco cromatismo.
1909-1911 en una segunda etapa desarrolla el cubismo analítico, en el que los objetos se descomponen en formas irreconocibles.
Más tarde en una tercera etapa, su cubismo pasa a ser sintético, quiere decir esto, con unidad compositiva.
1909 pinta el paisaje de Normandía y La Roche-Guyon
Es movilizado para combatir en la Primera Guerra Mundial en 1914.
1915 herido de gravedad, regresa a París.
1917 reanuda su trabajo tras tres años de paron artistico, tras la experiencia dramática que vive, su obra es más seria y austera, que se hace más personal, con forma unida al color, representando figuras de gran tamaño, algún paisaje, pero sobre todo paisajes de estructuras muy semejantes.
Por mucho que Picasso influyera en él, Cezanne nunca dejó de ser su obsesión y modelo absoluto.
Paul CezannePaul CezannePablo Ruiz Picasso
En 1961, se convierte en el primer pintor vivo cuya obra se exhibe en el Louvre
Lo mismo que Picasso pinta la vida, él es pintor de naturalezas muertas, también escultor, grabador, escenógrafo etc.
Muere en París, el 31 de agosto de 1963.
En el Museo Reina Sofía de Madrid se pueden ver dos de sus obras. El Thyssen de Madrid tiene Marina-L’Estaque de 1906, El parque de Carrières-Saint-Denis de 1909, Mujer con mandolina de 1910.
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Georges Braque. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España).
José Victoriano González-Pérez, conocido como Juan Gris, nace en Madrid, el 23 de marzo de 1887 en el seno de una familia acomodada, lo que le permite introducirse tener formación artística en la infancia.
Juan Gris
El lugar donde nace ocupa ahora el emplazamiento del Hotel Europa, en la calle del Carmen número 4.
En este lugar puede observarse su placa conmemorativa de nacimiento.
Realiza la mayor parte de su actividad profesional en París y es uno de los máximos exponentes del cubismo.
1904-1906 estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y en el taller de José Moreno Carbonero. 1906 Para librarse del servicio militar, emigra a París donde entabla amistad con George Braque y Pablo Picasso, que le influyen, no pudiendo regresar ya a España al ser declarado prófugo por incumplir con el servicio militar.
Es en su adolescencia ilustrador en varias revistas como Madrid Cómico y Blanco y Negro además de ilustrar el contenido y cubiertas de obras literarias como Alma América de Jose Santos Chocano, Canciones del camino de Francisco Villaespesa y Alma. Museo. Cantares de Manuel Machado.
Su estilo en estos años recuerda a Toulouse-Lautrec y los pintores modernistas catalanes.
Toulouse-Lautrec
Pasa diez años de gran estrechez económica, viviendo en un hostal sin baño en Le Bateau-Lavoir, en el barrio parisino de Montmartre.
En sus primeros años parisinos subsiste dibujando para publicaciones como L´Assiette au Beurre, Le Cri de Paris, Le Témoin y Charivari.
1910 comienza a pintar sus primeras obras cubistas y a ser conocido en los ambientes artísticos, aunque tiene problemas legales que no le permiten salir de Francia y exponer fuera del país.
1912 da el salto al Cubismo con varias pinturas presentadas en el Salón des Indépendents de París.
1912 forma parte del llamado grupo de Puteaux o La Section d’Or, junto con los hermanos Duchamp, Léger, Metzinger, Gleizes y Archipenko, además de iniciar su relación amorosa con Fernande Herpin.
Albert GleizesGrupo PuteauxGrupo Puteaux
1913 el verano lo pasa en Ceret donde empieza a trabajar la técnica del Papier colle, recortes de cartón y papel, obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo.
La guitarra sobre la mesa, 1913, Museo Reina SofiaNaturaleza muerta con guitarra, Juan Gris, Metropolitan 1913.
Es su principal aportación al cubismo.
Su cotización aumenta teniendo un gran número de encargos y contratos.
Retrato de Pablo Picasso por Juan GrisLaying cards and sifon 1916, Muller Museum.
1922 gracias a estos ingresos cambia su estudió de Le Bateau Lavoir al barrio de Boulogne-sur-Seine, su salud delicada, un asma grave, necesitaba un ambiente más cálido.
1924 pasa a formar parte del círculo de los grandes artistas que residen en la capital francesa, y sus pinturas comienzan a cotizarse como grandes obras de arte.
En este tiempo hace La Mujer del cesto, El libro rojo, El mantel Azul o Mujer en la ventana.
Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distancian tanto en lo artístico como en lo personal.
Picasso evoluciona hacia un Arte figurativo de gusto clasicista, en sintonía con la vuelta al orden que emprenden muchos otros artistas como André Derain.
Mientras, Juan Gris se mantiene fiel al Cubismo en clave más colorista.
Esta última fase es subestimada en comparación con el Cubismo Analítico, pero recobra valor en fechas recientes y es motivo de una antológica en el Reina Sofia en 2005.
La ventana abierta, 1921, Museo Reina Sofia
En sus últimos años Juan Gris diseña escenografías para dos montajes de ballet de Diaghilev.
Paralelamente sigue pintando y escribiendo ensayos teóricos como Notes sur ma peinture (1923) y Des possibilités de la peinture (1924).
Al igual que otros cubistas y que el arte moderno en general, Juan Gris tiene escaso predicamento en los circuitos culturales españoles mientras vive.
Todavía décadas después de su muerte, su producción tiene escasísima presencia en los museos públicos.
Fallece en Boulogne-sur-Seine, Boulogne-Billancourt, el 11 de Mayo de 1927, a causa de una crisis asmática, con sólo 40 años, desaparecía uno de los más grandes artistas del siglo XX.
Su obra está representada en los más importantes museos y colcciones privadas del mundo.
En España podemos ver una importante parte de su legado en el Museo de Arte Moderno Reina Sofía de Madrid.
Así mismo el Museo Thyssen Bornemiszaalberga 4 obras, y en otros grandes museos del resto del país, entre ellos, el Museo de Arte Moderno de Cataluña.
Nace en Quargnento, Italia, el 11 de febrero de 1881.
Con 12 años de edad empieza a trabajar, haciendo murales, ya en 1899 decora varios Pabellones de la Exposición Universal de París.
Lidera el Movimiento Futurista en Italia junto a Giacomo Balla, que comienza el primer tercio del siglo XX, y termina a inicios de la Primera Guerra Mundial.
Mas tarde evoluciona su discurso, siendo sus formas y su estilo diferentes.
Reside en Londres por un tiempo, en el que se relaciona con anarquistas italianos, él mismo lo es, aunque después se hace ultra-nacionalista.
1901 Regresa a Milán.
1906 se matricula en la Academia di Brera, en la que es alumno de Cesar Tallera.
1910 se inicia la que es su mejor etapa como pintor.
1920-30 su pintura se hace más sombría, destaca Mañana en el mar.
En 1910 junto con Boccioni, Russolo y Marinetti, firma el Manifiesto de la Pintura Futurista.
1911 pinta una de sus obras más conocidas de estilo futurista: Funeral por el anarquista Galli, actualmente en el MoMa de Nueva York.
En el ejército conoce a Giorgio de Chirico, creador pintura metafísica, movimiento al que se une, estilo con el que crea algunas de sus obras más famosas.
La pintura metafísica posee una estética extraña, de perspectivas imposibles, de elementos simbólicos, de largas sombras, de objetos sumidos en una claridad sin atmósfera, donde todo sucede como si fuera un sueño.
Consigue imponer una sensación de misterio a través de maniquíes, manos enguantadas inmersas en un mundo de horizontes lejanos y de grandes arquitecturas vacías, colosales y fantasmagóricas.
Destaca La habitación encantada, de 1917, crea una atmósfera de misterio mediante el uso de una perspectiva renacentista exagerada y de una luz agobiante.
1919 en las tertulias que se dan en la Sala de Sarfatti en torno a problemas artísticos entre los que la historia del arte define como futuros novecentistas.
Están entre ellos Mario Sironi, Leonardo Dudreville, Achille Funi, Arturo Tosi, Carlo Martini y el propio Carrà.
A partir de este momento su obra dio un nuevo giro, tiempo en el que se dedica fundamentalmente al paisaje, con el estilo cada vez más naturalista, característico de neoimpresionismo novecentista.
Presenta sus obras en la Bienal de Venecia en 1924 y 1926, pero es en la de 1928 cuando presentó su muestra más importante, con 19 cuadros.
En sus últimas obras se puede observar la influencia de Giotto di Bondone y de Paul Cézanne.
Arquitecto y urbanista italiano. Como, 1888 – Monfalcone 1916
A inicios del XX, uno de los temas centrales del arte es el análisis de la percepción y la asimilación del mundo inmediato por el individuo.
Si los expresionistas proyectan en el lienzo una visión del mundo extremadamente subjetiva, los artistas del cubismo descomponen los objetos cotidianos, una silla o una guitarra, por ejemplo, en su estructura geométricas fundamentales para después recomponerlas de un modo que sorprende y extraña al espectador.
Por lo que un objeto con el que la mirada esta familiarizada, se convierte en algo diferente.
A la vez se exige del espectador, una nueva percepción critica de la imagen inicial, es decir de la silla o de la guitarra reales.
El resultado da lugar a una percepción aguda de la realidad.
Los futuristas italianos, experimentan con la descomposición de los discursos del movimiento en secuencias temporales individuales y su recomposición posterior en un solo plano óptico.
El patrón artístico del Futurismo, que antes de pasar a la arquitectura se desarrolla en la pintura, y antes en la poesía y en la escultura, visibiliza el movimiento y la dinámica en el expresada de la velocidad, aceptada esta ultima como valor definitorio del futuro.
Aun cuando los futuristas italianos no logran ver realizados sus proyectos arquitectónicos y urbanísticos, las representaciones graficas de sus visiones, basadas en la negación del pasado y la fe del progreso, constituyen una tendencia importante del arte moderno del siglo XX.
Antonio Sant Elia, en su Manifiesto por una arquitectura futurista en julio de 1914 adopta una posición clara contra todos los edificios solemnes, teatrales y decorativos.
En su lugar Sant Elia se propone descubrir y construir la ciudad futurista.
Debe parecerse a un astillero enorme y tumultuoso y ser ágil y dinámica por todas sus partes, la casa futurista ha de ser como una gigantesca máquina.
Pero los proyectos de San Elia de una Citta Nuova, en los que los diversos niveles de tráfico para automóviles, trenes y aviones, las centrales eléctricas y los ascensores exteriores de cristal en las casas reflejan su concepción de un mundo técnico realmente moderno, se quedan en una visión.
Solo 2 años después de que dé a conocer en Milán su revolucionaria concepción de la arquitectura que para él es la facultad de saber armonizar libre y audazmente el mundo y el hombre, Sant Elia muere en la I Guerra Mundial, sin haber tenido la posibilidad de materializarla.
Pero sus visiones de la arquitectura futurista con sus rascacielos y terrazas y sus centrales eléctricas, monumentales y con un verticalismo acentuado, las que determinan en Italia el paso del historicismo del siglo XIX a la arquitectura racionalista, paso que en la posguerra permite enlazar con las tendencias actuales, especialmente el Constructivismo ruso.
La Città Nuova es un proyecto utópico de ciudad global del arquitecto Antonio Sant’Elia que, aunque nunca ve la luz, aparece en el Manifiesto Futurista del arquitecto (1914), y se documenta con dibujos de edificios que forman parte de esa concepción de urbe.
1914 mayo, Sant’Elia participa como miembro fundador del grupo Nuove Tendenze en la única exposición del grupo con el titulo Milano l’ano due mille celebrada en los salones de la Famiglia Artistica, con dibujos y proyectos sobre la Città Nuova que constituyen la versión futurista de la ciudad de Milán.
En ella conjuga la arquitectura residencial y las infraestructuras.
Sant’Elia reacciona ante el eclecticismo de la arquitectura italiana de la época y su gran profusión decorativa con un nuevo concepto de ciudad, en la que la funcionalidad y la estructura son lo más importante y por ello queda desnuda y a la vista.
En Città Nuova, las infraestructuras están claras, proyecta un gran centro de comunicaciones con aeropuerto cuarenta años antes del uso comercial del avión y propone como indispensables las antenas de telegrafía sin hilos, anticipándose a las actuales telecomunicaciones.
La circulación se realiza en distintos niveles mediante funiculares, elevadores, puentes y carreteras.
Hay vías subterráneas, circulación en superficie y pasos elevados a distintas alturas, permitiendo un continuo flujo de movimiento en la ciudad.
En los edificios plurifamiliares, todas las viviendas disponen de terraza e iluminación natural.
El ascensor se sitúa en la fachada del edificio, aprovechando así toda la superficie interior y la electricidad abastece tanto al mismo ascensor como a un rótulo luminoso situado en la cubierta (sorprende su anticipación al panorama urbano actual).
La reinvención del concepto de vivienda, por tanto, no viene dada por una reestructuración interna sino que, desde el exterior, se genera una visión dinámica del acto cotidiano de acceder al edificio.
Así, se rompe la apariencia del edificio estático, convirtiéndose en una estructura en constante movimiento.
Introduce materiales como el hormigón armado, el vidrio, el hierro e, incluso, el cartón o la fibra textil, para lograr una arquitectura con carácter efímero, lo que provoca una imagen de ciudad en continua construcción.
Estos materiales permiten ser sustituidos, con lo que la arquitectura tiende a la ligereza y a lo práctico, como en una enorme máquina.
Este proyecto tiene grandes valores a pesar de ser un modelo de ciudad utópico.
Destaca la coherencia en la concepción de sus propias obras como efímeras, lo que permite grandes posibilidades de remodelación.
Apuesta por una nueva ciudad adaptada al hombre actual y a sus necesidades, tanto en las comunicaciones como en la vivienda.
Por tanto, la utilización de las infraestructuras es, en realidad, una de las bases más sólidas de su propuesta, ya que no se trata de un medio, sino de la propia realidad de su ideología.
Por ejemplo en la central eléctrica de Sant Elia (1914) la técnica y las posibilidades, absolutamente nuevas de la electricidad son el leitmotiv de los futuristas y de su ideólogo Sant Elia.
En sus proyectos trasladan la fuerza y el dinamismo de la corriente eléctrica a una arquitectura tecnificada y a unas visiones urbanas que suponen una ruptura radical respecto de las formas y concepciones tradicionales de la ciudad.
La nueva estética de la arquitectura moderna se inspira en las formas industriales.
La ciudad alcanza su máximo esplendor durante la noche, cuando la energía eléctrica sustituye la fuente de luz natural que es el sol.
Ese triunfo técnico del hombre sobre la naturaleza forma parte del concepto de belleza futurista.
El aspecto de una ciudad en continua construcción –y por tanto en continua evolución desde el punto de vista futurista- es el mayor atractivo que ésta podía ofrecer al individuo moderno y de nuevo es fácil ver la influencia de esta visión en proyectos como la New Babylon: City for Another Life de Constant o la No-Stop-City de Archizoom.
En julio de 1915, cuando Italia decide su intervención en la I Guerra Mundial se alista junto con Boccioni y Marinetti como voluntarios en la unidad 225° del Regimiento de Infantería ‘Arezzo’ del Real Ejército Italiano, obteniendo el rango de subteniente.
Su comandante le encarga diseñar el cementerio en Monfalcone, mientras este se hallaba en construcción, Antonio Sant’Elia fallece en el frente.
Es enterrado en dicho cementerio para el que diseña el portal de entrada y la planificación del mismo según un ordenamiento jerárquico de las tumbas, incluyendo la propia y finalmente el 23 de octubre de 1921 se le traslada al cementerio de su ciudad natal.
Desde un propio dibujo en color, acuarelado, nace en Como, el Monumento a los caídos, diseñado por Giuseppe Terragni y Enrico Prampolini y su recordatorio en el mismo expresa:
Giusepe Terragni
Esta noche duerme en Trieste o en el paraíso de los héroes 10 de Octubre, 1916 – Antonio Sant’Elia.
A lo largo de su carrera publica importantes ensayos teóricos y libros de arte.
Autoretrato
Nace en Cortona, Italia, el 7 de abril de 1883.
Es uno de los máximos representantes y líder del movimiento futurista, magnifico pintor, que sabe articular ciencia y arte, con imaginación y rigor.
Autoretrato
1910-1915 logra el cenit de su obra, cuando articula los valores dinámicos del futurismo con los constructivos del cubismo.
Su obra es una visión caleidoscópica en la que se funde presente/pasado, espacio/tiempo.
Trabaja con diferentes técnicas y soportes, incluyendo mosaicos y frescos.
Nace en una familia humilde de Cortona, en 1899, tras trabajar durante un tiempo con su padre, se traslada a Roma con su madre, donde comienza su fijación por la pintura, estudiando arte en su tiempo libre, mientras trabajaba como mensajero.
Autorretrato
Gracias a un mecenas puede asistir a clases de pintura en una academia privada, además de matricularse en la Escuela, gratuita para los estudios de desnudos (un anexo del Instituto de Bellas Artes de Roma).
Esta cortesía dura 2 años, hasta que su protector deja de pagar la academia.
Autoretrato
1900 conoce al pintor Umberto Boccioni con quien visita el estudio de Giacomo Balla, tras lo que se introducen en el Divisionismo, estilo que continúa realizándo en París desde 1906, y que tiene gran influencia en sus primeros trabajos y en su pintura futurista de 1910 a 1911.
Tras instalarse en Montmartre, vive en la capital francesa casi el resto de su vida:
Las ciudades a las que me siento más fuertemente unido son Cortona y París.
Nací en la primera, intelectualmente y espiritualmente en la segunda.
Hace gran amistad con Amedeo Modigliani y ocupa un estudio junto a los de Raoul Dufy, Georges Braque y Suzanne Valadon.
En febrero de 1910 firma junto a Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrá y Russolo Luigi, el Manifiesto de los pintores futuristas y el Manifiesto técnico de la pintura futurista en abril del mismo año.
1912 organiza la primera Muestra de los Futuristas.
Contacta con los más importantes cubistas, Pablo Picasso, George Braque, Federico Cantú, Lino Enea Spilimbergo y Juan Gris participando en el desarrolló de ese movimiento, tanto así que llega a teorizar sobre él en su obra Del cubismo al clasicismo, publicada en 1921.
1924-1934, atraviesa una crisis religiosa y pinta infinidad de obras religiosas para iglesias suizas en su mayoría.
1916 se separa del cubismo y se hace más neo-clásico con guiños metafísicos.
1920 divide su tiempo entre París y Roma; se involucra en el movimiento retorno al orden, interesado en una más pintura más conservadora y realiza un estudio de la obra de Giotto.
1923 participa en la Bienal de Roma; expone en Milán con artistas del Novecento Italiano en 1926 y 1929 y expone en Ginebra en 1929.
1928 empieza a incorporar elementos del paisaje clásico de Roma en su obra.
1930 participa en la Bienal de Venecia, en los Quadrennials Roma de 1931 y 1935.1935 gana el primer premio de pintura, con una sala entera dedicada a su obra. Contribuye con un ciclo de obras para la Exposición de París.
1940 se hace semi-abstracto.
1950 vuelve a sus temas futuristas: bailarines, la luz y el movimiento.
Sus mosaicos son exhibidos en la Galería Cahiers d’Art, en París e imparte una conferencia sobre la historia del mosaico de Rávena.
Recibe encargos para decorar las oficinas de KLM en Roma y Alitalia en París y participa en la exposición Los futuristas Balla, Severini 1912-1918, en la Galería Rose Fried de Nueva York. En Roma se reconstruye su Pan Pan Danza mosaico, destruido durante la guerra.
Es galardonado con el Premio Nazionale di Pittura de la Accademia di San Luca en Roma, por una obra mostrada en el noveno Quadrennal Roma y realiza una exposición individual en la Accademia di San Luca.
Fallece en París, el 26 de febrero de 1966, a los 82 años, siendo enterrado en Cortona.
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