Brian Donnelly nace en Jersey City, Nueva Jersey, en 1974, conocido como KAWS, es un artista y diseñador de ediciones limitadas de juguetes y vestuario.
Companion
1996 estudia la Escuela de Artes Visuales de Nueva York Ilustración.
Trabaja brevemente para Disney como animador independiente pintando fondos.
Trabaja también con las series 101 dalmata, Daria y Doug.
KAWS attends the Tribeca Ball at the New York Academy of Art on Monday, April 8, 2019, in New York. (Photo by Andy Kropa/Invision/AP)
Su carrera de grafitero se inicia en Jersey City.
Companion en Sao Paulo
1990 al mudarse a Nueva York, KAWS comienza a modificar las imágenes de la publicidad en paradas de autobuses y cabinas telefónicas.
Estos afiches rediseñados quedan en el olvido y pueden pasar meses así, pero cuando la popularidad de KAWS sube, los carteles son buscados.
1990, KAWS empieza a diseñar y producir ediciones limitadas de juguetes de vinilo.
Juguetes e indumentaria son creados para Original Fake, una entonces emergente tienda en colaboración con Medicom Toy, en el distrito de Aoyama, Tokio, donde una edición limitada original de un producto es lanzada cada semana.
KAWS también participa en otras colaboraciones comerciales junto al productor musical Nigo para la marca de ropa A Bathing Ape, con Jun Takahashi para Undercover y con Michael Neumann para Kung Faux.
También es invitado a diseñar tablas de snowboarding para Burton y zapatillas para Nike y Vans.
2010 crea una edición limitada de botellas para la cerveza mexicana Dos Equis.
Las pinturas y esculturas de acrílico hechas por KAWS contienen muchas imágenes recurrentes, todas con el propósito de ser comprendidas universalmente, sin importar el idioma o la cultura.
Companion
2000 una de las primeras series de KAWS, Package Paintings, es confeccionada entonces.
Otra serie, titulada The Kimpsons, muestra una versión alterada de la popular serie televisiva Los Simpson Otros íconos populares que son modificados son Mickey Mouse, Michelin, los Pitufos y Bob Esponja.
Es un pintor comprometido políticamente, un agitador que usa el arte como arma
Mi arte ha de ser fusil y sable, explica y es la lápida de su biografía.
Es condenado, perseguido en los tribunales alemanes por atentar contra la moral y el orden.
1893 Georg Ehrenfried nace en Berlín, Alemania, el 26 de julio. Pintor expresionista, también unido a los movimientos Dadá y Nueva Objetividad.
1909-1912 se forma en la Academia de Dresde.
1912-1917 en la Academia de Artes y Oficios de Berlín, La Kunstgewerbeschule.
En esta última es alumno de Emil Orlík. Ahora utiliza la caricatura, dibujando viñetas para periódicos y revistas satíricas.
También copia obras de los clásicos del Museo de Dresde, en particular de Rubens.
1913 viaja a París, donde conoce la vanguardia Cubista y Futurista.
A la vez que estudia en el Louvre las obras de Goya, Toulouse Lautrec y Honoré Daumier.
Evoluciona simplificando formas, por la influencia del Cubismo, Futurismo y Expresionismo.
1914 se alista en el Ejército alemán para participar en la I Guerra Mundial, en un regimiento de granaderos de artillería.
George Grozs y su mujer
1916 lo licencian por el shock que le produce el frente, del que se recupera en un Hospital Militar.
Cuando comienza de nuevo a pintar, simplifica las líneas en sus cuadros aún más para expresar el horror de la guerra.
El desplome moral que supone la derrota prusiana da paso al estilo que caracteriza su producción de los años siguientes.
1917 funda, junto a los hermanos John Heartfield y Wieland Herzfelde, la Editorial Malik, dedicada a la publicación de libros y revistas de carácter subversivo, donde Grosz publica numerosos dibujos y algunos escritos, que le llevan, en ocasiones, frente a la justicia.
1917 a 1920, se une al grupo dadaísta de Berlín y participó junto a Heartfield y Otto Dix en la Erste Internationale Dada-Messe de 1920.
1919 se afilia al Partido Comunista alemán.
Los pilares de la sociedad
Es detenido por participar en el Levantamiento Espartaquista liderado por Rosa Luxemburgo y Karl Liebknecht, siendo encausado y condenado en numerosas ocasiones por incitación al odio entre clases, ofensas al pudor e injurias al ejército.
Por todos estos hechos y Dios con nosotros -sus pinturas del conjunto de la obra satírica sobre la sociedad alemana- son destruidas. 1920 se une al movimiento Dadá.
Abandona el Partido Comunista tras un viaje a Rusia en el que conoce a Lenin y Trotski.
Ahora sus cuadros, tienen base cubista y futurista, en los que mezcla fuentes artísticas aúlicas con iconografía popular.
Es así como su evolución va de la caricatura a temas urbanos violentos y apocalípticos, muy comprometido politicamente.
poeta-max-herrmann-Neisse-1927-moma
Poco después se convierte en el principal protagonista de la Neue Sachlichkeit (nueva objetividad).
1920 su estilo artístico expresa su disgusto por la Alemania de la posguerra.
GROSZ, George_Metrópolis, 1916-1917_569 (1978.23)
Sus dibujos, la mayoría acuarelas y tinta, reflejan la Alemania de esta década.
1932, estando ya el nazismo en auge, su obra se cataloga como arte degenerado, y apodado como el bolchevique cultural número uno.
1933, tras acceder Hitler al poder, Grosz emigra a Estados Unidos, donde es contratado como profesor en Nueva York, obteniendo la nacionalidad en 1938.
Su obra americana es menos incisiva, a pesar de que intenta regresar de forma surrealista a sus gráficos despiadados.
Su pesimismo se acentúa tras el inicio de la II Guerra Mundial, como muestra en The Survivor de 1944.
1946 escribe su biografía que titula A Little Yes and a Big No (Un pequeño sí y un gran no).
1958 regresa a su Alemania natal, donde muere tras una caída en Berlín, el 6 de julio de 1959.
En el Reina Sofía de Madrid hay varios dibujos suyos y en el Thyssen cinco pintura.
Pintor Expresionista y de la Nueva Objetividad alemana.
1891 nace en Untermhaus, cerca de Gera, Alemania, 2 de diciembre de 1891, Singen (Hohentwiel) y muere el 25 de julio de 1969.
Autoretrato
Su obra contiene diversidad de estilos, aunque el gran público conoce sus pinturas sobre la guerra.
Dibujante excepcional, deja 500 bocetos y diversos retratos, además de lienzos y acuarelas, que evocan el Renacimiento.
La mayor parte de su obra se halla expuesta en el Museo de Arte de Stuttgart.
Su padre, Franz Dix, trabaja de forjador de hierro en una herrería.
Su madre, Louise, es aficionada al arte y la música.
En este entorno crece quien se considera hijo de obreros, pero no una persona inculta y sin recursos.
En su etapa escolar, su profesor de dibujo, Ernst Schunke es quien le alienta.
1905-1909 continua su formación junto al pintor decorativo Carl Senff.
Pero Senff rehúsa apoyar a su aprendiz en sus primeros pasos artísticos, al tiempo que le augura un futuro no muy brillante en el mundo del arte.
El principado de Reuβ (pequeño estado al este de Alemania, cuya capital es Gera) le conceden una beca, gracias a la cual puede realizar sus estudios superiores en la Escuela de Arte de Dresde (1909-1914), de la mano de profesores como Johan Nikolaus Turk Y Richard Guhr.
Allí, entra en contacto con la tradición de los pintores renacentistas alemanes.
1914 hace su autorretrato. En esta época, Dix experimenta con el Cubismo, el Futurismo y, más adelante, con el Dadaismo.
Cuando empieza la Primera Guerra Mundial, se alista como voluntario.
Es asignado a un regimiento de artillería de campaña en Dresde.
1915, es asignado como suboficial de una unidad de ametralladoras en el Frente Occidental y participa en la Batalla de Somme.
1917, su unidad es transferida al Frente Oriental hasta el cese de hostilidades con Rusia
1918 esta estacionado en Flandes.
Autoretrato
De vuelta al Frente Occidental, lucha en la Kaiserschacht.
Gana la Cruz de Hierro de segunda clase y alcanza el rango de Vizefeldwebel.
1918 en agosto es herido en el cuello, poco tiempo después toma lecciones de vuelo. Se le da de baja en diciembre de 1918.
Le afecta el horror de la guerra, posteriormente descrito como una pesadilla en la cual él se arrastra a través de casas destruidas.
Él representa su traumática experiencia en muchas obras posteriores, incluyendo una serie de 50 grabados titulado Der Krieg (La Guerra), publicado en 1924.
1919 a su vuelta a Dresde, funda en 1919, junto al también expresionista Conrad Felixmuller (1897-1977), el Dresdner Secession Gruppe 1919, un grupo radical de escritores y pintores expresionistas y dadaístas, con quienes realiza, en 1920, collages de crítica social
El horror de la guerra le produce una profunda huella que refleja su obra.
1922 se traslada a Dusseldorf y allí se une al grupo de artistas Das Junge Rheinland. 1923, se casa con Martha Koch.
1925-1927, reside y trabaja nuevamente en Berlín, ciudad en la que su pintura alcanza las cotas más altas de crítica y análisis de toda su trayectoria, influido por la Nueva objetividad
1927, consigue la cátedra en la Academia de Arte de Dresde.
1933 Tras la llegada al poder de los nacionalsocialistas, es uno de los primeros catedráticos de arte en ser destituido.
1933 inicia un éxodo interior por el suroeste de Alemania, que le lleva primero en 1933 a Randeg, y más tarde en 1936 a Hemmenhofen, junto al Lago Costanza, donde se establece.
Allí, Dix pinta el paisaje de Hegau.
1937, los nacionalsocialistas lo tildan de artista degenerado y difaman su obra tachándola de sabotaje al espíritu militar de las fuerzas armadas.
Además, le son confiscadas 260 obras que se hallan expuestas por toda Alemania. Algunas de estas obras son vendidas, mientras que otras son, al final, quemadas en una hoguera.
Pero ni aun con estas medidas logran restarle ni un ápice de notoriedad.
Mientras los nacionalsocialistas exhiben la difamatoria exposición Arte Degenerado por toda Alemania, dos piezas suyas son expuestas en su ciudad natal, Gera, con motivo de la celebración de su 700 aniversario.
Pero estas obras son retiradas al cabo de dos semanas por orden expresa de los altos mandos nacionalsocialistas.
1938, la Gestapo le detiene, acusándole de tomar parte en el atentado contra Hitler en Múnich y es encarcelado durante dos semanas.
Autoretrato
Pero durante estos adversos años, recibe uno de los encargos más importantes para su carrera artística: el retrato de San Cristóbal mártir, que hace, a petición de un importante fabricante de cerveza.
1945, es llevado de nuevo al frente y, finalmente, hecho prisionero por los franceses.
1946 tras ser puesto en libertad, regresa a su casa de Hemmenhofen.
Después de la guerra y hasta su muerte, es incapaz de encontrar su lugar en ninguna de las dos corrientes artísticas —cada vez más alejadas entre sí— que predominan en los dos estados alemanes.
No se identifica ni con el Realismo Socialista de la RDA, ni con el Arte Abstracto de posguerra de la República Federal Alemana.
No obstante, en ambas Alemanias, sus obras alcanzan un gran reconocimiento y recibe múltiples homenajes.
1947-1966, realiza anualmente visitas a Dresde por motivos de trabajo.
1959 se le otorga la Cruz del Mérito Federal —premio compartido con el escritor y filósofo Ernst Junger.
1950 es propuesto para recibir el Premio Nacional de la RDA, a petición de la asociación cultural de Gera en 1950.
1960, organiza numerosas exposiciones y consigue varios premios en ambas partes de Alemania.
1966, coincidiendo con su 75.º cumpleaños, obtiene el premio Alfred Lichwark y el Martin Andersen Nexo y, además, es nombrado ciudadano honorario de Gera.
1967 le dan del premio Hans Thomas.
1968 recibe el premio Rembrandt de la fundación Goethe en Salzburgo.
1969 fallece el 25 de julio tras sufrir un segundo ataque de apoplejía en la ciudad de Singen, situada a las faldas de la montaña Hohentwiel.
Max Beckmann es uno de los artistas alemanes más importantes del XX.
Naufragio del Titanic
De espíritu independiente y solitario, desarrolla un estilo expresionista con un lenguaje completamente personal, alejado de cualquiera de las tendencias de sus contemporáneos.
1884, nace en Leipzig, Alemania, el 12 de febrero. Pasa su infancia en Braunchsweig.
1890 con 6 años ingresa en la Academia de Artes de Weimar, una academia defensora de la pintura al aire libre.
Alli se fascina con Rembrandt en el Herzog-Ulrich-Anton Museum, admiración que dura toda su existencia.
1903 tras contraer matrimonio, viaja junto a su mujer a París, donde va a la Academia Colarossi.
Allí conoce la obra de los impresionistas, y descubre a Cézanne y a Van Gogh.
Mas tarde visitan Florencia, ciudad en la que conoce y estudia a los viejos maestros, y Génova.
Autorretrato en Florencia (1907)
Desde 1904 hasta la Primera Guerra Mundial vive en Berlín, donde se casa con su primera esposa, Minna Tube, se vincula a la Berliner Sezession y realiza numerosas exposiciones.
1912 expone por primera vez, con obras obras impresionistas, estilo por él que se siente influenciado, logrando buena respuesta del publico, como para poder vivir de la pintura de forma holgada.
Se alista como medico voluntario en la Primera Guerra Mundial, pero tiene que abandonar el frente por una crisis nerviosa.
La guerra agudiza su escepticismo y desilusión, y su estilo pictórico se hace más dramático.
1915 imparte clases en Frankfurt en la Städelsches Kunstinstitut hasta la llegada del Nazismo, siendo destituido de su puesto en 1933.
La sinagoga de Fankfurt (1919)
1920 pinta numerosos retratos y autorretratos, temas figurativos, paisajes y bodegones. 1925 expone en el Kunstverein de Frankfurt, en la prestigiosa galería de Paul Cassirer de Berlín y es incluido en la muestra dedicada a la Neue Sachlichkeit (nueva objetividad) en Mannheim.
Ese mismo año se casa con Mathilde von Kaulbach, a la que llaman Quappi, desde entonces protagonista de su obra.
1930, viaja a París con frecuencia para pintar, confeccionando en esa época trípticos, influidos por El Bosco.
1937 los Nazis, desacreditan su pintura como arte degenerado.
El 19 de julio de 1937, al día siguiente de la inauguración de la exposición Entartete Kunst (Arte degenerado) en la que se exponen varias obras suyas, decide salir de Alemania y reside durante unos años entre París y Ámsterdam.
Allí vive como refugiado durante la Segunda Guerra Mundial y hace importantes series de obra gráfica, entre las que destacan las litografías del Apocalipsis, en las que plasma su visión de Europa.
Junto a su familia vive en Ámsterdam, hasta 1947, que emigra a Estados Unidos, a Missouri inicialmente y más tarde a Nueva York.
1950, el 27 de diciembre, fallece en Nueva York, de un ataque al corazón, cuando se dirige al Metropolitan, para inaugurar una exposición suya.
Su pintura, además de los retratos, representan escenas de la vida cotidiana, que muestra grotescos cuerpos mutilados, en los que critica al gobierno alemán de 1920 a 1930, también alude a su terrible experiencias en la Primera Guerra Mundial.
Los pintores modernos que Beckmann admira y supone su influencia, son Edvard Munch, Paul Cezanne, Vincent van Gogh.
Tiene escenas religiosas e históricas en un estilo dramático a la manera tardorromántica de Lovis Corinth, como Adán y Eva, La destrucción de Messina o Resurrección, por lo que le llaman el Delacroix alemán.
Sus piezas están representadas en los más importantes museos del Mundo.
En España hay 5 obras en el Thyssen y 1 en el Guggenheim
1838 Anton Rudolf Mauve nace en Zaandam, Holanda, el 18 de septiembre. Primo político de Vincent van Gogh, al que en un principio enseña e influencia.
Pertenece a la Escuela de La Haya, pero después después crea la Escuela de Laren junto a Josef Israels y Albert Neuhuys.
Su padre es pastor metodista, y siendo pequeño se muda junto a su familia a Haarlem, donde con 16 años comienza a recibir oficio de artista con el pintor Pieter van Os, cuyo tema son escenas de animales.
También es discípulo de de Wouterus Verschuur, conocido por sus pinturas de género con escenas en establos, ambos influyen en su afición por estos temas.
Mauve, Anton; Scheveningen; Glasgow Museums
1850 pasa una temporada en Oosterbeek, la colonia de artistas denominada la Barbizon holandesa, en la que se juntan los pintores jóvenes para practicar la pintura Au plein air (Al aire libre).
Allí conoce a Paul Gabriel, Willem Maris y Gerard Bilders. Después recorre diferentes ciudades de los Países Bajos, para al final ubicarse en La Haya en 1871.
Se casa con una prima de Vincent van Gogh, y sus amigos de Oosterbeek le permite acceder a los círculos sociales de los artistas de la Escuela de La Haya, llegando a ser uno de los más importantes representantes de la misma.
Alcanza pronto el éxito de crítica y público y sus cuadros se venden bien gracias a que un tío de Van Gogh, es un importante marchante de La Haya.
1881 Van Gogh decide dedicarse a la pintura, Mauve es su maestro en sus inicios en su estudio, en el que el primero realiza sus primeros dibujos y acuarelas.
Mauve, Anton; Carting Sand; Glasgow Museums Entering the Fold c.1885-8 Anton Mauve 1838-1888 Bequeathed by Mrs Mary James Mathews in memory of her husband Frank Claughton Mathews 1944 http://www.tate.org.uk/art/work/N05570
Años más tarde los dos pintores tienen bronca por la relación de Van Gogh con la prostituta Siam, tras lo que se marcha de La Haya, aunque el resto de su vida manifiesta respeto y agradecimiento a Mauve y siempre dice de él que es un artista excepcional.
Mauve, Anton; Carting Sand; Glasgow Museums
Comienza a trabajar en Laren y sus alrededores, un peculiar pueblo entre Ámsterdam y Utrecht.
Vive allí tras comprar una casa a la que pone el nombre de su mujer Ariattea, donde pinta al aire libre y en el Museo Singer. Sus temas son paisajes campestres con persona y animales.
En su tela Paseo de la mañana en la playa, del Rijksmuseum , hay varios jinetes elegantes cabalgando por la costa, y los excrementos de un caballo se muestran en el primer plano.
1888 muere de forma súbita el 5 de febrero en Arnhem. Vincent van Gogh como homenaje le envía a su viuda una de las tres versiones de árboles en flor que pinta en Arlés, con la dedicatoria Recuerdo de Mauve.
Emily Beatrice Bland (1864-1951) es una prolífica pintora de paisajes y bodegones florales, en la tradición del impresionismo inglés.
1864 nace en Coleby, Lincolnshire, el 11 de mayo, única hija y segunda hija de George Bland, un granjero y agente de tierras, y su esposa, Mary (de soltera Hinchliff).
Poco se sabe sobre su vida temprana, pero la familia vive durante un tiempo en Coleby Hall, una mansión jacobea en la aldea de Lincolnshire, donde su padre emplea a 16 hombres y 10 niños. Asiste a la Lincoln School of Art.
1892-1894 continua su formación en Londres en la Slade School of Fine Art entre con Henry Tonks, Frederick Brown y Fred Castaño.
1890 exhibe su primera pintura, Crisantemos en la Royal Academy, cuando figura viviendo en 27 Harewood Square, NW. 1897 a partir de esta fecha expone en el Club de Arte de Nueva Inglaterra, de la que es miembro de pleno derecho desde 1926, y en la Royal Academy a partir de 1906.
Vive en Chelsea, formando parte de un círculo de mujeres que estudian en la Slade, entre ellas, Dame Ethel Walker y Louise Pickard, grupo que es etiquetado por Philip Wilson Steer como las Cheyne Walkers.
El éxito de Bland como artista se refleja en su prolífica carrera como expositora.
1906-1950 anualmente muestra obra en la Royal Academy of Arts, así como en 1890 y 1898, momento en el que vive en Glebe Place, Chelsea, una calle que desde entonces se convierte en sinónimo de barrio de artistas.
Hace también pinturas de sus viajes por las costas del sur de Inglaterra, Francia, y por Europa.
Se mueve tanto en círculos literarios como artísticos.
Se hace amiga y vecina del novelista Compton Mackenzie y su esposa Faith, y en el invierno de 1920-21 a través de ellos conoce a DH Lawrence en Taormina.
1916-1921 Ella y Lawrence desarrollan una breve correspondencia y, en una carta, él elogia el trabajo de ella en Sicilia.
1922, hace su primera exposición individual en la Leicester Galleries, y es posible que haga otra exposición individual allí en 1925.
Entre otras exposiciones individuales, destacan las galerías Redfern y Arthur Tooth & Son.
También en la Royal Academy, New English Arts Club, Fine Art Society, Burlington House, Goupil Gallery, Ridley Art Club, Galería Goupil, Ridley Art Club, etc.
1940 The Orchard, uno de sus paisajes, es comprado por la reina. El legado de Chantrey compra dos obras para la Tate.
1906-1951 permanece independiente, viviendo sola en 6 Milton Chambers, 128 Cheyne Walk.
1951 fallece en Londres, el 20 de enero.
En su obituario en The Times la reconoce como la más popular de una generación de talentosas mujeres artistas que se forman en la Slade School.
Tiene obra en la Tate, Manchester Art Gallery, Walker Art Gallery (Liverpool) Universidad de Hull, Galería de Arte, Museo de Hastings, Wolverhampton Artes y Patrimonio, Kirklees Museum, Bradford Galería de Arte, Galería de Arte Laing, Museo de Portsmouth, Herbert Art Gallery, Cheltenham Art Gallery, Museo Williamson, Worthing Art Gallery etc
Nace en Cleveland, Ohio, descendiente de la familia Jansen de Nueva Amsterdam, que incluye entre sus ancestros al hugonote Jacques Cortelyou, quien expone el primer plano de la ciudad de Nueva Ámsterdam por Peter Stuyvesant.
Asiste a la Escuela de Hackley, en Tarrytown, Nueva York y estudia en Harvard, donde se centra en la historia y la filosofía, en los presocráticos.
Interrumpe su formación para viajar a Europa que se convierten en el punto de inflexión de su educación.
Cada vez más deslumbrado por la arquitectura, visita Chartres, el Partenón, y muchos otros monumentos antiguos.
1928 Johnson se reúne con el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, cuando diseña el pabellón alemán para la Exposición Internacional de Barcelona 1929.
La reunión es una revelación para Johnson y determina su vocación.
Regresa de Alemania publicitando la nueva arquitectura.
Viaja por Europa con sus amigos Alfred Barr y Henry-Russell Hitchcock para examinar las tendencias recientes en la arquitectura de primera mano, los tres reunieron sus descubrimientos en la exposición Estilo internacional: Arquitectura Moderna en el edificio de Heckscher para el Museo de Arte Moderno, en 1932.
Junto a la exposición se publica simultáneamente el libro International Style: Modern Architecture desde 1922
Es muy influyente y es visto como la introducción de la arquitectura moderna para el público estadounidense.
Se expone a Le Corbusier, Walter Gropius y Mies van der Rohe.
La exposición también se caracteriza por una controversia: el arquitecto Frank Lloyd Wright no es expuesto ya que en palabras del propio Johnson es el mejor arquitecto del siglo XIX.
En el catálogo de la exposición, argumenta que el nuevo estilo moderno mantiene tres formales principios:.
1. un énfasis en el volumen de arquitectura sobre la masa
2. un rechazo de simetría y
3. rechazo de decoración aplicada a la definición del movimiento como un estilo. Continua trabajando como defensor de la arquitectura moderna, instrumentalizando el Museo de Arte Moderno.
Consumido por la idea entonces ajena a la mayoría de los estadounidenses de que la arquitectura y el diseño eran bellas artes por derecho propio, utilizó sus fondos personales para crear el nuevo Museum of Modern Art’s Department of Architecture, por lo que sería el primer museo importante de Estados Unidos en exponer la arquitectura y diseño contemporáneo.
A los 26 años, colaboró en el comisariado de la exposición del MoMA hito de 1932, «El estilo internacional: Arquitectura desde 1922.» Esta innovadora exposición presentó en los estadounidenses a maestros de la arquitectura moderna europea, como Walter Gropius y la escuela Bauhaus de Berlín y al maestro francés Le Corbusier , junto con algunos estadounidenses, entre ellos Frank Lloyd Wright, Richard Neutra, y Raymond Hood.
La exposición y el libro que la acompañó fijarían el curso de la arquitectura mundial durante los siguientes 40 años.
1935 organiza la primera visita de Le Corbusier a los Estados Unidos, y luego trabaja para traer a Mies y Marcel Breuer a los EE.UU. como emigrados.
1932-1940, Johnson simpatiza abiertamente con el fascismo y el nazismo.
Expresa las ideas antisemita y participa en varios movimientos políticos fascistas.
En la Alemania nazi es testigo del ataque a Polonia y los contactos con la inteligencia alemana, la Oficina de Inteligencia Naval lo marca como sospechoso de ser un espía, pero nunca es acusado.
No tengo ninguna excusa (para) tal estupidez increíble … no sé cómo expiar la culpa.
1956, dona su diseño para un edificio de culto a lo que es ahora una de las congregaciones judías más antiguas del país, Congregación Kneses Tifereth Israel en Port Chester, Nueva York. El diseño del Port Chester es su intento de pedir perdón por su reconocida estupidez de ser simpatizante nazi…
1978, el periodista y crítico Robert Hughes entrevistó al arquitecto de Hitler, Albert Speer, que había pasado 20 años en prisión por sus crímenes. Hughes describió la reunión en un artículo en The Guardian en 2003, escribio:
Supongamos que un nuevo Führer apareciera mañana. ¿Tal vez necesitaría un arquitecto de estado? Usted, Herr Speer, es demasiado viejo para el trabajo. ¿A quién escogería? «Bueno», dijo Speer con una media sonrisa, «espero que a Philip Johnson no le importará si menciono su nombre. Johnson entiende lo que piensa el hombre pequeño sobre de grandeza. Los materiales delicados, el tamaño del espacio «.
Destacan:
1949-1950 Casa de huéspedes de Blanchette Ferry Hooker Rockefeller, esposa de John D. Rockefeller III.
Ambos comparten interés por el arte asiático y tradicional, aunque ella posee un gusto personal mas cercano a la modernidad.
La casa es usada para exponer arte moderno y como espacio para el entretenimiento.
Ella es dos veces presidenta del MOMA y, en 1948, fundó el Consejo Junior de este museo.
La Casa de Huéspedes llegaría a funcionar como una extensión del MoMA, un espacio para atraer donantes potenciales, invitar a artistas y poder mostrar obras del movimiento moderno en un contexto excepcional.
SNØHETTA rediseña su propuesta para la torre AT&T DE Philip Johnson.
La casa Beck La Casa de Cristal, donde vive hasta su fallecimiento, la sede principal de AT&T, el Centro Nacional de Artes Dramáticas de la India,
la Catedral de Cristal en California, el Restaurante Four Seasons en el edificio Seagram,
el Lincoln Center en NY o Las torres Puerta de Europa en Madrid.
(11 de octubre de 1878, Karlsruhe – 3 de abril de 1955, Berlín) es un pintor alemán de entreguerras, director de la Academia de Bellas Artes de Berlín.
Nunca es miembro de uno de los grupos de pintura expresionista, como Die Brücke, pero en su obra se percibe la influencia.
Su obra se considera arte degenerado por los nazis, pero después de la Segunda Guerra Mundial recupera el reconocimiento como uno de los más grandes pintores alemanes.
1878 nace en Karlsruhe. Cuatro semanas después de su nacimiento, su padre, el músico militar Karl Friedrich Hofer, muere de una enfermedad pulmonar.
Como su madre Ottilie tiene que ganarse la vida, Karl es acogido en 1879 por dos tías, antes de irse a vivir a un orfanato (1884-1892).
Con 14 años, Karl comienza el aprendizaje, que completa tres años después, ayudándose económicamente con el trabajo en una libreria.
1896 conoce al filósofo alemán tres años más joven Leopold Ziegler.
1897 empieza a estudiar pintura en la Academia de Arte de Karlsruhe.
Reconocen pronto su talento y recibe una beca del Gran Duque de Baden.
1899 es alumno de Hans Thomas después de ser nombrado pintor en la Academia de Arte de Karlsruhe.
1899 va a Paris.
1900 en el año de su segunda estancia en París, conoce a Julius Meier-Graefe.
1901 es discípulo de Thomas
1902 discípulo del pintor Leopold von Kalckreuth en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart.
Durante este tiempo empieza su amistad con el escultor Hermann Haller.
1903, se casa en Viena con Mathilde Scheinberger.
Mathilde pertenece a una familia judía, pero no es educada en la fe judía y más tarde se une a la iglesia protestante.
Tienen tres hijos, Karl Johannes Arnold, llamado Carlino, nacido en 1904, Titus Wolfgang, nace en 1905, muere en 1906, y Hans-Rudi, nace en 1911.
1902, firma un contrato de 5 años con el empresario suizo Theodor Reinhart, en el que se acuerda un apoyo regular.
A cambio, Reinhart recibe cada año las primeras tres y luego cuatro pinturas de Hofer.
El contrato dura cinco años hasta 1913.
La beca de Reinhart permite a Karl y Mathilde mudarse a Roma.
1908-1913, viven en París, y en 1913 se mudan a Berlín.
Durante su residencia en París, está muy influenciado por Paul Cézanne y por Pablo Picasso, especialmente en su primer período.
1905, sus pinturas se exhiben regularmente.
1908 esta representado en la exposición de la Secesión de Berlín, fundada por Max Liebermann.
1913 en Berlín, es miembro de la nueva Secesión de Freie y esta representado en su primera exposición en 1914, junto con Max Liebermann y los pintores expresionistas alemanes Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein y Karl Schmidt-Rottluff.
1910-1911 viaja a la India.
El verano de 1914, durante una estancia en el balneario francés de Ambleteuse, son sorprendidos por el estallido de la Primera Guerra Mundial e internados en un campo de concentración.
1914 Mathilde y los hijos pueden regresar a Alemania a finales de año.
1917 Hofer es despedido por Reinhart y se traslada a Suiza, primero a Churwalden, luego a Zurich.
1919 después del final de la guerra, regresa con su familia a Berlín.
1920 es nombrado profesor del Colegio de Bellas Artes de Charlottenburg.
1924 El Colegio de Bellas Artes se fusiona con el Museo de Artes y Oficios para formar las Escuelas Estatales de Artes Libres y Aplicadas de los Estados Unidos.
1923 en reconocimiento por sus servicios como artista y como profesor, es admitido en la Academia de Artes Prusiana.
En los movimientos artísticos de los años veinte, representa su propio estilo.
Su obra está en infinidad museos.
1920, Karl Hofer tuvo una relación con Elisabeth Schmidt, a quien conoce como modelo.
1926 tiene otra relación amorosa con Ruth Wenger.
1927, Karl y Mathilde se separan, pero permanecen casados.
Hofer se opone al nazismo antes de llegar al poder.
1928 es invitado a la Exposición Internacional de Arte del Instituto Carnegie en Filadelfia, en Estados Unidos.
1931 es atacado en la prensa nazi, con afirmaciones de que es judío.
En el mismo año escribe artículos contra el nazismo, Faschismus, die dunkle Reaktion! (¡Fascismo, la reacción oscura!) Y Wie kämpfen wir gegen ein Drittes Reich? (¿Cómo luchamos contra un Tercer Reich?), Publicado en el periódico comunista Welt am Abend.
1933, el 1 de abril, es difamado en un cartel junto con Oskar Schlemmer y otros maestros de la Academia de Arte de Berlín como representantes de la descomposición de la alianza liberal-marxista-judía.
1934 en verano, tras finalizar el curso es despedido de como profesor.
Al comienzo de la Alemania nazi, Hofer todavía trata de conciliar su arte con la ideología del nuevo régimen hasta cierto punto.
A pesar de su rechazo al nacionalsocialismo, Hofer cree que su arte puede ser ser aceptado por el régimen, porque lo entiende como alemán.
Una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial, Hofer se traslada a Berlín, donde en 1945 se hace cargo de la dirección de la Escuela de Bellas Artes.
Compagina sus actividades en la dirección de la escuela con su producción pictórica, en la que refleja sus experiencias en ambas contiendas.
La obra de Karl Hofer es imagen de la amargura y pesimismo que caracteriza este período histórico.
Mientras que muchos de sus compañeros adoptan un estilo más próximo al Brutalismo, Barragán decide el uso de una distribución espacial muy personal, un uso de la luz y un juego de colores que bebe en la tradición indígena de su país, sin descuidar una especial atención a los espacios exteriores.
Legorreta y Luis Barragan
Luis Ramiro Barragán Morfín nace el 9 de marzo de 1902 en Guadalajara, Jalisco.
De familia de hacendados, cursa la carrera de ingeniería civil en la Escuela Libre de Ingenieros de Guadalajara, en donde se gradúa en 1923.
1925 pasa dos años en Europa, visitando desde la Alhambra de Granada hasta las villas de la costa italiana, Marruecos etc.
Casa Gilardi
Le deslumbran los jardines que visita, despertando su interés por la arquitectura del paisaje.
Durante su estancia en Francia conoce a Charles-Édouard Jeanneret-Gris, Le Corbusier, urbanista suizo, uno de los más grandes exponentes de la arquitectura modernista.
Inspirado por Europa, regresa a Guadalajara, donde realiza diferentes proyectos de remodelación para personajes importantes de la ciudad.
Barragán realizó la Casa Gilardi a los 80 años de edad y después de casi 10 años de inactividad. Se encuentra en México y la obra refleja la influencia de la cultura mexicana y de los pintores Diego Rivera y Frida Kalho.
Su primer proyecto es remodelar la casa de Emiliano Robles León, un abogado importante.
1930 se ve condicionado a ocuparse de los negocios familiares tras la muerte de su padre en 1930, pero 6 años después se traslada a la capital.
La fuente de los Amantes
Se instala en la colonia Tacubaya y ahí, en un terreno no muy grande, erige la casa modernista en donde vive.
Además de remodelar casas, dedica buena parte de su carrera al desarrollo inmobiliario.
En 1964, el arquitecto mexicano Luis Barragán comenzó el proyecto de una de sus obras más representativas: la Fuente de los Amantes, ubicada dentro de Los Clubes, en el municipio de Atizapán, Estado de México.
Una de sus mas interesantes proyectos es el proyecto urbanístico de Jardines del Pedregal de San Ángel, ubicado al sur de Ciudad de México.
Esta obra se enmarca dentro de una intervención mayor, asociada al mismo proyecto de la Cuadra San Cristóbal (unas caballerizas) y a la Casa Egerstrom. La fuente es un espacio central dentro del proyecto. Debía ser un lugar de reunión para jinetes y caballos, auqnue su diseño responde a un bebedero para los animales y no a una fuente decorativa.
Con su proyecto de jardines de rocas, el arquitecto lucha por proteger el paisaje y celebrar la belleza de la piedra volcánica de la zona.
El conjunto, terminado en 1969, usa de manera excepcional el agua, la geometría en diferentes planos y el color, tres elementos/conceptos muy recurrentes a lo largo de la carrera de Barragán.
Crea también la distribución de Lomas Verdes y de diversas construcciones en el municipio de Atizapán de Zaragoza.
1976 aunque no es conocido en el extranjero, después de que el Museo de Arte Moderno de Nueva York realice una exposición sobre su obra, adquiere fama internacional.
El proyecto de ampliación de la Capilla y Convento de las Capuchinas Sacramentarias, inaugurada el año 1960, es obra del de Barragán, que hizo el trabajo gratis y además financió parte de su construcción.
1980, Barragán recibe el Pritzker.
La ejecución de la obra duró siete años en los que el arquitecto tuvo tiempo de definir cada detalle. El expresivo carácter tectónico de los materiales, el manejo de la luz y un estudiado pero sencillo tratamiento del espacio son las señas de identidad.
Su Parkinson esta muy avanzado entonces y su calidad de vida esta menguada.
1988 con 86 años, muere en su casa de Tacubaya el 22 de noviembre.
Su sobria fachada podría pasar desapercibida en el contexto del barrio de Tacubaya, pero el interior de la casa es excepcional.
La casa estudio de Barragán se encuentra en Ciudad de México. Los aspectos más destacados del diseño son el uso de planos y luz, tanto naturales como artificiales. Especial importancia tienen los tragaluces y ventanas que llenan de luces y sombras el interior.
Erigida en 1948, el edificio de 1,161 metros cuadrados está hecho de hormigón armado, es una mezcla de estilos, con elementos modernistas y tradicionales mexicanos.
Destaca el uso de luz natural, formas geométricas, colores y escalinatas sin barandas.
2004, la UNESCO la incluye en su lista de Patrimonio Mundial.
Hoy la casa funciona como un museo que puede visitarse.
Destacan también entre sus proyectos Las torres satélites realizadas en colaboración con el escultor Mathias Goeritz, una de las primeras esculturas a gran escala en la capital.
Con una altura de entre 52 y 30 metros, estas esculturas de colores marcan la entrada a la Ciudad Satélite, una colonia que en su momento se encuentra a las afueras de la Ciudad de México.
1958 se inauguran las esculturas.
En un inicio están pintadas de blanco, amarillo y ocre, siguiendo con el esquema de color de las torres de San Gimignano, en las que están inspiradas.
1976 son pintadas de sus colores actuales—dos blancas, una roja, una amarilla y una azul—y se mantienen así desde entonces.
1964, erigidas cuando el arquitecto tiene 62 años de edad, la obra estaba pensada para los jinetes de la zona, y posee una geometría casi abstracta que resalta por sus tonos rosados.
En las caballerizas, el agua toma un papel principal, algo que se refleja en la Fuente de los Amantes.
Pensada más como un bebedero que como una fuente, Barragán explica que calcula la profundidad del estanque para que al pasar el caballo, le llegara el agua a la panza.
El último gran proyecto de Luis Barragán es La Casa Gilardi.
Construida entre dos muros medianeros en un espacio de 10 x 36 metros, la casa toma inspiración en la cultura mexicana y en la obra de Diego Rivera y Frida Kahlo.
La casa se erige cuando Barragán tiene 80 años; antes de eso, había pasado 10 años sin trabajar en proyecto alguno.
Los dos elementos más interesantes de la casa, según el propio Barragán, son el árbol de jacaranda—que se mantiene bajo petición del dueño—y la piscina, que coloca junto al comedor.
Sus retratos son una crónica de la vida en Viena y Berlín en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial.
Pasa a la posteridad como retratista de la sociedad alemana de la época de entreguerras.
1894 nace en Miesbach, Alemania, el 21 de agosto. Pinta retratos de la alta sociedad alemana de la época entreguerras, con el estilo de la Neue Sachlichkeit o Nueva Objetividad.
La Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad), es un movimiento artístico que incluye pintura, literatura, música, arquitectura, fotografía y cine etc.
1920 surge en Alemania rechazando el Expresionismo.
Christian Schad es de familia rica y de niño se cultiva como elite, recibiendo una formación artística que fomenta de manera natural su inclinación por la pintura y la música.
1913 deja la secundaria antes de terminar para matricularse en la Akademie der Bildenden Künste de Múnich, a la que sólo asiste un semestre.
Vive en el distrito artístico de Schwabing y hace sus primeras xilografías expresionistas, en las que denuncia el modo de vida burgués que son publicadas en diversas revistas como Die Aktion y Die Weissen Blätter.
Durante la Primera Guerra Mundial, merced a un certificado médico que le exime del servicio militar, se muda a Zurich y después a Ginebra hasta 1920.
Allí entra contacto con los Dada y comienza a experimentar con collage y hacer lo que Tristán Tzara denomina schadografías, fotografías realizadas sin cámara, que consigue al imprimir objetos sobre papel fotosensible.
Tras el fin de la contienda se va a Italia, y su estilo experimenta un giro.
El contacto con los maestros clásicos y la melancolía que siente tras la guerra, cambian su forma de interpretar el arte.
Empieza a pintar de un modo sobrio, cuadros en los que destaca el carácter alienado del ser humano y su aislamiento dentro de la sociedad.
Algo que aplica también a sus bodegones.
Tras 5 años en Italia, viaja a Viena.
1928 se establece en Berlín.
1929 después de la caída de la bolsa de Nueva York, Schad no puede contar con el apoyo económico de su padre, y deja de pintar casi por completo a principios de 1930.
Frampton, Marguerute Kelsey, T03415
1930 se interesa por la filosofía oriental, y su producción artística declina rápidamente
1933 termina con la caída de la República de Weimar y la toma del poder por los nazis.
1937 los nazis incluyen Schad en El Gran Arte alemán, su antídoto para la exposición de arte degenerado.
Aunque Schad debe repeler el nazismo, su arte no es de los incluidos en la lista de arte degenerado por el régimen nazi como pasa a muchos otros contemporáneos suyos del movimiento Nueva Objetividad, como Otto Dix, George Grosz y Max Beckmann.
Schad vive en la oscuridad en Alemania durante la guerra y después de ella.
1943 tras la destrucción de su estudio, se traslada a Aschaffenburg.
Su trabajo artístico disminuye, hasta hacerse inexistente con la llegada de Hitler al poder, y sólo en 1943 lo retoma, cuando cambia su residencia a Aschaffenburg y recibe el encargo de copiar la Virgen de Stuppach de Matthias Grunewald.
La ciudad le encarga copiar La Virgen y el Niño de Matthias Grünewald (iglesia parroquial de Stuppach), un proyecto en el que trabajó hasta 1947.
Cuando su estudio de Berlín es destruido en un bombardeo aéreo, su futura esposa Bettina rescata sus obras y se las lleva a Aschaffenburg.
Un encargo inicialmente provisional se convierte en una estancia de 40 años.
Allí vive el resto de su vida.
1950 continúa pintando.
1960 vuelve a la experimentación con fotogramas.
1960 la reputación de Schad no vuelve a recuperarse hasta esta década, cuando un par de muestras en Europa encajan con el ascenso de fotorrealismo.
1982, el 25 de febrero fallece en Oberbayern, Alemania. El Thyssen de Madrid tiene 3 obras suyas.
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