Es un arquitecto admirado por sus colegas de todo el mundo por sus proyectos.
Termas de Vals
Concibe su proceso de trabajo con minuciosidad en cada uno de sus proyectos.
Capilla del Hermano Klaus
Vive 30 años en el remoto pueblo de Haldenstein, alejado del frenesí de actividad de la escena arquitectónica internacional.
Capilla del Hermano Klaus
Allí, junto con un pequeño equipo, desarrolla edificios de gran integridad, ajenos a la moda.
Peter Zumthor, Architecture MentorTextura de la pared del Hermano Klaus
Rechaza la mayoría de los encargos que se le presentan, solo acepta un proyecto si siente una profunda afinidad por su programa, y desde el momento del compromiso, su entrega es total, supervisando la realización del proyecto hasta el último detalle.
Capilla del Hermano Klaus
Sus edificios tienen una presencia imponente, pero demuestran el poder de una intervención juiciosa, mostrándonos una y otra vez que la modestia en el enfoque y la audacia en el resultado general no son mutuamente excluyentes.
Pabellón de HannoverCapilla del Hermano Klaus
La humildad reside junto a la fuerza.
Techo de la Capilla del Hermano Klaus como un tipi de indios americanos.
Si bien algunos han llamado a su arquitectura tranquila, sus edificios afirman magistralmente su presencia, involucrando muchos de nuestros sentidos, no solo nuestra vista, sino también nuestros sentidos del tacto, el oído y el olfato.
Zumthor tiene una gran habilidad para crear lugares que son mucho más que un solo edificio.
Su arquitectura expresa respeto por la primacía del sitio, el legado de una cultura local y las lecciones invaluables de la historia de la arquitectura.
Museo
El Museo Kolumba en Colonia, por ejemplo, no solo es una obra contemporánea sorprendente, sino también una que se siente completamente a gusto con sus muchas capas de historia.
Aquí, Zumthor genera un edificio que emerge de los restos de una iglesia bombardeada de la manera más inevitable y lírica, entrelazando lugar y memoria en un palimpsesto completamente nuevo.
Este ha sido siempre el carácter convincente de la obra de este arquitecto, desde el soplo de fe singular pero universal inscrito en la pequeña capilla de campo en el pueblo de Wachendorf, Alemania, hasta la niebla mineral en los baños termales de Vals, Suiza.
Baños termales de Vals
Para él, el papel del arquitecto no es solo construir un objeto fijo, sino también anticipar y coreografiar la experiencia de moverse a través y alrededor de un edificio.
Termas de Vals
En las hábiles manos de Zumthor, como las del consumado artesano, los materiales desde las tejas de cedro hasta el vidrio pulido con chorro de arena se utilizan de una manera que celebra sus propias cualidades únicas, todo al servicio de una arquitectura de permanencia.
Termas de Vals
La misma visión penetrante y la poesía sutil son evidentes también en sus escritos, que, al igual que su cartera de edificios, han inspirado a generaciones de estudiantes.
Termas de Vals
Al reducir la arquitectura a sus elementos esenciales más suntuosos, pero ha reafirmado el lugar indispensable de la arquitectura en un mundo frágil.
Capilla de Hermano Klaus
Por todas estas razones, Peter Zumthor recibe el Premio de Arquitectura Pritzker 2009.
Termas de Vals
The Lord Palumbo, Presidente Alejandro Aravena Shigeru Ban Rolf Fehlbaum Carlos Jimenez Juhani Pallasmaa Renzo Piano Karen Stein Martha Thorne, Directora Ejecutiva
Guernica», 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En Museoreinasofia.es
A pesar del tamaño grande, el Guernica de Picasso (1881-1973), es terminado en menos de un mes, pues los dibujos relacionados con el cuadro datan del 1 de mayo de 1937, mientras que lo termina el 4 de junio.
“La línea del destino. Pablo Picasso en Vallauris”, 1952. Fotografía de Robert Doisneau.En bcn.cat/museupicasso/es
La obra constituyo un encargo oficial del gobierno español al artista, con vista a ser exhibida, como un gran mural que presidiera el Pabellón Español de la Exposición Internacional de Paris de 1937.
La participación en esta Exposición Internacional de Artes Técnicas de la Vida Moderna, que así se denomina oficialmente, es considerada por el gobierno de la Republica como un instrumento de propaganda muy útil en la defensa de su causa y el encargo del mural a Picasso no solo rindió los frutos que todo el mundo conoce, sino que sirvió para ver el grado de compromiso con la causa republicana que tenia.
1937 Picasso tiene 56 años, edad de madurez biológica y artística.
Califica este año como la peor época de mi vida.
Es obvio que los años 30 estaban siendo agobiantes para todo el mundo con la subida al poder de los regímenes totalitarios y la creciente polarización de los mismos a través de los extremos del fascismo y el comunismo estalinista.
También para Picasso la situación se ve agravada por el desmoronamiento de la Republica, la Guerra Civil y el triunfo de Franco.
En su vida personal tampoco le va mejor.
La disolución de su matrimonio con Olga Koklova, tras años de convivencia muy degradada y un ajetreo de amantes tan opuestas entre si como Marie Therese Walter y Dora Maar, contribuyen a aumentar su desasosiego.
Pero lo que mas perturba a Picasso en medio de este caos generalizado, es la situación critica que entonces vive el arte, en especial lo que se refiere a la vanguardia, discutida ahora desde todos los frentes.
Todo parece desmoronarse.
Pero ya sea desde el punto de vista íntimo, artístico o histórico, Picasso afronta esta época de manera agónica, con todo lo que supone de angustia y animo polémico, de expectativas y frustraciones, de esperanza y miedo.
En este estado de ánimo se acentúa el carácter ciclotímico de la creación, esto es de momentos de paralización y desconcierto, seguidos de otros de agresiva furia.
Pero esta furia no emerge como una inesperada expresión súbita, sino que esta incubada.
Es una erupción más de alguien que se ve y vive como un volcán con visos de actividad creciente.
No tener eso en cuenta puede generar y ha generado equívocos y confusiones en relación a la génesis formal y hasta del sentido atribuible al Guernica que no es un cuadro creado ex nihilo.
Al contrario, Picasso esta alerta, en tensión, rumiando el proyecto.
Que en un momento determinado se decida o si se quiere se dispare a pintar, entrando en ese trance de frenética actividad que le conduce a terminar el Guernica en poco mas de un mes, no significa que antes estuviera cruzado de brazos, vacío sin ideas, inmenso en un letargo del que solo sabe sacarle el bombardeo.
El móvil del tema es el asolador bombardeo de la villa de Guernica llevado a cabo por la Condor.
En la tragedia confluye perversamente el deseo alemán de experimentar acerca del efecto psicológico de un bombardeo masivo sobre un objetivo civil y la impaciente necesidad de Franco de terminar con un rápido éxito la campaña del Norte.
La enorme repercusión internacional alcanzada por esta masacre civil y el efecto psicológico que causa en el momento de producirse, no tiene paragón.
Del cuadro hay una información detallada en su elaboración por los bocetos, dibujos y cuadros, la mayor parte fechados con detalle por su autor, así del preciso material fotográfico, de los diversos estados por los que pasa su realización, obtenido por Dora Maar.
La forma es rectangular, pensado para ubicarse en una de las paredes del Pabellón Español, tanto la forma como el tamaño viene dictado por el emplazamiento elegido.
La composición esta dictada por un triángulo central embutido en un friso rectangular, tal y como lo muestran las estructuras de los frontones clásicos, de tal forma que en este revolucionario cuadro moderno nos topamos con una fuente clásica.
Esta relación compositiva del Guernica con el frontón clásico y con todo lo que culturalmente conlleva no agota todas las interpretaciones.
Picasso esta familiarizado con la pintura medieval en especial la catalana y en general con el arte cristiano occidental, con esa doble fuente, clásico cristiana.
En las figuras se distinguen nueve seres animados, de los cuales 4 son mujeres, las cuatro gritando.
Otro es un recién nacido, que esta muerto en los brazos de su madre, formando una Pieta.
Y otro más un soldado varón que yace muerto en el suelo.
Respecto a los seres animados no humanos hay 3, dos de ellos con una presencia rotunda y dominante en la composición, un caballo y un toro, mientras que el tercero, da la impresión de ser un pájaro o una paloma herida
El resto de elementos son más confusos.
También es nítida la imagen de una de las mujeres cuya lampara ilumina la escena
y de la espada rota que agarra en su mano un soldado muerto.
La arquitectura del fondo es mas confusa ya que en ella se mezclan los interiores con los exteriores, la mayor parte de ellos envueltos en llamas.
Lo inequívoco del Guernica es la luz.
Es un cuadro en violento claroscuro, hay un gran contraste entre las zonas iluminadas y las zonas en sombra, pero hay muchos reflejos luminosos eficaces para crear un efecto de movimiento, incluso a pesar de que la imagen está congelada.
El recurso de la explosión en medio de la noche es idóneo para expresar un bombardeo.
Pero dentro del combate entre las luces y las sombras sobresale en el cuadro por un lado el perfil cortante que circunda las figuras y todo objeto representado en el mural que dan la impresión de ser dientes de cuchillas metálicas.
Por otro la ausencia de color.
Esto ha sido definitivo para la trascendencia de la obra y su poder de fascinación.
El cuadro parece una suma de fragmentos en el de la representación de la acción, que da la impresión de formarse por yuxtaposición de partes independientes, pero también en el sentido de que cada figura parece estar hecha añicos, troceada.
Crea ese desbarajuste para expresar una explosión, que hace volar la realidad en mil pedazos y genera una confusión de planos y circunstancias.
El cuadro esta protagonizado por mujeres, animales y un niño, con una única presencia masculina, la del soldado muerto, convertido en estatua rota.
El artista visualiza el pathos de la tragedia a través de la trilogía caballo-toro-mujer.
Se borraron identificaciones explicitas como el puño cerrado del soldado caído así como pistas ambientales que hubieran ayudado a identificar el lugar de la catástrofe.
Se neutraliza cualquier elemento que se aleje del lamento coral de la escena.
A medida que Picasso toma esta dirección, el cuadro adquiere mayor sentido simbólico, para terminar en lo que es una alegoría moral del horror bélico.
Al borrar cualquier señal de identidad política o social de las víctimas, al suprimir todo elemento político reconocible en la composición consigue elevar una tragedia determinada al rango de símbolo universal.
Hay precedentes morales muy próximos como La rendición de Breda de Velázquez o pinturas de David, Gericault o Delacroix, el pintor crucial para el Guernica es Goya.
El cuadro decisivo es el 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pio, donde se expresa con toda rudeza la represión civil.
Pero Goya no hace una represión naturalista del horror, también borra sus señas partidarias.
Frente al hecho descarnado de la violencia, se niega a tomar partido y las condena como como una expresión de degradación moral.
Demuestra como esa violencia es el resultado de una misma peligrosa irracionalidad y como tal repugnante, monstruosa.
Ahí es donde toma su fuerza persuasiva el Guernica, un cuadro de historia moralmente iluminado por Goya.
A pesar de la fama de Picasso, el mural no genera en el momento de su exposición al publico las expectativas que cabrian haber esperado.
Los espectadores no se enteraron de mucho de su valor estético o moral.
Para entender su mitificación hay que ver las circunstancias históricas que rodean la clausura de la Exposición de 1937.
Por un lado las circunstancias que acaecen en los años posteriores, como es el triunfo de Franco en la Guerra Civil y sobre todo el desencadenamiento de la II Guerra Mundial.
Por otro las circunstancias que rodean al cuadro, convertido en un reclamo democrático que viaja por todo el mundo como recordatorio del amenazante horror del fascismo.
Durante 20 años seguidos el Guernica se expone en una decena de países diferentes y en casi 40 ciudades, hasta que en 1958 en grave situación de deterioro, se instala de forma permanente en Nueva York, antes de su traslado definitivo a España en 1981.
A diferencia de lo ocurrido con el publico los especialistas no se han pronunciado de forma unánime sobre el Guernica y no consideran que sea una obra maestra o el mejor cuadro de Picasso, una suspicacia con frecuencia directa o indirectamente motivada por esa mitificación mediática y popular que la obra ha alcanzado, así como del abuso político que genera.
2010 Premio Pritzker de Arquitectura, Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, socios de SANAA son galardonados.
17 de mayo de 2010 tiene lugar la ceremonia de entrega del premio en la Isla de Ellis en Nueva York
Glass Pavilion, Toledo Museum of Art, en Toledo – Ohio
Dice Thomas J. Pritzker, presidente de The Hyatt Foundation:
Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa son merecedores del Premio Pritzker 2010 por su arquitectura a la vez delicada y poderosa, precisa y fluida, ingeniosa e inteligente en su justa medida.
Zollverein school of design, essen, germany (2005). by SANAA.
Por la creación de edificios que interaccionan con éxito tanto con sus contextos como con las actividades que albergan, creando un sentido de plenitud y de experiencia enriquecedora; por un lenguaje arquitectónico singular que nace de un proceso de colaboración que es único e inspirador; por sus edificios ya completados y por la promesa de nuevos proyectos juntos.
1995, Kazuyo Sejima (nace en 1956) y Ryue Nishizawa (nace en 1966) fundan SANAA, el estudio de arquitectura de Tokio que diseña edificios innovadores en Japón y en todo el mundo.
Destacan
El Centro de Aprendizaje Rolex en Lausana, Suiza.
The Rolex Learning Center de Lausana
El Pabellón de Cristal del Museo de Arte de Toledo en Toledo, Ohio.
Glass Pavilion, Toledo Museum of Art, en Toledo – Ohio
El Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, NY.
The new museum, new york, USA. (2005 ). by SANAA.
El Serpentine Pavilion de Londres.
El edificio Christian Dior en Omotesando en Tokio.
Dior store, tokyo, japan (2001 – 2003). by SANAAChristian Dior Building en Omotesando,Tokio
El Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI en Kanazawa.
2004 este proyecto gana el León de Oro por la obra más significativa en la Novena Exposición Internacional de Arquitectura de la Bienal de Venecia.
Nacida en la prefectura japonesa de Ibaraki (noreste de Tokio), Kazuyo Sejima se licencia en arquitectura en la Universidad de Mujeres de Japón.
Al terminar sus estudios, comienza a trabajar en el despacho del arquitecto Toyo Ito.
1987, abre su despacho en Tokio.
1992, es nombrada Joven Arquitecta del Año en Japón por el Instituto de Arquitectos de Japón.
Kazuyo Sejima enseña en la Universidad de Princeton, la Politécnica de Lausana, la Universidad de Arte Tama y la Universidad de Keio.
1990 Ryue Nishizawa es oriundo de la prefectura de Kanagawa (al sur de Tokio), donde se gradua de la Universidad Nacional de Yokohama con un master en arquitectura en.
1997 establece el despacho Ryue Nishizawa y tiene una cátedra en la Universidad Nacional de Yokohama.
2002 Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa reciben la Medalla Conmemorativa Arnold Brunner de la Academia Estadounidense de Artes y Letras.
2006 un premio de diseño del Instituto de Arquitectura de Japón.
2007 el Kunstpreis Berlín, de la Academia de Artes de Berlín.
El titulo no es por elitismo porque es respetado por la crítica, pero nunca llega a alcanzar un amplio reconocimiento masivo.
Se asocia con la Escuela de Vallecas y tras la guerra con los paisajistas que forman la Escuela de Madrid.
1923, con 18 años, Juan Manuel Díaz-Caneja vive en Madrid y estudia Arquitectura.
Para preparar la asignatura de dibujo acude al taller de Daniel Vázquez Díaz, quien le introduce en la vanguardia que se está desarrollando en esos momentos en París.
Para ello se sirve de Cahier`s de Art donde aparecen artistas claves que influyen en la obra de Caneja a posteriori como son Cezanne, Matisse y Picasso.
Gracias a su amigo y poeta palentino, Francisco Vighi, entra en contacto con los ambientes artísticos y de tertulia del Madrid del momento.
Durante una temporada está en la Residencia de Estudiantes.
Abandona sus estudios de arquitectura y se dedica en cuerpo y alma a la pintura.
De esta época se conserva su obra El farol visión urbana muy del 27.
Entabla amistad con el escultor Alberto Sánchez y el pintor Benjamín Palencia con los cuales recorre las afueras de Madrid en búsqueda de inspiración.
Luego se unen a estas caminatas Maruja Mallo, Alberti o Lorca dando paso a la Escuela de Vallecas.
1929 visita París, santuario del Cubismo y del arte de vanguardia mundial; allí conoce el taller de Picasso y está en las tertulias que organiza Ramón Gómez de la Serna en un café de Montparnasse.
1931 vuelve a Madrid, la situación política del país es inestable, la dictadura de Primo de Rivera estaba dando sus últimos coletazos y la II República es proclamada en abril.
En este momento comienza la actividad político/literaria de Caneja que junto a su amigo Herrera Petere publica el primer y único número de la revista En España ya todo está preparado para que se enamoren los sacerdotes, publicación de marcado carácter burlón y sátiro donde aparecen textos de reivindicación política mezclados con otros que podríamos definir de influencia dadaísta/surrelista.
Toda su obra inicial estará en consonancia con el Cubismo.
De esta época existen dos obras que se exponen actualmente en el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía con el título Composiciones Cubistas.
Provocación, compromiso entre arte y vida y abstracción de la forma son los tres ejes que definen al Caneja de esta etapa.
En la posguerra encuentra su madurez como pintor.
Salvo alguna excepción como los lienzos Desayuno del obispo, Pescador y Circo, se aferra al paisaje castellano, que nunca más vuelve a abandonar,
También se están las bases de su discurso horizonte castellano, suaves cerros, pueblos de adobe que se confunden con la tierra, eras, viñedos.
Paisajes acompañados a veces de porrones, hogazas, manzanas, campesinos, segadores, etc., pintura parca, seca, aristada debajo de la cual siempre existe una arquitectura, un esqueleto, una geometría cubista.
No pinta del natural, será en su memoria donde surgen las formas, los colores recordados, reducidos a ocres, amarillos, grises, pardos y rosas, un paisaje interior.
1948-1951 cumple pena de cárcel.
Sólo le dejan pintar en la cárcel de Carabanchel tres de sus más reconocidas obras, Iban a comunicar que alude al espacio de tiempo que pasa en prisión.
Las otras dos obras son Mujer peinándose y Mujer sedente en la playa (el mar, tema muy recurrente en la Generación del 27 y lo utiliza Caneja como metáfora marina para describir Castilla.)
1952 expone en la Galería Sur de Santander donde el catálogo esta prologado por Gerardo Diego que compara su pintura con la poesía de Jorge Manrique y Jorge Guillén
La pintura de Caneja realiza el prodigio de concentrar tres virtudes que muy rara vez podrán gozarse juntas en una misma obra: solidez, matiz, profundidad interpretativa. Conjugar la solidez volumétrica con la delicadeza aérea, evanescencia del color espiritualizado es ya singular hazaña.
Cuando nos asomamos a una sala de exposición individual del artista, sentimos de improviso la profundidad liberadora de un gran intérprete de las tierras y los cielos. Campos de tierra, senos de aire, sueños de cielo se superponen y reposan en un acorde vertical, se pierden hacia dentro en una melodía horizontal de inaudito alcance y arcaica pureza.
Tierra de Campos para versos de los dos Jorges, el del sueño de la muerte y el del cántico a la vida.
Si de Manrique el cauce y el adobe; de Guillén el cubo, el poliedro, ya casi mental y la obsesión de la fiebre “ay, amarilla, amarilla.
Se consolida su discurso en la década de los 50 logra su rumbo definitivo.
El paisaje basado en un método propio que consiste en la geometrización de la superficie del cuadro, erigiéndolo a modo de tela de araña donde quedan atrapados los cerros, el horizonte, la luz y el cielo castellano.
Estos paisajes no tienen la pretensión aquella de revelar la verdadera faz de España, ni son, por ser paisajes, son exteriorizaciones de un estado de conciencia.
Caneja atribuye a las tierras castellanas, las delicadezas y ternura femenina frente a la estampa masculina de la Generación del 98 trazaron de Castilla.
Nunca abandona el paisaje, ya que cuando decide pintar un bodegón o alguna figura siempre aparece sobre fondos paisajísticos.
60 es la década de la internacionalización de su pintura.
Su obra viaja a Lisboa, a París donde participará en dos ediciones del Salón de Mayo, al Museo Guggenheim de Nueva York, a la Galería Allen de Copenhague, entre otras.
1966 participa con su obra en un homenaje a Alberti en París y en mayo expone en la Galería Biosca de Madrid donde coincidiendo con la muestra, el poeta José Hierro publica un artículo titulado Paisajes de Caneja en el que destaca su pintura.
También hay reseñas sobre su figura en la revista Goya y en libros como Diez pintores madrileños: pintura contemporánea.
1970-1980 Caneja adelgaza más su pintura, dejando entrever el carboncillo con que está trazado el armazón e insiste en la geometría.
Llama la atención en sus últimas pinturas, la relativa abundancia de color verde, color que había estado ausente por completo en su obra anterior.
También adquiere gran libertad, que más allá de la geometría cubista, emerge una pintura un carácter impresionista
Para otros su obra de los años finales es de una gran furia creativa y por lo tanto la mejor.
Carlos Sáenz de Tejada nace en Tánger (Marruecos) en 1897.
Su nacimiento en una familia de diplomáticos hace que su infancia discurra entre diferentes países y culturas. Frecuenta los estudios de Fernando Álvarez Sotomayor y José María López Mezquita con una precoz vocación artística.
En 1916 consigue matricularse en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde Joaquín Sorolla y Julio Romero de Torres figuran entre sus maestros hasta 1921.
Comienza su faceta como lustrador en diarios y revistas como La Libertad, LaEsfera, Nuevo Mundo, Elegancias o Blanco y Negro.
1925 participa en la Exposición de Artistas Ibéricos y obtiene una pensión para París de la Junta de Ampliación de Estudios.
Su estancia en la capital francesa le permite entrar encontacto con prestigiosas revistas internacionales, L’Illustration, Ladies HomeJournal o Nash’s Pall Mall Magazine, en las que colabora con sus ilustraciones y también participa como dibujante de alta costura y figurinista en Vogue.
Cuando estalla la Guerra Civil, instalado de nuevo en España, trabaja para la Delegación de Prensa y Propaganda del Ejército Nacional realizando ilustraciones y apuntes de la contienda.
1939 regresa a Madrid y dirige, desde el punto de vista artístico, la obra Historia de laCruzada Española, publicación que evoca la Guerra Civil desde una visión nacionalista, a la vez que se convierte en uno de los más populares personajes de la vida social y cultural del momento.
1944 es nombrado profesor de Ilustración en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, cargo que compagina con el que, desde 1941, ejercía en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Madrid en la asignatura de Pintura Mural.
A partir de 1949 realiza gran número de pinturas murales y decorados teatrales como el vestíbulo de la fábrica de Heraclio Fournier (1950) en Vitoria y el del Alto Estado Mayor del Ejército (1953) en Madrid.
Carlos Sáenz de Tejada inicia un periodo de intensa actividad durante el que viaja por Italia, es nombrado director artístico de la casa Fournier y acude a numerosas exposiciones que contribuyen a difundir su imagen de pintor e ilustrador.
En 1957 es hospitalizado por una dolencia estomacal de la que muere, en Madrid, al año siguiente.
CALVO SERRALLER FRANCISCO, FUSI AIZPURÚA JUAN PABLO. El espejo del tiempo. Editorial Taurus, Madrid 2019.
La arquitectura no es solo un objeto que sitúas en un contexto.
Tu experiencia de la arquitectura comienza mucho más allá del edificio.
La arquitectura no es solamente la casa en sí misma, pues incluye un gran área en torno a ella. Todo es arquitectura.
El arquitecto Wang Shu es el ganador del Pritzker 2012.
Wang Shu, es un arquitecto chino, nacido en la ciudad de Hangzhou en 1963.
Antes de arquitecto, Wang Shu fue escritor y le gusta decir que la arquitectura es para él sólo una parte de su trabajo.
La humanidad es más importante que la arquitectura, la artesanía y mucho más importante que la tecnología.
1997 junto con su esposa, Lu Wenyu, también arquitecta, funda el despacho Amateur Architecture Studio, para liberarse de la arquitectura de los organismos del gobierno del régimen comunista.
El despacho aparece en el panorama de la arquitectura internacional en la 10ª Bienal de Arquitectura de Venecia, donde presentan la instalación: Jardín de Baldosas conformada por un marco de bambú cubierto con 66.000 azulejos chinos reciclados, provenientes de edificios destruidos en la zona de Hangzhou.
Wang Shu también participa activamente en la formación de estudiantes de arquitectura, pues es decano y profesor de la Escuela de Arquitectura de la Academia China de Arte.
Wang Shu participa en las bienales de Venecia, Hong Kong, Bruselas, Berlín y París.
2011 recibe el French Gold Medal y un año después recibe el German Schelling Architecture Prize junto con su esposa Lu Wenyu.
El Pritzker recae sobre este arquitecto que sabe combinar lo mejor de la arquitectura moderna con materiales y formas tradicionales chinas.
Quizás su arquitectura sea menos comprensible desde el punto de vista occidental donde el cristal y el acero son sinónimos de modernidad.
Su obra se caracteriza por poner la arquitectura al servicio del pueblo con unos diseño minimalistas cargados de simbolismo, como suele ser habitual en la arquitectura asiatica.
Yo diseño un hogar antes que un edificio
Una filosofía que resume en esta frase, anteponiendo a las personas por delante del espectaculo.
El Pritzker es un gran apoyo espiritual para mí y mi trabajo
El campus Xiangshan de la Academia de Arte de China en la ciudad de Hangzhou.
Wang Shu, arquitecto chino de 48 años, es laureado con el Pritzker, por su obra de gran poética, artesanal y respetuosa con el medio ambiente, en la que se mezcla tradición y modernidad.
La Ceramic house, en el parque Jinhua de China, obra de Wang Shu
Hace cien años, el ritmo de vida chino era más lento que en la cultura occidental.
En un siglo, nos hemos convertido en los más rápidos. No tenemos tiempo para reflexionar
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Nace en Urumqi el 4 de noviembre de 1963, en la región uigur de Xinjiang.
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Solo trabaja en China y desarrolla parte de su obra en Hangzhou, a 170 kilómetros al suroeste de Shanghái, donde dirige desde 1997 junto a su mujer, Lu Wenyu, el Estudio de ArquitecturaAmateur.
Ha sido profesor y director de la Facultad de Arquitectura de la Academia de Artes de China.
Alejandro Aravena dice: Los miembros del jurado consideran que traspasa el dilema entre tradición y modernidad para construir una obra atemporal, profundamente arraigada en su contexto y pese a ello universal.
Dice Juhani Pallasmaa
El jurado subraya que el galardonado ejemplificala capacidad de la arquitectura actual de arraigarse en un suelo cultural local e incorporar profundos ecos de una tradición específica.
Dice Justice Stephen Breyer:
La juventud del premiado, de 48 años, constituye un mensaje de optimismo, reconocimiento y esperanza que pronostica que creará más trabajos similares en un futuro.
El jurado insiste en la importancia que adquiere la creatividad arquitectónica en China en pleno crecimiento demográfico y urbanístico.
Considera Yung Ho Chang:
Demuestra que la arquitectura en China es más que una producción en masa impulsada por un mercado banal y la reproducción de lo exótico.
Para Glenn Murcutt:
el profesional chino ha aportado modernidad, racionalidad, poesía y madurez que enriquecen la historia, cultura y arquitectura del país asiático.
Destaca Zaha Hadid;
El reciclar materiales y motivos antiguos es original y estimulante
Según el presidente del jurado Lord Palumbo:
Obra maestra
Recalca el jurado que, pese al nombre, el estudio no tiene nada de amateur y si mucho de virtuoso.
Lord Palumbo asegura que el trabajo de Wang les dejó sorprendidos durante una visita de una semana en noviembre del 2011.
Recalca el jurado que, pese al nombre, el estudio no tiene nada de amateur y si mucho de virtuoso.
Defensor de los materiales artesanales y tradicionales, Wang es el segundo chino en obtener el Pritzker, tras I.M. Pei en 1983, estadounidense pero de origen chino, crece en una ciudad que ve destruir el 90 por ciento de su arquitectura tradicional en solo 30 años con el rápido desarrollo económico.
El hecho de que se haya elegido a un arquitecto chino supone un importante paso en el reconocimiento del papel que va a jugar China en el desarrollo de los ideales arquitectónicos. Además, el éxito del urbanismochino en las próximas décadas será importante, no ya para China, sino para el mundo entero
Este urbanismo, como el del resto del mundo, requiere estar en armonía con la cultura y las necesidades locales y, en el caso de China, debe compatibilizar sus tradiciones y su pasado con las exigencias de un desarrollo sostenible
Tres de las obras principales de Wang Shu son la Biblioteca del Colegio Wenzheng en la Universidad de Suzhou, el Museo de Historia de la ciudad portuaria de Ningbo y el Campus Xiangshan de Bellas Artes de Hangzhou, así como el pabellón de Tengtou-Ningbo en la Exposición Universal de Shanghái.
El jurado insiste en la importancia que adquiere la creatividad arquitectónica en China en pleno crecimiento demográfico y urbanístico.
Ningbo Tengtou Pavilion, Shanghai Expo, 2010, Shanghai, Chinawang-shu-library-wenzhang-collegeLibrary of Wenzheng College, 1999-2000, Suzhou, China Photo by Lu Wenyu
Muchacha en la ventana, representa a su hermana Ana María de espaldas mientras se asoma el paisaje a través de una ventana abierta, pintado en 1925, es justo el momento del giro al Surrealismo, contiene muchos elementos que explican ese paso decisivo en su trayectoria.
Su técnica es realista y el precedente al que se remite es el cuadro romántico del alemán Caspar David Friedrich, que pinta en esa misma actitud a su mujer, cuyas maneras es la de invitarnos, como ella hace, a mirar más allá de nuestro mundo, a mirar afuera.
A diferencia de Friedrich, Dalí subraya la dimensión más sexual en la espalda de su hermana, logrando ambigüedad en la imagen más aparentemente inocua y trivial.
Durante los años treinta, Dalí desarrolla con mucha más complejidad y libertad ese tipo de imágenes, pero básicamente sigue fiel al principio de, utilizar la técnica realista al servicio de o según el pensamiento irracional.
Nace el 11 de mayo en Figueres, con un padre notario, exponente de la burguesía liberal, agnóstico, republicano, volteriano, aunque amante del orden, mientras que su madre Felipa Doménech Ferrer, es un ama de casa ferviente católica.
En este ambiente familiar desahogado, trascurre la infancia de Dalí con normalidad hasta la pubertad.
Desde muy pronto, muestra inclinación y actitudes para el arte que no alarman a su padre, porque además de su talante abierto y su cultura, están estrechamente relacionados con la familia de artistas Pitxot, un pintor, Ramon y tres músicos, Ricardo, Luis y María, mientras que Mercedes esta casada con Eduardo Marquina.
Por lo que es bien vista la inclinación del hijo.
Llegado el momento, el padre no pone ninguna cortapisa al desarrollo del aprendizaje artístico profesional, sino que facilita la instalación en Madrid para que esta se lleve a cabo en la Escuela de San Fernando de Bellas Artes, pero además sufragado con la estancia en la prestigiosa, Residencia de Estudiantes.
Mi padre me confía a su amigo el poeta Eduardo Marquina, quien a su vez me recomienda a Jimenez Fraud, Director de la Residencia Universitaria.
Comienza para mi un periodo monacal totalmente dedicado al trabajo solitario: visitas al Prado, donde analiza lápiz en mano, todas las grandes obras maestras, trabajo de estudio, modelo, reflexión.
Pintaba inspirándome en las teorías cubistas y sobre todo en las reproducciones de las obras de Juan Gris.
Seguía con asiduidad los cursos, ebrio de aprender los secretos de la técnica, el oficio de pintor, y mi decepción fue grande al observar que, echando al olvido las lecciones de academicismo, los profesores para estar al gusto del día, los profesores preconizaban esencialmente la libertad y el temperamento.
Yo prefería aislarme de aquella banda de perezosos e imbéciles y dedicarme a mis investigaciones cubistas.
Fue una de mis telas la que me permitió establecer un lazo con mis nuevos amigos.
En la residencia reinaba una suerte de segregación en función del esnobismo intelectual.
Alrededor de Federico García Lorca, Luis Buñuel y Eugenio Montes, se había construido un pequeño grupo de vanguardia literaria y artística.
Uno de sus miembros, Pepín Bello pasando un día por el corredor, descubrió mirando en mi habitación cuya puerta había quedado abierta, la tela cubista sobre el caballete donde trabajaba.
Hablo de su asombro con los otros que me creían un retrogrado y fueron felices al conocer mi vanguardismo.
En realidad, si hubieran sabido que yo practicaba aquella formula por el deseo de comprender los valores del figurativismo y el realismo, la ciencia exacta del dibujo y de la perspectiva, mas que por voluntad de abstracción y de provocación, hubieran quedado mucho más asombrados. Me adoptaron…
Forma parte del privilegiado grupo vanguardista de la Residencia, donde por entonces, acuden a disertar los mejores científicos e intelectuales de todo el mundo, incluidos los representantes de las corrientes mas exaltadas modernas, Dalí puede dar rienda suelta a su vocación excéntrica.
El trasfondo cultural de Madrid es muy vigoroso lo que le sirve de mucho provecho.
Llegado el momento Dalí rompe sucesivamente con ambos mundos, el oficial de San Fernando y el de la Residencia.
Ahora, a mitad de los veinte, Dalí está muy próximo al movimiento Surrealista, fundado en Paris en 1924, se halla en su primer apogeo, que no tarda en convertirse en la primera crisis grave, a partir gracias a lo cual Dalí irrumpe con enorme fuerza en el seno del poderoso grupo vanguardista parisino.
Todo ello tiene lugar en 1929, año en el que Dalí va a Paris y durante cuyo verano logra atraer a Cadaqués a Camile Goermans, Rene Magritte, Paul Eluard y la esposa de este, Gala, que casi inmediatamente se convierte en su compañera.
1920 segunda mitad, el interés de Dalí por el Surrealismo es grande, pero si se observa el testimonio de uno de los mentores de la Residencia, el pintor e historiador del arte, José Moreno Villa, ya anda aquel cuando era estudiante en la lectura de Sigmund Freud y de todo lo que tuviese que ver con la vanguardia internacional.
Cuando toma contacto y se integra en el Surrealismo, este no ha sufrido una fuerte crisis internacional, sino que en el terreno artístico, desplaza su interés hacia el objeto, replanteándose el ready-made de los dadaístas y salvadas las suspicacias que genera la primera doctrina del automatismo, acepta un lenguaje figurativo como vehículo capaz de expresar lo inconsciente
En este sentido, los dos artistas mas influyentes del Surrealismo de los años treinta son Rene Magritte y Salvador Dalí, cuya obra respectiva no rehúye la plasmación de imágenes figurativas perfectamente reconocibles.
Antes de comentar la aportación de Dalí al Surrealismo, quizás sea útil apuntar algo acerca de su actividad artística previa a su instalación en Paris y también sobre la situación del arte de vanguardia en nuestro país, que no tiene verdadero calado hasta la década de 1920.
1925 es el año que señalan los expertos como punto de inflexión del cambio español al respecto, no solo porque en aquella fecha tiene lugar la mítica exposición de la Sociedad de Artistas ibéricos en el Retiro, sino otros acontecimientos significativos, como la publicación de La deshumanización del arte, de José Ortega y Gasset y de Literaturas Europeas de Guillermo de Torre.
En ese mismo año aparece el primer número de la Revista Plural y Louis Aragón pronuncia una conferencia sobre Surrealismo en la Residencia de Estudiantes, un movimiento que despierta gran interés local, como acredita que se publiquen después varios artículos sobre este tema, en la revista coruñesa Alfar, así como un concienzudo ensayo de Fernando Vela en la Revista de Occidente.
Aunque las primeras obras de Dalí datan de 1914 y desde entonces no para de pintar, tiene también en él una gran importancia la fecha de 1925, a partir de la cual orienta con mayor sentido sus afán vanguardista.
Lo que no quita que antes de 1925, no haya pintado ya algún cuadro importante, pero sus dotadas facultades necesitan una intención acorde a su personalidad y la de su generación.
1925 es cuando se multiplica la presencia de Dalí en las mas importantes exposiciones colectivas de vanguardia celebradas en nuestro país como la citada de Artistas ibéricos o la del Circulo de Bellas Artes de Madrid (febrero 1926) y la de las galerías Palmes y Dalmau de Barcelona, celebradas en 1926, 1927, 1928.
En la Galería Dalmau Dalí expone en solitario en 1925, 1926.
Hay que señalar que toda esa actividad de promoción de Dalí es acompañada por otras no menos frenéticas de publicación de artículos, entrevistas y declaraciones en periódicos, conferencias y toda suerte de intervenciones inspiradas por una voluntad de agitación, de provocación, de escándalo.
Expulsado definitivamente de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en 1926, no sin mediar la correspondiente y deliberada provocación por parte del artista, entre esa fecha y la de su viaje a Paris, en 1929, se produce la conversión de Dalí al Surrealismo, como se percibe en los artículos que va publicando en todos los medios locales de vanguardia.
1926 firma el Manifiesto Groc
1927 hace el diseño y los decorados para la representación en Barcelona de Mariana Pineda de García Lorca.
1929 realiza junto a Buñuel el guion y montaje de Un chien andalou.
La aportación de Dalí al Surrealismo Internacional se basa en la defensa del uso de la técnica pictórica realista y de la aplicación del método paranoico-critico o con palabras suyas:
El ilusionismo del arte imitativo mas abyectamente arribista e irresistible, los hábiles trucos del tropel l´oeil paralizante, el academicismo más analíticamente analítico y desacreditado pueden convertirse en jerarquías sublimes de pensamiento, al acercarse a las nuevas exactitudes de la irracionalidad concreta.
Pintar realísticamente según el pensamiento irracional, según la imaginación desconocida.
Lo que propone es una alternativa al automatismo, pues toda nuestra realidad cotidiana y por tanto su replicación artística rezuman ellas mismas, sin necesidad de afrontarlas bajo los efectos de ningún narcótico, hipnosis o cualquier otro método semejante, pura irracionalidad, o si se quiere esta están entreveradas, si no configuradas, por lo inconsciente.
El único instrumento para validarlo es el espontaneo mecanismo delirante de la paranoia.
En definitiva, para Dalí no es preciso negar o suspender nuestra percepción espontanea de la realidad, porque en esta percepción hay ya un elemento delirante que modifica las apariencias a nuestro capricho y el mundo puede ser transformado en función de nuestro yo psíquico.
No es así necesario cerrar los ojos a la realidad exterior porque:
La actividad paranoico-critica sirve siempre de materiales controlables y reconocibles.
La paranoia se sirve del mundo exterior para hacer valer la historia obsesiva, con la inquietante peculiaridad de sobreponer esa idea sobre las restantes.
La realidad del mundo exterior sirve como ilustración y prueba y esta puesta al servicio de nuestro espíritu.
Foto Trianart
CALVO SERRALLER FRANCISCO, FUSI AIZPURUA JUAN PABLO, El espejo del tiempo. Taurus, Madrid 2009.
Hotel Porta Fira. Barcelona.Hotel Porta Fira. Barcelona.Hotel Porta FiraCompo SedaiInterior de la biblioteca Tama Art de TokioEl curioso diseño del Museo Toyo Ito integrado en el paisajeMuseo Toyo-Hito Museo Toyo-Hito Museo Toyo-Hito Museo Toyo-Hito Auditorio de Matsumoto“La arquitectura está limitada por diversas cuestiones sociales. He diseñado mis proyectos arquitectónicos con el objetivo mentalmente asumido de que podría crear espacios más confortables si pudiera liberarme de esas restricciones de vez en cuando. Sin embargo, cuando acabo un edificio, inmediatamente me asalta la dolorosa impresión de mi propia insuficiencia, algo que irremisiblem ente se transforma en energía para afrontar mi siguiente proyecto. Probablemente sea siempre así, y la misma sensación se repita en un futuro. Así que es probable que nunca fije mi propio estilo porque nunca estaré satisfecho con mis obras”
Nace el 1 de junio de 1941 en Keijo (Seúl), Corea (japonés).
At a ceremony in the John F. Kennedy Library and Museum in Boston, Massachusetts, Japanese architect Toyo Ito received his Pritzker Architecture Prize medal and $100,000 grant from Thomas J. Pritzker, chairman of The Hyatt Foundation which has sponsored the worldwide honor since its founding in 1979. The ceremony was held before a black tie audience of over 300 guests of the Foundation, including many of ItoÕs present and past staff members, previous laureates of the prize, as well as architects and fans of architecture from around the world. on May 29, 2013.
Toyo Ito of Japan proudly shows his medal while seated at the dinner following the ceremony at the John F. Kennedy Library and Museum where he received the honor. Lord Palumbo, chairman of the Pritzker Architecture Prize jury is to his left.
Su padre es un hombre de negocios con un interés especial en la cerámica temprana de la dinastía Yi de Corea y las pinturas de estilo japonés.
También es aficionado al béisbol y al golf.
1943, Ito, su madre y sus dos hermanas mayores se mudan de regreso a Japón.
Dos años más tarde, su padre también regresa a Japón, y todos viven en la ciudad natal de su padre, Shimosuwa-machi, en la prefectura de Nagano.
Su padre muere en 1953, cuando tiene 12 años.
TAICHUNG METROPOLITAN OPERA HOUSE. TAIWAN La estructura refleja la idea de que el arte escénico es un conjunto de artes espaciales que combina cuerpo humano, plástica, música y actuación.
Después de eso, el resto de la familia gestiona una fábrica de miso (pasta de frijoles).
En la actualidad, todas menos una hermana, que es tres años mayor que Ito, han muerto.
Ito establece su propia oficina de arquitectura en 1971 y al año siguiente se casa.
Tama Art University Library by Toyo Ito 01
Su esposa muere en 2010.
Tienen una hija que ahora tiene 40 años que edita Vogue Nippon .
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En su juventud, Ito admite no tener un gran interés por la arquitectura.
Sin embargo, hay diferentes influencias tempranas.
Su abuelo es comerciante de madera y a su padre le gusta hacer planos para las casas de sus amigos.
Cuando Ito es un estudiante de primer año en la escuela secundaria, su madre le pide al primer arquitecto modernista, Yoshinobu Ashihara, que acababa de regresar a Japón desde los Estados Unidos, donde trabajaba en la oficina de Marcel Breuer, que diseñe su casa en Tokio.
Estaba en el tercer grado de la escuela secundaria cuando se muda a Tokio y va a la escuela secundaria Hibiya.
En ese momento, nunca piensa en ser arquitecto; su pasión es el béisbol.
Es mientras asiste a la Universidad de Tokio cuando la arquitectura se convierte en su principal interés.
Para el proyecto fin de carrera, presenta la reconstrucción del Parque Ueno, que gana el primer premio de la Universidad de Tokio.
Toyo Ito comienza a trabajar en la firma Kiyonori Kikutake & Associates después de terminar Arquitectura en la Universidad de Tokio en 1965.
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1971, crea su despacho en Tokio, y lo llama Urban Robot (Urbot).
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1979, cambia el nombre a Toyo Ito & Associates, Architects.
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Recibe infinidad de premios internacionales, incluyendo en 2010, el 22º Praemium Imperiale en Honor al Príncipe Takamatsu; en 2006, la Real Medalla de Oro del Real Instituto de Arquitectos Británicos; y en 2002, el León de Oro a la Trayectoria de la 8ª Exposición Internacional de la Bienal de Venecia.
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Ha sido profesor invitado en la Universidad de Tokio, la Universidad de Columbia, la Universidad de California, Los Ángeles, la Universidad de Kyoto, la Universidad de Arte Tama, y en el semestre de primavera de 2012, es anfitrión de un estudio en el extranjero para la Escuela de Graduados de Diseño de Harvard, el primero de Asia.
Za-Koenji-Theatre
Sus obras son objeto de exposiciones en museos de Inglaterra, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, Italia, Chile, Taiwán, Bélgica y numerosas ciudades de Japón.
Tiene becas honorarias en el Instituto Estadounidense de Arquitectos, el Instituto Real de Arquitectos Británicos, el Instituto de Arquitectura de Japón, la Sociedad de Arquitectos e Ingenieros de Construcción de Tokio y la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias.
Uno de sus primeros proyectos en 1971 es una casa en un suburbio de Tokio llamada Casa de Aluminio, la estructura consistía en un marco de madera completamente cubierto de aluminio.
La mayoría de sus primeras obras son residencias.
1976, construye un hogar para su hermana, quien recientemente había perdido a su esposo.
Torre de los vientos
La casa se llama White U y genera un gran interés en las obras de Ito.
1997 es demolido.
1980 de la mayor parte de su trabajo, explica que buscaba borrar el significado convencional de sus obras a través de tácticas minimalistas, desarrollando una arquitectura ligera que se asemeje al aire y al viento.
Restaurante Nuclo
2001 define la Mediateca de Sendai, de la ciudad de Sendai, Miyagi, Japón, uno de los puntos culminantes de su carrera.
Vivo City Singapur
En el libro de Phaidon, Toyo Ito, explica,
Vivo City Singspur
La Mediateca se diferencia de los edificios públicos convencionales en muchos aspectos.
Vivo City Singapur
Si bien el edificio funciona principalmente como biblioteca y galería de arte, la administración ha trabajado activamente para relajar las divisiones entre diversos programas, eliminando barreras fijas entre varios medios para evocar progresivamente una imagen de cómo deberían ser las instalaciones culturales a partir de ahora.
Stadium Toyo-Ito Taiwan
Esta apertura es el resultado directo de su estructura simple, formada por losas planas de hormigón (que son placas de acero en forma de panal con hormigón) penetradas por 13 tubos.
Stadium Toyo-Ito Taiwan
Las paredes de cada piso se mantienen en un mínimo absoluto, lo que permite que las diversas funciones se distribuyan libremente a lo largo de las áreas abiertas entre los tubos .
Stadium Toyo-Ito Taiwan
Al pronunciar la conferencia de Kenneth Kassler en la Universidad de Princeton en 2009, Ito explica sus pensamientos generales sobre la arquitectura:
Stadium Toyo-Ito Taiwan
El mundo natural es extremadamente complicado y variable, y sus sistemas son fluidos, está construido sobre un mundo fluido.
En contraste con esto, la arquitectura siempre ha intentado establecer un sistema más estable.
Para ser muy simplista, se podría decir que el sistema de la cuadrícula se estableció en el siglo XX.
Museo Toyo Ito
Este sistema se hizo popular en todo el mundo, ya que permitió construir una gran cantidad de arquitectura en un corto período de tiempo.
Sin embargo, también hizo que las ciudades del mundo fueran homogéneas.
Incluso se podría decir que hizo que las personas que viven y trabajan allí también sean homogéneas.
En respuesta a eso, durante los últimos diez años, modificando ligeramente la cuadrícula, he intentado encontrar una forma de crear relaciones que acerquen los edificios a su entorno y entorno.
2004 en la zona de Omotesando de Tokio, diseña un edificio en 2004 para TOD’S, una empresa italiana de zapatos y carteras, en el que los árboles son una fuente de inspiración.
La oficina proporciona su propia descripción del proyecto:
Los árboles son objetos naturales que se sostienen por sí mismos y su forma tiene una racionalidad estructural inherente.
El patrón de siluetas de árboles superpuestas también genera un flujo racional de fuerzas.
Habiendo adaptado el diagrama de árbol ramificado, cuanto más alto es el edificio, más delgadas y numerosas se vuelven las ramas, con una mayor proporción de aberturas.
Asimismo, el edificio se despliega como espacios interiores con atmósferas ligeramente diferentes en relación con los distintos usos previstos.
Rechazando las obvias distinciones entre muros y aberturas, líneas y planos, dos y tres dimensiones, transparencia y opacidad, este edificio se caracteriza por un tipo distintivo de abstracción.
La silueta del árbol crea una nueva imagen con una tensión constante generada entre la concreción simbólica del edificio y su abstracción.
Para este proyecto, nosotros (Ito y su personal) teníamos la intención de crear un edificio que a través de su novedad arquitectónica exprese tanto la presencia vívida de una marca de moda como la fuerza en el paisaje urbano que resistirá el paso del tiempo .
Después de diseñar edificios aclamados por la crítica como la Mediateca de Sendai, Ito se convierte en un arquitecto de importancia internacional a principios de la década de 2000, lo que llevó a proyectos en Asia, Europa, América del Norte y América del Sur. Ito diseña el Estadio Principal para los Juegos Mundiales de 2009 en Kaohsiung y la Ópera Metropolitana de Taichung en construcción, ambos en Taiwán.
esta imagen corresponde con la que aparece impresa en la revista ViA arquitectura en su artículo específico
En Europa, Ito y su firma renuevan la fachada de los Suites Avenue Apartments con llamativas ondas de acero inoxidable y, en 2002, diseñan la célebre galería temporal Serpentine Pavilion en el Hyde Park de Londres.
Museo del Barroco, Puebla, Méjico
Otros proyectos durante este tiempo incluyen la residencia White O en Marbella, Chile y la nunca construida Universidad de California, Berkeley Art Museum / Pacific Film Archive en California.
Museo del Barroco, Puebla, Méjico
Quizás lo más importante son los proyectos en su país de origen, que se hacen más urgentes por el terremoto y el tsunami del 11 de marzo de 2011.
Museo del Barroco, Puebla, Méjico
El desastre impulsa a Ito y a un grupo de otros arquitectos japoneses a desarrollar el concepto de Hogar para -Todos espacios comunes para supervivientes.
Museo del Barroco, Puebla, Méjico
Como dice Ito en Toyo Ito – Forces of Nature publicado por Princeton Architectural Press:
Los centros de socorro no ofrecen privacidad y apenas hay espacio suficiente para estirarse y dormir, mientras que las unidades de vivienda temporal apresuradamente tapiadas son poco más que hileras de conchas vacías: condiciones de vida sombrías de cualquier manera.
Sin embargo, incluso en tales condiciones, la gente intenta sonreír y arreglárselas….
Se reúnen para compartir y comunicarse en circunstancias extremas: una visión conmovedora de la comunidad en su forma más básica.
Asimismo, lo que vemos aquí son orígenes mismos de la arquitectura, la modelación mínima de los espacios comunes.
Un arquitecto es alguien que puede hacer que esos espacios para comidas escasas muestren un poco más de humanidad, hacerlos un poco más hermosos, un poco más cómodos .
Para Ito, los principios fundamentales de la arquitectura moderna son cuestionados por Home-for-All.
En el período moderno, la arquitectura ha sido calificada más alto por su originalidad.
Como resultado, los temas más primarios —por qué se hace un edificio y para quién— se han olvidado.
Una zona de desastre, donde todo está perdido, nos ofrece la oportunidad de echar una mirada nueva, desde cero, a lo que realmente es la arquitectura.
‘Hogar para todos’ puede consistir en pequeños edificios, pero pone en primer plano la cuestión vital de qué forma debe tomar la arquitectura en la era moderna, incluso cuestionando los temas más primarios, el significado mismo de la arquitectura .
El jurado de Pritzker comenta sobre la expresión directa de Ito de su sentido de responsabilidad social citando su trabajo en Home-for-All.
Recientemente, Ito también ha piensa en su legado, como lo demuestra el museo de arquitectura que lleva su nombre en la pequeña isla de Omishima en el mar interior de Seto.
También diseñado por Ito, el museo se inaugura en 2011 y muestra sus proyectos pasados, además de servir como taller para jóvenes arquitectos.
Dos edificios componen el complejo, el edificio principal Steel Hut y el cercano Silver Hut, que es una recreación de la antigua casa del arquitecto en Tokio, construida en 1984.
Considerado uno de los mayores representantes del modernismo catalán, que tiene más representación arquitectónica que pictórica, de un movimiento artístico finisecular internacional, el barcelonés Ramon Casas i Carbo (1886-1932) se forma en un principio en su ciudad, en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja, bajo tutela del pintor Juan Vicens, para después en 1881, viajar a Paris donde completa su aprendizaje con Carolus Duran, un excelente pintor naturalista muy próximo a Manet y sobre todo como este, con gran amor por la Escuela Española y Velázquez.
Ramon Casas i Carbó. Autorretrato, 1909
1885 Casas pasa por Madrid para profundizar en su conocimiento de Velázquez, dedicándose a copiar sus obras en el Museo del Prado.
Ramon Casas i Carbó. Joven decadente. Nace en Barcelona el 4 de enero de 1866. En 1877 abandona la escuela para estudiar arte en el estudio de Juan Vicens Cots.
1890 se instala de nuevo en Paris esta vez en compañía de Santiago Rusiñol y Miguel Utrillo, centrando su atención en temas urbanos dentro de una visión naturalista.
Ramón Casas y Carbó. Estudio, 1893. En 1881, acompañado de su primo Miquel Carbó i Carbó, estudiante de medicina, inició su primera estancia en París. El invierno de ese año estudió con Carolus-Duran y, posteriormente con Henri Gervex.
Además del desarrollo de la pintura, cultiva la ilustración gráfica y el retrato.
Ramon Casas i Carbó. Sífilis, 1900. En 1882 expone algunas de sus obras en la Sala Parés de Barcelona, y en 1883 expone su Autorretrato vestido de flamenco en la Sala de los Campos Elíseos de París, cuadro que le vale una invitación para ser miembro del Salón de la Societé d’Artistes Françaises.
Aunque sea difícil deslindar que implica el Modernismo en el terreno pictórico, Casas simpatiza con los ideales estéticos y culturales.
Ramon Casas i Carbó. Patio de la antigua cárcel de Barcelona (Patio de los corderos), 1894. Retrata a la élite de la sociedad de Madrid, Barcelona y París, sus dibujos y caricaturas sirvieron para definir el modernismo catalán en la pintura.
En este sentido secunda con entusiasmo la iniciativa de su colega y amigo Santiago Rusiñol de las fiestas modernas en Cau Ferrat (Sitges) y participa activamente de la formación y desarrollo del grupo de Els Quatre Gats, así llamado por el nombre de la cervecería donde se reúnen sus miembros.
Ramón Casas i Carbó. Son también famosos sus trabajos sobre revueltas y actos políticos, entre ellos uno sobre la represión en una manifestación callejera en la ciudad condal.
Ramon Casas aparece vinculado a mucha de las mejores revistas culturales de vanguardia de la Barcelona de estos años, como la también llamada Els Quatre Gats, Pel Ploma y Forma, en las que colabora como ilustrador.
Ramon Casas i Carbó. Julia. Ejerció también como diseñador gráfico haciendo innumerables postales y carteles. Tuvo una gran amistad con Santiago Rusiñol, Eugène Carrière e Ignacio Zuloaga.
Inquieto, no se conforma con rentabilizar su talento como retratista, faceta de la que obtiene un gran éxito, recibiendo encargos por doquier en la medida que consigue dar un aire moderno a un genero muy anquilosado, sino que sigue viajando por todo el mundo, incluido el cada vez más pujante mundo americano.
Ramon Casas i Carbó. Procesión del Corpus en la Iglesia de Santa María, 1898. Junto a Rusiñol y al escultor Enric Clarasó realizó una exposición en la Sala Parés en 1890.
1908 viaja a Cuba y EEUU, país este ultimo que gracias a su estrecha amistad con el millonario Charles Deering, se hace con una importante clientela.
Ramon Casas i Carbó. Plein air, 1890. Su fama se extiende por toda Europa, exponiendo con éxito en Madrid, de 1892 y 1894; en Berlín en 1891 y 1896 y en la Exposición Mundial de Chicago de 1893.
Asentada su posición no para de viajar por Europa donde además de Francia, visita Italia, Austria, Hungría y otros países.
Ramón Casas i Carbó. Entre tanto, el círculo bohemio en el que se movían Casas y Rusiñol empezó a organizar frecuentes exposiciones en Barcelona y en Sitges, aumentando la demanda de su trabajo en Cataluña, por lo que se estableció en Barcelona aunque seguía viajando a París para exponer cada año en el Salón.
Muchas de estas visitas tienen el añadido de poder exhibir su obra en los centros artísticos mas relevantes, lo que le vale un importante reconocimiento internacional.
Ramón Casas i Carbó. Paisaje con figuras.
Casas pertenece a la generación de artistas que empiezan a hacerse valer sin complejos fuera de su país natal, una generación compuesta por Sorolla, Zuloaga, Anglada Camarasa, Rusiñol y tantos otros a quien corresponde ser pioneros de una actitud generalizada en generaciones sucesivas.
Ramon Casas i Carbó. Hermana.
Pictóricamente Casas es naturalista en la estela de Manet, Whisler, Degas, Toulouse Lautrec, Caillebote…
Ramón Casas i Carbó. Garrot vil, 1894. El comité español selecciona para la Exposición Universal de 1900 en París, dos de sus retratos, uno de 1891 de Eric Satie, y otro de su hermana Elisa. Su óleo de una Ejecución mediante El garrote vil gana uno de los premios principales en Múnich en 1901.
Como ocurre con la mayor parte de estos pintores, su temática consiste en escenas de la vida moderna urbana, aunque con marcada predilección por los interiores.
Ramón Casas i Carbó. Madelen Moulin de la Galette. Sus obras se exhiben por toda Europa y en otras puntos del mundo, como Buenos Aires. En 1902 doce de sus obras quedan expuestas de forma permanente en el Círculo del Liceo, club exclusivo asociado al Teatro de la Ópera barcelonés.
Uno de sus mas apreciables rasgos de modernidad es su pasión y talento para la ilustración grafica, lo que le conduce al terreno del cartelismo, donde logra estampas diseñadas con un espíritu innovador en la estela de Toulouse Lautrec.
Ramón Casas i Carbó. Desnudo y guitarra. En 1903 se convirtió en socio de pleno derecho del Salon du Champ de Mars de París, lo que le permitió realizar una exhibición anual, sólo lo haría durante dos años.
Tan extraordinaria son sus dotes de dibujante, que no sabe entender bien el calado moderno de esta pericia, algo que se le sigue reprochando hasta después de su muerte.
Ramón Casas i Carbó. La carga. En 1903 presenta La carga que posteriormente renombró como Barcelona 1902, en él cuadro representaba una huelga general ocurrida en Barcelona en ese tiempo. La obra en la que muestra a un Guardia Civil cargando contra la multitud, es pintada dos años antes de la huelga. En 1904, esa misma pintura gana el primer premio en la Exposición General de Madrid.
La carga, el cuadro con el que consigue una de las primeras medallas de la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1904, a pesar del escabroso tema que lo inspira, contiene de forma magistral todas sus mejores virtudes.
Ramón Casas i Carbó. Julia, 1915. En 1904, durante una estancia en la capital española, pinta una serie de caricaturas de la élite madrileña, así como de pintores como Joaquín Sorolla y Agustín Querol, escultor oficial del gobierno español. En el estudio de Querol realiza un retrato ecuestre del rey Alfonso XIII que es adquirido por el coleccionista norteamericano Charles Deering.
Representa la violenta represión con que la guardia civil a caballo arremete sin contemplaciones contra una manifestación obrera, que discurre como se ve en el fondo, sobre un paisaje de fábricas, vecino a la basílica de Santa María del Mar.
Ramon Casas i Carbó. Ramon Casas y Pere Romeu en coche, 1891. A causa del aumento de su fama como retratista, se instala de nuevo en Barcelona, donde conoce a una joven vendedora de lotería, Julia Peraire, 22 años más joven que él. La pinta por primera vez en 1906 cuando Julia tiene 18 años. Pronto se convierte en su modelo preferida y en su amante. A pesar de que la familia de él no aprueba esta relación llegan finalmente a casarse en 1922.
Aunque se permite licencias del paisaje urbano, a nadie que conozca el lugar le cuesta trabajo identificar el paisaje con Barcelona, incluso a mas de un siglo de los hechos narrados.
Ramón Casas i Carbó. Figura femenina, 1900. Su madre compra en 1907 el monasterio de Sant Benet de Bages; el pintor pasa mucho tiempo en San Benet. Cinco años más tarde, a la muerte de su madre, hereda el monasterio.
Estos dejan una profunda huella en la historia del país, pero al ser pintados muy poco después de producirse, la tela esta dedicada a la terrible represión a las violentas algaradas populares con motivo de la huelga general que paraliza Barcelona el 17 de febrero de 1902.
Ramón Casas i Carbó. Santiago Rusiñol, 1900. En 1908, junto a su patrocinador Deering, viajaron por Cataluña. Ese mismo año, Casas inicia un viaje de seis meses por Cuba y los Estados Unidos.
Se puede entender el efecto polémico que produce la pintura, polémica apenas encubierta por el galardón oficial que sorprendentemente recibe.
Ramón Casas i Carbó. Alfonso XIII. De regreso a España expuso en Madrid y Barcelona, En la galería Fayanç Català de Barcelona, mostró unos 200 dibujos al carbón que donó al Museo de Barcelona. Su exposición de Madrid se realizó en el Ministerio de Turismo y en ella presentó retratos de figuras destacadas de la ciudad, incluido el rey Alfonso XIII.
Tras el ingreso en las colecciones del Estado no solo es exhibido, sino confinado como deposito en el Museo de Olot, hasta fechas recientes ha permanecido a buen recaudo de una mirada masiva.
Ramón Casas i Carbó. La paresse. Antes de iniciarse la Primera Guerra Mundial viajó por España y Europa, visitando Viena, Budapest, Múnich, París, Países Bajos, Madrid y Galicia; realizó importantes exposiciones en España y en Francia. En 1913 compró una vivienda en Barcelona, una torre en el barrio de Sant Gervasi. En 1915 realizó expuso conjuntamente con Rusiñol y Clarassó en la Sala Parés, conmemorando así el 25º aniversario de su primera exposición conjunta.
Pero el interés de La carga no se agota solo en el hecho de haber sido un valiente testimonio histórico de un tema conflictivo y candente, ya que el cuadro esta repleto de otras aportaciones muy interesantes.
Ramón Casas i Carbó. Puerto de Rosas. En 1916 Casas y su representante Deering viajaron a Tamarit, Tarragona. Deering compró el pueblo entero y colocó a Casas en la dirección del proyecto de restauración del mismo. Años más tarde, en 1924, Casas regresó a Tamarit donde pintó numerosos paisajes.
Desde mitad del XIX Gustave Courbet sorprende a todo el mundo con el tratamiento de monumentalidad de episodios cotidianos de intrascendente vulgaridad, que insinúan un trasfondo de conflictividad social.
Ramón Casas i Carbó. Baile en el Moulin de la Galette. Casas, Rusiñol, y Clarassó siguieron realizando exposiciones conjuntas en la Sala Parés y que fueron constantes hasta la muerte de Rusiñol en 1931. Casas continuó pintando retratos y paisajes, así como algunos carteles para la lucha contra la tuberculosis pero en el momento de su muerte, en 1932, se había convertido más en una figura del pasado más que del presente. Murió el 29 de febrero de 1932, siendo enterrado en el Cementerio de Montjuïc de Barcelona.
Pero la aplicación de este recurso por parte de Casas es un reportaje gráfico de inequívoco cariz de militancia política.
Trianart foto
CALVO SERRALLER FRANCISCO, FUSI AIZPURUA JUAN PABLO, El espejo del tiempo. Taurus. Madrid 2009.
A Shigeru Ban se le puede llamar el arquitecto de los pobres, el activista, el humanitario, el que es capaz de levantar hermosas construcciones con papel.
Shigeru Ban (1957) es un arquitecto japonés de filosofía modesta, ecológica y sostenible, pionero en el uso del plástico, papel y cartón en sus construcciones.
Aquellos materiales que suelen ir a parar a un basurero son el alma de sus obras.
Uno de sus primeros proyectos son las estructuras de Tubos de Cartón en Ruanda.
Muchas de las viviendas que construye Shigeru Ban son temporales, diseñadas para cubrir las necesidades básicas de los damnificados por desastres naturales y guerras. Con estos proyectos ha demostrado que el uso de materiales simples puede dar servicio a un propósito y ser parte del paisaje.
Casas de Tubos de Cartón lo realizó en 1995 en la ciudad de Kobe (Japón).
Este proyecto de acercamiento social está construido sobre cajas de cervezas para un eventual desmantelamiento, con techos de tela blanca y cargadas de arena.
Las paredes están hechas de 106 mm de diámetro, tubos de papel de espesor de 4 mm y con material de tienda de campaña para el techo.
Se utiliza el espacio de 1,8 m entre las casas como área común.
Para el aislamiento, una cinta de esponja impermeable con soporte de adhesivo se intercala entre los tubos de papel de las paredes.
El coste de los materiales para una unidad de 52 metros cuadrados está por debajo de los 2.000 dólares.
La unidad es fácil de desmontar, y los materiales pueden ser eliminados o reciclados fácilmente.
Shigeru Ban nace en Tokyo en 1957 y desde muy pequeño destacó en su capacidad artística, pronto decidió que quería ser Arquitecto, aprende el modelado estructural empleando papel, madera y bambú.
Cuando descubre el trabajo de John Hejduk, el arquitecto del papel, decide ir a estudiar la carrera de Arquitectura en la Escuela de Arquitectura de la Cooper Union en Nueva York, donde Hejduk era el decano.
Terminados sus estudios, abre su primera despacho en 1985 en su ciudad natal, Tokyo. Su trabajo se desarrolla siempre desde una perspectiva de investigación, realizando proyectos de casas experimentales, viviendas mínimas, pabellones temporales, conjugado con un enfoque social de su trabajo, cuando ha ocurrido una tragedia, Shigeru Ban se ofrece a ayudar mediante la creación de refugios, centros comunitarios o la recuperación de iglesias.
Iglesia de Papel (1995-2005, desmontado) Kobe, JapónRefugios de Emergencia de Papel UNHCR (1999) Campo de Refugiados en Byumba, RuandaRefugios de Emergencia de Papel UNHCR (1999) Campo de Refugiados en Byumba, RuandaRefugios de Emergencia de Papel UNHCR (1999) Campo de Refugiados en Byumba, Ruanda
Más de 2 millones de personas quedaron sin hogar cuando la guerra civil estalló en Ruanda en 1994.
La oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (UNHCR, por su sigla en inglés) normalmente suministraba cubiertas de plástico y pilares de aluminio para ser utilizados como refugios temporales.
En ese entonces, los refugiados ruandeses vendían los pilares de aluminio y luego talaban árboles para utilizar las ramas como soportes estructurales.
Considerando la crítica deforestación de la zona, era obvio que se debía pensar en materiales alternativos y reciclables.
Los tubos de papel fue la alternativa económica elegida. La propuesta fue adoptada y el desarrollo de prototipos de refugios comenzó.
Tres prototipos de refugios fueron diseñados y se testeó su durabilidad, su presupuesto y su resistencia a las termitas.
Considerando que los tubos de papel pueden ser producidos a bajo costo y en maquinaria pequeña y simple, el potencial de producir materiales en sitio redujo los costos de transporte.
En 1998, cincuenta refugios de emergencia fueron construidos en Ruanda y monitoreados para evaluar el sistema en la práctica.
Casa de Tubos de Cartón / Paper Log House (2001) India
Lo que hace única a la Paper Log House es su fundación y cubierta. Escombros del edificio construido fueron usados para la fundación en vez de cajas de cervezas, las cuales no pueden ser encontradas en esta área. Las fundaciones se recubren con un tradicional suelo de barro.
Para la cubierta, bambú partido fue aplicado a las bóvedas de crucería y varas completas de bambú para las vigas estructurales.
Una esterilla de caña tejida localmente fue dispuesta sobre otra costilla de bambú, revestido por una cubierta de lona alquitranada (tarpaulin) para proteger contra la lluvia, y finalmente otra esterilla de caña.
La ventilación fue prevista a través de un frontón rectangular, donde pequeños agujeros en la esterilla permiten circular el aire.
Esta ventilación también permite cocinar en su interior, con el beneficio adicional de repeler mosquitos.
Proyecto de reconstrucción post-tsunami (2007) Kirinda, Sri LankaProyecto de reconstrucción post-tsunami (2007) Kirinda, Sri Lanka
Localizado en la costa sureste de Sri Lanka, Kirinda es un pueblo de una comunidad musulmana de pescadores. A raíz del terremoto de Sumatra el 26 de diciembre de 2004, la mayoría de los edificios del pueblo fueron arrastrados por el tsunami. Los aldeanos se vieron forzados a vivir en casas temporales. Este proyecto de rehabilitación post-tsunami incluye la construcción de 67 casas, una mezquita y una etapa de reforestación.
Cada casa tiene dos dormitorios, un hall y un patio techado, el cual es un espacio semiabierto.
El hall y el patio pueden ser una gran habitación.
Sin embargo, para respetar el estilo de vida de los aldeanos, estas habitaciones están separadas por puertas plegables.
Por un tema religioso, es necesario para las mujeres evitar ver a sus visitas en personas. El patio techado es un espacio como la sombra de un árbol, el cual protege de la incidencia directa de la luz natural y ventila la vivienda.
Por tanto, este espacio juega un rol importante en la vida de los habitantes; disfrutar una comida con la familia, socializar con vecinos y reparar sus redes de pesca y equipamiento.
Como es un proyecto de rehabilitación, lo importante es un bajo presupuesto y la reducción del periodo de construcción.
El principal material es CEB (compressed earth block, bloques de tierra compacta) el cual está disponible en Sri Lanka y no necesita albañiles capacitados.
El bloque tiene una superficie irregular, así que puede ser fácilmente entrelazado y edificado como LEGO.
Adicionalmente, el mobiliario también es prefabricado y armado en la vivienda.
El mobiliario está hecho de caucho, el cual no es comúnmente utilizado como material arquitectónico, pero en Sri Lanka la industria del neumático es popular, por lo que los árboles de caucho están plantados en todo el país.
Escuela primaria temporal en Hualin (2008) Chengdu, China
Este proyecto de colaboración entre universidades japonesas y chinas implicó el diseño y construcción de una serie de aulas temporales de tubos de papel, específicamente pensadas para una escuela primaria golpeada por el terremoto de Sichuan en mayo de 2008.
Si bien la mayor parte de la reconstrucción consistió en la construcción de viviendas temporales, se recibió una solicitud del Chengdu Chenghua District Education Bureau para reconstruir también los edificios de las aulas.
Estos edificios habían sido catalogados oficialmente como inutilizables y habían sido completamente cerrados. Por lo tanto, se diseñaron edificios de aulas temporales para ser construidos usando tubos de papel, baratos, reciclables, reutilizables y de fácil acceso al lugar de construcción.
Durante las vacaciones de verano, cerca de 120 voluntarios japoneses y chinos trabajaron juntos en su construcción, profundizando un proceso de entendimiento mutuo.
Se desarrollaron métodos de construcción simples fáciles de entender para los voluntarios.
Con la gestión adecuada, tres edificios (nueve aulas) se completaron en unos cuarenta días. Estos fueron los primeros edificios en China estructurados en base a tubos de papel, y también fueron los primeros edificios educacionales en ser reconstruidos en la zona afectada por el terremoto.
Hall de conciertos temporal de papel (2011) L’aquila, ItaliaHall de conciertos temporal de papel (2011) L’aquila, ItaliaHall de conciertos temporal de papel (2011) L’aquila, ItaliaHall de conciertos temporal de papel (2011) L’aquila, Italia
En respuesta al terremoto del 6 de abril de 2009 en L’Aquila, Italia, se realizó en ese lugar la Cumbre de Naciones del G8 en julio del mismo año.
El gobierno japonés anunció su plan de construir una sala de conciertos temporal, propuesta por , para apoyar la reconstrucción de la ciudad, famosa por su escena musical. El objetivo era construir una sala de conciertos de papel, fácil de montar y duradero, para permitir la pronta reanudación de las actividades musicales de la ciudad.
Paper Partition System 4 (2011) Japón
Los evacuados del gran terremoto y tsunami de Japón en 2011 se refugiaron en su momento en centros de evacuación como los gimnasios.
Se vieron obligados a vivir en esta situación durante meses, antes de la presentación de viviendas temporales, sufriendo la falta de privacidad y la alta densidad.
En respuesta a esto, se realizaron particiones simples hechas de tubos de papel y cortinas de lona para dividir los espacios de cada familia. Este esfuerzo fue financiado por donaciones de todo el mundo.
Viviendas Temporales de Container (2011) Onagawa, Japón
Desde el terremoto de 2011 en Japón, se visitaron más de 50 instalaciones de evacuación y se instalaron más de 1.800 unidades (2m x 2m) de nuestro sistema de “particiones de papel”, asegurando la privacidad entre las familias.
Durante ese tiempo, nos enteramos de la noticia de que la ciudad de Onagawa estaba teniendo dificultades para construir suficientes viviendas temporales debido a la insuficiente cantidad de terreno.
Por lo tanto, la oficina propuso una vivienda temporal de tres pisos a partir de contenedores de transporte.
Al apilar los contenedores en un tablero de ajedrez, el sistema genera espacios abiertos de vida en medio de los containers.
Viviendas Temporales de Container (2011) Onagawa, Japón
Las casas temporales entregadas por el gobierno estaban mal hechas, y carecían de suficiente espacio de almacenamiento.
Instalamos muebles y estantes integrados en todas nuestras casas con la ayuda de voluntarios y con fondos a partir de donaciones
Catedral de Cartón (2013) Christchurch, Nueva Zelanda
El terremoto de febrero de 2011 en Christchurch, Nueva Zelanda, causó un daño devastador en su catedral, símbolo de la ciudad.
En respuesta a esta situación, se encargó el diseño de una nueva catedral temporal. Tubos de papel y containers de carga conforman su forma triangular.
Dado que la geometría se decide según la planta y las elevaciones de la catedral original, se definió un cambio gradual en el ángulo de los tubos de papel.
Esta catedral, con una capacidad de 700 personas, puede ser utilizada además como un espacio para eventos y conciertos.
El blog de Ila Basmati 