Zaha Hadid, (Bagdad, 31 de octubre de 1950-Miami, 31 de marzo de 2016) fundadora de Zaha Hadid Architects, es galardonada con el Pritzker de Arquitectura 2004 y es conocida internacionalmente por su trabajo como teórica y académica.
Cada uno de sus proyectos dinámicos e innovadores se basa en más de treinta años de exploración revolucionaria e investigación en los campos del urbanismo, arquitectura y el diseño.
Los intereses de Hadid se encuentran en la intersección rigurosa entre la arquitectura, el paisaje y la geología como realización conjunta que integra la topografía natural y los sistemas hechos por el hombre, lo que lleva a la experimentación con tecnologías de vanguardia.
Zaha Hadid en La Fontana di Trevi de Roma.
Este proceso a menudo se traduce en formas arquitectónicas inesperadas y dinámicas.
Hadid estudia arquitectura en la Architectural Association de 1972 a 1977 siendo galardonada con el Diploma Prize el mismo año.
Es socia de la Office for Metropolitan Architecture, da clases en la AA con OMA colaboró con Rem Koolhaas y Elia Zenghelis, y más tarde conduce su propio estudio en la AA hasta el año 1987.
Vitra Campus
Desde entonces, ocupa la cátedra Kenzo Tange en la Graduate School of Design, de la Universidad de Harvard, la Cátedra Sullivan de la Universidad de Illinois, en la Escuela de Arquitectura de Chicago, profesora invitada en la Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo, la Escuela de Arquitectura Knolton , Ohio, y en el Máster de la Universidad de Columbia, Nueva York.
Centro de Arte Contemporáneo Lois & Richard Rosenthal de Cincinnati
Además, es nombrada Miembro de Honor de la Academia Americana de Artes y Letras, Miembro del Instituto Americano de Arquitectura y Comandante del Imperio Británico, 2002.
Museo Nacional de Arte del Siglo XXI en Roma (MAXXI)
Actualmente es profesora en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena, Austria y fue profesora visitante Eero Saarinen de Diseño Arquitectónico en la Universidad de Yale, New Haven, Connecticut.
Opera House de Guangzhou Opera House de Guangzhou Opera House de Guangzhou Opera House de Guangzhou Opera House de Guangzhou Opera House de Guangzhou Opera House de Guangzhou
El trabajo de Zaha Hadid de los últimos 30 años es objeto de exposiciones retrospectivas aclamadas por la crítica en el Museo Solomon, R. Guggenheim de Nueva York en 2006, el Museo de Diseño de Londres en 2007 y el Palazzo della Ragione, Padua, Italia en 2009.
Heydar Aliyev Center en Baku
Sus proyectos recientemente terminados incluyen el Museo MAXXI de Roma, que ganó el premio Stirling en 2010.
Glasgow Riverside Museum
La destacada contribución de Hadid a la profesión de arquitecto sigue siendo reconocida por la mayoría de las instituciones más respetadas del mundo .
Recibe el prestigioso premio Praemium Imperiale de la Japan Art Association en 2009, y en 2010, el Premio Stirling – uno de los más altos reconocimientos de la arquitectura – Por el Royal Institute of British Architects.
Otros premios recientes incluyen la nominación de la UNESCO a Hadid como Artista para la Paz , en una ceremonia en su sede de París el año pasado. También en 2010, la República de Francia nombró a Hadid como Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres en reconocimiento a sus servicios a la arquitectura, y la revista Time la incluye en su lista del 2010 entre las ‘100 Personas Más Influyentes del Mundo ‘.
Edificio Galaxy SOHO en Pekín, diseñado por Zaha Hadid
Este año el ‘Time 100’ se divide en cuatro categorías: líderes, pensadores, artistas y héroes- con Hadid Hadid encabezando el ranking de la categoría de pensadores.
Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo. Terminal marítima de Salerno, primer proyecto póstumo.
Siguiendo sus palabras el final de su prodigiosa adolescencia isleña coincide con la muerte de Franco en 1975.
Su muerte le mata pues su lado adolescente le da la autentica vida como artista, que necesita una energía consciente, orientada, deliberada.
Nace en el año de la muerte de Pollock y nace con la muerte de Franco como artista.
Tiene un tipo de vitalidad creadora vertiginosa.
1974 con 16 años hace su primera exposición individual.
Con 25 es seleccionado para formar parte de la Documenta de Kassel, convirtiéndose en una figura de renombre internacional.
Es decir, consigue al principio de su carrera lo que algunos pocos consiguen al final.
Si solo hubiera sido un pelotazo, ese éxito le habría quemado.
Pero no fue así porque su actividad creadora continuo a un ritmo más frenético y resistió al cambio de modas.
Su sorprendente ansia en la creación recuerda a un Picasso joven.
Se presenta a si mismo como un panadero entre el Louvre, el taller y la biblioteca, formula feliz que lo presenta como un amasador de la pintura.
El renegar de la tradición de Cezanne- Matisse, por una parte y la popdadacaducaduchampbreton, por otra por otra, y retomar un baile que para mi va desde Valdes Leal a los ignotos pintores de pulpos y mejillones murales del barrio chino de Barcelona, es casi un acuerdo tácito tomado por muchos artistas en todas partes.
Con quien mejor hermana es con Picasso que, según Octavio Paz, en quien la prisa pinta por sus pinceles.
Pero, sobre todo, el máximo exponente de la intempestividad, que vuelve constantemente la modernidad contra ella misma, sacándola de quicio.
Esa intempestividad determina que cuanto mas salte al vacío vanguardista de la innovación y de la excentricidad, mas intensamente manifiesta su raíz, su origen.
En ese sentido quizás Barceló es el artista español de su generación que, de manera impremeditada, mejor revela la huella de la Escuela Española, la de un abrupto anticlasicismo, la de un mayor salvaje por la materia, la del expresionismo…
Diluvio
El nomadismo es lo que mejor define la energía expansiva de Barceló.
1975 trabaja desde entonces en Barcelona, Nápoles, Portugal, Paris, Nueva York.
1988 inicia su experiencia africana, recalando en primera instancia en Gao.
De ahí a lo lleva con el tiempo a Segou y finalmente al País Dogon.
Hay una búsqueda de lo primitivo, con todo lo que comporta.
Esta experiencia aporta cambios a su obra, cambios de actitud y de perspectiva, no cambios temáticos o técnicos.
Y quizás allí es cuando se encuentra como escultor.
En El taller de escultura, reflexiona sobre si a través de su obra.
El taller de escultura se termina en mayo de 1993, en su estudio parisino de Marais.
Este monumental cuadro de 235 por 375 cm es una síntesis retrospectiva y la naturaleza perversa de una pintura que representa la pasión de un escultor.
Es un cuadro dentro de un cuadro, no es solo un cuadro sobre escultura, sino que puede ser escultura.
Hay un juego de espejos y cada nivel de realidad esconde una nueva ilusión.
Hay una recreación entre el conflicto pintura escultura, algo de larga tradición en la historia del arte occidental.
Con Barceló no esta claro si lo que hace es pintura o escultura.
Ese equivoco se duplica en El taller de esculturas, un armatoste de tres dimensiones, en cuya elaboración se utilizan técnicas de escultura y en el que los cuadros esparcidos por el taller adoptan aspecto de esculturas.
Pero nadie puede negar que sea un cuadro, un cuadro pintado y pictórico.
La obra de Barceló esta dominada por su carácter táctil.
Barceló no pinta, sino que amasa la pintura.
El cuadro es un armatoste, que mas que pensado para ser colgado en una pared, se presenta como una pared, como un espacio íntimo, en una especie de objeto monumental, en una escultura, porque esta tridimensionado.
En el cuadro todo adquiere una apariencia de materia orgánica, de algo corruptible.
La misma presencia de la vida animada se unifica por el rasero de la animalidad.
Pues otro rasgo de Picasso es su identificación con lo animal de los animales.
El mismo se representa como animal, y en muchas ocasiones no se distingue entre cuerpo animal y humano en sus cuadros, sus siluetas se confunden.
El taller de escultura rebosa de estas confusiones, porque en el triunfa la melodía melancólica de la animalidad desnuda, o si se quiere, la animalidad al desnudo.
No hay que olvidar lo que el taller representa para el artista contemporáneo.
Barceló no aparece en el cuadro, porque accede a través de su mirada, vemos el cuadro a través de él, lo vemos mirar su taller.
El cuadro concluye una historia y es un trozo de la vida de su autor, un ajuste de cuentas personal, un examen de conciencia de naturaleza sentimental, la parada y cuenta nueva que impele al cambio.
El taller de escultura es un almacén de recuerdos a través de los que hace un viaje interior a lo anterior, una memoria animada.
En el expone su pasado en forma de intima colección, pero lo hace para que fermente la materia del futuro.
CALVO SERRALLER Francisco, FUSI AIZPURUA Juan Pablo, El espejo del tiempo. Editorial Taurus, Madrid, 2009.
1944 nace en Connecticut, pero se cría en Indiana donde sus padres se divorcian y luego en California, siguiendo los desplazamientos de los diferentes trabajos de la madre.
Cuando tiene diez años, su madre traslada a la familia a un área al sur de Whittier, California, donde él y su hermano menor pueden estar más cerca de su abuela materna.
Ella era pianista y, de hecho, había aparecido con su hermana en un recital en el Carnegie Hall, pero luego se casa y renuncia a la vida musical para centrarse en sus hijos.
Intenta enseñar, pero no funciona, así que se pone a trabajar en una serie de trabajos diferentes.
Pero mi madre es muy culta. Crezco con música clásica y reproducciones de gran arte. Como resultado, crezco como un niño de la ciudad en los suburbios.
De todos modos, estaba completamente fuera de lugar en Whittier.
Mi primer día de clases, me quitan la bicicleta y la chaqueta y me golpean.
Estaba arreglando flores a las diez, repasando el paisaje de nuestra casa a las doce.
Lo estético definitivamente no es lo que preocupaba a mi entorno.
Como resultado, me volví una especie de solitario y distante.
Había ganado un concurso para una casa que diseñé en mi clase de Dibujo arquitectónico en la escuela secundaria, así que me atraía el campo de la arquitectura … pero no tenía ni idea de lo que significaba la practica arquitectonica.
De todos modos, me aceptaron en la Escuela de Arquitectura y por primera vez encontré un mundo que parecía encajar.
1968 termina arquitectura en la University of Southern California y 10 años más tarde hace un Master en Harvard.
Finalmente, en 1978 tomé un año sabático y entré en el programa de posgrado en Harvard.
Fue ese año en Harvard el que le da tiempo para reevaluar su carrera.
En ese momento me había quedado claro que mis intereses me estaban alejando de la planificación ,simplemente no era lo suficientemente tangible ,hacia la arquitectura.
A fines del ’79, regresé a Los Ángeles, y boom, boom, comencé a recibir encargos residenciales.
Me di cuenta de la ciudad única de Los Ángeles para la práctica de la arquitectura (Frank Gehry acababa de terminar su casa), de lo abierta que está a la experimentación.
Sin que todos lo supiéramos, la escena arquitectónica de Los Ángeles se estaba volviendo interesante a nivel mundial
Es miembro fundador del SCI-Arc (Southern California Institute of Architecture). El grupo SCI-Arc (hoy universidad privada de Los Ángeles con 500 estudiantes).
Es organizado por Mayne y otros colegas, jóvenes docentes del departamento de arquitectura de Pomona que tras ser expulsados con unos cuarenta estudiantes toman la iniciativa de fundar una escuela que se presentaba como una alternativa radical al sistema educativo convencional.
Éramos jóvenes, comprometidos y convencidos de que podíamos repensar hacia dónde se dirigía la arquitectura, así que cuando nos despidieron, decidimos comenzar nuestra propia escuela.
Sentimos que era el momento adecuado para iniciar una alternativa radical al sistema educativo convencional
Originariamente la denominan New School, SCI-Arc se basaba en el concepto de college sin paredes.
Sigue siendo una de las pocas escuelas de arquitectura independientes del mundo. Inicialmente, en vez de las jerarquías académicas, la escuela favorecía una relación horizontal entre profesores y estudiantes que asumían la responsabilidad de su curso de estudios.
Además de la SCI-Arc, Mayne se hace famoso por los trabajos realizados con su estudio Morphosis, fundado en Santa Mónica en 1972 con la colaboración de Livio Santini, James Stafford y Michael Brickler, durante el primer año de la historia de SCI-Arc. Mayne cuenta después que el estudio inicialmente que en realidad no es una oficina sino sólo una idea.
2005 Thom Mayne gana el Pritzker. Al justificar su reconocimiento, el jurado destaca:
El enfoque de la arquitectura de Mayne y su filosofía no deriva del modernismo europeo, o de influencias asiáticas o americanas del siglo pasado. Durante su carrera trató de crear una arquitectura original, realmente representativa de la cultura única, un poco sin raíces, de la California meridional, especialmente de Los Ángeles, ciudad rica desde el punto de vista arquitectónico.
Como los Eameses, Neutra, Schindler y Gehry que lo precedieron, Thom Mayne es un añadido auténtico a la tradición de talento arquitectónico innovador y excitante que prospera en la costa occidental.
Cuando se anuncia el Pritzker, se le comunica tambien que el diseño reciente de su firma para un nuevo Capitolio del Estado de Alaska gana el primer premio en un concurso internacional de diseño.
Morphosis es el concepto griego de forma o estar en formación, siendo una estructura dinámica que evoluciona respondiendo a las condiciones sociales, culturales, políticas y tecnológicas mutantes de la vida moderna.
Sus proyectos a lo largo de las décadas, hasta hoy en día, incluyen todo tipo de edificios, realizados en diferentes países, desde residenciales hasta institucionales, o grandes proyectos de planificación urbana.
1976 Morphosis se hace más sólido, con la incorporación de Michael Rotondi (1949), que abandona en 1991 el estudio para fundar RoTo Architects.
Morphosis se amplía hasta convertirse en un punto de referencia para la cultura arquitectónica, no sólo californiana. Algunas de sus proyectos de los ochenta tienen un notable impacto en la crítica y encuentran una ulterior consagración en 1988, en la exposición Deconstructivist Architecture del MoMA de Nueva York, donde están expuestas. Uno de los pilares de su filosofía es el enfoque experimental del proyecto. La zona de Los Ángeles donde inicialmente emplazan el estudio es multiforme, compleja, inestable, incluso a nivel tectónico y paisajístico.
De hecho, Morphosis afronta cada proyecto con singularidad con sus características ambientales y especificidades, con el convencimiento de no poder aplicar siempre identicos principios a todos los lugares y épocas. Surgen de esta manera una serie de viviendas y célebres restaurantes californianos. Entre los edificios residenciales cabe destacar Casa México II en Baja (1978), las casas 2-4-6-8 (1978) y casa Lawrence en Santa Mónica (1981); entre los restaurantes, el 72 Market Street en Venice (1983), el Angeli en Los Ángeles (1984), el Kate Mantilini en Beverly Hills (1986). En sus obras, Morphosis intenta absorber el espíritu histórico del lugar.
Destaca entre sus últimas obras el Graduate Students Housing para la University of Toronto (2000); el gran complejo escolar de la Diamond Ranch High School en Pomona, California (1994-1999); el Hypo Alpe-Adria Center en Klagenfurt, Austria (2002)» (Treccani) y la Dr. Theodore Alexander Science Center School en Los Ángeles (2004); el San Francisco Federal Building (2007); la sede directiva del Giant Interactive Group en Shangai (2010); el Perot Museum of Nature and Science, Dallas (2012), y el Emerson College Los Angeles Center (2014).
Hoy Morphosis tiene una plantilla de 60 profesionales y una gran producción de proyectos en todo el mundo.
Mayne dice
Estoy dispuesto a abandonar la realización de un proyecto, pero no renuncio a desarrollar el concepto (…) En varios proyectos recientes he emprendido un camino diferente [del cliente] sin sufrir ninguna sensación de pérdida”.
Destacan entre sus proyectos:
Beirut New Embassy Campus, Beirut (Libano), 2023 (previsto) – 8850 Sunset Boulevard, West Hollywood (USA), 2021-2023 (previsto) – United States Land Port of Entry, Alexandria Bay (USA), 2022 (previsto) – Orange County Museum of Art, Costa Mesa, California (USA), 2021 – Vialia Estación, Vigo (Spagna), 2021 – Hanking Center Tower, Shenzhen (Cina), 2020 – Kolon One & Only Tower, Seoul (Corea del Sud), 2018 – Bloomberg Center – Cornell University, New York (USA), 2017 – 7132 Hotel, Entry Canopy – House of Architects, Morphosis Hotel Rooms, Vals (Svizzera), 2016 – Taubman Complex, Lawrence Technological University, Southfield (USA), 2016 – Bill & Melinda Gates Hall, Campus Rd, Ithaca, New York (USA), 2014 – Emerson College Los Angeles Center, Los Angeles (USA), 2014 – Perot Museum of Nature and Science, Dallas (USA), 2012 – Clyde Frazier’s Wine and Dine, New York (USA), 2012 – Giant Interactive Group Headquarters, Shangai (Cina), 2010 – 41 Cooper Square, New York (USA), 2009 – Cahill Center for Astronomy and Astrophysics – California Institute of Technology, Pasadena (USA), 2008 – San Francisco Federal Building, San Francisco (USA), 2007 – Wayne Lyman Morse United States Courthouse, Eugene (USA), 2006 – Hypo Alpe Adria Bank Spa, Tavagnacco, Udine (Italia), 2006 – Campus Recreation Center – University of Cincinnati, Cincinnati (USA), 2005 – Caltrans District 7 Headquarters, Los Angeles (USA), 2005 – Hypo Alpe-Adria Center, Klagenfurt (Austria), 2002 – Residenza studentesca Campus St. George – Università di Toronto (Canada), 2001 – Diamond Ranch High School, Pomona (USA), 1999 – Sun Tower, Seul (Corea), 1997 – 6th Street Residence, Santa Monica (USA), 1997 – Edificio per uffici Salick Healthcare, Los Angeles (USA), 1991 – Crawford Residence, Montecito (USA), 1990 – Leon Max Showroom, Los Angeles (USA), 1988 – Club discoteca Post Nuclear, Laguna Beach (USA), 1987 – Cedar Sinai Comprehensive Cancer Center, Los Angeles, (USA), 1987 – Ristoranti: 72 Market Street, Venice, California, 1983; Angeli, Los Angeles, 1984; Kate Mantilini, Beverly Hills (USA), 1986 – Casa III, Venice, California (USA), 1982 – Ampliacion casa Sedlak, Santa Monica (USA), 1980
Trabaja siempre a partir del desarrollo de un tema y sus modulaciones, pudiendo sobrevenir simultáneamente un segundo y tercer tema, que sucesivamente se va enredando y así hasta el infinito.
De hecho, no hay principio ni fin, sino un desarrollo constante, cuya complejidad se estructura mediante encabalgamientos.
Su lenguaje es muy elaborado, denso, cromático y de gran tensión.
No hay cambio en esa concepción del lenguaje desde las primeras obras, salvo en el progresivo dominio del control del desarrollo, que se hace al azar.
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El no perder el control, es lo que hace que su estrategia creativa sea coherente.
El polo feroz es la acción, la liberación incontrolada de energía a la que sigue a duras penas un yo que puede ser arrastrado por vertiginosas fuerzas.
La elocuencia del gesto, la acción es automática y tan depredadora que vacía por completo el yo.
La acción es alocada y enloquecedora. Es orgiástica, caótica, disolvente.
La creación artística es polémica, un vaivén polar entre la acción y la formación.
El arte contemporáneo, extrema estos dos polos hasta el punto de que ya no sabemos ni lo que es, sino solo por donde va, si acaso.
El arte contemporáneo se ha polarizado demasiado.
El problema del artista contemporáneo es sobrevivir a su polarización, como mantener el equilibrio, su identidad, en medio de una tensión tan extrema.
Como administrar la energía salvaje liberada.
Esa lucha desesperada tiene su fabula en como ser lobo feroz y sobrevivir en el intento.
Jackson Pollock es el ultimo lobo feroz de la historia de vanguardia, se estrella no sin antes consumir la mucha energía almacenada.
Acontece una noche de 1956 cuando el pintor borracho, conduce a velocidad y se sale de la carretera, tropezando el coche contra una piedra y proyectándose el mismo contra un árbol.
¿Quién a partir de ahora temerá al Pollock Feroz?
Una de las acompañantes fallece en el acto.
Luis Gordillo cuya carrera se inicia a mitad de los 50, siempre le preocupa el Pollock que lleva dentro.
En el cuadro se identifica al lobo, su osamenta con la retícula que encierra todo el espacio.
La estructura tentacular se convierte en un meandro fosilizado, un azul cobalto reducido con blanco, raro en Gordillo que siempre pinta en verdes.
La gama de azules grisáceos esta con anterioridad en su obra.
Pollock no deja de estar ahí fosilizado, en estado de hibernación y en lo que tiene de maniaco o más feroz, la ansiedad y el horror vacui.
El efecto de reproducción o de multiplicación incontrolada, acción o pasión, es un elemento característico de Gordillo.
En la composición no hay primer plano ni fondo.
De las cosas mas interesantes de Luis Gordillo es su capacidad de generar equívocos y de su poder de transmitir la sensación y hasta el sentimiento de lo equivoco
Paulo Méndez da Rocha pasa su infancia entre la ciudad de Vitória, capital del puerto de Espíritu Santo donde nace en octubre de 1928 en la casa de sus abuelos maternos, y la isla de Paquetá, en medio de la Bahía de Guanabara en Río de Janeiro, la capital del país, donde el familia Méndez da Rocha vive.
1940 la familia del arquitecto se traslada a la ciudad de Sao Paulo, donde su padre Paulo Menezes Méndez da Rocha es designado Presidente de los medios navales y del puerto de la Escuela Politécnica de la Universidad de Sao Paulo, que dirige desde 1943-1947.
1950 inicia su carrera en São Paulo, como miembro de la vanguardia brutalista paulista.
Museos de carruajes de Lisboa
1954 se licencia en la Escuela de Arquitectura Mackenzie de Sao Paulo
Museos de carruajes de Lisboa
1955 abre su despacho.
1957 gana un concurso nacional de proyectos para la construcción del gimnasio, Club Atlético Paulistano.
Gimnasio, Club Atlético Paulistano.
Este trabajo le trae el reconocimiento público y también ganó el Gran Premio de la Presidencia de la República en la 6ª Bienal de Sao Paulo en 1961.
1968, el arquitecto gana el concurso para el pabellón brasileño en Osaka Expo 70 y viajó a esa ciudad para seguir el desarrollo de la construcción en 1969. Enseña en la Universidad de São Paulo y es presidente del Instituto Brasileño de Arquitectos.
Recibe numerosos premios, incluido Mies van der Rohe de Arquitectura Latinoamericana (2000) que lo proyecta internacionalmente.
El Pritzker 2006 rinde homenaje a la respetuosa renovación por parte del arquitecto de la Pinacoteca do Estado, el museo de bellas artes más antiguo de Sao Paulo.
Uno de los arquitectos más atrevidos del siglo XX, trabaja en el ámbito público, creando formas de hormigón y acero muy originales.
Para el pabellón brasileño en la Expo ’70 en Osaka, Japón, equilibra un edificio en un solo punto del terreno.
1971 queda finalista en el concurso de diseño del Centro George Pompidou de París.
Destacan Museo de Arte Contemporáneo (1975) de la Universidad de São Paulo, la sala de exposición Forma Furniture (1987) en São Paulo y el Museo Brasileño de Escultura (1987-1992).
Los proyectos recientes incluyen un plan maestro para la Universidad de Vigo en Galicia, España, y el Boulevard des Sports en París, un complejo destinado a recibir los Juegos Olímpicos de 2008.
En el imaginativo espíritu modernista que marca sus edificios, Mendes da Rocha diseña el Sillón Paulistano (1957) para formar parte de los salones del Athletic Club de São Paulo.
Fabricada doblando una sola barra de acero y colocando un asiento y respaldo de cuero, la elegante silla tipo honda supera los límites de la forma estructural, pero sigue siendo completamente cómoda y funcional.
2006, Mendes da Rocha recibió el Premio Pritzker de Arquitectura.
El jurado destaca su profunda comprensión de la poética del espacio y una arquitectura de profundo compromiso social.
Nace en Barcelona en 1923 en el seno de una familia de clase media, es uno de los artistas españoles de mayor relevancia y proyección internacional de la segunda mitad del XX.
Generacionalmente le tocan tiempos adversos y el que triunfara supone un mérito.
Antes de la adolescencia tiene que vivir la guerra civil y luego una interminable posguerra que con toda clase de miserias tiene un bloqueo y un total aislamiento del país hasta inicios de los 50.
También su delicada salud, tiene que superar una tuberculosis que lo tiene postrado el 42 y el 43.
Se afirma en su vocación artística y abandona sus estudios de Derecho y orientarse a la vanguardia, algo inconcebible durante la segunda década de los 40.
Conecta con otros jóvenes de similares inquietudes y con ellos funda el Dau al Set, que es una plataforma de renovación de la posguerra, al convertirse en reflejo del anhelo cosmopolita en un país aislado, y por otro por la voluntad de recuperar la memoria inmediata y la censurada memoria histórica.
Al comprobar los colaboradores está Arnau Puig, Joan Brossa, Tarrats, Foix, Cirlot, Santos Torroella, Sebastian Gasch, Gaya Nuño, Tomas Seral, Antonio Saura, Ricardo Gullon etc.
Uno de sus colaboradores es Tapies, que lo rememora en su autobiografía Memoria personal.
En este libro traza un valioso panorama de las circunstancias de esos primeros años, vividos a través de la mirada de un joven pintor con inquietudes que esta tratando de labrarse una formación intelectual en medio de una cultura oficial chabacana y de una información censurada.
Gracias al inventario de sus recuerdos, nos enteramos de su conexión con los grupos artísticos que se organizan, como Els Vuits, con los que expone en los Blaus de Sarria y con los colaboradores de la revista Ariel.
Nos enteramos de su redescubrimiento de las grandes figuras de vanguardia histórica como Picasso o Miro, mirados entonces con despectivo recelo por las instancias oficiales del franquismo.
De los libros hallados y sobre todo del contacto con figuras singulares como Joan Brossa, el también poeta J.V. Foix o Joan Prats.
Retrata su fascinación por Klee, Kurt Schwiners, Marcel Dushamp etc.
Todo eso fue un chorro de nuevas ideas que se ponían en marcha dentro de mi, aunque con mucho retraso, debido a los años de cerrazón de nuestro país.
Si hubiéramos vivido una situación normal tal vez las habríamos asimilado antes y con resultados más positivos.
Tanto el patrioterismo como el falso orgullo que pretendía el franquismo, nos había hecho progresar y nos había dado artistas que triunfaban por el mundo, pero olvidaba que nada se podía hacer sin el entroncamiento con las generaciones republicanas de antes de la guerra y las influencias que nos llegaban del extranjero.
Esta conclusión de Tapies sintetiza las dos preocupaciones de los artistas que entonces buscan intuitivamente una salida al cerco impuesto.
Por un lado la recuperación de la memoria histórica, yugulada por la guerra civil y la posterior represión.
Por otro el ansia cosmopolita más acentuada.
Estas mismas inquietudes se reproducen en todo el país en 1947-1948, en a la aparición del grupo Dau al Set, se suma la fundación del Grupo Portico en Zaragoza y el de la Escuela de Altamira en Santander.
Es el momento de arranque Eusebio Sempere, Millares o Saura.
Si bien la obra primera de Tapies, que la produce en la segunda mitad de los 40 y comienzo de los 50 refleja las circunstancias y las inquietudes de ese momento en España, cuya reanimación artística tiene en el unos de los primeros protagonistas, dicha obra no se puede circunscribir en ningún sentido a nuestro país.
1950 su etapa en París a partir de la que se relaciona con el informalismo francés y con la vanguardia internacional, es decisiva para madurar su propio lenguaje y ampliar su horizonte estético.
1953 abandona la figuración mágico surrealista y a partir de entonces emprende una trayectoria personal que pronto lo convierte en uno de los periodistas europeos mas relevantes de la segunda mitad del siglo XX.
Tapies supera los postulados de la Abstracción francesa, demostrando así una ambición distinta y mayor que la de la mayoría de los representantes de esa corriente.
Lo mas importante es la influencia del crítico francés Michel Tapie, autor de un ensayo de gran calado Un art autre (1952) que lo que por entonces hacen los pintores franceses.
La filosofía del existencialismo también le influye mucho, así como la fascinación por el pensamiento y la cultura oriental.
A mitad de los 50 ya se decanta por el uso personal de la materia, que despierta merecida atención internacional con numerosos premios.
Su estilo madura a los largo de los 50 y se corresponde con el informalismo matérico, que le lleva a experimentar con polvo de mármol, arenas coloreadas, resinas, etc.
Sobre eso despliega sus símbolos como la cruz que coincide con la letra inicial de su apellido y una forma de incidir sobre la materia.
Hay más economía de medios más interesante y eficaz en comparación con un tiempo antes.
Por otro lado su obra remite a la tradición artística desde Ribera a Miro, con todas las connotaciones que implica esta tradición, la muy peculiar sensibilidad mística de los escritores del XVI.
Pero por otro apunta al arte contemporáneo de la vanguardia internacional de aquellos años, cuyo interés no se circunscribe en Tapies solo al informalismo y al expresionismo abstracto, sino que los cuadros indican también una asimilación del espacialismo, del llamado arte de ensamblaje y de otros interesantes caminos frecuentados por el dadaísmo.
Esta ambición y riqueza de registros que demuestra Tapies en la década de los 50 no deja de acrecentarse en años posteriores, como lo muestra su sintonía con el arte povera y con Joseph Beuys a lo largo de los 60 cuando experimenta en tres dimensiones.
1980 en esta década vuelve al plano, pero lo hace con originalidad empleando grandes formatos, un usovirtuosos de los barnices y ciertos elementos figurativos eróticos.
Activo hasta el final de su vida es imposible hacer un balance de lo que aporta artísticamente.
1990 inaugura en Barcelona su fundación en el histórico edificio de la editorial Montaner i Simón obra del arquitecto modernista, Luis Domenech.
La fundación la dota de su biblioteca y su obra personal.
Es concebida no solo como un santuario personal sino como plataforma de exhibición del arte de vanguardia de las sucesivas generaciones emergentes, con lo que es un centro muy dinámico.
British architect Lord Richard Rogers (R) attends next to Mayor of Paris 12th district Michele Blumenthal (L) a press conference on June 23, 2010 in Paris, to present a new architectural urban area operation in the Paris Bercy-Charenton southeastern districts. AFP PHOTO / FRANCOIS GUILLOT (Photo credit should read FRANCOIS GUILLOT/AFP/Getty Images)
Es más conocido por edificios pioneros como el Centro Pompidou en París, la sede de Lloyd’s de Londres, el Tribunal Europeo de Derechos Humanos en Estrasburgo y el Millennium Dome en Londres.
1977 funda su atelier, Richard Rogers Partnership (RRP).
Macallan Distillery for RSH-P
Tiene oficinas en Londres, Barcelona, Madrid y Tokio.
RRP diseña dos proyectos aeroportuarios importantes: la Terminal 5 en el aeropuerto de Heathrow de Londres y la Terminal New Area en el aeropuerto de Madrid Barajas, así como proyectos de oficinas en Londres, un nuevo complejo judicial en Amberes, la Asamblea Nacional de Gales en Cardiff y un Hotel y Centro de Conferencias en Barcelona.
Su despacho también tiene una gran experiencia en planificación urbana con intervenciones importantes en Londres, Lisboa, Berlín, Nueva York y Seúl.
The Leadenhall Building, London.
Nace en Florencia, Italia, el 23 de julio de 1933.
1996 es nombrado Lord Rogers of Riverside
2007 es elegido Pritzker Architecture 2007.
Su historia bien podría ser el tema de una excelente película biográfica, y ya está en forma de libro escrito por Bryan Appleyard y publicado por Faber & Faber.
Su trayectoria arquitectónica está el trabajo es de Kenneth Powell en tres volúmenes publicados por Phaidon.
En el momento del nacimiento de Richard Rogers, su padre, William Nino Rogers, es estudiante de medicina.
Este último es nieto de un dentista inglés afincado en Italia.
La madre de Richard es de Trieste.
Su padre había estudiado arquitectura e ingeniería, pero había abandonado la práctica en favor de un puesto ejecutivo en una compañía de seguros.
Un primo del padre de Richard, Ernesto Rogers, es uno de los arquitectos más destacados de Italia y editor colaborador de Domus y Casabella, las principales revistas de arquitectura de ese país.
La madre de Richard tiene un gran interés en el diseño moderno y alenta el interés de su hijo por las artes visuales.
Esta educación se muestra cuando Rogers es presidente de la Tate Gallery y vicepresidente del Consejo de las Artes de Gran Bretaña.
También es fideicomiso del MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York).
1928 con la Primera Guerra Mundial, los Rogers vuelven a Inglaterra, donde Richard pronto ingresa en la escuela pública, pero sus notas son bajas porque es disléxico no diagnosticado hasta muchos años después.
1951 cuando termina la secundaria, su familia lo dirige hacia odontología, pero la falta de calificaciones termina con esa posibilidad.
1951 tiene lugar el Festival de Gran Bretaña y trae la primera arquitectura moderna.
Los edificios efimeros a lo largo de South Bank despiertan interés en Richard Rogers, pero el Servicio Nacional es lo único en su futuro durante los próximos dos años.
Pero antes de eso, hace un viaje a dedo a Venecia con uno de sus amigos de la escuela.
Su amigo provoca un escándalo que termina en arresto.
Sus parientes en Italia facilitan la liberación y es eximido de cualquier cargo.
Pero esa es solo una de las muchas aventuras en Italia en su época de estudiante.
Cuando termina su servicio militar, con algo de ese tiempo pasado en Trieste y conociendo a Ernesto y su trabajo, asiste a la Architectural Association, o AA como se le conoce popularmente.
1959, gana el premio del proyecto fin de carrera.
1960, se casa con Susan (Su) Brumwell, hija de Marcus y Rene Brumwell.
Su padre es el jefe de la Unidad de Investigación de Diseño (DRU), que se crea en 1943.
DRU es el núcleo del Festival de Gran Bretaña.
1961, el joven matrimonio se va a Estados Unidos, donde Richard cursa un Master en arquitectura en Yale con una beca Fulbright, y su esposa, Su, estudia planificación urbana.
Su primer hogar en los Estados Unidos es con unos amigos de los padres de Su, el escultor Naum Gabo y su esposa.
El director de la escuela de arquitectura de Yale es Paul Rudolph, y uno de los compañeros de estudios de Richard es Norman Foster.
El difunto James Stirling también es uno de sus maestros.
Es en Yale donde Rogers se interesa por las obras de Frank Lloyd Wright.
Wright fue mi primer dios.
Mientras están en Estados Unidos, Rogers, Su, Foster y otro estudiante estadounidense hacen varios viajes por el continente para ver la mayor cantidad posible de edificios de Wright, y también una serie de otras obras, incluidos Mies van der Rohe y Louis Kahn.
Cuando terminan en Yale, un viaje a California constituye en trabajo en Skidmore, Owings & Merrill (SOM) y visitas a obras de Rudolph Schindler, Pierre Koenig, Craig Ellwood, Raphael Soriano y Charles y Ray Eames.
Cuando regresan a Inglaterra, Foster y Rogers con su esposa Su y Wendy Cheeseman forman el Equipo 4.
Su primer encargo importante es Creek Vean, un hogar para los padres de Su.
Otro encargo importante es la Fábrica de Electrónica de Controles de Reliance en Swindon.
1967 poco después, Team 4 desaparece y Rogers y Foster forman cada uno sus propias empresas.
1967-1969 hay dos nuevos encargos importantes, Spender House y Rogers House (para los padres de Richard en Wimbledon), ambos son considerados como prototipos que Rogers denomina Zip-Up House.
1971, el trabajo de Rogers es en la extensión de la azotea de un edificio de fábrica para DRU, y tiene un nuevo socio, Renzo Piano, y pronto el atelier tiene un nuevo nombre, Piano + Rogers.
1971 consigue el proyecto del Centro Pompidou que supone 6 años trabajando en París pero que les promociona mundialmente a ambos.
1978, se separan Piano y Rogers.
El edificio Lloyd’s of London es su primer encargo y ya es un arquitecto con nombre no solo en Inglaterra sino en el resto del mundo.
Tiene el Praemium Imperiale en 2000, la Medalla de la Fundación Memorial Thomas Jefferson en 1999, el Premio Memorial Arnold W. Brunner de la Academia Estadounidense e Instituto de Artes y Letras en 1989, la Medalla Real de Oro de Arquitectura en 1985.
1995, Rogers es el primer arquitecto invitado a dar las BBC Reith Lectures, una serie titulada Ciudades para un planeta pequeño
La vida humana siempre ha dependido de las tres variables de población, recursos y medio ambiente.
Pero hoy, quizás somos la primera generación en enfrentar el impacto simultáneo de la expansión de la población, el agotamiento de los recursos y la erosión del medio ambiente.
Todo esto es de conocimiento común y, sin embargo, increíblemente, la expansión industrial continúa independientemente.
Otras sociedades se han enfrentado a la extinción, algunas, como los Isleños de Pascua del Pacífico, la civilización Harappa del Valle del Indo, la Teotihuacan en la América precolombina, debido a desastres ecológicos de su propia creación.
Históricamente, las sociedades que no pudieron resolver sus crisis ambientales han migrado o se han extinguido.
La diferencia fundamental hoy en día es que la escala de nuestra crisis ya no es regional sino global: involucra a toda la humanidad y al planeta entero.
… las ciudades son donde la vida a menudo es más precaria, también es donde tenemos la mayor oportunidad tangible de mejora, intervención y cambio.
1998, es nombrado por el Viceprimer Ministro para presidir el Grupo de Trabajo Urbano del Gobierno del Reino Unido.
Es el asesor principal del alcalde de Londres sobre arquitectura y urbanismo.
Recientemente es nombrado presidente del Grupo Asesor de Diseño para Londres de la Autoridad del Gran Londres.
Las ciudades del futuro ya no estarán divididas en zonas como hoy en guetos aislados de una sola actividad; más bien se parecerán a las ciudades más ricas del pasado.
La vida, el trabajo, las compras, el aprendizaje y el ocio se superpondrán y se alojarán en estructuras continuas, variadas y cambiantes.
Rogers está casado con Ruth Elias de Woodstock, Nueva York y Providence, Rhode Island.
Tienen dos hijos, Roo, 32 y Bo, 24.
Rogers tiene tres hijos de su matrimonio anterior con Su: Ben, 43; Zad, 42; y Ab, 38.
Las obras más amargas dedicadas al exilio, las realiza cuando por fin puede regresar a España, que está en un proceso de transición a la democracia.
Esperanza y desesperanza de Ángel Ganivet
Pinta entonces series terribles dedicadas a José María Blanco White y Ángel Ganivet, exiliados españoles sin retorno.
El porque de esta actitud quizás es por el momento que vive personalmente, su inadaptación y la frialdad con que es recibido, se siente como un extraño.
El regreso del exiliado es siempre un incordio, a nadie le gusta la vuelta de un fantasma, porque a nadie le gusta revivir el pasado, que es como vivir a destiempo.
Arroyo vuelve a España y cuelga entre 1976-1977 sus cuadros en las prestigiosas galerías Maeght y Juana Mordó.
1976 con la Bienal de Venecia, se dedica el pabellón con obra de Arroyo a una monografía de después de la Guerra Civil (España vanguardia artística y realidad social), se producen enfrentamientos polémicos.
Pero el iluso exiliado que ha hecho una visita oficial clandestinamente a Valencia y expulsado por la policía a la frontera, esta convencido que ha hecho también amigos en el interior del país.
Pero cuando realiza su primera exposición en Madrid, en su ciudad natal, tras casi 20 años, esta mas solo que la una, no hay ni nota de prensa…
Es entonces cuando comprende lo que supone el exilio y sobre todo que no hay retorno para un exiliado.
Toma conciencia de si mismo como fantasma y comienza a pintar fantasmas.
El que se quita la vida/ tiene en su pecho una herida
Son versos de Ángel Ganivet en Escultor de su alma
Debe tener una herida en su pecho Angel Ganivet, nacido en Granada el 13 de diciembre de 1865 y fallecido en Riga el 29 de noviembre de 1898, cuando le faltan pocos días para cumplir los 33, con los que Jesucristo es crucificado.
Una edad testimonial, bien dispuesta para el sacrificio, porque se arroja sobre las heladas aguas del rio Dvina.
Antes los médicos le advierten de una parálisis progresiva, seguramente debida a la sifilis.
Habría que preguntarse por el interés de Eduardo Arroyo por Ángel Ganivet, al que dedica entre 1977-1979 toda una serie de pinturas que expone en la Galeria Flicker de Paris con el titulo De l´exil ou le suicide dans la Dvina.
Si se recuerda otra serie que hace sobre José María Blanco White, se pueden encontrar analogías, ya que ambos escritores exiliados mueren fuera de su país y se quedan paralíticos, petrificados.
Ambos son andaluces, obsesionados por las creencias o descreencias religiosas, pero ambos están atrapados en su identidad española, que les pesa como una losa.
¿Qué es lo que le interesa de estas dos historias?
En las dos series que pinta hay ausencia de cuerpos, lo que nos lleva a pensar que son fantasmas, criaturas del exilio que al salir de casa los ha dejado fuera de sitio y de tiempo, criaturas utópicas y anacrónicas…se pinta a si mismo.
En Ángel Ganivet se arroja al Dvina, unos espectadores se entretienen mirando como los celadores del acuario tiran comida a los peces.
El acuario tiene forma circular que se asemeja a un ruedo ibérico.
De hecho, hay una barrera pintada con un circulo solar y en medio de la barandilla se apoya la efigie del Tío Pepe publicitado como el sol de Andalucía embotellado.
Las aguas estancadas están atravesadas por estrías de hielo, que parecen atrapar las piernas de quien ha caido, como inmortalizando a una estatua de piedra, extrañamente patas arriba.
El guardian mira distraído al tendido, no reparando en nada raro y solo cabe apreciar una ligera conmoción en alguno de los espectadores tras la barrera.
Ahí quedan los pies y el dobladillo con el que se rematan los pantalones, unos calcetines y unos zapatos con suela agujereada, debajo de lo cual se adivinan unas piernas blancas.
Los zapatos cobran importancia en la serie que pinta de Ganivet, hasta el punto de convertirse en su imagen emblemática.
Son botas usadas, con dos agujeros en las plantas, que se pueden ver gracias a que el dueño se tira de cabeza.
Los emigrantes y los exiliados viven patas arriba, en las antípodas y cuidan con esmero sus botas.
Las botas y los zapatos están asociados a la toma de tierra, al viaje, a la muerte, el paisaje cotidiano del exiliado que viaja en busca de la tierra perdida prometida y la encuentra en la muerte.
Toda esta aproximación melancólica a través de unas botas, una verdad a ras de tierra tiene en la presentación de Arroyo un sentido fatalista.
Cuando esta a punto de volver, el exiliado decide plantarse en la tierra prometida, enterrando todo lo que es menos su fruto, los zapatos agujereados que lo han convertido en un ser errante.
Alzando los pesados pies con zapatos burdos dice unos versos de T.S. Eliot en East Coker.
La crítica me ha definido como un arquitecto conceptual, es decir, uno que trabaja más con palabras que con dibujos.
100 11th Avenue, New York | Ateliers Jean Nouvel, 2012-18
Desconfío de los dibujos porque arreglan las cosas demasiado pronto en el proceso creativo, mientras que las palabras liberan.
One Central Park, Sydney | Ateliers Jean Nouvel, 2008-14
Creo que el arquitecto es un hombre que dice algo.
One New Change, London | Ateliers Jean Nouvel, 2003-10
Nouvel nace en Fumel, en el suroeste de Francia, en 1945, hijo de Roger Nouvel, un profesor de historia que se convierte en inspector de enseñanza, y de Renée Nouvel, profesora de inglés de secundaria.
Fondazione Alda Fendi, Rome | Ateliers Jean Nouvel, 2012-18
Los deberes de su padre en la administración requieren que se desplacen con frecuencia, y cuando Jean cuenta ocho años, se mudan a Sarlat, un lugar que Nouvel describe como ciudad medieval con mucha arquitectura.
Renaissance Barcelona Fira Hotel, L’Hospitalet de Llobregat | Ateliers Jean Nouvel, 2005-12
En esos años, confiesa que suele escaparse para ver cine, influencia que cobra importancia con posterioridad.
European Patents Office, The Hague | Ateliers Jean Nouvel, 2012-18
Con 16 años cuando uno de sus profesores le enseña a dibujar es realmente cuando se introduce en las artes.
Ycone, Lyon | Ateliers Jean Nouvel, 2012-19
Hasta ese momento, sus padres ponen gran énfasis en las matemáticas y los idiomas.
Louvre-abu-dhabi (1)
Siente que lo están guiando hacia una carrera en educación o ingeniería.
Torre-agbar (1)
Cuando les dice que le gustaría asistir a la escuela de Bellas Artes, se oponen.
Arquitectura imprevisible
Llega a un compromiso de que estudia arquitectura porque ser artista es demasiado arriesgado.
Jean Nouvel desvela los detalles de su nuevo resort en el desierto de AlUla
Aunque falla en un examen de ingreso a una escuela en Burdeos, cuando tiene 20 años, va a París y consigue ser el mejor de todos en el ingreso a la facultad.
Para ganar dinero mientras va a la escuela, trabaja en el despacho de arquitectura de Claude Parent y Paul Virilio.
Después de estar con ellos durante un año, es nombrado director de proyecto de un complejo de apartamentos de ochenta unidades.
Con 25 años, finalizado los estudios tiene despacho propio en sociedad con François Seigneur.
Nouvel atribuye a Parent la tarea de guiar a su incipiente oficina, y quizás más importante aún, recomendarlo para el puesto de director de la Bienal de París, lo que le permitió a Nouvel diseñar exposiciones durante unos quince años y hacer muchos contactos en el arte y el teatro.
1972-1984, Nouvel se asocia sucesivamente con Gilbert Lezenes, Jean-Francois Guyot y Pierre Soria.
Reconstrucción de la ciudad de Matarazzo
1985, funda simultáneamente Jean Nouvel et Associés con tres de sus arquitectos de proyectos junior: Emmanuel Blamont, Jean-Marc Ibos y Mirto Vitart.
Museo Nacional de Qatar
1988, se forma con Emmanuel Cattani, JNEC.
Louvre Abu Dhabi
1994, crea su actual firma, Ateliers Jean Nouvel, con Michel Pélissié.
Su oficina principal en París cuenta hoy con unas 140 personas, uno de los estudios arquitectónicos más grandes de Francia.
Torre Agbar, Barcelona
Además, Ateliers Jean Nouvel tiene oficinas en Londres, Copenhague, Nueva York, Roma, Madrid y Barcelona.
Instituto del Mundo Árabe, París, 1987
Cuentan con más de 40 proyectos activos en 13 países.
La firma ha construye museos, salas de conciertos, centros de conferencias, teatros, hoteles, viviendas colectivas, edificios de oficinas, centros comerciales y residencias privadas en todo el mundo.
Jean Nouvel tiene dos hijos con Odile Fillion, que es cineasta.
Bertrand, su primogénito en 1979, se encuentra actualmente realizando su trabajo de posdoctorado en informática en la Universidad de Chiba en Japón.
Pierre, que nace en 1981, es director, productor y diseñador de teatro en Factoid, su propia compañía.
También tiene una hija, Sarah, nacida en 1994 de su segunda esposa, Catherine Richard.
Actualmente vive con la arquitecta sueca Mia Hagg, cuyo despacho Habiter Autrement (HA) esta en París…
De las muchas frases que podrían usarse para describir la carrera del arquitecto Jean Nouvel, las más importantes son las que enfatizan su valiente búsqueda de nuevas ideas y su desafío de las normas aceptadas para ampliar los límites del campo.
Durante más de 30 años, Jean Nouvel lleva el discurso y la praxis de la arquitectura a nuevos límites.
Su mente inquisitiva y ágil lo impulsa a asumir riesgos en cada uno de sus proyectos, que, independientemente de los diversos grados de éxito, han ampliado enormemente el vocabulario de la arquitectura contemporánea.
1970 desde que se inicia en París, Nouvel se motiva, así como quienes lo rodean, a considerar nuevos enfoques para los problemas arquitectónicos convencionales.
No le interesa un enfoque unificado o tipologías aceptadas.
Le gustan las rupturas de escala y forma que mueven al espectador de una sensibilidad estética a otra.
Me alegro si un proyecto puede ser diez mil proyectos simultáneamente
La manipulación de la luz y de las capas de transparencia y opacidad son temas recurrentes en la obra de Nouvel.
1987 su Institut du Monde Arabe (Instituto del Mundo Árabe), es diseñado con lentes de metal ajustables incrustados en la fachada de vidrio orientada al sur para controlar la luz en el interior, un toque moderno en la celosía árabe tradicional.
1989 su Tour Sans Fins(Endless Tower) es seleccionada como la propuesta ganadora de un concurso para construir un rascacielos en La Defense, zona cerca de Paris.
Más importante que la altura de la estructura propuesta de 400 metros de altura, que en ese momento pretende ser la torre más alta de Europa, es la piel del edificio, que cambia de materiales a medida que se eleva.
De granito pasa a aluminio, de acero inoxidable a vidrio.
Haciéndose cada vez más diáfano antes de desaparecer en el cielo.
2000 aquí, como en el KKL Luzern (Centro Cultural y de Conferencias) de 2000 en Lucerna y la Fondation Cartier pour l’art Contemporain (Fundación Cartier de Arte Contemporáneo) de 1994 en París, la desmaterialización se hace palpable.
Jean-Nouvel-fondation-cartier
Para Nouvel, en arquitectura no hay estilo a priori.
Más bien, el contexto, interpretado en el sentido más amplio para incluir cultura, ubicación, programa y cliente, lo incita a desarrollar una estrategia diferente para cada proyecto.
2006 El Teatro Guthrie en Minneapolis, Minnesota, se fusiona y contrasta con su entorno.
Guthrie Theater, Minneapolis | Ateliers Jean Nouvel, 2001-06
Responde a la ciudad y al cercano río Mississippi pero también es una expresión de la teatralidad y el mundo mágico del espectáculo.
En su reciente Musée du Quai Branly (Museo Quai Branly) para la importante colección de arte indígena de África, Oceanía, Asia y las Américas de París, Nouvel diseña un edificio atrevido y poco ortodoxo con espacios inusuales en los que los objetos se muestran y se comprenden con nuevas formas.
Muchos de los materiales utilizados en los interiores, incluidas las decoraciones de paredes y techos de artistas nativos, evocan los países de origen.
Nosotros, como jurado, reconocemos que la arquitectura es un campo de muchos desafíos y complejidades y que la carrera de un arquitecto no siempre sigue un camino lineal.
En el caso de Jean Nouvel, admiramos especialmente el espíritu del viaje: persistencia, imaginación, exuberancia y, sobre todo, un impulso insaciable de experimentación creativa, cualidades que abundan en la obra del Premio Pritzker de Arquitectura 2008.
Lord Palumbo (Presidente) Shigeru Ban Rolf Fehlbaum Carlos Jimenez Victoria Newhouse Renzo Piano Karen Stein Martha Thorne (Directora ejecutiva)
La obra de este artista es tratada como un caso aparte, por mas que se quiera hablar de un realismo madrileño.
Cuando se trata de averiguar que hay detrás de esta etiqueta, donde no hay programa estético o propósito artístico, se vislumbra que no hay otro vínculo de unión de sus miembros que la coincidencia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, que les lleva a tener amistad a principios de los 50 a Antonio López García, Francisco y Julio López Hernández, María Moreno e Isabel Quintanilla a los que se añaden Amalia Ávila, Lucio Muñoz y Enrique Gran.
Por mas que los dos últimos hayan realizado su obra al margen del realismo.
Hoy cuando todos gozan de prestigio es difícil atribuir un rasgo común más allá que la convergencia existencial.
Pese a lo temprana vocación artística y a las actitudes demostradas a su paso por BBAA, la trayectoria artística de Antonio López se encuentra accidentada y llena de dramatismo por su actitud de duda que lo atosiga.
En los 50 cuando comienza su andadura el panorama artístico español es confuso e intenso a la vez.
Esta Dau al Set o la Escuela Altamira, los Indalianos, Parpallo quizás haya que retroceder atrás, cuando el ambiente del país está aislado.
Hay una primera Bienal de Arte Hispanoamericana en 1951 o la Exposición de Arte Abstracto en Santander dos años después, dejan clara la apertura española al arte de vanguardia y lo que constituye la tendencia más generalizada, la abstracción.
Teniendo en cuenta que dentro de la aislada vanguardia local empieza a triunfar Benjamín Palencia, Pancho Cossío, Ortega Muñoz y en general los representantes de la Escuela de Madrid, son los modelos que se muestran al joven artista.
La vacilación primer de
Antonio López, lo hace refugiarse en su pueblo, en el universo intimo de los objetos familiares.
El tema es la reafirmación del mundo de Tomelloso, que no es bucólico sino dramático.
A este primer periodo pertenecen los cuadros donde se implican diferentes planos de la realidad.
Es la manera de superponer el exterior con el interior o como el punto de vista elevado, que hacen que confluya en un mismo eje visual que se fuga por el horizonte varias realidades o mundos diferentes en sucesión.
Su obra de los 50 es rica, compleja, y experiencial mas que experimental.
Ofrece el testimonio de como se va constituyendo y expresando el rebelde mundo de Antonio López, dotado de gran poesía, difícil de encuadrar en el limitado contexto de recursos limitados como es la España de los 50.
Su proyecto artístico no deja de crecer, que no se produce por acumulación de cambios ni avance lineal.
Se busca, en dos direcciones, una en la que se incluyen los retratos y otra en escenas mágicas surrealistas.
Tanto en una como en otra la realidad y el tiempo desempeñan un papel importante.
Hay una realidad petrificada.
Destacan Sinforoso y Josefa, Antonio y Carmen, Los novios, Cuatro mujeres, Carmencita en traje de primera comunión.
En la segunda mitad de los años 50 y principios de los 60, hay la serie del realismo mágico.
Componen esta serie un conjunto de obras, pinturas y dibujos, también relieves escultóricos en lo que lo sobrenatural e insólito se introducen en la vida cotidiana.
Esta Ataud (1957), La madrugadora (1958), La lampara (1959), La aparición del hermanillo (1959), La alacena (1961-1962), Mari en Embajadores (1962), Atocha (1964), Figura en una casa (1967) etc
La atmosfera de surrealismo, poco o nada tiene que ver con el surrealismo español de antes o después de la guerra en el que queda reflejado su universo poético.
Por la complejidad y dramática intensidad de problemas que plantea desde la obra de los años 60 a la actualidad, su madurez artística se produce al hilo de una crisis dilatada en la que hay varios factores.
Quizás diversos fracasos de índole comunicativa que son los que afectan a un artista.
Los años 60 son años de transición de cambio en la que los mundos no están del todo deslindados, por lo que no se puede ver el debate que le toca vivir.
En esta época comienza la serie de paisajes urbanos e interiores y también las que muestran figuras humanas.
Son los paisajes panorámicos, Madrid visto desde Vallecas (1960-1963), La Maliciosa (1960-1963), Vista de Madrid (1965-1970).
En cuanto a tratamiento de las figuras, Espalda (díptico, 1963-1964), Mujer en la bañera (1968).
Obras significativas de este periodo son La nevera (1966-1967), Lavabo y espejo (1967) o La colada (1968).
Rasco común de esta obra es la progresiva despersonalización, entendido como depuración de lo anecdótico y lo afectivo.
Un fenómeno paralelo emerge en estos años en la vanguardia internacional a través del Pop y el hiperrealismo como el Minimal etc, todas las cuales practican el método de enfriamiento y absoluto control de la subjetividad.
Antonio López nada tiene que ver con estas vanguardias ni con el hiperrealismo con el que a veces se le confunde.
La despersonalización que ascéticamente caracteriza su obra de madurez esta guiada por una pasión cuyo proceder moral está vinculado a Vermeer
Su luz revela lo desapercibido.
El que tarde tanto en realizar su obra se debe a su total entrega al presente-presencia único.
En su última época el pintor desarrolla una estrategia productiva mediante la que logra intemporalizar el instante, como ocurre en sus últimas panorámicas urbanas centradas en la luz del medio día o en su obra escultórica, tan influida por el hieratismo arcaizante que se observa en las figuras del antiguo Egipto.
En la naturaleza muerta muestra lo que en ellas hay de corruptible, de cambiante
Son estrategias complementarias de inteligencia y sensibilidad.
Es en los limites donde su obra alcanza la plenitud de su luz trágica, realismo que ha de decirlo todo por las apariencias, por la luz de lo visible.
Un arte realista que permite ver lo invisible.
CALVO SERRALLER FRANCISCO, FUSSI AIZPURUA JUAN PABLO. El espejo del tiempo, Editorial Taurus. Madrid, 2009.
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