Es escultora y su obra esta repartida por museos y espacios públicos de varios países

Nace el 8 de noviembre de 1956 en San Sebastián​ en el seno de una familia donde los cinco hermanos son artistas, comienza estudiando Ciencias Químicas, carrera que abandona para marcharse a Barcelona donde practica dibujo y cerámica un tiempo. Después, se forma en Escultura en la Chelsea School of Art de Londres.

 Allí conoce al que después sera su marido, Juan Muñoz, y a otros artistas como Anish Kapoor.

Su estancia en la capital británica —y también su paso por Italia— marca su futuro como artista que deseaba, sobre todo, trabajar en el espacio y el contexto.

 Al terminar en el Reino Unido, accede a una beca Fullbright  para estudiar en la Escuela de Bellas Artes del prestigioso Pratt Institute de Nueva York (1988).

1980 realiza sus dos primeras exposiciones individuales en Portugal y representa a España por primera vez en la Bienal de Venecia (1986).

 Esto le permite empezar a ser reconocida.

1990, pasa por Suiza, participa en la Exposición Universal de Sevilla de 1992, en la Bienal de Sídney, visita por segunda vez la Bienal veneciana y expone obra en el  Reino Unido y EEUU.

1999 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas en España, por los nuevos camino abiertos.

En estas fechas, es también profesora de escultura en la  Academia de Bellas Artes de Munich.

2000 consagrada en Europa y Estados Unidos, después de superar el fallecimiento de su marido Juan Muñoz, ​ participa en la Bienal de Taipei (2003) y es la primera española en ser invitada a participar en la Trienal de Folkstone (Reino Unido, 2011).

 La primera obra pública en España, es el encargo que le hace Rafael Moneo de la puerta de entrada del nuevo edificio en la remodelación del  Museo del Prado (2007), el Portón-pasaje, constituido por seis grandes planchas móviles con forma de vegetales fosilizados en bronce.​

2016 se le concede el Tambor de oro de la Ciudad de San Sebastián.

2018 con motivo del 40º aniversario de la Constitución española su escultura Sin título, 1988 es seleccionada entre las obras procedentes del Reina para estar representada en la exposición El poder del arte. 

La exposición se ubica en los edificios del Congreso de los Diputados y del Senado.

La obra de Cristina Iglesias emplea materiales como hormigón, acero, agua, cristal, bronce, bambú, hojarasca,  y ella misma se considera influida por el  constructivismo ruso, los bajorrelieves asirios que contemplo en el Museo Britanico, la arquitectura italiana del renacimiento​ y se califica como una escultora-constructora, atraída por la arquitectura.

 Su obra se encuentra en lugares públicos de todo el mundo como Brasil, Dinamarca, España, EEUU, Italia, Méjico, Países Bajos y Reino Unido

Tiene obras en museos y colecciones de todo el mundo; entre ellos, el Centro Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou de París, la Fundação Serralves de Oporto, el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museum and Sculture Garden de Washington, D.C., el Irish Museum of Modern Art (IMMA) de Dublín, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA), el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid y la Tate Gallery de Londres.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/9-invitados-con-arte/41497-cristina-iglesias-entrevista

/https://www.iberdrola.com/sala-comunicacion/noticias/detalle/biografia-de-cristina-iglesias-autora-de-la-escultura-de-la-torre-iberdrola-6936147320110930

https://elpais.com/videos/2021-05-16/video-cristina-iglesias-y-la-isla-de-bronce.html

1960 se crean las Bobedas para el hombre.

Pablo Serrano Aguilar nace en Crivillén, Teruel, el 10 de febrero de 1908.

Escultor, considerado uno de los artistas españoles más importantes del siglo XX.

Estudia escultura en Zaragoza y después en Barcelona, donde permanece hasta 1929 que emigra a Argentina y a Montevideo después, en Uruguay, su estancia se dilata veinticinco años.

En estos años, su obra es abundante, destaca su serie Los toros, figuras de una pureza de formas que son comparables con las de Constantin Brancusi.

En estos años conoce y hace amistad con Lucio Fontana y Joaquín Torres García, gracias a los que puede conocer el trabajo que en ese momento realizan las vanguardias europeas.

1944, 1951 y 1954, consigue el Primer Premio Nacional del Salón de Bellas Artes de Montevideo, cuando ya es el escultor más reconocido de Uruguay y un referente en América Latina. En la actualidad hay obra suya en espacios públicos de Argentina, Uruguay, Chile, Puerto Rico y México.
1955 llega a España, ha vivido en Argentina y Uruguay 30 años.

Cuando viene a España lo hace para participar en la Bienal Hispanoamericana, obtiene el premio de escultura ex aequo con Ángel Ferran, otro de los grandes escultores del siglo XX español.

1955 gana también el Gran Premio de Escultura en la Bienal Hispanoamericana de Barcelona.

Pablo Serrano llega con 55 años, pero cuando entra no lo hace para abrirse camino, sino que lo hace por la puerta grande.

En ese momento inicia una serie de viajes con una beca que obtiene del gobierno uruguayo y a eso se añade el dinero del premio que obtiene de la Bienal.

Lo primero que hace es organizar un viaje por Europa en el que le acompaña su mujer, Juana Frances y el crítico Moreno Galván que será un gran compañero a lo largo de su trayectoria artística.

Viajan a Italia y todo centro Europa.

De todo este viaje el testimonio lo deja Serrano en sus diarios, no es que fuera un hombre ordenado que escribe un diario, sino que va dejando notas de todo lo que mas le impresiona.

Y hace mucho énfasis en su viaje a Italia, cuando viaja a Pompeya y Herculano.

Es revelador porque es donde ve con claridad la lucha del hombre que es inútil contra los agentes de la naturaleza.

Que pequeños somos ante lo grande que es la naturaleza.

El encuentra la lava y los cuerpos calcinados y se da cuenta de la pequeñez del ser humano y la naturaleza.

Pero al mismo tiempo que descubre esa destrucción, ve que en todos esos elementos hay un halo espiritual.

Es decir que posteriormente ese halo espiritual es lo que lo convierte en arte.

Y quizás es el motivo que le lleva a construir sus piezas con materiales de desecho que une y ensambla, es material que recoge en vertederos y que unifica dando una nueva vida como piezas de arte.

A propósito de mis hierros un día subí al Vesubio y sentí el deseo de recoger escoria volcánica para aplicar a mis trabajos. Había recorrido antes     Pompeya, Herculano y Stabia.
Un día anduve por un campo que parecía un osario prehistórico, por la forma de sus piedras; algunas de ellas estaban horadadas.
Un día entré en una cacharrería y observé clavos de derribo y chapas de hierro.
Sentí el deseo de agrupar todos esos elementos y ordenarlos. Trabajé intensamente hasta lograr imprimirles la emoción sentida, y me encontré cómodo.
Eso es todo.

Otro de los rasgos reveladores y en la misma compañía es en Burgos cuando el visita las tumbas Iberas.

Descubre que hay hombres primitivos que tallan su cuerpo en la roca haciendo oquedades que luego serian sus tumbas.

Es decir que de alguna forma en el subconsciente de esos seres ya estaba el vacío, la existencia, el ser y el no ser, lo aparecido, lo desaparecido.

Cuando descubre esas tumbas, los cuerpos no están ya ahí, por acción de la naturaleza, pero el descubre que no esta el vacío, que encuentra la presencia de la ausencia.

Empieza a descubrir esa cualidad y la desaparición que tiene una parte más espiritual.

Y estos dos conceptos son el fundamento de su obra que en la serie de Bóvedas, es mostrar el dolor y a la vez mostrar el refugio,

El ser humano nace del vientre de la mujer para terminar en el vientre de la tierra y en ese camino por el mundo, necesita un refugio, una cueva, un lugar donde guarecerse y agarrarse.

De ese pensamiento emerge Las bóvedas para el hombre.

Las bóvedas son esculturas de bronce, con aspecto rocoso, a veces con trozos de ladrillo, son como una caverna, un lugar donde guarecernos, un lugar de protección.

Para algunos críticos hay una dualidad, es decir por un lado son una cueva o un refugio, pero por otro son un firmamento, así que realmente encontramos que estas piezas están arraigadas en la tierra, enraizadas en ella, pero al mismo tiempo se expanden, hay casi 70 bovedas.

Hay algunas que tienen alas, otras parecen olas.

Se elige porque es la que crea en la entrada de la central eléctrica, Aldea de Avila que hace Iberduero, ahora Iberdrola.

Con estas Bobedas es elegido Pablo Serrano para participar en la Bienal de Venecia 1962.

El estado promociona la marca España más moderna con lo que  se muestra arte español abstracto una buena vanguardia.

Pablo Serrano con los compañeros del Paso, suponen la renovación del arte de posguerra del siglo XX.

Funda el Grupo El Paso en junto a, entre otros, Antonio Saura, Manuel Millares, Rafael Canogar o Juana Francés, grupo que se convierte en el movimiento de vanguardia que introduce el arte abstracto en la península, logrando un importante auge del mundo del arte en la España de la posguerra.

Continúa esculpiendo de forma incansable, y 1957 realiza una exposición individual en el Ateneo de Madrid, muestra en la que presenta obras expresionistas, interpretaciones al retrato en las que sabe captar de forma magistral lo que el mismo define como rostros metafísicos y obras abstractas, llevadas a cabo con hierros que encuentra, reinventando la tradición de la forja que había iniciado Julio González.

Después inicia su serie su serie Quema para la que utiliza el fuego como método de destrucción a la vez que de creación, experiencias novedosas y experiencias sobre el volumen vacío, basadas en las teorías de Martin Heidegger, obras que realiza para distintos centros públicos de ciudades como Milán, Berlín o de Nueva York (MOMA).
Expone en los principales museos de Europa y América convirtiéndose en uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

Participa en la Exposición itinerante, New Spanish Painting and Sculpture, que durante dos años se puede ver en el MOMA de Nueva York, el de Washington, Chicago o New Hampshire, entre otros.

Pablo Serrano representa España con 23 esculturas y además tiene el segundo premio de escultura que es muy discutido, porque el primero es para Alberto Giacometti, un hombre ya anciano y que quizás a nivel mundial es uno de los escultores mas importantes del siglo XX.

En esta época ya expone en el MOMA, en Paris, con Marlboro en Londres, pero es la Bienal de Venecia la que lo consagra como el gran escultor español de principio de los 60 y uno de los mas importantes escultores en el panorama internacional.

Es el principal motivo por el que Iberduero/iberdrola que está construyendo una central hidroeléctrica pionera en Europa, cuando tenga que seleccionar un artista que colabore con ellos, el artista seleccionado sea Pablo Serrano.

España y Portugal se reparten el Duero para explotarlo con hidroeléctricas, y la zona de Aldeadavila es la que toca a España.

La central hidroeléctrica esta en los Arribes del Duero donde Unamuno escribe sobre esta zona tan remota e intacta.

La obra de Iberduero es novedosa tecnológicamente por lo que desean aunar la vanguardia tecnológica con la vanguardia artística.

Decide crear una bóveda, hace tres propuesta de tres maquetas y se elige una.

1964 esculpe la serie Los fajaditos, formada por figuras amordazadas, en las que que re realizar una metáfora en respuesta a la campaña franquista de los 25 años de Paz, algo que con el mismo objeto realiza Manuel Millares en su serie Los Artefactos.
1967 expone Hombres con puerta en el Museo Guggenheim de Nueva York.

1973 el Museo Español de Arte Contemporáneo, actual Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le dedica una antológica, y ese mismo año, expone en el Museo Nacional de Arte Moderno de la Villa de París, donde posee un estudio que ha pertenecido al también escultor Alberto Giacometti.

1973 muestra en la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle de Santa Cruz de Tenerife con una obra Homenaje a las Islas Canarias.

1975 retira su obra de la exposición Telecom 75, que se realizaba en Ginebra, en protesta a los últimos fusilamientos de la dictadura franquista.

1980 se le dedica una exposición antológica en la Fundación Gulbenkian de Lisboa.
1982 le es concedido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes por la trascendencia universal de su obra.

1982, expone en Moscú y en el Museo de L’Hermitage de San Petersburgo, siendo en ese momento el único artista español que expone de forma individual en el mismo.

1985 expone en el Guggenheim de Nueva York la serie Divertimentos con Picasso, la guitarra y el cubismo.
Muere en Madrid, el 26 de noviembre de 1985.

Lega parte de sus obras al Museo Pablo Serrano de Zaragoza responsable de investigar, exhibir y difundir su obra.

Tras su muerte, el interés por su figura aumenta de forma importante sucediéndose innumerables exposiciones en ciudades de todo el mundo, como Estrasburgo, Roma, Buenos Aires, Brasilia, Santiago de Chile, Rabat, Valencia, Madrid, Barcelona.

Hay obra suya, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), en el Museo de L’Hermitage de San Petersburgo, en el Centro George Pompidou de París, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Villa de París, el Museo Guggenheim de Nueva York, en la Fundación Gulbenkian de Lisboa, en el Middelhei de Amberes, en el Museo Vaticano, y en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Foto Trianart

http://arribescultura.blogspot.com/2015/09/diseno-de-la-gran-boveda-de-aldeadavila.html

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Su padre es periodista y escritor muy activo en política, que apoya desde sus escritos la causa de la independencia de Indonesia.

Rem nace en una Roterdam devastada y pasa parte de su infancia, entre los 8 y 12 años en Indonesia donde su padre, que muestra tanta simpatía por los indonesios le ofrecen un cargo importante allí y pasa parte de su infancia.

Vuelve a Ámsterdam.

Es un arquitecto que quiere construir, pero se pelea mucho con los clientes.

Es el macho alfa de cualquier vínculo profesional.

Es un arquitecto que quiere construir, pero también un intelectual que desea traducir a ideas lo que hace.

Esto le conduce a una situación complicada y abrasiva, la fama que tiene es de ser una persona difícil, áspera de trato, lo que es cierto, pero a la vez es una persona de gran ternura y generosidad, hoy es el teórico mas importante de la arquitectura contemporánea.

Es un intelectual, el provocador y comienza a serlo desde joven

De joven tiene que decidir a que se va a dedicar, sus dos pasiones son el periodismo y el cine y se debate entre ellas, no piensa en la arquitectura.

Con 20 años empieza por ser periodista y escribe en una revista semanal sobre cultura de todo género, de temas varios.

Solo en una ocasión consigue que su articulo sea portada y es en una entrevista a Fellini.

Es el momento mas dulce de su carrera periodística.

También llega a entrevistar a Le Corbusier, poco antes de que fallezca, Le Corbusier mira hacia un lado y dice esta es la luz de Vermeer y mira hacia el otro lado y dice esta es la luz de van Gogh.

Su carrera periodística se ve desplazada por su fascinación por el cine.

Con un grupo de amigos forman un colectivo que llega a hacer una película y Rem hace guiones, como intelectual escribe, e incluso para un director norteamericano casi olvidado, Bruce Meller, muy popular en su momento, que hacia una especie de pornografía blanda.

Le llega a hacer un guion que nunca llega a materializarse.

Ese es el mundo de ese joven estudiante que busca su camino, lo hace formando un grupo, hasta que cada uno va por su lado.

Decide inscribirse en Architecture Asociation, una escuela británica de vanguardia, conocida por sus planteamientos rupturistas y se pasa allí 5 años.

Deja Ámsterdam, se instala en Londres que es una segunda patria, y de hecho Madelein Visendorf y sus hijos tienen allí su casa, es su segunda ciudad.

En la escuela de arquitectura fascina a sus profesores y compañeros y termina sus estudios con un proyecto que es el germen de muchas cosas que hace después.

Un proyecto visionario, difícil de entender, se acababa de levantar el muro de Berlín todo el mundo esta pendiente de que va a ocurrir ¿ y si hacemos algo positivo?

Inventa ese proyecto que se denomina Exodus, prisioneros voluntarios de arquitectura, donde en Londres se crea un recinto donde se crea una utopía propia para que la gente sepa que si entra no puede salir, es decir son prisioneros voluntarios de un mundo distinto.

Es una forma de expresar ese pensamiento utópico que coloca sobre el plano de Londres.

Hace dos muros gigantes, donde va a estar ese éxodo sin moverse del sitio, de los prisioneros voluntarios de arquitectura.

Se marcha donde ocurre todo en ese momento, EEUU, él esta fascinado por Manhattan y en cuanto puede se traslada a vivir a NY, como afiliado al Instituto de arquitectura y estudios urbanos que dirige Peter Aisman.

En Manhattan durante 5 años se construye la personalidad de Rem Koolhaas como arquitecto.

En Manhattan descubre la belleza de la congestión, como el vivir apretados y juntos puede ser extraordinario.

Su primer proyecto en EEUU es la Ciudad del globo cautivo, es un proyecto surrealista, el robo cautivo rodeado de bloques similares a los de Manhattan, sobre los cuales cada uno edifica su sueño, su subconsciente, lo que quiere expresar, pero no sabe cómo.

Hay regularidad, hay una trama y cada edificio se corona a su manera, de forma extravagante, aunque él usa muchas referencias desde los bloques de le Corbusier hasta los elementos surreales.

Él muestra como esa malla que nos homogeneiza, nos puede hacer libres porque esa malla establece la regularidad del orden, la democracia, pero sobre ella cada uno puede edificar sus sueños.

5 años mas tarde acaba ese trayecto intelectual en EEUU con otro proyecto que casi es inseparable de su futuro como arquitecto, otro proyecto utópico.

Este es la historia de la piscina, una parábola, el admira mucho a los constructivistas soviéticos, como todos los jóvenes de su edad es izquierdista, y busca la renovación en la Rusia de los años 20.

Los constructivistas construyen una piscina en los años 20 y cuando Stalin los persigue por esa libertad de ideas en los 30, por ese nuevo lenguaje en la arquitectura deciden huir a EEUU.

Al nadar todos ellos se mueven por acción y reacción y se montan en esta piscina flotante y nadando en la misma dirección al cabo de 40 años llegan a Manhattan.

Y los arquitectos norteamericanos los reciben sorprendidos, el constructivismo se ha pasado de moda y por otro lado cuando los constructivistas miran a la gente, piensan al verlos todos vestidos iguales, que el comunismo ha llegado a América.

Ven a las masas que salen a las 5 de la tarde que trabajar en las oficinas, todos vestidos iguales y piensan que han hecho una sociedad homogénea e igualitaria.

Era una forma de expresar su amor en ese momento de la historia y aboga porque la arquitectura se puede renovar solo con palabras, con parábolas, con utopías como estas.

De nuevo Zoe Zhenguelis, Elia, Rem y su mujer, forman el OMA, Office for Metropolitan Arquitecture.

Ese amor por Manhattan se va a materializar con un equipo formado por Elia Zengheli, Cloe Zengheli, su mujer Madelein Wisendorf y el mismo, en un Delirious Manhattan.

Forman el OMA, con una presencia lateral, de una alumna brillante, Zaha Hadir que se incorpora el equipo como asociada.

Son los responsables de Delirious Manhatan, aunque lo firma Rem Koolhaas.

No lo escribe en los 5 años de America, allí solo acumula información, colecciona postales y cuando vuelve a Londres a la Architecture Asociation como profesor, tiene que dar una conferencia a la semana y ahí vuelca todas estas ideas que al final se materializan en el libro.

Nueva York delirante es el libro que más influye en el curso de la arquitectura reciente, fue como fue para Le Corbusier Hacia una arquitectura, que lo hace en 1923 y cambia el curso de la arquitectura.

Koolhaas lo publica en el 1977 y también cambia el curso de la arquitectura.

La portada expresa el amor a la metrópoli, el Empire State y el Chrysler, los dos grandes rascacielos de NY de los 30, pero representados flácidos como los relojes flácidos de Dalí.

Este equipo está contaminado de Surrealismo.

Pero a partir de qui el Surrealismo se hace mas explicito.

Por un lado, esta el amor a los rascacielos.

Colecciona postales, llega a tener 3000, cada semana va a cambiar postales o a comprar nueva, en las postales encuentra a NY.

Escribe solo un articulo que se hace en el Atoria de NY, con 3000 persona, donde los arquitectos mas reputados hicieron un ballet sobre NY, titulado Skyline of NY, el perfil de NY.

Cada arquitecto disfrazado de su edificio, llevando el mismo ropaje y bailando a tono delante de 3000 personas.

Todos van vestidos igual menos William van Allen, el arquitecto del Chrysler Building decide hacerse su propio disfraz extraordinario que todavía se conserva, y como gorro y caperuza el remate del edificio Chrysler.

Escribe sobre el baile y hace notar que en el baile hay una mujer que se disfraza de lavabo, porque una forma de llamar la atención sobre las entretelas de la arquitectura, que también son muy importantes, tanto o más que la apariencia.

Y en eso los varones no piensan, las mujeres si piensan en ello.

Pone una nota humorística y critica al disfraz de los arquitectos y este es el único articulo que escribe en NY.

En Athletic Club, es un edificio, en el que en cada planta pasa una cosa, en una es un campo de golf, en otra una piscina etc.

Es un club atlético para solteros metropolitanos, que los califica de hedonistas y calvinistas, son una combinación de respeto a las formas externas y sensualidad en su forma de vivir la metrópoli.

Comen ostras con guantes de boxeo, expresa lo que NY significa, lo que la metrópoli es.

Al final del libro lo dedica a dos europeos que llegan a NY y lo hacen propio casi boxeando, uno Le Corbusier, que dice que los rascacielos son pequeños y estrechos.

El otro Dalí, con un paso intermedio Gaudí que un grupo de norteamericanos le encargan un hotel, que se supone es un proyecto apócrifo cuya autoría de Gaudi nunca ha sido validada.

Es para Rem el proyecto que había que hacer en NY.

En el libro aparece dos veces un dibujo de Dalí, de lo que llama el método paranoico crítico, en el que hay que dejar fluir la conciencia libremente, sin trabas con el subconsciente que aflorara y luego someterlo con las muletas del pensamiento cartesiano.

Estos dos factores son los que permean todo el pensamiento de Koolhaas que es profundamente surrealista, dejar salir todo el subconsciente, para luego aplicarle la malla cartesiana, la razón y luego los sueños, lo imprevisible, el subconsciente.

Cuando tiene el primer proyecto El teatro de danza de la Haya, expresa esas mismas ideas.

Formas fluidas atrapadas dentro de una malla regular.

Es una forma de homenajear los 50, esa modernidad alegre de entonces trasladada a los 70, como una manera de poner en cuestión, la modernidad de la época.

Es un concurso que gana y le da popularidad, de tal manera que el editor,  el dueño de una revista de arquitectura le encarga su propia casa y esto es un encargo directo en las afueras de Paris y la construye como una caja de metal sostenida por un bosque de pilares muy delgados y encima una valla de las que emplean en las obras que son provisionales, mostrando un contraste de materiales pobres con un refinamiento en la construcción de la casa.

Cuando la estrena dice que la casa es como una jirafa y fotografía allí una jirafa y tiene gran repercusión mediática, es como una cabeza que sube para ver Paris desde lejos.

La casa se convierte en portada para los periódicos.

La casa de nuevo es un guiño a los 50 y un homenaje a Le Corbusie, pero al arquitecto mas surreal, que odiaba a los surrealistas pero a veces se encontraba atrapado por ellos.

Gana en su ciudad un Kunshall, un centro de arte, cuatro ideas distintas, con una visión trivial, da una imagen de estación de tren de cercanías, pero al entrar es extraordinaria, organizada por varios planos inclinados que se intersectan entre si, con las butacas cada una de un color.

Tiene juegos volumétricos y cromáticos y lo que hace es desacralizar el arte contemporáneo mediante las formas.

Isozaki le hace el primer encargo para trabajar fuera de Holanda en Fukuoka.

Tiene muchos contactos políticos y consigue que se invite a arquitectos emergentes para realizar viviendas, otro Steven Hall, uno de ellos Oscar Tusquet.

Hace un proyecto inserto en el tejido urbano, pero por dentro esta inserto en esa modernidad alegre de los años 50.

Su primera obra residencial, no haría muchas mas, importante por su complejidad y por lo que deja, por la manera de abordar algo trivial, de manera diferente.

Pero Rem Piensa mas grande, le interesa y aspira la gran escala, concursa y no gana el Parque de la Villete de Paris, El parque del siglo XXI, que gana Sumu.

Pero el propone una idea extraordinaria también surrealista, de bandas funcionales como el Cadaver exquisito de Breton.

En lugar de articular el parque con avenidas, fuentes, tridentes barrocos, lo divide en rebanadas y a cada rebanada le da una función, es el método que hacía Breton para conseguir belleza.

El gran proyecto le llega cuando consigue hacer La Ciudad de Euralille, un lugar que se constituye en nudo del tren de alta velocidad, como la ciudad antigua no puede asumir estas funciones, hay que construir una ciudad nueva todo al servicio del tren de alta velocidad.

El hace el edificio mas grande, que tiene un centro de espectáculo, una sala de exposiciones y un ferial, el resto se lo concede a compañeros suyos como Jean Nouvelle etc.

Hace un ovalo y lo corta como con un cuchillo.

No puede entender como a una oficina como la suya le han podido encargar esto, es un despacho pequeño que ha hecho tres edificios, inexpertos y de repente los franceses confían en ellos para desarrollar esto.

Es un diseño en un solo gesto que se fractura, un cadáver exquisito, un edificio surreal, pero con una escala titánica.

Intenta conseguir la Biblioteca nacional de Paris, pero lo gana Perrault, difícil de describir, propone un cubo lleno de libros, una biblioteca es un depósito.

No gano pero su proyecto fue mas influyente que el del ganador

Proponen edificios insólitos, como un palacio de congresos en Agadir.

Una cubierta plana y un paisaje de dunas.

Hace el Educatorio de Utrech con la idea de la planta libre, de una sucesión de planos que se comunican.

Tas realizar esto llega el mayor éxito editorial de la historia de la arquitectura.

Tras la muerte de su padre escribe S, M, L, XL, OMA, Rem Koolhaas y Bruce Mau

Un adoquín plateado de 4,5 kilos representa cosas pequeñas, mediana y grandes, el libro es XL, se venden 150000 ejemplares nada más aparecer, un éxito increíble.

Contenía la obra de Rem, pero había diarios, estadísticas, una especie de Biblia internacional de lo que le ha preocupa de los últimos años.

Le lleva 5 años hacerlo y se va a Canadá a trabajar con Bruce Mau que es coautor, un libro hecho a través del diseño, es la consagración popular, es el arquitecto más imitado, el gurú de los jóvenes etc.

Entonces le llega su segundo encargo doméstico, para un cliente raro, pero este más, porque el cliente sufre un accidente y se queda en silla de ruedas con lo cual esta casa que esta en Burdeos supone que el cliente esta en silla de ruedas y no quiere perder el derecho a vivir en la casa.

Es una casa emocionante y que produce desasosiego.

La casa esta levantada sobre un gran fuste en equilibrio inestable.

Cecil Valmont es el que consigue la arquitectura aérea.

Lo mas importante es una gran plataforma que se eleva, sintiendo que conserva la movilidad.

El proyecto se convierte en otro hit en la carrera de Koolhaas, pero la casa es de uso reducido, pues el cliente muere al poco, con lo que no la usa.

Hubo que eliminar la plataforma y dejarla fija, la casa es de una complejidad tan extraordinaria que hay película sobre ella, La casa de Burdeos, en la que la protagonista es la limpiadora extremeña Guadalupe en su quehacer diario.

Guadalupe intenta sobrevivir a la adversidad de la tecnología

Rem intenta en cada proyecto deslumbrar con una idea, siempre en conflicto con lo que es el mundo habitual, en este caso La embajada de Holanda en Berlín.

Otro proyecto interesante es la Embajada de Holanda en Berlín.

En apariencia trivial, pero con un interior que es es una locura.

Al edificio le dan el Premio Mies van der Rohe de aquel año por su singularidad porque la ejecución es tan meticulosa pese a su locura conceptual, está hecho con perfección que es imposible ponerle objeciones.

1997 llega el Guggenheim de Gehry es extraordinario, se convierte en el primer edificio que desde la inauguración del Pompidou, tiene esa repercusión popular, además de que pone a Bilbao en el mapa.

Cambia el curso de la arquitectura porque el éxito es tan grande que mucho de los arquitectos como Koolhaas que exploran experimentando para sorprender, cambia totalmente de registro.

Y a partir de entonces saben que si quieren sobrevivir como arquitectos necesitan hacer iconos, edificios de gran belleza exterior y con una belleza tan reconocible que se inscribieran en la memoria, iconos memorables, iconos escultóricos.

Si el Guggenheim se había inspirado no tanto en las formas ladeadas del bombardero Spirit, que se hace con el mismo programa informático Katia con el que se construye el Guggenheim.

El Guggenheim se puede hacer porque en la industria aeroespacial hay programa que te permiten construir geometrías muy complejas.

Así que el Guggenheim tenía un antecedente en ese bombardero invisible Spirit pero Koolhaas no puede tomar la misma referencia y decide que en vez del mismo bombardero va a tomar al caza F117 Stelz.

De nuevo un caza invisible pero un caza digamos inesperado, porque es poco redondeado con pliegues, que evita los radares.

Este modelo fascina a los arquitectos y Koolhaas decide que su futura estética ha de ser Stelz y acuña el término.

La estética del caza invisible, cuyo primer proyecto lo hace con la Casa de música de Oporto de pliegues articulados.

Es un icono como el Guggenheim lo fue en Bilbao, es un objeto escultórico, de gran belleza de construcción.

Es memorable distinto a lo que estamos acostumbrado.

El Efecto Yroska.

La Casa da música de oporto era de vidrio, los ingenieros portugueses le persuadieron que había que hacerlo de hormigón.

Utiliza los azulejos portugueses.

También utiliza los azulejos tradicionales como alfombra.

Había entendido que había que hacer iconos y había suministrado uno.

De tal manera que cuando hay que hacer una biblioteca en Seattle hace lo mismo.

No utiliza los mismos materiales.

Utiliza formas audaces y materiales pobres.

Utiliza la estética Stelz y hace la Biblioteca de Seattle, crea un lugar de memoria en el tejido urbano.

Los interiores de la biblioteca son de vidrio porque el lugar es cerca de Canadá.

Tiene unos interiores emocionantes, llena de gente.

Se hace una alfombra vegetal diseñada por Petra Bless que es la diseñadora de interiores de Koolhaas que hoy es su pareja

Otro icono memorable como la Casa de música de Oporto, crea un discurso propio.

Miucia Prada le encarga mucha de sus tiendas, como la de NY en el Soho, es una tienda que también es un centro cultural.

Entra en relación con el mundo de las marcas y las modas.

El Guggenheim le encarga en las Vegas para el Hermitage, un acuerdo de un casino de las Vegas para exponer obras de ese museo allí.

Hace otro proyecto mas grande en las Vegas que se inaugura con una exposición de  motos.

Obras que lindan los camp, que son muy cortas en su recorridos, una es una sala de fiestas y la otra ha dejado el acuerdo con el Hermitage, ambas son obras de corta duración.

En el 2000 se le da el Pritzker en Jerusalén, porque el año anterior lo habían concedido en Berlín a Foster.

Después hace el edificio de la Televisión china que es otro icono.

https://stepienybarno.es/blog/tag/rem-koolhaas/

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/889542/quien-ha-ganado-el-premio-pritzker

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://oma.eu/partners/rem-koolhaas&prev=search&pto=aue

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://oma.eu/&prev=search&pto=aue

Millares fallece joven, a los 46 años.

A pesar de ello, su modo de producir, casi obsesivo, arroja una producción pictórica de más de 500 obras y un número de producciones en papel que aún está por determinar

Es uno de los miembros mas representativos del Informalismo español.

Manuel Millares Sall, conocido como Manolo Millares, nace en Las Palmas de Gran Canaria, el 17 de enero de 1926.

Es el sexto hijo de Juan Millares Carló liberal, poeta, dibujante y catedrático de instituto, y de la pianista Dolores Sall, tras él nacen dos hermanos y una hermana.

La familia es deportada a Arrecife por la Guerra Civil, Isla de Lanzarote, donde realiza sus primeros dibujos del natural entre el 1936-1938.

1938 la familia regresa a las Palmas y visita el Museo Canario donde se pone en contacto con la cultura guanche

Pintor y grabador, es cofundador del conocido Grupo El Paso, en 1957, año imprescindible en el arte contemporáneo español.

En los inicios de su carrera practica el paisaje, retratos, la mayoría autorretratos que recuerdan los de Vincent van Gogh, y composiciones figurativas.

Desde el final de la década de 1940 su pintura evoluciona a la abstracción.

Para realizar sus composiciones utiliza todo tipo de materiales, como arpilleras, sacos agujereados y cuerdas, a los que añade restos de objetos de bisutería que recoge de la basura.

Una vez completada la composición la cubre con gruesas capas de pintura que deja chorrear.

1942 conoce a Ventura Doreste y participa con él en algunas exposiciones colectivas, en el Gabinete Literario y en el Club P.A.L.A., de Las Palmas de Gran Canaria.

1945 expone por primera vez en solitario en Las Palmas de Gran Canaria, con una serie de acuarelas, en el Círculo Mercantil.

1948, una nueva exhibición individual en el Museo Canario, es el punto de arranque definitivo de su carrera.

En esos momentos pasa por una etapa de influencia del Surrealismo, que recuerdan a la obra de Dali, en su Exposición Superrealista del Museo Canario.

En las obras de esta época a veces incluye poemas de sus hermanos Agustín y José María Miralles Sall y de Ventura Doreste, e ilustra varias publicaciones.

1952 se celebra la IV Exposición de Arte Contemporáneo, que LADAC, organiza en el Museo Canario.

1953 viaja por primera vez a la península en 1953, para asistir al Congreso de Arte Abstracto de Santander.

1950 influido por la cultura de su tierra, experimenta con el constructivismo, impulsa la creación del grupo LADAC (Los Arqueros del Arte Contemporáneo), y dirige la colección de monografías de arte Los Arqueros, que llega a publicar 4 números.

1951 la I Bienal Hispanoamericana de Arte, celebrada en Madrid en otoño, es el espaldarazo definitivo para su encuentro con el mundo del arte nacional.

1951 expone por primera vez en la península, en las Galerías Jardín de Barcelona, con sus obras más constructivistas.

1954 se realiza una exposición de su obra en la Galería Buchholz de Madrid, prologada por Juan Antonio Gaya Nuño.

A la vez participa en la II Bienal Hispanoamericana de Arte, en mayo de este año en La Habana, en la que presenta tres obras de su ciclo de Pictografías: Aborigen de los Guayres, de 1951, Aborigen de Balos, de 1953 y Pintura Canaria, de 1953.

1955 se traslada de forma definitiva a la península junto a Martín Chirino, Manuel Padorno y Alejandro Reino, y ese mismo año viaja por primera vez a París.

1955 marca un punto de inflexión tanto en su vida personal como en el rumbo de su producción artística.

Es ese el año en que abandona las islas para residir definitivamente en Madrid en compañía de su esposa Elvireta Escobio, y el momento también en el que simplifica su pintura e incorpora nuevos materiales –madera, cerámica, arena- y sobre todo la arpillera, material que se convertirá en la base de toda su producción futura.

Surgen ahora los Muros, Composiciones con texturas armónicas y Composiciones con dimensión perdida.

Su serie Muros, realizada entre 1955-1956, forma gran parte de su producción de esos dos años, momento en que perfora algunos de sus lienzos, que dan lugar a espacios vacíos que serían el inicio de sus trabajos de arpillera de la década de 1960 y en los que aparecen diálogos construcción-destrucción, que es fundamental en su producción.

Además de la arpillera realiza dibujos, escenografías, diseño de alfombras, cerámica, grabados y libros ilustrados.

El blanco, negro y rojo se convierten en esenciales en su obra.

En 1957 cofunda el grupo El Paso, que a pesar de su breve existencia –se disuelve tres años más tarde- constituye un revulsivo en la vanguardia española de los años cincuenta.

1959 contacta con los que serían sus galeristas habituales, Daniel Cordier, que expone de forma habitual sus piezas, en París en 1961, en Fráncfort en 1960, y Pierre Matisse en 1960, 1965, 1974 y 1987, en Nueva York.

1963 colabora, junto a otros cinco artistas: Cesar Manrique, Rivera, Rueda, Sempere y Pablo Serrano, en la realización de un escaparate en los grandes almacenes de El Corte Inglés, en la calle Preciados de Madrid, en el que se puede ver un espacio repleto de bidones de alquitrán vacíos y alpargatas.

1964 es uno de los primeros pintores que adquiere una casa en Cuenca, donde entra en contacto y entabla amistad con Fernando Zóbel, y asiste a la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de esta ciudad, el 30 de junio de 1966.

1964 colabora en todos los números de la revista Millares, junto a sus hermanos los poetas José María y Agustín y la pintora Jane Millares Sall, en ella se publica por primera vez su poema Cuadro sin número.

Esa década las exposiciones se suceden; entre otras destacan, la celebrada en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en 1964, y en el Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro un año después.

En el año 1971, con tan solo 45 años, se le diagnostica un tumor cerebral a causa del cual fallece en Madrid el 14 de agosto de 1972.

En España y hasta su fallecimiento en 1972, su obra se pudo ver en varias ocasiones expuesta en Madrid, en 1962, 1963, 1967 y 1970, en Santander, en 1967, en Sevilla, en 1968, y en Valencia, en 1970.

Tras su muerte se realizan varias retrospectivas.

Entre las que destacan, una en Madrid en 1973 y otra en 1992, en Bielefeld, en 1992, en Las Palmas de Gran Canaria, en 1992, y en Santiago de Compostela, en 1998

2004 la Fundación Azcona, junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde se alberga una importante muestra de sus trabajos, publica el catálogo razonado, realizado por Alfonso de la Torre, en el que está documentada la mayor parte de sus obras.

MANOLO MILLARES: EL ARTISTA CANARIO DEL GESTO Y LA MATERIA.

http://www.fundacioncristinodevera.org/microsites/millares/biografia.php

https://www.march.es/arte/cuenca/coleccion/artista.aspx?p0=16

http://klandestinos.mekoart.net/artistas/millares/000.html

trianart foto

https://cincodias.elpais.com/cincodias/2019/06/07/fortunas/1559909828_013660.html

https://www.march.es/arte/coleccion/ficha.aspx?p0=14

https://teatenerife.es/autor/manolo-millares/376

La primera ciudad española en contar con un proyecto de Herzog y De Meuron con visos de hacerse realidad es Santa Cruz de Tenerife.

1998 ganan un proyecto por concurso, derrotando Rem Koolhaas, a Cruz y Ortiz, y a Zaera y Moussavi, y se adjudican la remodelación del puerto de Tenerife, que supone para esta capital canaria recuperar el contacto entre la trama urbana y el borde marítimo con la reordenación del tráfico, la transformación de la plaza de España y la construcción de nuevos equipamientos comerciales, lúdicos y deportivos.

Éste es el comienzo de una sólida relación amorosa entre los suizos y la isla tinerfeña, que se consolida con el encargo de construir El centro cultural Óscar Domínguez, que además de acoger diferentes actividades servirá como sede permanente de la colección del artista canario.

1999 en Barcelona, para cuya Avenida Diagonal el estudio propone un parque, se presenta el siguiente proyecto español de Herzog y De Meuron que se levanta en la Plaza de las Glorias, tendrá un auditorio con espacios de exposición, un coste de 8.000 millones de pesetas y será un centro neurálgico del Fòrum 2004.

Jacques Herzog presenta en Barcelona la maqueta del edificio, que se asienta sobre un gran cubo en cuyo interior hay un auditorio para 4.000 personas.

 También contiene una sala de exposiciones de 2.000 metros cuadrados.

Un proyecto para una ciudad como Barcelona obliga a enfocar el edificio como un punto de encuentro,  (Herzog).

Los suizos Jacques Herzog y Pierre de Meuron son galardonados con Pritzker en su 23º edición.

La trayectoria de los arquitectos suizos, con proyectos en España, nacidos ambos en Basilea en 1950 y formados en la ETH de Zúrich, se inicia con pequeñas obras donde las formas y los materiales tradicionales adquieren nuevos significados.

Uno de los miembros del jurado destaca su talento para innovar desde la tradición.

Los Pritzker se conceden desde 1979, y en su lista aparece el español Rafael Moneo (1996).

Si en sus últimas ediciones el premio reconoce la inventiva técnica del británico Norman Foster y la agudeza crítica del holandés Rem Koolhaas, en esta ocasión sanciona una idea de la arquitectura como puente entre el arte y la vida.

El año pasado, Herzog y de Meuron celebran el vigésimo aniversario de la creación de su estudio -al que se han incorpora como socios Harry Gugger y Christine Bingswanger-, que producen una veintena de proyectos que se cuentan entre las más sobresalientes del último cuarto del siglo XX.

Aunque es evidente su parecido con tantos de los cobertizos instalados en los jardines traseros de un barrio residencial de Weil am Rhein, los enormes lucernarios de la cubierta del estudio fotográfico Frei (1981-1982) o sus fachadas de cartón embreado muestran muy pronto, que sus autores eligen tomar como punto de partida la construcción tradicional y los materiales cotidianos, pero que en sus manos esos elementos adquieren cualidades nuevas.

Con la mampostería de junta seca de la casa italiana de Tavole (1982-1988), el tapiz de fundición de la fachada de los apartamentos de la Schützenmattstrasse de Basilea (1984-1994), los tablones de fibrocemento del almacén de Ricola en Laufen (1984-1987) continúan los hallazgos, y su producción empieza a representar una arquitectura suiza cuyo mayor atractivo residía en el contraste entre el laconismo de las formas y la elocuencia de la materia.

Exhibida como pieza arquitectónica en el MoMA de Nueva York o el Pompidou de París, la seductora maqueta del prisma forrado con tiras de cobre que oculta los mecanismos de control ferroviario de la estación de Basilea (1989-1994), podría haber figurado también en cualquier museo de escultura.

Ese camino de perfección que los suizos inician a principios de los ochenta les lleva a diseñar pieles cada vez más refinadas e insólitas -el vidrio serigrafiado del almacén para Ricola en Mulhouse (1992-1993) y de la farmacia hospitalaria de Basilea (1995-1999), o el hormigón estampado con técnicas de impresión fotográfica en el polideportivo Pfaffenholz (1989-1993) y en la biblioteca de Eberswalde (1994- 1999)-, mostrando que la exploración de las cualidades físicas de los materiales es una fuente inagotable de expresión plástica.

Artistas como Rémy Zaugg o Thomas Ruff son compañeros en este extraordinario viaje sensorial y lúdico con estaciones en el californiano Valle de Napa, donde dejan una bodega hecha con gaviones rellenos de basalto que es como una obra de land art, o a orillas del Támesis, donde han transformado una vieja central eléctrica en santuario para el arte contemporáneo.

Unánimemente admirados y con encargos a ambos lados del Atlántico, Herzog y De Meuron no se han parado a explotar durante más tiempo los beneficios de esa eficaz fórmula arquitectónica: la planta pisciforme de la casa Kramlich en Oakville, California, el perímetro sinuoso de la biblioteca alemana de Cottbus o la fluidez espacial del Museo De Young en San Francisco revelan que estos fabricantes de objetos perfectos se interesan ahora por el tipo de relaciones que pueden provocar entre sus piezas y el entorno natural o construido en el que se insertan.

https://elpais.com/diario/2001/04/02/cultura/986162402_850215.html

https://www.metalocus.es/es/noticias/herzog-de-meuron-disenan-una-capilla-de-autopista-para-todas-las-religiones

Fernando Zóbel de Ayala y Montojo, nace el 27 de agosto de 1924 en Manila, Filipinas.
Pertenece a una familia muy influyente de Filipinas, es uno de los más importantes pintores abstractos españoles del siglo XX.

Empieza a pintar tras una lesión de columna que le mantiene inmóvil durante una temporada larga.

1951 expone en Boston por primera vez.

1952 en Manila.

Durante su primera etapa su obra está influenciada por Mark Rothko.
1960 a partir de entonces, su obra sufre una gran evolución, desarrollando su estilo discurso propio, en él que la caligrafía japonesa ejerce una gran influencia.

Sus cuadros, de apariencia simple y espontánea, están creados con minuciosidad y planificación.

1963 descubre la ciudad Cuenca a la que le lleva su amigo Gustavo Torner, y junto con este, Manolo Millares y Gerardo Rueda fundan el Museo de Arte Abstracto Español en las Casas Colgadas, siendo en la actualidad el lugar más emblemático de la ciudad.

En él podemos admirar además de obras de sus tres creadores, de otros grandes artistas como: Millares, Chirino, Lorenzo, Sempere y Saura, entre otros.

El prestigio como pintor de Zóbel es enorme, siendo muy cotizado.
Sus obras se pueden admirar en los museos más importantes del mundo.

Participa en más de 150 exposiciones colectivas, y realiza más de 40 individuales.
Muere en Roma el 2 de junio de 1984, de forma repentina.

Está enterrado en el Cementerio de San Isidro de Cuenca, en un lugar muy bello, sobre la Hoz del Júcar.

https://www.march.es/arte/cuenca/coleccion/artista.aspx?p0=30

https://fernandozobel.es/pintura.html

Trianart fotos

Posee veinticinco premios de arquitectura de Australia, incluyendo la medalla de oro RAIA y premios internacionales, como el Pritzker; Premio Alvar Aalto (Finlandia); Premio Richard Neutra (Estados Unidos); Premio ‘Green Pin’ Internacional de Arquitectura y Ecología (Dinamarca); y el Premio Asia Pacific Culture and Architecture Design. 
Glenn Murcutt (Londres, Inglaterra, 25 de julio de 1936) es presidente fundador de la Asociación de Arquitectura.

Se cría en el distrito de Morobe, en Papúa Nueva Guinea, lo que le sirve para valorar la sencillez y la primitiva arquitectura de los aborígenes australianos.

Su padre, constructor de profesión, le introduce en la arquitectura de Ludwig Mies van der Rohe y en la filosofía de Henry David Thoreau, ambos personajes influyen en su forma de trabajo.

1941 se trasladó a Sídney donde reside en la actualidad.

1956-1961 estudia Arquitectura en la Universidad de Nueva Gales del Sur.

Durante este período, trabaja con una serie de arquitectos.

Después de graduarse, viaja durante 2 años, volviendo a Australia en 1964 para trabajar en la oficina de Ancher, Mortlock, Murray y Woolley donde permaneció 5 años antes de establecer su propio despacho en 1970 en Sidney.

La primeras casas que construye Glenn Murcutt están influenciadas por la Casa Farnsworth de Mies van der Rohe y por las Case Study Houses californianas, un programa experimental dedicado a diseñar y construir casas modelo baratas y eficientes en Norteamérica tras la II Guerra Mundial, llevado a cabo por los mejores arquitectos del momento, como Richard Neutra, Rafael Soriano, Craig Ellwood, Charles and Ray Eames, Pierre Koening y Eero Saarinem.

1960- 1962 primer proyecto que diseña para el nadador olímpico John Devitt, en Sídney, y la de Laurie Short también en Sídney (1972-1974), un pabellón acristalado con claras reminiscencias de Mies van der Rohe.

1973 se produce el punto de inflexión cuando gracias a un premio recibido viaja a Estados Unidos, a México, donde conoce a Luis Barragán y de nuevo a Europa.

En París visita la Maison de verre de Pierre Chareau y Bernard Bijvoët, e influenciado por ella añade nuevas herramientas materiales y formales a su obra, que experimenta por primera vez en la casa de Marie Short en Kempsey.

La chapa corrugada y las cubiertas curvas forman una suerte de casa con apariencia de nave industrial, elegante, sencilla y en sintonía con los elementos climáticos y el paisaje.

Murcutt mezcla el lenguaje moderno con el respeto por la naturaleza y la tradición cultural australiana, creando un lenguaje australiano identificable arquitectónicamente.

Combina la tradición de las construcciones perecederas de los nómadas aborígenes australianos, con la de los wollsheds, los almacenes para guardar la lana levantados por los colonos en ese país.

Alejado de lo mediático, de la arquitectura estrella, su obra es casi exclusivamente doméstica, principalmente hace casas y algunos edificios comunitarios.

Tampoco ha construido fuera de Australia, porque para él, a la hora de hacer un edificio hay dos cosas fundamentales que hay que conocer, por un lado el terreno y por otro lado la cultura del terreno, el carácter del pueblo.

Es admirado por sus contemporáneos por crear un lenguaje australiano identificable (en lo que a arquitectura se refiere), y por crear arquitectura que dialoga con el entorno.

Contrario a la mayoría de despachos de arquitectos, Murcutt trabaja solo (si acaso, tiene un par de arquitectos ayudantes, que laboran con él a modo de pasantía), diseñando proyectos residenciales e institucionales por toda Australia.

Su modesto estudio es ejemplo de sus diseños ambientalmente sensibles con sello australiano.

Sus edificios, que son principalmente residenciales, son una mezcla de sensibilidad moderna, artesanía local y respeto por la naturaleza.

http://www.arquitecturaenacero.org/proyectos/sustentable/dos-obras-de-glenn-murcutt

Nace en Madrid en 1886 y fallece en esta misma ciudad con 59 años en 1945.

Sus años mas fecundos coinciden con el periodo de entreguerras.

1920 el pintor cumple 34, teniendo 54 en 1940.

Es importante señalar que este periodo coincide con su definitiva instalación en Madrid, donde ha regresado en 1917, cansado de la reclusión provinciana de Santander.

Antes de esta etapa de plenitud, Solana pinta una parte importante de su obra.

1904 con 18 años envía por primera vez obra a la Exposición Nacional de Bellas Artes.

1906 vuelve a participar y Zuloaga lo elogia y adquiere su cuadro Procesión por Toledo.

1906-1920 se aleja de los corrillos artísticos porque se instala en Santander, pero no esta inactivo, aunque su obra es menos conocida.

Hace con un estilo consolidado y un discurso propio:

 Los autómatas (1907), Las vitrinas (1910), El entierro de la sardina (1912), Las coristas (1915), El lechuga (1915-1917), Mujeres de la vida (1915-1917), La vuelta de la pesca (1917), La peinadora (1918).

1920 comienza a ser tomado en consideración por los críticos y a producir obra de calidad con un ritmo más intenso.

La serie se inicia con dos cuadros excepcionales, fechados en torno a 1920, La tertulia del café Pombo y El Cristo de la sangre.

1920 iniciada en esta década la dinámica vanguardista de España, Solana no permanece ajeno a ella.

1925 interviene en la Exposición de los Ibéricos, que es la primera renovación plástica.

En vida expone en Paris 3 exposiciones y otras en Venecia, Berlín, Londres, Oslo, Nueva York, Pittsburg y San Francisco.

Pero no consolidan su nombre, aun hoy internacionalmente muy desconocido.

Su pintura de entreguerras tiene concomitancias con el panorama internacional, que por entonces vuelve a la recuperación del figurativo, como en la vanguardia local que vuelve al obsesivo tema de las señas de identidad.

El estilo de Gutiérrez Solana no cuadra con el regionalismo español del primer tercio del siglo XX, ni con el expresionismo nacional con vocación cosmopolita, que le permite a Zuloaga tener un notable éxito.

Tampoco cuadra con la vanguardia pretendidamente nacional de Alberto Sánchez o Palencia.

Lo que hace para crear desconcierto entre el silencio y la retorica local, son los ideales éticos y estéticos de la generación del 98.

Por lo que resulta intempestivo, un ejemplo antimoderno, creador a destiempo.

Aunque insiste en los temas del 98, hay un ideario regeneracionista, finisecular con personalidad.

La obra de Solana tiene un discurso propio, de hecho, su peculiaridad en arrastrar con insistencia las señas de identidad, de cara al naciente siglo XX, por la generación del 98.

Es esa forma, pero no el fondo, lo que le diferencia del resto de sus colegas coetáneos.

Pero su pintura, su fórmula, no es nueva, ni en el contexto internacional de expresionistas internacional, el expresionismo truculento tiene notables representantes como el belga James Ensor, además de una dependencia Goyesca y de Zuloaga.

No puede provocar por la novedad de lo que hace, sino como artista a destiempo, por su insistencia y por la carga de violencia que comporta esa obstinación, capaz de generar una transformación cualitativa singular.

Esa actitud de aislamiento y obstinación, no es nueva en la tradición pictórica española, incluso por pintores de la época contemporánea como Goya, que al buscar nuevas ideas y horizontes, se topan con el fondo irreductible de la vieja identidad española.

Representa Madrid y su gente, el acontecimiento callejero que termina en agitación popular, una agitación de guiñol, mascara de carnaval o resignado ceremonial de dolor anónimo.

Pero a diferencia de los casticistas y de los regionalistas así como de los regeneracionistas del 98, Solana no reivindica nada, no pretende comprender nada, rehúye cualquier explicación.

Sus paisajes se diferencian de sus contemporáneos, porque son siempre porque son panorámicas antropomórficas, fondos urbanos, la mayoría de las veces caseríos de pueblo que ayudan a caracterizar un lugar determinado, poro nunca con intención pintoresca.

Maniquíes, muñecos, mascaras, en su iconografía hay predilección por retratar figuras rígidas, acartonadas.

Nunca es nítida en su pintura, la frontera entre lo animado y lo inanimado.

Se entiende su afición por los pasos de Semana Santa con su trágica representación de episodios congelados

La visita del obispo es una estampa del atávico enclaustramiento español, aunque sin concepción folclórica, presenta una agobiante e hierática composición claustrofóbica, que remite a Beckman o Morandi.

No practica la denuncia social, en lo que se separa del regeneracionismo moral del 98, así como de los regionalismos contemporáneos.

Hay un intento de crear un espacio de silencio.

Donde se hace mas nítida esa búsqueda pictórica del silencio, que es una búsqueda de la inmovilidad, es en las escenas cotidianas de burdel, cuando representa autómatas en las vitrinas, .

En ellas la quietud se hace mas explicita y por lo tanto mas ruidosa.

¿Por qué busca el esqueleto de la realidad?

Una cuestión romántica muy poco folclórica.

La búsqueda de una osamenta para la invertebrada realidad española atenaza al 98.

CALVO SERRALLER Francisco, FUSI AIZPURÚA Juan Pablo. El espejo del tiempo. Editorial Taurus, Madrid, 2009.

Fotos Trianart

http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com/2014/08/jose-gutierrez-solana-pintura.html

https://elcultural.com/solana-la-espana-negra-que-no-cesa

Copenhague, 9 de abril de 1918, 29 de noviembre de 2008

Arquitecto danés, conocido por realizar el proyecto de la Ópera de Sídney, y por ganar el Pritzker 2003.

Askin había sido «crítico con el proyecto incluso antes de obtener el cargo. 

 Su nuevo Ministro de Obras Públicas, Davis Hughes, era aún menos comprensivo. Elizabeth Farrelly, crítica de arquitectura australiana, escribió que en una cena nocturna en Mosman, la hija de Hughes, Sue Burgoyne, se jactó de que su padre pronto despediría a Utzon.

Hughes no tenía interés en el arte, la arquitectura o la estética. Un fraude, además de un filisteo, había sido expuesto ante el Parlamento y abandonado como líder del Partido del País tras 19 años reclamando falsamente un título universitario.

La Ópera le dio a Hughes una segunda oportunidad.

Para él, como para Utzon, todo trataba sobre el control; el del triunfo de la mediocridad propia sobre el genio extranjero.

Utzon pronto se encuentra en conflicto con el nuevo ministro. En un intento por frenar los costes crecientes del proyecto, Hughes comenzó a cuestionar la capacidad de Utzon, sus diseños, los plazos y las estimaciones de costes, negandose a pagar los gastos de los trabajos.

En 1966, después de que fuese rechazada la última petición de Utzon para que el fabricante de madera contrachapada Ralph Symonds fuese uno de los proveedores para la estructura de la cubierta, el arquitecto renuncia al trabajo, cerró su oficina de Sydney y juró no volver nunca a Australia. 

Cuando Utzon lo dejó, las conchas estaban casi terminadas, y los costes tan solo ascendieron a 22,9 millones de dólares.

A raíz de cambios importantes en los planes originales para los interiores, los costes finalmente se elevan a 103 millones de dólares.
La ópera es finalmente terminada, e inaugurada en 1973 por Isabel II, reina de Australia.

El arquitecto no es invitado a la ceremonia, ni su nombre es mencionado en ninguno de los discursos. 

 Sin embargo, es reconocido más tarde cuando se le pide que diseñe el interior de la ópera.

La sala Utzon, con vistas al puerto de Sydney, se le dedica oficialmente en octubre de 2004. En un comunicado en ese momento, Utzon escribe:

El hecho de que me mencionen de una manera tan maravillosa, me da la mayor de las alegrias y satisfacción. Creo que no puedo recibir más alegría como arquitecto. Reemplaza a cualquier medalla de cualquier tipo que pueda obtener o haber obtenido. Además, Frank Gehry, jurado en su momento del Premio Pritzker, comenta:

Utzon hace un edificio muy adelantado a su tiempo, muy por delante de la tecnología disponible, y persevera a través de una publicidad extraordinariamente maliciosa y críticas negativas para construir un edificio que cambió la imagen de todo un país.

Hay una película sobre todo este tema, titulada  Utzon, el hombre detrás de la Ópera.

La película cuenta la historia del arquitecto danés Jørn Utzon, que con 38 años de edad y desconocido gana el concurso internacional para diseñar un teatro de ópera en Bennelong, en Sydney en 1957.

En el mes de marzo la televisión australiana dedica un documental a Peter Hall, el arquitecto que sustituye a Utzon en la dirección de obra del edificio, protagonizado por su hijo Will Hall.

Al final del mismo se realiza una entrevista a Jan Utzon (hijo de Jørn) y ambos hijos de arquitectos escenificaban una relación cordial mediante un abrazo.

La Ópera de Sídney forma parte de la narración de un largometraje.

 Con el título preliminar de Utzon, el hombre detrás de la Ópera, se centra en la figura del pionero arquitecto danés que vence a la arquitectura conservadora de Australia cuando gana el concurso internacional para diseñar un teatro en Bennelong, Sydney.

Llega como una celebridad en 1957 de la mano del Primer Ministro de Nueva Gales del Sur Joe Cahill, del partido Laborista.

Pero  al poco tiempo cambian las tornas políticas y Robert Askin se hizo con el poder. Utzon se da de bruces contra las luchas internas, los celos y duelos de poder así como limitaciones presupuestarias del gobierno corrupto de Askin.

Utzon toma la decisión de renunciar al proyecto en 1966 para no volver nunca, aunque regresa 20 años después.

Nunca llegó a ver como se terminaba el edificio, pero si ve como lo declaran Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 2007, un año después muere.

Después de su marcha varias manifestaciones piden su regreso, pero el gobierno australiano decide poner en la dirección de obra a Peter Hall que se manifiesta a favor de Utzon.

 Años después declara que sólo aceptó el proyecto después del visto bueno de Utzon. Pero décadas después su hijo hace duras críticas a la ejecución del arquitecto danés como la cimentación o la estructura.

1995 se celebró una exposición con los dibujos originales de Utzon y el público puede comparar ambas propuestas.

Peter Hall nunca puede superar las críticas y acaba muriendo con 64 años arruinado y en la indigencia.

Nace en Copenhague, hijo de un ingeniero naval prestigioso.

Realiza sus estudios en la Academia Real de Bellas Artes de Dinamarca.

Pasa los años de la Segunda Guerra Mundial estudiando con Erik Gunnar Asplund. Después realiza viajes extensos por Europa, los Estados Unidos y México.

A su regreso se establece como arquitecto en Copenhague.

1937 como resultado del vínculo de su familia en el Arte, un tío suyo es escultor y su padre diseñador naval, acude a la Academia Real de Bellas Artes de Dinamarca donde estudia bajo las enseñanzas de Kay Fisker y Steen Eller Rasmussen.

1942, cuando termina se une al estudio de Erik Gunnar Asplund en Estocolmo donde trabaja con Arne Jacobsen y Poul Henningsen.

Es entonces cuando se interesa por el trabajo del arquitecto americano Frank Lloyd Wright.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial y de la ocupación alemana de Dinamarca, regresa a Copenhague

1946, visita a Alvar Aalto en Helsinki.

1947-1948 viaja por Europa.

1948 va a Marruecos donde admira las altas construcciones de adobe.

1949, viaja a los Estados Unidos y México, donde las pirámides le sirven de inspiración. Fascinados por la manera en la que los Mayas construyen hacia el cielo para estar más cerca de Dios.

Comentó que el tiempo que pasa en México es una de las mejores experiencias arquitectónicas en su vida.

En EE.UU., visita la casa de Frank Lloyd Wright, Taliesin West, en el Desierto de Arizona y conoció a Charles y Ray Eames.

1992 recibe el Premio de la Fundación Wolf de las Artes.

2003 Utzon es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Sidney en reconocimiento por su proyecto del edificio de la Ópera.

Utzon se encuentra enfermo y no puede viajar a Australia con tal motivo, de manera que lo representó su hijo en el acto de investidura.

No podrá estar presente en las celebraciones del 30 aniversario del edificio, para el cual Utzon esta rediseñando algunos espacios, como el vestíbulo principal.

2003 también le es entregado el Pritzker de arquitectura.

https://www.metalocus.es/es/noticias/11-arquitectos-hablando-sobre-jorn-utzon

https://www.pritzkerprize.com/laureates/2003

Aunque Saura cuenta que desde niño se fascina por el perro de Goya, los primeros ensayos a partir de esta imagen, pertenecen a las Pinturas negras que datan de finales de los 50.

Hoy son universalmente famosas algunas de las versiones que Saura hace a comienzos de los 60, como los Retratos imaginarios de Goya de 1963, del Museo Boymans-van Beunigen de Rotterdam.

Durante las siguientes décadas nunca deja de estar apegado a esta imagen que llama extremosa.

El perro semihundido, suscita abundante literatura que trata de desentrañar diferentes fuentes iconográficas y literarias, así como su significado.

Los historiadores del arte crean una malla de posibles significaciones, pero que amenazan con ahogar lo pintado de este perro en apuros.

Para Saura, sin embargo el asunto del perro es pictórico.

Lo ha escrito y declarado de forma suficiente par que no haya dudas, aludiendo al espacio como tema capital.

Pero sobre todo no ha dejado de pintarlo, llevando las cosas al terreno de las significaciones mudas, que son las pintadas.

Organiza una historia muda.

Si se fascina en su infancia por el perro goyesco, 50 años después mantiene viva su interrogación y pinta más enredado el enigma.

Describe los agujeros negros del cuadro como pozos de interrogación y hace un inventario de descubrimientos a partir del cuadro.

Pero ningún descubrimiento soluciona el enigma, razón suficiente para enredarlo pintando que es lo que hace.

Las ideas del surgimiento, nacimiento y aparición permanecen asociadas a la presencia del vacío.

Los maestros del Renacimiento se les debe la conquista del espacio y el prodigio técnico de encerrar en un marco de un cuadro la visión del cosmos de una amplitud inabarcable.

Pero el arte moderno afronta el reverso del espacio, que es el vacio, un modo temporal de percibir el mundocomo inagotable sucesión, lo que hace imposible llenarlo.

La experiencia del artista contemporáneo tal y como lo  muestra Goya y Saura, es la experiencia del vacío, en un mundo percibido como la nada.

Trianart fotos

CALVO SERRALLER Francisco, FUSSI AIZPURÚA Juan Pablo. El espejo del tiempo. Editorial Taurus, Madrid 2019.

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