Mid Century Modern, Raphael Soriano (1904-1988)

Es uno de los arquitectos más importantes del siglo XX.

Ayuda a definir el ahora conocido como Mid-century modern y su trabajo es uno de los motivos que hacen a Frank Owen Gehry decidirse a estudiar aquitectura.

Raphael Soriano nace en 1904 en Rodas, Grecia en una familia judío sefardí.

Allí estudia en San Jean Baptiste hasta que, en 1924, con 17 años, se marcha con sus padres a Estados Unidos, donde vive con unos familiares en Los Ángeles.

Estudia Música y Literatura francesa y en 1930 entra en la Escuela de Arquitectura de University of Southern California, el mismo año en que se convierte en ciudadano estadounidense.

Mientras estudia la carrera de Arquitectura, en 1931 Soriano realiza prácticas en las oficinas de Richard Neutra.

Durante este período, Raphael Soriano trabaja junto con Gregory Ain y Harwell Hamilton Harris, conviertiéndose en el futuro en tres iconos del movimiento Mid-Century Modern de Los Ángeles y el norte de California.

1934 pasa un tiempo bajo las órdenes de Rudolf Schindler, aunque no tarda en volver a la oficina de Neutra.

En aquellos momentos, Richard Neutra y Rudolf Schindler, amigos y rivales, eran los arquitectos más destacados del nuevo movimiento modernista del sur de California.

1934 se gradúa.

 En ese momento el país sufre la Gran Depresión, así que trabaja en el condado de Los Ángeles en los proyectos Works Projects Administration (WPA), medida perteneciente a la política intervencionista del New Deal con la que el Gobierno de Franklin D. Roosevelt pretende combatir la crisis económica mundial.

La WPA se establece para dar empleo a millones de estadounidenses carentes de trabajo a partir de trabajos temporales basados en los servicios públicos.

Raphael trabaja en la arquitectura, en proyectos como el de Steel Lobster, con una oficina local en el condado de Los Ángeles.

De hecho, en 1936 culmina su primer pedido, Lipetz House, que un año más tarde forma parte de la International Architectural Exhibition celebrada en París.

LIpetz_House,Raphael_Soriano_1935

Mientras ocupa uno de esos puestos de trabajo, también daba lecciones en la USC y presentaba diseños a publicaciones y competiciones con diseños para casas después de la guerra, en las que dejaba ver sus ideas innovadoras con nuevos materiales como en su prototipo Plywood House, con el que gana el tercer premio dePostwar Living Competition, creado por la revista Arts and Architecture.

RaphaelSoriano. CasaGogol

La demanda de diseños originales aumenta tras la Segunda Guerra Mundial, lo que permite a Raphael trabajar por su cuenta y obtener gran visibilidad dentro del mundo de la arquitectura.

RaphaelSoriano. CasaKimpson 1940

De esa forma, se aprovecha de las nuevas tecnologías usadas en la industria aeroespacial californiana, convirtiéndose en pionero del uso del modular prefabricado de acero, aluminio, madera contrachapada y otros elementos que son característicos en sus trabajos.

Casa Carl Ebert, Studio City (1942)

Sus trabajos le hacen ser conocido como an Architect’s Architect y son reconocidos en numerosas ocasiones.

Casa Milton Katz (1947)

El final de la guerra permite ganarse la vida diseñando edificios que luego son construidos y empezar a ganar premios por ellos, como en 1941 al ganar el premio de American Institute of Architects (AIA) por Katz House en Studio City.

1951 vuelve a ganar dos premios AIA por suColby Apartments.

Casa Alexandra Curtis, Loa Ángeles (1950)

1950 diseña la Residencia Shulman, hogar de su amigo y fotógrafo de arquitectura Julius Shulman. Este edificio es una de las pocas obras de Soriano que aún hoy se mantiene en pie.

Casa Julius Schulman, Los Ángeles (1950)

John Enteza, de Arts and Architcture, lo invita a participar en la revista en el programa de Case Study Houses, del que forma parte en 1950.

Los Case Study House consisten en un experimento de la revista en el que prestigiosos arquitectos como Raphael Soriano y Richard Neutra tenían que construir casas modelo baratas pero eficientes.

 El motivo de esto es la demanda de casas tras la Segunda Guerra Mundial y la llegada de todos los soldados que combatieron en el coflicto.

En la presentación de Raphael Soriano destaca el uso del acero en la construcción de casas.

 Esto es una influencia para los edificios que Pierre Koenig diseñó posteriormente para Case Study Houses (las 21 y 22 de la colección de la revista).

Otros arquitectos en los que influye el uso de acero y madera contrachapada de Soriano son Charles y Ray Eames y Graig Ellwood.

1951 termina suColby Apartments, caracterizados por el uso del acero.

Apartamentos Lucile Colby, Los Ángeles (1952)

Este edificio le proporcionó reconocimiento y ganó distintos premios:el National American Institute of Architects Award for Design, el VII International Pan American Congress Award y el AIA Southern California Chapter One Honor Award.
1953 abandonó Los Ángeles y se va a vivir a Tiburón, cerca de San Francisco, con su mujer, Elizabeth Stephens,  y sus dos hijas, Margaret y Lucille Coberly.

Casa Frank McCauley, Mill Valley (1959)

Dos años después diseña la primera casa de acero producida en masa que construyóJoseph Eichler en Palo Alto, ganando dos premios de Northern CaliforniaChapter de AIA.

1961 es nombrado miembro delAmerican Institute of Architects (FAIA).

Casa Albert Grossman, Studio City (1964)

1965 decide crear una serie de casas de aluminio prefabricadas, lasSoria Structures, Inc. que son vendidas como All Aluminum Homes.

De hecho, su úlimo proyecto fue una serie de once All Aluminum Homes en la isla de Maui (Hawái) y Grossman House.

Los edificios que diseña posteriormente no son construidos. Además, de los 50 edificios que construye, solo 12 siguen en pie.

La pérdida de sus edificios se debe principalmente a los fenómenos naturales comunes en California, como incendios y terremotos, pero también por demolición.

Desde 1970 hasta su muerte viajan por el mundo, dando lecciones de arquitectura, investigando y escribiendo.

Poco tiempo antes de morir dio clases especiales en College of Enviromental Design en Cal Poly Pomona.

1986, la AIA le otrogó el Distinguished Achievement  Award y la USC, el Distinguished Alumni Award.

 Sus documentos están guardados en College of Environmental Design Resource Center, de la California State Polytechnic University.

Su obra le ha convertido en uno de los iconos del llamado Mid-century modern, el modernismo de la mitad del siglo XX.

https://usmodernist.org/soriano.htm

https://alchetron.com/Raphael-Soriano

Case Study Houses

Locus amoenus, Puerto con el embarque de la reina de Saba, Claude Lorrain, 1648

Seaport with the Embarkation of the Queen of Sheba, 1648, Claude Lorrain

Es conocido  por ser el primer pintor en explotar las múltiples posibilidades que ofrece el juego de la luz y los efectos atmosféricos.

Las figuras estan a pequeña escala y de forma anecdótica, hacen referencia al título de la obra, pero el protagonista es el paisaje.

Claude Gellée era su verdadero nombre del pintor que nace en Lorena y pronto emigra a Roma, de ahí el apelativo Claudio de Lorena.

Es un artista muy prolífico, han llegado hasta nuestros días, 51 grabados, 1200 dibujos y alrededor de 300 cuadros.
Según su biógrafo Baldinucci, los padres de Claude mueren cuando él tiene sólo doce años, yendo a vivir con su hermano mayor, Jean Gellée en Friburgo; Jean es artista y enseña Claude los primeros rudimentos de la profesión.

Cuadro realizado al óleo sobre lienzo que mide 148 cm de alto y 194 cm de ancho. Fechado en 1648 y que está en la National Gallery de Londres.

Es hecha para el cardenal Camilo Panphili, sobrino del papa Inocencio X, pero poco antes de su entrega renuncia a los hábitos para casarse con Olimpia Aldobrandini, hecho por el cual tiene que exiliarse durante cuatro años, por lo que finalmente el cuadro se vende al duque de Bouillon, general de la armada pontificia.

En la base del cuadro se lee: CLAVDE GELE I V FAICT POUR SON ALTESSE LE DUC DE BVILLON A ROMAE 1648.

Lorrain especializado en el paisaje, de ambientación religioso o mitológico, tiene una visión idealizada del paisaje, donde el culto a la Antigüedad, la serenidad y placidez de mar y cielo, del sol, de las figuras, reflejan un espíritu evocador, idealizador de un pasado mítico, perdido pero recordado en una ideal perfección.

En sus obras recrea un paisaje lírico, con un gusto por la amplitud, los puertos de mar, el análisis de la luz y los recuerdos de un pasado clásico prestigioso.

Una de las características principales en la obra de Lorrain es su utilización de la luz, generalmente natural, proveniente del sol, que sitúa en medio de la escena, a menudo —como este caso— en marinas, en escenas situadas en puertos, que aportan acción.

Claude Lorrain – 3 The Campo Vaccino, Rome 1640

El tema de este cuadro es la figura de la Reina de Saba, referida en los libros Reyes y Crónicas de la Biblia, el Corán y en la historia de Etiopía, gobernante del Reino de Saba, un antiguo reino que estaban localizados los territorios actuales de Etiopía y Yemen.

Claude Lorrain – Landscape with Apollo and the Muses 1652 GN Escocia

Según el Antiguo Testamento, la reina acude a Israel habiendo oído de la gran sabiduría del rey Salomón, quedando tan impresionada por la sabiduría y las riquezas del sabio rey hebreo que se convierte al monoteísmo.

Lorrain escoge una escena inusual en la iconografía bíblica, la del viaje de la reina de Saba hacia Israel, componiendo un escenario de aire bucólico, bañado en una espléndida luz de amanecer, situando el sol naciente en el centro del cuadro, en el punto de fuga del horizonte, donde inevitablemente se dirige la mirada del espectador.

Claude Lorrain – An Artist Studying from Nature 1639

La escena se enmarca en una arquitectura de tipo clásico, con un puerto repleto de barcos y pequeñas barcas de remos, y numerosas figuras humanas con vestimentas que evocan la tradición greco-romana.

Claude Lorrain – 6 Landscape with Nymph and Satyr Dancing-detalle 1641

Pone gran cuidado en todos los detalles del cuadro, destacando las columnas de orden corintio situadas a la izquierda, el galeón a la espera de recibir a la reina, las operaciones de carga en las barcas -según la leyenda, la reina lleva numerosos regalos a Salomón-, figuras como la de la mujer pobre o el muchacho recostado observando la escena, y la reina de Saba bajando las escaleras en dirección a la barca, vestida de rojo y azul y con una corona de oro.

Claude Lorrain – Hagar and Ismael in the desert

Sobre la composición, emplea la técnica del repoussoir, una forma de pintar por capas que dan sensación de regresión espacial, de profundidad en el horizonte.

Claude Lorrain – Landscape with Acis and Galatea- Gemäldegalerie A.M.

El contraste entre la claridad del sol y la oscuridad de las arquitecturas circundantes provocan igualmente un efecto de profundidad del cielo, de perspectiva en fuga.

Claude Lorrain – The Judgment of Paris 1645-46 NG Londres.

La maestría del artista en matizar los tonos de color consigue de forma magistral esta sensación de profundidad, al ir graduando los colores hacia tonos más fríos conforme se alejan en el espacio.

Claude Lorrain – Landscape with Christ appearing to St. Mary Magdalene – Noli me tangere 1681

Los colores del alba, conseguidos con distintas gradaciones de amarillo ocre y blanco de titanio, denotan cotas de gran perfección con la luz, como pocos artistas más del Barroco consiguen, equiparable a la obra de grandes maestros como Velázquez y Vermeer.

Claude Lorrain – Rapto de Europa 1667

También es de destacar el cromatismo del mar, en combinaciones de azul índigo y amarillo ocre que proporciona unos tonos verdosos que parecen captar a la perfección el reflejo de la luz sobre la superficie del agua.

Claude Lorrain – Seaport with the Embarkation of the Queen of Sheba 1648 NG Londres

Este cuadro formaba pareja con Paisaje con la boda DE Isaac y Rebeca (1648, National Gallery, Londres).

Claude Lorrain – Rest on the Flight into Egypt 1678

Sobre este cuadro existe una anécdota famosa relativa al pintor Ingles Joseph Mallord William Turner.

 El artista donó su cuadro Dido construye Cartago, o el auge del reino cartaginés de 1815, de similar composición a las típicas de Lorrain, a la National Gallery con la condición de que sea colgado junto al Puerto con el embarque de la Reina de Saba de Lorrain.

https://es.wikipedia.org/wiki/Puerto_con_el_embarque_de_la_Reina_de_Saba#:~:text=Puerto%20con%20el%20embarque%20de%20la%20Reina%20de%20Saba%20es,la%20National%20Gallery%20de%20Londres.

http://arteameno.blogspot.com/2013/04/claude-lorrain-1600-1682-puerto-de-mar.html

Trianart fotos

Mario Botta

El empuje de la horizontalidad choca con la verticalidad situándola en un juego escultórico.

Para mí, el rejuvenecimiento es el arte de devolver a la piel su vigor y apariencia de juventud sin perder un ápice de lo que es y lo que ha sido».

“Como arquitecto considero que el arte siempre necesita tener un fin. En mi colaboración con La Prairie, desde el principio quedó claro que no me limitaría a crear una escultura, sino también un espacio en el que la gente pudiese experimentar y sumergirse”.

El suizo Mario Botta (1943) inicia su formación en 1958 con un curso sobre planos de obras con los arquitectos Luigi Camenisch y Tita Carloni en Lugano.

 1961 -1964 es alumno del Liceo de Arte de Milán.

Art Basel Miami 2018

Tiene 18 años cuando empieza la realización de su primer proyecto: la casa parroquial de Genestrerio, Suiza (1961-1963).

Casa_parrocchiale_Genestrerio

A partir de 1964 es alumno de Carlo Scarpa y del historiador de arte Giuseppe Mazzariol en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia.

 En 1965 trabaja con Julián de la Fuente y José Oubrerie en el estudio de Le Corbusier en su último proyecto, el nuevo hospital de Venecia.

Al final de sus estudios conoce a  Louis Kahn, circunstancia que le permite colaborar en una exposición en el Palacio de los Dux relacionada con el proyecto del nuevo Palacio de Congresos de Venecia.

1970 Botta abre su despacho de arquitectura en Lugano.

1972 diseña el que hasta entonces es su edificio más ambicioso: la escuela de grado medio de Morbio Inferiore (1972-1977).

No deja de proyectar viviendas unifamiliares de estructura basada en formas geométricas básicas, como la casa cuadrada de Cadenazzo (1970-1971), la torre residencial rectangular con puente de acceso de Riva San Vítale (1971-1973) y el edificio cilíndrico de la casa de Stabio (1980-1982).

Merece citarse asimismo la biblioteca del convento capuchino de Lugano (1976-1979); aunque se encuentra bajo tierra, la luz llega a raudales a sus salas a través de una cubierta de cristal de forma similar a la de un invernadero.

En sus grandes proyectos posteriores, como el anexo del Banco Nacional de Friburgo (1977-1982), Botta trata de trasladar su geometría clara al contexto urbano.

1983 es nombrado profesor titular de la Escuela Superior Confederal de Lausana y miembro honorario de la Asociación Federal de Arquitectos Alemanes.

Botta construye la Casa del Libro, de la Imagen y del Sonido de Villeurbanne, Francia (1984-1988), el Museo de Arte Moderno dé San Francisco, Estados Unidos (1989-1995) y la catedral de Evry, Francia (1988-1995), que es un edificio de ladrillo de planta circular, con una cubierta muy inclinada poblada de árboles y un campanario afiligranado que sobresale de una abertura circular de la fachada.

En Tesino se encuentran la capilla de Santa María de los Ángeles, en el monte Tamaro, Suiza (1990- 1996), situada a 2.000 metros de altura, con un revestimiento de pórfido que armoniza plenamente con el entorno, y la iglesia de San Juan Bautista de Mogno, Suiza (1992-1998).

Es una iglesia con franjas blancas y grises alternativamente de mármol y granito y recibe la luz natural a través de una cubierta circular acristalada.

2004 termina la remodelación del Teatro alla Scala de Milán y realizó un proyecto de museo en Seúl, Corea del Sur (1995- 2004).

Para el Tschuggen Grand Hotel de Arosa, Suiza, creó en 2003-2006 una zona anexa de bienestar, cuyas instalaciones de baño, subterráneas en gran parte, únicamente son visibles en las piezas sobrepuestas de luz cenital que producen un efecto de sacralidad.

Gössel, P. (2007). The A-Z of Modern Architecture (Vol. 1). Deutscher Taschenbuch Verlag.

Juego de manos, juego de villanos, La buenaventura, George de La Tour, 1630

La buenaventura mide 101,9 cm de alto y 123,5 cm de ancho, y está pintado al óleo sobre lienzo.

La Tour, Georges de (1593-1652): The Fortune Teller, probably c. 1630. New York, Metropolitan Museum of Art*** Permission for usage must be provided in writing from Scala.

Confeccionado en 1630, está en el Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York..

En la Francia del siglo XVII se dan dos  corrientes pictóricas, el naturalismo y el clasicismo.

El primero no tiene excesivos seguidores, debido al gusto clasicista del arte francés desde el Renacimiento, y se da en provincias y en círculos burgueses y eclesiásticos, mientras que el segundo es adoptado como arte oficial por la monarquía y la aristocracia, que le dan unas señas de identidad propias con la acuñación del término clasicismo francés.

George de la Tour es el mas importante naturalista, en su obra se distinguen dos etapas, una centrada en la representación de tipos populares y escenas jocosas, y otra de tema religioso, con tenebrismo como Magdalena penitente (1638-1643), San Sebastian cuidado por Santa Irene (1640).​

Aunque en vida goza de fama, tras su muerte la obra de La Tour cae en el olvido, hasta que se recupera en el XX.

Este cuadro de 1630, es una obra de juventud, perteneciente a una etapa en la que el artista tiene una influencia de Caravaggio.

Además de la fecha exacta en la que es pintado, se ignora su comitente.

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Hasta 1960, Su historia es prácticamente desconocida, fecha en que es adquirido de forma secreta por el Museo Metropolitano de Arte, lo que provoca un gran escándalo en Francia, cuyo ministro de cultura, Andre Malraux, lamenta la pérdida de una obra relevante del patrimonio artístico francés.

San Sebastian George la Tour

 1942 el cuadro es reconocido en una monografía del artista por un prisionero de guerra francés como perteneciente a la colección de su tío.

San Geronimo, George la Tour
San Geronimo, George la Tour

Al terminar la guerra lo hace examinar por un experto, quien adjudica la obra a La Tour y lo comunicó al Museo del Louvre, pero el marchante Georges Wildenstein superó la oferta del museo y adquiere el cuadro, manteniéndolo en su poder durante diez años, hasta que es adquirido por el MET.

1984, el crítico Christopher Wright duda de la autenticidad del cuadro, declarando que es una falsificación realizada en los años 1940 por el restaurador francés Delobre, que trabajaba para Wildenstein.

Da como prueba una palabra que parecía leerse en el pañuelo de la segunda muchacha de la izquierda: merde (mierda en francés).

Según el MET, esta palabra es un añadido posterior, que elimina en una restauración efectuada en 1982.

Pese a todo, la mayoría de los expertos cree auténtica la obra expuesta en Nueva York.

El cuadro representa una escena picaresca típica de la época: cuatro ladronas se sitúan alrededor de un joven rico e incauto y, mientras una lo entretiene leyéndole la fortuna en la mano, otra le roba la bolsa de monedas del bolsillo de su pantalón, mientras que otra situada a su espalda le corta una cadena de oro que le cuelga del hombro. La imagen, de cierto carácter teatral, se centra en las cuatro figuras, con un fondo de luz diurna que contrasta con la mayoría de obras de La Tour de esa época, representadas en ambientes nocturnos.

La figura central, el joven de clase alta, lleva un jubón militar de cuero, por lo que seguramente debía ser estudiante interno de un colegio destinado a las clases altas. Cerca de estos colegios solía haber tabernas y burdeles que frecuentaban los estudiantes.

La vieja de la derecha, a la que generalmente se atribuye leer la mano del joven, muestra una moneda en su mano, en principio para hacer la señal de la cruz como paso previo a la lectura de la fortuna; pero también podría señalar, en una interpretación distinta, que podría ser la alcahueta de las muchachas que rodean al joven, en una transacción lenocinia.

Las dos muchachas de la izquierda parecen gitanas, por su piel oscura, su pelo moreno y sus vestidos de aspecto oriental.

En cambio, la que aparece a la espalda del joven y de frente al espectador tiene la piel muy blanca y lleva un vestido más normal para la época, mientras que se cubre la cabeza con un pañuelo.

La ambientación diurna relaciona esta obra con otras dos de la época realizadas por el autor, El tramposo con el as de tréboles (propiedad privada, Ginebra) y El tramposo con el as de diamantes (Museo del Louvre, París), en las que un joven pierde su dinero jugando a las cartas.

Podría ser que los tres formasen parte de una misma serie, quizá dedicada a la parábola del hijo prodigo que, según el Evangelio de San Lucas (capítulo 15, versículos del 11 al 32), partió a un país lejano y perdió su fortuna en una vida disipada.

Este tema es muy apreciado por los pintores de la época, ya que permite desarrollar escenas ambientadas en tabernas y burdeles al tiempo que implican una lección moral que era tolerada por la Iglesia.​

Existen indicios de que este cuadro podría estar mutilado en su lado izquierdo.

En varias de sus obras, como en El tramposo con el as de diamantes, La Tour utiliza el  rectángulo armónico, basado en la seccion áurea, una proporción resultante de la raíz de 5 + 1 dividida por 2 (1,618), muy utilizada en arte por su armonía.

La Tour, Georges de (1593-1652): The Cheat with the Ace of Clubs. Late 1620s.. Fort Worth (TX), Kimbell Art Museum*** Permission for usage must be provided in writing from Scala.

Este rectángulo armónico se divide en tres rectángulos verticales, uno central más ancho y dos más estrechos a izquierda y derecha.

En el cuadro de La Tour, si se toma el lado corto derecho (DC) y se proyecta hacia la izquierda da un cuadrado (DCD’C’) a partir del cual se obtiene la composición original. Por ello, es deducible que una parte de la gitana de la izquierda fuese recortada, se ignora cuándo ni en qué circunstancias.

https://chrismielost.blogspot.com/2016/04/georges-de-la-tour-el-artista-de-dias-y_26.html

https://es.wikipedia.org/wiki/La_buenaventura_(La_Tour)

Ettore Sottsass

Ettore Sotsass in India
Ettore Sottsass 1969

La intención no es la de lograr un producto, sino la de dar ideas

ETTORE SOTTSASS, CABINET NO. 56 (2003), WOOD, EBONIZED PEARWOOD VENEER, ACRYLIC (COURTESY MET BREUER)
ETTORE SOTTSASS, VALENTINE PORTABLE TYPEWRITER (1968), ABS PLASTIC AND OTHER MATERIALS (COURTESY MET BREUER)
ETTORE SOTTSASS, “MURMANSK” FRUIT DISH (1982), SILVER (COURTESY MET BREUER)

Nace el 14 de septiembre de 1917, Innsbruck, Austria y fallece en 2007 en Milán, Italia.

Austríaco, acaba sus estudios de arquitectura en el Politécnico de Turín.

Trabaja primero con Giuseppe Pagano antes de abrir un despacho propio en Milán en 1947.

El apartamento de Sottsass en la ‘Via Cappuccio de Milán’ en 1958. © Ettore Sottass

Aparte de su actividad como arquitecto, trabaja sobre todo como diseñador de muebles y objetos de uso cotidiano.

1956 presta sus servicios durante algún tiempo en el estudio de George Nelson.

Silla amarilla de oficina ‘Z9R’ (1973) para ‘Olivetti’ y tótems de gres vidriado (1998) edición numerada de 150 para ‘Bitossi’. © Ettore Sottsass

Como asesor de Olivetti, diseña desde 1958 productos innovadores, como el ordenador Elea 9003 (1959), la máquina de escribir portátil Valentino (1969) y la silla de oficina Synthesis 45 (1973).

Máquina de escribir ‘Valentine’ para ‘Olivetti’ y lámpara ‘The Tahiti’ para ‘Memphis’. © Ettore Sottsass
Ettore_Sottsass_and_Fernanda_Pivano_1969
Olivetti-Valentine

1972 esta presente en la exposición Italy: The New Domestic Lanscape del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Ettore Sottsass, « Grande Altare », 1969. © Adagp, Paris. Photography : © Erik and Petra Hesmerg / Courtesy The Gallery Mourmans

Es uno de los defensores del diseño radical, cuya reactivación se propone en 1981 fundando el grupo de diseñadores Memphis.

Crea muebles posmodernos, como el divisor de espacios Carlton, en el que la utilización de revestimientos industriales con dibujos y la forma levemente antropomórfica atentan contra las convenciones del mobiliario.

Ettore Sottsass. Librería Carlton

Cada tabla tiene un color distinto y para las estanterías  y se utilizan elementos en diagonal.

Llama la atención la decoración de revestimiento en blanco y negro, Bakterio, creación de Sottsaas, con que se recubre el pie de Carlton.


La firma de moda Esprit decora sus locales de venta con piezas de la colección Memphis, caracterizando de este modo su marca de una manera muy expresiva.

Ettore Sottsass. Sillón Fliyng Carpet

Tras la creación del grupo Sotssass Associati en Milán, surgen las decoraciones de interiores de las tiendas Fiorucci (en colaboración con Michele de Lucchi), el bar Zibibbo del hotel II Palazzo de Fukuoka, Japón (1988), obra de Aldo Rossi, y la casa Wolf en Ridgeway, Colorado (1987-1988), de dos plantas, con tejado a dos aguas y angulados anejos que sobresalen de la fachada.

La Casa Olabuenaga en Hawaii (1987-89). © Ettore Sottass
Ettore Sottsass by Massimo Giacon

Gössel, P. (2007). The A-Z of Modern Architecture (Vol. 1). Deutscher Taschenbuch Verlag.

https://archxde.com/arquitectos/sottsass-ettore/

https://www.revistaad.es/diseno/iconos/articulos/icono-ad-ettore-sottsass/21841

https://www.centrepompidou.fr/es/programa/agenda/evento/JgG3KxX

https://hmong.es/wiki/Ettore_Sottsass

Milan 2015: Kartell revive Memphis con nuevos diseños por Ettore Sottsass

https://www.elperiodico.com/es/opinion/20210305/posmoderno-ataca-nuevo-grupo-memphis-11560015

https://fahrenheitmagazine.com/diseno/arte-objeto/ettore-sottsass-sinonimo-del-italian-style#view-1

El laberinto del deseo, Judit y su doncella, Artemisa Gentileschi, 1625-1627

Óleo sobre lienzo de 182,2 cm de alto por 142,2 cm de ancho, realizado entre 1625-1627 por la la pintora italiana Artemisa Gentileschi.

Autoretrato de Artemisa Gentileschi

Esta en el Detroit Institute of Arts.

Judit y Holofernes es tratado en numerosas ocasiones por Artemisia Gentileschi, en la versión más dramática del acto de la decapitación, o como en este cuadro, cuando Judit y su doncella se apresuran a huir de la tienda del general asesinado y del campo enemigo.

El mismo sujeto, las dos mujeres que están atentas a escoger el momento de la huida, ya lo había pintado Artemisia durante su periodo florentino, en una Judit y su doncella que se guarda en el Palacio Pitti de Florencia.

En este lienzo de Detrit la pintora, que había regresado a Roma, prueba – como siempre ocurrió en el curso de los traslados que caracterizaron su vida –  se adapta a las novedades estilísticas que acontecian.

Entre las novedades de relieve, sobre todo en la obra de los pintores nórdicos que estan en Roma siguiendo las huellas de Caravaggio, Artemisia toma la interpretación del tenebrismo caravagesco a través de la representación de escenas nocturnas, aclaradas solo por la luz de una vela.

Artemisia Gentileschi / Артемизия Джентилески (1593-1653) – Maria Maddalena in estasi / Мария Магдалина в экстазе (1613-1620)

En este género destacan sobre todo  Gerrit van Honthorst -rebautizado en Roma como Gerardo delle Notti (Gerardo de las Noches)- y de aquel pintor que pocos años ha era conocido como el Maestro de la luz de la vela, hoy identificado como Trophime Bigot.

Artemisia Gentileschi / Артемизия Джентилески (1593-1653) – Lucrezia / Лукреция (около 1620-1621)

El cuadro es considerado entre los empeños artísticos más exitosos de la pintora romana.

Artemisia Gentileschi / Артемизия Джентилески (1593-1653) – Sansone e Dalila / Самсон и Далила (около 1630-1638)

Las dos mujeres se mueven sincronizadas, la doncella arrodillada envuelve – con gestos mecánicos y dirigiendo la mirada a otro lugar – la cabeza de en un lienzo que deberá llevar consigo.

Artemisia Gentileschi / Артемизия Джентилески (1593-1653) – Salomè con la testa di San Giovanni Battista / Саломея с головой Иоанна Предтечи (Крестителя) (около 1610-1615)

 Judit, con su elegante ropa de seda amarilla y la cabeza con joyas, debe esconder la espada con la que ha matado al general enemigo, y parece, con una mano, querer ocultar el rostro de la luz de la vela, casi para proteger la huida.

Artemisia Gentileschi tiene en vida fama de saber pintar con gran maestría bodegones, pero no se conocen cuadros suyos de ese género.

Tiene habilidad en los detalles de los objetos que acompañan a sus cuadros.

En este caso, signo de un gusto exquisitamente barroco, la empuñadura finamente labrada de la espada -más exacto sería hablar de cimitarra-  y el guantelete  de la armadura que Holofernes, desvistiéndose, ha puesto sobre la mesilla, junto al candelero.

https://es.wikipedia.org/wiki/Judit_y_su_doncella_(Gentileschi,_Detroit)

https://theartwolf.com/es/masterworks/gentileschi-judit-y-su-doncella/

https://elpais.com/cultura/2020/06/19/babelia/1592589223_823778.html

https://wsimag.com/es/cultura/65128-arte-nacido-de-mujer

https://marieclaire.perfil.com/noticias/personajes/artemisia-gentileschi-doodle-pintora-feminista.phtml

https://www.tribunaavila.com/blogs/el-jardin-de-hercules/posts/judit-y-rebeca-himno-a-artemisia-gentileschi-1

https://www.candelavizcaino.es/arte/obras-artemisia-gentileschi.html

Trianart fotos

Artemisia. Anna Banti. Traducción de Carmen Romero. Periférica, 2020. 224 páginas. 17,50 euros.

Artemisia. Letizia Treves (ed.). National Gallery /Yale University Press, 2020. 256 páginas. 52 euros.

Cartas precedidas de las actas del proceso por estupro. Artemisia Gentileschi. Edición de Eva Menzio. Cuadernos Arte Cátedra, 2016. 280 páginas. 17,05 euros.

Imagen del documental dirigido por Jordan River sobre Artemisia Gentileschi

El excepcional desconocido, Antoni Bonet Castellana

Los personajes necesitan un decorado, las personas un espacio

 Alberti, Poemas de Punta del Este’. Siempre me suelo levantar y, sobre todo aquí, en los pinos del Este, antes del alba. Así, a las 10, cuando ya he ganado, trabajando, cinco horas de vida, muchos siguen durmiendo y otros comienzan. Porque son los gallos y no la luna los que iluminan de alegría el papel de mi primera palabra. Y porque, de la neblina del amanecer, se va desprendiendo, poco a poco, la neblina del poema.

Designed by the architect Antonio Bonet Castellana, through a long process (1949-1963), and in close collaboration with the owners, Mr. Ricardo Gomis and his wife Mrs. Inés Bertrand, the Gomis House, better known as La Ricarda, is perhaps the most emblematic example of rationalist architecture in Catalonia. It had to fit the necessities of a large family, combining private and common areas, plus a large living room that could be used as a concert hall. The house is located in the middle of a pine grove by the sea and near the city of Barcelona. A single module, 8,80 x 8,80 m., in which four slender steel pillars sustain a heavy wide vault, develops the architectural programme on ground floor level, house and garden working as a unit and in permanent dialogue. Bonet also designed furniture and fittings as the culmination of an entire creative process.
La Ricarda
La Ricarda
La Ricarda
La Ricarda
La Ricarda
La Ricarda
La Ricarda
La Ricarda

Antonio Bonet Castellana fallece en Barcelona el 12 de septiembre de 1989 con 79 años, y, a pesar de haber sido uno de los arquitectos más solicitados y elogiados de los años 60 y 70, hoy su obra se encuentra prácticamente en el olvido, pues sus proyectos no muestran ningún distintivo que identifique a su autor, además de que existe muy poco material fotográfico y divulgativo de la trayectoria del arquitecto barcelonés.

Barcelona, 13.VIII.1913 – 12.IX.1989. Arquitecto y urbanista.

Casa Gomis, 1953-1962.La situación de la casa Gomis, en medio de un bosque frente del mar, muy cerca de Barcelona, resulta determinante en la elaboración del proyecto. La planta está formada por una serie de zonas independientes niños, padres, servicios, porches que se van conectando a la zona de día como si fuera un racimo. De este modo, en los espacios intermedios se pueden llenar de naturaleza y convivir con ella. El programa de necesidades es muy refinado, por ejemplo, el acceso cuenta con un patio en el que se han ubicado un estanque y una escultura; la zona de estar se puede adaptar para reuniones y conciertos; la zona de niños dispone de un patio cerrado para los juegos; el dormitorio de los padres constituye un núcleo independiente en el jardín; la relación con el exterior se tamiza a través de unos porches, etc. La estructura es otro elemento determinante del proyecto, que refleja el aprendizaje de Bonet como socio estudiante del GATCPAC. Está formada por una trama de pilares metálicos, de sección muy reducida, que definen un módulo uniforme de 9 x 9 metros. Sobre estos pilares descansa una cubierta formada por una serie de jácenas de hormigón armado que pautan la casa en una dirección, potenciando la relación con el mar, y una serie de bóvedas a la catalana como las que utilizaba Le Corbusier. La sección de las jácenas de hormigón incluye el canalón para desaguar las cubiertas. La estructura se superpone al programa con gran precisión.

Realizó sus estudios de Arquitectura en la Escuela de Barcelona entre 1929 y 1936. Como estudiante trabajó con José Luis Sert y José Torres Clavé a partir de 1932 —Joyería Roca y casas en el Garraf, en Barcelona—.

Imagen de la portada de la revista AC, nº7.
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio
Casa Rubio

En 1933 asistió al IV Congreso del CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna), y ya conocía a los principales protagonistas del movimiento moderno. Participó, como estudiante asociado, en las actividades del Grupo de Arquitectos y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea (Gatepac), desde 1934.

Imagen aérea de la Manga con las primeras urbanizaciones de Bonet. Fuente: Fuente: Revista del colegio de Arquitectos de Madrid nº131, noviembre 1969

Iniciada la Guerra Civil se trasladó a París, donde trabajó con Le Corbusier. Colaboró en la construcción del pabellón español de la Exposición Internacional de 1937 en París, proyectado por Sert y Luis Lacasa, y asistió también ese año al V Congreso del CIAM.

Imagen de vista nocturna de los años sesenta. Fuente: http://www.allyouneedinmurcia.com/es/campo-de-cartagena-mar-menor/la-manga-del-mar-menor/
Imagen de maqueta del plan Bonet. Fuente: Diario La Voz de la Manga 13/12/2015
Conjunto Hexagonal (Bonet), planta de acceso general, planta de torre y de apartamentos, fotografía del conjunto. Fuente: Revista del colegio de Arquitectos de Madrid nº131, noviembre 1969
 
Conjunto Hexagonal y bungalows Malaret 1965. Fuente. Archivo fotográfico de la Manga http://www.archivofotograficodelamanga.com/fotos/la-manga-antigua/ano-1965/

En 1938 se trasladó a Buenos Aires, donde desarrolló una importante actividad en el diseño, la arquitectura y el urbanismo, junto a varios colaboradores argentinos (Juan Kurchan y Jorge Ferrari Hardoy, entre otros), con quienes fundó el Grupo Austral que difundía, a través de manifiestos radicales, los principios de la arquitectura moderna. Fundó el Grupo OVRA (Organización de la Vivienda Integral en la República Argentina) en 1943, en el que actuaba como secretario, y en 1957 fundó la revista Mirador, órgano difusor del arte y la ciencia modernos.

La Manga del Mar Menor antes y después de la urbanización. Fuente: http://aulagreencities.coamalaga.es/el-paseo-maritimo-como-estrategia-urbana-sostenible-paseo-maritimo-de-la-manga-del-mar-menor-murcia/
Club náutico dos Mares. Bonet. Fuente: Revista del colegio de Arquitectos de Madrid nº131, noviembre 1969

Su producción americana abarca desde el diseño de muebles —silla BKF, en colaboración con Kurchan y Ferrari (1939), en la colección permanente del MoMA (Museum of Modern Art) de Nueva York desde 1950— hasta planes de urbanización —Reconstrucción de San Juan, 1944; Urbanización de Punta Ballena, en Uruguay, entre 1945 y 1948; Urbanización del Bajo Belgrano, Buenos Aires (1948) y Plan Sur, Buenos Aires (1956)— en los que introdujo el pensamiento racionalista en diseños orgánicos, pasando por un conjunto de obras de arquitectura de calidad excepcional —el edificio de estudios para artistas en la calle Paraguay C7 y Suipacha, Buenos Aires (1939), verdadero manifiesto insuperado de una arquitectura racionalista-orgánico-surrealista que incorpora el uso de bóvedas tabicadas de forma sorprendente junto a materiales modernos; el conjunto de casas en Martínez, próximo a Buenos Aires (1941), en colaboración con Peluffo y Vivanco, en las que desarrolla el uso de esas bóvedas; la casa Daneri, en colaboración con Zalba, de 1944; las casas Berlingieri, Cuatrecasas, Booth y La Rinconada (para él mismo), y, sobre todo, el restaurante La Solana del Mar, todas ellas en la urbanización de Punta Ballena en Uruguay, entre 1945 y 1948; construye, en Punta del Este (Uruguay), La Gallarda, casa para Rafael Alberti, en 1945 y la casa Oks, en Buenos Aires (1953), así como notables edificios singulares: Terraza Palace, en Mar del Plata (1957) Galería de las Américas, en Córdoba (1958)—.

Rafael Alberti y Maria Teresa León en La Gallarda.La Gallarda, por otra parte, construida por Bonet para Rafael Alberti y su familia, fue desde siempre un lugar de encuentro de los exiliados españoles que recalaron por estas latitudes tras el fin de la Guerra Civil. En su libro Poemas de Punta del Este’, describe el cuarto de trabajo que había montado cerca del mar, donde se sentía vital y lleno de entusiasmo. “Siempre me suelo levantar y, sobre todo aquí, en los pinos del Este, antes del alba. Así, a las 10, cuando ya he ganado, trabajando, cinco horas de vida, muchos siguen durmiendo y otros comienzan. Porque son los gallos y no la luna los que iluminan de alegría el papel de mi primera palabra. Y porque, de la neblina del amanecer, se va desprendiendo, poco a poco, la neblina del poema”. Los habituales de La Gallarda eran Margarita XirgúEnrique Amorín, los argentinos Oliverio Girondo Manuel Mujica Laínez, el pintor brasileño Cándido Portinari y el chileno Pablo Neruda.
Y  aquí en este complejo de edificaciones residenciales junto al Río de la Plata y tocando el Océano Atlántico, junto a Playa Brava y  Playa Mansa, se teje un discurso de la memoria y de la continuidad de ciertas formas esenciales construidas. Unas formas elementales que retoman elementos constructivos primarios y una ordenación donde se habilita el sueño posible de las dos orillas.
Antonio Bonet (derecha)
Casa Berlingieri, Punta del Este 1945-1948
La Rinconada

Su vuelta a España vino precedida de su asistencia, como delegado argentino, al VII Congreso del CIAM, celebrado en Bérgamo (Italia) en 1948, aunque se inició con anterioridad desde Argentina, donde proyectó la casa Mur en Barcelona (1944), y, en especial, la vivienda unifamiliar La Ricarda, en Prat de Llobregat, próximo a Barcelona (1953), premio FAD (Foment de les Arts Decora) 1968 y 1978, hasta que abre despacho allí y en Madrid a partir de 1959, colaborando habitualmente con José Puig Torné. Su instalación definitiva en España se produce en 1963.

https://dbe.rah.es/biografias/8794/antonio-bonet-castellana

https://www.arquitecturacatalana.cat/es/obras/casa-gomis

http://arquitecturatarragona.blogspot.com/2012/06/03-casa-rubio-1959-1962-antonio-bonet.html

https://www.iconichouses.org/icons-at-risk/la-ricarda

Muerte al sátrapa a manos de una mujer

Judith decapitando a Holofernes, Caravaggio, ca. 1599.

La ciudad de Betulia estaba sitiada por las tropas asirias. El general que las mandaba era Holofernes y quería apoderarse de la ciudad. Los judíos estaban angustiados, pues carecían casi de agua. Su situación, pues, era crítica.

Judith y Holofernes, Artemisia Gentileschi, 1613.

Había en la ciudad una joven viuda, llamada Judit, mujer muy bella y de noble y digna presencia. Su marido, Manasés, le había dejado oro y plata, siervos, ganados y campos que ella por sí administraba. Era mujer muy temerosa de Dios y estaba entregada a la oración, al ayuno y a la penitencia.

Goya, Judith y Holofernes

Vio Judit cómo el pueblo estaba muy abatido y dispuesto a entregar la ciudad al enemigo. Entonces ella habló al pueblo y le prometió salvar a Betulia. Judit se postró, rostro en tierra, y clamó con gran voz al Señor pidiéndole quebrantara el poder de los enemigos del pueblo de Israel.

Historias de Judith. Sandro Botticelli. Témpera sobre panel de madera, 31 x 24 cm. Ca. 1470-1472. Galería de los Uffizi, Florencia. Izquierda, Descubrimiento del cuerpo de Holofernes. Derecha, Regreso de Judit a Betulia.

Una mañana se vistió Judít con toda elegancia; aderezó sus cabellos, púsose un adorno en la cabeza y se embelleció con brazaletes, anillos y aretes. Tan bella estaba que todos quedaron maravillados.

Llenó una alforja con alimentos y saltó de Betulia, acompañada de una esclava, y se pasó al campo enemigo para entrevistarse con el general Holofernes. Ante la presencia de éste, ella habló y todos quedaron admirados de su belleza y sabiduría.

Judith con la cabeza de Holofernes de Gustaf Klimt

Holofernes dio un espléndido banquete en honor de Judit. El general le dijo: «Bebe y alégrate con nosotros.» Judit le contestó: «Beberé, señor, que yo tengo este día por el más grande de toda mi vida.»  

pintura-judith-saliendo-de-la-tienda-de-holofernes-sandro-botticelli-

Quedó Judit sola en la tienda, y Holofernes tendido sobre su lecho, todo él bañado en vino. Dijo Judit a su sierva que se quedase fuera de la alcoba… Y acercándose a la columna del lecho que estaba a la cabeza de Holofernes, descolgó de ella su alfanje; llegándose al lecho, le agarró por los cabellos de su cabeza y al tiempo que decía: Dame fuerzas, Dios de Israel, en esta hora». Y con toda su fuerza le hirió dos veces en el cuello, cortándole la cabeza… y tomándolo, salió enseguida, entregando a su sierva la cabeza de Holofernes.

Ambas salieron juntas, atravesando el campamento enemigo y llegaron a las puertas de Betulia. Judit gritó a los centinelas de la ciudad:

Nuevo Caravaggio descubierto sobre el mismo tema. Pero esa es la tela que una familia francesa de las afueras de Toulouse encontró en su ático cuando reparaba en 2014 una fuga de agua. Oculto tras un muro, no demasiado grueso, estaba un lienzo oscurecido por el polvo y el tiempo. Los propietarios de la casa telefonearon a un subastador de la zona, Marc Labarde, quien a su vez era socio de un galerista experto en Maestros Antiguos bien conocido en París: Eric Turquin. Juntos, con agua y un algodón, limpiaron por encima el cuadro. A primera vista parecía uno de los muchos lienzos caravaggistas que circulan por el mercado. Sin embargo un trabajo más concienzudo de restauración abrió la puerta a otras miradas.

«Abridnos las puertas, nuestro Dios está con nosotros para mostrar una vez más su fuerza en Israel y su poderío contra los enemigos, cuando hoy acaba de hacerlo.» Entró Judit en la ciudad acompañada de su sierva y todo el pueblo la rodeó con gran expectación. Ella, a la vista de todos exclamó:

«Alabad a Dios, que no ha apartado su misericordia de la casa de Israel.» Sacó la cabeza del general y mostrándola al pueblo dijo: «Ahí tenéis la cabeza de Holofernes.» Todo el pueblo quedó estupefacto y doblando las rodillas adoraron al Señor.

Esta es la primera versión de ‘Judith y Holofernes’ concebida por Caravaggio. La escena se pintó en Roma en 1599.

Colgaron del muro la cabeza de Holofernes y todos los hombres de Israel tomaron las armas. En el campamento enemigo, al ver muerto a su general, todo fue confusión, huyendo a la desbandada el ejército asirio. En su huida, los asirios fueron exterminados por las huestes de Israel.

La vida de Michelangelo Merisi da Caravaggio, igual que su obra, esta marcada por la lucha entre la luz y la oscuridad.

Es caballero de la Orden de Malta, de la que es expulsado.

Ambas obras, para su comparación. A la izquierda, el óleo de Caravaggio. A la derecha, el de su aprendiz Gentileschi.Ambas obras son como un espejo en el que se reflejaron sus autores. En la de Caravaggio, aparece el provocador. En la de Gentileschi, la heroína. Caravaggio pintó a un Holofernes que muchos historiadores del arte identifican con un autorretrato suyo. ¡Como si pintara propio asesinato! «Hay que tener en cuenta», apunta Rubayo, «que ya lo había hecho otras veces, como en David con la cabeza de Goliat«. Por su parte, la cara de esfuerzo de la Judit de Artemisia posee las ansias de venganza y la rabia que la pintora debió de sentir cuando padeció en sus carnes los desplantes de la época por ser mujer y dedicarse a un oficio elevado como el de la pintura. «Siempre estuvo rodeada de prejuicios y desventajas que impidieron que pudiera olvidar su condición de mujer y víctima», resuelve la historiadora. Gentileschi se esforzó en su Judit decapitando a Holofernes (expuesto, hoy, en la Galería Uffizi de Florencia) por imprimir en el lienzo todo su conocimiento artístico y demostrar que tenía la calidad suficiente como para codearse con los más grandes de su tiempo, incluso con el gran Caravaggio. Y, cuando menos a largo plazo, lo consiguió. Además, «ha pasado a la historia como un icono feminista», añade Rubayo, «y como una de las pioneras en la representación de poderosas heroínas». 

Los excesos y la delincuencia marcan su vida.

Es culpado de asesinato y condenado a muerte, aunque años más tarde recibe elindulto.

Tras ser indultado, pierde el barco a Roma y muere en Nápoles por una infección.

‘El sacrificio de Isaac’, de Caravaggio (1571-1610). Obra procedente de la florentina Galleria de los Uffizi.MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

Esta obra, que se está en el Palacio Barberini, marca su etapa de contrastes entre luces y sombras. 

Judit y Holofernes es un cuadro de inspiración Bíblica, pintado en 1599.

Está basado en la historia del libro Judit, rechazada por los protestantes, pero que los papas católicos Sixto V y Clemente VIII mantienen en la Biblia de 1592.

La pintura muestra al general Holofernes en el momento de ser decapitado por Judit, la mujer que lo emborracha para evitar que ataque su ciudad.

Provoca reacciones de horror y sorpresa entre los visitantes de su primera sede, pues Caravaggio logra dotar a la obra de gran realismo y crudeza.

Judit se muestra de pie, majestuosa e impertérrita, mientras que su criada, quien le ha proporcionado la espada, está nerviosa y al acecho de lo que pueda pasar.

Los efectos de la obra serían recreados más tarde por las versiones de Artemisa Gentileschi (Judith decapitando a Holofernes, 1620) y Francisco de Goya 8Judith y Holofernes de 1820). 

Recientemente se ha encontrado otra versión del tema cerca de ToulouseFrancia, atribuida al gran maestro italiano.

https://cvc.cervantes.es/el_rinconete/anteriores/enero_11/25012011_02.htm

http://molibdenomolar.blogspot.com/2006/11/judit-y-holofernes.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Judit_y_Holofernes_(Caravaggio)

Mark Stam

La verticalidad y la horizontalidad dotan a la arquitectura del ángulo recto, que siempre se impondrá en la construcción. Estas leyes elementales se revelarán claramente, como otras muchas, en los sistemas modernos de cajas de construcción.

Tras estudiar dibujo en Ámsterdam, Mart Stam (1899-1986) trabaja entre 1919 y 1924 con Marinus Jan Granpré Molière en Róterdam, Max Taut y Hans Poelzig en Berlín y Karl Moser en Zúrich.

La primera ocasión en la que una silla oscilante se presentó al público tuvo lugar en una exposición dedicada al hogar denominada Die Wohnung (La Casa) en 1927, bajo la dirección de Mies Van der Rohe, donde se presentó igualmente la nueva arquitectura y objetos para la vivienda tras el periodo de carencia que se había sufrido durante la Primera Guerra Mundial.
silla-tubular-oscilante-mies-van-der-rohe.Por otra parte, Mies Van der Rohe presentó su modelo, también sin soporte posterior, pero en lugar de ser un cuadrado constaba de una línea semicircular. En este caso en lugar del lacado, el tubo estaba niquelado y su grosor era un poco mayor, 25 mms. de diámetro. Su asiento y respaldo eran de lona.
Silla-Cesca-de-Marcel-Breuer.En 1928 una tercera figura entró en juego, se trataba de Marcel Breuer con una variante de la silla de Stam con un tubo algo más grueso y flexible, con un aspecto más pulido y un respaldo que permitía reclinarse ligeramente.

En la revista ABC. Beiträge zum Bauen, editada en colaboración con Hans Schmidt, publica artículos sobre diseño, arquitectura y muebles y también dibujos en perspectiva de edificios funcionalistas.

Entre 1925 y 1928, mientras trabajaba en el despacho de Johannes Andreas Brinkman y Leendert Comelis van der Vlugt, colabora en el proyecto de la fábrica de tabaco Van Nelle de Róterdam (1925-1930).

Por las mismas fechas acepta una invitación de Ludwig Mies van der Rohe  para construir un grupo rígidamente articulado de casas adosadas con azotea para la urbanización Weissenhof de Stuttgart (1927).

No obstante, su silla de tubos de acero y accesorios diseñada para la ocasión no ofrecía el efecto elástico de la silla en suspensión de Mies.

Le Corbusier, Mart Stam y Mies van der Rohe, en Stuttgart-Weibenhof 1927.

De las mismas fechas son la urbanización Hellerhof de Fráncfort del Meno (1928-1932) y un asilo de ancianos en la misma ciudad (1928-1930), edificio blanco de dos pisos, de planta en forma de H y ampliamente acristalado en el lado sur, pues mientras las viviendas funcionalistas tenían una orientación norte-sur para optimizar la incidencia del sol por la mañana y por la tarde, Stam concibió un asilo adaptado a las otras demandas de aprovechamiento.

1930 Stam emigra a la Unión Soviética en compañía de Ernst May y otros arquitectos; allí trabaja como urbanista y diseña, entre otras cosas, un plan para Magnltogorsk. Cuando comprueba que en la Unión Soviética prácticamente no interesaban sus ideas visionarias, vuelve con su mujer Lotte Stam-Beese a Holanda en 1934.

Entre 1939-1953 dirige las escuelas de formación de Ámsterdam, Dresde y Berlín Este y en los años cincuenta construye el edificio de oficinas Geilustreerde Pers en Ámsterdam (1957-1959).

-MontesoriAmsterdam.
MartStam.Residencia

Gössel, P. (2007). The A-Z of Modern Architecture (Vol. 1). Deutscher Taschenbuch Verlag.

https://almale.blogia.com/2005/082201-el-brazo-de-mart-stam.php

https://es.wikipedia.org/wiki/Mart_Stam

Dali-Freud. Una obsesión

‘Cisnes reflejando elefantes’ (1937), de Salvador Dalí.BELVEDERE

La galería Belvedere expone un centenar de piezas, entre lienzos, dibujos, filmes y cartas, para exponer la influencia del padre del psicoanálisis en el trabajo del artista catalán

El encuentro acontece en Londres en el verano de 1938 gracias al escritor Stefan Zweig. 

Salvador Dali cuenta 34 años, Sigmun Freud, 82.

Viaja a Viena en tres ocasiones para conocerle, sin éxito.

En la capital austriaca come tarta de chocolate en el Hotel Sacher, pasea melancólico por el Graben y estudia El arte de la pintura de Vermeer, pero la cita con Freud no llega.

Tras el Anschluss, la anexión de Austria al Tercer Reich, Freud huye a Londres mientras los nazis se preparan para convertir su casa en el número 19 de la calle Berggasse en un edificio de concentración de judíos, sala de espera para la deportación final.

Es junio de 1938. Un mes después llega Dalí.

La exposición Dali-Freud. Una obsesion, de la galería Belvedere en Viena, disecciona con un centenar de piezas, entre lienzos, dibujos, filmes y cartas, la influencia que ejerció el padre del psiconálisis en la obra del artista hasta el momento de su entrevista en Londres.

Desde la lectura de La interpretación de los sueños, Dalí es freudiano.

Inaugura su serie de grandes obras surrealistas con Los primeros días de la primavera (1929), un lienzo en el que retrata a Freud.

Dice el comisario de la exposición Jaime Brihuega, comisario de la exposición, que ha trabajado casi una década en el proyecto. Un bestiario de fobias y traumas que se originan en su infancia, con un padre autoritario y una identidad borrosa ―con un nombre prestado de su hermano muerto, el otro Salvador Dalí―, y que abarcan desde una confusa orientación sexual hasta las dudas por “la flacidez de su pequeño pene”, dice el historiador del arte, que asevera que esto lo cuenta Dali:

Para Dalí, Freud legitima su personalidad. A través de su cuerpo teórico, comprende sus fantasías, miedos, deseos, frustraciones. Y lo anima a transformarlas en imágenes que han pasado a formar parte de nuestro patrimonio artístico

 Liberado de sus aprensiones, los surrealistas acogen al español en su cenáculo parisino.

Tiene un universo visual maduro, paisajes de alucinaciones psicóticas y delirios paranoides, pero quiere más, rompe el huevo, desarrolla su propia teoría en torno al subconsciente, el método paranoico-crítico.

 La ilustración perfecta de su tesis es Metamorfosis de Narciso, la obra que lleva consigo a Londres para que la contemple Freud.

Metamorphosis of Narcissus 1937 Salvador Dal? 1904-1989 Purchased 1979 http://www.tate.org.uk/art/work/T02343

El Belvedere lo reproduce en un mural de gran formato, pero en esta exposición se echa de menos el original, propiedad de la Tate Modern de Londres.

El salón exhibe los dibujos histológicos de Ramón y Cajal, de una belleza que deslumbró a Dalí en el preludio de su inmersión en el surrealismo, y los coteja con el trabajo de Freud.

En el catálogo, Brihuega bucea aún más en los antecedentes y establece una relación visual única, la influencia de un folclorista como Julio Romero de Torres en un surrealista como Dalí.

 El pintor cordobés es su profesor en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y Dalí halló en su cuadro La saeta un referente que inspiró numerosas secuencias de Un perro andaluz, el filme que rodó con Luis Buñuel, y el lienzo El hombre invisible.

Tras la reunión de Londres en 1938, la huella de Freud, que se solapa con el periodo más valioso y creativo de la carrera de Dalí, se debilita.

El pintor se transforma en el Avida Dollars (sediento de dinero), como le apostrofó Bretón por su anhelo por comercializar su obra, de venderse a sí mismo.

Me estoy volviendo ligeramente multimillonario

Curiosamente, el artista ve el diván, pero no le pidió a Freud que lo psicoanalice.

 No le importa. Tras casi dos décadas de admiración, quiso que interpretara sus escritos sobre la paranoia, no sus sueños.

 Dalí sabe del destierro de Freud mientras cena caracoles en Francia.

El cráneo de Freud es un caracol, gritó Dalí en el restaurante, y su cerebro, uno de los más sabrosos e importantes de la época.

Sin dudarlo, prepara el viaje a Primrose Hill, al norte de Londres.

Allí Freud recibe una carta de Zweig, factótum de las artes, también en el exilio:

Hay alguien más que quisiera acompañarme la semana próxima, uno de sus mayores admiradores, que a pesar de todas sus pequeñas locuras, es quizás el único genio de la pintura moderna.

Edward James, marchante de Dalí, el poeta rico que esta enamorado de él, va con ellos.

Dalí quiere hablar de su propio método científico y Freud contemplar el Narciso. James:

Metamorphosis of Narcissus 1937 Salvador Dal? 1904-1989 Purchased 1979 http://www.tate.org.uk/art/work/T02343

El anciano nos susurró a Zweig y a mí:

este chico parece un fanático. No es de extrañar que haya guerra civil en España.

Unos días después, el neurólogo escribió a Zweig:

Me inclinaba a considerar a los surrealistas, quienes aparentemente me han elegido como su santo patrón, como unos excéntricos incurables. El joven español, sin embargo, me ha hecho reconsiderar mi opinión. Sería muy interesante investigar analíticamente cómo una imagen como esta llegó a ser pintada.

No sucede. Freud muere al año siguiente, en 1939. Durante el encuentro, Dalí esbozó su retrato.

‘Retrato de Sigmund Freud’ (1938), por Salvador Dalí.BELVEDERE

Le pidió a Zweig que se lo entregue. El novelista nunca lo hizo. En el papel se intuía la sombra de la muerte.

Exposición: Dalí – Freud: una obsesión. Museo Belvedere. Hasta el 29 de mayo de 2022. Abierto de las 10.00 a las 18.00 horas.

https://elpais.com/cultura/2022-02-03/la-obsesion-fanatica-de-dali-con-freud-conquista-viena.html

fotos trianart