Realizo obras que cambian desde hace cuarenta años, y lo hacen día a día. Soy muy curioso, necesito conocer
Nace en Adorno Mica, Italia en 1944 y está adscrito al Arte Povera junto a Mario Merz, Germano Celant, Marisa Merz, Giuseppe Penone y Mechelangelo Pistoletto.
La poética de Arte Povera emerge a mediados de 1960 como un uso radical y revolucionario de materiales no convencionales para crear instalaciones de gran vitalidad y provocar experiencias intensas en los espectadores.
A finales de la década de los 60 expuso en varias de las exposiciones colectivas de arte povera. En 1969 fue incluido en la muestra “Nueve artistas jóvenes: premios Theodoron”, en el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.
Las obras de Gilberto Zorio (Italia, 1944), miembro clave de este movimiento, son campos interminables de energía física y mental.
Su obra muestra la fascinación por los procesos naturales, la transformación alquímica y la liberación de energía
Sus esculturas, pinturas y representaciones a menudo se leen como metáforas revolucionarias de la acción, la transformación y la creatividad.
Es conocido por el uso de materiales que incluyen: tubos de luz eléctrica incandescente, acero, brea, motivos y procesos mediante el uso de evaporación y oxidación.
También crea instalaciones precarias utilizando materiales frágiles como Stella di Bronzo y Acidi dentro de su obra.
Zorio estudia en la Scuola di arte e di ceramica (Escuela de Artes y Cerámica) y luego en la Academia de Bellas Artes de Turín (1963-1970).
Originalmente estudia pintura, pero pronto pasa a la escultura y tiene su primera muestra individual de obras tridimensionales en 1967 en la Galleria Sperone, Turín.
Continua viviendo allí y enseñando después de graduarse.
Gran parte del trabajo inicial de Zorio tiende hacia lo que el artista norteamericano Robert Morris identifica como una desdiferenciación entre los materiales y las formas de arte en la práctica escultórica posminimalista.
Esto lleva a Zorio a presentar objetos que afirman relaciones dinámicas con sus materiales y su contexto espacial o ambiental.
Esto se puede ver en el semicilindro de cloruro de cobalto de Zorio que cambia de color en reacción a la presencia del espectador.
Zorio esta influenciado por Michelangelo Pistoletto, Piero Gilardi y Mario Merz.
Las primeras piezas de Zorio realizadas entre 1966 y 1968 suponen procesos energéticos.
Estos trabajos utilizan el proceso de reacciones químicas o acciones físicas simples (como oxidación, evaporación, refinación o transmisión eléctrica).
Estos primeros trabajos se basan en cambios autónomos que tienen lugar dentro de un sistema dado, o en cambios causados por la intervención externa (por ejemplo, por parte del espectador).
Estos cambios se dan dentro de la obra y ocurren a un ritmo lento, convirtiendo el peso y el impacto del tiempo y el ritmo implacable de la naturaleza en algo tangible.
La energía, tanto a nivel físico-químico como emocional, es común a todos estos procesos. Estos conceptos estan en piezas como: Rosa-blu-rosa , Tenda , Piombi , Senza titolo, 1967 y Senza titolo, 1968 .
Desde su primera exposición en la Galleria Sperone de Turín en 1967, la obra de Gilberto Zorio está ligada a la historia del Arte Povera.
Estas primeras producciones son objetos extraños, que son el resultado de acciones completas o en proceso.
Luego viene su trabajo que involucra la acción y reacción del cuerpo del artista como en Odio, una palabra inscrita con un hacha en una pared.
Actualmente, las obras de Zorio se encuentran en las colecciones del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, el Museo Stedelijk de Ámsterdam, el Centro Georges Pompidou de París y la Tate Modern de Londres, entre otros.
El papel de las palabras y el habla es fundamental en estas piezas.
Mural de Diego Rivera de 1947 y obra estrella en la exhibición permanente del Museo Mural Diego Rivera.
Iniciativa del arquitecto Carlos Obregón Santacilia, su lugar inicial era el salón Versalles del Hotel del Prado, frente a la Alameda Central.
Después de ser ocultado durante 7 años, se traslada al vestíbulo del hotel donde se exhibe hasta que el edificio es afectado por el terremoto de México de 1985.
1986 el mural es rescatado en 1986 y trasladado a su lugar actual en la Plaza de la Solidaridad, espacio construido después de la demolición de los restos del Hotel Regis, que desaparece durante el terremoto.
El mural representa al artista como un niño, paseando en la Alameda Central, acompañado de más de 100 personajes de 400 años de la Historia de Méjico.
La figura central es La Catrina, con una estola de plumas que evoca a Quetzalcóatl, del brazo de Jose Guadalupe Posada y de la mano de Diego Rivera.
Pinta figuras históricas de distintas épocas y distintas procedencias.
Desde una indígena anónima a José Martí, exiliado en México desde Cuba.
De Frida Kahlo a un autorretrato del propio Rivera como un niño.
La Catrina lleva de la mano a Rivera en su versión infantil. El artista se autorretrata como un niño que tiene detrás a Frida que lo abraza como si fuera su madre. En su mano la pintora y por esa época esposa de Rivera lleva el símbolo del yin y yang, logotipo oficial del taoísmo.
Y rodeando a estas figuras aparecen escritores, políticos, políticos y demás gentes que escribieron la historia de México, todos ordenados de forma cronológica.
A la izquierda vemos la conquista, la época colonial, la independencia, la invasión norteamericana y la intervención europea. Sus protagonistas son gentes como Hernán Cortés o el emperador Maximiliano.
En el lado derecho Rivera muestra la revolución, los movimientos campesinos y la lucha proletaria. Ahí están por ejemplo Emiliano Zapata o Porfirio Díaz.
A la derecha se ve el saludo entre Manuel Gutiérrez Nájera y José Martí, escritores de la época.
El sector izquierdo se ilustran la conquista, la época colonial, la independencia, la invasión norteamericana y la intervención europea, eventos en los que la Alameda Central tiene una participación importante como escenario.
Aparecen Hernán Cortés, fray Juan Zumárraga, Sor Juana Inés de la Cruz, el virrey Luis Velasco y Castilla, el emperador Maximiliano con su esposa Carlota y Benito Juárez entre otros.
El lado derecho evoca los movimientos campesinos, la lucha popular y la revolución. En dicho sector aparecen Porfirio Díaz, Francisco I. Madero, Emiliano Zapata, Ricardo Flores Magón y varios más.
Se expone en el Instituto de Arte Contemporáneo de Chicago, EEUU.
Se trata de un gran lienzo de ciento cincuenta centímetros de altura y poco más de ciento cuarenta de anchura, que con un formato vertical representa una peculiar crucifixión.
En el centro del lienzo Chagall ha representado a Jesucristo crucificado no de cara al espectador sino situado en diagonal y potenciado por una luz blanquecina que le llega desde la esquina superior derecha.
En su representación hay singularidades puesto que no aparece ataviado con la tradicional corona de espinas o el paño de pureza; en la cabeza porta un turbante como si de un profeta se tratase y el paño de pureza ha sido sustituido por un talit judío.
En torno a esta figura central se arremolina un mar de nubes plagado de escenas caóticas en las que se representan a distintas personas a una escala menor huyendo, luchando o saqueando algunas casas.
Todo esto hace referencia al sufrimiento del pueblo judío a lo largo de su historia; la obra de Chagall aparece influenciada por su condición de judío.
Representa el sufrimiento de un pueblo contra el que por entonces se comete una de las mayores persecuciones de la histori.
En Noviembre de 1983 tiene lugar la Noche de los Cristales Rotos cuando miles de comercios judíos son asaltados por los nazis.
En este contexto el Cristo de Chagall poco tiene que ver ya con el salvador de la humanidad, más bien se trata de una clara interpretación de un mártir judío
Movcha (Moisés) Chagal, como él mismo decía, nace muerto el 7 de julio de 1887, en la ciudad bielorrusa de Vitebsk, cerca de la frontera con Polonia.
Debido a que nace sin respirar y dando signos vitales, su angustiada familia pincha su cuerpo y luego lo meten en un abrevadero de piedra con agua fría; el bebé empieza a gritar.
Con esa introducción a la vida, Marc Chagall, como más tarde eligió ser conocido en París, crece como un niño tartamudo y con miedo de crecer, que prefería soñar con el amor y pintarlo en cuadros que ir a buscarlo en carne propia.
El propio Chagall se define como un soñador que nunca se despierta.
Crece oyendo a Bach y Mozart, la música preferida de su pequeña comunidad judía jasídica cerca de Vitebsk, Rusia, lo que primero lo influencia. Como el mayor de nueve hermanos, esta fascinado con la idea del violinista flotante.
Su padre, Khatskel-Mordechai Chagal, trabaja en un almacén de arenques; su madre, Feiga-Ita Chernina, tiene una pequeña tienda de comestibles. Ambos se adhirieron nominalmente a las creencias religiosas judías hasidim, los piadosos, que prohiben la representación gráfica de cualquier cosa creada por Dios.
Así, Chagall crece en una casa sin imagenes
Aún así, insiste a su madre hasta que ella lo lleva a una escuela de arte dirigida por un retratista local, donde es el único estudiante que usó el color violeta.
Tras el suceso que conmociona a su comunidad escolar y familiar por igual, algunos miembros de su círculo más cercanos se niegan a darle la mano después de que comienza a pintar.
1907, a los 20 años, gana una pequeña suma de dinero para su padre, y hecho ya un estudiante reconocido para bien o para mal, se traslada a San Petersburgo para estudiar arte, experimentando con el estilo cubista en boga allí, pero nunca abandonando su vocabulario artístico personal, siempre forjándose lejos de su lugar de nacimiento.
Aunque triunfa, odia la formación en arte clásico.
Yo, pobre muchacho de campo, me vi obligado a familiarizarme a fondo con las miserables narices de Alejandro de Macedonia o de algún otro imbécil de yeso.
Su mundo se amplia en 1909 cuando se inscribe a una clase impartida por Leon Bakst, quien, después de haber estado en París, tenía un aura de sofisticación.
Bakst complace el enfoque expresivo y poco convencional de Chagall hacia la pintura y deja caer nombres, exóticos para los oídos del joven, como Manet, Cézanne y Matisse. Habla de pintar cubos y cuadrados, de un artista que le corta la oreja.
El dinero pronto se agota, y aunque consigue algunos kopeks retocando fotografías y pintando carteles, a veces se derrumba de hambre, por lo que en 1911, se instala en París y su obra empieza a venderse en Europa.
Un año después, regresa a su casa para casarse con su esposa, a quien lleva a la capital francesa debido los rumores de la Segunda Guerra Mundial y las implicaciones para un artista judío.
Ahí, pinta prolíficamente se codea con pintores como Fernand Léger, Chaim Soutine, Amedeo Modigliani y Robert Delaunay y se mantuvo fiel a su naturaleza de narrador, pareciendo tener más en común con escritores como el poeta francés Guillaume Apollinaire, quien describe el trabajo de Chagall como sobrenatural.
Muchos críticos consideran el trabajo de Chagall durante su estancia de cuatro años en París como el más audaz y creativo, reconociendo las tendencias entonces prevalecientes del cubismo y el fauvismo, absorbiendo aspectos de cada uno en su propio trabajo.
Algunos historiadores del arte han intentado descifrar sus símbolos”, dice Jean-Michel Foray, director del Museo del Mensaje Bíblico Marc Chagall en Niza, “pero no hay consenso sobre lo que significan. No podemos interpretarlos porque son simplemente parte de su mundo, como figuras de un sueño.
En 1914, el artista vuelve a Vitebsk con la intención de quedarse solo brevemente, pero queda atrapado por la Primera Guerra Mundial.
A pesar de estar lejos de su círculo artístico, son tiempos de estar cerca de su esposa Bella Rosenfeld.
A pesar de las preocupaciones de su familia de que ella muriera de hambre como esposa de un artista, la pareja se casa en 1915; Chagall tiene 28 años y Bella, 23. En su obra Above the Town, de 1914-18, él y Bella se elevan felizmente por encima de Vitebsk.
1917, Chagall abrazó la revolución bolchevique. Ve con buenos ojos el nuevo régimen y es nombrado comisario de arte en Vitebsk, donde funda una escuela de arte y trae profesores de vanguardia.
No obstante, pronto queda claro que los revolucionarios prefieren el arte abstracto y el realismo socialista.
Abandonando su trabajo como comisario en 1920 y se muda con su familia a Moscú, donde pinta paneles decorativos para el Teatro Estatal de Cámara Judía.
Descontento con la vida soviética, se va a Berlín en 1922 y se instala en París un año y medio después junto con Bella y su hija de 6 años, Ida.
Cada vez más alarmado por la persecución nazi de los judíos, Chagall hace una fuerte declaración política sobre lienzo en 1938 con su Crucifixión blanca.
Luego, ya de 51 años y en su mejor momento artístico, retrata al Cristo crucificado, con los lomos cubiertos con un manto de oración, como símbolo del sufrimiento de todos los judíos.
En junio de 1941, Chagall y su esposa toman un barco rumbo a Estados Unidos y se instalan en la ciudad de Nueva York.
Los 6 años que pasa ahí no fueron los más felices, ya que nunca se acostumbra al ritmo de la vida neoyorkina y nunca aprende inglés.
Sus colores durante estos años a menudo se oscurece a un tono trágico, con representaciones de un Vitebsk en llamas y rabinos que huyen.
Cuando Bella, su musa, confidente y mejor crítica, muere repentinamente en 1944 de una infección viral a los 52 años, todo se vuelve negro, escribe Chagall.
Tras superar el luto a lado de su hija, artista regresa a su amada Francia en 1948 para volver a trabajar, continua con sus temas favoritos y crea quizás su mayor obra de inspiracion musical, el techo de la Ópera de París.
Conoce a Virginia McNeil y se vuelve a casar, mientras sigue siendo ofrecido comisiones que le mantengan el estatus de artista,
Además de los lienzos, Chagall produce litografías, aguafuertes, esculturas, cerámicas, mosaicos y tapices.
También asumió proyectos tan exigentes como el diseño de vidrieras de colores para la sinagoga del Hadassah-HebrewUniversityMedicalCenter en Jerusalén.
Con más de 300 obras, al final de su vida, Marc Chagall destaca por su determinación en su obra, explorar el papel que juega la música en la vida y en la configuración del arte.
Cuando muere en Saint Paul de Vence el 28 de marzo de 1985, a los 97 años, Chagall sigue trabajando, siendo el artista de vanguardia que se negaba a ser moderno.
Esa es la forma en que dijo que lo quería: Para permanecer salvaje, indómito… y evitar gritar, llorar, rezar.
Quiero mostrar lo que se esconde detrás de lo que llamamos realidad,Busco, partiendo del presente, el puente que lleva de lo visible a lo invisible
Autoretrato
Pinto retratos, naturalezas muertas, paisajes, visiones de ciudades que emergen del mar, mujeres hermosas y monstruos grotescos. Bañistas y desnudos femeninos. En definitiva, la vida. Una vida, simplemente, tal como existe. Sin pensamientos ni ideas. Llena de colores y de formas extraídas de la naturaleza y de mí mismo. Lo más bella posible
Hace el óleo de gran formato Muerte como contrapunto al titulado Nacimiento de 1937.
Las dos obras son pintadas durante su exilio en Amsterdam, tras haberse ido de una Alemania nazi que tras requisarle 595 cuadros e impedido exponer y dar clases, lo habria castigado por artista degenerado.
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Los cuadros son dos caras de una misma moneda en las que se ven paralelismos estilísticos, es casi un díptico, aunque por algún motivo Beckmann vende por separado.
Temáticas antagónicas como un parto y velatorio, Beckmann las pinta con la misma composición y tamaño, y en las dos aparece, a modo de autorretrato, la figura de un médico con gorro y delantal.
Ejerce así como de mediador entre el nacimiento y la muerte.
Beckmann es seguidor de la filosofía oriental y es probable que contara con el concepto de reencarnación.
Muerte y nacimiento son viajes circulares, viajes como el suyo durante el exilio, que para él siempre significa una pequeña muerte, y a la vez un renacimiento de su arte.
La figura femenina tan demacrada que protagoniza la composición bien podría hacer referencia a la traumática muerte de su madre cuando el artista tenía 20 años, y que puso patas arriba todo su mundo.
Vemos como en la pintura, las figuras que rodean a la difunta están —literalmente— patas arriba.
La influencia más importante y duradera fue sin duda la de Cézanne; su preocupación por aunar la representación de los volúmenes con la superficie bidimensional del lienzo se convertiría en una de sus principales obsesiones durante toda su carrera.
Este lienzo, realizado en 1931, se encuentra en el Whitney Museum of American Art de New York
Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti son dos anarquistas e inmigrantes italianos que son acusados de asesinar a dos hombres en un robo a mano armada en 1920 en South Braintree, Massachussets.
Son condenados a la silla eléctrica en 1927 después de un juicio irregular en el que siempre sobrevuela las dudas sobre la culpabilidad de estos dos inmigrantes, que termina generando un movimiento popular internacional en contra de dichas irregularidades y como crítica al sistema judicial americano.
Ben Shahn, judío lituano y también inmigrante en Estados Unidos, pinta en este cuadro los féretros en los que se ven los rostros de Sacco y Vanzetti y en pie, detrás de ellos, a tres caballeros vestidos de negro que integraban el comité creado por el gobernador de Massachussets para su asesoramiento.
El del centro corresponde a Abbot Lawrence Lowell, presidente en aquellas fechas de la Universidad de Harvard.
Los lirios que llevan en la mano se interpreta como el símbolo de que los lirios blancos crecen sobre las tumbas de los inocentes condenados a muerte.
En el edificio que se ve al fondo y que Shahn dibuja con el aspecto del juzgado de Norfolk en el que tiene lugar el proceso, en una de las ventanas se percibe al que es el juez del caso, el cuestionado juez Webster Thayer que levanta la mano como si estuviera prestando juramento
Hay una canción Here’s To You cantada por Joan Baez y que compone en 1971 Ennio Morricone para la película Sacco e Vanzetti del director Giuliano Montaldo.
Ben Shahn nace en Kaunas, Lituania, el 12 de septiembre de 1898. Fue un artista polifacético, pintor, ilustrador, artista gráfico, fotógrafo y escritor que desarrolló toda su carrera en los Estados Unidos.
En cuanto a la pintura, alcanzó la fama con sus obras de realismo social, desde su punto de vista de ideología de izquierdas, al igual que con sus discursos y publicaciones en «The Shape of Content».
En el momento que nació en el seno de una familia judía, se estaba produciendo la ocupación de su país por parte del Imperio Ruso.
En 1902 su padre, sospechoso de ser activista revolucionario, fue deportado a Siberia, Shahn, su madre y sus dos hermanos más jóvenes se trasladaron a Vilkomir, en Ukmergė.
En 1906, después de que el padre hubiera logrado escapar de Siberia, la familia se reunió en Estados Unidos, donde ya se encontraba Hessel. Fijaron su residencia en el barrio de Williamsburg, en Brooklyn, Nueva York.
Shahn interesado por el dibujo desde que era un niño, inició su formación trabajando como aprendiz de litógrafo.
Esta experiencia es visible en su obra posterior, en las que con frecuencia unió imágenes y textos. Utilizó sobre todo en su técnica la tempera al huevo, algo que era frecuente entre los artistas que practicaban el realismo social.
Comenzó a estudiar Biología en Nueva York en 1919, carrera que abandonó en 1921 para dedicarse al arte, comenzando a asistir al City College, inicialmente y posteriormente en la National Academy of Design, tras lograr su ingreso.
Tras su matrimonio con Tillie Goldstein, ambos viajaron al Norte de África y después a Europa, visitando los centros neurálgicos del arte en aquellos años vanguardistas, recorrido que hacían que la mayor parte de los artistas de todo el mundo en esa época.
Además de estos fue influenciado por algunos de sus contemporáneos, como Walker Evans, Diego Rivera y Jean Charlot.
Sin embargo las obras que surgieron de la inspiración de estos viajes, nunca le gustaron, decía que adolecían de originalidad.
Es por esto que desistió de practicar basándose en el arte europeo, para madurar y desarrollar su estilo definitivo dentro del realismo social.
De esta época es su serie sobre los juicios a Sacco y Vanzetti, fueron 23 pinturas al gouache, en las que expresó los avatares políticos de aquellos años y apartándose de forma definitiva del academicismo; «La pasión de Sacco y Vanzetti» fue expuesta en 1932, recibiendo una elogiosa crítica y gran aceptación entre el público. Con estas pinturas, se afianzó definitivamente su estilo.
A continuación realizó su serie sobre el líder entre los trabajadores de California, Tom Mooney, lo que le supuso el reconocimiento y admiración de Diego Rivera, cuando este trabajaba en el mural del Rockefeller Center.
En 1935, gracias a la recomendación de Walker Evans, gran amigo y antiguo compañero de habitación, llegó hasta Roy Stryke, uniéndose al al grupo de fotógrafos en la «Farm Security Administration» (FSA), viajando y fotografiando el deprimido, su modo de vida y las condiciones de trabajo del sur norteamericano, junto a Walker Evans y Dorothea Lange ( En una próxima entrada en este blog, hablaremos y mostraremos una muestra de sus magnificas fotografías.), auténticos documentos sociales.
En 1939, junto a su segunda esposa, realizaron trece murales inspirados en el poema de Walt Whitman «I See America Working».
Durante los años de la II Guerra Mundial, trabajó para la Oficina de Información de Guerra (OWI), pero tachadas como exentas de patriotismo, los preferidos en ese momento, fueron desechados casi en su totalidad, sólo dos de sus carteles fueron publicados.
De su producción durante la guerra destacan sus cuadros contra la guerra, dotadas de un sentimiento en el que encontró otras formas de expresión, como «Death on the Beach», en el que representa la desolación y la soledad de la guerra.
En 1945 pintó la «Liberación de París», en el que vemos a unos niños jugando entre en los escombros.
A pesar de su creciente fama, sólo aceptó trabajos en los que pudiera plasmar algún valor personal o social.
Ya encumbrado como un gran artista, fue enviado, junto con Willem de Kooning, para representar a Estados Unidos en la Bienal de Venecia de 1954.
De 1961 a 1967, trabajó en las realización de las vidrieras del templo Beth Sión, un Buffalo, sinagoga de Nueva York diseñada por Harrison y Abramovitz.
Fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias, del Instituto Nacional de Artes y Letras y de la Academia dell ‘Arte e del Disegno de Florencia.
Fue reconocido por El Art Directors Club de Salón de la Fama como «uno de los grandes maestros del siglo XX.
Estuvo enormemente activo como académico en las dos últimas décadas de su vida. Recibió doctorados honorarios de la Universidad de Princeton y la Universidad de Harvard, de esta última ejerció como profesor
Sus escritos publicados, incluyendo la «Biografía de la pintura» de 1956 y «The Shape of Content» de 1960, son obras de gran influencia en el mundo del arte.
En plena crisis económica, Wood hace una apología de los valores tradicionales americanos y el mundo rural, el denominado regionalismo norteamericano.
Mientras medio país se desespera por los caminos por la Gran Depresión, Grant Wood sigue retratando el medio oeste por medio de esta pareja de granjeros que se convierten al poco en icono.
Dos supervivientes que afrontan las vacas flacas con austeridad y trabajo duro.
Wood imita el estilo de los pintores renacentistas flamencos, con las figuras frontales y una pintura al óleo muy minuciosa y detallada, como la de su admirado Van Eyck.
Cuando expone Gotico americano en 1930 en el Art Institute de Chicago, causa interes e irritacion.
Me cayo encima una tormenta de protestas de mujeres campesinas de Iowa que pensaba que las caricaturizaba.
Nunca estuvo en su animo eso, segun explica, pero si hay una relacion entre la pareja y la casa, no sabemos cual, porque no lo explica.
Una escena en Iowa en un dia brumoso.
No es la mirada de ambos lo que nos retiene, sino la tension entre lo que se ve y lo que se oculta.
Corresponde a la etapa de la pintura de Otto Dix que se sitúa en el período de entreguerras.
He tirado libremente por la borda todas las nociones de composición ideal, la sección de oro y toda esa basura renacentista
Quiero tener un contenido, un objeto. Declaro la ruptura entre el hombre y el mundo, su complejidad. El arte sin objeto es demasiado unilateral para mí. Soy de la opinión herética de que el arte debe ser útil de algún modo, ya se trate de una visión filosófica, religiosa, o cualquier otra, eso importa poco. Rechazo ‘el arte por el arte’, porque ahí algo no encaja
La obra tiene el formato de una típica obra religiosa, de iglesia.
En el panel central del tríptico hay una fiesta, el lujo y los brillos de una pequeña parte de la sociedad, hipócrita y divertida, que se aísla de la espantosa realidad con música, diversión y alcohol. Ignora.
En los paneles laterales, muestra lo que hay más allá de las paredes del salón de la fiesta: la tensión social, el hambre, los lisiados de la guerra (pobres veteranos mutilados que, apenas unos años después de la guerra, con el olvido y el desprecio son tratados ahora peor que por el enemigo) y la prostitución.
Una vida miserable y desesperanzada.
La pintura ya no busca la Belleza sino busca la Verdad. El arte denuncia e intenta cambiar la realidad.
Una realidad que está cultivando un profundo sentimiento de revanchismo, y así terminará siendo perfectamente funcional al ascenso del partido nazi.
Porque cuando se siembra el odio, se cosecha un Hitler, por ejemplo.
Otto Dix nace en Untermhaus, Gera, Alemania, el 2 de diciembre de 1891. Fue uno de los más grandes pintores alemanes del siglo XX, practica diferentes estilos durante su carrera, aunque la fama se la dieron sobre todo sus dibujos y pinturas sobre la guerra.
Sobresalió sobre todo en esto último, siendo un excepcional dibujante, dejando como legado más de quinientos, además de una extensa obra en óleos y acuarelas.
De alguna forma sus cuadros nos retrotraen al Renacimiento, fue sin duda un enorme artista. Su infancia se desarrolló en un ambiente amante del arte, su madre era una apasionada, y su profesor de dibujo en el colegio le orientó a seguir ese camino.
De 1905 a 1909 recibió clases del pintor Carl Senff, que sin embargo, no creyó en sus aptitudes para ser un buen artista. Fue gracias a una beca, que logró ingresar en la Academia de Arte de Dresde, en la que permaneció de 1909 a 1914.
Durante su estancia en ella se interesa por los renacentistas alemanes y realizó su primer autorretrato. Durante la última etapa como estudiante de la Academia practicó con el cubismo, el futurismo y el dadaismo.
Al comienzo de la Primera Guerra Mundial se alistó, como voluntario, siendo los horrores de la guerra los que marcaron el resto de su vida y de su carrera.
A su vuelta a Dresde fundó, junto al pintor Conrad Felixmüller, el Dresdner Secession Gruppe 1919″ grupo radical de escritores y pintores expresionistas y dadaístas, con quienes realizó en 1920 varios collages de tema crítico sobre la sociedad.
De 1925 a 1927 reside en Berlín, años en los que sus cuadros alcanzan las cotas más altas de criticismo, influido principalmente por la corriente de la Nueva Objetividad. En 1927 logra se catedrático de la Academia de Arte de Dresde.
Con la instauración en el poder en Alemania del nacionalsocialismo, es el primero de los catedráticos de arte en ser destituidos de sus puesto, establciéndose al sur de Alemania, en el Lago Constanza. A partir de 1937 su trabajo es catalogado como Arte degenerado, tachándola de «sabotaje al espíritu militar de las fuerzas armadas». De su obra que esta expuesta por toda Alemania, son requisadas 260 obras, algunas son vendidas, pero la mayoría son quemadas.
1938 es detenido por la Gestapo, acusado de participar en el atentado contra Hitler en Múnich, siendo encarcelado dos semanas. A pesar de este ambiente hostil, fue en estos años en los que Dix realiza los encargos más importantes de su carrera, entre ellos el magnífico retrato de San Cristóbal Mártir, para una fábrica de cerveza. 1945 es movilizado de nuevo durante la Segunda Guerra Mundial y hecho prisionero por los franceses.
Es liberado en 1946, regresando a su casa de Hemmenhofen.
Tras la Guerra, y el resto de su vida, no consigue adaptarse a las dos corrientes artísticas alejadas entre sí, predominantes en las dos Alemanias: no logra identificarse con el Realismo Socialista de la República Democrática Alemana, ni con el Arte Abstracto que impera en la posguerra en la República Federal Alemana.
Sin embargo en ambas Alemanias, sus cuadros consiguen su mayor cotización, un gran reconocimiento de público y de crítica, y recibe múltiples homenajes. 1959 le es concedida la Cruz del Mérito Federal, premio que comparte con el escritor y filósofo Ernst Jünger; fue así mismo propuesto para recibir el Premio Nacional de la República Democrática Alemana, petición que ejerció la Asociación Cultural de Gera en 1950.
En la década de 1960 expuso en numerosas ocasiones y recibió varios premios en las dos Alemanias.
En 1966, en su 75 cumpleaños, se le otorga el Premio Alfred-Lichtwark y el Martin-Andersen-Nexö. Ese mismo año es nombrado Ciudadano Honorario de Gera.
En 1967 recibió el Premio Hans-Thomas y en 1968 el Premio Rembrandt, de la Fundación Goethe, en Salzburgo. Murió el 25 de julio de 1969 en Singen, en las faldas de la montaña Hohentwiel.
Está enterrado en el cementerio de Hemmenhofen. La mayor parte de su obra se encuentra en el Museo de Arte de Stuttgart.
Las figuras estan descalzas, y sus caras muestran serenidad, monotonía, cansancio…
Los cuerpos de las trabajadoras se reducen a perfiles con un sombreado mínimo necesario para sugerir el volumen de sus cuerpos.
Los colores tan claros casi resumidos a grises y blancos de reflejos azulados, muestran la escena con amabilidad.
Esta imagen dista de la apariencia habitual de un entorno industrial de principios del siglo pasado. La escena desprende pulcritud futurista.
La impronta de Malevich se deja ver en los carretes que se almacenan en las paredes que parecen estar flotando y los discos que parecen una anticipación al CD.
La composición carece de profundidad y volumen.
Estos CD’s son grandes rollos de tela, que los carretes son los husos de hilo y que lo que arrastra uno de los personajes no se trata de dos bombonas de Co2 sino de dos de las bovinas textiles.
La ventana del fondo, muestra un niño paseando dos vacas, escena que anticipa algunas pistas sobre la Nueva Objetividad que se da ya a principios del XX: ventanas sin decorar, fachadas lisas, predominio de las formas cuadrangulares y las líneas rectas; premisas de la Bauhaus
El propio estilo arquitectónico en la que se enmarca la obra también refleja algunos de estos planteamientos, el espacio es funcional, está ordenado y todo elemento está armonizado.
Deineka desarrolla un estilo moderno y Trabajadoras textiles es quizá, el máximo exponente de todo esto.
La imagen tiene el formato de retrato 200 × 150 cm.
Fue de propiedad privada durante muchos años, se prestó a la Galería Nacional de Berlín en 1987 y finalmente se compró en 1999.
La imagen de Kirchner es una de las llamadas Escenas de la calle de Berlín , una serie de imágenes realizadas después de que se muda de Dresde a Berlín en 1913-1914.
Muestra una situación de medianoche en la Potsdamer Platz de Berlín con numerosas figuras que representan a los transeúntes moviéndose en diferentes direcciones.
Los hombres van vestidos de negro y tres mujeres van vestidas de rosa.
En el primer plano del cuadro, en una especie de isla de tráfico, que también puede interpretarse como una bandeja muy inclinada de la que uno puede deslizarse fácilmente, dos mujeres del medio mundo, prostitutas, elegantemente vestidas, dispuestas a incursionar, pararse juntos. La mujer pelirroja de la izquierda finge estar vestida de negro.
Viuda de guerra con velo en la cara, lo que indica que la figura solo se completó después del inicio de la guerra en agosto de 1914, se muestra de perfil.
Ambas usan zapatos negros de tacón alto. La mujer vestida de azul parece darle un pequeño empujón con el pie derecho a su amiga, probablemente debería hacerse a un lado.
La pose orgullosa de las mujeres se ve reforzada por los sombreros extravagantes y las expresiones faciales desdeñosas y parecidas a máscaras de los rostros estrechos.
Las figuras masculinas del fondo son posibles pretendientes que cruzarán la calle para hacer contacto.
Potsdamer Bahnhof está en el fondo de la imagenreconocible cuyo reloj marca la medianoche.
En el borde izquierdo de la imagen hay un palacio de recreo con el entonces conocido lugar de encuentro Café Piccadilly, que luego se convierte en Haus Vaterland .
Las dos mujeres son las bailarinas de discoteca Erna Schilling y su hermana Gerda, amigas berlinesas de Kirchner con las que hacía un trío.
Son casi de tamaño natural en la pintura de gran formato.
Por eso, Kirchner recomienda colgar el cuadro pegado al suelo.
El entorno y el fondo con las otras figuras aparecen desproporcionados y distorsionados.
El tema de la obra no es el cuadrado, sino la relación entre las figuras.
La conexión entre el primer plano y el fondo de la pintura está formada por los hombres con las piernas abiertas, colocados a izquierda y derecha de las mujeres.
Su sombrero en diagonal sobre su cabeza, por lo tanto, pretende referirse a la catástrofe de la Primera Guerra Mundial que esta en el aire:
El ciudadano todavía tiene su sombrero en la cabeza. Pero pronto perderá su sombrero y su cabeza
Las mujeres se apartan de los hombres y se disfrazan, lo que aumenta aún más la tensión erótica entre los grupos de figuras que pretende el artista.
En este cuadro, el artista logra crear una tensión atmosférica y nerviosa entre las figuras individuales aisladas y alienadas, la arquitectura, la escena y su colorido. Los tonos irreales de rojo y rosa, los tonos verdes radiantes de la superficie de la carretera, que pueden explicarse por el alto contenido de verde de la antigua iluminación de gas de Berlín, y la composición de ángulo agudo con picos en forma de V en forma de cuña en primer plano. crear un elemento agresivo en la imagen.
El propio Kirchner describe en su reseña titulada Das Werk(de 1925), la composición de sus escenas callejeras como «sensaciones no figurativas» y que «el sentimiento que se cierne sobre una ciudad, cómo la gente compone en masa y se mueve en órbitas» puede entenderse como una suerte de «líneas de fuerza «. .
La imagen probablemente se inició en la primavera de 1914, pero no se completó hasta después de que comenzara la guerra en agosto.
Hay una xilografía de Ernst Ludwig Kirchner que muestra una escena similar al revés.
Según la historiadora del arte de Marburgo Hyang-Sook Kim, la representación de la mujer de la izquierda como viuda de guerra tiene un significado especial en esta pintura de Kirchner.
Las prostitutas que se revelan como viudas después de la guerra franco-prusiana de 1870/1871 estaban mejor protegidas de las represalias policiales.
Por un lado, la viuda de guerra representa la obligación social del duelo y la abstinencia, pero por otro lado, como una mujer joven que perdió a su esposo en la guerra, está al borde de ganar dinero debido a su mala situación económica. las pensiones se pagaban según el rango, no según la duración del esfuerzo bélico de subsistencia, ciertamente también a través de la prostitución.
Ella vuelve a estar disponible sexualmente y, por lo tanto, se degrada al objeto del sexo opuesto.
En esta imagen, el velo de la cabeza parece una jaula, lo que sugiere que Kirchner pretendía que el espectador de esta imagen comprendiera las contradicciones de la sociedad de la época, en la que, por un lado, los males sociales podían llevar a las viudas de guerra a la prostitución, pero por el otro.
Por otro lado las mujeres podían llevar luto y no mostrar ropa, poses o gestos provocativos.
En la sociedad patriarcal, el velo de viuda sirve para controlar la sexualidad femenina.
La visión emocionalmente controlada de Ernst Ludwig Kirchner sobre las mujeres no las reduce solamente a sus «portadoras emocionales» en este cuadro.
Sobre todo, su vida interior mental sobrecargada se manifiesta particularmente claramente aquí.
1914 fue un año especial para Kirchner, parecía Brücke tendría éxito solo en el mundo del arte, pero la Primera Guerra Mundial acabó con sus esperanzas.
Kirchner desarrolló cada vez más un nerviosismo relacionado con la ansiedad, que luego podría calificarse incluso de patológico.
1915 se ofreció como voluntario para el ejército, pero su crisis personal no pudo superarla, sino que le llevó a cambiar su imagen de la mujer de la ficción de una convivencia ideal a sentimientos negativos que llevaron a la satanización de la las mujeres y sobre todo quien dirigía putas.
El Kirchner Museum Davos posee la mayor colección mundial de su obra
1903 Kirchner esta en Múnich para estudiar pintura en la Escuela de Bellas Artes.
1905 funda con otros estudiantes el grupo Die Brücke (El puente) que pretendía crear un estilo plano con colores puros, inspirado en el arte primitivo y el fauvismo francés.
Este grupo y Der Blaue Reiter forman la segunda oleada expresionista.
Destaca el color antinatural, cálido, subjetivo y fulgurante; las formas planas, con poco interés por los volúmenes y la perspectiva, que se violenta en escorzos; uso de contornos trazados con líneas gruesas, como incisiones en madera.
Son estos artistas los que recuperan la técnica de la Xilografia, de origen medieval.
Los temas son generalmente escabrosos, en sintonía con la forma expresiva de mostrarlos: prostitución, locales nocturnos de dudosa reputación, calles angostas con personajes trajeados…
Kirchner sigue viviendo en Dresde hasta 1911.
Después se v, donde supo ra a Berlín y refleja la agitación y movimiento de una gran ciudad moderna.
Se interesa por el mundo de la prostitución callejera; un ejemplo destacado Prostitutas en rojo se halla en el Thyssen junto con otras siete obras del artista.
1914 con el estallido de la I Guerra Mundial, es movilizado, pero sufre una grave crisis nerviosa.
Al retornar de la guerra, en 1915, su situación mental no mejoró y su salud se resintió más tras sufrir un atropello. Tuvo que optar por la tranquilidad de Davos (Suiza), donde siguió pintando, en su mayor parte, paisajes más tranquilos, y menos estimados por la crítica actual.
1937, en plena ascensión del nazismo, su obra se calificó de arte degenerado y se destruyeron muchos de sus trabajos.
Su situación emocional empeora a raíz de ello y se suicida en Frauenkirch, cerca de Davos, en 1938.
Nace en Cuiseaux, comuna de Borgoña al este de Francia, el 11 de noviembre de 1868. Con 9 años se traslada junto a sus padres a París.
Tras la muerte de su padre, cuando Vuillard contaba tiene 15 años, le es otorgada una beca para continuar sus estudios de secundaria en Le Lycée Condorcet, allí conoce a Ker Xavier Roussel.
Ambos dejan la escuela el año siguiente y continuan su formación artística en el taller de Diogène Maillart, que anteriormente alumno de Eugene Delacroix.
1887, con diecinueve años de edad, logró entrar en L’Ecole des Beaux-Arts, sin embargo, pronto se alejó de la rigidez academicista y se unió a Bonnard y Sérusier, dos de los más relevantes representantes del grupo de los Nabis.
Gracias a su amistad con Aurélien Lugné-Poë, productor teatral que introdujo en París el drama simbolista, tiene un gran vínculo con el mundo del teatro con sus escenografías exóticas, participa tambien en la fundación del Théâtre de L’Oeuvre.
1889 se matricula en la Academia Julien, donde conoce a Pablo Ranson y junto a los citados más arriba, Bonnard, Denisl y Sérusier, forma más tarde el grupo de Los Nabis, influidos por los pintores japoneses y Gauguin.
1898 viaja por Europa: Venecia, Florencia, Milán, y España y en 1890 a Londres.
Este año presenta varios cuadros en el Salón de París de 1890, la crítica que recibien sus cuadros es devastadora, enojado promete no concurrir nunca más a dicho Salón.
Hasta finales de siglo trabaja como ilustrador, realizando entre otros programas para el Teatro Libre.
1901, presentó algunas obras el Salón des Indépendants, y en 1903 expuso algunas pinturas para el Salon d’Automne, y participa en una exposición organizada en reacción a las políticas conservadoras los dirigentes del Salón de París.
Al iniciarse el siglo XX su estilo tiende hacia un mayor naturalismo.
Entró en contacto con la familia Hessel y la estrecha relación que se establece entre ellos convirtió a su círculo de amistades en los nuevos clientes de sus paisajes y, especialmente, de sus retratos, que se convierten con el tiempo en el género predominante en su pintura.
El pintor vive con su madre hasta la muerte de ésta en 1928. Un número importante de sus obras de esa época son representaciones de escenas de costura en las habitaciones de su casa.
En muchas de estas escenas aparece su compañero de Los Nabis, el pintor, Pierre Bonnard, en ellas describe estos interiores con toda su calidez, confort y tranquilo aislamiento.
También pintó escenas de paisajes urbanos, calles y los jardines, al igual que en todas sus obras, ejecutadas con un delicado conjunto de colores suaves y borrosos.
Continua recibiendo numerosos encargos de mecenas privados para pintar retratos y obras decorativas, también algunos frescos para edificios públicos, entre ellos, para la decoración del vestíbulo del Théâtre des Champs-Élysées, murales en el Palacio de Chaillot, y en la Liga de las Naciones en Ginebra.
A partir de 1910 se aparta del proceso posterior creativo de la vanguardia, es decir del surrealismo y el cubismo.
Se convierte en el retratista mas famoso de Paris que pinta entre 1920-1940.
Ahora tiene encargos públicos y pertenece a la Academia de Bellas Artes.
Sus últimos años prácticamente sólo pintó retratos.
Murió tras la invasión alemana, en La Baule, el 21 de junio de 1940, dos años después de que el Musée des Arts Décoratifs celebrase una exposición retrospectiva de su obra.
El blog de Ila Basmati 