Pintura al óleo sobre lienzo de 120,2 x 104 cm.

Firmado y fechado sobre una cartela a la derecha donde aparece Fran.co de Zurbaran fabt/1628.

En la cartela de la pintura aparece solo como el Beato B.Serapius.

El irlandés Peter Serapión nace en 1179.

Es un cruzado irlandés que lucha al servicio del rey de Inglaterra Ricardo Corazón de León.

También guerrea en la Reconquista al servicio del rey Alfonso VIII de Castilla, pero conoce a san Pedro Nolasco y entra en la Orden de la Merced en 1222 donde asume el voto de redención de sangre.

Los religiosos mercedarios se comprometen a dar su vida a cambio del rescate de los cautivos.

1240 participa en varias redenciones, en la última de las cuales se queda como parte de pago para la liberación de algunos cautivos, pero el dinero para su rescate no llega a tiempo.

Los sarracenos de Argel lo martirizan, atándolo en una cruz en forma de aspa, destripándolo y descuartizándolo.

Por este martirio es conocido como san Serapio mártir.

Zurbarán representa el horror de la tortura sin que se vea ni una gota de sangre.

El autor se atiene a la sección aurea.

1628 Zurbarán firma un contrato, con los religiosos del convento de Nuestra Señora de la Merced Calzada y es cuando pinta a San Serapio.

Nace en Fuente de Cantos, Badajoz, el 7 de noviembre de 1598.
Es uno de los más importantes representantes del barroco en el siglo de oro español.

Destaca en la pintura religiosa, con una enorme fuerza y misticismo.
En sus primeras obras, se aprecia la influencia de Caravaggio, pero su estilo deviene hacía el manierismo italiano.

Tiene como primer maestro en Sevilla  a Juan de Roelas, antes de entrar en el taller de Pedro Díaz de Villanueva, donde permanece entre de 1614 a 1617, en él que conoce  a Francisco Pacheco y a Herrera,  maestros muy famosos en la capital hispalense y coincidió con Alonso Cano y Diego Rodriguez de Silva Velazquez, del que es muy amigo.

Tras unos años, en los que probablemente recibe formación, vuelve a Badajoz, abriendo un taller en la localidad de Llerena, donde se casa dos veces, siendo padre muy joven.

En ese tiempo realiza numerosos encargos sobre todo de distintos conventos e iglesias extremeñas, la mayoría, perdidas.

1626 los dominicos sevillanos de San Pablo le encargaron una serie importante de cuadros, aunque es muy mal pagado.

Más tarde los mercedarios calzados de la Casa Grande de Sevilla le contratan con un sueldo tres veces superior para un trabajo de parecida magnitud.

Del conjunto de San Pablo se conservan el espléndido Crucificado, actualmente en Instituto de Arte de Chicago, su primera obra fechada, en 1627, y tres magníficas figuras completas de los padres de la Iglesia, actualmente en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, que alberga una importante muestra de la obra del de Fuente de Cantos.

En dos escenas sobre la vida de Santo Domingo para la iglesia de la Magdalena de Sevilla, en varios de los que hizo para los mercedarios, se puede apreciar la mano de ayudantes de su taller, en contraposición, el magnífico San Serapio, pintado en 1628, en el Atheneum, Hartford, es indudable su ejecución total por parte del pintor, en este óleo podemos ver las amplias dotes del aún joven pintor, en las que sorprende la plasticidad en las formas, la armonía del color y la magistral aplicación de la luz.

También de ese tiempo son algunas de sus mejores obras, entre ellas una serie bellas escenas de la vida de san Pedro Nolasco, dos de las cuales se encuentran en la colección del Museo del Prado, las otras están dispersas por museos de todo el mundo.

1629, a propuesta del Consejo Municipal, se instala definitivamente en Sevilla.

En esos años pinta cuatro lienzos importantes para el colegio franciscano de San Buenaventura, actualmente en el Museo del Louvre de París, y en la Gemäldegalerie Alte Meister, de Dresde.

La década de 1630 es la época más prestigiosa de su carrera, convirtiéndose en el mejor intérprete de la Reforma católica del siglo de oro español.

Recibe encargos de todas las órdenes religiosas que en ese momento había en Andalucía y Extremadura.

Para los jesuitas pinta la Visión del beato Alonso Rodríguez en 1630, en la Real Academia de San Fernando de Madrid; para los dominicos: Apoteosis de santo Tomás de Aquino, en 1631, en Museo de Bellas Artes de Sevilla, y también para los conventos sevillanos de los carmelitas, los trinitarios y los mercedarios descalzos.

Su éxito culminó en 1634 con una invitación de la corte, posiblemente auspiciada por Velázquez que ya se encontraba en la corte, para participar en la decoración del salón grande del Buen Retiro.

En él realizó los diez Trabajos de Hércules para las sobreventanas y dos grandes lienzos de batallas; once de estas pinturas se conservan actualmente en el Museo del Prado.

De vuelta a Sevilla continua trabajando para las órdenes religiosas que le solicitaban constantemente.

Casi todas las pinturas de dos impresionantes series que ejecutó en este tiempo, son probablemente las mejores de su producción, y se conservan, algunas en España y otros en los más importantes museos de todo el mundo.

Hay que añadir una serie que pinta para el monasterio de Guadalupe, única del pintor que se conserva in situ.

Los ocho grandes cuadros de la sacristía, pintados en Sevilla entre 1638 y 1639, representan episodios poco conocidos de la vida de los monjes jerónimos, Misa del padre Cabañuelas, Aparición del Cristo al padre Salmerón, y Fray Gonzalo de Illescas escribiendo, entre otros.

En la capilla adyacente, tres episodios de la vida de San Jerónimo, pintados hacia 1645, con un estilo tenebrista, en la que se aprecia la influencia de Ribera.

1640 los grandes encargos disminuyen, mientras que evoluciona el mercado americano.
1644 en colaboración con su taller, hace un retablo para la colegiata de Zafra, y en 1655, los tres célebres lienzos apaisados de la sacristía de la cartuja sevillana de Santa María de las Cuevas, en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.

En la década de 1650 Sevilla padece una profunda depresión económica, tras una gran epidemia de peste en 1649, reduciendo considerablemente su población, pierde su hijo y colaborador Juan.

 Zurbarán aumenta entonces la producción de taller con series de fundadores de órdenes, de santas vírgenes o de césares que fueron enviadas al Nuevo Mundo.

1658, al parecer, por dificultades económicas en Sevilla, se traslada a Madrid donde al poco tiempo vienen  su mujer y la única hija superviviente de su tercer matrimonio.

En la última época pinta algunas obras aisladas, que no pertenecen sin que formen parte de ningún conjunto, lienzos la mayor parte de devoción privada de pequeño formato y ejecución refinada.

Se puede observar una evolución en su estilo, de modelado más suave y aterciopelado.

Tiene una buena clientela privada, pero su salud se debilita casi de forma repentina, su última obra firmada es de 1662.

Su obra está representada en las colecciones de los más grandes museos de España y de todo el mundo.

Trianart

Wikipedia

https://historia-arte.com/obras/san-serapiohttp://artemagistral.blogspot.com/2021/03/san-serapio-de-zurbaran.html

Desarrollo algo sin ninguna idea preconcebida de cómo se verá, entonces, para darle un significado y un sentido de evidencia, trato de definir las formas con precisión. Se convierten, a través de las sombras, la textura, etc., en bastante físico y, por lo tanto, «real» y no una imagen de otra cosa. Las formas no representan nada más, no simbolizan nada ni describen nada fuera de la pintura. Se representan a sí mismas.

Trabajo de adentro hacia afuera, por así decirlo, y las formas son casi formas negativas. 

Realmente empiezo sin nada, no hago bocetos antes de empezar a pintar, trabajo directamente sobre el lienzo. 

Pintora abstracta alemana nacida en Kiel en 1967 y que vive y trabaja en Londres, Inglaterra, donde está representada por la Galeria Greengrassi.

Abts trabaja en acrílico y óleo, confeccionando sus composiciones a partir de elementos geométricos repetitivos.

Los títulos de sus pinturas se derivan de un diccionario de nombres alemanes. 

Afirma que todas sus piezas de trabajo miden 48 cm por 38 cm.

Ninguna de las pinturas es figurativa. No hay referencias a la naturaleza, el mundo o cualquier otro tema. 

La abstracción en las pinturas está respaldada por la falta de detalles, aunque sus pinturas no siguen las reglas del arte abstracto. 

Son formas complejas que se superponen y se tejen de diferentes maneras con luces, sombras y sensación de profundidad adicionales.

Como muchos artistas abstractos, desde Piet Mondrian hasta Robert Ryman, Abts enrriquece la via con su discurso, reduciéndolo a elementos básicos como color, línea, plano.  

Crea un efecto 3D superponiendo y trabajando cada pintura. 

Aborda cada lienzo sin ideas preconcebidas, acumulando capas de pintura hasta que se siente satisfecha con el resultado.

Es la ganadora del Premio Turner 2006, habiendo sido seleccionada por sus exposiciones individuales en Kunsthalle Basel, Suiza, y Greengrassi, Londres. 

La Tate Gallery dice:

A través de sus lienzos íntimos y convincentes, enriquece el lenguaje de la pintura abstracta.

https://www-arthistoryarchive-com.translate.goog/arthistory/abstractexpressionism/Tomma-Abts.html?_x_tr_sch=http&_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=sc

Nace en Ginebra y estudia en la escuela pública de arte de esa ciudad.

Antes de cumplir los veinte emigra a París a estudiar veterinaria para familiarizarse con la anatomía de los caballos y otros animales y luego regresa a Suiza.

El Tubinger Morgenblatt de 1808 dice:

Agasse, el célebre pintor de animales , ahora en Inglaterra , debe su fortuna a un accidente.

Hace unos ocho años, estando entonces en Suiza , un rico inglés  -George Pitt George , más tarde Lord Rivers- le pide que pinte su perro favorito, un galgo que había muerto.

El inglés esta tan satisfecho con su trabajo que se lleva al pintor a Inglaterra con él .

Es uno de los pintores de animales famosos a finales del siglo XVIII y principios del XIX.

Siendo neoclásico tiene un excepcional conocimiento de la anatomía y una gran afición por los caballos de carreras ingleses y los representa con excelencia.

Aparece por primera vez en los catálogos de la Academia en 1801 como el expositor del Retrato de un caballo, y continua exponiendo hasta 1845.

En los catálogos se da su nombre como JL Agasse o Agassé.

La cantidad de veces que Agassé cambió de dirección confirma la afirmación  de que vivió pobre y murió pobre.

Aparece en el thriller francés L´Antiquaire, con algunas obras que se le atribuyen, entre otras, una pintura de dos leopardos.

Hoy en el cuadro de la Jirafa Nubia, el animal inclina su largo cuello para llegar al recipiente que sostienen sus cuidadores árabes.

Al fondo pueden verse dos vacas egipcias. 

El desarrollo de las comunicaciones hace a los comerciantes de comienzos del siglo XIX viajar a tierras cada vez más lejanas y regresar con mercancías cada vez más exóticas.

Las jirafas, los leones y los leopardos son vendidos a ricos hacendados, y Agasse, que es famoso por su capacidad para plasmar el detalle, recibe a menudo el encargo de pintarlos.

 El rey Jorge IV de Inglaterra le paga 200 libras por el cuadro de la jirafa y los cuidadores.

El señor con chistera es Edward Cross, un conocido importador de aves y animales para la familia real.

Nacido en Suiza. Agasse vive en Inglaterra a partir de 1800, y en ese país alcanza un notable éxito pintando escenas deportivas y animales exóticos. También pintó algunos retratos ecuestres de aristócratas.

https://hmong.es/wiki/Jacques-Laurent_Agasse

Núm. 7, edad adulta es parte de la serie De tio största (los diez más grandes) de Af Klint.

La serie representa las etapas de la vida, la infancia, la juventud, la edad adulta y la vejez.

Mezclan elementos botánicos y objetos orgánicos reconocibles que hacen referencia al nacimiento y al crecimiento.

Este lienzo, de tres metros de alto y dos de ancho, es pintado sobre papel, en el piso de su estudio, y luego pegado sobre un lienzo.

Interpreta la edad adulta en plena floración pintando varias formas fluidas en diferentes tamaños y colores sobre un fondo lila.

 El símbolo amarillo central se asemeja a una flor, mientras que las espirales y las formas biomórficas son símbolos de crecimiento y fertilidad.

 Nace en Solna en 1862  y muere en Danderyd en 1944 fue una artista sueca especialmente conocida por ser pionera del arte abstracto.

​ Crea sus primeros cuadros abstractos en 1906, antes que Wssily Kandinsky – quien hasta 1911 no publica De lo espiritual en el arte -, Piet Mondrian y Kazimir Malévich.

Los cuadros abstractos de Klint no son conocidos hasta 1986, ya que, por expreso deseo de la artista, en sus últimas voluntades solicita que sus obras no sean expuestas hasta al menos veinte años después de su muerte, ya que considera que su obra no sea bien acogida en su época.

Nunca participa en exposiciones ni movimientos.

Hija de un almirante, desde 1882-1887 asiste a la Real Academia Sueca de las Artes donde aprende las técnicas que le permiten trabajar como retratista y paisajista. Pertenece a la primera generación de mujeres europeas que se forma académicamente en arte.

Unos años más tarde, la academia pone un estudio a Hilma y otros dos compañeros en el barrio artístico y bohemio de Estocolmo, el Kungstraedgaarden, para que desarrollen su talento.

Allí, Klint realiza tanto retratos como paisajes de estilo naturalista.

Siente especial atracción por el esoterismo que aumenta tras la triste muerte de su hermana de diez años.

 Se acerca a los rosacruces, la antroposofía y la teosofía, un movimiento que también atrajo a Kandinsky y Mondrian. También se inicia en el espiritismo.

1896 Hilma af Klint junto a otras cuatro amigas forman un grupo llamado Las Cinco. 

Klint y sus amigas practican la escritura y la pintura automáticas a partir de sesiones de espiritismo.

Se reunen los viernes para sesiones de meditación y espiritismo durante las cuales practican la escritura automática de acuerdo con los mensajes que recibían de unos espíritus a los que denominaban los Altos Maestros.

Durante una de las sesiones, reciben el encargo de los Altos Maestros de mostrar lo que habían visto del mundo espiritual durante las sesiones con los médiums.

Las otras artistas rechazan participar en el proyecto pero Klint trabaja en la serie Los cuadros para el templo, sus primeras obras abstracta, iniciadas en 1906 y terminadas en 1915, compuesta por 193 obras.

1908 conoció a Rudolf Steiner, miembro destacado de la Sociedad Teosofica y fundador de la Antroposofía quien cuando ve la obra le recomienda no mostrarla durante 50 años. La artista lo limitó a 20 años.

Hilma af Klint suspende su trabajo para asistir a su madre dependiente, período en el cual abandona el barrio de Kungstraedgaarden. 

No retoma su labor pictórica con Los cuadros para el templo hasta 1912, trabajo que concluye en 1915.

Un año después, pinta bajo los lineamientos de la geometria abstracta la serie Parsifal y en 1917, la serie Átomo.⁷​

1920, año en que muere su madre, viaja a Suiza, donde se reencuentra con Rudolf Steiner.

Allí se une a la Sociedad Teosófica y estudió sus textos. En lo pictórico, realiza una serie de pinturas sobre las grandes religiones del mundo.

1925, abandona la pintura por completo para dedicarse a los estudios teosóficos. Muere en un accidente en 1944.

Es una innovadora radical de un tipo de arte que da la espalda a la realidad visible. Desde 1906 desarrolló un lenguaje abstracto.

La obra de Hilma af Klint no es una abstracción real del color y la forma en sí mismos, sino que trata de modelar lo invisible.

Esto sucede años antes de que apareciera la obra de Wassily Kandinsky, Piert Mondrian y Kazimir Malevich, que aún son tratados como los precursores del arte abstracto a principios del siglo XX.​

Hilma af Klint realiza más de 1000 piezas, entre pinturas y obra en papel.

En vida, expone su obra temprana y figurativa, pero nunca la abstracta.

En su testamento redactó que su obra abstracta no se exponga en público hasta veinte años después de su muerte, dado que estaba convencida de que hasta entonces no se podría valorar y comprender su obra en su justa medida.

 Sus deseos se cumplen y no es hasta 1986 cuando se descubre su obra

Tras abandonar el lenguaje figurativo naturalista, Hilma af Klint parte de la base que existe una dimensión espiritual en la existencia y quiere hacer visible el contexto que existe más allá de lo que el ojo puede ver.

Al igual que otros de sus contemporáneos, ella está muy influida por las corrientes espirituales de la época, particularmente el espiritismo, la teosofía y la antroposofía. En su obra abstracta, en la que destaca la pintura de gran formato, se encuentran elementos recurrentes, como círculos concéntricos, óvalos y espirales.

Las temáticas que abordaba aspectos metafísicos, como la dualidad -materia y espíritu, lo femenino y lo masculino- la totalidad del cosmos, el origen del mundo, etc.

wikypedia

https://theartwolf.com/es/masterworks/los-diez-mayores/

https://galerialibreblog.wordpress.com/2017/03/19/hilma-af-klint-las-diez-mas-grandes-num-8-grupo-iv-1907/

El centro de reubicación de guerra es un eufemismo de campo de concentración llamado Manzanar donde Ansel Adams toma más de 220 fotografías que están en la web de la Biblioteca del Congreso. 

No es un fotógrafo documental bueno y es una lucha crear estas imágenes donde hay  imágenes de paisajes y naturalezas muertas impresionantes.

Pero lo digno es la postura moral de Adams hacia el encarcelamiento ilegal de estadounidenses de origen japonés, algo que va en contra de todo lo que se supone que representa la ciudadanía estadounidense.

1944 publica un libro llamado Born Free and Equal que protesta por el trato de estos ciudadanos estadounidenses. 

A través de la fotografía y texto, muestra cómo sufren una gran injusticia, al retratar a los internados estadounidenses de origen japonés como estadounidenses leales que viven sus vidas como ciudadanos normales, no como extranjeros peligrosos.

El libro no es bien recibido y es llamado amante japonés y se queman copias del libro. 

¿Te imaginas el coraje que debe haber tomado para publicar un libro en medio de la Segunda Guerra Mundial, con todo lo que estaba pasando con Estados Unidos y la guerra en el Pacífico contra Japón, titulado Nacidos libres e iguales, un libro que deja al descubierto la hipocresía de la democracia como sólo contingente en aquellos en el poder

Es interesante es cómo Adams presenta este trabajo para exhibirlo en el propio campamento. 

Movido por la historia humana que se desarrolla en el cerco del desierto y las montañas, y por el deseo de identificar de alguna manera creativa mi fotografía con el trágico impulso de los tiempos, llegué a Manzanar con mis cámaras en el otoño de 1943. Para muchos años, he fotografiado la Sierra Nevada, esforzándome por revelar a través de la declaración clara de la lente aquellas cualidades del escenario natural que reclaman la respuesta emocional y espiritual de la gente. En estos años de tensión y dolor, la grandeza, la belleza y la tranquilidad de las montañas son más importantes para nosotros que nunca. He tratado de dejar constancia de la influencia del tremendo paisaje de Inyo en la vida y el espíritu de miles de personas que viven por la fuerza de las circunstancias en el Centro de Reubicación de Manzanar.

Creo que el acre esplendor del desierto, rodeado de imponentes montañas, ha fortalecido el espíritu de los manzanares. No digo que todos sean conscientes de esta influencia, pero estoy seguro de que la mayoría ha respondido, de una forma u otra, a las resonancias de su entorno. Del duro suelo han sacado buenas cosechas; han hecho brillar jardines en los cortafuegos y entre los cuarteles. A partir de la confusión polvorienta y de empujones de los primeros días sombríos en barracones en bruto, se han modulado hacia una sociedad interna democrática y un ajuste personal digno de elogio a las condiciones que escapan a su control. Las enormes vistas y las severas realidades del sol, el viento y el espacio simbolizan la inmensidad y la oportunidad de Estados Unidos, quizás una tranquilidad vital después de la experiencia del éxodo forzado. …

Confío en que el contenido y el mensaje de este libro sugerirán que los amplios conceptos de la ciudadanía estadounidense y de la vida liberal y democrática en todo el mundo deben protegerse en la prosecución de la guerra y sustentarse en la construcción de la paz venidera.

Ansel Adams, Prólogo de  Nacidos libres e iguales , 1944

El conocido fotógrafo de bellas artes y paisajes, Ansel Adams, asumió varios encargos relacionados con la guerra. Cuando ofreció las fotos de Manzanar a la Biblioteca en 1965, Adams escribió en una carta adjunta: “El propósito de mi trabajo era mostrar cómo estas personas, que sufrían bajo una gran injusticia… habían superado la sensación de derrota y desesperación [sic] al construir por sí mismos una comunidad vital en un entorno árido (pero magnífico).

Las fotografías documentan la vida de los estadounidenses de origen japonés internados durante la Segunda Guerra Mundial en el Centro de Reubicación de Manzanar, en el condado de Inyo, California. Hay numerosos retratos en primer plano y ocupacionales de personas, incluido Roy Takeno, editor de Manzanar Free Press, y el fotógrafo Tōyō Miyatake. Los retratos de grupo incluyen familias, mujeres y niños. Otras fotografías muestran a personas posando en sus viviendas y participando en la vida cotidiana en interiores, como compras, servicios religiosos, atención médica y educación; puntos de vista más informales retratan escenas agrícolas al aire libre y actividades deportivas y de ocio. Las vistas del paisaje presentan las montañas y el desierto de fondo, así como las instalaciones y edificios del campamento.

Texto del sitio web de la Biblioteca del Congreso

La primera mañana en Manzanar cuando me desperté y vi cómo era Manzanar, simplemente lloré. Y luego vi la alta montaña de la Sierra, como la montaña de mi país natal, y solo lloré, eso es todo. Haruko Niwa, internado en Manzanar desde 1942 hasta 1945.

Se construyeron diez centros de reubicación de guerra en desiertos, llanuras y pantanos remotos de siete estados; Arkansas, Arizona, California, Colorado, Idaho, Utah y Wyoming. Manzanar, ubicado en el Valle Owens de California entre Sierra Nevada al oeste y las montañas Inyo al este, era típico en muchos aspectos de los 10 campamentos. Alrededor de dos tercios de todos los estadounidenses de origen japonés internados en Manzanar eran ciudadanos estadounidenses por nacimiento. El resto eran extranjeros, muchos de los cuales habían vivido en los Estados Unidos durante décadas, pero a quienes, por ley, se les negó la ciudadanía.

Los primeros estadounidenses de origen japonés en llegar a Manzanar, en marzo de 1942, fueron hombres y mujeres que se ofrecieron como voluntarios para ayudar a construir el campamento. 

El 1 de junio, la Autoridad de Reubicación de Guerra (WRA) se hizo cargo de la operación de Manzanar del Ejército de los EE. UU. La sección de viviendas de 500 acres estaba rodeada por alambre de púas y ocho torres de vigilancia con reflectores y patrullada por la policía militar. 

Fuera de la cerca, las viviendas de la policía militar, un embalse, una planta de tratamiento de aguas residuales y campos agrícolas ocuparon los 5.500 acres restantes. En septiembre de 1942, más de 10.000 estadounidenses de origen japonés estaban hacinados en 504 barracones organizados en 36 bloques. Había poca o ninguna privacidad en los barracones, y no mucha afuera. Las 200 a 400 personas que viven en cada bloque, que consta de 14 barracones cada uno dividido en cuatro habitaciones, baños y duchas compartidos para hombres y mujeres, una lavandería y un comedor. A cualquier combinación de ocho personas se le asignaba una habitación de 20 por 25 pies. Una estufa de aceite, una sola bombilla colgante, catres, frazadas y colchones rellenos de paja fueron los únicos muebles provistos.

Viniendo de Los Ángeles y otras comunidades en California y Washington, los internos de Manzanar no estaban acostumbrados al duro ambiente del desierto. Las temperaturas de verano se dispararon hasta 110ºF. En invierno, las temperaturas descendían con frecuencia por debajo del punto de congelación. A lo largo del año, fuertes vientos barrían el valle, a menudo cubriendo el campamento con polvo y arena. Los internados taparon los nudos en los pisos con tapas de latas, pero el polvo siguió entrando entre las tablas del piso hasta que se instaló el linóleo a fines de 1942…

Dos tercios de los estadounidenses de origen japonés internados en Manzanar tenían menos de 18 años. Nacieron 541 bebés en Manzanar. Un total de 11,070 estadounidenses de origen japonés fueron procesados ​​a través de Manzanar. De un pico de 10.046 en septiembre de 1942, la población se redujo a 6.000 en 1944. Los últimos cientos de internos se fueron en noviembre de 1945, tres meses después de que terminara la guerra. Muchos de ellos habían pasado tres años y medio en Manzanar.

Japanese American at Manzanar, en el  sitio web del Sitio Histórico Nacional de Manzanar (Servicio de Parques Nacionales de EE. UU.) 

https://artblart-com.translate.goog/tag/ansel-adams-view-south-from-manzanar-to-alabama-hills/?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=sc

https://artblart.com/tag/ansel-adams-view-south-from-manzanar-to-alabama-hills/

Esta performance es en la galería Sean Kelly de Nueva York.

La casa con vistas al océano es una instalación con tres espacios donde Abramovic vive durante 12 días y 12 noches, a la vista de todo el que acude a la galería.

Se aloja en tres habitaciones construidas sobre plataformas elevadas.

Cada unidad está abierta y los visitantes son invitados a observar cada movimiento  con un telescopio, una actitud voyeurista, esencial para la pieza.

Durante el tiempo que pasa allí, no come ni habla

Unas escaleras cuyos peldaños son cuchillos impiden el acceso a los tres espacios.

En 1974 invita al público a que haga con ella lo que quiera utilizando una rosa, unas tijeras, cadenas o un hacha. La pieza se llama Sumisión.

Es el año antes de conocer a Ulay, su compañero con el que esta hasta 1988.

Entre las experiencias que tienen ¿Cuánto tiempo pueden abofetearse antes de que uno de los dos pare? 20 minutos.

¿Cuánto tiempo pueden respirar oxígeno y anhídrido carbónico en el interior del otro mientras mantienen las bocas pegadas? 19 minutos.

1987 empiezan a caminar desde los extremos opuestos de la Muralla China para encontrarse en el medio: tardan 3 meses y medio y después se separan.

Marina Abramovic nace en Belgrado en 1946, y hasta los 29 años no abandona su casa familiar en la capital yugoslava, sometida a una disciplina militar de su madre desde que (cuando ella tenía 18 años) son abandonadas por su padre.

Cuando prepara su creación Barroco balcánico, por el que recibe el León de Oro de la Bienal de Venecia en 1997 como la mejor artista, entrevista a sus padres como nunca antes, y se da cuenta de la persona exagerada que es, exagerada como su región, los Balcanes:

Extrema ternura, odio extremo, extremada violencia, extrema pasión por el heroísmo, comenta la lectora apasionada de Santa Teresa, que para ese barroco se encierra en una habitación llena de huesos humanos que limpia frenéticamente.

Cuando se aleja de su familia y de su país su mayor problema es que tiene tanta libertad que no sabe que hacer con ella:

Me sentía culpable teniendo tanta libertad

Abramovic es una de las pocas artistas del performance» (como Vito Acconci o Chris Burden) que siguen en la brecha y ampliando el grado de riesgo.

La casa con vistas al océano es su actuación más ambiciosa hasta la fecha.

Durante doce días de noviembre, Marina Abramovic se encierra en la galería Sean Kelly del barrio neoyorquino de Chelsea: tras firmar un contrato con el personal de la galería por el que se comprometen a no dirigirle la palabra, tocarla ni detener la performance pase lo que pase y empieza un ayuno sólo aliviado con vasos de agua.

Tres cubículos blancos y elevados en el espacio central de la galería, intercomunicados entre sí, dotados de retrete y ducha el primero; una mesa, una silla y un metrónomo en el centro, y una cama y un grifo, el tercero.

Las reglas de una vida ante el público, son estrictas: siete horas de sueño, tres duchas y pocas variaciones: de pie, sentada, yacente o caminando de un espacio a otro.

Nada de zumos o comida, nada de lectura ni de conversación, y prohibición absoluta de abandonar la plataforma.

Por si tuviera alguna tentación, tres escaleras con afilados cuchillos de matarife con el filo hacia arriba a modo de escalones hacen más perentorio el encierro.

La performer se mueve el último día con lentitud, acaso con la lucidez que el ayuno.

https://www.elmundo.es/album/yodona/lifestyle/2021/05/13/609d395d21efa0bd268b45be_8.html

El ABC del Arte, Phaidom 2020

https://www.abc.es/cultura/abci-vistas-sobre-oceano-interior-200211300300-146917_noticia.html

https://carolinadianana.wixsite.com/punctumcritica/post/marina-abramovic-la-casa-con-vista-al-oceano-2002-galer%C3%ADa-sean-kelly-ny

https://www.eluniversal.com.mx/cultura/el-dia-que-marina-abramovic-aparecio-en-sex-and-city

1898-1991, fotógrafa estadounidense de género documental, parte del movimiento de fotografía directa.

Es conocida por sus retratos de artistas, intelectuales y mecenas con gran presencia de mujeres, en el París de los años 20y fotografías de personalidades de la cultura, de la arquitectura y vida urbana de la ciudad de Nueva York en la década de 1930

Hija de padres divorciados y criada por su madre,estudia un año en la Universidad estatal de Ohio.

A los 18 se muda al barrio de Greenwich Village de NY donde conoce y entabla amistad con Djuna Barnes, Kenneth Burke, Thelma Wood, Elsa von Freytag-Lorinhoven, Edna St. Vincen Millay y Margaret Anderson y Jane Heap, ambas editoras de la revista Litlle Review).

También conoce a Marcel Ducchamp y participa en diversas publicaciones dadaistas. 1919-1921 para mantenerse económicamente mientras estudia escultura, Berenice trabaja como modelo de artistas; posa para los fotógrafos Nikolas Muray y Man Ray.

1921 deja su tierra natal para ir a vivir a París y Berlín donde continua sus estudios de escultura y sigue trabajando como modelo.

1923-1926 es asistente de Man Ray quien también se muda de EE. UU, y alentada por él, comienza a introducirse en la fotografía.

1925 instala su estudio de fotografía; hace retratos de artistas, escritores, coleccionistas, tanto franceses como expatriados 

1926 hace su primera exposición en una galería de París en 1926, la cual lanza su carrera.

Al conocer la obra de Eugene Atget, queda fascinada por lo que llama su realismo sin adorno.

1927 lo retrata poco antes de que muera.

El gobierno francés adquiere gran parte del archivo de Atget (en 1920 él vende 2621 negativos y su amigo André Calmettes y vende 2000 más cuando muere), pero Abbott puede comprar otra parte en 1928.

1930 empieza a trabajar en la promoción de su obra. Uno de los resultados de ese esfuerzo es el libro de Atget, fotógrafo de París, del cual es editora de fotografía.

Le siguen, más adelante, los libros Visión de París (1963) y El mundo de Atget (1964). Estas publicaciones, además de los ensayos que escribe, ayudan a que el fotógrafo francés adquiera reconocimiento internacional.

1929 influenciada por Atget, Berenice emula la escala de su trabajo pero en la ciudad de Nueva York.

Instalada de vuelta en esa ciudad, durante años fotografía sus barrios, cultura urbana diaria y arquitectura en vías de transformación, antes de que  desaparezcan por las nuevas construcciones.

Abbott trabaja de forma independiente seis años, sin poder encontrar apoyo económico de ninguna organización.

1934-1958 se mantiene dando clases de fotografía en la Nueva Escuela, donde trabaja.

Luego propone ese trabajo en el Proyecto Artístico Federal (Federal Art Project o FAP, en inglés), un programa del gobierno en tiempos de la depresión destinado a artistas y trabajadores desempleados que trabajan en las áreas de publicidad, diseño gráfico, ilustración, fotografía y edición.

Así, se hace supervisora del proyecto y puede contar con la colaboración de asistentes para continuar con el trabajo monumental que emprende, el cual anteriormente varias organizaciones rechazan financiar.

1939 el resultado es el libro Changing New York, una recopilación de sus fotografías. Mientras dura el proyecto, se hacen exhibiciones de las fotografías de Abbott en Nueva York y otras ciudades, y cuando finaliza, el FAP distribuye paquetes con 302 imágenes seleccionadas, a escuelas, bibliotecas y otras instituciones públicas. ​

Existe una faceta inventora de Berenice Abbott, ya que desarrolla un proceso de iluminación especial que llama fotografía con imágenes proyectadas e inventa y patenta equipamiento fotográfico.

​ 1958-1960 gracias a esos avances, puede colaborar en un proyecto de fotografías científicas solicitado por el MIT, con el objetivo de hacer un libro escolar para mejorar la enseñanza de física en las escuelas.

2012 parte de ese trabajo se expone en el museo del MIT en Massachuset.

Otro proyecto de documentación que realiza es fotografiar la ruta nacional 1, junto con los pueblos pequeños y la cultura del automóvil que se desarrolla alrededor.

1935 se traslada a un loft en el Grennwich Village con la crítica de arte Elizabeth McCausland, su compañera sentimental con quien vive hasta la muerte de McCausland en 1965.

 Ella es un gran apoyo en su carrera: escribe artículos en diversas publicaciones sobre la obra de Berenice e incluso piensa el título para su libro de 1939.

 1968 vende el archivo Atget al Museo de de Arte Moderno de NY y se muda a una casa en Maine, donde reside hasta su muerte, en 1991.

1968 su último libro de fotografías es A Portrait of Maine.

1970 tiene lugar la primera gran retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y su primer porfolio de obra fotográfica retrospectiva se publica en 1976.

1982 recibe el premio Women’s Caucus for Art Lifetime Achievement Award.

 1989 el Premio a la Trayectoria del Centro Internacional de Fotografia.

 1991 ingresa al Ohio’s Women Hall of Fame.

Wikypedia

Es un artista que en sus inicios se caracteriza por investigar la sexualidad, la violencia y el dolor en sus performance o videoarte utilizando su cuerpo como soporte.

En sus obras trabajaba con la página en blanco como un espacio en el que se puede actuar, utilizando las palabras como objetos para el movimiento, y la página como un contenedor.

Sus acciones poéticas pasan del papel a la galería de arte.

 Propone una nueva definición del objeto material y un espacio de encuentro entre el espectador y el artista.

El videoarte emerge en los 60 en Estados Unidos cuando se fabrican en serie las primeras cámaras de video.

Los artistas captan imágenes y sonido y las manipulan para manifestar un concepto determinado.

Es la época de Douglas Gordon, Bill Viola, Tony Oursler, Valie Export, Nam June Paik, Joan Jonas, Pipilotti Rist, Dan Graham, Marina Abramobic y Peter Campus.

Vito Acconci nace en Nueva York en 1940, y estudia literatura en la Universidad de Iowa.

Al principio, Acconci hace poesía, en el body art y en el performance.

En sus trabajos trata el desnudo y la sexualidad porque son temas que escandalizan a la sociedad norteamericana. 

En los 70, Acconci hace el performance Semilleros para el cual se acuesta debajo del suelo de una sala de exhibición y comienza a masturbarse al tiempo que cuenta sus fantasías sexuales que se escuchan en todo el recinto porque tiene un micrófono. 

Los asistentes pasean por la sala sorprendidos e incómodos, buscando con la mirada al autor de los gemidos.

Al autor se le considera como uno de los precursores del arte corporal porque utilizaba su cuerpo como soporte.  

En varios actos performances se hace heridas en brazos y piernas con sus propios dientes, en las marcas que le quedan en la piel pone tintas para calcarlas en papel.

Cansado, tal vez del performance, en la década de los 90 da un giro en su discurso hacia la arquitectura de espacios subterráneos, convencido de que no hay un solo lugar en la tierra sin arquitectura

Sus propuestas arquitectónicas son consideradas de futuro en aquel momento.

Muere un 27 de abril de 2017 de un derrame cerebral.

https://fahrenheitmagazine.com/arte/visuales/vito-acconci-combinacion-de-performance-videoarte-y-arquitectura#view-1

Vito Acconci:el artista que se masturbaba mientras recitaba sus fantasías (impureag.com)

Pintor chino contemporáneo que nace en 1958. 

Destacan su serie de pinturas Bloodline, retratos monocromos estilizados de chinos con ojos grandes y pupilas oscuras. 

Que posan de manera rígida recordando los retratos familiares de los años 50- 60. 

Ahora hace esculturas, traduciendo en tres dimensiones los protagonistas de su serie de retratos Bloodlines—Big Family.  

Estas piezas aparecen en muchas exposiciones y hacen del artista uno de los más demandado de China.

Zhang es hijo de Qi Ailan y Zhang Jing (ambos funcionarios del gobierno) en la ciudad de Kunming en la provincia china de Yunnan en 1958, y es el tercero de cuatro hermanos. 

 La madre de Zhang, Qi Ailan, le enseña a dibujar para evitar que se meta en problemas:

Desde muy pronto, a mis padres les preocupaba que saliera y me metiera en problemas. Nos dieron papel y lapices para que pudiéramos dibujar en casa… Me interesé cada vez más por el arte. Tenía mucho tiempo, porque no tenía que ir a la escuela. Mi interés aumentó. Después de convertirme en adulto, nunca abandoné el arte. Así fue como comencé a dibujar

El gobierno chino se lleva a sus padres durante 3 años para reeducarlos.

 Alcanza la mayoría de edad durante las convulsiones políticas de los años 70-80 conocidas como la Revolución Cultural, que ejercen influencia en su obra.

A principios de 1976, enviaron a Xiaogang a trabajar en una granja como parte del educacion. 

 Pintor chino de acuarelas, Lin Ling ilustra a Xiaogang en 1975, enseñándole técnicas de acuarela.

Cuando tenía 17 años, me dije a mí mismo que quería ser artista… Sentí que el arte era como una droga. Una vez que eres adicto, no puedes deshacerte de él

Tras los exámenes de ingreso a la universidad, Xiaogang es aceptado en la Academia de Bellas Artes de Sichuan en 1977, donde empieza a estudiar pintura al óleo en 1978.

En su época de Universidad, los profesores de Zhang continúan imponiendo estilos de Realismo Revolucionario instituido por Presidente Mao. 

Esto solo sirve para inspirar a Xiaogang y sus compañeros a optar por temas de la filosofía occidental y el individualismo introspectivo mientras evitan los temas políticos e ideológicos.

1982, se gradúa de la Academia de Bellas Artes de Sichuan en la ciudad de Chongqing en la provincia de Sichuan, pero se le niega el puesto de profesor que espera.

1982-1985 esto lleva a Zhang a caer en un período de depresión.

Durante esta época, trabaja como obrero de la construcción y director artistico para un grupo de baile en Kunming. 

Es un momento de crisis para Xiaogang, ya que le cuesta adaptarse a la sociedad. 

1984 al sufrir de alcoholismo, es hospitalizado con una hemorragia interna inducida por el alcohol, lo que lo lleva a pintar la serie El fantasma entre el blanco y el negro, que da forma visual a sus visiones de la vida y la muerte en el hospital. 

En ese momento, mi inspiración provino de los sentimientos privados que tenía en el hospital. Cuando me acosté en la cama blanca, sobre la sábana blanca, vi a muchos pacientes fantasmales consolándose unos a otros en las salas abarrotadas del hospital. Cuando Amaneció, los gemidos se elevaron sobre el hospital y algunos de los cuerpos marchitos alrededor estaban a la deriva al borde de la muerte: conmovieron profundamente mis sentimientos. Eran tan cercanos a mis experiencias de vida y mi alma solitaria y miserable

1985, Xiaogang comienza a emerger de la época oscura de su vida y se une al movimiento New Wave en China que ve una explosión filosófica, artística e intelectual en la cultura china.

1986 Zhang forma el South West Art Group, que incluye a otros artistas, Mao Xuhui, Pan Dehei y Ye Yongqing, entre más de 80 personas. 

El grupo apuesta por un regionalismo antiurbano y también explora el deseo individual que, según Zhang, es reprimido por la racionalización colectivista.

 Crean exposiciones autofinanciadas que son un paso fundamental en el movimiento de vanguardia chino.

1988, Zhang es nombrado instructor en el Departamento de Educación de la Academia de Sichuan y se casa ese mismo año. 

Participa en la Exposición China/Avant-Garde en 1989 en el Museo Nacional de Arte de China en Beijing. 

Sin embargo, las protestas y la masacre de la Plaza de Tianmen de 1989 ponen fin a este período de reforma liberal.

Zhang Xiaogang persigue el estilo expresivo y surrealista hasta la década de 1980 y principios de la de 1990. Pero tras su viaje a Europa en 1992, su estilo cambia.

1992 Zhang viaja a Alemania durante 3 meses y obtiene una perspectiva sin precedentes sobre su propia identidad cultural china. 

Al regresar, tiene un nuevo deseo de explorar y revitalizar su propio pasado personal junto con la historia china reciente a través de la pintura.

Durante su estancia de tres meses en Alemania, Zhang pasa la mayor parte de su tiempo analizando obras de artistas occidentales en museos. 

Y piensa en su posición como artista chino. 

 Busqué desde la fase inicial hasta el presente un puesto para mí, pero incluso después de esto todavía no sabía quién era. Pero una idea surgió claramente: si sigo siendo un artista, tengo ser un artista de China

También en Europa, Zhang comienza a pensar en el rostro chino y reflexiona por qué trae imágenes de personas en libros y revistas, no en un entorno real. 

Al regresar de Europa, Zhang Xiaogang se dedica a actividades de pintura en el estudio de Mao Xuhui. 

Elige la Plaza de Tiananmen como primer tema y la pinta con un toque de pincel fuerte y expresivo. 

También comienza a inspeccionar los rostros de los chinos que lo rodean. 

En ese momento, las fotografías encontradas en la casa de sus padres se convierten en un punto de inflexión dramático. 

Basándose en una pintura realista del surrealismo, abandona el estilo y comienza a dibujar un cuadro plano. También representa una identidad china al expresar un solo párpado. 

Tiene un gran avance conceptual después de descubrir sus fotos familiares que le recuerdan los recuerdos destruidos por el marco cultural contextual de la época.

Me sentí muy emocionado, como si se abriera una puerta. Pude ver una forma de pintar las contradicciones entre lo individual y lo colectivo y fue a partir de ahí que realmente comencé a pintar. Hay una relación compleja entre el Estado y el pueblo. que podría expresar usando la Revolución Cultural. China es como una familia, una gran familia. Todos tienen que apoyarse unos en otros y confrontarse. Este era el tema al que quería prestar atención y, gradualmente, se volvió menos y menos vinculado a la Revolución Cultural y más a los estados de ánimo de las personas

Xiaogang se inspira particularmente en una fotografía de su madre cuando es una mujer joven y atractiva, muy lejos de la mujer esquizofrénica y enfermiza en la que se había convertido. 

Lo lleva a pintar la serie BLOODLINES que ilustraba el enredo de la vida pública y privada. 

A mediados de la década de 1990, expone en todo el mundo, incluidos Brasil, Francia, Australia, Reino Unido y Estados Unidos. 

Bloodline: Big Family series de Zhang Xiaogang se exhibe The Other Face: Three Chinese Artists como parte de la exposición internacional más grande Identità e Alterità, instalada en el Pabellón de Italia durante la 46ª Bienal de Venecia del centenario en 1995. 

Al igual que Wang Guanyi, Xu Beihong y Wu Guanzhong, Zhang Xiaogang es un artista chino contemporáneo de gran éxito de ventas y uno de los favoritos de los coleccionistas extranjeros. 

Sus pinturas ocupan un lugar destacado en la película Sunflower de 2005 .

2007, un lienzo suyo se vende por 6 millones de dólares en Sotheby’s.

2011 tríptico al óleo tríptico de 1988 Forever Lasting Love , de figuras semidesnudas en un paisaje árido teñido de símbolos místicos, se vende por 79 millones de dólares de Hong Kong ( 10,1 millones de dólares), un precio de subasta récord para una obra de arte contemporánea de China, en Hong Kong. 

Está representado por Pace Gallery en Nueva York/Beijing y Beijing Commune en Beijing por sus grabados.

Zhang, al igual que otros artistas contemporáneos chinos en algún momento, no puede exhibir en China porque sus obras son demasiado modernas y sospechosas.

Ahora sus pinturas son populares en China, no solo en la sociedad occidental, por lo que ahora tiene la oportunidad de exhibir en museos y galerías en China frente al pasado. 

En los últimos años, ha ampliado no solo sus obras de pintura al óleo, sino también sus trabajos de instalación de obras escultóricas. 

Tiene influencias de Picasso, Dalí y Richter.

Una vez leí en un libro unas pocas palabras del artista experimental británico Edoardo Paolozi ,  que me influencio.

Una persona puede tener muy fácilmente la idea correcta, pero elige los medios incorrectos para expresarla. O puede tienen los medios correctos, pero careceR de una idea clara.

Zhang cita su descubrimiento de fotos de su madre cuando es una mujer joven y atractiva como una inspiración clave para la serie Bloodline .

Después de participar en I Don’t Want to Play Cards with Cézanne and Other Works, organizado por el Pacific Asia Museum en Pasadena, California, Zhang empieza a pensar en su forma de trabajo y decidE no pintar de la misma manera con el famoso arte occidental y ser un artista independiente. 

Refiriéndose a las pinturas de Bloodline, Zhang señala que las fotografías antiguas «son un lenguaje visual particular.

Estoy buscando crear un efecto de ‘fotografías falsas’, para volver a embellecer historias y vidas ya ‘embellecidas'». Dijo: «En la superficie, los rostros de estos retratos parecen tan tranquilos como el agua en calma, pero debajo hay una gran turbulencia emocional. Dentro de este estado de conflicto, la propagación de destinos oscuros y ambiguos se lleva a cabo de generación en generación.

De las influencias de los trastornos políticos de China en sus pinturas, dice:

Para mí, la Revolución Cultural es un estado psicológico, no un hecho histórico.

 Tiene una conexión grande con mi infancia, y creo que hay muchas cosas que vinculan la psicología del pueblo chino de hoy con la psicología del pueblo chino de entonces.

Al posar para una fotografía, la gente ya muestra cierta formalidad. Ya es algo artificial. Lo que hago es aumentar esa artificialidad y ese sentido del formalismo.

Cuando se le pregunta sobre el título completo de la serie Bloodline dice

Todos vivimos ‘en una gran familia’. La primera lección que tenemos que aprender es cómo protegernos y mantener nuestras experiencias encerradas en una cámara interior lejos de las miradas indiscretas de los demás, mientras que al mismo tiempo vivimos en armonía como miembros de esta gran familia. En este sentido, la «familia» es una unidad para la continuidad de la vida y un mecanismo idealizado para la procreación. Encarna el poder, la esperanza, la vida, la envidia, la mentira, el deber y el amor. La ‘familia’ se convierte en el modelo estándar y el foco de las contradicciones de las experiencias de vida. Interactuamos y dependemos unos de otros para recibir apoyo y seguridad.

Las pinturas de Bloodline a menudo presentan pequeñas manchas de color, que están abiertas a una variedad de interpretaciones.

Madre e hijo

Esta es la primera serie Bloodline que Zhang Xiaogang pinta como su madre en 1993. Es una imagen de un estilo claramente diferente de la serie Bloodline que ahora conocemos. 

Aparecen figuras sin rostro, pero tienen su propia individualidad y pueden señalar los elementos de los que quieren hablar de un lugar a otro en la imagen. 

A medida que avanza la serie, las figuras de las pinturas de Zhang Xiaogang se vuelven borrosas y la ropa cambia a trajes de Mao. Su rostro distintivo, los ojos pequeños y el rostro esbelto, que crea, son característicos de sus pinturas. 

Dos camaradas con bebé rojo

Two comrades with red baby es una de las series Bloodline: The Big Family de Zhang Xiaogang de China y actualmente se exhibe en la Galería Nacional de Australia. 

El cuadro mide 150,0 cm de alto x 180,0 cm de ancho y pintado con óleo sobre lienzo. 

Esta imagen, que es creada con el motivo de una fotografía familiar en blanco y negro encontrada en 1993 cuando visita la casa de sus padres, tiene dos camaradas detrás del título y un bebé rojo en el centro. 

Hay rastros blancos en común en la mejilla izquierda de tres personas inexpresivas, y delgadas líneas rojas los conectan. 

Los rostros, peinados, moda, expresiones faciales y similares de los personajes que parecen casi idénticos en este trabajo transmiten la atmósfera social que era uniforme en el período de Mao. 

El niño rojo que simboliza a los Guardias Rojos en la era de la Revolución Cultural representa el fenómeno que incluso los padres acusaban en ese momento, pero la línea roja que conecta a los tres personajes indica que estos tres son miembros de la familia. 

Las marcas blancas en estas mejillas representan sus heridas imborrables Zhang dijo bebé como una semilla del mal, no de alegría en su pintura. 

Sus ojos desenfocados parecen estar mirando al espectador. En otras palabras, el espectador puede sentir sus sentimientos dolorosos en la pintura al mirarlo a los ojos. 

La pintura de Zhang es el medio a través del cual podemos comunicarnos con el pasado. 

Padre e hija

A diferencia de su trabajo, que comienza como madre e hijo en la década de 2000, emergen padre e hija. 

Además, a diferencia de las obras de los años 90, es principalmente gris claro en lugar de negro, dando una atmósfera más brillante, pero también es ambiguo. 

Los elementos que se han considerado representativos de la época de Mao van desapareciendo y centrándose en la expresión de los personajes. 

Las manchas blancas son rojizas y por eso son más prominentes. 

https://www.wikiart.org/es/zhang-xiaogang/big-family-girl-2006

En el 2016 se puede contemplar la obra de la escultora polaca en la sede barcelonesa de la Galería Marlborough, donde se aprecia su manera de pensar gracias a una quincena de piezas,  entre esculturas y dibujos realizados estos últimos treinta años, que sirven al  público para entender su aportación al mundo del arte contemporáneo ya que aún siendo una de las escultoras de más renombre a nivel internacional, como lo es Niki de Saint Phalle, Germain Richier o Louise Bourgeois, en nuestro país no es conocida.

En España solamente ha expuesto a nivel individual en la  galería Marborough de Madrid (1994) –que fue su primera aparición en España-, la  Fundació Miró de Palma de Mallorca (1994),  los  jardines de Can Altamira de Barcelona (1995)-gracias a la iniciativa del galerista Tom Maddock- y  los museos Reina Sofía de Madrid e IVAM de Valencia en 2008.

Una artista que lleva exhibiendo sus creaciones desde 1960, han llegado a España sus obras con 25 años de retraso.

Magdalena Abakanowicz (20 de junio de 1930 – 20 de abril de 2017) es una escultora polaca y artista de fibra

Se destaca por su uso de los textiles como medio escultórico.

Es profesora en la Academia de Bellas Artes de Poznań, Polonia de 1965 a 1990 y profesor visitante en la Universidad de California, Los Ángeles en 1984.

Magdalena Abakanowicz nace en una familia terrateniente en Falenty.

Su madre desciende de la vieja nobleza polaca. Su padre viene de una familia Tatar, que remonta sus orígenes a Abaqa Khan (un jefe mongol del siglo XIII)

La familia de su padre huye de  Rusia a la  Polonia independiente después de la Revolución de Octubre

La invasión rusa de 1920 obliga a su familia a huir de su hogar, después de lo cual se trasladan a la ciudad de Gdańsk.

Cuando tiene nueve años Alemania nazi invade y ocupa Polonia.

 Su familia soporta los años de guerra que viven en las afueras de Varsovia.

Después de la guerra y la ocupación, la familia se traslada a la pequeña ciudad de Tczew cerca de Gdansk, en el norte de Polonia.

Bajo el control soviético, el gobierno polaco adopta oficialmente el realismo socialista como la única forma de arte aceptable que debe ser seguida por los artistas. Originalmente concebido por Joseph Stalin en los años treinta.

 Otras formas de arte que se practican en en Occidente, son culturalmente prohibidas y censuradas en todas las naciones del bloque del Este, incluyendo Polonia

Abakanowicz completa parte de su educación secundaria en Tczew de 1945 a 1947, después de lo cual va a Gdynia dos años mas de escuela de arte en el Liceum Sztuk Plastycznych en esa ciudad.

Después de su graduación del Liceum en 1949, Abakanowicz asiste a la Academia 1950, y regresa a Varsovia para comenzar sus estudios en la Academia de Bellas Artes.

Sus años en la universidad, 1950-1954, coincide con algunos de los ataques más duros hechos sobre el arte por el liderazgo soviético

Al utilizar la doctrina del realismo socialista, todas las formas de arte en las naciones soviéticas ocupadas se ven obligadas a adherirse a estrictas directrices y limitaciones que subordina las artes a las necesidades y exigencias del Estado.

 Las representaciones artísticas realistas basadas en la tradición académica nacional del siglo XIX eran la única forma de expresión artística defendida por en Polonia en ese entonces.

La Academia de Bellas Artes de Varsovia, siendo la más importante Institución en Polonia, es sometida a un escrutinio especial del Ministerio de Arte y Cultura, que administra todas las decisiones importantes en el campo en el momento

Abakanowicz encuentra que el clima en la Academia era rígido y conservador.

Me gustaba dibujar, buscando la forma colocando líneas, una al lado de la otra. El profesor venía con un borrador en la mano y rozaba cada línea innecesaria en mi dibujo, dejando un contorno delgado y seco que odiaba.

Mientras estudia en la Universidad, se le exige tomar varias clases de diseño textil, aprendiendo el arte del tejido, la serigrafía y el diseño de fibra de instructores como Anna Sledziewska, Eleonora Plutymska y Maria Urbanowicz.

Estos instructores y habilidades influyen mucho en el trabajo de Abakanowicz

Después de su educación en la Academia, Abakanowicz empieza a producir sus primeras obras artísticas

Debido al hecho de que pasa la mayor parte de su vida académica moviéndose de un lugar a otro, gran parte de sus obras de arte anteriores se pierden o dañan.

1956-1959, produce algunas de sus primeras obras conocidas; Una serie de grandes gouaches y acuarelas sobre papel y sábanas de lino cosidas. Estas obras, descritas como biomórficas en su composición, representan plantas imaginarias, aves, peces exóticos y conchas marinas, entre otras formas y formas.

Mis gouaches eran tan grandes como la pared permitia. Deprimida por años de estudio, yo estaba luchando hacia atrás haciendo mis gouaches para mí. Durante tanto tiempo se había repetido que no podía hacerlo; Mi respuesta tuvo que ser a gran escala que quería dar un paseo entre las plantas imaginarias

Ahora Polonia comienza a levantar las pesadas restricciones políticas impuestas por la Unión Soviética, debido a la muerte del líder soviético Joseph Stalin en 1953

1956, bajo la nueva dirección del partido de Władysław Gomułka, Polonia experimenta un cambio social y cultural

El cambio supone la liberalización de las formas y el contenido del arte, con los métodos estalinistas de la forma de arte siendo criticado abiertamente por el gobierno de Gomulka

Una gran libertad concedida a los artistas polacos es el permiso para viajar a varias ciudades occidentales, como París, Venecia, Múnich y Nueva York.

Esta liberalización de las artes en Polonia influencia las primeras obras de Abakanowicz, ya que comienza a considerar gran parte de su trabajo temprano como demasiado extravagante.

El constructivismo comienza a influir en su trabajo a finales de 1950, adoptando un enfoque más geométrico, busca su propio lenguaje artístico y una manera de hacer su arte más táctil, intuitivo y personal.

Como resultado, pronto adopta el tejido como otra vía de exploración artística

En su primera exposición individual en la Galería Kordegarda de Varsovia, en la primavera de 1960, incluye una serie de cuatro tejidos junto con una colección de gouaches y acuarelas.

Aunque su primera exposición pasa desaperibida, ayuda a avanzar dentro de la Polonia el movimiento de diseño de la fibra y el resultado de su inclusión en la primera Biennale Internationale de la Tapisserie en Lausana, Suiza, en 1962.

 El evento abre el camino a su éxito internacional

Abakans
1960 ve algunas de las obras más importantes producidas durante la carrera de Abakanowicz

1967, comienza a tridimensionar fibra, es sus obras llamadas Abakans

Estas obras aseguran su lugar en el mundo del arte como una de las grandes artistas de la época

El material usado para muchas de estas piezas es encontrado, a menudo recogiendo cuerdas de sisal de los puertos.

Esculturas humanóides
1970 y hasta la década de 1980, Abakanowicz cambia de tamaño y escala, empieza una serie de esculturas figurativas y no figurativas hechas de trozos de cilicio grueso que cose, reconstruye y pega con resinas sintéticas.

Estas obras se hacen más representativas que las esculturas anteriores, pero aún conservan cierto grado de abstracción y ambigüedad.

1974-1975 produce esculturas llamadas Alteraciones, que son doce figuras humanas sin cabeza y huecas que se sientan en una fila.

1973-1975 produce una serie de formas enormes y sólidas que recuerdan a cabezas humanas sin rostros llamados Cabezas

1976-1980 confecciona una pieza llamada Backs , que es una serie de ochenta esculturas diferentes del tronco humano

1986-87, creó una serie de cincuenta figuras permanentes llamadas The Crowd I. También comienza a trabajar alrededor de estructuras orgánicas, como su serie Embryology, que consiste en varias docenas de bultos suaves de tipo huevo que varian en tamaño.  Situadas en una sala de exposiciones en la Bienal de Viena en 1980

Estas obras humanoides de los años 70 y 80 se centran en torno a la cultura humana y la naturaleza como un todo y su condición y posición en la sociedad moderna.

La multiplicidad de las formas humanas representa la confusión y el anonimato, analizando la presencia de un individuo en una masa de humanidad.

Abakanowicz vive en un régimen comunista que reprime la creatividad y el intelecto individuales en favor del interés colectivo.

Estas obras contrastan con su anterior serie Abakan, que son piezas poderosas, mientras que las esculturas figurativas pierden su individualidad en favor de la multiplicidad

1980-1990, Abakanowicz comienza a usar metales, como el bronce, para sus esculturas, así como madera, piedra y arcilla.

 Continua el tema de la condición humana, pero cambia su medio; Sus esculturas figurativas y de arpillera son hechas de bronce, como Bronze Crowd (1990-91) y Puellae (1992).

En consecuencia, la expresión del arte saturado de historia, deformada por la modernidad, divergiendo de la dirección del arte en el mundo libre, tal vez la experiencia de la multitud, esperando en fila pasivamente, pero lista para pisotear, destruir o adorar como un sin cabeza cualquier criatura, se convierte en el núcleo de mi análisis. Y tal vez es una fascinación con la escala del cuerpo humano o un deseo de determinar la cantidad mínima necesaria para expresar el conjunto

Juegos de guerra
Uno de los trabajos más inusuales de Abakanowicz se titula Juegos de Guerra, que es un ciclo de estructuras monumentales compuestas de enormes troncos de árboles viejos, con sus ramas y corteza eliminados

En parte vendados con trapos y abrazados por aros de acero, estas esculturas se colocan en celosía

Como el nombre del ciclo implica, estas esculturas tienen un aspecto muy militarista, ya que han sido comparados con los vehículos de artillería durante la década de 1990 Abakanowicz también es encargada de diseñar un modelo de una ciudad ecológica. También ingenia coreografías de danza.

Magdalena Abakanowicz

http://conchamayordomo.com/2017/04/30/magdalena-abakanowicz/

https://www.lasnuevemusas.com/magdalena-abakanowicz-la-escultura-del-silencio/

http://www.abakanowicz.art.pl/

Irrepetible Magdalena Abakanowicz

https://ca-m-wikipedia-org.translate.goog/wiki/Magdalena_Abakanowicz?_x_tr_sl=ca&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=sc