Aunque me gustaban las ideas de los surrealistas, André Bretón y los hombres del grupo eran muy machistas. Solo nos querían a nosotras como musas alocadas y sensuales para divertirlos y para entretenerlos
Pintora surrealista y escritora inglesa nacionalizada mejicana.
A las dos exposiciones sobre su obra en el Peggy Guggenheim de Venecia y la Tate Modern de Londres se añade la monografía que se publica el próximo otoño.
El mundo tarda en despertarse ante la conciencia ecológica y el feminismo de Carrington, pero a medida que el planeta enfrenta la creciente crisis climática y la reivindicación de la diversidad corporal, su obra es más apreciada.
Pintora, escultora y escritora con un interés por la magia, el folklore y el ocultismo, Carrington se adelanta a su tiempo rompiendo no solo con las reglas sociales impuestas a una mujer de la primera mitad siglo XX, sino también desafiando a las grandes figuras del surrealismo con sus decididas opiniones y talento.
Nace en 1917 en Lancanshire, Inglaterra en una aristocrática mansión del pueblo de Chorley y muere en Ciudad de Méjico en 2011
Con 3 años su familia se muda a Crookhey Hall, un castillo neogótico rodeado de inmensos jardines y bosques que Carrington inmortaliza en obras como Green Tea.
Aunque se educa en el Convento del Santo Sepulcro, en la ciudad de Chelmsford, donde estuvo encarcelado Oscar Wilde, no sigue las pautas educativas de las señoritas de la alta sociedad destinadas al mercado del matrimonio, sino que lee mucho y participa en las charlas que sobre diversos temas organizan en su casa los jesuitas del colegio de sus hermanos en Stonyhurst.
Su mundo desborda gnomos, duendes, gigantes y fantasmas, resultadode la mitología celta de su educación irlandesa.
Con pocos años es consciente de su propio universo imaginativo que para otros es sobrenatural, y a tener visiones y experiencias con espíritus y fantasmas, lo que le vale la expulsión del Santo Sepulcro.
Abomina y se aburre con la educación tradicional y es enviada a una escuela de jovencitas, Miss Penrose School for Girls, de Florencia.
Durante ocho meses del arte en los museos florentinos absorbe todo lo que ve.
Enviada a París para estudiar en una finishing school, una escuela privada de modales para señoritas, de donde también es expulsada, termina en la casa de un profesor de arte, apellidado Simon, quien le enseña a dibujar.
1936 ingresa en la Academia Ozenfant de Londres.
1937 conoce a quien la adentra en el movimiento surrealista, el pintor alemán Max Ernt, a quien vuelve a encontrar en un viaje a Paris y con quien establece una relación sentimental.
Durante su estancia allí conoce el movimiento surrealista y convive con personajes como Joan Miro y Andre Breton, así como con otros pintores que se reunen alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como Pablo Picasso y Salvador Dali.
1938 escribe una obra de cuentos titulada La casa del miedo y participa junto con Max Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Amsterdam.
Previamente a la ocupación nazi de Francia, varios de los pintores del movimiento surrealista, incluida Leonora Carrington, colaboran con Freier Kunstlebund, movimiento de intelectuales antifascistas.
Leonora Carrington tiene 20 años cuando conoce a Max Ernst en Londres.
Él tiene 47 años y bastante fama como surrealista.
La gran diferencia de edad, el hecho de que Ernst además está casado, así como sus posiciones surrealistas radicales hacen que esta relación no cuente con el favor de su padre.
A pesar de ello, la pareja se reencuentra en París y se va a vivir a una casa de campo que compran en 1938 en Saint Martin de Ardeche.
Hoy se conserva en la fachada de esta casa un relieve que representa a la pareja y su juego de roles:
Loplop, el alter ego de Max Ernst, un animal alado fabuloso entre pájaro y estrella de mar y su Desposada del Viento Leonora Carrington.
La vida tranquila y feliz de la pareja en este sitio duró solo un año.
En septiembre de 1939, Max Ernst, identificado como residente extranjero proveniente de país hostil y es arrestado.
Tras su detención e internamiento en el campo de Les Milles, Carrington sufre una desestabilización psíquica.
Ante la inexorable invasión nazi, huye a España.
Por gestión de su padre es internada en un hospital siquiatrico de Santander.
De este período la pintora guarda un recuerdo que afecta su obra posterior. Describe en su biografia (En bas) los pormenores de esta dramática historia.
A partir de este momento, André Breton se interesa por la histeria, la locura y otras alteraciones mentales y ve a Carrington como una embajadora de vuelta del otro lado, una vidente, la bruja que regresa del inframundo armada de poderes visionarios.
1941 escapa del hospital y llega a la ciudad de Lisboa, donde encuentra refugio en la embajada de Mejico.
Allí conoce al escritor Renato Leduc, quien la ayuda a emigrar.
Ese mismo año contraen matrimonio y Carrington viaja a Nueva York.
1942 emigra a México y en 1943 se divorcia de Renato Leduc.
1944, y en casa de José y Katy Horna, conoce al que sera su segundo esposo, el fotógrafo húngaro Emerico Weisz, Chiki, mano derecha de Robert Capa durante años.
Tienen dos hijos, Gabriel y Pablo.
En México, la pintora restablece lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, como Andre Breton, Benjamin Peret, Alice Rahon, Wolfgan Paalen, Bridget Bate Tichenor y la pintora Remedios Varo, con quien mantiene una larga amistad.
En los ochenta Carrington comienza a fundir esculturas en bronce, sus temas se refieren a las múltiples realidades que confronta la vejez.
Se interesa por la alquimia y los cuentos de hadas con los que crece, interés que se percibe en su obra pictórica y escultórica.
2005 es ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes que le otorga el gobierno de Méjico.
20011 muere a los 94 años en Ciudad de Méjico y es enterrada en el Panteón Inglés.
El último número navideño de The BMJ recoge un estudio que indica que la epoca durante en la que la canción del rapero estadounidense Logic 1-800.273-8255 se difunde se asocia con un notable aumento de las llamadas a Lifeline, la línea nacional estadounidense de prevención del suicidio, cuyo número da título al tema.
Los investigadores constatan una reducción de los actos suicidas durante ese periodo.
Estiman que se produjeron 245 suicidios menos de los esperados.
Thomas Niederkrotenthaler, profesor investigador del tema de la Universidad de Medicina de Viena, destaca en un vídeo adjunto a la publicación:
Esto es muy singular en dos aspectos. Primero porque es una canción, muy diferente de los mensajes de prevención tradicionales; y segundo, no se centra en las muertes por suicidio ni en las lesiones casi mortales. Es una historia de esperanza y resiliencia.
Los resultados también sugieren que es de crucial importancia colaborar con otros sectores, como la industria del entretenimiento y las artes creativas, para desarrollar narrativas poderosas que resuenen en audiencias diversas.
Analizar que el hip-hop puede salvar vidas es uno de los ejemplos del creciente interés por los beneficios de las artes en la salud y de la propia ciencia por estudiarlos.
Según Christopher Bailey, director de Iniciativa Arte y Salud de la Organización Mundial de la Salud (OMS), durante el Simposio de Artes Sanadoras celebrado el pasado noviembre en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York:
con un creciente conjunto de pruebas de que la incorporación de las artes a los sistemas [sanitarios] y lugares de curación puede mejorar los resultados en salud, reducir los costes y apoyar la recuperación de enfermedades y lesiones, es el momento de una revolución de las artes sanadoras que mejore el bienestar de millones de personas en todo el mundo.
El evento en el que hablaba Bailey forma parte de la Iniciativa de Artes Sanadoras (Healing Arts Initiative), un llamamiento a la acción para abordar los retos mundiales de la salud a través de las artes organizado por la plataforma Culturunners—dedicada a promover la construcción de la paz y el desarrollo sostenible a través del arte—, en colaboración con la OMS.
Es la Oficina Regional de esta agencia para Europa la que marca un hito relevante con la publicación en 2019 del mayor informe hasta la fecha sobre las pruebas subyacentes a este papel de las artes.
El análisis de los resultados de más de 3.500 estudios científicos muestra que pueden tener un impacto potencial en la salud mental y física de diferentes formas.
Entre otras, afectar a los determinantes sociales de la salud, favoreciendo el acceso al sistema sanitario de grupos marginados, contribuyendo al desarrollo infantil, disminuyendo el deterioro cognitivo y la fragilidad en edades avanzadas, fomentando comportamientos saludables, reduciendo el estrés, apoyando la prestación de cuidados, ayudando a las personas con trastornos neurológicos y del neurodesarrollo, así como contribuyendo en la atención al final de la vida.
Algunos proyectos destacados por el documento son el Sistema Venezuela, creado por el director de orquesta José Antonio Abreu para fomentar la educación musical y lograr el cambio social y la justicia para los niños pobres del país americano.
También destaca el Observatorio de las Artes y la Educacion Cultural Finlandes, que persigue fortalecer las habilidades creativas infantiles, la competencia cultural y el bienestar individual y social.
El británico Arts On Prescription (Arte Por Prescripción), utilizado desde hace dos décadas en el marco de programas más amplios de prescripción social por parte de los médicos de atención primaria.
También está Doctor Clown, una ONG rusa de payasos dirigida a mejorar el bienestar de los niños en orfanatos y hospitales de la Federación Rusa y que desarrolla en la actualidad parte de su labor atendiendo a niños afectados por la guerra en Ucrania.
Breathe Magic, para ayudar mediante la magia a niños con hemiplejia en Reino Unido. O los numerosos grupos distribuidos por el mundo de la red Dance for PD (Danza Para La Enfermedad de Parkinson), que ofrecen clases de baile especializadas para personas con párkinson y sus cuidadores.
Entre sus recomendaciones, la institución sanitaria pide implementar intervenciones artísticas con suficiente base científica, como que los pacientes escuchen música antes de la cirugía, el uso de técnicas artísticas en personas con demencia y el desarrollo de programas artísticos comunitarios para mejorar la salud mental.
También solicita potenciar las derivaciones entre los sectores sanitario y artístico, cofinanciar programas de salud con presupuestos del sector sanitario y cultural y que las artes sean parte de la formación de los profesionales sanitarios.
Las artes pueden conceptualizarse como actividades sanitarias multimodales que proporcionan un vehículo para que las personas participen en actividades diversas que promueven la salud (como la actividad física, la interacción social y la estimulación cognitiva) para las que ya existe una sólida base de prueba, señalaba en un blog de The BMJ Daisy Francourt, coautora del informe de la OMS y profesora asociada en la Uneiversity College de Londres (UCL).
Lo que también contribuye a sus efectos saludables es que las artes implican imaginación, estética y significado, lo que proporciona una motivación inherente para que las personas participen.
A solicitud del Gobierno británico, Fancourt elabora otro dossier publicado en 2020 constatando, que existe base científica sólida del papel positivo que tiene la música o la lectura de libros en el desarrollo social infantil o del habla y el lenguaje en bebés y niños, así como sobre los beneficios del uso de las artes en general en la cohesión social y el bienestar psicológico en adultos y en la reducción del deterioro físico en la tercera edad.
Ambos documentos señalan que también hay ámbitos artísticos sobre los que el conocimiento es más débil, lo que parece deberse a la falta de estudios y no a la falta de resultados.
Como explica a SINCFrancisco Javier Saavedra Macías, profesor del departamento de psicología experimental de la Universidad de Sevilla:
desde finales del siglo XIX y principios del XX hay literatura que respalda el uso de las artes en el ámbito de la salud, pero solo desde hace 20 o 30 años se desarrollan estudios experimentales aleatorizados con grupos control, incluso usando marcadores biológicos para cuantificar sus beneficios.
Como ejemplos, este doctor en psicología refiere una publicación en Frontiers in Psychology que demuestra cómo el canto afecta a los niveles sanguíneos del cortisol, hormona relacionada con el estrés, y otro que evidenció en Plos ONE que la participación en un grupo de percusión de personas con trastornos mentales mejora sus variables psicológicas y modificaba su perfil inmunitario.
Saavedra Macías es fundador del Seminario Arte y Psicología y coautor de una investigación publicada en Arts & Health sobre cómo una intervención basada en la música, el dibujo, la escritura y la danza disminuyó los síntomas depresivos y el estrés de un pequeño grupo de inmigrantes indocumentados.
En otro trabajo, publicado en Disability and Rehabilitation, demuestra que un taller de prácticas creativas celebrado en el Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, que incluye visitar la exposición de la artista brasileña Maria Thereza Alves El largo camino a Xico (1991–2014), mejora la inclusión social y el bienestar de personas con enfermedades mentales graves.
Citando una investigación publicada en BMJ Open, su autor destaca los estudios epidemiológicos que correlacionan el nivel de actividad cultural en una determinada zona con la salud de sus comunidades.
Aquellos distritos donde hay más participación cultural tienen mejores índices de salud, independientemente del nivel educativo y del estatus socioeconómico.
Para este investigador, se necesita sensibilidad institucional para promover investigación de calidad.
La inversión que hay en países como Reino Unido es increíble, algo que en España es totalmente inconcebible. Allí existe hasta una comisión parlamentaria para el estudio del uso de las artes en el ámbito de la salud.
2014 se crea el Grupo Parlamentario Multipartidista sobre Arte, Salud y Bienestar, que tiene como objetivo mejorar la conciencia de los beneficios que las artes pueden aportar.
Hay que revalorizar las humanidades y las artes dentro del mundo de la salud,
dice a SINC Luz Mar González-Arias, profesora titular de filología Inglesa de la Universidad de Oviedo e investigadora principal del grupo interdisciplinar de investigación de humanidades médicas y medioambientales HEAL (Health, Enviroment, Arts and Literature), dedicado al estudio de la enfermedad a través de la historia en sus representaciones literarias, artísticas, culturales o lingüísticas.
La creación, tanto para quien la hace como para quien la recibe, tiene un poder terapéutico
Un poema o una obra musical no te cura en el sentido de la quimioterapia, pero el poema adecuado o la música adecuada sí te salva el día, te ayuda a cerrar una herida.
Las artes también tienen su papel para hacer visible la enfermedad. El cine, por ejemplo, ha sido particularmente proclive a sensibilizar sobre numerosas dolencias, en especial sobre las que afectan a la salud mental.
Es el caso de películas como Despertares (Awakenings, Penny Marshall, 1990), basada en el libro homónimo del neurólogo Oliver Sacks sobre la encefalitis letárgica; Arrugas (Ignacio Ferreras, 2011), basada en un cómic de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008) sobre el Alzheimer; o La teoría del todo (The theory of everything, James Marsh, 2014), biopic del físico Stephen Hawking, que convive con la esclerosis lateral amiotrófica.
Producciones sobre otras enfermedades son Philadelphia (Ron Nyswaner, 1993), que aborda el estigma del sida en la década de los 90, el drama musical sobre una ceguera progresiva Bailar en la oscuridad (Dancer in the dark, Lars Von Trier, 2000) o Mi vida sin mí (Isabel Coixet, 2003), sobre el duelo personal por un cáncer terminal.
El mundo de la medicina y el del arte y la cultura quizá incluso sean inseparables», afirman dos neurólogos y un poeta en Arte para mejorar la salud y el bienestar, ensayo publicado en 2018 en The BMJ.
Creemos que una colaboración más estrecha entre ambos podría mejorar el futuro de la atención a nuestros pacientes.
Recordando las habilidades anatómicas de Leonardo da Vinci para dibujar por primera vez la tiroides, las del francés Jean-Martin Charcot para representar a sus pacientes en pinturas o esculturas y educar a sus alumnos o las del cirujano e ilustrador estadounidense Frank Netter, cuyos atlas de anatomía adornan las estanterías de miles de médicos en el mundo, los autores sintetizan:
Los orígenes de la medicina y el arte son uno, y su separación actual es solo el resultado de nuestra necesidad normativa y cultural de etiquetas, estructura y compartimentos.
En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos
Andrew Warhol Jr. nace en Pittsburgh, Estados Unidos, el 6 de agosto de 1928.
Artista polifacético, es fotógrafo, pintor, y cineasta, pero lo que le hace convertirse en un icono en el arte del siglo XX, son sus trabajos de pop-art.
Sus comienzos son como ilustrador, la fama le llega con la pintura y el cine vanguardista que es respaldada por los medios, a los que cautiva con su papel de gurú de la modernidad.
Se relaciona con diferentes estamentos sociales con gran habilidad, artistas e intelectuales con personajes de la nobleza, la aristocracia, homosexuales, actores de Hollywood, drogadictos y personajes pintorescos de la calle.
Vaticina lo que sería la llamada prensa amarilla y el auge de los reality shows.
Todo esto le hizo ser muy polémico, algunos de sus detractores decían que su arte era como una broma pesada.
Sin embargo, a partir de su muerte, se han sucedido las exposiciones retrospectivas, publicaciones, y está en la actualidad considerado como uno de los artistas más importantes del siglo XX, además de ser uno de los más cotizados.
De entre toda su extensa y ecléctica obra, en opinión de muchos, su ciclo inacabado de La última Cena, que hubiera aportado un carácter religioso, hasta entonces nuevo a su obra, es posiblemente la mayor y la mejor de todas sus series, y en palabras de algunos críticos, la mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense
Muere en Nueva York, el 22 de febrero de 1987.
En 1987, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituye la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, organización que no sólo actúa como representante legal de Andy Warhol, sino que defiende su misión, la de
Self-Portrait
espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo, y se declara centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor.
La familia de Andy Warhol pone a la venta un grupo de diez pinturas que el artista realiza entre 1945 y 1949 mientras estudia en el Instituto Carnegie de Tecnología (ahora Universidad Carnegie-Mellon) en su Pittsburgh natal.
Entre las obras se encuentran abstracciones, que el artista pronto abandona, y Nosepicker 1, 1948, que se cree que es el primer autorretrato de Warhol.
Las obras, que Warhol deja en casa de sus padres cuando se muda de Pittsburgh en 1949, son principalmente témperas a bordo, con la excepción de la sala de estar de acuarela sobre papel, 1947, y la sala de estar de óleo sobre tabla l Like Dance del mismo año.
Según el Pisburg Tribune-Rewiew que revela la historia, varias de las obras se han exhibido previamente en el Museo Andy Warhol, en la ciudad natal del artista, y en la exposición itinerante Andy Warhol: Lifetimes, que se cerró la primavera pasada en el Museo de Arte de Aspen en Colorado.
Todas las obras se pueden ver en el sitio web The Andy Warhol Family Album.
Artnews informa que la venta está siendo organizada por el sobrino del artista, James Warhola, un ilustrador, que representa a seis hermanos en el asunto.
Todos son hijos del hermano de Warhol, Paul Warhola, y su esposa Anne, ambos fallecidos.
Sus muertes relativamente recientes llevan a la decisión de los hermanos de vender las obras, dijo James Warhola al Tribune-Review.
No es algo que hayamos querido hacer, pero es la única forma de dividir un patrimonio, y hay un montón de nosotros que podríamos usar unos pocos dólares adicionales.
En declaraciones a Arts News, el experto en Warhol Richard Polsky dice que espera que todas las obras tengan buenos precios, pero señala a Nosepicker 1 como la joya de la corona:
Aunque no se considera parte de su trabajo maduro, es un indicador histórico significativo de su futura fascinación por pintar a su apariencia.
Judith y Holofernes (1607), de Caravaggio, un lienzo descubierto en 2014 en un desván derca de Toulouse, y que es adquirido por un comprador anonimo poco antes de que saliera a subasta, está en casa de J. Tomlinson Hill, un apartamento con vistas a Central Park y la Quinta Avenida de Nueva York.
Ni confirmo ni desmiento la compra
Collector Tomilson Hill in New York City.
Hombre de poca afición a conceder entrevistas, recibió a EL PAÍS el pasado mes de julio para hablar de sus joyas y permitir que se fotografiaran sus tesoros.
Collector Tomilson Hill in New York City.
Casi todos sus tesoros: el caravaggio, con el que se colocó en el centro de toda clase de especulaciones hace tres años, tras una venta privada que se valora entre 100 y 150 millones de euros, quedó fuera del trato.
Collector Tomilson Hill in New York City.
El caso (y su secretismo) recuerda al del ecce homo de la misma época del pendenciero genio milanés que apareció el año pasado en Madrid en la sala de subastas Ansorena por 1500 euros. En ambos casos también hubo dudas sobre su autoría.
Administrador de fondos, llegó a ser vicepresidente de la inversora Blackstone.
DE LA COLECCIÓN DE HILLS, ESTA VIDRIERA DE LA CREACIÓN DEL MUNDO Y LA EXPULSIÓN DEL PARAÍSO, 1533, SE INSTALARÁ EN LA NUEVA GALERÍA DE LA FUNDACIÓN HILL.
Es un estudioso de la historia de la pintura, miembro de los patronatos de varios museos importantes y cuenta con su propio centro de arte privado, la Hill Art Foundation en el barrio de Chelsea.
CoHILL EN SU CASA EN SU APARTAMENTO DISEÑADO POR PETER MARINO EN LA CIUDAD DE NUEVA YORK. FOTO DE BENJAMIN NORMAN PARA THE NEW YORK TIMES.llector Tomilson Hill in New York City.
Yo quería comprar la Silla eléctrica roja, pero mi mujer, Janine, la vetó.
Dijo que no quería que en nuestra casa convivieran con esa imagen tan impactante niños que entonces eran muy pequeños.
Pero todo llega, y una vez que mis hijas comenzaron a ir a la universidad, adquirí, tal como acordé con ella, esa obra magnífica de Andy Warhol, que hoy dialoga con otra obra emblemática del artista, de la serie Car Crash.
Warhol es solo uno de los nombres de una extraordinaria lista, en un apartamento diseñado por el influyente interiorista Peter Marino, incluye bacons, rubens (con una obra que pintó encima de un retrato de Velázquez del hermano de Felipe IV), picassos, twomblys… Aquí, los maestros históricos, más propios de museos que de casas particulares, dialogan con fluidez con bronces del barroco y con pintores que se consagraron tras la Segunda Guerra Mundial.
‘Bacchus wearing a Satyr’s Mask’ de De Vries (1626)
Hill asegura durante una conversación que no compra solo guiado por los nombres altisonantes, sino que busca obras cuidadosamente seleccionadas por su relevancia en la historia del arte.
Y en ocasiones lo hace atendiendo a curiosas reglas:
Nunca debí haber vendido el rothko del que me deshice en 2007.
Me equivoqué. Pero lo hice porque no pude encontrar otros tres rothkos que lo complementaran, con lo cual me resultó imposible cumplir con mi ‘regla de los cuatro’, que es fundamental porque fortalece el diálogo entre la colección ―por ejemplo, entre el mundo abstracto y el figurativo― y, así, evita la lógica según la cual una persona puede comprar cuadros aislados como quien va a un centro comercial.
Me cuesta decidir dónde va cada pieza, pero una vez que lo decido, no cambia más de lugar.
En 2019 inauguró la Hill Art Foundation. Museo privado sin fines de lucro con más de 7.000 pies cuadrados, se trata de un espacio también concebido en tonos de blanco y negro por Marino.
Una serigrafía del artista Christopher Wool, parte de la colección de J. Tomilson Hill que se mostrará en Hong Kong.Crédito…Christopher Wool, cortesía del artista y Luhring Augustine, Nueva York
Todas mis obras dialogan entre sí y establecen conexiones que al principio no parecen obvias, [Janine y yo] coleccionamos a ciertos maestros en profundidad, y de cada uno de ellos tenemos al menos cuatro obras mayores. Por ejemplo, la pared que ve allí está destinada exclusivamente a dibujos de [Willem] De Kooning.
—¿Y cómo concibe el arte de coleccionar?
—No pienso demasiado en el coleccionismo de un modo convencional. Yo no colecciono. Más bien, busco obras de arte que me interpelen y que, luego, puedan conversar con las demás piezas que tengo.
Esta es una visión que en buena parte le debo a mi madre, quien, a pesar de no haber vendido una sola obra, fue artista y trabajó con fluidez la pintura, el dibujo y la escultura en bronce y en terracota.
Ella realmente amaba el arte, tenía un gran ojo y me llevaba a visitar museos. Y gracias a esa inspiración, cuando yo no tenía dinero, igualmente pude adquirir objetos con los cuales me interesaba vivir.
Desde Londres a Arabia Saudí, he vivido rodeado de objetos, que siempre han sido un estímulo edificante; me hacen sentir mejor.
Porque una colección, ya sea de pintura, de sellos o de cuadros, implica una declaración de principios. Y para mí, en cada objeto, y en el modo en que este se relaciona con los que colecciono, está esa declaración.
Hay mucha gente que, en lugar de ver obras con los ojos, las ve con los oídos, basándose en lo que la gente dice, o especulando respecto a su valor futuro. Yo jamás pensé si lo que estaba adquiriendo se cotizaría. No me importa.
A la pregunta de cómo empezó su propia colección, responde:
Fue en los ochenta, cuando tenía poco dinero, coleccioné naturalezas muertas, sobre todo holandesas, del siglo XVIII. No solo me atraían, sino que todavía las tengo. También es importante en la forja de su gusto Jim Demetrion, que modeló durante décadas el Museo Hirshhorn, en Washington, y que fue una gran influencia, recuerda, al introducirle en artistas como De Kooning o [Jean] Dubuffet.
Entre sus próximos proyectos figura, como presidente del patronato del Guggenheim, la construcción de una nueva sede en Abu Dabi, cuyo edificio ha encomendado a Frank Gehry.
Él es un privilegiado testigo de la relación entre lo público y lo privado en el arte.
Actualmente es muy difícil para los museos armar colecciones competitivas en un mundo en el que el bienestar privado ha explotado, y en el que el mercado del arte está por las nubes.
¿Cuál es la respuesta a ese desafío tan inquietante? Para mí, que los privados donemos.
Y tengo otra cosa clara: cuando mi esposa y yo no estemos más en este mundo, no solo nuestras mejores obras estarán en museos importantes, sino que nuestra fundación dejará de existir.
Creo que el arte llena un vacío, hace que la gente interactúe, se una y se sienta mejor respecto a sí misma y a su comunidad.
Es que algunos se quejan de que los museos están llenos, pero no consideran que en los sesenta uno veía obras de Pollok o de Monet en museos vacíos.
Por eso creo en las líneas que sostienen la historia del arte ―pues sin Velázquez no habría Bacon ni Manet; sin Manet no habría Cézanne, y sin Duchamp no habría Warhol―, creo en los museos, creo en mi país y creo mucho, también, en Nueva York, mi ciudad.
Artista que trabaja bajo las órdenes de Andy Warhol, conoce a Jean-Michel Basquiat y colabora con nombres como Keith Haring y William S. Burroughs.
Antipodal Reunion.(2005). En welt.de
Pero es más que colaboraciones, algo que queda demostrado en los últimos tiempos.
The Girls. En nathannothinsez.blogspot.com
En abril de 2020, su pintura Antipodal Reunion es la obra de arte más cara jamás vendida en una subasta online.
George Condo y Andy Warhol. En wmagazine.com
Tiene lugar durante la subasta de dos semanas organizada por la casa Sotheby’s: tras una serie de pujas a alta velocidad, cuando el cuadro alcanza la cifra de venta de 1,1 millones de libras esterlinas.
The Cloudmaker (1984). En.toutceciestmagnifique.com
La obra representa a la intención del arte de George Condo: un arte que desmantela, deconstruye y vuelve a montar la realidad para mostrarn lo ya conocido de la vida cotidiana a través de un nuevo prisma.
“Dear Keith” (1989). Dibujo a pastel dedicado a Keith Haring. En sothebys.com
En la actualidad el artista mantiene su ritmo de trabajo y sigue participando en colaboraciones de éxito en campos como el diseño de portadas de discos, la moda o el mundo editorial.
Ilustración de Gegorge Condo para los textos de Ghost of Chance, escritos por William S. Burroughs. Una de 160 copias firmadas por ambos artistas. Primera edición (1991). En historical.ha.com.
Nace en New Hampshire, EEUU en 1957.
La mujer del carnicero (1997). En sotheby.com
Su interés por el arte en múltiples facetas queda claro desde su juventud, lo que le lleva a estudiar Historia del Arte y Teoría de la Música en la Universidad de Massachusetts.
Portada del álbum de Kanye West My Beautiful Dark Twisted Fantasy. George Condo. En teahub.io.
La presencia de la música es una constante y un impulso importante de la vida de Condo.
Tras dos años en la universidad se traslada a Boston, donde empieza a trabajar en un negocio de serigrafía.
Lo que modifica el curso de su vida y su trayectoria artística es la banda de música protopunk The Girls, de la cual forma parte junto con el pintor Mark Dagley.
La estética y la esencia trasgresora de la banda, creada a finales de la década de los 70, eran un fiel reflejo de los convulsos tiempos artísticos y sociales que entonces se vivían: el arte era algo fundamental para sus integrantes, que combinaban música y performance en sus actuaciones.
Es en esta época cuando el joven George conoce a Jean-Michel Basquiat, un acontecimiento crucial en su vida: es entonces cuando decide mudarse a Nueva York y dedicarse al arte en exclusiva.
La escena artística en el Nueva York de los 80 era tan excesiva como vibrante.
Participa en su primera exposición colectiva, organizada en una galería del East Village en 1981, a la que siguen más muestras consecutivas hasta el año 1983.
Durante estos tres años conoce a Andy Warhol y trabaja en la Factory.
Su trabajo es aplicar polvo dorado a las obras de la serie Mythos.
Pero esta tarea no llena en absoluto la necesidad creativa de Condo, que decide mudarse a Los Ángeles para impulsar su propia producción plástica.
1983 tiene lugar su primera muestra en solitario, organizada por la Ulrike Cantor Gallery.
Es el comienzo de una serie de mudanzas y traslados que ampliarán su punto de vista y sus conocimientos y le ayudarán a conocer a los galeristas que llevarán su obra a lo más alto.
1984 se traslada a Alemania donde entra en contacto y trabaja con el grupo de pintores Mulheimer Freiheit, también conocidos como los Nuevos Salvajes de Colonia. Este grupo de artistas apuesta por la subjetividad y la individualidad en el arte, hasta el punto que uno de los integrantes, Peter Bommels, llega a resumir la esencia de su trabajo en la frase mis imágenes son yo mismo.
Durante su primer año de estancia en el país George Condo celebra su primera exposición fuera de Estados Unidos, concretamente en la Galería Monika Sprueth.
Será la primera vez que exponga uno de sus cuadros más conocidos, The Cloudmaker, terminado ese mismo año.
Las relaciones que establece George Condo durante los años 80 no se limitan a Warhol y su entorno.
En esa década empiezan a despuntar nuevos nombres procedentes de la escena del grafiti y el arte urbano, entre los que destaca el de Keith Haring.
Condo entra en contacto con él y forja una estrecha amistad. En 1984 las Galerías Pat Hearn y Gladstone de Nueva York organizan una muestra doble con su obra; en 1987, el joven pintor participa en la Bienal Whitney con una serie de obras entre las que destaca Dancing to Miles, inspirada en la ciudad y en el jazz y que terminó de pintar en el estudio de Haring.
Sin embargo, su amistad con este artista no es la única relación que cultiva con los grandes nombres de la escena intelectual y artística norteamericana de la época. También genera una sinergia poderosa con William S. Burroughs, con quien creará distintas pinturas y esculturas y realizará una serie de escritos y grabados bajo el nombre de Ghost of Chance, publicados en forma de libro por el Whitney Museum en 1991.
Los 90 suponen una evolución y un cambio de paradigma.
El artista destila sus influencias anteriores y sus propias incorporaciones hasta generar un cuerpo de obra único y personal, plenamente identificable.
Es la década de lo que él define como Realismo Artificial: una serie de en las que, desde un punto de vista clásico y con una técnica depurada, retrata a personajes a medio camino entre la estética del monstruo y la investigación sicológica.
Quería capturar la personalidad de estas pinturas en el punto más álgido de cualquiera que sea el momento en el que se encuentren – en ese estático momento de caos -, y retratarlas como composiciones abstractas situadas en lugares desubicados y habitaciones aisladas.
El ejemplo más conocido, que refleja perfectamente la esencia abstracta, desasosegante y aterradora del personaje retratado, recae en su obra La Mujer del Carnicero (1997).
En abril del año 2020, George Condo entra a formar parte del Olimpo de artistas célebres por los precios de sus obras.
La casa Sotheby’s realiza una subasta online en su sección de arte contemporáneo de Londres, que es presentada por la heredera de la casa, Margheritta Missoni.
Una de las obras más emblemáticas del Realismo Artificial de Condo, Antipodal Reunion, forma parte del lote; durante la subasta, el lienzo se vende por más de un millón de libras esterlinas y se convierte automáticamente en la obra de arte que mayor precio ha alcanzado en las subasta online organizadas por Sotheby’s.
A día de hoy, George Condo despliega su creatividad en todo tipo de proyectos artísticos.
Desde crear la portada del Book of Sketches de Jack Kerouac hasta diseñar la polémica portada del álbum My Beautiful Dark Twisted Fantasy, de Kanye West, es uno de los artistas más solicitados y populares por su talento y su descaro creativo.
Su obra es reconocida en importantes exposiciones realizadas por centro como el Contemporary Arts Museum de Houston, el Museo Maillol de París y el Museo Guggenheim de Nueva York, entre muchas otras.
Tambié protagoniza colaboraciones con marcas de alta costura, como la colección diseñada ex aequo con el rapero Travis Scott para la casa Dior en 2021.
La disputa sobre el origen dudoso de algunas piezas de su colección lleva años acompañando al Museo Getty.
El jueves 11 de agosto, el museo emite un acuerdo para la devolución a Italia del conjunto de esculturas antiguas de terracota de Orfeo y las sirenas y que se prepara para devolver otros cuatro objetos más adelante por haber sido obtenidos en excavaciones arqueológicas ilegales.
Conjunto de esculturas antiguas en terracota ‘Orfeo y las sirenas’, que será entregado a Italia en septiembre.MUSEO GETTY
Orfeo y las sirenas ya no están expuestos en el museo.
Es la Unidad de Tráfico de Antigüedades de la Oficina del Fiscal del Distrito de Manhattan la que, siguiendo la pista de un delito, llega a la conclusión de que las esculturas se obtienen en una excavación arqueológica ilegal.
Las esculturas son adquiridas en 1976 por J. Paul Getty, poco antes de su muerte, el 6 de junio de ese año con un coste de 550.000 dólares.
De acuerdo con la política de Getty de devolver los objetos a su país de origen o a su país de descubrimiento moderno cuando una información fiable indica que son robados o encontrados en excavaciones ilegales, el museo ha retirado los objetos de la vista del público y los está preparando para transportarlos a Roma en septiembre, donde se unirán a las colecciones que designe el Ministerio de Cultura.
El museo expresa que la extrema fragilidad de las esculturas requiere un equipo y unos procedimientos especiales para su transporte.
De entre 350 y 300 antes de Cristo, Orfeo y las Sirenas son un grupo de esculturas de tamaño natural.
Las sirenas son en realidad en parte mujeres y en parte aves.
La figura masculina es un cantante, con la boca algo abierta que tiene una especie de arpa, ahora desaparecida.
El museo explica que su identidad es incierta, pero podría tratarse de Orfeo.
El mítico poeta se asocia con las sirenas en la Argonáutica, cuando ayuda a Jasón y a su tripulación a pasar sanos y salvos entre las sirenas tocando música y encantando a los monstruos.
Sin embargo, en el arte del siglo IV a.C., Orfeo lleva un traje oriental muy bordado: una túnica larga y fluida con una capa corta y un suave gorro frigio. Por tanto, el hombre sentado puede ser más bien una representación de un mortal fallecido como músico.
El museo explica que dado el tamaño y las asociaciones funerarias de las tres figuras, es probable que el grupo haya decorado una tumba.
Este conjunto escultórico de gran tamaño, originalmente pintado en colores vivos, es un ejemplo excepcional de la producción de terracota característica de las colonias griegas del sur de Italia.
Las recientes investigaciones del Getty y de estudiosos independientes han llevado a la conclusión de que el museo debe devolver también una gigantesca cabeza de mármol de una divinidad del siglo II d.C.
Tambien un molde de piedra del siglo II d.C. para fundir colgantes, una pintura al oleo de 1881, titulada El Oraculo de Camilo Miola y un timiaterio, un tipo de incensario de uso ceremonial, de bronce etrusco del siglo IV a. C.
Pintura ‘El oráculo’, de Camillo Miola, que también será devuelta a Italia por el Museo Getty.MUSEO GETTY
Los tres primeros objetos fueron adquiridos por J. Paul Getty y el Museo Getty en la década de 1970; el cuarto, en 1996.
Ninguno de estos objetos ha estado expuesto al público en los últimos años.
El museo está trabajando actualmente con el Ministerio de Cultura para organizar su devolución. Dice Timothy Potts, director del museo, a través de un comunicado:
Valoramos nuestra sólida y fructífera relación con el Ministerio de Cultura italiano y con nuestros numerosos colegas arqueólogos, conservadores y otros especialistas de toda Italia, con quienes compartimos la misión de avanzar en la preservación del patrimonio cultural antiguo.
Getty e Italia han recompuesto sus relaciones, que pasaron por momentos dificiles.
En 2005, Marion True, exconservadora del museo, es acusada en Roma de robo de piezas de arte antiguo, aunque nunca es condenada.
Dimite de su cargo en el museo y al año siguiente, pero el escándalo que provocan las revelaciones sobre las prácticas del museo genera una larga negociación para la devolución de obras de arte a Italia.
En diciembre de 2006, en una carta enviada a la Fundación Getty afirma que se le hacía cargar con el peso de unas prácticas conocidas, aprobadas y consentidas por la dirección del museo.
2007, Italia retira los cargos contra True y el Getty llega a un acuerdo con el Ministerio de Cultura Italiano para devolver 40 de los 46 objetos reclamados, entre ellas la estatua de piedra caliza y mármol de Afrodita del siglo V antes de Cristo, pinturas al fresco robadas de Pompeya, esculturas de mármol y bronce y jarrones griegos.
A pesar de ser un artista cuya obra no tiene difusión en Europa, en Estados Unidos está considerado una figura emblemática del arte del siglo XX y principios del XXI.
Muere en 2021 a los 101, es muchas veces incluido en la escuela del Pop-Art, pero él nunca se considera parte y reniega de la obra de algunos de sus máximos exponentes (Andy Warhol, sin ir más lejos).
Desde su primera epoca como dibujante de viñetas en los estudios Disney hasta sus últimos años de vida, el artista no deja de buscar la esencia de objetos, personas y paisajes.
Entre 2020 y 2021, dos de sus obras se venden en subasta por 8,4 y 19 millones de dólares, respectivamente.
El mercado se rinde a la excelencia de un creador cuya humildad, esfuerzo y pasión por el arte y la enseñanza rigen su vida.
Wayne Thiebaud nace en Mesa, Arizona en 1920.
Aunque su infancia y su adolescencia están íntimamente ligadas a Long Beach, la localidad costera de California a donde su familia se muda cuando Thiebaud solo cuenta con 6 meses de edad.
Sus pinturas parecen bañadas por el sol californiano, y vibran con colores y formas inspirados en los drugstores y los puestos de helados y perritos calientes que acompañan sus primeros años de vida.
Desde muy joven muestra su pasión por el arte.
Con 15 años empieza a trabajar a tiempo parcial como diseñador de carteles para funciones teatrales.
Un año después consigue un trabajo de verano como becario en los Walt Disney Studios.
Su misión es dibujar lo que se conoce como in-betweens, fotogramas empleados en las películas animadas para crear como Goofy, Pepito Grillo o Pinocchio.
En su adolescencia, Thiebaud aprende el valor del esfuerzo y del trabajo; aspectos que no deja de aplicar a su obra posterior, y que transmite incansable a los miles de alumnos que pasaron por sus clases.
Los años de la depresión provocan que su trayectoria se enfoque hacia el arte comercial, aunque su atracción por las artes plásticas es grande.
Thiebaud se forma en la Long Beach Polytechnic School y en el Frank Wiggins Trade School, actualmente Los Angeles Trade-Technical College.
Pero la II Guerra Mundial le obliga a enrolarse en las Fuerzas Aéreas, donde permanece lejos de la línea del frente gracias a su talento para el dibujo.
Gracias a su experiencia con Disney, Thiebaud es asignado al Departamento de Servicios Especiales para trabajar como ilustrador y humorista gráfico.
Más adelante pasa a formar parte de la Unidad de Películas de la First Air Force, comandada por aquel entonces por el actor y futuro presidente Ronald Reagan.
Finalizada la Guerra, Wayne Thiebaud se reincorpora a su actividad como artista comercial.
Siguiendo el consejo del artista expresionista abstracto Robert Mallary decide terminar sus estudios de arte.
Por aquel entonces tiene ya 30 años y está casado; en 1945 y 1951 nacen sus dos hijas.
Para mantener a su familia sin tener que abandonar sus estudios, Thiebaud empieza a trabajar como profesor de arte.
La docencia se convierte en una de sus pasiones, y no la abandona hasta los años 90. Esto no impide que entre 1956 y 1957 decida tomarse un año sabático en Nueva York, donde entra en contacto con grandes artistas de la época como Robert Rauschenberg o Jasper Johns, entre otros.
Es en este momento cuando empieza a explorar su camino como pintor: sus conocimientos de arte comercial, su pasión por el color y la luz y su talento para el dibujo realista le empujan a realizar sus primeras obras. En ellas queda ya patente el interés de Thiebaud por retratar imágenes de comida, repostería y escaparates.
A su regreso a Sacramento, California, no encuentra galerías donde exponer sus nuevos lienzos.
Decide mostrar su obra en tiendas, restaurantes e incluso en la cafetería de un teatro. Aunque su experiencia neoyorquina le inocula unos intensos deseos de seguir pintando y desarrollando su estilo, Thiebaud no se siente integrado en el mundillo artístico de la Gran Manzana; aun así, es esta ciudad la que le ofrece la tan esperada oportunidad.
En 1962, el galerista y marchante Allan Stone acepta representarle: es el comienzo de una larga relación, tanto laboral como de amistad. Stone no duda en describirle como
un gran pintor, cuyo toque mágico solo se ve superado por su auténtica modestia y su genuina humildad.
Además de exponer en la galería de Stone, la obra de Thiebaud es incluida en dos exposiciones colectivas fundamentales para comprender el devenir del Pop-art norteamericano (aunque nunca se considera un artista pop).
Hablamos de la célebre New Painting of Common Objects, organizada por el Pasadena Art Museum, y la International Exhibition of New Realists en la Sidney Janis Gallery.
Wayne Thiebaud se divorcia en 1958.
Poco después se vuelve a casar con la cineasta Betty Jean Carr, y nace su hijo Paul, quien años después abre su propia galería.
Entonces se convierte en representante de la obra de su padre, tras el fallecimiento de Allan Stone en 2010.
A mediados de los años 60 el artista entra en contacto con el mundo de las artes gráficas, realizando sus primeros grabados en Crown Point Press.
Lejos de seguir el camino de otros artistas de la escuela pop como Warhol, en lugar de crear imágenes inspiradas en la publicidad decide centrar su obra sobre papel en los retratos y los paisajes.
Obras,como Palms (1965) lucen una radical ausencia de color y de trazo que las acerca a la pura abstracción y a otras escuelas que vendrían décadas más tarde, como la minimalista.
Durante los años siguientes, Wayne Thiebaud continua desarrollando su carrera artística sobre lienzo y papel, manteniéndose fiel a sus temas centrales: los retratos, la comida y los paisajes, muchas veces cercanos al trabajo de otros artistas icónicos norteamericanos, como Edward Hopper.
Memoria, imaginación y observación. Una obra tan rica como extensa
El [arte] es una maravillosa combinación de memoria, imaginación y observación directa. Tiene mucho que ver con el anhelo. […] Lo que me interesa y siempre me ha interesado es la maravillosa búsqueda de las posibilidades de la pintura, así como estar dispuesto a correr riesgos y a probar cosas que pueden no parecer lógicas.
Estas palabras, reflejadas en el catálogo de una de sus últimas exposiciones, reflejan a la perfección la esencia de la obra de Wayne Thiebaud.
Durante los años 80 y 90 y las dos primeras décadas del siglo XXI continúa trabajando y desarrollando nuevos puntos de vista, cercanos incluso a la abstracción geométrica (como se puede comprobar en obras como Sunset Streets, pintada en 1985).
Al mismo tiempo, como artista sigue investigando las posibilidades del realismo más cotidiano en sus pinturas de escaparates y repostería, cada vez más precisas, elegantes y personales.
Todo, sin renunciar a su interés y pasión por el dibujo y el grabado, en los que refleja el mundo comercial que siempre le fascinó junto con la soledad inherente al ser humano. Rasgos que quedan patentes en obras como el sobrecogedor grabado a punta seca Counter Woman, de 2015.
Wayne Thiebaud fallece en 2021 a los 101 años, dejando una obra sólida y relevante que, se revela como uno de los cimientos de la pintura contemporánea.
Vista aérea del yacimiento argárico de La Almoloya, en 2015.UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BARCELONA
After it emerged four thousand years ago, El Agar became the first class-based civilization in the Iberian Peninsula, as well as the first society in the world to have a parliament. But by 1550 BC, it had vanished.
El Argar, an early Bronze Age culture that was based within modern Spain, is one of the great enigmas of Spanish and world archaeology. After emerging in 2200 BC, it disappeared 650 years later. Experts debate that it collapsed in 1550 BC either because of the depletion of the natural resource that sustained it – which resulted in the population fleeing or dying of starvation — or because of a massive popular revolt against the ruling class.
Tapones de oro de lóbulo de oreja de la tumba 38 de La Almoloya.J.A. SOLDEVILLA / UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BARCELONA
The Argaric culture was “the first society divided into classes in the Iberian Peninsula” – as defined by the Autonomous University of Barcelona (UAB) – and the creator of the world’s first Parliament. Following its demise, the civilization vanished from memory… until an archaeologist named Rogelio de Inchaurrandieta came across Argaric artefacts in 1869 and began to ask questions.
Inchaurrandieta exhibited his discovery at the International Archeology Congress in Copenhagen (1866-1912). He spoke of an unknown civilization from the Bronze Age that he had found on a steep hill in the municipality of Totana, in Spain’s Region of Murcia. He displayed gold and silver objects and spoke of a large, fortified city that lacked any type of connection with known historical societies. Nobody believed him.
Yacimiento de la Almoloya, perteneciente a la cultura argárica.
But in 1877, the Belgian brothers Luis and Enrique Siret arrived in Almeria in search of mining prospects. They ended up confirming the existence of the unknown society, including what had been its large urban center, which extended 35,000 square kilometres through the southeast of the Iberian Peninsula. This site was methodically excavated: agricultural tools, precious metals and even the remains of princesses were preserved.
Recreación en 3D de La Bastida, cerca de la actual Totana (Murcia), uno de los principales asentamientos de la cultura argárica.DANI MÉNDEZ-REVIVES
The study El Argar: The Formation of a Class Society, by archaeologists Vicente Lull, Rafael Micó, Roberto Risch and Cristina Rihuete Herrada from UAB, points out that El Argar “is one of the emblematic cultures of the early Bronze Age in Europe. The large settlements on its hills, the abundance of well-preserved [tombs] in the subsoil of the towns, as well as the quantity, variety and uniqueness of the artefacts, have since attracted the attention of numerous researchers.”
Ajuar argárico encontado en la tumba 38 del yacimiento de La Almoloya.UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BARCELONA
Vicente Lull, professor of Prehistory at the Autonomous University of Barcelona and one of the world’s most recognized experts on this society, admits that the Argaric “is in fashion.” “Specialists come from all over the world to take an interest in this unique civilization… it is unparalleled, with first-rate technological development, which left nothing in its wake, but advanced everything. It’s like searching for the lost civilization.”
Posición de dos cuerpos enterrados en La Almoloya y localización de los elementos del ajuar con que fueron enterrados.CELDRÁN BELTRÁN
Experts agree that the discovery of El Argar marked a break with respect to the preceding Copper Age, regarding technological development, economic relations, urban and territorial organization patterns and funerary rites.
Diademas de plata, recipientes, adornos y calavera encontrados en una tumba de El Argar y dibujados por los hermanos Siret.
The Sirets, at the end of the 19th century, excavated ten Argaric sites and opened more than a thousand tombs, resulting in the destruction of the human remains. However, they carefully drew everything they found.
“The culture of El Argar is the first [class-based] society in the Iberian Peninsula. The central settlements accumulated an important part of the production surpluses and the work force. The effects of said control are manifested in the normalization of ceramic and metallurgical products and in the restricted circulation and use, above all, of metallic products,” assert the experts from UAB.
But not all the inhabitants of these cities accumulated wealth to the same extent, as evidenced by the exhumed goods of the ruling class. In 1984, Vicente Lull and Jordi Estévez distinguished three social groups. The most powerful class – made up of 10 percent of the population – enjoyed “all the privileges and the richest trappings, including weapons such as halberds and swords.” 50 percent of individuals, meanwhile, were of modest means and had recognized social-political rights, while 40 percent of residents were condemned to servitude or slavery.
“One of the characteristics of this society is that it was closed in on itself. Its defenses not only served as protection, but also created a cloistered society dominated by an oppressive ruling class,” Lull notes. Such aristocratic oppression likely could have triggered the end of the civilization.
The end of El Argar gave way to the late-Bronze Age. The causes of the collapse of Argaric society seem to have been various socio-economic and ecological factors. Possibly, the overexploitation of the environment led to ecological degradation that made economic and social reproduction unfeasible. The end of El Argar is characterized by the depletion of natural resources, work tools and the workforce, the latter in the form of high infant mortality and more diseases. Perhaps this situation led to an unprecedented social explosion and complete disappearance of this civilization, as evidenced by the fact that many of the unearthed buildings show signs of having been burned on all four sides.
Following the destruction, there was complete silence, only broken by the permanence in Alicante and Granada of some small Argaric groups – populated by the fleeing ruling classes – that survived another century.
Of the hundreds of Argaric tombs studied, one stands out that archaeologists call the Princess of La Almoloya, a young woman who died in the year 1635 BC. She was buried at the head of a unique building with her linens, ceramics and thirty valuable objects made of gold, silver, amber and copper. Beneath her grave, the body of a man who had died years before was found.
About 100 kilometres from Pliego, in Antas – the economic and political center of El Argar – a building was found that included a large room, with benches and a podium. It could accommodate 50 people. The researchers assume that it was a kind of parliament, perhaps the first in the world.
“We will never know what was discussed there,” says Lull, “because the Argarics, despite their development, did not master writing. It’s a mystery about a mystery.”
Vista aérea del yacimiento argárico de La Almoloya, en 2015.UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BARCELONA
Hasta hace poco, se creía que el surgimiento de la civilización en Europa occidental se debió a la influencia de griegos y fenicios, y luego a la conquista romana.
Tumba de la princesa argárica de La Almoloya.UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BARCELONA
Hoy se sabe que hace ya 4.000 años, en el sureste de la península Ibérica se desarrolla una sociedad compleja, dividida en clases, con centros urbanos y élites guerreras que dominan un territorio de casi 35.000 kilómetros cuadrados.
Tapones de oro de lóbulo de oreja de la tumba 38 de La Almoloya.J.A. SOLDEVILLA / UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BARCELONA
Esta sociedad, conocida con el nombre de El Argar, se desarrolla a principios de la Edad del Bronce, entre 2200 y 1550 antes de nuestra era, y ahora la conocemos mucho mejor gracias a las últimas excavaciones llevadas a cabo en La Bastida (Totana) y La Almoloya (Pliego-Mula), en Murcia, a cargo del equipo Arqueoecología Social Mediterránea, de la Universidad Autonoma de Barcelona que ha contado con la ayuda de la Fundacion Palarq y el Grupo Fuertes.
La Bastida, edificada sobre un escarpado cerro de casi cinco hectáreas oculto entre montañas, es uno de los yacimientos más grandes de la Edad del Bronce peninsular.
Yacimiento de la Almoloya, perteneciente a la cultura argárica.
La Almoloya era quince veces más pequeño, pero poseía un valor estratégico excepcional al dominar visualmente miles de kilómetros cuadrados.
Recreación en 3D de La Bastida, cerca de la actual Totana (Murcia), uno de los principales asentamientos de la cultura argárica.DANI MÉNDEZ-REVIVES
En su apogeo, La Bastida es el asentamiento más poblado de la Península, con alrededor de un millar de habitantes, y ostenta la capitalidad de un territorio de unos 3.000 kilómetros cuadrados.
Ajuar argárico encontado en la tumba 38 del yacimiento de La Almoloya.UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BARCELONA
Sus poderosas fortificaciones la convierten en un ejemplo único en la Europa prehistórica; desde allí, un poder militarista conquistó y colonizó el sureste peninsular.
Posición de dos cuerpos enterrados en La Almoloya y localización de los elementos del ajuar con que fueron enterrados.CELDRÁN BELTRÁN
La historia de La Almoloya corre en paralelo a la de La Bastida.
Diademas de plata, recipientes, adornos y calavera encontrados en una tumba de El Argar y dibujados por los hermanos Siret.
En sus inicios es punta de lanza de esa expansión militar hacia el interior; siglos más tarde, en el apogeo de la cultura de El Argar, es un destacado centro de poder político, y grandes edificios ocupan la cima del cerro donde se levanta.
Diadema de plata de la princesa de La Almoloya.UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE BARCELONA
De entre todos aquellos espacios, destaca la llamada Sala del Parlamento, donde 50 dirigentes toman decisiones que afectaban a miles de personas.
Esta sala formaba parte de un palacio donde residía la clase dominante argárica.
Dos de sus miembros, una mujer y un hombre adultos, son sepultados en una de las tumbas más ricas del Bronce Antiguo europeo, con ofrendas que incluyen ámbar y joyas de oro y plata.
Poco después de su entierro, un incendio destruye el palacio y los edificios vecinos. Décadas más tarde, La Almoloya es abandonada, al igual que La Bastida: la sociedad de El Argar colapsa.
Hoy, desvelar las causas de su desaparición es un reto tan apasionante como averiguar las razones de su formación.
Los expertos se debaten entre un agotamiento de los recursos naturales que la sustentan ―lo que provoca la huida de la población o la muerte por inanición de más de la mitad de los recién nacidos― o una revolución popular que arrasa todas sus ciudades a causa del insoportable yugo de la clase dirigente, la tenedora del armamento, de los recursos y de las vidas.
Pintor, grabador y escultor francés, representante del tachismo que nace en Rodez, Aveyron el 24 de diciembre de 1919.
También conocido como el pintor del negro debido a su interés en el color.
Al mismo tiempo es un color y un no-color. Cuando la luz se refleja en el negro, lo transforma y transmuta. Abre un campo mental propio.
Ve en la luz una materia con la que trabajar; estriando la superficie negra de sus cuadros le permite hacer que la luz se refleje, permitiendo que salga el negro de la oscuridad hacia la luz, convirtiéndose entonces en un color luminoso.
Desde su infancia se siente atraído por el diseño, el arte romano y las pinturas rupestres.
Antes de la Segunda Guerra Mundial ya había recorrido los museos de París buscando su vocación, y después del servicio militar en tiempo de guerra, abre su estudio en la capital francesa, celebrando su primera exposición en el Salon de los Independientes de 1947.
También trabaja como escenógrafo.
1979 es nombrado miembro honorario extranjero de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras.
1992 es galardonado con el Praemium Imperiale.
1987-1994, produce 104 vidrieras de Saint Foy de Conques (Aveyron, Francia).
2006, una composición suya de 1959 se vende por un millón doscientos mil euros en Sotheby’s. En 2007, el Museo Fabre de Montpellier le dedica una sala, presentando la donación que hace a la ciudad.
Esta donación incluye veinte cuadros desde 1951 hasta 2006, entre los que hay obras principales de los años 1960, dos grandes obras de los años 1970 y varios polípticos de gran tamaño…
2009, el Centro Pompidou de París dedica una gran retrospectiva al pintor francés Pierre Soulages.
La muestra se convierte en la cuarta más vista de la historia del museo hasta hoy, y también en la más emotiva: muchas personas se situaron frente a cuadros de su serie Outrenoir y rompieron a llorar.
La emoción que suscita la obra de Soulages parte de una intensa apuesta por la abstracción y de una pureza extrema: son lienzos en los que el color (o no-color) negro actúa como un espejo del interior.
Superficies profundas que no invitan a penetrar en ellas, sino que nos devuelven el reflejo y nos lanzan hasta el interior de nuestro propio ser.
Década tras década, Pierre Soulages ha creado un enorme universo pictórico que envuelve la consciencia e invita a la introspección.
Son más de ochenta años dedicados a su pasión más poderosa, que le han convertido en el artista francés más famoso y cotizado del mundo y en el maestro del negro y de la luz.
Con más de un siglo a sus espaldas, la pasión sigue ardiendo en su espíritu creador:
Lo que me gusta es mirar el presente y soñar en lo que haré mañana. El día que deje de sentir eso, consideraré que estoy muerto.
Pierre Soulages nace en 1919 en la localidad francesa de Rodez. Su infancia transcurre en el tranquilo pueblo, un lugar que el artista siempre lleva en el corazón.
Desde muy pequeño, su interés por el arte más esquemático es una constante de su vida.
Él mismo cuenta como anécdota que en su infancia, cuando le daban lápices de colores para dibujar su interés se centraba casi exclusivamente en el lápiz negro.
Sus visitas al museo de la localidad, donde descubre las tallas celtas y el arte rupestre, acentúan su interés por la abstracción ya desde sus primeras obras.
También demuestra una intensa atracción por el arte románico, que descubre en la cercana Iglesia Abacial de Santa Fe de Conques: posteriormente, en los años 80 recibe el encargo de realizar los vitrales que actualmente cierran sus ventanas.
Soulages pinta desde muy joven; en el Museo Soualges de Rodez se conservan algunas de sus primeras obras, realizadas en 1938.
La economía de color que muestran y su atención a la pincelada prefiguran, de alguna manera, su trayectoria posterior.
Ese mismo año viaja a París con el objetivo de estudiar arte, comenzando su formación en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes.
Es admitido para la formarse en la cátedra de Dibujo, pero el academicismo de la enseñanza pronto le decepciona y abandona los estudios.
Durante su estancia en la capital visita varias exposiciones y descubre la obra de Pablo Picasso y Paul Cézanne, que despiertan su admiración, al igual que el Louvre. Soulages regresa entonces a Rodez.
1940, la II Guerra Mundial asola Europa. Pierre Soulages es llamado a filas, pero se niega a participar en la contienda.
Durante la ocupación (y para evitar ser trasladado a un campo de trabajo a Alemania) decide obtener papeles falsos y se oculta trabajando en un viñedo de Montpellier.
Allí entra en contacto con el escritor Joseph Delteil, apasionado por el arte de vanguardia y amigo personal de Picasso, Chagall, Delaunay y otros artistas de la época. Soulages le enseña sus obras, y comenta:
¡Blanco y negro! Estás cogiendo a la pintura por los cuernos. Y ahí está la magia de la pintura.
Su opinión le impulsa a proseguir con su carrera artística; para ello, en 1946 (una vez terminada la guerra) se muda a París.
Conoce a la artista Sonia Delaunay, quien le introduce en el mundo de la abstracción pictórica y despierta su interés por esta escuela.
Al tiempo que vive en París, establece también un taller en la ciudad mediterránea de Sète. Actualmente, Pierre Soulages sigue viviendo y trabajando en esta localidad.
En París, las cosas no resultan fáciles para el joven Soulages.
Es rechazado por el prestigioso Salón de Otoño y decide presentarse al Salon des Surindépendants, atraído por la ausencia de jurado.
Sus obras crean un potente contraste con el resto, donde la abstracción se movía por terrenos cromáticos con fuerte presencia de los colores primarios.
Durante la muestra, el artista se entera de que Francis Picabia, uno de los más importantes exponentes del movimiento Dadá, ha comentado que su pintura era la mejor de la exposición.
En pocos días le conoce en persona; su opinión marcará un antes y un después para Soulages. En una entrevista reciente repitió sus palabras:
No te preocupes por la crítica. Yo he visto de todo: impresionismo, fauvismo, dadaísmo, surrealismo, arte abstracto… Y si te digo que tu obra es buena, significa mucho más que lo que opine cualquier crítico.
Tras pasar unos años difíciles, su trabajo empieza a despuntar: comienza una carrera meteórica que no ha dejado de sorprender e innovar hasta la fecha.
En la década de los 50, Pierre Soulages va cambiando su forma de pintar. Se interesa por la materia y la textura, y empieza a emplear herramientas más poderosas como las espátulas y las brochas anchas.
Su interés trasciende el campo pictórico: comienza a experimentar con la escultura en bronce y las artes gráficas, además de realizar trabajos de escenografía para teatro y danza.
Su obra traspasa las fronteras de Europa y viaja a Nueva York como parte de una serie de exposiciones colectivas, mostrándose en el Museo Guggenheim y en MoMA.
La Kootz Gallery acepta su representación y expone su obra de forma regular, así como la Galería de France de París. Las grandes colecciones públicas y privadas empiezan a adquirir sus pinturas, desde el Guggenheim de Nueva York hasta la Tate Gallery de Londes o el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro.
El interés por su arte prosigue en los años 60, década en la cual empiezan a realizarse retrospectivas con su obra.
Al mismo tiempo, Soulages no deja de investigar y experimentar en campos como la cerámica: en 1968 creará un mural para un edificio situado en Pittsburg, conjuntamente con el taller Mégard.
No es hasta el año 1979 cuando Pierre Soulages comienza a trabajar en la que es probablemente su serie más icónica y celebrada, Outrenoir.
Si bien el color negro protagonizó sus pinturas prácticamente desde sus inicios, ese año se produce un cambio en el punto de vista del artístico que lleva a sus obras al plano tridimensional.
En los enormes lienzos, la pintura adquiere una cualidad escultural y crea una paradoja visual formada por el color negro, que absorbe la luz, y la superficie pictórica, que la refleja.
Nada mejor que las palabras del propio artista para describir el momento de la revelación:
Me encontraba en mi estudio, trabajando en una pintura durante horas. Había pintura negra por todas partes. Estaba agotado; no podía entender por qué había trabajado tanto en algo que no me terminaba de gustar. De hecho, pensé que era una pintura fallida porque no estaba saliendo como las demás. Me fui a dormir durante una hora, y cuando me desperté y la volví a mirar, pensé: ‘Ya no pinto con negro. Pinto con la luz reflejada en una superficie negra’
Más adelante, en el año 2009 el Centro Pompidou le invita a exponer su nueva serie; y para ella, el artista se inventa el término ‘Outrenoir’, que se podría traducir como “más allá del negro”’.
La muestra se convierte en un enorme éxito de crítica y público, y dispara la fama de Pierre Soulages y la cotización de sus obras.
Pierre Soulages siempre se sintió ligado a su pueblo natal, Rodez.
Además de los descubrimientos paleolíticos que realizó durante su juventud, y que se conservan en el museo de la localidad, en 1987 aceptó con entusiasmo un encargo muy especial: diseñar unas vidrieras para las ventanas de la Iglesia Abacial de Santa Fe de Conques, un templo románico cercano a la localidad construido entre los siglos XI y XII.
Soulages se sumerge de lleno en la creación de unas ventanas que se integren bien con la sencillez y la poderosa presencia de la arquitectura románica, sin renunciar a la esencia última de su arte: el uso del negro y de la luz para crear universos plásticos.
Lejos de una Edad Media reconstituida, imitada o soñada, perseguí crear un producto de vidrio con tecnologías contemporáneas que se correspondiera con la arquitectura sagrada del siglo XI y con su potencial para suscitar la emoción artística.
Una emoción que el propio templo generó en el artista cuando tan solo contaba 14 años de edad, y que fue una de las claves para el desarrollo de su cuerpo de obra posterior.
La creación y construcción de las vidrieras supone un proceso de trabajo que dura desde 1987 hasta 1994.
El nuevo milenio encuentra a Pierre Soulages en pleno proceso de trabajo.
Prosigue con su serie Outrenoir, creando un enorme cuerpo de obra que se va difundiendo por museos y colecciones de todo el mundo.
En 2001 se convierte en el primer artista vivo invitado a exhibir su obra en el Museo del Hermitage de San Petersburgo; y en 2005, junto con su mujer Colette decide realizar una importantísima donación a la Comunidad del Gran Rodez, su tierra natal. Entrega un total de 500 piezas que, junto con otra donación de 14 pinturas realizadas entre 1946 y 1986, suponen el punto de partida de lo que será el Museo Soulages: un edificio que a día de hoy alberga la mayor colección de obras del artista nivel mundial. El Museo Fabre de Montpellier recibe también por parte del artista una veintena de obras, incluyendo dos pinturas de la serie Outrenoir.
2009, Pierre Soulages cumple 90 años. El Centro Pompidou de París decide homenajear al artista organizando una gran exposición retrospectiva de su obra: más de 2000 metros cuadrados.
Ese mismo año, el Museo Louvre hace una excepción en su política de exposiciones y exhibió una obra de Soulages creada en el año 2000 en su Salón Carré del ala Denon, junto con otras dos nuevas pinturas de 2019.
2014, dos prestigiosas galerías neoyorquinas organizan la primera exposición de obras de Pierre Soulages en Estados Unidos de los últimos 10 años hasta la fecha.
La muestra presenta al público una serie de pinturas a gran escala, nunca expuestas hasta el momento, que revelan el rigor y la potencia atemporal de la pintura del maestro.
La exposición reunió total de catorce nuevas pinturas, junto con obras fundamentales creadas en los años 50 y 60 del siglo XX prestadas por importantes museos y galerías privadas.
Con motivo de su centenario y de manera excepcional, en 2019 el Museo del Louvre realiza una exposición de la obra de Pierre Soulages, ‘Maestro del Negro y de la Luz’.
La muestra, formada por una reducida selección de obra, trazaba una línea cronológica en la que se pudo ver su evolución desde 1946 hasta el año en el que se celebró.
Otra retrospectiva celebrada con motivo del 100º cumpleaños de Pierre Soulages, en este caso en la sede de la Galería Levy Gorvy de Nueva York.
La selección de obras abarcaba la producción realizada por el artista entre los años 50 del siglo XX y el momento actual, y se centró en el papel jugado por Soualges en la relación entre la pintura americana y la europea.
Con motivo de la inauguración, la galería encarga al compositor Anthony Vine el tema musical que se puede escuchar en el vídeo: For Pierre Soulages.
La exposición Elogio de la Luz, organizada por la Fundación Baur – Museo del Lejano Oriente de Ginebra (Suiza) se proyecta como un diálogo entre la obra de Pierre Soulages y el artista Tanabe Chikuunsay IV.
Las pinturas crean un entorno envolvente junto con las obras de bambú del creador japonés, perteneciente a la cuarta generación de una estirpe de grandes maestros cesteros.
El blog de Ila Basmati 