Con la tecnología más puntera y en colaboración con el British Museum, descubre seis vidas a través de la conservación de sus cuerpos

Las momias resultan fascinantes, cada momia es una máquina del tiempo que nos permite visitar el pasado.

Cuando sus fuentes naturales se agotan, los avispados comerciantes encontraron un sustituto en ¡las momias egipcias! Las resinas y ungüentos con las que estas eran regadas profusamente adquirían al secarse la misma consistencia que el betún, pero con mejor olor.

Incontables momias fueron destruidas así, como siguieron siéndolo por los más peregrinos motivos cuando el furor medicinal desapareció.

En ocasiones eran pulverizadas para convertirlas en un color al óleo llamado “marrón de momia”, otras eran trituradas para servir como abono y, si hemos de hacer caso al guasón de Mark Twain, incluso se utilizaban como combustible para alimentar los fogones de los ferrocarriles egipcios.
Poco a poco, la curiosidad que hizo de ellas uno de los souvenirs más demandados por los viajeros que visitaban el país del Nilo llevó a convertir su desvendado en una emocionante soirée en los salones de la gente bien… y en teatros abarrotados de público que pagaba para ver el espectáculo.

La curiosidad llevó a convertir el desvendado de una momia en una emocionante soirée en los salones de la gente bien

Entre los “expertos” que realizaban el desvendado, hubo algunos que tomaron notas del proceso y sus hallazgos, que luego publicaron.

Así fue como muy poco a poco caló entre los primerísimos egiptólogos que las momias eran objetos históricos que podían proporcionar información, más allá del valor museístico de los abalorios que las acompañaron al otro mundo.

Tan lento fue el proceso, que todavía en 1900 el brazo momificado de un faraón de la I dinastía llegado al Museo Egipcio fue tirado a la basura después de quitarle las pulseras que adornaban su muñeca.

De hecho, se ha llegado a un punto donde no es necesario desvendar las momias, un deseo que existe desde que se conocen los rayos X, que apenas cuatro meses después de su descubrimiento ya fueron aplicados a las momias de un niño y un gato egipcios. Hoy de la radiografía única hemos pasado a la tomografía computerizada (CT), durante la cual se realizan miles de radiografías en sección de la momia, que luego un programa de ordenador se encarga de convertir en un objeto tridimensional.

Para ver de primera mano toda la información que se puede conseguir de este modo, nada mejor que acercarse a ver la exposición Momias de Egipto, Redescubriendo Seis Vidas en CaixaForum Madrid.

En ella se exponen las momias de seis personajes que vivieron en Egipto entre el Tercer Período Intermedio (900 a. C.) y la época romana de los Antoninos (180 d. C.).

Se trata de Nesperennub, un sacerdote tebano de la dinastía XXII; Penamunnebnesuttawy, otro hombre del clero, pero del norte del país y de la dinastía XXV; Takhenemet, una mujer casada de la dinastía XXV; Ameniryirt, un funcionario tebano de la dinastía XXVI; un niño anónimo enterrado en Hawara en el siglo I a. C.; y un joven, también anónimo, enterrado en el cambio de era (I a. C.-I d. C.).

Cada momia es analizada en profundidad. La tomografía computerizada permite “pelar” la momia.

Primero sus vendas, claro está, pero luego los músculos, los huesos e incluso los órganos y manipularlos hasta obtener de ellos toda la información que las momias traen consigo, la cual se suma a los datos generados por el estudio histórico de su ajuar y enterramiento para proporcionarnos detalles impensables hace unas décadas de cómo fue la vida en el antiguo Egipto de personas concretas…

Momias de Egipto: Redescubriendo seis vidas se centra en el proceso de momificación y en las nociones manejadas en Egipto sobre la muerte y el más allá.

El eje de su recorrido son media docena de momias y algunos de sus sarcófagos y más de doscientos objetos hallados en distintas tumbas y yacimientos.

Todas, tienen una historia que contar: corresponden a un funcionario encargado de unos dominios, dos sacerdotes, una mujer casada, un niño y un joven grecorromano que vivieron en distintos periodos entre el 800 a. C. y el 100 d. C.

Cada uno de esos personajes protagoniza una sección de la exhibición, que además de revisar cómo encararon sus cercanos sus respectivas muertes, examina cómo pudieron vivir: en qué creyeron, qué cultura manejaron, cómo fueron sus relaciones familiares, qué cosméticos o adornos corporales utilizaron, qué música escucharon y, en el caso de la mujer y el niño, también con qué protagonismo contaron en su contexto histórico.

Gracias a máscaras, sarcófagos, vasos, esculturas, joyas o enseres cotidianos y a los recientes avances en tomografía computarizada e imagen tridimensional podemos acercarnos, a las vivencias diarias de estos ancestros de todos, incluyendo su alimentación o sus enfermedades.

No hablaríamos de momias, es sabido, si los antiguos egipcios no confiasen en que la presentación (y representación) del cuerpo sirvieran para que los difuntos continuaran su periplo tras la muerte: la momificación era su vía para seguir la senda de Osiris, dios de la otra vida y, por tanto, el primero en ser momificado.

 Se piensa que las primeras corresponderían a personas que vivieron hacia el 4000 a. C y cuyos cuerpos serían enterrados en arena seca y caliente que se secaron y, así, se momificaron de manera natural: es posible también, creen algunos egiptólogos, que se desenterraran de manera más o menos casual y que su descubrimiento reforzara, más adelante, la fe de los egipcios en la necesidad de preservar los cadáveres.

El primero es el funcionario y se llamaba Ameniryirt, vivió en la etapa de la dinastía XXVI posiblemente en Tebas, y su momia llegó al British en 1839.

Sabemos su oficio a raíz de las inscripciones de sus tres sarcófagos, que lo sitúan trabajando en los dominios de la divina adoratriz de Amón, Amenirdis, cuya misión sería garantizar la autoridad real en Tebas (hoy Lúxor), entonces centro religioso fundamental.

Pertenecería, así, a las élites locales y su riqueza le permitiría ser momificado, y magníficamente: nos llega envuelto en lino grueso y con la mortaja exterior teñida de rosa oscuro o rojo.

Gracias a las tomografías, de su salud tenemos bastante idea: por el desgaste de su pelvis, pudo morir entre los 35 y los 49 años; padecía un cáncer de los tejidos blandos extendido a los huesos y aterosclerosis y es muy posible que cualquiera de esas dos enfermedades causaran su fallecimiento.

También en Tebas pero antes, seguramente en la etapa de la Dinastía XXII, residiría Nesperennub, sacerdote del templo de Karnak y probable miembro de una familia de alto rango.

 Su momia viene a probar que la conservación del cuerpo era solo una parte de la respuesta de los egipcios a la muerte: de nuevo las tomografías computarizadas señalan que, bajo los envoltorios de su figura, se dispusieron amuletos y objetos rituales -cuyas formas y materiales también se han podido averiguar- a los que se atribuía una capacidad protectora del difunto.

En los objetos y ajuares funerarios han aparecido con frecuencia divinidades ligadas al inframundo como el citado Osiris, Isis y el hijo de ambos, Horus, y la caja de cartonaje de Nesperennub está ornamentada con varias representaciones suyas.

El otro sacerdote que revive en CaixaForum es Penamunnebnesuttawy, que vivió en el periodo de la Dinastía XXV. Por sus títulos podría ser originario del delta del Nilo, quizá sirvió en varios templos y, aunque es probable que residiera en el norte de Egipto, tanto sus sarcófagos como su momificación sugieren que fue embalsamado en Tebas.

Como Nesperennub, fue muy cuidadosamente modificado y, a diferencia de los dos ejemplos anteriores, su cerebro no fue extraído por el embalsamador.

Si tenía en común con el tebano su aterosclerosis, enfermedad habitual entre bastantes momias: se piensa que los miembros de las élites —los únicos que se podían permitir ser momificados— mantenían una dieta rica en grasas animales, aunque también podría explicarse por motivos genéticos.

Atendiendo a los restos hallados en tumbas y templos, bebían cerveza de cebada y vino y comían pan, alubias, pescado, aves y una gran variedad de frutas y verduras; también carne, pero solo en ocasiones especiales.

La mujer casada, asimismo tebana, era Takhenemet, de la Dinastía XXV. Fue enterrada en tres sarcófagos encajados uno dentro de otro por cuyo estilo podría deducirse que se fabricaron allí, en Tebas, y su padre era Padikhonsu, portero de un templo dedicado a Amón, probablemente el de Karnak.

También fallecida entre sus 35 y sus 50, en el sarcófago interno se la representa como una mujer joven, con vestido semitraslúcido y portando un sistro, señal de la importancia de la música en el Antiguo Egipto. Las tomografías apuntan a que se la peinó con un moño (en aquel momento, tanto los hombres como las mujeres de alto rango llevaban pelucas elaboradas con cabello humano como signo de posición elevada).

El niño pequeño, encontrado en Hawara, habitó en el periodo romano: no era habitual que se momificase a los infantes, pero en esos años, hacia el 40-55 d. C., sí fue más frecuente y justo en Hawara, cementerio de Arsínoe, se han conocido varios casos.

Esta figura tenía cerca de cuatro años cuando falleció y su columna y sus costillas están desplazadas, puede que a causa de la propia momificación. Su cuerpo se envolvió con mimo en varias capas de vendajes y su retrato, también delicadamente ejecutado, señalaría que pertenecía a una familia de clase alta.

 En la parte inferior del cuerpo, la mortaja recoge escenas tradicionales, como la de unos sacerdotes oficiando rituales, y en el registro inferior vemos al crío reflejado como una figura completamente dorada.

Flinders Petrie, el arqueólogo pionero que descubrió su momia en 1888, la consideró una de las más interesantes, al estar su efigie ejecutada sobre tela. Como la mortalidad infantil y la de las mujeres en el parto era entonces elevada, existía un complejo sistema de carácter mágico para protegerlos y, aunque no se les dedicaban a los niños enterramientos suntuosos, en algunos sí han aparecido juguetes, como pelotas y muñecas, bastante parecidos a los actuales.

El último protagonista del recorrido es un joven del Egipto grecorromano (hacia 100 a.C.-100 d.C). Nos hace recordar que, cuando los gobernantes primero griegos y después romanos se apoderaron de aquellos territorios, la momificación se siguió practicando, aunque evolucionaron las técnicas y los estilos.

Este individuo, cuyo nombre desconocemos, pudo vivir a finales del periodo griego (ptolemaico) o a principios del romano y el estilo de su máscara de cartonaje y de los vendajes externos apunta a que sería enterrado en la necrópolis mencionada de Hawara, en El Fayum.

 En su caso, las tomografías computerizadas sugieren desorden en el contenido de sus cavidades pectoral y abdominal: alguien accedió al interior de su cuerpo tras ser modificado, puede que en busca de amuletos de valor.

Aunque bajo dominio griego se mantuvieron sin modificaciones relevantes los métodos de embalsamamiento, en época romana se comienza a observar un mayor énfasis en el aspecto externo de la momia, y las estatuillas de dioses y los rollos de papiro del Libro de los muertos dejaron paso a objetos menos tradicionales y más cotidianos.

Pese a esos cambios, las prácticas funerarias mantuvieron su objetivo: ayudar al difunto a renacer en el más allá y seguir el camino de Osiris.

En esa época, los retratos de las momias ofrecían gran realismo, por lo que nos permiten contar con una imagen muy viva de las personas. Para las tablas de los retratos se usaban varios tipos de madera y la más común, la de tilo, no era autóctona, sino que procedía de Europa, de donde es posible que también importaran algunos pigmentos.

Seis momias, seis vidas

https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20220720/viaje-interior-momia/687431328_0.html

https://www.elespanol.com/el-cultural/arte/20220720/viaje-interior-momia/687431328_0.html

Marilyn Monroe nunca fue víctima

Puedo ser inteligente cuando la ocasión lo requiera, bromeaba el personaje de Monroe en Los caballeros las prefieren rubias. Pero a la mayoría de los hombres no les gusta.

Y no le faltó razón. 

Sesenta años después de su muerte sigue siendo recordada como una figura trágica, una víctima pasiva del Hollywood más patriarcal. Pero no es así como la recuerda su amiga Amy Greene, de 92 años:

Cielo, ella nunca fue una víctima. Ni en un millón de años. Era una mujer joven y vital que amaba la vida, las fiestas y que se lo pasaba en grande.

Greene lleva diciéndolo desde hace 60 años, ya que Monroe fue su compañera de piso, niñera ocasional de su hijo, Joshua, y musa de su marido, el difunto fotógrafo Milton Greene.

El domingo pasado Greene, así como la biógrafa de Monroe Sarah Churchwell y actrices como Mira Sorvino, Amber Tamblyn y Ellen Burstyn, repasaron la vida y obra de Monroe en la nueva docuserie de CNN Reframed: Marilyn Monroe narrada por Jessica Chastain.

Partiendo de una perspectiva femenina (y del prisma empático que sigue la estela del movimiento #MeToo), la docuserie sostiene que, pese a que esa no sea la idea predominante a la hora de referirse a ella, Monroe fue una empresaria astuta, conocedora de la misoginia de la industria y que supo utilizarla para su propio beneficio.

 Para la productora ejecutiva Sam Starbuck, que se ha pasado la mayor parte de su carrera tratando con sujetos masculinos rodeada de un equipo en el que los hombres son mayoría, abordar la vida y legado de Monroe ha supuesto una oportunidad y un privilegio excepcionales, así como una oportunidad de desvelar a la auténtica mujer que se escondía tras su estatus de objeto sexual.

Era mucho más interesante, inteligente y divertida de lo que jamás me habría imaginado.

Fue una persona super poderosa e influyente y una auténtica pionera.

Contribuyó a crear su propia imagen de cara a la industria hollywoodiense

Al igual que la mayoría de estrellas de su época, Monroe fue un producto de la industria de Hollywood.

Cambiaron su nombre, su color de pelo y la historia sobre sus orígenes para crear una imagen que vendiese más. Pero Monroe, cuyo nombre de nacimiento era Norma Jeane Mortenson, también interpretó un papel activo en el proceso de su propia metamorfosis como estrella de cine.

Firmó su primer contrato con la 20th Century Fox, en concreto con el ejecutivo Ben Lyon, que la rebautizo comoMarilyn.

 La entonces modelo insistió en utilizar el apellido Monroe.

 Quise utilizar el apellido de soltera de mi madre porque sentí que me correspondía por derecho. Y las cosas de verdad rara vez acaban en circulación.

En aquel momento de su vida, Monroe, que entonces apenas rondaba los 20 años, ya era una superviviente.

Una superviviente de abusos sexuales, de una infancia caótica con una madre esquizofrénica estuvo años enteros entrando y saliendo de hospitales psiquiátricos y de un primer matrimonio concebido para mantenerla lejos de los orfanatos cuando tan solo tenía 16 años.

Pero también tenía muy claro qué era lo que quería (una carrera cinematográfica) y cómo conseguirlo.

Tras la visita de un fotógrafo a la fábrica de municiones en Van Nuys donde Monroe trabajo durante los años 40, acabó dejando el trabajo y firmando un contrato con una agencia de modelos, se divorció de su primer marido (que no apoyaba su carrera profesional), y empezó a tantear a diferentes estudios para ponerse manos a la obra con la idea de dedicarse a la actuación.

 Cuando 20th Century Fox comenzó a publicitar a Monroe como personaje y a utilizar su nuevo nombre, borraron por completo su historial familiar y su búsqueda activa de una carrera cinematográfica y crearon una historia sobre sus orígenes más fácil de vender al gran público.

 Los agentes del estudio la mostraron como una huérfana descubierta mientras trabajaba como niñera para un cazatalentos.

 No solo se subió al carro de reescribir sus antecedentes para que fuesen aptos para todos los públicos, sino que posó en unas fotografías en las que aparecía cambiando pañales y leyendo cuentos a unos niños para un articulo publicado en 1947 con el titular Una niñera preciosa.

Según Starbuck:

Le sacaron fotografías en las que aparecía con lazos enormes en el pelo y cambiando pañales. Todo aquello se lo inventaron por completo. Pero ella supo qué era lo que tenía que hacer para llegar a donde ella quería.

Supo cómo sacarle provecho a sus aliados más poderosos

Monroe tomó clases de actuación y pasó muchas horas rodeada de fotógrafos para aprender cuáles eran sus mejores ángulos y refinar su propia imagen ante las cámaras. Pero en el mundo de los estudios cinematográficos, entonces completamente dominado por los hombres, Monroe no podía conseguir todo lo que quería por sí misma.

 En palabras de Mira Sorvino, que dio vida a Monroe en la película de 1996 Norma Jean y Marilyn: 

Creo que Marilyn tuvo que aceptar el hecho de que tendría que salir con algunos hombres para conseguir sus propósitos. Y creo que jamás debería haberse visto en la tesitura de elegir hacerlo. Pero al menos fue decisión suya.

A los 21 años, después de que 20th Century Fox decidiese no renovar su contrato, Monroe entabló lo que la docuserie describe como una relación íntima con el poderoso ejecutivo cinematográfico Joseph Schenck.

Churchwell lo explica así:

[Monroe] comprendió que tenía dos opciones, o bien decir que no le gustaban las reglas y por tanto no jugar a ese juego, renunciando a su sueño de forjarse una carrera, o reconocer que esas eran las reglas del juego y decidir cómo gestionarlo.

Schenck más adelante convenció a Harry Cohn, jefe de producción de Columbia Pictures, para que se le concediese un contrato de 6 meses a Monroe, tal y como recuerda Donald Spoto en el libro Marilyn Monroe: The Biography.

A finales de los años 40, Monroe se igualó los cuadernos con Johnny Hyde, su agente y amante unas décadas mayor que ella.

 Se mudo con él cuando todavía estaba en la veintena y él ya superaba los 50 años y fue él quien le consiguió un contrato dfe 7 años de duracion con 20th Century Fox. Según un extracto de la biografía de Barbara Leaming:

El agente con hechuras de enano, muy enamorado de Marilyn, creía en su sueño de convertirse en una estrella como nunca antes lo había hecho nadie. Incluso se rumoreaba que fue él mismo quien aseguró el nuevo contrato que negoció para ella con la 20th Century Fox. Antes de conocer a Johnny, Marilyn firmó contratos breves tanto con 20th como con Columbia, pero ninguno de los dos estudios decidieron quedarse con ella. Hyde estaba decidido a que las cosas fueran distintas en aquella ocasión.

Así lo pareció, al menos por un tiempo. En 1950 los esfuerzos de Hyde empezaron a dar sus frutos. Marilyn supo llamar la atención con papeles pequeños pero llamativos en La jungla de asfalto de John Huston y Eva al desnudo de Joseph Mankiewicz. Fue gracias a Johnny que tuvo la oportunidad de trabajar con los mejores directores -y de saber quiénes lo eran

 Dicho lo cual, Monroe también rechazó a más de un hombre poderoso.

 Si bien aceptó la ayuda de Hyde para avanzar en su carrera, al parecer jamás aceptó su dinero.

Cuando todavía estaba vigente su contrato con Columbia, Cohn, jefe de los estudios (y un conocido mujeriego, pero sin duda uno de los hombres más poderosos de Hollywood en aquella época) la invitó a su yate.

A lo que ella respondió: ¿Nos acompañará tu mujer?.

Cuando se terminó su período de seis meses, Cohn decidió no renovar su contrato.

Se adelantó al #MeToo

En 1952, antes de que Monroe alcanzase el estatus de gran estrella cinematográfica gracias a Los caballeros las prefieren rubias, la actriz fue coautora de un articulo junto a la periodista Florabel Muir titulado Wolves I Have Known (“Los lobos a los que conocí”) sobre los depredadores con los que tuvo que tratar en Hollywood.

En él, Monroe escribió lo siguiente:

Al primer lobo al que conocí debería de caérsele la cara de vergüenza porque trató de aprovecharse de una cría… me dio un guion para que lo leyera y me dijo cómo posar mientras lo hacía. Todas las poses tenían que ser reclinadas, pese a que lo que estaba leyendo no pareciese requerir de tal posición.

A pesar de que Monroe decidiese no dar los nombres de ninguno de los lobos, su decisión de firmar un artículo como aquel fue un riesgo muy bien calculado. Desgraciadamente, su franqueza, de nuevo adelantada a su tiempo, se ha quedado en una mera nota al pie que se pasa por alto en comparación con los continuos relatos de sus experiencias sexuales con otros famosos.

Fue toda una maestra del marketing improvisado

En 1949, su productora quiso que Monroe pasara el verano en Nueva York para promocionar un papel pequeño (pero de los que dejan huella) en la película de los hermanos Marx Amor en conserva. 

Monroe, natural de California, nunca antes había pisado Nueva York y se imaginó que sería tal y como salía en las películas: con nieve en las aceras. Así que aterrizó en la Gran Manzana con sombrero y traje de lana.

No tenía ni idea de que haría tanto calor, dice Starbuck. Pero en lugar de ir a comprarse ropa nueva, lo transformó en un golpe de genialidad publicitaria.

Monroe le echó cara y, colaborando con su propio estudio, posó para unas fotografías suyas en Nueva York con su traje y sombrero de lana, una gran sonrisa en el rostro, cucuruchos de helado y abanico en ristre y el siguiente pie de foto La importación más caliente de Hollywood, según Starbuck.

La productora lo explica así:

Era realmente ingeniosa y se le ocurrían todo tipo de maneras interesantes de presentarse a sí misma. Comprendió cuál era el poder de su marca mucho antes de que existiera esa idea como tal.

A principios de la década de los 50 consiguió una serie de papeles en los que tuvo que aparecer en bañador e interpretar papeles de cazafortunas despistada o de acompañante sexy en películas como Memorias de un don Juan, No estamos casados, Me siento rejuvenecer y Mi mujer se casa. 

Pero ella estaba decidida a convertirse en una estrella pese a que sus papeles la desmerecieran y se acercó a los publicistas para aprender más sobre el sutil arte del estrellato.

 Empezó a llegar tarde a las fiestas y llegar con vestidos de lo más exiguos para llamar la atención y crearse un aura de estrella del cine sexy que fuese a juego con sus papeles.

Se dio cuenta de que ‘la gente quiere sacarse fotos conmigo, quieren saber más sobre mí.

Fue una especie de precursora de Kardashian en ese sentido, dice Tamblyn en la docuserie.

Creó toda una narrativa visual. Lo habría petado en Instagram. Habría sido la mayor influencer de la historia, añade Sorvino.

Y además se lo tomaba con muy buen humor: una vez apareció en una sesión de fotos vestida con un saco de patatas.

Supo reapropiarse de sus fotografías desnuda

Después de casarse con Joe DiMaggio, el histórico deportista estadounidense, su valor como estrella se disparó.

Mucha gente dijo en su día que fue una estrategia publicitaria, dice Churchwell en la docuserie.

Es muy posible que así fuera. Te aprovechas el estrellato de otra persona para añadirle valor al tuyo.

 Más allá de que su historia de amor fuese real o no, lo que está claro es que su matrimonio fue todo un acierto para la carrera de Monroe.

Pero con la fama también llegó el escándalo: salieron a la luz algunas fotografías de Monroe desnuda de la época en la que trató de ganarse la vida como modelo (por apenas 50 dólares), algo que desmentía por completo la historia que confeccionaron los estudios sobre el descubrimiento de Monroe mientras ejercía de niñera.

En lugar de dejar que su estudio se encargara de la situación, Monroe fue por libre y negoció los términos de su propia entrevista con la periodista Aline Mosby.

En ella Monroe explicó su verdadera historia y reveló que el único motivo por el que posó para esas fotografías fue porque necesitaba el dinero.

Tenía deudas. Siempre dependí de mí misma. Nadie me ha mantenido en toda mi vida. No tenía familia. No tenía a dónde ir.

Además, no me avergüenzo. No hice nada malo.

Aquello fue una decisión verdaderamente arriesgada y ella no sabía cómo podría salirle, dice Churchwell.

 Pero a la gente le gustó la honestidad de su explicación y poco después salió en la portada de la revista Life.

En una entrevista posterior, Monroe lo resumió así:

Gracias a Dios, todos somos criaturas sexuales.

Abandonó el rodaje de una película al enterarse de que pagaban mucho mejor al actor coprotagonista

En 1954, 20th Century Fox obligó a Monroe a coprotagonizar el musical The Girl in Pink Tights. 

El guion le pareció una auténtica basura a Monroe y así lo hizo saber escribiendo la palabra basura una y otra vez en su copia del guion.

En aquel momento de su carrera ya había protagonizado varios taquillazos como Los caballeros las prefieren rubias, en el que Monroe insistió en incluir la frase puedo ser inteligente cuando la ocasión lo requiera, pero eso a los hombres no les gusta.

Cuando Monroe descubrió que Frank Sinatra, que sería su coprotagonista en Girl in Pink Tights, ganaría tres veces mas que ella, se marchó sin más del rodaje y se negó a volver.

El estudio la suspendio, pero Monroe se lo tomó como si fuesen unas vacaciones, aprovechando para casarse con DiMaggio ese mismo año y, al parecer, dando el chivatazo para que los fotógrafos pudieran sacar fotografías de su enlace.

Ella era consciente de que los medios de comunicación la necesitaban, y los medios de que ella los necesitaba, dice Tamblyn en la docuserie, haciendo referencia a lo recíproco de su relación.

Los fotógrafos incluso le siguieron la pista a ella y a DiMaggio en el finger de camino a avión en el que viajaron para pasar su luna de miel.

La prensa los sacó en portada (una tónica que se repitió ese mismo año cuando viajó a Corea para animar a las tropas estadounidenses), algo que la puso en una situación de ventaja de cara a sus negociaciones.

Monroe y 20th Century Fox acabaron reconciliándose, tal y como explica Spoto en su libro, y el estudio renunció a exigirle que participara en Pink Tights y en su lugar le ofreció un papel protagonista en La tentación vive arriba de Billy Wilder, además de una bonificación.

Incumplió su contrato para poner en marcha su propia productora

Cuando su matrimonio con DiMaggio fracasó, Monroe siguió sintiendo que no podría obtener el respeto ni los papeles de calidad que buscaba mientras estuviese en 20th Century Fox, así que decidió marcharse a Nueva York y empezar de nuevo.

Se mudó a casa de su amigo y fotógrafo Milton Greene junto a su mujer, Amy, y su pequeño, Joshua.

Durante sus miles de sesiones de fotos, Greene y Monroe trabajaron juntos para pulir su imagen y que una Monroe más seria y respetable empezara a reflejarse en las fotografías. Juntos también maquinaron un plan para alejarse de los estudios y crear la compañía Marilyn Monroe Productions.

El problema era que Marilyn Monroe no le hacía ninguna gracia a Darryl Zanuck [director de 20th Century Fox], dice Greene. Estaba completamente decidido a no darle ni un solo papel a su altura. La industria no la respetaba. Y eso es todo lo que ella quería: respeto.

Monroe albergaba la esperanza de que lo conseguiría una vez tuviese su propia productora.

Pero la prensa no se tomó su iniciativa en serio. De hecho, uno de los artículos que se publicaron al respecto le obsequió este titular tan burlón: A la nueva Marilyn le desconcierta su propia publicidad.

Al no conseguir el respeto que esperaba por parte de la prensa, se las arregló para conseguir una entrevista con el prestigioso periodista Edward R. Murrow para hablar sobre su empresa. Le explico a Murrow:

No es que me oponga a hacer comedias o musicales. De hecho, los disfruto bastante. Pero también me gustaría hacer algún papel dramático.

La compañía de Monroe mas adelante produjo el éxito de taquilla de 1957 El príncipe y la corista, que coprotagonizó Laurence Olivier.

En sus declaraciones a Vanity Fair, Starbuck afirma que Monroe fue una adelantada a su tiempo. Creo que el mundo todavía no estaba preparado para ella. Me parece que los jefes de los estudios quisieron controlarla e hicieron todo lo posible por intimidarla y menospreciarla, pero ella supo cómo defenderse.

Esa es una de las cosas más sorprendentes sobre ella, lo increíblemente valiente que fue. Aquella mujer fue infravalorada, pero en realidad deberíamos reivindicarla como agente del cambio, pionera, persona que expuso los abusos del poder y que fue, a su vez, poderosa e influyente. Sabía que tenía que mover el culo para conseguir lo que quería. Pero sabía muy bien lo que hacía cuando lo hacía.

Artículo original publicado por Vanity Fair US y traducido por Darío Gael Blanco. Accede al original aquí.

Marilyn Monroe “nunca fue una víctima”: 7 ejemplos de cómo supo tomar las riendas de su carrera | Vanity Fair (revistavanityfair.es)

Arte, fama, belleza y muerte: Marilyn Monroe, la gran musa de Andy Warhol | Vanity Fair (revistavanityfair.es)

En 2018, Laura Young compró un busto en Goodwill, una tienda de segunda mano en la ciudad de Austin, en Texas (EE.UU.) por solo US$35.

En seguida, le tomó una foto tras amarrarlo en el asiento delantero de su automóvil.

La comerciante independiente de antigüedades le dijo a la BBC que fue a la tienda de segunda mano con la esperanza de encontrar algo cool.

Pero tras un exámendetallado, bajo la luz del sol, le pareció que el busto podía ser muy, muy viejo, recuerda.

Luego googleó rápidamente bustos romanos de mármol y después de ver fotos pensó que se parecían.

Young comenzó a indagar y descubrió que la estatua que acababa de comprar era un busto romano de 2000 años de antigüedad del siglo I a.C. o del siglo I d. C.

Se trataba de un artículo con un valor incalculable.

Dice Lynley McAlpine del Museo de Arte de San Antonio, Texas:

Ni siquiera estoy segura de cómo es posible ponerle un valor monetario significativo a algo que tiene una historia tan importante, pero que por otro lado nunca podría venderse», El busto podría representar a Sexto Pompeyo, un líder militar romano que luchó contra Julio César.

Investigaciones posteriores revelaron que el origen del busto se remonta a Alemania, específicamente a una réplica idealizada de una villa romana en Baviera que exhibía artefactos originales junto a réplicas.

La villa romana de Pompejanum, ubicada en la ciudad de Aschaffenburg, fue construida en la década de 1840 y quedó severamente destruida tras los bombardeos de los aliados durante la Segunda Guerra Mundial.

No está claro cómo llegó aquel busto de Aschaffenburg a Austin, pero se creeque un soldado estadounidense transportó la estatua a Estados Unidos.

Las tropas estadounidenses estuvieron estacionadas en Aschaffenburg hasta el final de la Guerra Fría.

Y debido a que probablemente fue un artículo saqueado durante la guerra, Young no pudo pensar en venderlo como una antigüedad.

En cambio, negoció un préstamo del busto al Museo de Arte de San Antonio antes de su eventual regreso a Bavaria.

Pero las negociaciones tomaron varios años, y durante ese tiempo Young mantuvo el busto en la sala de su casa.

Se veía muy bien. Y estuvo allí mirándonos durante más de tres años.

Entregar el busto al Museo de Arte de San Antonio fue un momento agridulce, admite Young, porque sabía que probablemente nunca volvería a encontrar algo parecido.

Incluso si encontrara algo más valioso y pudiera venderlo y obtener esa ganancia, probablemente el busto seguiría siendo lo mejor (que he encontrado).

El fin de semana pasado, Young fue a ver el busto en el museo:

Fue muy agradable verlo allí, en su elemento, en donde debería estar.

El artefacto se encuentra actualmente en exhibición en San Antonio, Texas, y será devuelto a Pompejanum en mayo de 2023.

https://www.bbc.com/mundo/noticias-internacional-61362280

Seun informa Art Newspaper, Metakovan, el principal coleccionista que compró el NFT Everydays: The First 5,000 Days (2021) de Beeple por $ 69 millones en una subasta de Christie’s en 2021, encargó un NFT a Olafur Eliasson,.

La pieza, titulada Your view matter (2022), es un trabajo de realidad aumentada y realidad virtual.

Es un NFT único que pertenece a Metakovan, cuyo nombre real es Vignesh Sundaresan, pero está disponible para que el público lo vea a través de la aplicación Acute Art, que se especializa en AR art.

Eliasson ha estado trabajando con AR y VR durante seis años, y también trabajó anteriormente con Acute Art, que incluyó su trabajo en una exhibición de AR en Shed el año pasado.

La obra también estará a la vista en una muestra de Eliasson en el Palazzo Strozzi de Florencia que se inaugurará el 22 de septiembre.

Dice Eliasson en una entrevista con el Art Newspaper:

Las obras realmente están hechas para trabajar con la audiencia más grande posible, Acute es muy consciente de eso. Ese también era un objetivo tanto para el cliente como para mí.

Cuando se ve como una obra de realidad virtual, la pieza sumerge a los espectadores en un mundo de espacios geométricos que responde a los movimientos de los espectadores.

Como un trabajo AR, ese mundo de líneas y formas geométricas se proyecta en el entorno del espectador a través de la pantalla de un teléfono.

Siempre empiezo con lo que es el potencial humano. Debemos cultivar la conciencia de las personas en la realidad virtual que dice que realmente existo, estoy aquí, soy importante y soy suficientemente bueno.

Artnews

Olafur Eliasson, Your View Matter, 2022COURTESY OLAFUR ELIASSON AND ACUTE ART

Comerciante de comisión de piezas justas récord Olafur Eliasson NFT (noticiasdelarte.net)

Beeple vende su NFT por 69 millones de dólares: una subasta histórica que lo coloca entre los tres artistas vivos más exitosos (xataka.com)

Olafur Eliasson lanza un trabajo de realidad virtual y NFT encargado por MetaKovan, el hombre que pagó $ 69.3 millones por ‘ese’ Beeple (theartnewspaper.com)

Johannes Vermeer dibujó una canasta de fuego y un soporte con jarras, un primer plano que no elaboró más allá, antes de decidirse hace 350 años a pintar encima a La lechera, uno de sus cuadros más famosos, anunció este jueves el Rijksmuseum de Ámsterdam, tras una investigación con técnicas avanzadas.

En una rueda de prensa en la capital neerlandesa, el director del museo, Taco Dibbits, explicó estos nuevos descubrimientos que arrojan luz sobre esta pintura que Vermeer elaboró hace más de 350 años.

También ha dado más información sobre las técnicas del artista, de quien se creía que trabajaba despacio y con mucho cuidado -y no rápido- los bocetos de sus obras antes de trabajar los detalles.

Ya se había trabajado tanto en esta pintura que nunca anticipamos que algo tan definitivo saldría a la luz gracias a la tecnología moderna,

Vermeer es un artista misterioso, sobre todo tras el descubrimiento de lo que es claramente una pintura subyacente bajo La lechera (1657-58).

A espaldas de la figura de la mujer, se ve un estante, una repisa de madera con pomos de la que colgaban varios cántaros de cerámica, habituales en un cuarto de servicio o en las cocinas del siglo XVII. 

Una despensa en la propia casa de Vermeer contenía un artículo similar.

Pero no elaboró más allá este estante y lo eliminó de la obra final.

Mientras, la cesta, situada en la parte inferior derecha de la pintura, ya había sido descubierta antes, pero las nuevas técnicas con rayos X y los escáneres infrarrojos han permitido a los investigadores determinar que se trataba de una cesta de fuego tejida con mimbre, una pieza habitual en los hogares de las familias jóvenes en aquella época.

En estas cestas de fuego se solía colocar un cuenco con carbones encendidos para, entre otras cosas, dar calor a los recién nacidos y secar los pañales. Según el material de archivo de la época, que incluye el inventario de objetos del propio Vermeer, ese artículo estaba también en casa del pintor, un hogar de familia numerosa.

Además del boceto de estos dos objetos, también se puede ver una franja gruesa de pintura negra aplicada de forma apresurada debajo del brazo izquierdo de la lechera, lo que deja claro que Vermeer primero pintó rápidamente la escena en tonos claros y oscuros antes de desarrollar los detalles finales de su cuadro. Dice Dibbits:

La investigación, que ofrece una imagen sorprendente de las decisiones artísticas de Vermeer, fue realizada con técnicas de exploración avanzadas (Macro-XRF y RIS) que se usaron en el proceso de investigación y restauración de la Ronda de Noche, la pintura del también artista neerlandés Rembrandt.

Dice la pinacoteca tras la investigación:

La suposición general era que el artista producía su pequeña obra muy lentamente y siempre trabajaba con extrema precisión, pero esta visión se está revisando ahora

Cuando dibujó el estante con jarras y la canasta de fuego, Vermeer no habría quedado muy convencido con su boceto, y optó por pintar sobre estos objetos los otros detalles que hoy se ven en su cuadro final, lo que asegura más paz y tranquilidad en la habitación de la lechera; así nada la distrae de su concentración en su tarea

Estos descubrimientos ofrecen una visión reveladora del proceso de Vermeer y su búsqueda por capturar la atmósfera tranquila que caracteriza su trabajo.

Esta investigación se ha realizado en el contexto de la preparación de una gran exposición sobre Vermeer que acogerá el Rijksmuseum del 10 de febrero al 4 de junio de 2023, y que, con al menos 27 de la pequeña obra de alrededor de 35 pinturas que se conocen del artista neerlandés, se espera que sea la exhibición más grande jamás realizada sobre Vermeer.

Una canasta de fuego y un estante, 350 años ocultos tras ‘La lechera’ de Vermeer (msn.com)

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2022/09/08/la-lechera-de-vermeer-oculto-durante-350-anos-una-cesta-y-un-estante-1598426.html

https://www.msn.com/es-es/noticias/otras/descubren-objetos-ocultos-en-el-cuadro-la-lechera-de-johannes-vermeer/ar-AA11BMeC

https://www.infobae.com/cultura/2022/09/08/tras-350-anos-se-revelan-secretos-de-la-lechera-de-vermeer/

https://es.sports.yahoo.com/noticias/canasta-fuego-estante-350-a%C3%B1os-112527849.html

https://elpais.com/cultura/2022-09-08/la-lechera-de-vermeer-tenia-debajo-el-boceto-de-una-cesta-y-un-colgador-con-jarras.html

Oculto durante décadas, un mosaico que es una parte clave de la historia de Roma fue localizado y devuelto al gobierno italiano, dijo la Oficina Federal de Investigaciones en un comunicado de prensa el viernes.

En 2020, un abogado contactó al Equipo de Delitos Artísticos del FBI en nombre de un cliente anónimo que estaba en posesión de un enorme mosaico de la figura mitológica Medusa, dijo el FBI.

El mosaico se cortó en 16 piezas, cada una con un peso de entre 75 y 200 libras, y se almacenó individualmente en paletas dentro de una unidad de almacenamiento de Los Ángeles desde la década de 1980.

El cliente no tenía documentación, conocida en el mundo del arte como procedencia, por lo que no pudo vender las piezas. Vender arte sin procedencia es el equivalente a intentar vender un auto cuando no tienes su título.

No está claro cómo el cliente anónimo tomó posesión de la obra de arte, o cuánto tiempo había estado en los EE. UU., aunque el FBI dice que puede haber estado perdida durante 100 años.

Dos agentes especiales, Elizabeth Rivas y Allen Grove, trabajaron para descubrir el origen del mosaico para que pudiera ser devuelto a sus legítimos propietarios.

La policía italiana confirmó que el mosaico era italiano y que había sido ingresado en los registros de propiedad cultural en 1909.

El único registro moderno de la existencia del mosaico fue un anuncio de periódico de 1959 que parecía mostrarlo a la venta en el área de Los Ángeles.

Dice Grove:

El mosaico fue hecho a mano a partir de una época en la que la gente ponía una increíble cantidad de cuidado y esfuerzo en él. Realmente habla del ingenio y la creatividad de la época.

No está destinado a estar en Los Ángeles. El mosaico pertenece a la gente de Roma. Nos permite entender un poco sobre la historia de los humanos hace 2000 años.

Funcionarios de Italia viajaron a Los Ángeles para inspeccionar el mosaico y ayudar a planificar la mejor manera de devolverlo a Roma.

Para asegurarse de que el artefacto llegara a Italia sin daños, el cliente anónimo cubrió los costos de las cajas de envío especializadas que luego se enviaron a través de canales diplomáticos. La obra de arte llegó a salvo en abril, confirmó el FBI.

Expertos en arte en Italia se encuentran actualmente en el proceso de limpieza y restauración del mosaico. Si bien algunas de las paletas de almacenamiento estaban infestadas de termitas, las obras de arte estaban en gran parte intactas gracias a la instalación de clima controlado en las que se habían mantenido, dijo el FBI.

Hay un esfuerzo continuo en los EE. UU. para repatriar los artefactos culturales que se venden, a menudo ilegalmente, a coleccionistas privados o museos.

Docenas de artefactos antiguos que los investigadores creen que fueron saqueados fueron incautados del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Los funcionarios también devolvieron antigüedades robadas por un valor de casi $ 14 millones a Italia en julio, incluidas docenas de artefactos incautados al multimillonario estadounidense Michael Steinhardt.

En 2021, el Met devolvió a Nigeria tres objetos de arte africano, incluido un par de placas de bronce de Benin del siglo XVI.

La medida se produjo después de que los museos europeos comenzaran a enfrentar una presión cada vez mayor para devolver los artefactos irreemplazables saqueados durante la época colonial.

https://edition.cnn.com/style/article/fbi-returns-italian-art-los-angeles/index.html

Ucrania denuncia el robo de más de 2.000 obras, mientras Rusia reactualiza el arcaico concepto del botín de guerra, infringiendo así todos los acuerdos internacionales.

Ucrania está intentando proteger su patrimonio histórico y sus colecciones de arte del ataque ruso con las mismas estrategias que inventó Josep Renau (1907-1982) para salvar el tesoro artístico del Museo del Prado en la guerra civil española.

Cartelista y director de Bellas Artes entre 1936 y 1939, Renau estudió el tipo de bombas que usaba la aviación franquista.

Las incendiarias eran las peores, y entendió pronto que la tierra, y no el agua, era la forma de apagar el fuego. Por eso los museos ucranios se resguardan con sacos terreros.

 Las bengalas, debido al calor, recalentaban los marcos y afectaban a la superficie pictórica.

Madrid era entonces un campo de pruebas de la aviación nazi, que lanzó sobre la ciudad nuevos artefactos que Renau nunca pudo identificar.

 Pero sí observó que las obras se quejaban por el eco expansivo de las deflagraciones. Las pinturas sufrían fisuras (craquelado).

La estrategia —igual que en Ucrania— fue separarlas.

Algunas se resguardaron en sótanos y unos 600 tesoros esenciales se transportaron de Madrid a Valencia y de allí a Barcelona y Figueras.

 Y finalmente, en 1939, por tren, a Ginebra (Suiza), bajo la protección de la Sociedad de Naciones.

El presidente ucranio, Volodimir Zelenski, aseguró a principios de mayo que desde febrero el Ejército ruso ha destruido o dañado unos 200 espacios de patrimonio cultural.

Expone Mayte García, conservadora adjunta del Museo de Arte e Historia de Ginebra

Cuando destruyes un auténtico símbolo de una cultura [pensemos en la biblioteca de Sarajevo], garantizas que en dos o tres generaciones regresará la guerra. Imposible que Rusia ignore el sentido identitario del arte.

Las autoridades ucranias denuncian que las tropas rusas han expoliado, acorde con datos de The Guardian, más de 2.000 obras solo en Mariupol.

El botín de guerra existe desde la antigüedad y los rusos no devuelven nada,

lamenta Manuela Mena, historiadora del arte retirada y una de las grandes expertas mundiales en Goya.

Rusia tiene antecedentes. El Museo de San Petersburgo posee, al menos, 35 dibujos, litografías y acuarelas de Goya saqueadas en la II Guerra Mundial al coleccionista  Otto Gerstemberg. Putin se niega a devolverlas a Alemania.

Alguien que propugna querer desnazificar un país recuerda al mariscal nazi Hermann Göring:

En los viejos tiempos, la regla era el saqueo.

Ahora, las formas externas se han hecho más humanas. No obstante, tengo la intención de saquear y de hacerlo copiosamente.

Antes de suicidarse, cumplió su palabra.

 The New York Times adelantó el robo de una extraordinaria colección de piezas de oro escitas (siglo IV antes de Cristo) que atesoraba el Museo de Historia Local de Melitopol. Se cree que los objetos saqueados incluyen al menos 198 adornos de oro en forma de flor, placas de oro y monedas de plata de 300 años.

Lo frustrante es que las reclamaciones de la Unesco no sirven de nada. Lviv (Ucrania) como Alepo (Siria) son patrimonio de la humanidad. Ambas destruidas,

reflexiona Miguel Cabañas, jefe del Departamento de Historia del Arte y Patrimonio del Centro Superior de Investigaciones Científicas (CSIC).

La guerra ya ha cambiado la geopolítica del arte. Rusia quedará fuera de los intercambios de obras.

Pero en algunos museos se empieza a proponer un sistema exclusivo de la Unión Europea, en el que Polonia y Hungría (por sus posturas contrarias a derechos esenciales) quedarían fuera.

Sobra preguntar. ¿Están en peligro el patrimonio y las colecciones de los países cercanos a Rusia? Dice Maite García:

Sí, por supuesto. El arte es a la vez patria y exilio.

https://elpais.com/eps/el-pulso/2022-06-03/proteger-el-arte-en-ucrania-de-las-bombas-rusas.html#?rel=mas

Piezas de 12 regiones elaboradas en metales componen la muestra ‘Brillante amanecer: la metalurgia del oro en el mundo indígena’, abierta desde este jueves por el Museo Nacional de Colombia en Bogotá, que pretende acercar al público a las técnicas usadas por los pueblos prehispánicos alrededor de la orfebrería y la joyería.

Piezas de 12 regiones elaboradas en metales componen la sala Brillante amanecer: la metalurgia del oro en el mundo indígena, abierta por el Museo Nacional de Colombia en Bogotá

La sala Brillante amanecer del Museo Nacional de Colombia, que fue inaugurada el pasado 25 de agosto, reconoce el trabajo metalúrgico que hizo parte de los sistemas cognitivos y simbólicos de los pueblos prehispánicos que habitaron el actual territorio de Colombia, en los que el oro era el protagonista.

Esta iniciativa reúne piezas de 12 regiones del país y se conecta con la nueva hoja de ruta del Ministerio de Cultura, Memoria Viva, que señala la importancia de los espacios patrimoniales y la convergencia de las personas en ellos desde sus conocimientos y experiencia.

 La directora del Museo, Juliana Restrepo, aseguró que “es muy significativo rendir un homenaje al oficio y las representaciones orfebres de las comunidades prehispánicas”.

Hace por lo menos 2.000 años, los pueblos étnicos prehispánicos que habitaron el país crearon maravillosas piezas de orfebrería. Por esto, el Ministerio de Cultura a través del Museo Nacional de Colombia y el Instituto Colombiano de Antropología e Historia (ICANH) rinden un homenaje al trabajo de la metalurgia prehispánica, vista como un oficio o práctica de desarrollo técnico a través del cual es posible comprender las manifestaciones sociales, simbólicas y culturales que cuentan parte de la historia.

Esta iniciativa reúne piezas de 12 regiones del país y se conecta con el eje del plan de acción de la nueva hoja de ruta del Ministerio de Cultura “Memoria Viva” que señala la importancia de los espacios patrimoniales y la convergencia de las personas en ellos desde sus conocimientos y experiencia.

“Abrir puertas es algo muy importante, abrir las puertas del pasado también. Si bien acá está la metalurgia con el brillante amanecer debemos pensar en quiénes hicieron estas piezas, siempre al lado de los objetos debe estar la memoria humana.

Hacemos un homenaje a lo que ellos quisieron hacer con estas piezas que es el brillante amanecer, un homenaje a la vida; lo más importante en este gobierno es convertir a Colombia en una potencia de la vida.

Afirma Patricia Ariza:

En el Ministerio de Cultura tenemos varios ejes, uno de ellos es la cultura de paz que queremos construirla con la gente, una cultura que le haga homenaje al arte, a los objetos, pero también a la gente

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https://elpais.com/america-colombia/2022-09-05/un-homenaje-a-la-orfebreria-del-mundo-indigena-en-colombia.html?autoplay=1

https://elpais.com/america-colombia/2022-08-18/arturo-luna-ministro-de-ciencia-de-colombia-hay-que-establecer-un-dialogo-con-los-saberes-indigenas.html#?rel=mas

https://lanotapositiva.com/colombia-me-encanta/museo-nacional-exposicion-joyeria-prehispanica_78057/amp

https://hjck.com/cine-y-arte/brillante-amanecer-una-puerta-para-ver-la-metalurgia-indigena-colombiana-cb20

https://www.infobae.com/america/colombia/2022/08/26/museo-nacional-abrio-la-sala-brillante-amanecer-la-metalurgia-del-oro-en-el-mundo-indigena/

“Brillante amanecer”, una puerta para ver la metalurgia indígena colombiana

La Asociación de Arqueólogos Griegos (SEA) publicó una carta abierta el lunes, pidiendo a la directora general de la UNESCO, Audrey Azoulay, que intervenga con fuerza para proteger Hagia Sophia en Estambul, Turquía.

Hagia Sophia, uno de los sitios religiosos y culturales más importantes del mundo, se convirtió en Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1985.

Originalmente construida como una iglesia, el gobierno turco convirtió la estructura en una mezquita en 2020 en una decisión muy controvertida.

En los años transcurridos desde entonces, la catedral de la era bizantina ha visto un aumento de los daños y el vandalismo, según SEA.

En la carta, SEA pide a la UNESCO, bajo cuya protección cae el sitio, que intervenga con fuerza para revertir la situación actual, que solo representa riesgos para Hagia Sophia.

SEA describió la gestión actual del sitio como destructiva.

Construida por el emperador romano oriental Justiniano I entre 532 y 537, Hagia Sophia sirvió como la catedral cristiana más grande del mundo hasta 1453.

En ese momento, el Imperio Otomano se apoderó de Constantinopla y Hagia Sophia se convirtió en una mezquita.

Luego fue convertido en museo por el líder turco Mustafa Kemal Ataturk en 1935.

La carta abierta surge inmediatamente después de los daños recientes a los pisos de mármol de Hagia Sophia que se produjeron durante un percance de limpieza, junto con el vandalismo en los últimos dos años contra obras de arte y arquitectura conocidas dentro del edificio, como la Puerta Imperial y el mosaico Theotokos.

En la carta, escribe SEA:

la falta de control de visitantes y la ausencia de personal de seguridad atestiguan la indiferencia a la protección del monumento y dejan la protección del monumento único a la voluntad de cada visitante o peregrino.

Desde que se reanudaron los servicios litúrgicos regulares, la integridad y preservación del sitio ha estado en duda, según SEA.

La organización planea dirigirse a la comunidad científica internacional, buscando tanto resoluciones como peticiones firmadas para la preservación de la estructura.

Hay preocupación dentro de Turquía y a nivel mundial sobre la vida futura de la única Hagia Sophia.

Además, la carta planteaba preocupaciones sobre la conversión del Monasterio de Chora en Estambul en una mezquita.

El suelo de mármol de Hagia Sophia sufren enormes daños por un accidente de limpieza

Según los informes, Hagia Sophia, un edificio religioso de la era bizantina en Estambul, Turquía, sufrió daños la semana pasada cuando el equipo pesado de limpieza agrietó los pisos de mármol. Es solo el último incidente en los últimos años que ha dañado el sitio.

Hagia Sophia, construida por el emperador romano de Oriente Justiniano I entre 532 y 537, sirvió como la catedral cristiana más grande del mundo hasta que Constantinopla fue tomada por el Imperio Otomano en 1453.

Luego se convirtió en una mezquita y posteriormente en un museo. por el líder turco Mustafa Kemal Ataturk en 1935.

Considerado uno de los sitios religiosos y culturales más importantes del mundo, fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1985.

En 2020, el gobierno turco decidió convertir la estructura de un museo en una mezquita.

 La decisión generó controversia tanto a nivel mundial como local, y requirió que el Departamento de Asuntos Religiosos tomara el control de Hagia Sophia del Departamento de Antigüedades del Ministerio de Cultura.

Desde 2020, los informes han documentado otros tipos de daños en el sitio.

La Puerta Imperial, también conocida como la Puerta del Arrepentimiento, que data del siglo VI, es un ejemplo de ello. La entrada mide aproximadamente 23 pies de alto y, según los bizantinos, está construida con roble del Arca de Noé.

Sobre la puerta hay un mosaico que representa a Jesús junto a la Theotokos, o madre de Jesús y Santa María de Egipto, todos los cuales fueron traídos del Santo Sepulcro en Jerusalén. La Puerta Imperial se habría utilizado únicamente como entrada para el emperador.

A principios de este año, el 18 de abril, un grupo llamado Asociación Turca de Historiadores del Arte documentó vandalismo en la puerta en una publicación de Twitter. Escribieron:

Descubrimos que la histórica Puerta Imperial de Hagia Sophia está en tal estado y la fotografiamos alrededor de las 20:45 de esta noche.

La foto que acompaña a la publicación muestra profundas hendiduras en la superficie de la madera.

Tales incidentes han planteado dudas sobre la preservación del sitio desde que se reanudó el culto religioso regular.

Este edificio histórico ha sufrido daños tremendos, dijo un guía turístico de la mezquita al periódico turco Cumhuriyet.

Cuando Hagia Sophia era un museo, la gente lo visitaba con gran respeto. Ahora es como un parque de atracciones.

Artnews

La UNESCO llama a salvar Santa Sofía por arqueólogos griegos (noticiasdelarte.net)

Para la Pascua de 1885, el zar Alejandro III le encarga al orfebre Karl Gustavovich Fabergé la construcción de un huevo para regalarle a su mujer, la zarina María.

El regalo consiste en un huevo con cáscara de platino que contiene dentro uno más pequeño de oro.

Al abrirse este último, se encuentra una gallina de oro en miniatura que tiene sobre su cabeza una réplica de la corona imperial rusa.

Este particular Huevo de Pascua le gusta tanto a la emperatriz que el zar le ordena a Fabergé que realice uno nuevo para cada Pascua.

Desde hace más de cien años, el nombre Fabergé evoca riqueza, opulencia y los huevos de Pascua más extravagantes del mundo.

Los pequeños objetos de arte intrincadamente decorados, que la Casa Real rusa de los Romanov encarga al joyero y orfebre Peter Carl Fabergé son, todavía hoy, algunas de las obras decorativas más exquisitas jamás creadas.

Los Huevos Imperiales, como llegan a llamarse, se diseñan por primera vez como regalos navideños a mediados de la década de 1880.

 Se hacen a mano con oro, diamantes y piedras semipreciosas como esmeraldas y perlas.

Cada uno de los diseños, únicos en su género, presenta capas ricamente pigmentadas de esmalte de vidrio, hoja de oro y filigrana.

Los huevos de Fabergé tienen un tamaño que oscila entre 7,5 y 12,7 centímetros de altura, y tardaban entre uno y dos años en completarse.

 A menudo podían abrirse para revelar una sorpresa: un retrato en miniatura, un reloj o un autómata diminuto.

Dice el especialista británico en joyería Geoffrey Munn en una entrevista telefónica:

Eran objetos mágicos, lo que explica que sigamos tan fascinados con ellos ahora. La gente siempre ha tenido sed de cosas bien hechas, y los huevos Fabergé sacian esa sed perfectamente. Son visualmente brillantes.

Pero la fascinación duradera por la Casa Fabergé también puede provenir del entorno histórico en el que operaba.

El negocio, que se hizo un nombre y una fortuna como proveedor oficial de joyas de la familia real rusa y de otras cortes europeas, se disolvió cuando la revolución de 1917 puso un violento fin a más de 300 años de gobierno de los Romanov.

Cuando la familia del zar huyó de San Petersburgo, los 50 huevos imperiales fabricados por Fabergé a lo largo de tres décadas quedaron atrás.

 Algunos desaparecieron: hoy se cree que solo existen 43 de la colección real. Dice Munn:

La historia de Fabergé es casi como una película de Hollywood. Tienes una hermosa dinastía caída, una vida de corte fastuosa, una caída tumultuosa y estos objetos impresionantes, sentimentales y muy raros que lo atestiguan todo. Ningún otro joyero ha formado parte de tanta intriga, misterio y suntuosidad.

El huevo de Pascua del pavo real fue creado por el relojero Semion Lvovich Dorofeyev, según un nuevo libro sobre los colaboradores de la Casa Fabergé.

Los objetos de la Casa Fabergé pasaron de moda en las décadas de 1920 y 1930, a medida que crecía la popularidad de estilos más geométricos y menos ornamentados como el Art Decó.

Sin embargo, los huevos, y las demás creaciones artísticas de Fabergé, vuelven a la conciencia de los coleccionistas y entusiastas de las artes decorativas cuando, en 1949, el autor británico Henry Bainbridge publica la primera monografía sobre el joyero, explica Munn.

 Se ha escrito mucho sobre Fabergé desde el estudio de Bainbridge.

Uno de los libros más recientes sobre el tema, Faberge: His Masters and Artisans, adopta un enfoque poco convencional de la obra de la casa de joyas al centrarse en los colaboradores de los que se rodeó Fabergé, desde los diseñadores hasta los maestros orfebres que ayudaron a dar vida a sus visiones.

La Casa de Fabergé dirigía una operación impresionante, dijo la autora del libro y experta en joyería, Ulla Tillander-Godenheim, en una entrevista telefónica.

El joyero empleaba hasta 500 artesanos diversos en todos los aspectos de las creaciones de la firma. El negocio ocupaba un edificio de cinco plantas en San Petersburgo, (con) cuatro sucursales en Rusia y una en Londres.

Las conexiones que Fabergé creó con los artesanos con los que trabajaba fueron fundamentales para el éxito de la ‘marca’.

La inspiración para el libro, dijo, vino de su propio pasado: el bisabuelo de Tillander-Godenhielm fue orfebre de la corte imperial rusa y trabajó en la misma época que Faberge. Pero la autora también buscó material en su Finlandia natal

Un gran número de artesanos de la Rusia prerrevolucionaria eran finlandeses.

Después de la revolución, regresaron a su tierra natal. Fui a buscar personalmente a sus familias, y recogí sus anécdotas y recuerdos de los años que sus difuntos parientes pasaron trabajando para Fabergé.

El resultado es un tomo bellamente ilustrado que relata las historias de los artesanos a través de cartas, fotografías e imágenes de los artículos que produjeron para la Casa Faberge.

Aunque son los huevos con los que la mayoría de la gente asocia a Fabergé, solo son la mitad de la historia», dijo Tillander-Godenhielm. Los ‘maestros joyeros’ de la casa creaban desde cigarreras hasta relojes de sobremesa.

Tillander-Godenhielm describe a Fabergé como un hombre de negocios adelantado a su tiempo.

Para empezar, dos de sus principales diseñadores eran mujeres: Alina Holmstrom y Alma Phil.

Sus llamados maestros joyeros de Fabergé se encargaban de reclutar y formar personalmente a sus propios equipos de artesanos, y se les permitía establecer sus propios calendarios de producción.

Fabergé también les concedía el derecho a marcar los artículos con sus propias iniciales. Dice la autora:

Fabergé dirigía su casa con un prototipo temprano de ‘democracia industrial’, a pesar de vivir bajo una de las autocracias más férreas del mundo.

Estaba al tanto de los círculos más ricos de Rusia, pero trabajaba con gente mayoritariamente analfabeta y humilde, dándoles a menudo rienda suelta al arte. Sus objetos son aún más notables por ello: cuentan muchas historias diferentes (y) son una lección de microhistoria.

 Los precios de los huevos Fabergé han aumentado a lo largo de las décadas, y ahora alcanzan enormes sumas en las subastas.

 En 2002, el «Huevo de Invierno» se vendió a un postor telefónico anónimo por 9,6 millones en Christie´s de Nueva York.

 Cinco años más tarde, un huevo de oro y esmalte con un gallo de diamantes se vendió por un precio récord de 9 millones de libras  (entonces US$ 18,5 millones) en la misma casa de subastas de Londres.

La escasez de los huevos ha impulsado claramente sus ventas en las subastas, además de alimentar nuestro interés a lo largo de las décadas.

Los huevos rara vez aparecen en subasta, y hoy en día la mayoría de ellos se encuentran en museos e instituciones públicas, desde Moscú hasta Cleveland.

Las mayores colecciones las tienen la Armería del Kremlin y el Museo Fabergé de San Petersburgo, que albergan 10 cada uno.

Los huevos desaparecidos siguen siendo una fuente de intriga permanente.

En 2015, un huevo Fabergé de oro reapareció cuando, al parecer, un chatarrero lo encontró en un mercado del Medio Oeste estadounidense. En su interior había un intrincado reloj de oro.

Tras comprar el objeto por US$ 14.000, al hombre le dijeron inicialmente que el oro valía menos de lo que había pagado por él.

No fue hasta que buscó en Google el nombre que figuraba en el reverso del reloj, Vacheron Constantin, cuando descubrió que estaba en posesión del Tercer Huevo de Pascua Imperial, diseñado por la casa Faberge para el zar Alejandro III en 1887 y cuyo valor se estima en US$ 33 millones. Dice Munn:

Su arte, la variedad de formas y materiales y el hecho de que todos tengan una historia que contar hacen que el atractivo de los huevos Fabergé no vaya a disminuir pronto.

Son eminentemente coleccionables porque son únicos en el verdadero sentido de la palabra. Llevo cuatro décadas estudiándolos y no me he cansado de ellos.

Fabergé: His Masters and Artisans, Unicorn

https://cnnespanol.cnn.com/2022/07/21/casa-faberge-historia-huevos-trax/

CNN