Esta escultura pretende denunciar lo absurdo de la guerra y destacar el valor de los niños ante situaciones violentas y catastróficas provocadas por otro
Coloca sobre un parque infantil en Central Park la figura de Vladimir Putin sobre un tanque de guerra miniatura.
El propósito es mostrar lo absurdo de la guerra en Ucrania y enfatizar la infancia.
El artista plástico irrumpe en espacios públicos con sus obras, coloca una escultura de Vladimir Putin sobre un tanque de guerra miniatura, en medio de un parque infantil en Central Park, Nueva York.
El propósito es denunciar lo absurdo de la guerra entre Ucrania y Rusia, y enfatizar en las infancias que viven los estragos de este tipo de conflictos bélicos.
Pone al mandatario sobre un pequeño tanque de juguete en medio de varias construcciones de entretenimiento infantil.
Decenas de niños que se encontraron en el parque durante los primeros días de su exposición, jugaron con él, le arrojaron arena y se tomaron infinidad de fotografías.
A través de una declaración por correo electrónico para EFE, el artista afirma que la respuesta de los neoyorkinos con la figura, fue patadas, puñetazos y puños de arena en la cara.
Recalcó que la escultura no pasó desapercibida y ese es uno de los propósitos de su intervención artística, generar una interacción real.
La estatua permaneció en el lugar hasta el 2 de agosto debido a que presentó varios daños y ya no estaba presentable, el cañón del tanque de guerra miniatura se rompio.
El trabajo de James es visto comúnmente en las calles de varias ciudades alrededor del mundo con el propósito de generar interacción con los transeúntes.
Se colocan en lugares emblemáticos y crean un contraste entre el lugar, el trabajo y el mensaje que transmiten, según una descripción de Galeries Bartoux.
Describen en la página oficial de la galería:
Hipersensible por naturaleza ante lo que considera crueles noticias, ha ido sintiendo poco a poco la necesidad de crear obras que tengan sentido y expresar a través de ellas la ironía de la condición humana,
Deplora la soledad inexorable de su especie, su facilidad de manipulación, su inclinación por la autodestrucción y la intolerancia, y le gusta pensar que sus esculturas son inquietantes. Impactar poéticamente constituye así un medio de cuestionamiento, de provocar reacciones…
Ha exhibido piezas suyas España, Colombia, Francia, Alemania y Estados Unidos.
Su labor se hace difícil pues la instalación de estas esculturas le ha traído algunos problemas con las autoridades, dijo para EFE.
Es un poco como un juego del gato y el ratón, tienes que pasar desapercibido….
Es conocido por sus piezas de personajes de color rojo hechas a partir de moldes corporales que coloca en el espacio publico de manera libre.
Sus obras cuestionan la sociedad y la política a través de la poesía corrosiva.
Instala esculturas tanto en Francia como en el extranjero.
En París coloca al presidente Enmanuel Macron en el Quai Valmy en una tienda de campaña con los sintecho.
En el Café de la Gare instala Las pequeños veilleurs en homenaje a las víctimas de los atentados de Paris del 13 y 14 de noviembre de 2015.
En diciembre de 2021, colocó una escultura del político Eric Zemmour con un sombrero de Papa Noel frente al Museo del Louvre para cuestionar la presencia de la extrema derecha en el debate político.
En el extranjero, hace acto de presencia en el Muro de Berlín por el aniversario de su derribo.
En enero de 2022, para conmemorar la abolición de la esclavitud en España , instaló la Humanidad en la peana donde antes había sido retirada la estatua en Barcelona del esclavista Antonio López.
Estados Unidos devuelve a España dos de los cinco libros del siglo XVII robados en un convento de Sevilla
Tres de las obras, escritas por sor Juana Inés de la Cruz, estaban a la venta en una casa de subasta de Nueva York
Los cinco tomos del siglo XVII pertenecientes a la obra de Sor Juana Inés de la Cruz se guardan en el convento de las Carmelitas Descalzas de Santa Ana en Sevilla.
Las monjas les habían impreso un sello que demostraba su propiedad, lo que se conoce como ex libris.
Pero no se sabe cómo, estos acabaron en manos de un residente en Cataluña, que falleció hace unos diez años, y cuya colección bibliográfica pasó a manos de una conocida librería de Madrid, según un comunicado de la Guardia Civil.
Este comercio, a su vez, los vendió a un empresario mexicano aficionado a la literatura antigua.
Cuando este falleció, las obras fueron adquiridas por un estadounidense, que sacó tres a subasta en la casa Swann Aution Galleries de Nueva York.
Ayer, dos de los ejemplares, los que tenían impreso el sello de propiedad del convento, han sido entregados a España.
Se está a la espera de recuperar el tercero, que no cuenta con el sello del cenobio, pero que indudablemente tiene el mismo origen.
La Seccion de Patrimonio Historico de la Unidad Central Operativa de la Guardia Civil (UCO) lleva desde 2021 realizando la llamada operación Ellis.
Los investigadores intentan desenmarañar el sistema de contrabando de libros antiguos impresos en Madrid y Barcelona a finales del siglo XVII, en especial los pertenecientes a la obra de la escritora sor Juana Inés de la Cruz (México 1648-1695). Las alarmas saltan cuando la casa de subastas neoyorquina anuncia que tres estaban en venta.
La intervención del Ministerio de Cultura permite detener la puja prevista de los tres ejemplares, que salen al mercado entre los 80.000 y 120.000 dólares, sobrepasando ampliamente los 50.000 euros que establece la legislación española para considerarlo un delito de contrabando en lo relativo a bienes integrantes del patrimonio histórico nacional, explica la Guardia Civil en una nota.
La Unidad de Tráfico de Antigüedades de la Oficina del Fiscal del Distrito de Nueva York estudia el caso y determina que, en virtud a la legislación estadounidense, se pueden restituir dos de los libros a España, puesto que cuentan con el sello del convento y este es el legítimo propietario de las obras.
Sor Juana Inés de la Cruz fue es escritora cuya vida trascurre en el Virreinato de Nueva España, en la parte que hoy en día se corresponde con el actual México.
Se trata de una autora de gran importancia del Siglo de Oro español, tanto por la profundidad y calidad de sus obras como por el hecho de que es considerada por una gran parte de la comunidad intelectual como la primera autora feminista del imperio español.
La hispanista Dorothy Schons, gran estudiosa de su obra, piensa que fue la iniciadora del movimiento feminista en América doscientos años antes que la sufragista estadounidense Susan B. Anthony.
Debido a las características revolucionarias de la obra de la monja jerónima, las presión social hace que gran parte de su obra sea destruida y que incluso deje de escribir y que se dedique por completo a la vida monástica.
Dice el Ministerio:
La recuperación de volúmenes originales de sus obras se considera fundamental para preservar los valores en los que se asienta la democracia occidental
Los delitos que investiga la Guardia Civil, en especial los relacionados con el contrabando, tienen en muchas ocasiones un escaso recorrido penal.
Explica el Ministerio del Interior:
Esto se debe a la propia actividad de ocultación de los traficantes que, conocedores de que con el transcurso del tiempo prescribe el delito, esperan para sacar a la venta diferentes bienes culturales en su poder en diferentes países.
Sin embargo, según lo establecido en el artículo 29.1 de la Ley de Patrimonio Histórico Español:
pertenecen al Estado los bienes muebles integrantes del Patrimonio Histórico que sean exportados sin la autorización requerida. Dichos bienes son inalienables e imprescriptibles.
En esta ocasión, la disposición tanto de la agencia estadounidense Homeland Security (HSI), como de la Oficina del Fiscal del Distrito de Nueva York, a través de su Unidad de Tráfico de Antigüedades, han sido fundamentales para la recuperación de dos de los librosquedando pendiente la recuperación del tercero, y aunque no tiene estampado el sello del convento, fue también ilegalmente exportado.
El acto de entrega de las obras se realizó ayer en la Oficina del Fiscal de Nueva York.
El fiscal Alvin Bragg ha entregado los ejemplares a Alfonso López Malo, coronel jefe de la UCO.
Al acto, acudieron también la cónsul general de España, Caridad Batalla Junco, la embajadora de los Estados Unidos en España, Julissa Reinoso y el jefe la Unidad de Tráfico de Antigüedades de la Fiscalía de Nueva York, Matthew Bogdanos.
Durante mis años de universidad en Italia estuve profundamente hechizado por la pintura prerrenacentista: desde Lorenzetti hasta Fra Angelico.
Incluso hasta el día de hoy, mi iconografía es una combinación entre ese imaginario y el lenguaje de rotulistas mexicanos. Esta mezcla me ha permitido encontrar una forma personal de materializar imágenes. Nunca he estado interesado en un estilo pictórico particular. Mis imágenes con frecuencia se resuelven mentalmente –‘se imaginan’– en el momento en el que llegan al lienzo.
Francis Alÿs artista belga afincado en Méjico gana el Premio Wolfgang Hahn 2023 con un premio metalico ($ 100,000) de los más grandes del mundo del arte.
Artista interdisciplinar, su obra abarca la instalación, pintura, dibujo y acciones sociales, verá su obra adquirida por el Museo Ludwig de Colonia, patrocinador del premio.
Además, en el otoño de 2023 tendrá lugar una exposición de la obra de Alÿs en el museo.
Me siento muy honrado, y en estos tiempos polarizados, recibir un premio así es significativo y estimulante, ya que me hace sentir que hay cierta coincidencia entre mis propias preocupaciones y las del público, y que es posible un diálogo.
Alÿs investiga desde la década de 1990 la guerra a través de su obra, las fronteras y la difícil situación de los refugiados, revelando problemas mayores.
Cita el acto de caminar como el centro de su práctica.
En una de sus primeras obras, The Leak, 1995, deambula por São Paulo con una lata de pintura azul, de la que vierte el líquido en un chorro fino, revelando su camino.
Aunque la acción se desarrolla en el ruidoso ambiente de un barrio popular, empieza y concluye en el cubo blanco de una galería de arte.
Esta acción se repite en 2004 cuando Alÿs traza una línea de pintura verde siguiendo la frontera de alto al fuego de 1948 en Jerusalén, conocida como la línea verde.
Para Faith Moves Mountains de 2002, Alÿs recluta a quinientos voluntarios para mover una duna de arena de 1,640 pies de largo en las afueras de Lima.
Dispuestos en una sola línea y actuando en conjunto, los participantes mueven la duna varias pulgadas paleando arena paso a paso de un lado a otro de la duna.
Alÿs representa actualmente a Bélgica en la 59 Bienal de Venecia con su exposición La naturaleza del juego.
Compuesta por una serie de cortometrajes que filma desde 1999, todos mostrando a niños jugando con materiales humildes en sus regiones nativas y frecuentemente empobrecidas, que se extienden por todo el mundo, la exhibición obtiene buena crítica.
El contenido del pabellón, que también incluye nuevas pinturas de Alÿs, se presentará en el centro de arte contemporáneo WIELS en Bruselas el próximo año.
En relación al acto de caminar como modus operandi principal de su práctica, en su primera acción The Collector (1991), el artista arrastra un pequeño perro magnético con ruedas por las calles de la Ciudad de México para recolectar cualquier residuo metálico que se atravesara por su camino.
En Fairy Tales (1995), realizó un paseo mientras el suéter que llevaba puesto se desintegra, dejando a su paso un sendero sin fin de hilo azul.
Paradox of Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing), documenta una acción de 1997 realizada en las calles de la Ciudad de México.
En la película se observa una tarea simple y aparentemente inútil: un gran bloque de hielo es empujado por las calles de la ciudad durante nueve horas hasta que se derrite por completo en un charco de agua.
The Rehearsal (1999) consiste en una toma estática de 30 minutos de un VW Beetle rojo que recorre una pendiente de un camino de tierra en un barrio de Tijuana mientras el espectador escucha a músicos ensayando una canción.
Cada vez que dejan de tocar, el auto rueda hacia a atrás por la pendiente, como si se hubiera quedado sin gasolina, y cuando la música comienza de nuevo, el auto asciende una vez más.
En Tornado (2000-2010), secuencias consecutivas muestran a Alÿs persiguiendo enormes remolinos de polvo que se levantan en la temporada anual de sequía del centro de México.
Entre 2004 y 2005, Alÿs colabora con Artangel en diferentes proyectos agrupados bajo el título de Seven Walks.
En uno de ellos, The Nightwatch (2004), un zorro salvaje llamado Bandit fue liberado en la National Portrait de Londres mientras que las cámaras de seguridad del museo graban sus trayectos errantes.
En Don´t Cross the Bridge Before You Get to the River(2008), una línea de niños con barquitos hechos de zapatos abandonan Europa y se dirigen hacia Marruecos, mientras que otra línea de niños también con barquitos abandonan África y se dirigen hacia España.
Hace unos días, el pianista ruso Alexander Malofeev, de veinte años, publica un mensaje en su cuenta de Facebook:
Todos los rusos nos sentiremos culpables durante décadas por una terrible y sangrienta decisión en la que ninguno de nosotros pudo influir
Los vínculos entre los museos rusos y occidentales se rompen.
Con ello se pierde un privilegiado canal diplomático, político y cultural entre ambos bloques.
Nadie interferirá en nuestra ofensiva artística.
Las declaraciones de Mijaíl Piotrovski, director del Museo Ermitage de San Petersburgo, al periódico oficial Rossiyskaya Gazeta, contaminan el arte a través de un lenguaje de guerra.
A Russian customs officer (R) stands next to a box containing a statue returned from an exhibition in Italy at the State Hermitage Museum in St. Petersburg, Russia, Monday, April 11, 2022. The works were part of a Russian exhibition in Italy. (Photo by Valya Egorshin/NurPhoto via Getty Images)
Una semántica soviética que regresa 100 años después de la guerra civil (1917-1926). Piotrovski da la misma importancia a las exportaciones de obras rusas que a la operación especial en Ucrania.
Ni siquiera durante la Guerra Fría el diálogo artístico se fractura.
Era un canal de comunicación. Un recurso para acallar un posible enfrentamiento nuclear.
El Ermitage mantenía excelentes relaciones con Occidente.
Las palabras de su director son sorprendentes y un disgusto inmenso, comenta, sin querer ser citado, el responsable de una de las grandes pinacotecas del mundo.
En 1998, los presidentes Clinton y Yeltsin firman un acuerdo para promover el mejor entendimiento de las dos culturas.
Sin embargo, Piotrovski defiende que, desde que comenzó la operación especial, los museos rusos han exhibido su legado por doquier.
Italia, Londres, España o Francia.
En París organizan la muestra de la colección Morozov (Picasso, Monet, Pissarro, Renoir, Cézanne, Gauguin, Van Gogh) en la Fundación Louis Vuitton.
Una conquista.
Aleksandr Shkolnik, director del museo de la Segunda Guerra Mundial de Moscú, está en la lista de personas sancionadas.
Un orgullo, bravuconeó en la agencia oficial RIA Novosti.
Llegará la hora en que los neonazis ucranios serán condenados, como sucedió tras 1945.
Combaten el aislamiento con el olvido. Por eso han extendido un año el préstamo de muchas obras.
Después del choque se recuperará el acuerdo cultural.
Es lo primero en arreglarse tras un conflicto bélico.
De hecho, fue lo que acabó con la Guerra Fría, pronostica Mira Milosevich, investigadora principal del Real Instituto Elcano para Rusia.
Los museos rusos solo podrán prestar a naciones amigas.
Aunque China, por ejemplo, tiene un desinterés absoluto por sus rembrandts.
Quiere arte contemporáneo.
Resume, bajo el anonimato, el director de una de las mejores pinacotecas de Europa
En Occidente las colaboraciones resultan impensables, estarán prohibidas por la OTAN y no cambiarían las emociones negativas que Rusia genera en la opinión pública.
El Museo Getty de Los Ángeles borra a Putin:
Con ese país, no tenemos ningún compromiso, ni préstamos, ni becas, ni compras, ni subvenciones; nada.
El Kremlin solo posee el gas y el arte para mantener cierta presencia en Occidente. Incluso su historia hiere en Europa.
Más de un millón de piezas son destruidas por los nazis al invadir la antigua Unión Soviética.
En represalia, saquea los museos de Berlín, Dresde, Wiesbaden y Linz.
Los tesoros se almacenan en el Museo Pushkin (Moscú) y en el Ermitage.
Pese a que el pillaje ocurrió en ambos lados, Alemania devuelve el botín.
Pero la Duma declara que las obras expoliadas por el Ejército Rojo son parte de su patrimonio nacional.
El arte brota siempre en el tiempo, en el ámbito de situaciones sociales y culturales específicas.
El extraordinario despliegue de propuestas en los treinta primeros años del siglo XX en Rusia tiene como fondo el impacto de las tres revoluciones políticas que allí se suceden.
Rusia cambia, y el inmovilismo del zarismo da paso a revoluciones en 1905, en febrero de 1917 y en octubre de ese año.
El anhelo de una nueva sociedad despunta en la búsqueda de la innovación en los campos de la cultura y las artes.
Treinta años en los que podría hablarse de una gran aurora, un florecimiento intensísimo en todos los espacios de creación, que acaba terminando trágicamente con la implantación del régimen estalinista : detenciones, deportaciones, muertes, exilios… En definitiva, silencio forzado.
Coincidiendo con la I Guerra Mundial, se despliega el movimiento que hoy conocemos como Formalismo Ruso, que impulsaría la consideración de la teoría y la crítica literaria como disciplinas autónomas.
La voz poética de Vladimir Maiakoski (1893-1930) se agita con fuerza entre las masas que anhelan libertad.
Vsévolod Meyerhold (1874-1940) introduce en el teatro las propuestas creativas de la convención consciente y la biomecánica.
En el cine, Sergéi Eisenstein (1898-1948) revolucionó el montaje de las imágenes fílmicas.
Y la música, con una riqueza que sigue resonando con la máxima intensidad, de Scriabin, Stravinski, Prokofiev, Shostakovich…
En artes visuales Malévich, Tatlin, Vasili Kandinski, Marc Chagall, El Lissitzky, Rodchenko, Klucis y el importante número de mujeres .
Entre ellas, Goncharova, Alexandra Éxter, Liubov Popova, Varvara Stepánova…
Durante décadas, ese impresionante florecimiento artístico ruso permaneció casi olvidado en Occidente.
Fue en los años setenta del siglo ya pasado cuando comenzó un intenso proceso de recuperación y estudio que últimamente, y coincidiendo con la rememoración centenaria de los sucesos de 1917, ha dado lugar a un conjunto de importantes exposiciones internacionales sobre la vanguardia artística rusa.
¿Cuál fue el comienzo de ese despertar vanguardista?
Están la formación de las grandes colecciones de Sergéi Shchukin e Ivan Morozov , que llevan a Rusia un número impresionante de obras de grandísima calidad de la escena artística internacional de aquel tiempo, y, especialmente, de las figuras tanto de los antecedentes como de la vanguardia francesa.
Todas ellas, hoy, en los museos estatales rusos.
Hay también que mencionar los viajes y desplazamientos de los artistas rusos a las ciudades-foco de la cultura europea en esos años: París, Berlín, Múnich, Roma… Gradualmente, recibe los nuevos impulsos de la vanguardia europea -fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo… – en un registro cosmopolita, hasta entonces nunca tan intenso en Rusia.
Esos nuevos impulsos de fuera se integran con la voluntad de recuperar y renovar las tradiciones culturales propias y con el descubrimiento de lo nuevo en la misma Rusia: la vida en las ciudades y la expansión de las máquinas.
Malévich señalaba la posibilidad de acabar con el mundo libresco y reemplazarlo por la acción.
Todo ello se concreta en la aparición de una serie de tendencias como neoprimitivismo, rayonismo, cubofuturismo, suprematismo, constructivismo y productivismo.
Un rasgo común, que puede apreciarse incluso en sus denominaciones, es la síntesis de lo exterior con lo interior.
Antes de la Revolución del 25 de octubre de 1917 (7 de noviembre en nuestro calendario), el arte ruso busca algo específico, a partir del contraste con el europeo.
En un texto de gran profundidad teórica, Del cubismo y el futurismo al suprematismo (1915), Malévich dice:
Me he transformado en el cero de la forma y emerjo de la nada a la creación, esto es, al suprematismo, al nuevo realismo de la pintura: la creación no-objetiva.
Hay que entender aquí «no-objetiva» como «no figurativa», lo que permite comprender la impropiedad de la aplicación del rótulo «arte abstracto» al no figurativo de las vanguardias.
El arte siempre ha sido abstracto, desde su descubrimiento cultural en la Grecia clásica conlleva un proceso de abstracción de las formas.
La Revolución fue vivida por los artistas rusos como un acontecimiento que abría una vía de convergencia entre vida y arte.
Y así, el nuevo arte debía ser reflejo de la nueva sociedad en construcción.
La línea que abrió quien fuera Comisario del Pueblo para la Educación entre 1917 y 1929, Anatoli Lunacharski, apunta en esa dirección, manifestando la necesidad de la no injerencia política en las actividades artísticas .
En una de sus manifestaciones, que debería ser referencial para los políticos actuales, afirma
En cuestión de forma no debe tenerse en cuenta el gusto del Comisario del Pueblo, ni de ningún representante del Gobierno.
Y a ello se unía la puesta en marcha de instituciones y museos para presentar «el nuevo arte» al pueblo.
¿En dónde se sitúa entonces la convergencia entre arte y sociedad?
En una concepción del arte centrada en la acción, en el arte como acción.
En su Manifiesto realista (1920), Naum Gabo y Nikolaus Pevsner dicen:
La acción es la verdad más alta y más firme.
Y Malévich, en El suprematismo (1920), señala:
la posibilidad de acabar con el mundo libresco al reemplazarlo por la experiencia, la acción, a través de las cuales todos comunicarán con la creación total.
Es decir, se buscaba un arte a pie de calle, capaz de introducirse de forma directa en la vida de la gente.
En su declaración de 1920, El trabajo por realizar, cuando concibe la maqueta del Monumento a la III Internacional (que no llega a realizarse), Tatlin pide a los artistas tomar el control de las formas halladas en la vida cotidiana.
La utopía de la nueva sociedad actúa como eco y reflejo, con registros recíprocos, de la utopía de un arte nuevo.
Ese sueño crítico y abierto, se vino abajo, en paralelo también con la frustración de la utopía social, bajo el dominio de Stalin.
Su consuegro Andréi Zhdanov, nombrado en 1934 Secretario del Comité Central del Partido Comunista, acuña el rótulo realismo socialista como expresión de la única línea permitida en el conjunto de las artes.
Y eso conlleva la condena de la vanguardia, el retorno al tradicionalismo, la censura.
Y aún peor: detenciones, campos de trabajo, fusilamientos, exilios.
La nueva aurora de la cultura queda ahogada en la penumbra del crimen.
La ciudad de Nueva York es el hogar de Edward Hopper durante sesenta años (1908-1967), un período que abarca toda su carrera madura y coincide con un momento histórico de desarrollo urbano.
Mientras los rascacielos marcan el horizonte y los trenes elevados y las obras de construcción rugen debajo, Hopper’s New York traiciona solo atisbos de los cambios más amplios bajo los pies.
Su ciudad es de escala humana, decididamente no icónica y en gran parte arraigada en un pasado que se había desfasado del presente; dice Hopper en 1956.
Simplemente nunca me importó la vertical
Esta exposición será la primera de su tipo en centrarse en la relación de Hopper con Nueva York.
Cómo la ciudad sirve escenario e inspiración para muchas de las imágenes más célebres y persistentemente desconcertantes del artista.
Edward Hopper’s New York ofrece una mirada exhaustiva a la vida y obra de Hopper a través de sus fotografías de la ciudad, desde sus primeras impresiones de Nueva York en bocetos, grabados e ilustraciones, hasta sus últimas pinturas, en las que la ciudad sirve como telón de fondo para su evocadora experiencia urbana.
A partir de las extensas posesiones del artista en el Whitney y amplificadas por préstamos clave, la exposición reunirá muchas de las imágenes icónicas de la ciudad de Hopper, así como varios ejemplos menos conocidos, pero de gran importancia.
La presentación estará reforzada por una variedad de materiales del Archivo Sanborn Hopper recientemente adquirido por el Museo: efímeros impresos, correspondencia, fotografías y diarios que juntos inspiran nuevos conocimientos sobre la vida de Hopper en la ciudad.
Al explorar el trabajo del artista a través de la lente de Nueva York, la exposición ofrece una nueva visión de esta excepcional figura y considera a la ciudad como actor principal.
Esta exposición está organizada por Kim Conaty, curadora de dibujos y grabados de Steven y Ann Ames, con Melinda Lang, asistente principal de curaduría.
La colección de arte del fallecido Paul Allen, cofundador de Microsoft, estimada en más de 1.000 millones de dólares, será subastada en noviembre próximo, informa la casa de subastas Christie´s, que indica que se trata de la subasta de arte más grande y excepcional de la historia.
La montagne Sainte-Victoire, Paul Cézanne
Más de 150 piezas que abarcan 500 años de historia del arte estarán a la venta y toda la recaudación, será destinada a causas benéficas, según los deseos de Allen, quien era un ávido coleccionista, innovador y filántropo.
Entre las piezas que se van a subastar figuran La montagne Sainte-Victoire, del pintor francés Paul Cézanne, valorada en más de 100 millones de dólares, informó Christie’s.
Allen, que cofunda Microsoft con Bill Gates en 1975 y muere en 2018 a los 65 años, inventa junto a Gates el sistema operativo para computadoras que le genera una fortuna al gigante tecnológico estadounidense.
Abandona la compañía en 1983 debido a problemas de salud y a diferencias con Gates, quien permanece a cargo de Microsoft hasta el 2000.
Hasta el momento, el récord de venta para una colección privada la protagoniza la pareja estadounidense Harry y Linda Macklowe, con unos 922 millones de dólares conseguidos en subastas conducidas por Sotheby’s.
Además de la pieza de Cézanne, en la colección de Allen también figura una obra titulada Small False Start del pintor estadounidense Jasper Johns, valorada en más de 50 millones de dólares, según el diario The New York Times.
Si bien Christie’s no detalla qué más se encuentra en la colección, una exposición itinerante en 2016 dejó ver la riqueza del tesoro artístico de Allen, con piezas de Monet, Manet, Klimt etc.
Ante el extraordinario monto de estas subastas, este año se perfila como uno de los mayores del mercado del arte.
Jody Allen, albacea del patrimonio del multimillonario, sostiene que para Paul, el arte era tanto analítico como emocional. Él creía que el arte expresa una perspectiva única de la realidad.
El director actual denuncia que el personal no es suficiente para que el museo funcione de manera óptima y reclama al Ministerio de Cultura italiano una solución en plena temporada alta turística
O se contrata más personal o cerramos
El 15 de agosto se hizo evidente que algo iba mal.
Mientras decenas de museos de toda Italia se adherían a la campaña de aperturas extraordinarias Ferragosto al museo, la Galería Uffizi de Florencia permanecía cerrada, como un lunes cualquiera (sólo los Jardines de Boboli estaban abiertos).
Ayer, el director del complejo de museos florentino, Eike Schmidt, dio la voz de alarma a la agencia Ansa: o llega más personal o el museo cierra.
Una fuerte alarma para el museo que en 2021 fue el más visitado de Italia, con más de 1,7 millones de visitantes. Dice Schmidt al periódico italiano Corriere:
Si el número de trabajadores sigue siendo el mismo y las normas también, en menos de un año nos veremos obligados a mantener algunos espacios cerrados por la tarde. También cerraría Pitti o Boboli algunos días a la semana, abriendo sólo los viernes, sábados y domingos
Inquieta al director alemán un decreto ministerial que plantea la baja del Plan Orgánico de las Galerías en un 9%.
En los Uffizi tenemos un déficit de personal de más de cien personas, calculado según los planes de trabajadores definidos cada cuatro años por el ministerio, pero que no se corresponde con las necesidades reales».
La única constante es que cada vez que se actualizan, siempre hay una reducción para nosotros. De hecho, parece que nuestra escasez es pequeña: aquí hay poco más de 300 empleados estatales. Y para realizar todas las tareas necesarias en una serie de museos como el nuestro, necesitaríamos al menos 500, si no 600.
Un museo, pues, que crece a buen ritmo, y que rompió récords con más de 427.000 visitantes sólo en julio.
Las cifras han aumentado desde la pandemia hasta niveles que ni siquiera en 2019 habíamos alcanzado.
Restauramos cuadros y ponemos a disposición del público obras que llevan mucho tiempo almacenadas. Son muy populares los pases de cinco días que permiten acceder a un circuito de cinco museos: Uffizi, Pitti, Boboli, Arqueológico y Museo dell’Opificio delle pietre dure.
Pero al mismo tiempo, y esta es la paradoja, el personal se reduce». Si invirtiéramos más en personal, podríamos ofrecer más al público. Con unas pocas docenas de unidades, podríamos abrir más horas o al menos los lunes por la tarde. Sería un impulso a la economía local: una inversión de sólo un millón de euros tendría un efecto multiplicador, no sólo en nuestros ingresos.
Massimo Osanna, director general de museos del Ministerio de Cultura italiano, pone cara de asombro y responde:
Los Uffizi, un museo autónomo, tienen un presupuesto que pueden utilizar, por ejemplo, para tomar personal de Ales (una empresa controlada al 100% por el Ministerio de Cultura).
Pero el problema, es que en Italia tenemos un sistema nacional de museos formado por 480 sedes culturales entre las que distribuir a los trabajadores.
El número de personas del Plan de Personal no es más que un límite teórico, que hubo que reequilibrar: los Uffizi, de hecho, tenían una plantilla de supervisión de 330 personas; Pompeya, que es toda una ciudad, de sólo 220.
Redistribuimos ese número general, tratando de cubrir las graves carencias que tenían los nuevos museos y las direcciones regionales.
Osanna recuerda que en menos de un mes, el 15 de septiembre, se contratarán 1.053 nuevos guardias en toda Italia.
Fueron seleccionados y se distribuirán por todo el país: 15 irán a los Uffizi, 20 a Pompeya. No sólo eso, entre los candidatos seleccionados de la lista, otros 400 serán contratados en el transcurso del año. Y en el 2023 otros 1.053. Con 2.500 personas contratadas en un periodo de dos años, cubriremos todos los huecos que nos quedan», dice para calmar la alarma de Schmidt.
Por supuesto», prosigue, «hay que aumentar la capacidad de gasto de los museos, así como gestionar los recursos que hay. Teniendo en cuenta, también, a los museos más pequeños, que no son tan pequeños. Ahora que han llegado los recursos del Plan de Personal, debemos pensar en todos, no sólo en los grandes museos independientes.
Ante la inminente llegada del personal hay muchas expectativas en los museos italianos, que a menudo dependen de la disposición del personal para trabajar horas extras.
O, en algunos casos, la rotación de salas abiertas con la extensión del billete a varios días. Paolo Giulierini, director del MANN (el Museo Arqueológico de Nápoles) explica:
«Deberíamos tener unos 100 guardias, pero son 80. En septiembre llegarán 15». Giulierini señala dos perspectivas:
Invirtamos en personal, por un lado, y en tecnología; utilizando sistemas de inteligencia artificial o aumentando los bolardos cerca de las obras. Sin embargo, al prescindir demasiado de los humanos en temas de seguridad, el museo podría degradarse: no necesitamos guardianes artificiales, sino personas que interactúen con el público.
Francesco Sirano, director del Parque Arqueológico de Herculano, se muestra confiado:
Deberíamos tener un total de 65 guardias. Ahora mismo tengo 24. Las cosas mejorarán mucho en septiembre con la llegada de 18 más.
Explica Eva Degl’Innocenti, directora de Marta, el Museo Arqueológico Nacional de Tarento:
La de Schmidt es una alarma compartida: recientemente cuatro nuevos trabajadores han mejorado las cosas, otros llegarán en septiembre. Pero la falta de personal es de casi el 50% en el caso de los encargados de seguridad y del 70% en general»Hemos evitado el cierre sólo gracias al esfuerzo de nuestro personal.
Comenta Francesca Cappelletti, directora de la Galleria Borghese de Roma:
Los museos son diferentes entre sí: los Uffizi tienen una capacidad muy distinta a la nuestra que, incluso con un problema de personal, seguimos teniendo un cupo de visitantes.
Nosotros también estamos a la espera de nuevas llegadas.
Infinidad de obras magnificas se exhibirán en Qatar durante el Mundial de fútbol
The Challenge 2015 by Ahmed al-Bahrani
La pelota no será la única que capte la atención en Qatar, en noviembre y diciembre próximos, cuando llegue el Mundial de fútbol.
Competirán también por el interés de un millón y medio de visitantes decenas de obras de arte monumentales exhibidas en el espacio público, que convertirán a Qatar en un museo a cielo abierto.
Allí estarán por ejemplo Maman, una araña de Louis Bourjeois como la que sorprende en 2011 en la explanada de Fundación Proa, los fetos gigantes creados por Damien Hirst para un hospital de Doha que desatan una polémica en Medio Oriente, y un mamífero marino que habita la península local, recreado por Jeff Koons en el característico acero inoxidable pulido de sus esculturas.
The Miraculous Journey by Damien HirstThe Miraculous Journey by Damien Hirst
Un efecto espejado similar se multiplica en el Jardín de narcisos de Yayoi Kusama, presentado en la Bienal de Venecia de 1966, que se contará entre las instalaciones de la artista japonesa exhibidas en los jardines del Museo de Arte Islámico, que también aloja una escultura del estadounidense Richard Serra.
Frente al estadio Ras Abu Aboud se ubicará Montañas de Doha, pieza realizada con los colores de los anillos olímpicos por el suizo Ugo Rondinone, autor del famoso tótem instalado en el Collins Park de Miami Beach.
También habrá otras producidas por artistas de varios países en el aeropuerto, los parques, las escuelas y hasta en el desierto.
East-West/West-East by Richard SerraQatarSculptures. RichardSerra
Este será el caso de una instalación de sitio específico producida por el danés Olafur Eliasson, que buscará desafiar la manera de percibir el mundo, y de otras dos encargadas al brasileño Ernesto Neto.
Perceval by Sarah Lucas
Se procurará demostrar así que el arte puede hacer sinergia con el deporte, ya que ambos se expresan en un lenguaje universal.
Small Lie by KAWS
Algo que resultará evidente en La promesa (2022), escultura creada para el futuro Museo de los Niños por el estadounidense Kaws; representa a Companion –popular personaje parecido a Mickey, cuya versión en realidad aumentada pudo verse este verano flotando en La Boca– en el tierno gesto de ofrecer un globo.
El arte público es una de nuestras más destacadas manifestaciones de intercambio cultural, ya que presentamos obras de artistas de todas nacionalidades y antecedentes
Gandhi’s Three Monkeys by Subodh Gupta
Señala la jequesa Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani, presidenta de Qatar Museums (QM) –red que concentra la oferta de las instituciones culturales y los sitios patrimoniales en el sitio qm.org.qa, al anunciar que se sumaron para este encuentro global cuarenta piezas a unas setenta ya exhibidas.
Varían en tamaño y forma, y abarcan una amplia gama de temas, pero todas llevan más lejos nuestra misión de hacer el arte más accesible, involucrar al público, celebrar nuestra herencia y abrazar las culturas de otros.
Las autoridades locales buscan así empujar los límites del modelo de museo tradicional, y crear experiencias culturales que salgan a la calle para involucrar a audiencias más amplias, así como encontrar una voz propia en los debates culturales globales de hoy.
Según Abdulrahman Ahmed Al-Ishaq, director de Arte Público de QM:
Smoke by Tony Smith
La iniciativa sirve para generar conversaciones y proporcionar fuentes de inspiración para todos; para recordar que el arte no se limita a los museos y galerías, y que se puede disfrutar en camino al trabajo, a la escuela, el desierto o la playa.
Chuck Close, junto a un ‘Autorretrato’, en la exposición que le dedicó el Museo Reina Sofía en 2007 DANIEL G. LÓPEZ
Elijo hacer retratos de mis amigos, de individuos a los que la mayor parte de la gente no va a reconocer.
No quiero que el espectador identifique la cabeza de Castro y piense que ha entendido mi trabajo.
ARCHIVO – En esta foto de archivo del 3 de enero de 1996, Chuck Close, de 55 años, usa un aparato ortopédico para sostener su pincel, ajusta el pincel con los dientes mientras trabaja en su estudio de Nueva York. Desde que sufrió una parálisis parcial
Comenta Chuck Close (1940-1921) en los 70, frente al éxito que consigue a partir de entonces sus retratos no-signature (sin firma).
Imprescindible en la pintura fotorrealista de finales de los siglos XX y XXI, Close se aleja de esa clasificación y se aproxima al expresionismo abstracto estadounidenses.
Tiene una aproximación al lienzo alejada de cualquier jerarquía, en la que lo que se plasma pierde importancia frente a lo que se representa.
Su obra es peculiar, desde su gran portarretrato en blanco y negro (probablemente la más icónica de sus pinturas) hasta rostros formados por cientos de pequeñas imágenes, situadas en cuadrícula.
Empleando un método que se remonta a los artistas del Renacimiento, toma fotografías del o la modelo, las divide en zonas idénticas y trabaja en pequeños fragmentos para reproducir la realidad con la máxima precisión.
Su obra es hoy imprescindible para comprender el devenir de la pintura figurativa de las últimas décadas.
Chuck Close nace en 1941 como Charles Thomas Close.
Sus padres son aficionados al arte, la música y la artesanía, y es su padre quien construye para él su primer caballete.
Su madre tiene formación musical y se ocupa de que entre en contacto con el arte desde pequeño, contratando a un profesor particular para que le imparta clases extraescolares en casa.
Los días de colegio no son sencillos ya que tiene dislexia desde muy pronto.
Esto no impide que esgrima gran creatividad en la resolución de problemas, lo que capta la atención de sus profesores.
A la dislexia se le une también un trastorno neuropsicológico conocido como prosopagnosia, que dificulta el reconocimiento de los rostros de las personas conocidas, así como una patología neuromuscular que impide que pueda participar en deportes de equipo o actividades físicas.
Ese handicap influye en su formación y trasciende en su obra posterior.
La vocación arte, que decide seguir años despues tras su aceptación e un programa de verano de la Universidad de Yale, lo salva de un futuro incierto.
si no hubiera sido por el arte habría acabado en la cárcel o en las calles de una gran ciudad, marginado y olvidado.
En sus primeros años de artista, la calidad del trabajo no pasa inadvertido.
1962 obtiene una beca para incorporarse al programa de verano de la Yale Summer School of Music and Art, lo que le abre las puertas de la prestigiosa universidad.
Allí encuentra un entorno vibrante que en ese momento apuesta por el expresionismo abstracto.
Se suma a la escuela expresionista con entusiasmo, adentrándose también en otros movimientos en boga como el Pop Art y el Minimalismo.
Todas estas influencias amalgaman el futuro trabajo de Close, que las refleja sin renunciar a un discurso propio.
En su último año de carrera obtiene una de las prestigiosas Becas Fulbright, que le permite pasar un tiempo estudiando en Europa.
A su regreso empieza a trabajar como profesor de arte en la sede que la Universidad de Massachussetts tiene en Amherst y da un giro artístico que marca su futura trayectoria.
No está satisfecho con su obra y comienza a investigar con materiales distintos, escalas y otras formas de expresión.
Vuelve la vista hacia la pintura figurativa, centrándose sobre todo en el desnudo a gran escala.
Empieza a desarrollar la idea de pintar un gran desnudo a partir de una serie de fotografías, pero una serie de cuestiones de difícil resolución relacionadas con el color y la textura hacen que abandone temporalmente el proyecto.
Continúa pintando desnudos a escala más reducida.
1967 expone en la universidad una serie de desnudos masculinos frontales, lo que le acarrea una demanda judicial por parte del presidente de la institución.
Close es representado y defendido durante el juicio por la Unión Americana para las Libertades Civiles.
Los jueces se decantan en favor de la universidad, por lo que se ve obligado a abandonar su puesto de profesor.
Tras su despido, se muda a Nueva York y se ubic en el Soho.
Trabaja como profesor en la School of Visual Arts; su reencuentro con una antigua alumna, Leslie Rose, genera una relación sentimental y matrimonio.
Durante esos años Close sigue persiguiendo un estilo personal, lo que le provoca una constante frustración.
Pero no abandona su objetivo y trabaja con distintos estilos artísticos, interesándose en el arte procesual muy en boga por aquel entonces, con artistas como Sol LeWitt a la cabeza.
Regresa a su proyecto de pintar un desnudo a gran escala y decide enfocarlo desde el punto de vista de esta escuela, a través del trabajo metódico en detrimento del gesto y la expresión.
Construye una cuadrícula y traspasa cada recuadro a mano sobre un enorme lienzo, convirtiendo el propio proceso en arte y creando un gran desnudo hiperrealista y abstracto al mismo tiempo (Big Nude, 1967) que supone el inicio de su trayectoria posterior.
A partir de ese momento, la carrera artística de Chuck Close explota y le convierte en uno de los nombres imprescindibles de la pintura norteamericana de finales de los 60. El Walker Art Museum adquiere su Big Self-Portrait (1967-68), lo que aumenta su fama y dispara su reconocimiento.
Close genera un nuevo registro y mejora la técnica en su primera serie de Cabezas, realizadas en blanco y negro y siempre en escala monumental.
Las adquisiciones de obra por parte de prestigiosos museos prosiguen: el Museo Whitney de Nueva York compra su Retrato de Philip Glass en 1969.
Ese mismo año participa en su primera exposición en Nueva York, una muestra colectiva organizada por la Bykert Gallery, a cuyo elenco de artistas pertenece.
Años después incluye color en sus retratos.
La idea de aplicar color directamente sobre la reticula choca con su espíritu inquieto y con su pasión por el método y la técnica.
En las siguientes piezas desarrolla un sistema a base de superponer capas de colores primarios (magenta, cian y amarillo) para crear tonos que se funden en el ojo del espectador.
De este modus operandi nace su obra Kent (1970-71), la primera que realiza con él y que tarda un año en terminar.
Pero la superposición de capas de color no es el único campo de interés de Close, que también trabaja con técnicas antiguas como el grabado a media tinta.
Las obras que realiza con este método se encuentran entre las más interesantes de su trayectoria.
En ellas comienza a alejarse del fotorrealismo radical, descubriendo la cuadrícula que se entrevé bajo las gradaciones en blanco y negro.
Durante la década de los 70 realiza obras pintadas directamente con los dedos, impresiones sobre pulpa de papel y polaroids.
A partir de los 80 trabaja el pastel.
El método consiste en aplicar el color en pequeños elementos a través de la cuadrícula, de una forma muy similar a la ideada por los pintores puntillistas de finales del siglo XIX y principios del XX.
La yuxtaposición de los colores permite crear tonos y gradaciones cuando se mira el lienzo a una determinada distancia.
Es el caso del Large Mark Pastel de 1978, obra que marcará un punto de inflexión en su trayectoria.
A partir de esta técnica, los retratos se aproximan cada vez más a la abstracción y se alejan del fotorrealismo, manteniendo una evolución constante y coherente.
1988, Close comienza a experimentar fuertes dolores en el pecho que derivan en una parálisis completa que afecta a todo su cuerpo, excepto el cuello y la cabeza.
Es lo que califica como El Evento.
Pero no abandona la pintura: con el apoyo de su mujer utiliza la técnica pictórica como terapia y como método de rehabilitación para recuperar la movilidad del tronco superior.
1989 fruto de superación es su obra Alex II; en ella abandona la gran escala de sus retratos anteriores y añade expresividad del sufrimiento y el esfuerzo.
En los años siguientes adapta su estudio con el objeto de continuar trabajando desde su silla de ruedas, con la ayuda de un caballete con control remoto.
La pasión por los medios de reproducción, la superposición de tintas y colores y la combinación de puntos lleva a Chuck Close a adentrarse en técnicas como la camara estenopeica o el daguerrotipo.
En los 90, las técnicas fotográficas de principios de siglo siguen despertando su interés: en esa época realiza magníficos retratos con sistemas como el daguerrotipo o el fotoestampado.
Es el caso de Robert (1998), el retrato del artista Robert Rauschenberg que se expone en el 2009 en el Museo Heckscher de Arte de Huntington, Nueva York.
Otra técnica que le fascina y emplea durante las dos primeras décadas del siglo XXI es la del tapiz: Close realiza retratos que después serán plasmados en tejidos de jacquard por Magnolia Editions, sus impresores de referencia. En palabras de la experta en arte Marion Weiss:
Los tapices de Jacquard de Close no están fragmentados de forma obvia, sino que han sido creados mediante la repetición de hilos de trama y urdimbre que se mezclan mediante fenómenos ópticos.
Hasta el 2021 permanece activo y desarrolla obras en estos soportes, cuando fallece en Nueva York a los 81 años de edad.
2007, el Museo Reina Sofía de Madrid dedica una gran exposición a la obra de Chuck Close.
La intención de la muestra, que abarca la trayectoria pictórica de Close entre los años 1968 y 2006, es reflejar la evolución permanente experimentada por el artista sobre distintos soportes.
Se trata de la única gran retrospectiva sobre la obra de Close realizada en España hasta la fecha.
La muestra organizada en la Galería de Arte de la institución, situada en Santiago de Chile, permite al público conocer de cerca la obra de Close sobre distintos soportes: daguerrotipos, ampliaciones sobre papel fotográfico, fotograbados o incluso tapices. Las obras seleccionadas se acompañan para la muestra con distintos poemas del escritor Bob Holman.
La galería neoyorquina Pace incluye en su espacio la obra de Chuck Close durante varios años hasta su fallecimiento.
En junio de 2009, el centro realizó una exposición con una interesante selección de pinturas y tapices, realizados por el artista entre los años 2005 y 2009.
En las salas se pueden admirar algunos de sus retratos a gran escala más famosos.
El Museo de Arte de Monterey (California, EEUU) inaugura en 2012 una ambiciosa muestra con la intención de dar a conocer los trabajos sobre papel realizados por Chuck Close durante más de tres décadas.
Las obras son prestadas por la Colección de la Fundación Jordan C. Schnitzer y Familia.
La Galería Pace organiza en 2017 una exposición con varios de los retratos a gran escala más conocidos de Chuck Close.
Pero en lugar de exponerlos en sus salas, los lleva a las paredes de la (entonces) recién inaugurada estación de metro de la 86th Street.
En una ocasión, el artista realiza una visita guiada en persona durante la cual revela su punto de vista único sobre la gestación de las obras..
Después de que varios artistas iraquíes retiraran su obra de la 12.ª Bienal de Berlín en protesta por la exhibición de obras con imágenes de torturas en la prisión iraquí de Abu Ghraib, el curador de la Bienal, Kader Attia, y su equipo emiten hoy un comunicado.
Creemos en el diálogo y valoramos mucho las relaciones que tenemos con todos los artistas que participan en la Bienal de Berlín.
Todavía estamos interesados en trabajar en la controversia y permaneceremos abiertos al diálogo. Creemos que los temas en juego son muy importantes y, por lo tanto, nos gustaría invitar a las partes involucradas a hablar sobre ellos en una discusión pública.
Sajjad Abbas, Layth Kareem y Rayad Mutar solicitaron el 16 de agosto que su trabajo se retirara de la Bienal despues de la publicación el 29 de julio en Artforum en línea de una carta escrita por el curador y artista Rijin Sahakian y firmada conjuntamente por más de cuatrocientos artistas, entre ellos los tres participantes de la Bienal que finalmente retiran sus piezas expuestas
Raed Mutar, Sin título (2012). Foto por Ben Davis.
Abbas, Kareem, Mutar y Sahakian, con el apoyo de sus pares, discrepan con la ubicación de su obra cerca de Veneno soluble de Jean-Jacques Lebel de 2013.
Raed Mutar, Sin título (2012). Foto por Ben Davis.
Escenas de la ocupación estadounidense en Bagdad (Veneno soluble. Escenas de la ocupación estadounidense en Bagdad), incluye imágenes de tamaño natural de prisioneros iraquíes que fueron torturados y asesinados por las tropas estadounidenses en Abu Ghraib tras la ocupación estadounidense de Irak.
Escribe Sahakian, refiriéndose a la declaración curatorial de la Bienal.
Se dice que esta edición de la Bienal se centra en el compromiso decolonizador, para ofrecer reparación y un punto de partida, sin embargo, la Bienal tomó la decisión de comercializar fotos de cuerpos iraquíes brutalizados y encarcelados ilegalmente bajo la ocupación, mostrándolos sin el consentimiento de las víctimas y sin ningún aporte de los artistas iraquíes participantes de la Bienal, cuyo trabajo se instaló al lado sin su conocimiento. ¿A quién se le pide permiso en esta forma de ‘reparación’?
Attia y su equipo ofrecieron una respuesta que se puede ver en su totalidad inmediatamente debajo de la carta de Sahakian, en la que afirma que el equipo curatorial de la Bienal
Consideró importante no ceder al impulso de hacer la vista gorda ante un crimen imperialista muy reciente: un crimen perpetrado bajo la ocupación militar que rápidamente fue barrido debajo de la alfombra con la intención de provocar un rápido olvido, así fabrica el imperialismo su impunidad.
Los organizadores de la Bienal ese mismo día se disculparon por la colocación de las obras de los artistas iraquíes y admitieron que se habían demorado en trasladar las obras a otra parte de la exposición, como finalmente hicieron con las contribuciones de Abbas y Mutar.
Sahakian y los artistas calificaron la disculpa de paternalista y poco sincera, y señalaron:
no nos hemos sentido motivados a aceptar la instrumentalización de nuestro trabajo e identidades como iraquíes.
Abbas, Kareem y Mutar luego exigieron la eliminación total de su trabajo de la Bienal.
Un miembro del equipo curatorial de la Bienal, Ana Teixeira Pinto, renunció en protesta por la exhibición de Veneno soluble el 12 de junio, el día de la inauguración de la exposición.
No estoy convencida de que exhibir violencia genere compromiso político.
Tampoco me atrevo a estar de acuerdo con la premisa de que convertir el trauma en espectáculo es idéntico a denunciar la tortura. O que, a la inversa, elegir no exhibir cuerpos brutalizados es lo mismo que borrar los crímenes imperiales.
Escribieron los organizadores de la Bienal el 18 de agosto
Respetamos la decisión de los artistas, aunque lo lamentamos mucho. Pronto habrá más información al respecto.
El blog de Ila Basmati 