Del griego Katharoi, los puros, grupo religioso medieval dualista del sur de Francia que florece en el siglo XII d.C. y desafía la autoridad de la Iglesia Católica. También conocidos como albigenses para la ciudad de Albi, que es un fuerte centro Cátaro de creencias. Los sacerdotes cátaros viven simplemente, no tenían posesiones, no imponen impuestos ni sanciones, y consideran a hombres y mujeres como iguales; aspectos de la fe al que apelan muchos en ese momento desilusionados con la Iglesia. Las creencias cátaras finalmente derivan de la religión persa del Maniqueísmo, pero directamente de otra secta religiosa anterior de Bulgaria conocida como los Bogomils que fusiona Maniqueísmo y cristianismo.

Los registros de la Iglesia Católica Romana los mencionan bajo varios nombres y en varios lugares. Los teólogos católicos debaten durante siglos si los cátaros eran herejes cristianos o si no eran cristianos en absoluto. La pregunta aparentemente sigue abierta. Los católicos romanos todavía se refieren a la Creencia Cátara como La gran herejía aunque la posición católica oficial es que el Catarismo no es cristiano en absoluto.

Perfecti – aquellos que habían renunciado al mundo, los sacerdotes y obispos

Credentes – creyentes que todavía interactuaban con el mundo, pero trabajaban hacia la renuncia

Simpatizantes – no creyentes que ayudaron y apoyaron a las comunidades Cátaras.

Los cátaros rechazan el antiguo Testamento. Critican a la Iglesia por su hipocresía, codicia y  lascivia de su clero, la adquisición de tierra y riqueza. No es de extrañar que los cátaros sean condenados como heréticos por la Iglesia Católica y masacrados en la Cruzada Albigensiana (1209-1229 d.C.) que también devasta las ciudades y cultura del sur de Francia.

La religión florece en una zona a menudo conocida como el Languedoc, ampliamente bordeada por el Mar Mediterráneo, los Pirineos, y los ríos Garona, Tarn y Ródano y correspondiente a la nueva región francesa de Occitanie (o las antiguas regiones francesas de Languedoc-Rosellón y Midi-Pyrénées).

Las creencias Cátaras las constituye:

El reconocimiento del principio femenino en lo divino – Dios era tanto hombre como mujer. El aspecto femenino de Dios era Sofía, sabiduría. Esta creencia alienta la igualdad entre sexos en las comunidades cátaras.

Metempsicosis (Reencarnación) – un alma renacer continuamente hasta que renuncia al mundo por completo y escapara de la encarnación.

Dualidad Cósmica – la existencia de dos poderosas deidades en el universo, una buena y otra malvada, que estan en un estado de guerra constante. El propósito de la vida era servir al bien sirviendo a los demás y escapar del ciclo del renacimiento y la muerte para regresar a casa a Dios.

Vegetarianismo – aunque comer pescado se le permite a credentes y simpatizantes.

Celibato para perfecti – celibato también es alentado en general ya que se piensa que cada persona nacida es sólo otra pobre alma atrapada por el diablo en un cuerpo. El matrimonio en general no se aconseja.

La dignidad del trabajo manual – todos los cátaros trabajan, sacerdotes y laicos, muchos como tejedores.

El suicidio (conocido como el ritual de la endura) como una respuesta racional y digna bajo ciertas condiciones.

Como dualistas, los cátaros creían en dos principios, un buen dios y su adversario maligno (como Dios y Satanás del cristianismo convencional). El buen principio crea todo lo inmaterial (bueno, permanente, inmutable) mientras que el mal principio crea todo lo material (malo, temporal, perecedero). Los cátaros se llaman simplemente cristianos; sus vecinos los distinguieron como buenos cristianos. La Iglesia Católica los llamaba albigenses, o con menos frecuencia cátaros.

Los cátaros mantienen una jerarquía de la Iglesia y practican una serie de ceremonias, pero rechazaron cualquier idea del sacerdocio o el uso de edificios de la iglesia. Se dividen en creyentes ordinarios que dirigían vidas medievales ordinarias y un electo de Parfaits (hombres) y parfaites (mujeres) que dirigen vidas extremadamente ascéticas, pero aún trabajaban para su vida, generalmente en oficios manuales itinerantes como el tejido. Los cátaros creen en la reencarnación y se niegan a comer carne u otros productos animales. Eran estrictos con los mandamientos bíblicos, en particular los que tratan de vivir en la pobreza, no decir mentiras, no matar y no jurar juramentos.

En el Languedoc, conocido en su momento por su alta cultura, tolerancia y liberalismo, la religión cátara arraiga y gana adeptos durante el siglo XII. A principios del siglo XIII el catarismo era probablemente la religión mayoritaria en la zona. Muchos textos católicos se refieren al peligro de que reemplace completamente el catolicismo.

El catarismo es apoyado o al menos tolerado por la nobleza, así como la gente común. Esta fue una molestia más a la Iglesia Romana que considera el sistema feudal para ser divinamente ordenado como el Orden Natural (A los cátaros no les gustaba el sistema feudal porque depende de la toma de juramento).

A partir de 1208, se libra una guerra de terror contra la población indígena del Languedoc y sus gobernantes: Raymond VI de Toulouse, Raymond-Roger Trencavel, Raymond Roger de Foix en la primera generación y Raymond VII de Toulouse, Raymond Trencavel II y Roger Bernard II de Foix en la segundo Generación. Durante este período se estima que medio millón de hombres Languedoc, mujeres y los niños son masacrados, católicos y cátaros. Los cruzados asesinan a los lugareños indiscriminadamente – en línea con el famoso mandamiento judicial registrado por un cronista cisterciense como hablado por su compañero cisterciense, el abad al mando del ejército cruzado en Béziers.

Los Condes de Toulouse y sus aliados son desposeídos y humillado, y sus tierras más tarde anexionados a Francia. Educados y tolerantes los gobernantes de Languedoc son reemplazados por bárbaros. Dominic Guzmán (más tarde Santo Domingo) funda la Orden Dominicana. En pocos años el primer papa La Inquisición, dirigida por los dominicos, se establece en la zona para los últimos vestigios de resistencia.

Al final del exterminio de los cátaros, la Iglesia romana demuestra que una campaña sostenida de genocidio puede funcionar. También supone el precedente de una Cruzada interna dentro de la cristiandad, y la maquinaria del primer estado policial moderno que podría ser reconstruido para la Inquisición española, y de nuevo para más tarde Inquisiciones y genocidios. Chateaubriand se refirió a la cruzada como ese episodio abominable de nuestra historia. Voltaire observa que nunca hubo nada tan injusto como la guerra contra la Abigenzen.

Hoy en día, todavía hay muchos ecos de influencias del período Cátaro, desde la geopolítica internacional hasta la cultura popular. Incluso hay cátaros vivos hoy, o al menos la gente que dice ser cátaros modernos. Hay visitas históricas de los sitios cátaros y también un florecimiento, aunque en gran medida superficial, la industria turística Cátaro en el Languedoc, y especialmente en el Departamento Aude.

Simón de Montfort es el líder de la cruzada contra los albigenses, dirige esta guerra con valentía y crueldad. Ya se distingue por su valentía durante la Cuarta Cruzada. Representa el puritanismo del norte. Es el perfecto opuesto de su enemigo, el conde Raimundo VI de Toulouse, el símbolo del libertino sureño. Son el modelo del choque de las dos culturas.

Por obediencia de los vizcondes de Carcasona en 1127, luego de Béziers en 1171, Minerve pasó a ser posesión del rey de Aragón a partir de 1179.

A principios del siglo XIII, Minerve se convirtió en lugar de paso y residencia de los cátaros. Como uno de los tres lugares estratégicos (junto con Termes y Lastours) que controlaban la región, Minerve fue objeto de un asedio en 1210 (desde el 15 de junio) por los cruzados de Simón de Montfort.

Se construyó una máquina de guerra (la Malevoisine) al noroeste de la ciudad, cerca de la carretera cubierta, en la meseta rocosa que domina el cruce del Brian y el Cesse. Tras un fallido intento de destruir este trabuquete y varios días de conversaciones entre Guillaume de Minerve y Simón de Montfort, los sitiados solo pudieron capitular, tras dos meses de estrangulamiento de la ciudad.

Negándose a renunciar a su fe, los cátaros de Minerve terminaron quemados en la hoguera: casi 140 personas perecieron en las llamas que presagiaban el terror de la Inquisición.

Monfort

Guillaume de Minerve y su hijo estuvieron entre los que resistieron.

Historia de los cátaros

Orden célebre por su poder y riquezas así como por su final.

 Son sus miembros dueños de innumerables castillos, fortalezas, tierras y villas, favoritos de los reyes y temidos por estos.

Su establecimiento data del siglo XII, una época en que es costumbre entre los cristianos realizar una visita en peregrinación a Tierra Santa.

Suelen desembarcar en el puerto de Baifa y, desde dicho lugar efectuan el camino por tierra hasta Jerusalén.

Pero la ruta es muy insegura, plagada de bandidos y por esta causa la pérdida de la vida o la libertad eran, muy a menudo, el premio que los peregrinos obtenían por su fe.

Por la época de referencia reina en Jerusalén como su soberano; el conde Balduino, hermano del conquistador de la ciudad Godofredo de Bouillón.

En el año 1.118, nueve caballeros dirigidos por Hugo de Pays se presentan ante el rey Balduino II, recién coronado, manifestando su deseo de asegurar la custodia de los peregrinos que iban a Jerusalén.

El rey los aceptó cediéndoles, para vivir, una parte de su palacio situado en el emplazamiento del templo de Salomón.

Ante el patriarca de Jerusalén, Gordond de Piquigny, efectuan los tres votos pobreza, castidad y obediencia y como ocupan el templo de Salomón, son llamados los caballeros del Temple.

 Esta es la historia oficial de la creación de la Orden del Temple, adoptando la divisa: nom nobis Domine, non nobis, sed nomini tuo da gloriam (Nada para nosotros, Señor, nada para nosotros, sino por la gloria de tu nombre).

Desde el comienzo, la orden deja bien claro de que se trata de una caballería militar y así reza en sus estatutos.

Siempre deberán aceptar el combate contra los herejes aunque estén en proporción de tres a uno.

 En cuanto a su obligaciones, entre otras, se dictan las siguientes:

Comerán carne tres veces por semana. Los días que no coman de ella, podrán comer tres platos

En el aspecto religioso, su obligación consiste en comulgar tres veces al año, oir misa tres veces por semana y hacer limosna tres veces por semana.

 La Regla se la dio San Bernardo y su creación se llevó a efecto en el Concilio de Troyes, aprobada por el Papa Honorio II y confirmada por Eugenio III en el año 1.158.

En el hábito, los templarios llevaron una cruz roja que conservan hasta su extinción.

Su bandera es blanca y negra, denotando el primer color la candidez y la confianza para los amigos y el segundo, la fiereza con que debían infundir el terror entre sus enemigos.

 En el año 1.130, los templarios ya constituyen un verdadero Ejército y así lo hace constar San Bernardo cuando manifiesta:

Ha aparecido una nueva caballería en la tierra de la Encarnación. Es nueva y aún no ha sido probada en el mundo, en el que desarrolla un doble combate tanto contra sus adversarios de carne y de sangre, como contra el espíritu del mal. Y a los que combaten contra los vicios y los demonios, yo los llamo maravillosos y dignos de todas las alabanzas debidas a los religiosos.

Pero el cuadro que San Bernardo hace de los templarios no está lleno que se diga de colores muy atrayentes:

Afeitan sus cabellos, jamás se les ve peinados, raramente lavados, la barba hirsuta, apestando a polvo, sucios a causa de sus arneses y el calor. Entre ellos los hay malvados, impíos, raptores, sacrílegos, homicidas, perjuros y adúlteros. En ello hay una doble ventaja. La partida de esa gente es una liberación para el país y Oriente se alegrará de su llegada a causa de los servicios que allá podrán realizar

Más de veinte veces, las milicias del Temple salvarán a Tierra Santa de la invasión de los sarracenos y seis de sus grandes maestres mueren en combate.

En Oriente contribuyen al provecho de la acciones bélicas, pillaje incluido.

Y en Occidente aumentan las donaciones hacia el Temple. Los grandes señores convierten al Temple en su heredero. Hasta el propio rey de Aragón quiere donar su reino a los templarios.

El clero secular se opone a ello, de no ser así se hubiera producido una curiosa experiencia.

Un país entero dirigido por una caballería religiosa.

En Oriente, la Orden es un ejército en combate; en Occidente, una organización monacal cuyos miembros están armados para la defensa.

El apoyo que San Bernardo da a la Orden hace que sea favorecida por los señores feudales y que sus caballeros se extiendan por toda Europa y que en sus numerosos monasterios lleguen las generosas donaciones continuamente hasta el punto de convertir a la Orden del Temple en la comunidad más rica y poderosa de Occidente.

En Francia tiene su natural asiento sobrepasando en poder y riqueza a cuanto hasta entonces se había conocido, rivalizando sus grandes maestres con los reyes. Ciertamente, el Temple tiene muchos amigos, pero tampoco le faltan encarnizados adversarios.

 Guillermo de Nacy, dos años después de muerto San Bernardo, cuenta de la Orden hechos atroces, llega a acusar a sus miembros de sodomitas afirmando que uno de los ritos se basaba en el beso que el que pretendía entrar en la Orden debía propinar en el miembro viril del gran maestre.

 Eduardo de Vitry, en el siglo XIII dice de los templarios:

Educados en las delicias y vicios del Oriente, su orgullo no tiene límites. Yo lo sé y lo sé de buen origen que algunos sultanes han sido recibidos en la orden permitiendo que celebren sus ritos supersticiosos y presten su adoración al falso profeta Mahoma. Beber como un templario era un dicho común en aquella época y en el siglo XV se aseguraba que casa de templario y casa de prostitución era la misma cosa pues la Orden mantenía burdeles abiertos para beneficiarse con los ingresos que obtenían de tal negocio.

En España, los reyes Alfonso el Emperador y Alfonso el Batallador en Castilla y Aragón respectivamente, protegieron a los templarios otorgando a la Orden cuantiosas dádivas y recompensas.

Hay un momento en que la orden del Temple sobrepuja a las Ordenes de Caballería, de Calatrava y Alcántara hasta el punto de que cuando los otros tenían un convento, los templarios poseían diez.

Pero también es cierto que los caballeros del Temple participan en todas las batallas contra los moros lo que ocasionó que los reyes, agradecidos por su inestimable ayuda, les otorguen cada vez mayor número de villas, castillos, tierras y riquezas.

Bajo tales auspicios, el número de individuos que componen la Orden aumenta sin cesar siendo el gran maestre de la Orden el mayor señor de toda la Cristiandad, después del Papa, los emperadores y los reyes.

Su final se encuentra rodeado de la violencia, la sangre, la tortura y la muerte. Y uno de los acontecimientos más graves de la Edad Media es la disolución de la Orden por decisión del Papa, así como el proceso contra los principales caballeros del Temple, su prisión, y su tortura para obligarlos a confesar los atroces delitos de que fueron acusados.

Su caída engendra una duda que aún hoy se mantiene. ¿Era la Orden del Temple culpable de los atroces delitos de que fue acusada o por el contrario todo se debió a una baja y rastrera política de Estado por parte del rey Felipe el Hermoso de Francia, o todo se debió a la envidia de dicho soberano hacia la Orden y su deseo de apoderarse de sus riquezas?

https://www.misapellidos.com/significado-de-La+orden+del+temple-21126.html

Ritón aqueménida de oro. Este recipiente destinado a contener líquidos y ornado con una cabeza de león se ha datado hacia el siglo V a.C. MET, Nueva York. Foto: Album.

Ciro II sucedió a su padre, el rey Cambises I, en 559 a.C y ocupó el trono de lo que, por aquel entonces, era Persia (más o menos lo que hoy es el actual Irán), un territorio más del Imperio medo o Media.

El nuevo monarca tenía planes muy ambiciosos e inició una campaña que lo llevaría en apenas 20 años a crear el Imperio persa, el mayor imperio conocido hasta aquel momento. Primero independizó Persia de Media, para después atacar y someter a sus antiguos amos. Repitió con Lidia y remató la faena en Babilonia.

Y aunque podría parecer que fueron 20 años a sangre y fuego, que no digo que no, la realidad es que también hubo pueblos y territorios que le abrieron las puertas de par en par.

Algunos lo harían seguramente porque realmente era mejor abrir las puertas que esperar a que las echasen abajo, pero otros lo hicieron porque en ningún momento se trató de asimilar a los países conquistados y porque el imperio multiétnico creado por el rey persa se basó en el respeto a los dioses y cultos locales y a las particularidades de cada territorio.

Ruinas de Ecbatana. Antigua capital de los medos tomada por Ciro, Ecbatana (Hamadán) sería una de las cuatro capitales del Imperio persa junto con Susa, Pasargada y Persépolis. Foto: Suzuki Kaku / AGE Fotostock.

Además, por primera vez en la historia, todos los  territorios que conforman las rutas comerciales que iban de Asia Central hasta el Mediterráneo quedaban bajo el control de un único reino y, de esta forma, se garantizaba el tránsito de las caravanas.

Cabeza de oro del tesoro aqueménida del Oxus. Siglos V-IV a.C. Museo Británico, Londres. Foto: Scala, Firenze.

Esta seguridad disparó el intercambio de bienes y servicios consiguiendo un superávit sin precedentes en el saldo de la balanza comercial persa (de haber existido). Además de demostrar que era un gran estratega a la hora de planificar batallas y un gran gobernante tras la conquista, también demostró ser un gran experto en la gestión logística (lo que por aquel entonces se llamaba intendencia).

Dárico persa de oro. Los persas comenzaron sus acuñaciones tras conquistar Lidia, donde nació la moneda. Foto: British Museum / Scala, Firenze.

En aquella expediciones, donde había que atravesar estepas, llanuras, montañas o desiertos, era importante contar con los suministros necesarios o tener la posibilidad de disponer de ellos por el camino, y uno de los más importantes era el agua y, sobre todo, su conservación.

Ciro ocupó Babilonia en 539 a.C. En la imagen, reconstrucción de las murallas de esta ciudad, hecha en la década de 1980. Foto: Getty Images.

Para ello, Ciro ordenó que el agua se conservase en recipientes de plata. Y aunque, para el que no lo supiese, aquel detalle podría parecer una muestra de ostentación de un rey venido a más, la verdad es que tiene su porqué científico: la plata es un agente antimicrobiano de gran alcance que impide el crecimiento de los microorganismos que estropean los alimentos y las bebidas, como E. Coli, Legionella, Pseudomonas o Salmonella.

La mayor conquista del rey. El llamado Cilindro de Ciro se conserva en el Museo Británico. En escritura cuneiforme, recoge la conquista de Babilonia y las medidas tomadas por el soberano aqueménida tras la misma. Foto: Scala, Firenze.

Además, es insípido, sin olor, no es tóxico y sirve para tratar más de 600 enfermedades virales y bacterianas. Lógicamente, ellos no sabían explicar el porqué o el cómo, pero sí sabían para qué. Los primeros trabajos publicados sobre el uso de la plata para tratar las heridas datan del siglo XVII.

Sardes, la capital lidia. Ciro la tomó tras 14 días de asedio, cuando un soldado persa descubrió una zona de la acrópolis que no estaba defendida. Arriba, el templo de Artemisa. Foto: Getty Images.

Durante el siglo XIX se desarrollaron tratamientos con sales de plata por sus propiedades antimicrobianas e incluso a finales de siglo se comenzó a utilizar el hilo de plata por los cirujanos para prevenir las posibles infecciones posoperatorias.

La vida del rey según Heródoto. Los datos que el historiador griego ofrece sobre Ciro se encuentran en el primer libro de sus Historias. Foto: DEA / Album.

Otro ejemplo en este mismo siglo lo tenemos en la colonización del Far West por el hombre blanco, y lo hacían echando una moneda de plata a los toneles de agua.

La tumba del gran rey. Ciro fue enterrado en Pasargada, la ciudad que fundó como capital de los persas. En su origen, la tumba estaba rodeada de magníficos jardines. Foto: Oshin Zakarian / Bridgeman / ACI.

El siguiente movimiento del persa fueron los territorios de Bactriana y Sogdiana, en los límites occidentales de Media, una zona difícil de controlar y en manos de nómadas de las estepas, concretamente los masagetas, expertos jinetes y maestros en el manejo del arco. Y aquí encontró Ciro II el Grande la horma de su zapato: la reina de los masagetas Tomiris. Se cuenta que Ciro, mediante la estrategia y el engaño, que no la batalla, consiguió apresar al hijo de Tomiris, y ésta juró vengarse.

La leyenda de Ciro. En 1789, el francés Jean-Charles Nicaise Perrin recreó en este óleo el momento en que Astiages ordena matar a su nieto recién nacido, Ciro. Museo del Louvre, París. Foto: Michel Urtado / RMN-Grand Palais.

Devuelve a mi hijo y sal de mi territorio, contento con no haber pagado la pena que debías por la injuria que hiciste a la tercera parte de mis tropas. Y si no lo haces, te juro por el sol, supremo señor de los masagetas, que, por sediento que te halles de sangre, yo te saciaré de ella.

Si a esto añadimos que al liberarlo no pudo soportar la humillación y se suicidó, tenemos a una reina (y madre) dispuesta a todo. Y llegó el día de cumplir su venganza en 530 a.C., cuando los masagetas acabaron con el persa en el campo de batalla… y la reina le sació de sangre.

Creso de Lidia, en lo alto de una pira tras su condena a muerte por Ciro II. Ánfora ática. Siglo V a.C. Louvre, París. Foto: Tony Querrec / RMN-Grand Palais

Mandó llenar un odre de sangre humana y buscar el cadáver de Ciro entre los persas muertos, y, cuando lo encontró, introdujo su cabeza en el odre y, al tiempo que ultrajaba el cadáver, le dijo: tal como te prometí, voy a saciarte de sangre.

https://www.diariodeteruel.es/historias-de-la-historia/el-secreto-del-exito-de-ciro-ii-el-grande

https://historia.nationalgeographic.com.es/edicion-impresa/articulos/leonardo-da-vinci_18831

El 2 de enero de 1897, James Phillips, un funcionario británico, partió de la costa de Nigeria para visitar al Oba, o gobernante, del Reino de Benin.

Los informes noticiosos dijeron que se llevó a un puñado de colegas con él y se supone que fue a persuadir a la OBA para que dejara de interrumpir el comercio británico. (Había escrito a los administradores coloniales, pidiendo permiso para derrocar al Oba, pero fue rechazado).

Cuando le dijeron a Phillips que el Oba no podía verlo porque se estaba llevando a cabo un festival religioso, fue de todos modos.

En un mes, Gran Bretaña envió 1.200 soldados para vengarse.

El 18 de febrero, el ejército británico tomó Benin City en un violento ataque. Los informes de noticias, incluido The New York Times, estaban llenos de júbilo colonial. Ninguno de los informes mencionó que las fuerzas británicas también aprovecharon la oportunidad para saquear la ciudad de sus artefactos.

En unos meses, gran parte del saqueo estaba en Inglaterra. Los artefactos fueron entregados a museos, vendidos en una subasta o guardados por soldados para sus repisas de chimenea. Se entregaron cuatro artículos, incluidos dos leopardos de marfil, a la reina Victoria. Pronto, muchos artefactos terminaron en otras partes de Europa y también en los Estados Unidos.

Los primeros 20 bronces de Benín fueron entregados al gobierno nigeriano. Son solo el principio. Más de mil objetos se conservan aún en museos alemanes.

Estuvo mal llevárselos y estuvo mal retenerlos.

Con un emotivo discurso, la ministra alemana de Asuntos Exteriores, Annalena Baerbock, entregó los bronces de Benín en Abuja, la capital de Nigeria. Llevaban 125 años en museos alemanes. A continuación, la política de Los Verdes se preguntó cómo sería si los alemanes ya no pudieran admirar en sus lugares de origen la Biblia de Gutenberg, en Maguncia, las esculturas de Käthe Kollwitz, en Berlín, o el escritorio de Goethe en Weimar. En su discurso, Baerbock señaló la importancia del arte para la identidad de una nación; no son simples obras de arte o patrimonio cultural, son tan importantes para el presente como para el pasado.

El arte nos informa sobre quiénes somos. El arte moldea cómo nos percibimos a nosotros mismos y cómo percibimos el mundo.

Día histórico

Es un día histórico en el que devolvemos lo que nunca nos perteneció, declaró también la secretaria de Estado de Cultura, Claudia Roth, en el marco de su visita a la capital nigeriana, Abuja. Junto con una delegación de Alemania, acompaña personalmente la devolución a Nigeria de los valiosos bronces de Benín procedentes de cinco museos alemanes. En una entrevista con DW, Roth declara: «

Esta restitución supone el reconocimiento de la injusticia de un pasado colonial que se ha apropiado de los bienes saqueados. Espero que la restitución cierre heridas abiertas, porque también estamos devolviendo una parte de la identidad cultural que robamos.

Roth y la ministra de Asuntos Exteriores, Annalena Baerbock, devolvieron el martes (20 de diciembre) en Abuja los primeros 20 de los preciados tesoros artísticos al país de África Occidental. Forman parte de una colección de unos 1.100 objetos saqueados del palacio del antiguo reino de Benín, que ahora pertenece a Nigeria, distribuidos entre 20 museos alemanes. Los objetos de bronce, marfil y otros materiales preciosos figuran entre las obras de arte más importantes del continente africano. En su mayoría fueron saqueadas por colonialistas británicos en 1897.

Godwin Obaseki, gobernador de la región en Benín, expresó su gran alivio en una entrevista a DW:

Hoy sabemos que la restitución es una realidad. Las promesas que se hicieron se están cumpliendo ahora. El día de hoy es muy significativo porque me dice que los alemanes están haciendo realmente lo que dijeron que harían.

Un joven transeúnte en Ciudad de Benín también se alegra de que los bronces vuelvan a Nigeria. Da las gracias a «todos los que han trabajado duro» para la devolución de los bronces, declaró a DW. Está segura de que habrá celebraciones en las calles en cuanto los tesoros artísticos vuelvan a su lugar de origen.

En Nigeria se construirá un museo moderno para guardar los bronces. Según Claudia Roth.

 la restitución es también un requisito previo para que hablemos de arte moderno, de cooperaciones entre museos, y para que desarrollemos planes conjuntos que ayuden a construir un campus moderno, a promover el trabajo arqueológico; en resumen, para crear un futuro común.

Todavía no hay fecha exacta para la construcción del museo. Pero la excavación de los cimientos ya ha comenzado provisionalmente. Mientras Ciudad de Benín espera la construcción del nuevo museo, los bronces permanecerán guardados en un depósito de la capital nigeriana. Alemania quiere apoyar financieramente el proyecto.

Creo que haríamos bien en contribuir a que los bronces vuelvan a encontrar aquí su hogar, afirma Claudia Roth. Este es el comienzo de una nueva relación entre Alemania y Nigeria y entre Europa y África«.

Restitución «histórica» de los bronces de Benín a Nigeria (msn.com)

 Los inicios artísticos de Joaquín Sorolla han sido poco tratados y por eso la exposición Orígenes, con la que se inician los actos conmemorativos del centenario de la muerte del pintor, pone el foco en esta etapa de formación con numerosas obras inéditas. Joaquín Sorolla (Valencia, 1863 – Cercedilla, Madrid, 1923) es uno de los grandes maestros de la pintura española de entresiglos y en esta exposición que se inaugura este lunes en el Museo Sorolla de Madrid se explora el camino que conduce a convertirse en el pintor español de mayor proyección internacional de su tiempo.

Un total de 93 obras (53 de ellas cuadros) se reunen en esta exposición, organizada en colaboración con el Museo de Bellas Artes de Valencia, de las que muchas proceden de colecciones particulares, y con la que se inicia el amplio programa del Año Sorolla 2023 para conmemorar este centenario.

Un visitante de ‘Orígenes’. BORJA SÁNCHEZ TRILLO

Unos orígenes muy humildes los de Sorolla, según ha explicado a EFE el conservador del Museo Sorolla Luis Alberto Pérez Velarde, comisario de la exposición, ya que con tan solo dos años queda huérfano al morir sus padres en una epidemia de cólera y es acogido por unos tíos. A los 15 años compagina en Valencia su trabajo en la cerrajería de su tío con las clases de pintura.

El grito del Palleter o El Palleter declarando la guerra a Napoleón, 1884. Diputación de Valencia. RAFAEL DE LUIS

La exposición muestra sus primeros pasos en el mundo del arte, sus obras de las clases de artesanos y de la Real Academia de Bellas Artes en Valencia, así como los cuadros que conforman sus primeras exposiciones en Valencia y Madrid y las copias que realiz en el Museo del Prado principalmente de Velázquez.

Niña cantora, 1883. Museo Sorolla. LEVANTE-EMV

Una pintura con dos vertientes, por un lado, una muy académica, la que se hace en los centros de enseñanza con apuesta por el género de flores y de bodegones.

El oferente. Desnudo masculino,

De esa etapa, a partir de 1878, cuando con 15 años, Sorolla ingresa en la Escuela de Bellas Artes, pueden verse en la exposición bodegones como uno que le liga a su primer mecenas y futuro suegro Antonio García Peris.

El Museo Sorolla presenta la exposición temporal «Sorolla. Orígenes». BORJA SÁNCHEZ TRILLO

Pero el joven Sorolla tiene también la moderna influencia de Gonzalo Salvá, que le invita a salir a pintar la naturaleza al aire libre.

Concurre a numerosos certámenes como la Exposición Regional de 1883 con obras como cuatro de las que se exponen en Madrid:

Monja en oración, Caballero con banda, La esclava y la paloma. Desnudo.

Joaquín Sorolla. ‘La esclava y la paloma. Desnudo’. Detalle MUSEO SOROLLA

Las dos últimas, junto con En la posada, han sido adquiridas por el Ministerio de Cultura y Deporte por un total de 357.000 euros para la colección del museo. De inspiración pompeyana, demuestran el dominio de los conocimientos clásicos de Sorolla, a la vez que anticipan la enorme soltura con el blanco.

Joaquín Sorolla. ‘Retrato de Manuel Bartolomé Cossío’. Detalle MUSEO DEL PRADO

En la muestra, ha indicado el comisario, puede verse también el Sorolla más fiel a Velázquez, ya que cuando llega a Madrid se dedica a copiar sus cuadros en el Museo del Prado: el impacto de Velázquez sobre Sorolla es profundo, y su influencia abarca desde sus colores a la inserción de las figuras en sus composiciones y al dramatismo, una huella que prosigue durante toda la carrera pictórica.

‘Bodegón’. Valencia, 1878. Fue adquirido en el Rastro de los Santos Juanes por Antonio García Peris, su futuro suegro MUSEO DE BELLAS ARTES DE VALENCIA

Una de las salas de la muestra reúne los dos grandes premios que recibe Sorolla en esta etapa: El grito de Palleter y Dos de mayo. Con este último concurre a la Exposición Nacional de 1884, que actualmente se conserva en el Museo del Prado.

Joaquín Sorolla. ‘En la posada’. Detalle MUSEO SOROLLA

En la Valencia de finales de siglo XIX Sorolla inicia su carrera como retratista, una faceta fundamental en su carrera y de la que pueden verse varios ejemplos como Retrato de Hombre o el que representa a su hermana.

Joaquín Sorolla. ‘El oferente’. Detalle MUSEO SOROLLA

«Orígenes», inéditos inicios del joven Sorolla en la primera muestra de su Año (msn.com)

https://es.sports.yahoo.com/noticias/sorolla-retratista-impone-museo-prado-124214772.html

https://www.levante-emv.com/cultura/2022/12/19/exposicion-origenes-inaugura-ano-sorolla-80179539.html

https://www.colpisa.com/noticias/cultura/20221219/sorolla-antes-de-sorolla.html

https://www.abc.es/cultura/arte/sorolla-sorolla-20221220213756-nt.html

Obra maestra de la Colección Thyssen depositada en el MNAC, se exhibirá un año en Madrid

La Virgen de la Humildad de Fra Angelico, antes y después de la restauración MUSEO THYSSEN

El cuadro, tal y como está expuesto con su nuevo marcoJuan Carlos Nieto

Es una de las 775 obras de la colección del baron Thyssen que el Estado español adquirió en 1993 por 350 millones de dólares. ‘La Virgen de la Humildad’ de Fra Angelico (hacia 1433-1435) es una obra maestra pintada hace casi seis siglos y parece recién salida del taller del maestro florentino. Hasta ahora solo se ha visto tres veces en Madrid (2006, 2009 y 2021), puesto que es una de las 80 obras de esa colección que se hallan depositadas en Barcelona. Primero, en el Monasterio de Pedralbes y, desde 2004, en el MNAC. Y así va a seguir siendo, según Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen. Permanecerá en la capital hasta el 12 de diciembre de 2023.

La obra de Fra Angelico restaurada, en la instalación que la exhibirá en el Thyssen hasta diciembre de 2023. /HÉLÈNE DESPLECHIN

Esta joya ha sido restaurada durante un año en la pinacoteca madrileña con el apoyo de Bank of America. Luce espléndida en la sala 11 del museo en una instalación circular que invita al recogimiento. Una especie de capilla, ideada por Juan Alberto García de Cubas, que tiene una peculiaridad: el cuadro luce su trasera al visitante. Para verlo en todo su esplendor hay que entrar en el espacio. Junto a él, dos instrumentos que Fra Angelico  puso en manos de dos ángeles en la parte inferior de la composición (un órgano de mano y un laúd) –en octubre de 2023 Jordi Savall ofrecerá un concierto con un repertorio inspirado en Fra Angelico–, y un vídeo explicativo del proceso de restauración.

Se ha ocupado de la puesta a punto de la pintura Susana Pérez, responsable del departamento de restauración del Museo Thyssen, mientras que ha hecho lo propio con el marco María Jofre. Tras someterse a un exhaustivo estudio técnico, Susana Pérez le ha devuelto su esplendor original, restableciendo la sutileza de las carnaciones y la delicadeza de las texturas, así como devolviendo a la obra su equilibrio y profundidad. En sus seis siglos de vida sufrió un ataque de xilófagos.

El cuadro Virgen de la humildad de Fra Angelico, restauradoMuseo Thyssen- Bornemisza

A medio camino entre el Gótico y el Renacimiento, la obra, repleta de simbología, mantiene la frontalidad y el uso del dorado del pasado, pero Fra Angelico introduce novedades, como el uso de la luz, las incisiones con las que crea texturas y volúmenes y una rica paleta de colores. Un trabajo exquisito en el que el artista demuestra su maestría, refinamiento y dominio de una técnica tan compleja como el temple: «Su nivel es insuperable, una maravilla». Destaca la restauradora que Fra Angelico, metódico y minucioso, cuidaba al detalle la selección de materiales y el soporte. Apenas hay arrepentimientos: ligeros cambios en la posición de los ojos de la Virgen y las alas de los ángeles.

Susana Pérez, durante la restauración de la obra en el Museo Thyssen MUSEO THYSSEN

‘La Virgen de la Humildad’, realizada al inicio del periodo de madurez de Fra Angelico, tiene pedigrí. Pasó de manos del Rey de Inglaterra Jorge IV a la colección de Leopoldo I de los belgas y, más tarde, a la del magnate J. P. Morgan. En 1935 fue adquirida por el primer barón Thyssen. Su hija Margit la recibió en herencia, pero su hermano Heini Thyssen-Bornemisza se la compró en 1986.

La sala especial para visitantes de la exposición permanente en la segunda planta del Thyssen-BornemiszaJuan Carlos Nieto

https://www.abc.es/cultura/arte/virgen-humildad-angelico-recobra-esplendor-20221220215257-nt.html

https://www.abc.es/contentfactory/post/2019/05/14/la-anunciacion-de-fra-angelico-radiante-a-sus-casi-600-anos/

https://www.epe.es/es/cultura/20221219/thyssen-muestra-restaurada-luminosa-virgen-80186840

https://www.diariodesevilla.es/ocio/Museo-Thyssen-Virgen-Fra-Angelico_0_1749127013.html

https://www.eldebate.com/cultura/arte/20221220/virgen-humildad-fra-angelico-restaurada-tiene-sala-propia-museo-thyssen_80965.html

David Dawson

El artista británico Lucian Freud (1922-2011), referente de la pintura figurativa del siglo XX, era egoísta pero no por capricho sino con un propósito dedicarse en cuerpo y alma a su arte, afirma el que fue su ayudante durante 20 años, David Dawson.

Dawson atiende a un grupo de periodistas españoles en la casa-estudio en Kensington (Londres) que heredó del afamado pintor -nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud-, de quien también gestiona su legado artístico.

Aunque tuvo catorce hijos reconocidos de múltiples relaciones, Freud siempre vivió solo, y optó por no dejar esa herencia a su familia al pensar que no se pondrían de acuerdo para tomar decisiones, opina su asistente personal.

Este pintor y fotógrafo, que fue en ocasiones modelo de su jefe, abre excepcionalmente las puertas de su residencia con motivo de una gran retrospectiva por el centenario del nacimiento de Lucian Freud, que en 2023 llegará a España.

Lucian Freud. Nuevas Perspectivas se mostrará en el Museo Thyssen de Madrid del 14 de febrero al 18 de junio, tras exponerse en la National Gallery londinense del 1 de octubre hasta el próximo 22 de enero.

La muestra, comisariada por Daniel Herrmann y Paloma Alarcó, trata de ofrecer un punto de vista fresco, menos biográfico y psicoanalítico, de la producción de uno de los pintores británicos modernos más cotizados, tan conocido por su subversiva obra como por su vida de excesos.

Dawson muestra el lugar de trabajo del artista, que está como éste lo dejó a su muerte el 20 de julio de 2011: paredes con restos de pintura, trapos amontonados en el suelo, un caballete, paletas, cientos de pinceles y el desvencijado mobiliario que aparecía en sus cuadros.

Explica quien fue su ayudante desde 1990, que diariamente le preparaba los materiales, le acompañaba en comidas y hacía recados:

Freud tenía una gran determinación, era muy egoísta, jamás hizo concesiones en ningún aspecto de su vida

Pero era egoísta con un propósito, para pintar, era su prioridad absoluta.

El objetivo era hacer el mejor retrato posible en cada ocasión, para lo que hacía posar a sus modelos durante al menos cuatro horas al día, a veces durante más de un año.

Aunque en esas largas sesiones uno experimentaba todo tipo de emociones, al final la gente volvía porque Freud era buena compañía, divertido y culto.

No muy alto, enjuto y con una mirada penetrante, el artista, que salía poco, pintaba de pie, con el caballete ladeado, moviéndose constantemente, «con una energía nerviosa» que le hacía el proceso duro.

«Empezaba en un área pequeña y la iba ampliando. Esa lentitud en el proceso permitía al modelo ser cada vez más él», cuenta el antiguo asistente, que confiesa que a él le «encantaba» posar para el maestro.

Dawson, que actualmente planea una exposición personal -paisajes capturados en su pueblo natal en Gales-, revela que Freud pintó a la reina Isabel II a petición propia -«le llamaba la atención su figura de soberana»-, aunque tuvo que adaptar su método.

Fue el único retrato hecho fuera del estudio y solo pudo contar con veinte sesiones de posado de dos horas cada una» (en lugar de las centenares habituales), pero ambos congeniaron porque eran de la misma edad y apasionados por los caballos.

Ese pequeño retrato de la reina, fallecida el pasado 8 de septiembre, es una de las más de 60 piezas que alberga esta exposición, que explora de manera más o menos cronológica las principales temáticas del artista.

Así, Llegar a ser Freud recoge sus primeros lienzos, algo más rígidos, mientras que Primeros retratos ya refleja su deseo de capturar la esencia de sus modelos, siempre gente de su entorno y nunca por encargo.

Intimidad reconoce su predilección por pintar a sus conocidos y Poder reúne obras de personajes famosos. El estudio se centra en su espacio de creación y La carne aborda esos desnudos francos que evidencian su profunda observación del cuerpo humano.

Egoísmo, pasión y determinación, el arte de Lucian Freud según su ayudante (msn.com)

Egoísmo, pasión y determinación, el arte de Lucian Freud según su ayudante – Primicias 24

Pintar Retratos con Métodos de Lucian Freud – ttamayo.com

Es un complejo monumental sobre una ciudad palatina andalusí situado en Granada, España. Consiste en un conjunto de antiguos palacios, jardines y fortalezas (alcazaba del árabe: القصبة al-qaṣbah ‘ciudadela’) inicialmente concebido para alojar al emir y la corte del Reino Nazarí, más tarde como residencia real castellana y de sus representantes.

Su singularidad artística radica en los interiores de los palacios nazaríes, cuya decoración está entre las cumbres del arte andalusi, así como en su localización y adaptación, generando un paisaje nuevo pero totalmente integrado con la naturaleza preexistente. Alberga un museo de arte andalusí, la pinacoteca principal de la ciudad así como un antiguo convento convertido en parador nacional.

Existen dos teorías que no tienen con certeza la persona que creo este monumento, pero se dice que fue Muhammad I o Ibn al-Ahmar, ya que tuvo que transferirse a dicha Colima para resguardarse, así que en el 1237 se empezó a crear este monumento con una visión de Torre en Vela.

Al pasar la generación los reinos cristianos pudieron gozar de la paz desde 1302 hasta 1308, su visión era elegante y los diseños no se quedaban atrás. Sin embargo, no tardó en crearse un hecho trágico que marcaría.

La estabilidad de dicho monumento, un asesinato creo una gran guerra interna en la corte de Granada, fue así como una nueva dinastía entro en sucesión.

En la edad dorada de 1333 hasta 1354 se aprecian nuevas obras maravillosas como el Salón del trono ubicado en la torre de Comares, la Puerta de la Justicia, entre otros.

Después de ocho siglos en el mando desde el 2 de enero de 1492, el reino de los reyes católicos termino. Por este motivo se adentro la nueva generación de reyes cristianos, construyeron en su momento diseños elaborados en los palacios nazaríes, incorporando el logo real en cada rincón.

En la época de Carlos v nieto de los reyes de ese momento, posicionó cañones en la entrada del palacio. Aunque gran parte de esta arquitectura se destruyó cuando inició el proceso de crear más habitaciones del emperador y del palacio con Carlos V en 1533.

Por medio de muchos estudios, científicos, personas interesadas en los contextos históricos, han logrado sacar que anteriormente la Alhambra era blanca.

La cantidad de análisis que se tuvo que iniciar para dar a conocer está realidad fue de muchos años, arqueólogos estaban dispuestos a conocer su origen.

Se dieron cuenta que al tener tantos siglos, este monumento tuvo la presencia de personalidades muy importantes, cada uno en su época decidía modificar los diseños de acuerdo a su gusto.

 Inicialmente fue blanco debido a que el Islam asocia este color con cosas positivas. Expresaba alegría, buena fortuna y grandes hechos positivos, por tal motivo el blanco predominó desde el inicio de su construcción, representa la pureza la luz y la espiritualidad, algo que siempre se mantuvo durante años.

Sin embargo esto solo se apreciaba en el exterior, ya que en el interior la variedad de colores que podías encontrar era muy diversa. Gran parte del diseño fue destruido con el tiempo, así que hoy puedes observar que si originalidad se fue perdiendo, quizás por las épocas que empezaron a cambiar rigurosamente.

Por mucho que tuvo varios cambios en el diseño arquitectónico, se aprecio una fuete construída en el siglo XXI y XX, originalmente eran dos tazas, pero esta hermosa fuente no sobrevivió por muchos siglos y con el próximo al mando decidió tumbar la fuente por completo.

Se construyó en su posición y a Sala de la Barca, un Baño Real de Comares, entre otros. Lastimosamente parte de este diseño también fue destruido con el tiempo, como mencioné anteriormente, el tener un diseño único creado desde hace muchos siglos es bastante difícil.

El Patio de los leones fue construido en el reinado de Muhammad V, duro al menos trece años en lograr ser terminado por la cantidad de detalles que se necesitaba. Con el tiempo fue traicionado por su hermano y está fue la principal raíz de un comienzo distinto del diseño.

La mezquita fue construida por arquitectos de Andalucía, los diseños clásicos se hicieron presente y la época romana se vio plasmado, así con el tiempo el Patio de las Doncellas su una gran obra. 

Para el 2007 tuvieron que quitar los leones definitivamente, esto debido a que se necesitaba arreglar un sistema hidráulico, pero en el 2012 se volvió a construir.

Pasaron los siglos y esto se empezó a quebrar, así que tomaron la decisión en el siglo XXI reconstruir algunos tejados de los pabellones, esto como método de prevención, al hacer este tipo de trabajos se tuvo que modificar ligeramente la decoración.

Para 1886 por medio de Rafael Contreras el tejado se decidió quitar por completo junto al muro del pabellón, en su lugar se colocó una cúpula persa que más tarde fue destruida por Leopoldo Torres Balbás.

Su objetivo era obtener el diseño original del tejado a cuatro aguas, a su vez el muro del pabellón también sufrió cambios y se volvió a reconstruir para recuperar la cúpula de adentro.

Para nadie es un secreto que en esas etapas todo lo que era construido tenía un significado más allá de lo banal, cada una de las decoraciones tenía un propósito de ser.

Este es el caso del Patio de los Leones en Alhambra, el agua expresaba la pureza, los cuatro arroyos por donde pasaba el líquido significaba los cuatro ríos más grandes que se encontraban en el paraíso musulmán.

Esto se dividía curiosamente cómo los cuatro puntos cardinales, la montaña significaba el centro del universo, que en pocas palabras trascendió en el poder de la divinidad, mantenían siempre presente la espiritualidad y unificaban la tierra para crear arte monumental.

Cuando pensamos que por ser tan antigüo un monumento, directamente puede ocurrir algún daño, quizás una pared, una puerta, algún diseño, algo que se rompa, la fuente, el baño, entre otros.

Lo cierto es que este gran monumento en Alhambra estuvo tan bien construída que puedo sobrevivir a grandes terremotos, esto debido a que los muros y las columnas tienen por dentro un material bastante resistente como lo son láminas de plomo, están cubierta en cada base que fue fabricada.

Al ser un monumento tan histórico, lleno de grandes cambios a lo largo de los siglos, la Unesco tomo en cuenta este espectacular lugar para declararlo en 2 de noviembre de 1982 como Patrimonio de la Humanidad. Así que hoy en el 2022 se puede decir que este lugar tiene 38 años de haber sido decretado por la Unesco un símbolo importante para la sociedad, por este motivo las visitas que tiene este lugar se limitaron considerablemente, ya que se quiere conservar la historia que cuenta este hermoso lugar.

Así era la Alhambra original (msn.com)

Curiosidades de la Alhambra que la hacen todavía más fascinante (nationalgeographic.com.es)

La mayoría de la gente asocia la palabra Bauhaus a arquitectura. Una estética austera que genera miles de torres de apartamentos.

Pero la Bauhaus es más que un estilo arquitectónico, representa una nueva forma de pensar.

Y a un siglo de su nacimiento hacia fines de la Primera Guerra Mundial, sus ideas aún establecen el patrón que rige nuestra vida.

La Bauhaus es fundada en 1919 en la ciudad alemana de Weimar, por un arquitecto prusiano llamado Walter Gropius.

Pero allí no se enseñaba arquitectura. Se trataba de una escuela de arte diferente de cualquier otra.

En lugar de dibujos de desnudos o naturaleza muerta, los estudiantes aprenden a ver el mundo en una forma completamente nueva.

Bauhaus significa literalmente casa en construcción, pero Gropius no desea sólo erigir edificios. El arquitecto desea crear una nueva clase de artistas que pueda involucrarse en todas las disciplinas.

Las escuelas de arte tradicionales eran conservadoras y elitistas. Y los colegios técnicos eran convencionales y deprimentes.

Gropius derriba las barreras entre las bellas artes y el arte aplicado.

No hay una diferencia esencial entre un artista y un artesano.

Sus alumnos aprenden cerámica, impresión, encuadernación y carpintería.

Estudian topografía y mercadotecnia. Vuelven a la esencia de sus disciplinas y comienzan a ver al mundo de una forma diferente. Dice Gropius:

Un objeto es definido por su naturaleza.

Para diseñarlo de forma que funcione apropiadamente, debe estudiarse en primer lugar su naturaleza. Y para que satisfaga su propósito a la perfección, debe cumplir su función en forma práctica.

En lugar de sentarse a escuchar lecciones en salones sin vida, los estudiantes de Gropius asisten a talleres. Y aprenden haciendo.

Los resultados son extraordinarios. La Bauhaus produce una diversidad increíble de artefactos, desde lámparas Anglepoise, con sus pantallas de aluminio orientables y sus brazos articulados, hasta juegos de ajedrez. Todos los diseños se distinguen por su funcionalidad y elegancia.

Son simples y útiles y su simplicidad los hace bellos. En una época en que prima la ornamentación, este diseño simplificado es revolucionario.

Es el comienzo del diseño. Dice Gropius:

Los talleres Bauhaus son laboratorios en los que prototipos de productos aptos para la producción en masa son desarrollados con esmero y mejorados continuamente.

En estos laboratorios, la Bauhaus entrenará y educará un nuevo tipo de trabajador para la artesanía y la industria, que domine tanto la tecnología como la forma.

No todos comparten su visión.

En las elecciones locales de 1924, los liberales que apoyan a la Bauhaus son derrotados y el nuevo partido conservador corta los fondos destinados a la escuela.

El 1 de abril de 1925, exactamente seis años despues de su inauguración, la Bauhaus es obligada a cerrar sus puertas.

Pero para entonces es conocida mucho más allá de Weimar y otra ciudad alemana, Dessau, le ofrece un hogar.

El gobierno local de Dessau encarga un edificio espectacular diseñado por el mismo Gropius. Y es en esta sede que la Bauhaus alcanza su plenitud.

En Dessau, Gropius comienza enseñando arquitectura, pero luego agrega otras disciplinas.

La escuela ofrece talleres en tejidos, trabajo en metal, fotografía y escenografía.

Gropius deja la escuela en 1928 para reanudar su carrera de arquitecto, pero la institución se fortalece aún más bajo el nuevo director, Hannes Meyer.

El papel Bauhaus para empapelado se transforma en el producto mejor vendido de la escuela. Finalmente, una escuela de arte demostraba de esa forma que podía generar sus propios recursos.

Pero la política alemana esta cada vez más polarizada y el apoyo a los nazis no para de crecer.

En 1930 las autoridades municipales de Dessau despidieron a Meyer por tendencias comunistas y en 1931 los nazis ganan las elecciones locales.

Una de sus promesas de campaña había sido cerrar la Bauhaus, a la que llamaban un centro de bolchevismo cultural.

Afortunadamente el edificio diseñado por Gropius sobrevive y aún existe, pero los estudiantes y profesores huyen.

Muchos de ellos encuentran un nuevo hogar en una vieja fábrica en Berlín y la escuela pasa a estar dirigida por Mies van der Rohe.

Sin embargo, Hitler clausura la escuela tras su ascenso al poder en 1933.

¿Por qué los nazis se sintieron tan amenazados por la Bauhaus? ¿Por qué temían tanto una escuela de arte que diseñaba muebles futuristas y platos de cocina? El motivo es que la Bauhaus representa una visión del mundo diametralmente opuesta al nacionalsocialismo.

El nazismo es nostálgio y nacionalista. Bauhaus es cosmopolita y vanguardista. La naturaleza internacional de la escuela deja en evidencia cuan absurdas eran las fantasías racistas de Hitler.

En cierto sentido, la persecución de la Bauhaus por parte de los nazis es un halago indirecto. Los nazis odian a la escuela y todo lo que representa, pero tienen miedo de su poder.

Irónicamente es la persecución de la Bauhaus lo que asegura su superviviencia. Si hubiera sido patrocinada por el Tercer Reich habría perecido junto a él. Pero el exilio hace que su filosofía se expandiera a nivel mundial.

Gropius y Mies van der Rohe emigran a Estados Unidos, y a ellos se suman otros maestros de la Bauhaus como Josef Albers, Herbert Bayer, Walter Peterhaus y Laszlo Moholy-Nagy.

En 1937, Moholy-Nagy fundó la Nueva Bauhaus en Chicago. En 1938, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedica a la escuela una exhibición que es un gran éxito de taquilla.

La escuela Bauhaus tenía asegurada su continuidad.

¿Pero qué es exactamente el estilo Bauhaus? Como todos los clásicos en materia de diseño lo reconoces apenas lo ves.

El lema de Mies va der Rohe, menos es más, ayuda a comprender el estilo de la escuela.

Otros de sus principios son: la forma debe seguir a la función, cada elemento se reduce a lo esencial, todo debe adecuarse a su propósito.

El resultado es austero, pero extrañamente agradable a la vista.

Sin embargo, la gran prueba de la inmensa influencia de la Bauhaus es cuan familiar se ha vuelto.

Al recorrer el Archivo Bauhaus en Berlín (un edificio futurista diseñado por Gropius y construido después de su muerte) las exhibiciones parecen contemporáneas. Sólo al leer las descripciones de los objetos se percibe que se trata de diseños de casi 100 años.

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-42096241

De izquierda a derecha, María Vicenta Barruso Valdés y su madre, Leonora Antonia Valdés de Barruso, retratadas por Goya CHRISTIE’S

Su precio aproximado es de 15-20 millones de dólares

María Vicenta Barruso Valdés, de 15 años, y su madre, Leonora Antonia Valdés de Barruso, posan para el artista en 1805

Un par de retratos de una madre y su hija retratadas por Goya salen a subasta en un solo lote en una subasta en la sala Christie’s de Nueva York el próximo 27 de enero. Parten con un precio estimado de entre 15 y 20 millones de dólares.

Son propiedad de una colección particular de Londres.

Estos óleos sobre lienzo, fechados en 1805, podrían suponer un nuevo récord para Goya, superando así los 7,9 millones de dólares pagados por Suerte de varas.

Las damas retratadas por Goya son María Vicenta Barruso Valdés, de 15 años, y su madre, Leonora Antonia Valdés de Barruso.

Ambos retratos son fechados y firmados por Goya en el ángulo inferior derecho. Además, incluyen inscripciones con el nombre de las retratadas.

Las dos posan sentadas luciendo vestidos de corte imperio y flores en el cabello.

La madre tiene un abanico en la mano, mientras que la hija tiene un perro pequeño en su regazo.

En el brazo derecho esta luce un brazalete y un anillo en el dedo meñique. Se cree que alude a su boda con su primo Francisco Javier Valdés Andayo.

Leonora, nacida en San Andrés de Linares (Asturias) en 1760, se casa hacia 1789 con Salvador Anselmo Barruso de Ybarreta, posible comerciante de telas y con quien tiene a María Vicenta. Tiene cuarenta y cinco años cuando Goya la retrata.

Las pinturas pasan por varios coleccionistas importantes (entre otros, Stanislas Orossen, hacia 1925) y son adquiridas en 1951 por la familia del actual propietario, según Christie’s.

Ambos retratos se exhiben en 2008 en el Museo del Prado como parte de la exposición Goya en tiempos de guerra. 

Según los estudios de Manuela Mena, estos retratos se pueden considerar como los primeros retratos de mujeres de la burguesía.

https://www.abc.es/cultura/arte/retratos-goya-superar-record-artista-subasta-20221205232508-nt.html