21_21 Design Sight (2007). Se trata del Museo del Diseño ubicado en Roppongi, en el distrito de Minato (Tokio). La obra, inaugurada en 2007, fue creada por Tadao Ando en colaboración con el diseñador de moda Issey Myake. La idea que sustenta a este proyecto es que no sólo sea un museo en el sentido tradicional, vale decir, que exhiba trabajos relacionados con las colecciones que albergue, sino que además, se transforme en un centro en el que se observe cómo los elementos del diseño hacen nuestras vidas mejores. Aunque la mayor parte del edificio está ubicada en el subsuelo, unos largos paneles de cristal permiten el ingreso de luz natural a este búnker subterráneo de hormigón. Museo de arte de la Prefectura de Hyogo (2002). Se trata de una de las obras en las que es posible apreciar cómo el hormigón juega un rol principal en el desarrollo. Su escalera principal, elaborada con hormigón curvo y a la vista, es en sí una obra de arte más inmersa dentro de las colecciones que tiene este recinto para ser admiradas por los visitantes.La Iglesia de la Luz (1989). Ubicada en Osaka, la Iglesia de la Luz es una de las obras más reconocidas de Tadao Ando. Se trata de un edificio sobrio fabricado con hormigón a la vista, iluminado por la luz natural que ingresa a través de la cruz que se forma en uno de sus muros, característica que le da su nombre.El Óvalo de la Casa Benesse (1995). Se trata de una de las obras más características del arquitecto nipón. Se encuentra ubicada en la isla de Naoshima –uno de los destinos preferidos de Ando para dar vida a sus proyectos– y esta pieza es un claro ejemplo del ideario arquitectónico de Tadao Ando, en el que elementos geométricos y materiales modernos (el óvalo) se funden con el ambiente que los rodean, creando una espacio único en el que arquitectura, arte y ambiente coexisten como uno solo.Casa 4×4 (2003). Ubicada en la ciudad de Kobe, este edificio destaca por su simpleza. Para su creación Ando preparó volúmenes de hormigón a la vista dispuestos en cubos, los que forman una suerte de “faros” ubicados en la costa de Hyogo. Un dato curioso de este proyecto es que en un principio, se trató de una sola vivienda y cuando se completó ésta, otro cliente solicitó construir una similar a la finalizada, en el terreno colindante. De esta forma, Ando pudo finalizar su proyecto de dos casas distintas, elaboradas como si fuesen de un solo material.Culturarium de Osaka (ex Museo Suntory – 1994). Otra de las obras más conocidas de Tadao Ando es el Culturarium (antiguamente, Museo Suntory), ubicado en la ciudad de Osaka. Nuevamente, el arquitecto logra que este gran centro dedicado a la cultura (cerca de 4 mil metros cuadrados), dividido en diversos espacios, integre a la bahía de Osaka –incluyendo al mar– con el quehacer urbano. Para su construcción, se utilizó hormigón armado, acero y cristal.Museo de Arte Chichu (2004).Ubicado en la isla de Naoshima, una de las grandes características de este proyecto es que se ubica en el subsuelo, como una forma de eliminar el impacto de las construcciones del hombre sobre la naturaleza de la isla. Se trata de un complejo de estética minimalista que recurre a unos vacíos para inundar el espacio con luz natural.El Templo del Agua (1991). Esta otra obra en la que Tadao Ando logró plasmar su ideario arquitectónico. En este caso, materialmente se aleja de la tradición budista (templos construidos en bambú) y utiliza al hormigón –en este caso, las escaleras que separan en dos partes la piscina y que son flaqueadas por muros– para conectar la parte antigua de la edificación con esta sección moderna, que lleva al lugar más importante del edificio. También, y en otra constante con su obra, el dejar espacio entre las estructuras de hormigón dispuestas para que ingrese luz natural, es otro de los grandes logros que presenta este templo. La Capilla del Agua (1988). Ubicada en la localidad de Hokkaido, con los años la Capilla del Agua se transformó en uno de los templos religiosos más importantes de Japón. El edificio se compone de dos cubos superpuestos: el más grande funciona como la capilla y sirve de acceso al cubo menor, que es la entrada a una escalera en espiral que une ambas formas. La relación de este templo con la naturaleza es otra prueba más del ideario arquitectónico del japonés. Museo Histórico Sayamaike (2001). Una serie de excavaciones arqueológicas en el lago Sayamaike, ubicado en la prefectura de Osaka, encontraron los restos de un dique utilizado entre los siglos XII y XIV. A Tadao Ando se le encomendó el diseño de un museo que pudiese albergar y mostrar, además de las reliquias halladas, las antiguas técnicas de ingeniería japonesa. Como se encuentra ubicado en lo que era un lago artificial, el agua es el protagonista de la obra, la que aparece desde los muros de hormigón, creando pasillos de cataratas artificiales.
安藤忠雄 13 de septiembre de 1941 nace en Osaka.
Adquiere conocimientos de arquitectura de forma autodidacta, leyendo y viajando por Europa, África y EEUU.
Tiene un hermano gemelo, aunque son criados por separado.
SAN PEDRO GARZA GARCIA , EL ARQUITECTO TADAO ANDO , REALIZA BOCETO EN LA UNIVERSIDAD DE MONTERREY , EN EL EVENTO DE PRESENTACION DEL EDIFICIO ROBERTO GARZA SADA, EN EL LOBBY DEL CENTRO DE LA COMUNIDAD UNIVERSITARIA. FOTO: ROBERTO ALANIS
En su juventud es boxeador amateur, colgando luego los guantes para dedicarse a la arquitectura.
Tadao Ando, Museo de Arte Moderno de Fort Worth, Tejas
Contrario a la mayoría de los arquitectos de hoy en día, Ando no recibe formación en escuelas de arquitectura.
Centro Roberto Garza. Monterrey, México
Su aprendizaje es autodidáctico y proviene de la lectura y de viajes por África, Europa y Estados Unidos, así como de un minucioso estudio de la arquitectura tradicional japonesa en Kioto y Nara.
Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón de Roma, supe que quería ser arquitecto.
cementerio-makomanai-takino, Tadao Ando
1970 se establece en Osaka con Tadao Ando Architect & Associates, empresa con la que comienza su trabajo, primero de casas y pequeñas construcciones, y luego con edificaciones más importantes.
1976 recibe un premio de la Asociación Japonesa de Arquitectura por su Casa Azuma, en Osaka.
Tadao Ando, Casa Azuma
La opinión pública es atraída por Ando a partir de ese momento, lo que se consolida con la construcción de su diseño para el complejo de viviendas Rokko Housing I, en Kobe.
Tadao Ando, Rokko Housing
1980 construye la Casa Koshino en la ciudad de Asiya.
Casa Koshino, Tadao Ando
Entre sus obras más importantes se encuentran la Capilla sobre el Agua (1985) en Tomanu, Hokkaido, la Iglesia de la Luz, en Ibaraki, Osaka, el Museo de los Niños (1990) en Himeji.
Capilla sobre el aguaIglesia de la luzMuseo de los niños
Es considerado como uno de los líderes del regionalismo crítico, rechaza el empleo indiscriminado de la arquitectura moderna en todas las culturas del mundo.
Tadao Ando. The Oval, by Niko Poljanšek
Su obra combina formas y materiales del movimiento moderno con principios estéticos y espaciales tradicionales japoneses, sobre todo en el modo de integrar los edificios en su entorno natural.
Una de sus características es el empleo de hormigón liso, con las marcas del encofrado visibles, para crear planos murales tectónicos, que sirven como superficies para captar la luz.
Tadao Ando en el centro Pompidou. Maquette de la Bourse de Commerce 2016 Model of Bourse de Commerce 2016 Photo Tadao Ando Architect & Associates.
En sus diseños Ando rechaza el materialismo consumista de la sociedad actual, que es visible en muchas obras arquitectónicas.
Ello no le impide usar en sus proyectos los materiales característicos de la época actual, aunque empleándolos de forma que aparenten sencillez y proporcionen al mismo tiempo sensaciones positivas, lo que consigue, entre otros recursos, mediante las formas, la luz o el agua.
Para ello se basa generalmente en tramas geométricas que sirven de pauta para el ordenamiento de sus espacios.
Por otra parte Ando estudia fórmulas para solucionar o mejorar el caos urbanístico existente en muchas poblaciones japonesas.
Este aspecto lo aborda desde una doble vertiente, una de crítica y la otra de sensibilidad y comprensión.
Ando ha recibido numerosos premios y distinciones, como la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura, el Praemium Imperiale en 1996, el Premio Kioto, el Premio Carlsberg y en 1995 el Pritzker.
También es invitado por dos prestigiosas universidades norteamericanas a impartir clases, en la Universidad de Columbia como profesor visitante, en la Universidad de Tokio y en la Universidad de Yale como catedrático.
El pensamiento de Tadao Ando está basado en la construcción con formas geométricas simples las cuales con el uso de la luz y los materiales pueden crear espacios trascendentes.
Pienso que la arquitectura se torna interesante cuando se muestra este doble carácter: la máxima simplicidad posible y, a la vez, toda la complejidad de que pueda dotársela.
Hace mucho énfasis en la incorporación de la naturaleza dentro de las construcciones para dejar fuera el caos de las ciudades y crear un espacio de meditación, serenidad y espiritualidad.
Su filosofía está dirigida a pensar que el espacio puede ser una fuente de inspiración y logra plasmar esto en sus construcciones.
También piensa que el objetivo de todas las religiones es similar, y el de la suya es la espiritualidad, por lo tanto intenta expresar esta espiritualidad de una forma arquitectónica.
Su arquitectura no distrae a la hora de la meditación sino contribuye a la introspección.
Sus espacios buscan desarrollar expresiones, por lo que crea un diálogo entre el usuario y el arquitecto, llegando a tomar niveles espirituales. En otras palabras sus espacios están relacionados con la humanidad.
cementerio-makomanai-takino
El uso limitado de materiales, y las texturas expuestas, crea una articulación confusa de la función que tiene el espacio. Por lo que busca dar énfasis en las texturas mismas, para así lograr una interacción con elementos naturales como los son la luz y el viento.
En orden de abstraer lo más fundamental de la naturaleza utiliza especialmente el cielo, y juega un papel importante en su arquitectura.
Pues como el lo dice afecta al interior de la arquitectura. Por lo tanto Ando busca siempre que el cielo entre a los espacios de manera especial, expresándolo en el concreto, logrando así la arquitectura de Ando.
cementerio-makomanai-takino_1987
Tadao Ando guarda una estrecha relación con la arquitectura tradicional, la cultura y la historia japonesa, lo cual se ve reflejado en todas sus construcciones.
También tiene influencias de arquitectos como Louis Kahn y Le Corbusier
Me interesa un diálogo con la arquitectura del pasado pero debe ser filtrado por mi propia visión y experiencia. Estoy en deuda con Le Corbusier o Mies van der Roher pero al mismo tiempo tomo lo que ellos hicieron y lo interpreto a mi manera.
Ha sido también notable la contribución voluntaria y propositiva de Ando tras calamidades de gran escala.
Tras el terremoto de Kobe en 1995, Ando tiene un papel importante en el reordenamiento del nuevo frente marítimo de Hyogo.
Tras el derribamiento del World Trade Center de Nueva York el 2001, Ando propone la creación de un parque circular en la Zona Cero que simbolizara el dolor que significaba el vacío dejado por las Torres Gemelas.
Después de elegir la arquitectura, Ando viajó por el mundo buscando experiencia de diferentes edificios, sin embargo uno de los espacios que más lo influencio es la casa donde crece en Osaka, después de la segunda guerra mundial.
Los inviernos ahí eran muy fríos, explicando que se podía ver la carrera del viento, y los veranos eran tórridos, sin nada de brisa.
Incómoda en verano e invierno, sin embargo al crecer en una sociedad de la cual estaba enfurecido por las condiciones que se vivían, el decidió mejorar tales condiciones.
Por lo tanto el consideraba que esa casa fue un motor para su energía creativa.
Retrato de Soledad Sevilla (en arteinformado.com) y portada del libro Umbral de Pájaros (Ed. La Cama Sol)
Soledad Sevilla nace en Valencia en 1944. Estudia BBAA en la San Jorge de Barcelona.
Su carrera artística comienza a finales de los sesenta cercana al minimalismo, que abandona en los años setenta tras su participación en el Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas desarrollado en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid
1969-1971 participa en el Seminario de generación automática de formas plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid.
Ahí decide crear pintura geométrica donde el módulo y sus variaciones sobre el plano pictórico son el tema.
Es a través de la abstracción geométrica, también llamada, optical art, como Sevilla resuelve huir de la neofiguración y del Pop Art, movimientos que triunfaban en España.
Con el tiempo, su evolución toma otra dirección y se inicia en el ámbito de la investigación conceptual y espacial, siendo los resultados utilizados a principios de los años ochenta en sus diversas instalaciones.
En la actualidad, debido a una enfermedad, la artista cambia los grandes formatos por el lienzo. La propia autora ha comentado:
Llegó el momento en que era incapaz de abarcar los grandes formatos debido a mis condiciones físicas.
Fue entonces cuando decidí abordar la tela de forma distinta, por etapas, con pinceladas pequeñas que se repiten hasta que esa unidad desaparece. Sigo utilizando este sistema porque me resulta cómodo.
Todos los cambios en mi obra coinciden, curiosamente con cambios en mi estado físico. Nunca, de todas formas, me lo planteo de una forma racional.
La naturaleza me impone su ritmo y yo, simplemente, me adapto.
Abandoné la geometría porque no podía abarcarla físicamente.
Toda la obra de Sevilla explora relaciones entre luz, materia y espacio; combina el rigor analítico y el orden geométrico con la búsqueda de una experiencia sensorial y orgánica.
Sin lugar a duda, como señala Yolanda Romero, a lo largo de su trayectoria artística de Sevilla, la pintura y la instalación son entendidas no como dos campos diferenciales, sino más bien como la necesaria y lógica extensión de uno sobre otro, de la obra pictórica sobre el trabajo espacial.
En los 70 su obra tiene la geometría como patron. 1979 le conceden la Beca de la Fundación Juan March para España.
1980 Beca Centro de Promoción de las Artes Plásticas e Investigación de las Nuevas Formas Expresivas. 1980-1982 reside en Boston, tras recibir la Beca del Comité Conjunto Hispano Norteamericano para Asuntos Culturales. La Universidad de Harvard le concede otra beca para realizar estudios: Technical Examination of Works of Arts, Fine Arts Department.
Allí empieza a trabajar la serie Las meninas, aplicando una estructura básica en forma de retícula para reinterpretar los espacios y las atmósferas del cuadro de Velázquez. A su vuelta a España desde Estados Unidos, realiza diversas instalaciones ambientales, todas ellas con un marcado, pero sutil carácter pictórico, que plantean una profunda renovación plástica, como en Leche y sangre, donde las paredes de la galería, cubiertas de claveles rojos aparecen blancas una vez que se marchitan las flores. La siguiente serie titulada La Alhambra constituye un trabajo de reinterpretación del palacio nazarí.
Como cierre de este proyecto realiza la instalación Fons et Origo que tiende a recrear el ambiente nocturno de los reflejos sobre el estanque de uno de los patios de La Alhambra. 1998-2012 realiza su primera exposición en la Galería Soledad Lorenzo, con la que trabaja hasta su cierre. En sus sucesivas instalaciones y series pictóricas la luz se convierte en el elemento central.
1992 realiza en el Castillo de Vélez Blanco (Almería) una proyección sobre los muros desnudos del patio que permite visualizar nuevamente el pórtico renacentista que actualmente está en el Metropolitan Museum de Nueva York.
En otras instalaciones utiliza hilo de cobre y de algodón que mediante una apropiada iluminación recrea el efecto de haces de luz.
En una pieza posterior por los hilos de cobre, bajan gotas de agua. 1993 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. Sus instalaciones mantienen una estrecha relación con sus series pictóricas.
1990 la retícula desaparece, pero permanece la geometría, de muro y de espacio, a través de lo vegetal, de las formas de las hojas, que evoca sutilmente a Granada, una ciudad con la que Soledad Sevilla se vincula desde los 80 hasta ahora por sus clases en la Universidad. 2007 se le concede La Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes y el premio José González de la Peña, Barón de Forna, premio que le otorga La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
2007 imparte una conferencia en el Museo del Prado dentro del programa Enfoques sobre sus series Las meninas, Los apóstoles de Rubens y Atalanta e Hipómenes. Sus trabajos más recientes han abordado la forma de la ventana como espacio pictórico y también las texturas de superficies de madera y de metal.
La serie sobre Los apóstoles de Rubens y Retablo, son dos trabajos de grandes dimensiones en las que se muestra ese tratamiento de las texturas de madera. Participa en la Bienal de Pontevedra del 2010. Realiza una instalación en El Palacio de Cristal del Retiro Madrileño que reproduce interiormente la arquitectura del palacio además de recrear la bóveda celeste.
El título Escrito en los cuerpos celestes, alude a los signos de puntuación impresos en la membrana que forma la pieza, obra realizada en 2011/2012. 2013 inaugura la temporada de la Galería MAS R elaborando tres trabajos diferentes que se adaptaban a las características espaciales de cada uno de ellos.
Con materiales efímeros como papel o neopreno ensaya las piezas en tres dimensiones que después se repiten en metal.
El video como complemento del lenguaje pictórico, así como la fotografía están presentes en estas últimas obras.
En 2014 recibe el premio Arte y Mecenazgo.
2015, realiza en el Centro José Guerrero la exposición Variaciones de una línea que revisa su obra de los años 60 a los 80 y la instalación Casa de oro que trasforma el patio de una casa morisca del Albaicín, además participa en la exposición Nada temas, dice ella en el Museo Nacional de Escultura Barroca de Valladolid con la site especific piece Sería la de la noche. 2017 participa en la exposición colectiva Ayer y hoy el laberinto del tiempo en la galería Marlborough de Madrid, y expone en la galería Passevite de Lisboa el proyecto sobre Pessoa Las rutas del desasosiego trabajo desarrollado a partir del Libro del desasosiego.
Génesis es el título de la exposición en la galería Marlborough de Barcelona, una revisión de su obra desde los años 60 hasta 2017. 2018 realiza en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (CEART) la exposición Espacios de la mirada una amplia retrospectiva de su trabajo donde se pueden apreciar sus series más importantes desde los años 70 hasta la actualidad, así como alguna de sus instalaciones.
Rafael Moneo, ganador del Pritzker 1996, recibirá el León de Oro a la carrera en la 17ª Bienal de Arquitectura de Venecia, que se celebrará del 22 de mayo al 21 de noviembre de 2021.
Sala de las Musas, Rafael MoneoCatedral Nuestra Señora de Los Ángeles, California, EEUU, Rafael Moneo
El arquitecto, docente, teórico de la arquitectura y crítico -nacido en Tudela en 1937 y autor de proyectos como el de la ampliación del Museo del Prado- será galardonado el 22 de mayo, durante la ceremonia de inauguración de esta Exposición Internacional de Arquitectura de Venecia, que tenía que haberse celebrado el pasado año pero se pospuso por la pandemia.
Museo Romano de Mérida (1986)
Ese día se entregará también el León de Oro Especial a la Trayectoria en memoria a Lina Bo Bardi.
El Kursaal de San Sebastián (1999)
El director de esta edición es el arquitecto, profesor e investigador libanés Hashim Sarkis y ha considerado en las motivaciones que Moneo es uno de los arquitectos más innovadores de su generación.
Ayuntamiento de Murcia (1998)
Ha destacado sus distintas facetas y ha citado algunos de sus proyectos, como la ampliación de la Estación de Atocha de Madrid, el auditorio Kursaal de San Sebastián, el Museo de Arte Romano de Mérida o la Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles.
Catedral de Los Ángeles ( 1996)
Como profesor, ha guiado rigurosamente a varias generaciones de arquitectos hacia la arquitectura como vocación. Como académico, ha utilizado sus habilidades ilustrativas y precisión analítica para reinterpretar algunos de los edificios históricos más clásicos con nuevos ojos.
Rafael Moneo recibe el León de Oro de la Biennale di Arqchitettura 2021 di VeneziaMuseo Romano de Mérida, Rafael Moneo
Sarkis también ha subrayado que Moneo, como crítico de la escena arquitectónica contemporánea, ha abordado fenómenos emergentes y proyectos significativos, promoviendo también algunos de los debates más importantes del sector.
Kursaal de San Sebastian
Además del galardón, el comisario de la Bienal de Venecia de Arquitectura ha organizado una exhibición que reunirá una selección de maquetas y fotos emblemáticas de sus principales trabajos, en el marco de este festival de interés internacional.
Kursaal de San Sebastian
Rafael Moneo (Tudela, España, 1937) se licencia en 1961 en la Escuela Técnica Superior de Madrid.
Columbia University, Corner building by Rafael Moneo
1958-1961 trabaja con el arquitecto Francisco Javier Sáenz de Oiza en Madrid.
Kursaal de San Sebastian
1963 obtiene una beca en la Academia Española de Roma.
Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles, Los Ángeles, California, por Rafael Moneo
A su regreso a España en 1965, abre despacho en Madrid y comienza a dar clases en la Escuela Técnica Superior de Madrid.
Catedral de Nuestra Señora de los Ángeles, Los Ángeles, California, por Rafael Moneo
1970 gana una cátedra de Teoría de la Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Barcelona.
Kursaal de San Sebastián
1980-1985 es catedrático de composición en la Escuela Técnica Superior de Madrid.
Ampliación del Museo de Arte Romano
1985-1990 Rafael Moneo es nombrado presidente del Departamento de Arquitectura de la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard.
Ampliación del Museo de Arte Romano
1991 es nombrado profesor Josep Lluís Sert de Arquitectura en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard, donde continúa impartiendo clases como profesor emérito.
Kursaal de San Sebastian
A lo largo de su carrera, Moneo es distinguido con la Medalla de Oro del Real Instituto de Arquitectos Británicos (2003) o el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2013), entre otros.
Ampliación de la estación de Atocha por Rafael Moneo
1997 es elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de España.
Ampliación del Museo del Prado por Rafael Moneo
Destacan la transformación del Palacio de Villahermosa en Museo Thyssen-Bornemisza (1989-92), la Fundación Pilar y Joan Miró en Palma de Mallorca (1987-1992), el Edificio Diagonal de Barcelona (en colaboración con Manuel de Solá-Morales, 1988-1993) y los Museos de Arte y Arquitectura Moderna de Estocolmo, Suecia (1994-98).
Museo de Arte Romano en Mérida, Rafael MoneoClaustro de Los Jerónimos por Rafael MoneoAmpliación del Prado, puerta de Entrada de Cristina Iglesias, Rafael Moneo
La Bienal de Arquitectura tenía que haberse celebrado en mayo de 2020, pero la pandemia de coronavirus y la necesidad de impedir aglomeraciones obligó a los responsables a posponerla inicialmente para agosto de 2020 y finalmente para este año, bajo el título «How will we live together?» («Cómo viviremos juntos?»).
L’artiste Manolo Valdes.
EXPOSITION MANOLO VALDES-PLACE VENDOME.
Paris le 5/09/2016
Pintor y escultor, nace el 8 de marzo de 1942 en la ciudad de Valencia.
Cursa el bachillerato en el colegio de los dominicos de su ciudad natal.
1957, una vez finalizados, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos.
La formación excesivamente académica que allí se imparte no satisface sus expectativas y dos años más tarde, abandona esta institución para dedicarse por completo a la pintura.
Ya en los primeros trabajos ejecutados al poco de dejar la Escuela -formalmente deudores de un agonizante expresionismo abstracto-, el joven Valdés demuestra una capacidad creadora y una habilidad técnico-formal fuera de lo habitual.
Manolo Valdés en la Plaza Vedome de Paris
1962 presenta un conjunto de obras en ese estilo en la Galería Nebli de Madrid, en la que supone su primera exposición individual.
A principios de los años sesenta, Valdés, junto con los artistas Gorris, Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, entre otros, y el historiador del arte Tomás Llorens, constituye el grupo Estampa Popular de Valencia.
En un momento en el que el país, aunque de manera tímida, se abre a la economía de mercado, el citado grupo aboga por redefinir el papel del arte y del artista en el marco de esa España en pleno proceso de transformación.
Para ellos, las nuevas expresiones artísticas, además de hacerse eco de esa naciente situación socioeconómica, deben tomar en consideración el lenguaje y los recursos visuales procedentes de los medios de comunicación de masas.
Equipo Crónica
1964 Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo se escinden de Estampa Popular y formaron el Equipo Crónica.
Juan Antonio ToledoRafael SolbesManolo Valdés
Un año después Toledo abandona el proyecto y éste quedaría, hasta la muerte de Solbes, en 1981, en manos de los dos primeros.
La antesala, 1968, Equipo Crónica
El Equipo Crónica, influido por los debates generados en el seno de Estampa Popular, surge como una crítica al individualismo y a la imagen romántica del artista genio.
La salita, 1970, Equipo Crónica
De ahí la idea de disolver la personalidad de los artistas bajo un nombre colectivo y, a la vez, anónimo.
Pintar es como golpear, Equipo Crónica
Aunque ya desde las primeras exposiciones no faltan voces suspicaces que ponen en duda esa forma colectiva de trabajo -se dice que dentro del grupo Solbes es quien pensaba y Valdés quien pinta-, lo cierto fue que mientras dura su andadura, ambos conceptualizan y pintan por igual.
Equipo Crónica, El bosque maravilloso, 1977. Colección Arango.
Valeriano Bozal, especialista tanto del Equipo Crónica como de Manolo Valdés, así lo corroboraría:
Equipo Crónica, Acorazado Potemkim
Su trabajo es colectivo en todos los aspectos, ambos participaban en el debate y en la realización de las obras en pie de igualdad, y ésa fue precisamente una de las razones por las que su lenguaje adquirió singular fortuna.
Equipo Crónica, La rendición de Torrejón. La obra La rendición de Torrejón ilustra una de las líneas de trabajo más frecuentadas por el colectivo: la reacción en contra del uso pomposo de los grandes artistas españoles por parte del régimen franquista a fin de reforzar ideas de identidad nacional. Frente a la instrumentalización política de obras célebres de la memoria colectiva en clave conservadora, el Equipo Crónica las reinterpreta con tono irreverente y finalidad paródica con clara intención de denuncia sobre hechos de su presente. En este caso, la obra caricaturiza al propio Velázquez para aludir al tratado firmado entre el gobierno de Franco y los EUA con motivo del emplazamiento de bases militares americanas en territorio español. Un hecho político que se interpretó como un sometimiento a los intereses de la potencia extranjera en el contexto de la Guerra Fría.
Desde el primer momento, y en un sentido parecido al formulado por el pop art inglés y norteamericano, el Equipo Crónica considera que las imágenes, ya provenientes de la alta cultura ya de la cultura de masas, son esencialmente un vehículo comunicativo. Para ambos artistas, una imagen procedente del cine, el cómic o las revistas ilustradas tiene idéntico valor que una reproducción gráfica de una pintura de Velázquez, Vincent van Gohg o Pablo Picasso.
Esta concepción no categórica de la imagen visual será la que, en última instancia, les permite descontextualizar y combinar antitéticamente distintas representaciones, generando de este modo significados distintos a los que tenían originariamente y por separado.
Este maridaje compositivo, lejos de ser un atractivo juego visual, será la estrategia a través de la cual el Equipo Crónica proyecta su mirada irónica, cuando no crítica, sobre la realidad de la época.
Equipo Crónica, Manolo Valdés y Rafael SolbesEquipo Crónica, Exposición de Bankia
Sin embargo, ese realismo crítico con que define su obra algunos estudiosos no es su único campo de interés: en series como Autopsia de un oficio (1969-1970), La subversión de los signos (1974), El billar (1977) o Crónica de la transición (1981-1982) revisan y reinterpretarán los estatutos de la propia tradición pictórica.
Equipo Crónica, El Alambique
1981, cuando están trabajando en la que a la postre es su última serie, Lo público y lo privado, fallece Rafael Solbes.
El intruso, Equipo Crónica
A aquellos momentos personalmente difíciles, a Manolo Valdés se le suma la incertidumbre de decidir cómo y hacia dónde proseguir su carrera.
Equipo Crónica , Exposición de Bankia
Puede elegir entre continuar con lo que había sido el Equipo Crónica (solo o en compañía de otro pintor) o emprender camino en solitario.
Elige esta última opción. La primera exposición que realiza después de la muerte de Solbes es en la Galería Maeght de Barcelona en 1982.
Presenta un conjunto de pinturas y esculturas en las que reelabora, sirviéndose de distintos lenguajes vanguardistas, el famoso Retrato de la reina Mariana de Austria de Velázquez.
En una línea parecida a la del Equipo Crónica, esa mezcla de motivos y estilos dispares daba lugar a una Mariana transmutada, a una Mariana que, ya a la manera de Picasso, Vasili Kandinsky o Joan Miro, rebasaba los referentes historicistas para convertirse en un homenaje al propio quehacer artístico.
A lo largo de los años ochenta, Valdés incorpora un nuevo sentido del tratamiento pictórico que lo aleja progresivamente de los modos de hacer heredados de su etapa en el Equipo Crónica.
Aunque sigue inspirándose en las grandes obras de la historia del arte, la narratividad o el gusto por la ironía y lo anecdótico van desapareciendo en pos de una pintura cada vez más densa y esencial.
A través de ese reencuentro con la textura y la materia, y aun sin apartarse nunca de la figuración, sus trabajos se acercan técnicamente a los de pintores informalistas como Manolo Millares, Antoni Tapies, Alberto Burri o Jean Dubuffet.
Asimismo, también en esos mismos años, la escultura ocupa un papel cada vez más relevante dentro de su producción.
Aunque la madera es el material que más trabaja, no rehúsa explorar las calidades táctiles y formales del plomo, el zinc, el granito, el alabastro, etc.
1989, buscando nuevas vías creativas, se traslada junto con su familia a Nueva York, ciudad en la que sigue viviendo y trabajando desde entonces.
En lo sustancial, a lo largo de la década de los noventa, Valdés continuó con esa línea de trabajo basada en la asimilación y reelaboración de objetos y de obras de arte.
Con todo, y fruto seguramente de sus largos paseos por las calles neoyorquinas, habrá, en estos años, una presencia cada vez mayor de motivos provenientes de la vida cotidiana, tales como zapatos, bolsas de la compra, frascos de perfume, guantes, etc. Pero esos objetos -al igual que las vasijas griegas del Metropolitan Museum, o los picassos y matisses del MOMA, o los velázquez y zurbaranes del Museo del Prado- serán sólo pretextos con los que tejerá sus obras, pretextos que lo llevarán a reflexionar sobre el arte en sí mismo, sobre sus formas, texturas, materias y colores.
Entre octubre de 2002 y enero de 2003, el Museo Guggenheim Bilbao le dedica una de las retrospectivas más importantes que se hacen hasta el momento.
La exposición, comisariada por Kosme de Barañano, muestra una selección de las pinturas y esculturas más significativas de sus últimos veinte años de trayectoria artística.
Por otra parte, la feria Arco ’03 presenta en febrero su serie Horta de Ebro.
2017 Bankia hace una exposición memorable del Equipo Crónica.
Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Manolo Valdés. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España).
Nunca me he considerado moderno, pero absorbí el mundo anti-monumental y pictórico de LeCorbusier, así como el funcionalismo de los pequeños pueblos del norte de África .
Se podría decir que llegué a la mayoría de edad a la sombra del modernismo.
Siempre pensé que estaba huyendo de la arquitectura tradicional noruega, pero pronto me di cuenta de que estaba operando dentro de su contexto.
La forma en que interpreto el sitio de un proyecto, la luz y los materiales de construcción tienen una fuerte relación con mis orígenes.
Destacado arquitecto noruego, representante de la arquitectura de vanguardia del siglo XX que con visos de modernidad que realiza proyectos interesantes.
Nace en Konsberg, Noruega, el 14 de agosto de 1924 y se gradúa de la Escuela de Arquitectura de de Oslo en 1949.
Fehn, junto con Norberg-Schulz, Grung, Mjelva y Vesterlid, todos los demás arquitectos noruegos de la misma generación, y Jørn Utzon (el arquitecto danés que más tarde gana fama por la Ópera de Sydney, Australia) forman una organización que es la rama noruega del CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna), llamada PAGON (Progressive Architects Group Oslo Norway) que tiene una profunda influencia, creando una arquitectura que tiene un patrón común en el Movimiento Moderno, que se expresa en términos propios.
Viaja a diversas partes del mundo en busca de ideas diferentes que completen su formación.
1952-1953 visita Marruecos interesado por su arquitectura, acontecimiento que repercute en toda su obra posterior, en la que siempre aflora la arquitectura marroquí.
Se establece en París al iniciar su carrera como arquitecto en el estudio de Jean Prouvé.
Después regresa a Noruega donde funda su propio despacho.
1958 con 34 años, obtiene reconocimiento internacional por el diseño del Pabellón Noruego para la Exposición Universal de Bruselas.
Sverre Fehn, Pabellón Noruego para la Exposición Universal de Bruselas. Sverre Fehn, Pabellón Noruego para la Exposición Universal de Bruselas. Fehn utilizó tanto material original como local; hormigón combinado con cemento blanco, arena blanca y mármol blanco italiano. Así es como creó una luz de alta intensidad, calma y homogeneidad. Después de haber viajado a Marruecos, pudo hacer distinciones y alabar la característica «luz nórdica». Para lograr este efecto en su pabellón, colocó dos capas de brise-soleil de hormigón, diseñadas con gran precisión, para formar un conjunto de bolsillo de dos metros de profundidad que transformaría la cálida y agradable luz veneciana en una sensación homogénea de iluminación. Así es como llegó a un espacio sin sombras y trajo un ambiente nórdico bajo el cielo mediterráneo.
En la década de los 60 hace dos obras culminantes de toda su carrera: El Pabellón Nórdico en la Bienal de Venecia y el Museo Hedmark en Hamar, Noruega.
El Pabellón de los Países Escandinavos le aporta numerosos reconocimientos y le coloca en la lista de los arquitectos más importantes de su época.
1970, Fehn realiza su proyecto para la Escuela para Sordos Skådalen, con sus edificios situados en un terreno inclinado de la colina Holmekollasen, en Oslo.
En la ultima etapa de su vida erige museos muy aclamados como El Museo Noruego de los Glaciares (1991) en Fjaerland, el Centro Aukrust (1996) en Alvdal, el Centro Ivar Aasen (2000) en Ørsta y el Museo Noruego de Fotografía (2001) en Horten.
Fehn proyecta destacables casas privadas, como en 1990 Villa Busk, en Bamble, Noruega, que se declara patrimonio artístico poco después de ser terminada.
Es un buen diseñador de exposiciones, como la que presenta en el arte de las iglesias medievales (1972), y otra, llamada la Exposición de los Soldados Chinos, ambas en Høvikodden, que presenta las antiguas figuras de terracota.
1997 es galardonado con el Pritzker, y la Medalla de Oro Heinrich Tessenow.
1975-1995 es profesor en la Escuela Superior de Arquitectos de Oslo y miembro honorario de asociaciones e institutos de arquitectura de Noruega, Finlandia, Escocia, Inglaterra y Estados Unidos y de las reales academias de Copenhague y Estocolmo.
1993 recibe la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura.
2001 es el primero en recibir la medalla Grosch, un galardón creado para conmemorar las obras de este arquitecto de Noruega que se considera colabora en la formación de la nación.
Sverre Fehn fue nombrado comandante de la Real Orden de San Olav.
Según Javier Maderuelo, es el pintor más destacado del informalismo español que no forma parte del grupo El Paso, aunque su obra figura siempre en antologías y exposiciones junto a la de los artistas que constituyen este grupo, tanto por su afinidad plástica como por la cronología del desarrollo de su trabajo.
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1955 abandona la pintura figurativa y se interesa por las posibilidades plásticas de la materia, comenzando por utilizar polvo de minerales y pigmentos secos que mezclaba con colas y barnices.
De pequeño con su padre
Pero el soporte habitual de la pintura, el tradicional lienzo, le resultaba blando e inapropiado para llevar a cabo estas experiencias por lo que en 1958, un año después de la fundación de El Paso, empieza a extender la materia sobre tablas de madera que, en un principio, solo fueron utilizadas como mero soporte eficaz.
Comienza a explotar las posibilidades del propio soporte, abriendo grietas en la madera con gubias, quemando con sopletes su superficie y levantando las capas superficiales para desvelar la estructura íntima de los tableros armados que utilizaba.
Con su esposa la también maravillosa artista Amalia Avia
En la obra titulada La ventana se pueden observar algunos de estos procedimientos que le permiten mostrar la estructura reticular de un tablero que, al ser despellejado, muestra sus costillas, sugiriendo la forma de una ventana.
La artista Amalia Avia y sus hijos
De esta manera la obra de Muñoz cobra un carácter dramático que se ve acentuado por la restricción cromática a la que sometió su paleta durante muchos años, al dejarla reducida a una gama de colores oscuros, terrosos y pardos.
Lucio Muñoz con , Nieva, Antonio Lopez.
Según Juan Manuel Bonet Lucio Muñoz, compañero en la Escuela de Bellas Artes madrileña de algunos de los realistas más destacados de su generación, tiene su primer contacto con la vanguardia gracias al postismo, castizo movimiento fundado por el pintor y poeta Eduardo Chicharro hijo.
Hasta 1955 Muñoz realizó una pintura figurativa. A partir de esa fecha comienza a evolucionar hacia la abstracción.
1956 en París descubre el informalismo.
En los lienzos plenamente abstractos que realizó a su vuelta a España incorpora tierras, telas, papeles pegados, objetos… No pasa mucho tiempo antes de que descubra las posibilidades expresivas de un material que le acompaña toda la vida: la madera.
Las tablas de Muñoz de finales de los años cincuenta constituyen uno de los momentos fuertes de nuestro expresionismo abstracto.
De dominante oscura, bajo sus negros y sus pardos laten los azules, los rojos, los verdes.
En muchas de ellas el título, y cierta configuración formal, aluden al paisaje de Castilla: colinas, ríos, valles, viejos pueblos, castillos en ruinas…
En 1962 realizó el impresionante retablo de la basílica de Aránzazu (Guipúzcoa).
Se atreve con temas duros: la mina, la casa de Poe, la rembrandtiana vaca abierta en canal, el Gólgota… Luego aparecen las ventanas, las calles de la ciudad, las máquinas, las geometrías. Más tarde, las figuras fantásticas, híbridas, de nombres imposibles.
Tras un paréntesis dedicado casi exclusivamente al grabado, en el que logra resultados sorprendentes, Muñoz regresa a la pintura con renovada energía.
1988 la retrospectiva que le dedica el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía permite una mirada de conjunto a su obra.
Homenaje a Pastora Pavón es uno de los cuadros más emblemáticos de Muñoz. Pastora Pavón (1890-1969), La Niña de los Peines, principal figura del cante jondo en el periodo de preguerra, fue retratada por Julio Romero de Torres, e inspiró la teoría lorquiana del duende.
Catálogo del Museu Fundación Juan March, Palma de Mallorca.
Es galardonado con los más altos honores en arquitectura, como el Pritzker, RIBA Medalla Real de Oro, Medalla d’Or, la UIA, el Premio Erasmus y la más recientemente, la Medalla de Oro de la AIA.
The Forum, Manhattanville, Columbia, por Renzo PianoCentro de Urgencias de Cirugía Infantil en Entebbe, Uganda, por Renzo Piano.Torre residencial en 565 Broome Street NY, por Renzo PianoAcademy Museum of Motion Pictures por Renzo Piano Building Workshop. El Museo de la Academia nos da la oportunidad de honrar el pasado mientras creamos un edificio para el futuro, de hecho, para la posibilidad de muchos futuros.
El histórico edificio Saban es un maravilloso ejemplo del estilo Streamline Moderne, que conserva la forma en que la gente imaginaba el futuro en 1939.
La nueva estructura, el Edificio Esfera, es una forma que parece despegar del suelo hacia el perpetuo e imaginario viaje a través del espacio y el tiempo que es cinematográfico.
Al conectar estas dos experiencias, creamos algo que en sí mismo es como una película. Se pasa de secuencia en secuencia, de las galerías de exhibición al cine y la terraza, y todo se mezcla en una sola experienciaEighty Seven Park, Miami, Renzo Piano Centro de Urgencias de Cirugía Infantil en Entebbe, Uganda, por Renzo Piano.
1937 nace en Génova, Italia, en 1937, en el seno de una familia de constructores.
Academy Museum of Motion Pictures por Renzo Piano Building Workshop Eighty Seven Park, Miami, Renzo Piano Eighty Seven Park, Miami, Renzo Piano Eighty Seven Park, Miami, Renzo Piano Eighty Seven Park, Miami, Renzo Piano Centro de Urgencias de Cirugía Infantil en Entebbe, Uganda, por Renzo Piano. Science Gateway , por Renzo Piano
1959-1960 estudia en la Facultad de Arquitectura en Florencia (1959 a 1960) y en Milán, graduándose del Politécnico de Milán en 1964.
Academy Museum of Motion Pictures por Renzo Piano Building Workshop.El estudio Renzo Piano Building Workshop, dirigido por Piano, ha dirigido la reforma del Museo de la Academia con un nuevo aspecto exterior, asi como un interior futurista del museo del cine de la academia, añadiendo una nueva e impactante esfera de hormigón y vidrio, una estructura que alberga el Teatro David Geffen de 1.000 asientos, coronado por un mirador. La cúpula esférica está compuesta por 1.500 tejas de vidrio de bajo contenido de hierro superpuestas, que se cortaron en 146 formas y tamaños diferentes. Un teatro más íntimo de 288 asientos es la «cinemateca» del museo, que ofrece proyecciones de todo tipo. Eighty Seven Park, Miami, Renzo Piano Torre residencial en 565 Broome Street NY, por Renzo Piano Centro de Urgencias de Cirugía Infantil en Entebbe, Uganda, por Renzo Piano. Science Gateway by Renzo Piano The Forum, Manhattanville, Columbia, por Renzo Piano
Sus trabajos iniciales son estructuras experimentales ligeras; trabaja con su padre y su hermano en la sociedad familiar.
Academy Museum of Motion Pictures por Renzo Piano Building Workshop Eighty Seven Park, Miami, Florida, Renzo Piano Eighty Seven Park, Miami, Florida, Renzo Piano Torre residencial en 565 Broome Street NY, por Renzo Piano Centro de Urgencias de Cirugía Infantil en Entebbe, Uganda, por Renzo Piano. Science Gateway by Renzo Piano
De joven, repasa uno a uno los edificios de Le Corbusier.
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Luego, aprende proyectos con Franco Albini.
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1965-1970 con Louis Kahn y Z.S. Makowsky. Esta es su etapa formativa.
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Nunca se desvincula de su ciudad natal, Génova, en la que remodela el metro y el puerto.
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1971-1977 trabaja con el arquitecto Richard Rogers y entre sus proyectos conjuntos figura el Pompidou (1977).
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Tiene un éxito de público decisivo y le promociona, de modo que le encargan remodelarlo posteriormente dado el desgaste experimentado por el uso multitudinario de ese edificio durante veinte años.
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2000 es reabierto, hace además edificios adjuntos.
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1977-1981 trabaja con el ingeniero Peter Rice, bajo el nombre L’Atelier Piano and Rice. 1981, funda el Renzo Piano Building Workshop (RPBW), que actualmente da trabajo a 150 empleados en sus distintas sedes de París, Génova y Nueva York.
Precisamente Punta Nave, de Génova, donde tiene su gran estudio italiano, es una obra suya importante (1991); es un edificio que baja por peñascos siguiendo las terrazas de la colina Volpies, hacia el mar, muy cerca de su ciudad de origen, y está invadido por plantas y cañas.
Al trabajar aquí se logra un recogimiento especial, ligado a la sensación de contacto con la naturaleza, el clima y las estaciones; todos ellos son elementos inmateriales que la arquitectura ha capturado
La construye sobre una plataforma o isla artificial; este edificio y sus pistas están unidos a tierra con miles de pilotes que soportan las conexiones terrestres a prueba de maremotos; se halla a dos horas de tren de Tokio.
En Suiza hace el Museo de la Fundación Beyeler, en Basilea (1999), así como el Centro Paul Klee, Berna (2005). Y, en Alemania, su intervención global en la Postdamer Platz de Berlín, destaca en el edificio Daimler-Benz (2000).
Da clases en las universidades de Columbia y de Pensilvania, en la Escuela de Arquitectura de Oslo, en la Politécnica de Londres así como en la Escuela de arquitectura de esta misma ciudad.
Torre residencial en 565 Broome Street NY, por Renzo Piano
2013 es nombrado senador vitalicio del Senado de Italia por el presidente Giorgio Napolitano
Torre residencial en 565 Broome Street NY, por Renzo Piano
2017 hace su primera obra en España, el Centro Botín de las Artes y la Cultura, en Santander.
Torre residencial en 565 Broome Street NY, por Renzo Piano
2016 el presidente del gobierno Renzi, habla con Renzo Piano, para que diseñe la reconstrucción del centro de Italia tras el terremoto
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Se educa con Manuel González Santos que con anterioridad enseña dibujo a su padre y que tras percibir sus cualidades, aconseja aconseja al padre que la matricule en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, en la que ingresa con sólo 15 años de edad.
Carmen Laffón, La cuna
Tras 3 años en la Academia sevillana, se muda a Madrid para proseguir con su formación en la Real escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde están Antonio López, Lucio Muñoz y Amalia Avía, con los que hace amistad.
Carmen Laffón, SalinasCarmen Laffón, Bodegón con mesa y libro
1954 hace su viaje de fin de carrera a París, donde le impactan las obras de Mark Rothko y Marc Chagall.
1955, gracias a una beca del Ministerio de Educación viaja a Roma y más tarde lo hace a Viena y Holanda.
1956 regresa a Sevilla, y en su casa de La Jara frente al Coto de Doñana, pinta y se convierte desde entonces su espacio favorito para trabajar.
1958, expone por primera vez de forma individual en el Ateneo de Madrid y en el Club La Rábida de Sevilla.
1960-1962 reside en Madrid.
1961 conoce a Juana Mordó, quien se interesa por su obra y le consigue un contrato con la Galería Biosca.
Carmen Laffón, Bodegón de Triana
Su vínculo con Juana Mordó prosigue cuando ésta monta su galería.
Carmen Laffón Costura
Los artistas que trabajan para Mordó en ese momento, son los más importantes de la pintura española.
Carmen Laffón, Jardines del Alcázar
Destacan Manuel Millares, Antonio Saura, Rafael Canogar, Lucio Muñoz , Eusebio Sempere, Manuel Hernández Mompó, Pablo Palazuelo, Gustavo Torner, Fernando Zóbel y Antonio López, este último, el único figurativo de todos.
Carmen Laffón, Coria del Rio
El discurso de Carmen Laffón es muy distante de la abstracción que impera en ese momento en España, pero a pesar de ello ella mantiene un espacio preponderante con su obra.
Carmen Laffón, El pajar de la Jara
1962 vuelve a Sevilla y prosigue su relación con Mordó.
Carmen Laffón, Sevilla desde el rio
1967 se crea la Escuela El taller, en la que junto a Teresa Duclós y José Soto, inicia su actividad docente en la pintura, actividad que tras un paréntesis, retoma en 1975, al lograr la Cátedra de Dibujo del Natural en la Escuela de Bellas Artes de Sevilla, en la que permanece hasta 1981.
Carmen Laffón, Corta de la Cartuja
1982 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. 1998 es nombrada académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.
Carmen Laffón, Bodegón Nocturno
2006 expone en la cripta del claustro del Monasterio de Silos su obra La Viña, inspirada por la viña que cuida como si fuera un jardín en su residencia de La Jara.
Carmen Laffón, Niña en el jardín
En esta exposición, muestra un óleo homenaje a Santo Domingo, dibujos de gran formato sobre el paisaje de la viña de Santa Adela, en La Jara, y otros en torno al tema de la viña y la vendimia, una escultura en escayola, actualmente en el Museo de Arte Moderno Reina Sofía de Madrid, y dieciocho canastas de bronce que hacen referencia a la vendimia.
1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, realiza una retrospectiva, que recorre su trayectoria.
Carmen Laffón, Homenaje a El Coli
Trabaja con carboncillo, pastel y óleo, sus temas son el paisaje, además del retrato, la naturaleza muerta, los objetos cotidianos etc.
Carmen Laffón, Cepas
Sus cuadros del Coto de Doñana son maravillosos
Carmen Laffón, San Lucas de Barrameda
1990 trabaja la escultura. En la actualidad reside entre Sanlúcar de Barrameda y Sevilla y continua trabajando sin descanso a pesar de la edad y haciendo mucha escultura también.
Arquitecto visionario, arquitecto de la técnica, Norman Foster tiene categoría de maestro.
Es a través del lápiz como nacido en un barrio pobre de una ciudad industrial degradada como Manchester, llega a ser el arquitecto mas poderoso del mundo.
Hijo de padres modestos, la madre ama de casa y el padre empleado en una tienda de empeños que le dan afecto, pero no soporte intelectual o artístico para ir a la universidad.
Lo que le da todo eso es el dibujo, nace en un barrio donde nadie ha ido nunca a la Universidad.
Al cumplir los 16 y terminar su escolaridad, busca un trabajo de conserje en el Ayuntamiento, donde estará dos años, pero el sabe que quiere otra cosa.
A los 18 hace el servicio militar, dos años en la marina de radiotelegrafista.
Busca el dibujo como el camino para salir de Manchester, para sus padres es un drama, porque el ser empleado del Ayuntamiento es fantástico, es un ascenso social, el ser empleado publico.
No podían entender como no quería volver al Ayuntamiento.
Va a una oficina para la orientación del empleo, creada después de la segunda guerra mundial para orientar a los soldados a encontrar una buena orientación laboral y le dan un buen consejo, usted tiene que ir en un empleo artístico.
Entra en el despacho de un arquitecto como ayudante de contable, ya que ha aprendido esa habilidad en el Ayuntamiento.
Por las noche, se lleva los dibujos y los copia, dibuja sin parar y durante el día los devuelve, porque es el primero en llegar a la oficina.
Al cabo de un año le dice a su jefe Mr. Bersley, quiero ir a la universidad, y el jefe le dice que no tiene dibujos y le confiesa lo que hace por las noches.
El arquitecto le reconoce el talento y le cambia de la sección de contabilidad a la de proyectos y diseño y lo pone a hacer un proyecto.
Poco después entra en la Universidad, hay dos escuelas, hay una para que le den la beca y le pagan los estudios, el College, pero él prefiere la University, y le dicen que ahí las autoridades del condado no le pagaran una beca, pero no le importa, él prefiere hacer trabajos pesados, como descargar camiones.
Ingresa en la Escuela y el dibujo hace que ganando concursos de dibujo consiga medios para financiarse su carrera.
Dibuja arquitectura vernácula, de dibujos acotados, muy de moda en la época o también los dibujos que hace en los veranos de los viajes que hace con los premios de los concursos de dibujo que gana.
Ve toda la arquitectura que puede en Europa.
Ve todo lo que puede de Le Corbusier, Alvar Aalto, de Mies van der Rohe etc.
La arquitectura la hacen los clientes, pero también las otras arquitecturas que han precedido, por lo que los maestros son el referente imprescindible.
Es imprescindible entender el siglo XX en arquitectura, para entender el siglo XXI, por eso Foster no se puede entender sin haber dibujado a le Corbusier, sin haber dibujado a Alvar Aalto, sin haber ido a América a perseguir las obras de Mies van der Rohe y Frank Lloyd Wright.
Termina sus estudios y consigue una beca para EEUU, su sueño, una beca reservada para Oxford y Cambridge, es el primer estudiante que no es de allí en conseguirla.
Consigue dos becas la Fullbright y la Hendricks y al final se queda con la segunda porque le permite la green card para poder trabajar en América.
Eso revela su actitud, va a América pero no solo a estudiar sino a trabajar.
Va a intentar conocer un mundo nuevo desde abajo y va al lugar más inapropiado para eso a la Universidad de Yale, que es un reducto de privilegio, donde va la clase pudiente norteamericana.
Pero en Yale en estos momentos hay una conspiración de talentos extraordinaria, los últimos edificios los ha hecho Louis Kahn, el director de la escuela es Paul Rudolf, esta Sejey Shermayev, esta James Stirling.
Los profesores de Yale son en ese momento, los mejores de América y el joven Foster trabaja en esa escuela que es muy distinta de la que venia que era de 9 a 5.
Pero en Yale no, allí son 24 horas al día, 7 días a la semana.
Paul Rudolf el director es un personaje singular, carismático con el pelo a cepillo, con aspecto militar, gay y trabajador incansable.
Cita a los alumnos a las 3 de la madrugada, espera que trabajen hasta por las noches.
Norman trabaja todo el tiempo y en la primera corrección le dice que no se ha esforzado lo suficiente.
Para estos chicos eso es demoledor, se pregunta que tiene que hacer para estar a la altura.
Al final se pone de puntillas hasta la altura que le exigen.
Al principio imitando los dibujos de Paul Rudolf, todavía no tiene su propio discurso, aunque dibuje bien.
Pero lo más importante de Yale es que uno de los tres británicos que llegan allí es Richard Rogers, del que se hace íntimo amigo inmediatamente.
No pueden ser más distintos. Richard Roger, viene de un entorno social completamente distinto, viene de clase media alta.
Su padre es un médico florentino, con pasaporte británico, asentado en Italia, judío, casado con una italiana pero que se vuelven a UK, poco antes de la II Guerra Mundial, huyendo de la persecución que tienen los judíos en toda Europa.
Viene de una familia intelectual, su tío es Ernesto Rogers, un famoso critico de arquitectura milanés
Rogers es de gran capacidad intelectual, pero es disléxico, es incapaz de hacer un croquis, pero los contactos sociales, la capacidad de moverse en ese entorno distinto, e inmediatamente forman un equipo, The team 4, ellos dos y sus dos novias y pronto mujeres, al principio lo forma la hermana de la novia de Rogers que es la única que tiene el título y la única que podía ejercer.
Forman un pequeño equipo de cuatro y montan una oficina de 4 en el piso de Wendy, gracias a eso no se queda en EEUU, porque ese país le fascina, es el país dponde quiere vivir.
Un lugar donde la meritocracia es más importante que el estrato social de donde provengas.
Un país más dinámico que el de la estratificación social de UK, terrible y la incapacidad para moverse de un estrato social a otro muy difícil, pero Norte América es un país mas igualitario, mas meritocrático.
Pero Rogers lo convence para montar un despacho en Londres y los primeros encargos como pasa en un estudio joven, viene de los parientes, en este caso los padres de Sue Rogers, es un ejecutivo de publicidad, un hombre coleccionista de arte que tiene dinero.
Tiene unas parcelas en Cornualles, a él le apetece ver los concursos náuticos desde este bosque de pinos y le encargan un pequeño reducto desde donde observar los concursos de vela.
Y esta es la primera obra del Team 4 y parece que no es nada solo una pequeña cabina de un avión, pero es una cabaña primitiva que resume toda la carrera de Foster.
Que no es apenas nada pero es todo, es muy tecnológica pero a la vez muy orgánica, es una semilla de vidrio enterrada en la maleza y al mismo tiempo si la forma deviene de Wright, la descendencia será de Mies, vidrio, acero, transparencia, ligereza, lo que viene de la carrera posterior ya esta aquí.
Inmediatamente después hacen la casa del padre de Sue y le encargan una urbanización que esta muy bien representada pero no tiene licencia y no funciona, pero hacen una de las casas que funciona muy bien y publican las revistas Sky Break y Kubrick rueda allí, La naranja mecánica, empiezan a ser conocidos.
Y al fin el gran encargo, una gran fabrica Reliance Controls, entonces es el momento de auge tecnológico de UK y ellos dan el salto de la arquitectura convencional húmeda, hecha con mortero y ladrillos, a una arquitectura seca, hecha con piezas prefabricadas.
Arquitectura industrial, un contenedor neutro, que es una losa de hormigón y encima un contenedor ligero de chapa, eso que le llaman umbrella building, esta en sintonía con lo que en América se hace entonces, es el mundo californiano trasladado a UK.
El edificio es de elegancia y simplicidad, que le otorgan infinidad de premios y reconocimientos pero no llegan encargos, así que 4 años después de fundarse el Team 4 se disuelve, cada uno va por su lado y unos años mas tarde Rogers y su mujer hacen equipo con Renzo Piano para hacer el centro Pompidou, pero Norman se queda con Wendy.
Montan un despacho que pomposamente le llaman Foster Associates Architects aunque son solo dos, da una imagen de gran empresa y durante 18 meses están trabajando sin ningún encargo, presentándose a todos los concursos, haciendo propuestas de todo género.
Nada se construye hasta que surge el hecho mas decisivo de toda su carrera
La joven pareja esta a punto de marchar a América donde había oportunidades, hasta que llega el momento decisivo en el que conocen a Alfred Olssen, un naviero noruego que tiene unas líneas que tienen su base en los muelles de Londres y que quiere hacer un centro para los empleados y le piden a Norman que lo haga.
Norman lo hace, en una zona muy dura de los muelles y lo hace de forma insólita en la cultura inglesa que es mezclar a las secretarias y los descargadores lo que ellos llaman el white color y el blue color, es decir los trabajadores de oficina y los trabajadores manuales.
Esto es posible porque el cliente es un escandinavo que tiene una visión mas igualitaria del mundo lo que le permite a Foster hacer un gran edificio de vidrio, que es un gran esfuerzo minimalista de que la arquitectura no sea casi nada, pero en su interior con un proyecto social, igualitario.
De aquí saldrán sus grandes edificios de aquella época.
El edificio dura poco, porque los muelles están en continua transformación, es demolido para dar paso a otros usos industriales.
Da lugar a tres edificios mas porque los tres clientes importantes que tiene Foster han ido a ver este proyecto, se quedan maravillados y eligen al arquitecto para que haga su proyecto.
La importancia de la primera obra, a veces porque se publica, a veces no, porque el cliente quiere ver el proyecto y deciden que el arquitecto sea ese.
Estamos en la Inglaterra de los 70, con la contracultura que se despacha en dos versiones, la geodésica y la neumática.
Foster congenia con las dos, se hace especialista en espacio de trabajo
La neumática la lleva a la practica en un edificio de oficinas provisional para los empleados, hasta que termine el edificio, y los aloja en una carpa neumática que tiene más éxito que el edificio de oficinas que construye después.
O la versión geodésica que el lo hace con quien es su figura paterna de referencia que es Fuller.
Hace un climatrofix que es una gran esfera, un espacio de oficinas, una gran bóveda que cubre esa especie de bandejas técnicas y lo hace con su admirado Fuller.
Fuller es una figura importantísima en su vida pues le admira muchísimo, también a Rudolf.
Admira a Fuller porque es el más visionario, el que es capaz de pensar más allá de la arquitectura, más allá de las fronteras del oficio y la profesión.
Y le llegan tres encargos importantes, el primero el edificio de la IBM, 700 empleados en un parque y construye una caja, donde el deseo de hacer casi nada llega a su extremo.
La caja desaparece en el paisaje, una piel de vidrio delgadísima, que reproduce el proyecto que hace en los muelles, desde el minimalismo a la sofisticación técnicas de esas piezas de vidrio sujetas con una estructura que no se materializa en el exterior.
Desaparece la estructura que mantiene al edificio, solamente una piel fina que con el reflejo del paisaje en su superficie funde el edificio en el paisaje, en la naturaleza.
El segundo proyecto es mas complicado, es una oficina de seguros que quiere irse de Londres que es ruidoso y caro y llevan allí a todos los empleados.
De nuevo el muro de vidrio, pero esta vez redondeado como el famoso rascacielos de Mies van der Rohe del año 1922.
Un edificio que no es solo una proeza tecnológica y un logro contextual de como se integra en el entorno, sino que es de nuevo otra afirmación de confianza en la democracia industrial porque en el edificio mezcla el trabajo y el ocio.
El edificio esta atravesado con un gran vestíbulo, iluminado con luz natural con una escalera que desciende, que une la piscina cubierta para los empleados con el restaurante que esta en la azotea y los lugares de ocio.
De manera que las oficinas siniestras que eran norma entonces en UK, son sustituidas por oficinas alegres y luminosas, con piscina, restaurante y una terraza donde trabajo y ocio se mezclan.
El tercer proyecto es un proyecto es un museo, en una Universidad nueva, donde Lord Salsbury que se convierte en su mentor y padre adoptivo, y casi le prohíjan a partir de aquí, quieren un museo, porque quieren que su colección de arte revierta en la sociedad, mediante la donación a esta Universidad nueva.
En Inglaterra hasta 1960 están Oxford y Cambridge y las Rendit.
Las dos primeras tienen edificios góticos y las otras estaban muy degradadas hasta que en los 60 se hacen universidades nuevas.
Y esta rodeada de césped que habla de un mundo mas ordenado los Salsbury quieren dejar una escuela de arte y su colección de arte.
Foster propone ponerlo todo bajo un mismo techo, aquí están juntos la enseñanza y los objetos de arte.
Quiere quitarle importancia sagrada a los objetos de arte y dentro se mezcla todo, es un esfuerzo por reinterpretar el museo y se termina a la vez que el Pompidou que tiene mas visitas, que al final es el modelo o prototipo que tienen mas difusión pero ambos parten de lo mismo que es desacralizar el arte.
El Pompidou metiendo las piezas de arte como en una gran refinería.
Foster también desacraliza el arte metiéndolo junto a la gente que trabaja alrededor, junto a las aulas, en un pequeño laberinto, inscrito todo dentro de una gran caja.
Como todos los proyectos de Norman, cuando plantea el proyecto hace una reconsideración del tipo.
Intenta pensar el museo como si nunca hubiera habido un museo, si hace un rascacielos como si nunca hubiera habido nunca rascacielos, si hace un aeropuerto como si nunca hubiera habido aeropuertos.
Al final desacraliza el arte pero crea un templo de la era tecnológica que tiene el mismo aplomo que el Partenón en la Acrópolis.
Por un lado lo desacraliza pero por otro lo monumentaliza mediante la técnica.
Se termina a la vez que el Pompidou que es un éxito estructural y un éxito de las instalaciones con esos grandes tubos de colores y esa obra de su antiguo socio, Rogers con Renzo Piano influye en Foster y le hace cambiar de chip.
Esas cajas perfectas minimalistas casi inexpresivas, pasa de las pieles a los huesos con el Edificio del banco de Hong Kong en Shanghay.
Extraordinario proyecto en el que el banco se reafirma en que aunque la soberanía de la ciudad pasa a China ellos no se van a marchar de allí.
La forma de transmitir ese mensaje al liderazgo chino es de que van a invertir mucho dinero entre otras en una nueva sede.
Es una decisión audaz, muchos huyen de la ciudad y una segunda audacia es encarga el edificio a un arquitecto que lo mas alto que ha construido es un edificio de tres plantas y le encargan un rascacielos.
Hoy es el edificio más celebrado de Foster y el que por mas motivos merece figurar en las historias de arquitectura.
Recoge idea del Pompidou, como la estructura esterior exterior con esa figura expresiva que muestra como el edificio se sostiene a diferencia de las sutiles pieles de sus anteriores edificios, pero no llegan tan lejos como Rogers y Piano, porque las instalaciones no se manifiestan fuera, no es un edificio lleno de tubos exteriores, solo la estructura es expresiva.
El edificio es de una belleza extraordinaria.
Toma la luz mediante espejos y luego la introduce dentro del edificio, algo que repetirá en otros proyectos, como herramienta de iluminación y vivacidad, porque la luz solar es muy cambiante y es muy diferente a la luz homogénea.
Hasta entonces los rascacielos eran previsibles, como un árbol, un núcleo central alrededor, un anillos de espacios utilizables y la fachada y los elementos portantes.
Aquí se crea una oficina de planta libre, oficina paisaje de nuevo una oficina mas igualitaria, todos tienen acceso a la luz natural y un gran vestíbulo, iluminado por los laterales y por la luz que toma del sol los espejos que la proyectan al interior.
Tarda tiempo en ser realizado porque es un edificio muy complejo.
El diseño y construcción anterior se había realizado en poco tiempo, pero este edificio es una gran obra y durara hasta el año 86.
Pasa de una tecnología escueta a una tecnología barroquizante con el tiempo.
Diseñan el mobiliario para la nueva sede con la misma cabeza que había diseñado Renault.
La voluntad expresionista se va limando
Cuando le encargan un aeropuerto a el que tanto le gustan los aviones, la expresividad se reduce a la mínima expresión.
Es muy aficionado a los aviones, al principio usa planeadores, luego helicóptero, luego aviones de hélice, después reactores, cuando cumple 75 años hace una lista de todos los aviones y planeadores que ha pilotado y le salen 75 y encarga una maqueta de cada uno de ellos.
Así que si le encargan un aeropuerto en Londres, el Stansted que lo desarrolla como una gran pieza horizontal, pero construida con regularidad, de arboles que se levantan.
Aquí consigue cambiar el aeropuerto.
Todos tienen las maquinas encima de la cubierta, una gran superficie y las maquinas encima y por supuesto todo.
La genialidad de Foster en el aeropuerto es que pone las maquinas debajo y puede tener una cubierta ligera y recuperar la luz natural para los espacios del aeropuerto.
Es un cambio extraordinario y a partir de este aeropuerto todos los que se construyan lo harán así, con la maquinaria debajo y unas cubiertas ligeras encima, Barajas es así ahora.
Realiza espacios aéreos livianos, con una expresividad muy templada por su elección cromática, todo es blanco, gris plata, no hay otra cosa.
Estamos en el año 82 y diseña dos casas geodésicas en UK y EEUU para la familia de ambos, una para si y otra para Fuller.
Ese mismo año le dan el RIBA y Fuller viene a Londres a pronunciar el elogio de Foster, pero muere 10 días después en California y las casas no llegan a realizarse.
Es una premonición de los tiempos difíciles que van a seguir.
Intenta sustituir esa figura mentora de Fuller por la de Aicher, hasta que muere 10 años después, pero el necesita siempre esas figuras de veneración y que siempre tienen un elemento en común, que es su radicalidad, su voluntad de llevar las cosas hasta el extremo.
Y después de la trilogía de edificios de pieles y edificios de huesos, otra trilogía de edificios patrimoniales.
Hasta entonces solo se piensa en Foster como un arquitecto tecnológico, high tech.
Parece que hace de la monumentalización de la tecnología su manera de ser.
No se piensa en el como arquitecto de ciudad con sentido de lo existente, con sentido del patrimonio.
Con el concurso de la BBC, todo eso cambia, le dedica 3 años.
La BBC es una organización complejísima, enorme, trabajar con ese cliente es dificilísimo.
Realiza 1000 pruebas, 400 maquetas, todas ellas intentando encontrar la manera de insentarse en este lugar con tanta historia en Londres.
Al final el proyecto no se hace pero no importa porque el conocimiento que adquiere de trabajar en la ciudad y en entornos históricos es valiosísima, porque lo que había hecho eran parques industriales sin referencias alrededor.
Ahora puede empezar a trabajar en la historia y de forma consecutiva hace dos edificios que abren la puerta a otro mundo de Foster.
Por un lado una mediateca de un teatro neoclásico que se ha quemado en un incendio
¿Cómo dialogar con algo así?
Foster que había sido un arquitecto tecnológico ahora tiene entiende que tiene que ser un arquitecto urbano y entender el contexto en su totalidad.
Remodela el conjunto de la plaza, los accesos laterales y al final construye un edificio que no es un edificio clásico pasado a la modernidad, con la entrada lateral, es moderno pero de forma taimada, sin declararlo.
Con un lenguaje cada vez mas depurado y el edificio concebido como un iceberg, una pequeña parte fuera y el resto bajo, pero con lo mismo que había hecho con el banco de Hong Kong, hace que la luz llegue a la cota menos tres.
Poco después hace el edificio de la Royal Academy.
A el lo habían hecho académico hacia dos años y en 1984 le piden que la remodele para alojar unas nuevas galerías, y lo hace con gran sensibilidad que casi su lenguaje queda fuera.
Su operación quirúrgica en Londres la ve todo el mundo aunque es un proyecto pequeño, porque todo el mundo va allí y se convierte en su tarjeta de visita.
A partir de entonces Foster tiene legitimidad para intervenir en todos sitios.
1986 todos los socios vuelven y se construye una oficina mas grande frente al Tamesis.
Una gran oficina como un gran espacio abierto, un espacio común de los espacios de trabajo.
Un momento de grandes logros pero también de grandes tragedias porque poco después de elegir el emplazamiento del sitio para hacer la oficina, a Wendy le detectan un cáncer y 3 años después muere 1989.
No es solamente su esposa sino su socia y compañera de despacho, que tiene una parte muy importante en la oficina y esta perdida es grande.
Hacen ya urbanismo de gran escala, pero solo se encuentran en los proyectos pequeños como el Museo Americano del Aire con los aviones americanos de la II Guerra Mundial y que los alojan en un edificio bellísimo.
Su amigo Lord Salisbury dice que se le ha quedado pequeño el museo y le hace un proyecto para ampliárselo, un ala.
En España en esta época hace dos proyectos, uno de ellos el metro de Bilbao y la Torre de Colserola que se realiza para los juegos olímpicos para emitir la señal televisiva.
Le dan un premio ese año 1994 y lo sientan al lado de Elena Ochoa, por entonces ha tenido varias novias, se casa con una arquitecta del estudio pero dura poco, pero no consigue estabilizar su vida afectiva pero con Helena lo hace.
Celebra su 60 cumpleaños en la torre Colserola como una forma de expresar ese matrimonio con España.
Aparecen las curvas como elemento distintivo.
Hace el rascacielos mas alto de Europa, el Comerce Bank en Franfurt y lo plantea como una torre ecológica y hace que los puestos de trabajo estén próximos a la luz natural para evitar la claustrofobia del gran edificio de oficinas.
Es una obra lograda.
Hace un aeropuerto en una isla artificial en Hong Kong, hace un edificio leve con combinación de luz natural y colores claros.
En Francia hace un viaducto de Millau, colosal, a 275 metros del rio, una obra colosal que parece ligera.
Como lo es el Puente del Milenio de Londres que hace poco tiempo después.
Pero la autoridad que le da hacer el edificio de Nimes y de la Royal Academy, le permite ganar la intervención en un edificio histórico mas importante en su carrera, el
Reichstag alemán, el incendio da lugar a la toma definitiva del nazismo.
La unificación hace que se vuelva a Berlín como capital alemana y a utilizar este edificio
Esto es audaz, porque este edificio esta gafado, su recuperación no la podía hacer un alemán, tenían que buscar un arquitecto para quitarle las miasmas que habían crecido dentro y lo que propone Foster por un lado hace una gran cúpula donde la gente suba y este por encima de los parlamentarios.
Deja intacto los grafitis de los soldados rusos que son todos obscenos e insultan a los alemanes.
Los soviéticos toman el edificio dos veces una para eliminar a los francotiradores y la otra para colocar la bandera con la hoz y el martillo y que supone el final de la guerra.
Después acamparon dentro y llenaron las paredes del Reistag de escritos obscenos e insultos, grafitis.
Foster le sugirió a Kohl que se conservaran los grafitis y el dijo que había que consultarlo a la cámara.
Y el parlamento lo acepto, para recordar el lado oscuro de la historia
Y para hacer el exorcismo total Christo envolvió el edificio antes de que Foster empezara las obras.
Introduce un elemento cónico con espejos que lleva la luz hacia el interior de la sala.
Hizo la biblioteca libre de Berlin.
Ayuntamiento de Londres
El pepinillo, es la reconciliación del arquitecto con su ciudad
Ya si hay un Londres de Foster, en los últimos años.
Nace el 21 de septiembre de 1938 en Santurce (Vizcaya).
1948 estudia en el Instituto de Enseñanza Media, que abandona cuatro años más tarde para comenzar a trabajar como ayudante de topografía en una empresa minera (para entonces ya dibuja con asiduidad).
1957 hace su primera exposición individual en el Hogar del Productor La Felguera, de Asturias.
1958 viaja a Madrid con una beca y allí recibe clases en el Círculo de Bellas Artes y en la Escuela Nacional de Artes Gráficas.
Pinta su entorno –suburbios, obreros y motivos de fábricas– con una actitud de denuncia, por lo que su creación de esa época es pintura social o el expresionismo social.
1959 se traslada a París y asiste a la Academie Grande Chaumière en Montparnasse.
1962 tras realizar el servicio militar viaja a la capital francesa y allí retorna al expresionismo figurativo cargado de connotaciones sociales, con personajes tratados de una forma violenta.
Después de unos meses se instala definitivamente en Madrid.
1966 atraviesa la crisis de su pintura social.
Se traslada a Ibiza donde empieza una nueva etapa en su vida y su trabajo; es una época de transición y ruptura con su obra anterior en forma y contenido.
1967 viaja por Alemania, Dinamarca y Suecia.
En Estocolmo, a través de una exposición antológica del Pop Americano, tiene su primer contacto con este movimiento, por lo que su pintura sufre un cambio radical hacia el Pop art y comienza a trabajar con el acrílico.
1970 se inicia su época erótica, que abarca toda la década de los setenta, y participa en la XXXV Bienal de Venecia.
1973 comienza a trabajar con el aerógrafo y viaja al Sáhara y Marruecos.
1975 irrumpe un nuevo motivo en su pintura en coincidencia con el embarazo de su esposa: la vaca, símbolo de fertilidad.
Asimismo, resurge en su obra con mayor fuerza y barroquismo el desnudo femenino.
1978 realiza la escenografía y diseño los vestuarios para la obra Las Bacantes de Eurípides, en versión de Fernando Savater, para el Festival de Teatro Clásico de Mérida.
El bodegón se convierte en el tema central de su obra.
1982 los motivos autobiográficos desplazan a los anteriores.
La relación entre la vida y obra del artista, antes plasmada de una manera simbólica, ahora da cuenta de la actividad del pintor (representado siempre de espaldas), quien reduce el mundo a lo más íntimo.
En esta época, su obra aparece intensamente vinculada al viaje, y retoma nuevamente el pincel y abandona el aerógrafo.
Dos años más tarde lleva a cabo sus primeras esculturas en bronce, técnica que ha ocupado un papel importante en la actividad del artista durante los últimos años.
1986 el XVII Certamen de Pintura de Luarca, Asturias, le dedica la edición de dicho año.
1987 viaja a Nueva York (Estados Unidos) para presentar el proyecto de la ópera Colón.
Al regresar a Madrid representa en su obra una imagen desolada de la ciudad de Nueva York, sólo aparece el artista (personaje de espaldas).
1989 hace el vestuario y escenografía de la ópera Colón, que se estrena en septiembre.
1991 le encargan una escultura para la estación de Atocha en Madrid, para la que hace una pieza en bronce que representa el equipaje del viajero
1992 realiza un espacio para Cartier en París, y el Festival de Mérida le encarga la escenografía y el cartel para la obra de teatro Los siete contra Tebas, de Esquilo.
A partir de esta época desarrolla una gran actividad en el campo del grabado.
1993 se inaugura en Oviedo su escultura El regreso de Williams B. Arrensberg, y dos años más tarde imparte un Taller de Pintura dentro de los Cursos de Verano organizados por la Fundación General de la Universidad Complutense.
1996 se inaugura su escultura Exaltación de la manzana, en el Parque Ballina de Villaviciosa de Asturias.
Incorpora el tema de los aeroplanos, contemplados por un grupo de personas (con sombrero y de espaldas), que al igual que todos sus personajes, equipajes y trasatlánticos, recuerda la segunda o tercera década del siglo.
1999 introduce en su pintura el tema de las geishas.
Úrculo presenta numerosas exposiciones individuales en prestigiosas galerías y museos de Alemania, Bélgica, Dinamarca, España, Francia y Venezuela.
1982 se organiza una gran antológica que trascurre por Oviedo, Gijón, Avilés, Mieres, La Felguera y Sama de Langreo.
1994 se inaugura otra retrospectiva en el Centro de Arte Moderno de Oviedo, y tres años más tarde obtiene un nuevo reconocimiento en la exposición que el Centro Cultura de la Villa de Madrid en torno a su obra.
Su obra está representada en los más importantes museos de España, Bangladesh, Bélgica, Colombia, Chile, Italia y Venezuela.
El blog de Ila Basmati 