La ciudad se puede controlar pero no se debería modificar

Hay una evolución artística entre la obsesión por las formalidades recurrentes y la curiosidad por un mundo en ebullicion

Para la mala arquitectura no hay ninguna justificación ideológica, como no la hay para un puente que se hunde.

En la segunda mitad del siglo XX, la búsqueda arquitectónica de posguerra se esfuerza por alcanzar una propuesta alternativa de la modernidad.

Siempre he afirmado que los lugares son más fuertes que las personas, el escenario más que el acontecimiento. Esa posibilidad de permanencia es lo único que hace al paisaje o a las cosas construidas superiores a las personas

Robert Venturi, Denise Scott Braun, Charles Moore y Robert Stern impulsan, en armonia con el capitalismo consumista, una vuelta a la representatividad y el simbolismo suprimido por el movimiento moderno, no para actualizar el diseño sino para suplantarlo.

Simultáneamente en Inglaterra la obra teórica de Banham, el contextualismo del matrimonio Smitshon y los esquemas de ilusorios de Archigram, buscan el modo de actualizar el movimiento moderno mediante el uso de un lenguaje de expresión tecnológica más contundente que se progresa años después en la obra de Richard Rogers, Renzo Piano y Norman Foster. 

En Italia, mediando en ese contexto y mientras el movimiento Neo Liberty se debate en sus contradicciones, la figura de  Aldo Rossi emerge como la voz teórica más sugestiva y coherente del panorama arquitectónico.

Arquitecto y diseñador italiano considerado como uno de los principales exponentes del movimiento posmoderno, a pesar de que él lo rechace

Es un clásico heterodoxo en la arquitectura de hoy.

Es uno de los grandes renovadores ideológicos y plásticos de la arquitectura contemporánea; con su poesía metafísica y el culto que profesa a la vez a la geometría y a la memoria.

Cambia el curso de la arquitectura y del urbanismo del último tercio del siglo XX.

Teatro flotante Teatro del Mondo (Venecia)

Edificio de Viviendas en Friedrichstadt, Berlín

Cementerio de San Cataldo en Módena, Italia

Ópera Nacional (Génova, Italia)

Museo del Mar de Galicia

Aldo Rossi [3 de mayo de 1931 – 4 de septiembre de 1997], arquitecto italiano, nacido en Milán.

Su padre posee una pequeña fábrica de bicicletas, cuya marca es Rossi.

Va a dos colegios diferentes durante la Segunda Guerra Mundial.

1959 se gradúa de arquitectura en el Politecnico di Milano.

1963 inicia su actividad docente, primero como asistente de Ludovico Quaroni (1963) en la Escuela de Urbanismo de Arezzo, posteriormente de Carlo Aymonino en el Instituto Universitario di Architettura di Venezia.

Rossi trabaja durante tres años para una revista de arquitectura.

1966 publica La Arquitectura de la ciudad, en el que establece sus teorías sobre el diseño urbanístico de las ciudades.

Rossi se interesa inicialmente por el cine, pero al final se dedica a la arquitectura.

No obstante, en todos sus diseños están presentes de alguna forma los rasgos de los decorados teatrales.

Realiza proyectos destinados al teatro y a la ópera.

1979 para la Bienal de Venecia, diseña un teatro flotante, el Teatro del Mondo. con capacidad para 250 espectadores sentados alrededor del escenario.

Diseña también el edificio de la Ópera Nacional de Génova.

Su primera obra en América es un teatro, el Lighthouse Theatre, situado junto al lago Ontario en Toronto, Canadá.

1971 Rossi sufre un accidente de automóvil, cuyas consecuencias le obligan a permanecer en el hospital durante algún tiempo.

En esa época, cambia su vida, ya que comenzó a pensar en la muerte.

Surge en su mente la idea de que las ciudades son lugares para los vivos y los cementerios lugares para los muertos, que también requieren una planificación y diseño.

Así es como gana el concurso para el cementerio de San Cataldo en Módena.

De la misma época es su primer complejo de viviendas, diseñado para un barrio de la periferia de Milán, y denominado Gallaratese.

Se trata de dos edificios iguales, separados por un espacio estrecho.

Para Rossi la originalidad de este proyecto consiste en que los dos edificios pueden repetirse varias veces, sin que por ello el conjunto pierda atractivo.

A partir de entonces hace numerosos proyectos residenciales, tanto viviendas y hoteles, como casas individuales.

A lo largo de su carrera, Rossi realiza numerosos e importantes proyectos en los Estados Unidos.

Uno de los primeros es la casa unifamiliar en Mount Pocono, Pennsylvania.

En Galveston, Texas diseña un arco monumental para la ciudad, y en Coral Gables, Florida, recibe el encargo de proyectar la nueva Escuela de Arquitectura.

1990 Rossi recibe el Pritzker de arquitectura.

Sus méritos no se limitan al campo de la arquitectura, sino que es también diseñador, teórico, profesor y autor.

Es profesor de la Escuela Politécnica de Milán, el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, la Escuela Técnica Superior de Zúrich y la escuela Cooper Unión de Nueva York.

https://alrededordelaarquitectura.wordpress.com/2015/06/26/viernes-clasico-la-cara-de-los-premios-pritzker-aldo-rossi-1990/

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-240164/feliz-cumpleanos-aldo-rossi

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/02-71078/clasicos-de-la-arquitectura-cementerio-de-san-cataldo-aldo-rosi

https://www.revistaad.es/diseno/iconos/articulos/aldo-rossi-icono-ad/22328

https://www.metalocus.es/es/noticias/el-arquitecto-y-las-ciudades-gran-retrospectiva-de-aldo-rossi-en-maxxi

Aldo Rossi

https://artchist.blogspot.com/2017/04/teatro-del-mondo-en-la-bienal-de.html

Lita Cabellut nace en Sariñena, Huesca en 1961.

Vive allí hasta que se mudan a Barcelona, donde Cabellut vive en casa de su abuela Rosa.

Va a la escuela aunque tiene problemas de dislexia.

Mendiga en la calle en la Rambla, el mercado de la Boquería, Port Vell y la Plaza Real, especialmente concurrida por los turistas que lanzaban monedas a la fuente, eran su espacio habitual.

A los 10 años su abuela muere y es internada en un orfanato donde una familia catalana pudiente la adoptó a los 13 años.

Descubre su vocación con la pintura en una de sus visitas al Museo del Prado con la obra de Goya, Velázquez, Ribera y Rembrandt.

En el garaje de la casa puede montar un pequeño estudio en el empieza a desarrollar su vocación.

1978 es su primera exposición es en el Ayuntamiento del Masnou. 1982, a los 19 años, Cabellut se muda a Ámsterdam donde estudia becada en la academia de arte Gerrit Rietveld hasta el año 1984.

Durante estos años su trabajo se vio influenciado por los grandes maestros holandeses y la artista desarrolló algunas de las técnicas que se han convertido en su seña de identidad.

Cabellut pinta retratos fotorrealistas, considerados como una variante del hiperrealismo. En sus cuadros monumentales emplea de una manera revisada la pintura al fresco con influencias de autores tan diferentes como Rembrandt, Francis Bacon, Jackson Pollock o Antoni Tapies y que deliberadamente rompen la belleza de sus modelos imprimiendo la realidad del paso del tiempo.

Refleja la violencia hacia las mujeres, la sordidez, la crueldad, representada con precisión, con textura o por la intimidación que supone la aceptación de un falso concepto de belleza basado en el glamour como su valor más alto.

Se hace experta en una técnica innovadora que por medio de un craquelado hace aumentar el impacto visual de cada una de sus obras.

Trabaja en lienzos de gran formato, Lita Cabellut genera una variación contemporánea de la técnica del fresco y una paleta de colores reconocible que surge de su obsesión por darles piel a sus personajes.

Pero más allá de sus trabajos y técnicas más reconocidas, es una artista multidisciplinar.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/9-invitados-con-arte/561-entrevista-a-lita-callebut

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/noticias-arte/41657-lita-cabellut-cumple-el-sueno-de-exponer-con-su-maestro

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/invitados

https://culturainquieta.com/es/arte/pintura/item/17223-lita-cabellut-de-la-indigencia-a-convertirse-en-la-pintora-espanola-mas-cotizada-del-mundo.html

https://historia-arte.com/artistas/lita-cabellut

Lita Cabellut

Lita Cabellut: el arte no se piensa, se vomita

https://www.revistavanityfair.es/cultura/articulos/lita-cabellut-pintora-gitana-calles-barcelona-lahaya-familia-real-exposicion-amsterdam/34481

Modernism is about space, post modernism is about communication, you should do what turns you on

Rechaza desde sus inicios la austeridad del movimiento moderno y anima la vuelta del historicismo, la decoración añadida y al simbolismo en el diseño arquitectónico.

Es el creador de la Postmodernidad en arquitectura

Trabaja con su mujer, Denise Scott Brown, también arquitecta y consiguen romper la hegemonía del modernismo.

Muere a los 93 años considerado uno de los arquitectos más originales de finales del siglo

Arquitecto inconformista, crítico y revolucionario del movimiento moderno, con les is a born, lidera el posmodernismo que desemboca en la década de 1970.

Defiende una arquitectura compleja que acepte sus contradicciones y es considerado como uno de los teóricos más importantes de la arquitectura de la segunda mitad del siglo XX.

Nace en Filadelfia (EE.UU.), estudia arquitectura en la Universidad de Princeton, en Nueva Jersey

 1958 trabaja en el estudio de los arquitectos Eero Saarinen y Louis Kahn.

La mayor influencia en su obra es la de su mujer sudafricana, la también arquitecto, Daniel Scott Brown.

1964, fundan Venturi Scott Brown Associates (VSBA).

Muchas de las obras atribuidas exclusivamente a Venturi las crea a partes iguales con Scott Brown.

En respuesta al less is more (menos es más) de Mies van der Rohe, la pareja acuña less is a bore (menos es aburrido) como grito de guerra de la arquitectura posmoderna.

1966 uno de sus primeros libros, Contradicción y complejidad en la arquitectura sigue siendo referencia de esa reivindicación del historicismo, de lo simbólico.

1991 fruto de su carácter visionario, recibe el Pritzker

Sus proyectos tienen un diseño peculiar, tanto por el empleo de colores, como por la ubicación de las ventanas y de los elementos decorativos en las fachadas.

Uno de sus obras más importantes es en 1962, cuando Vanna Venturi encarga a su hijo el proyecto de una casa en Filadelfia (EE.UU.)

Es su punto de partida y una de las primeras obras de Robert Venturi, de estructura compleja, sus aspectos formales contradicen los aspectos funcionales, pero pronto alcanza un reconocimiento internacional.

1964 lo que destaca en la Vanna Venturi House es la referencia abstracta que toma de las casas tradicionales estadounidenses, con un tejado a dos aguas y un arco sin aparente propósito.

Consigue crear un nuevo hogar para su madre y, además, poner de manifiesto su reacción al movimiento moderno, protagonista de la primera mitad del siglo XX.

1963 destaca la Guild House, un edificio de apartamentos construido para personas de edad avanzada con bajos recursos.

Destacan las ventanas cuadradas de guillotina, características en las construcciones sociales.

También destaca la columna de granito pulido en mitad de la entrada, que contrasta con el revestimiento de cerámica blanca del acceso principal y que incluye el nombre del edificio con grandes letras que cubren el balcón del primer piso.

1989-1991, edificio de la National Gallery de Londres, hacen la ampliación Sainsbury Wing, una de las más reconocidas del edificio construido por el arquitecto Williams Wilkins entre 1832 y 1838.

Junto a su esposa, Venturi consigue combinar la construcción contemporánea, el clasicismo inglés, el simbolismo y la creatividad espacial con el acero, la piedra y el vidrio.

1979-1981 diseña muebles para Knoll

2016 Robert Venturi y Denise Scott Brown son distinguidos de manera conjunta con la Medalla de Oro del AIA,American Institute of Architects,  el premio de arquitectura más importante de Estados Unidos.
Venturi también es profesor de arquitectura teórica en la Universidad de Pensilvania, en Filadelfia.

https://www.revistaad.es/diseno/iconos/articulos/arquitecto-inconformista-robert-venturi-lidero-el-posmodernismo/25834

https://elpais.com/elpais/2018/09/20/icon/1537453803_535873.html

https://elpais.com/cultura/2013/04/24/actualidad/1366823468_552339.html

https://cesarulisesparraltorres.wordpress.com/robert-venturi/

https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=170

https://www.elmundo.es/cultura/2018/09/21/5ba4a56a268e3e36348b4656.html

https://www.metalocus.es/es/noticias/robert-venturi-clasicos-contemporaneos-hoy

https://ggili.com/blog/robert-venturi-1925-2018/

Robert Venturi y Denise Scott Brown en «Life Stories of Remarkable People»

Alcanza la fama internacional por su singular visión sobre la escultura, al tratarla como un medio narrativo.

Esto le vale el apodo de poeta del espacio y lo llevó a exponer en grandes instituciones del mundo, como el Tate Modern de Londres y el Guggenheim de Nueva York,

Es el segundo de una familia de siete hermanos.

En la década de los setenta se va a UK para estudiar en el Croydon College y luego al  Central School of Art and Design.

Conoce allí a su mujer, la escultora Cristina Iglesias, con quien tiene dos hijos.

1982 viaja a EEUU para estudiar con una beca en el Pratt Centre of NY.

1984 primera exposición en Madrid en la galería Fernando Vijande.

Desde entonces expone sus trabajos en diferentes partes del mundo.

1990 comienza a producir piezas de carácter narrativo rompiendo los límites de la escultura tradicional- las cuales constan de instalaciones de figuras de tamaño ligeramente inferior al natural que interactúan entre si, distribuidas en ambientes tanto cerrados como abiertos.

Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para discretamente formar parte de ellas.

Sus figuras monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en discreción, en universalidad por su falta de particularización, pero esa ausencia de individualidad nos cuestiona y, tal vez, hasta incomoda.

Para sus esculturas, Juan Muñoz utiliza papel mache, resina y bronce.

Además de en la escultura, se interesa en la creación de carácter auditivo, produciendo algunos trabajos para radio.

1980 tiene uno de sus trabajos más reconocidos en este medio que realiza junto con el compositor británico Gavin Bryan.

 Llamado A Man in a Room, Gambling ,un hombre en una habitación, apostando,  ern el cual describe trucos de naipes acompañado por una composición de Bryars.

 Las piezas, diez segmentos de no más de cinco minutos, son emitidas por la cadena de radio Radio 3 de la BBC.

1992 En un programa de radio inédito –Third Ear-, Juan Muñoz plantea que existen dos cosas imposibles de representar: el presente y la  muerte, y que la única manera de llegar a ellas era por su ausencia.

2000 es Premio Nacional de Artes Plasticas

2001, agosto de veraneo en Santa Eularia des Riu, Ibiza, fallece súbitamente de un aneurisma, tiene 46 años de edad.

En ese momento esta expuesto  en la Tate Modern Gallery su obra Double Bind 

https://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Mu%C3%B1oz_(escultor)

https://elpais.com/diario/2001/08/30/cultura/999122407_850215.html

http://www.xn--espaaescultura-tnb.es/es/artistas_creadores/juan_munoz.html

https://www.macba.cat/es/arte-artistas/artistas/a-z/munoz-juan

1933 nace en Matosinhos (cerca de Oporto).

1949-1955 estudia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Oporto.

1954 termina su primer proyecto

1955-1958 es colaborador del Arch, Fernando Távora.

Mientras Matosinhos marca su infancia y juventud, Porto y su Escuela de Bellas Artes (ESBAP) lo introducen en el entorno de la arquitectura

Sus maestros son Fernando Távora, con quien mantiene una colaboración profesional, y Carlos Ramos, quien lo estimula a leer a Alvar Aalto, Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Erich Mendelsohn, Bruno Taut y Adolf Loos.

 1966-1969 es profesor en la Escuela de Arquitectura (ESBAP).

1976 es nombrado profesor de Construcción.

Es profesor visitante en la Escuela Politécnica de Lausana, la Universidad de Pennsylvania, Universidad de Los Andes de Bogotá y la Escuela Superior de Diseño de la Universidad de Harvard, es profesor en la Escuela de Arquitectura de Oporto

Entre 1954–1979 comienza con la colaboración con su mentor y amigo Fernando Távora (de 1955 a 1958) y el intercambio de un estudio con sus colegas en la Escuela de Bellas Artes de Oporto, donde eventualmente se graduaría en 1965.

Matosinhos, se convierte en su primer gran laboratorio disciplinario, en el que fortalece la relación entre arquitectura y contexto que había aprendido de Távora, durante un momento turbulento de crisis y crítica de la arquitectura moderna.

Destacan los proyectos  de D. Afonso Henriques, en Matosinhos, y la Piscina del Océano, en Leça da Palmeira.

1970, ahora libre de las tendencias «regionalistas» anteriores, considera la modernidad como un trabajo abierto para inventar.

Destacan El Banco Mayor Pinto & Sotto en Oliveira de Azeméis, la Casa Beires en Póvoa de Varzim y la Casa António Carlos Siza en Santo Tirso.

1974 Revolución del 25 de abril, participa en el proceso SAAL (Servicio de Apoyo Ambulatorio Local), buscando resolver las precarias condiciones de vivienda de los distritos de trabajadores del centro de Oporto

1980-1988 marca la internacionalización, en un momento en que tiene pocos proyectos en Portugal.

Su participación previa con SAAL conduce, a una invitación del Ayuntamiento de La Haya para diseñar nuevos proyectos de vivienda social y, por otro, a su participación en importantes concursos de intervención de infraestructura y recalificación de dos bloques en Kreuzberg de Berlín, destaca Bonjour Tristesse.

En esa década, desarrolla proyectos en Portugal, desde residencias privadas hasta instalaciones públicas.

Destacan Casa Avelino Duarte y la Casa Mário Bahia, Facultad de Arquitectura de la Universidad de Oporto.

1988 Premio Mies van der Rohe a el Banco Borges & Irmão en Vila do Conde.

Supone el reconocimiento como uno de los arquitectos europeos más interesantes creciente notoriedad internacional que su propio país aún no puede otorgarle en ese momento.
1988–1999 después del trágico incendio en el distrito de Chiado de Lisboa, el alcalde de la ciudad lo invita a rehabilitar ese espacio.

 La notoriedad de los proyectos en Berlín y La Haya, y el premio europeo que le dan el reconocimiento político y público definitivo en Portugal.

Cuatro años después recibe el Pritzker
Completa el Setúbal Teacher Training College mientras preparaba el programa detallado para el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, en Santiago de Compostela, y comienza a trabajar en el proyecto para el Museo Serralves, en Oporto.

Erige la Iglesia de Santa María, en Marco de Canaveses, y el Pabellón portugués para la Exposición Mundial de Lisboa de 1998.
2000–2019 expande su actividad hacia América del Sur (Argentina y Brasil) y Asia Oriental (Corea del Sur y China).

Fundación Iberê Camargo, en Porto Alegre (Brasil), el Museo Mimesis, en la Ciudad del Libro de Paju (Corea del Sur), y el Museo de Diseño de China, en Hangzhou (China).

Cíclicamente es requerido para diseñar nuevos museos y espacios liturgicos.

Destacan el Museo Nadir Afonso, en Chaves, la Iglesia Anastasis, en Saint-Jacques-de-laLande (Rennes), Francia, o la Capilla Hillside, en Lagos, Portugal.

Hace infraestructuras, como estaciones de metro, puentes y pasos elevados de peatones, en una íntima colaboración interdisciplinaria con ingenieros.

El proyecto de dos puentes para Oporto, uno para el tráfico rodado y el otro para el ferrocarril de alta velocidad.

 El desafío reciente es un rascacielos en Hell’s Kitchen de Manhattan

La performance es el arte que combina el tiempo y el espacio con la presencia de un público que no es mero espectador, sino que si lo desea, puede participar en la acción.

Su trabajo se caracteriza por un peculiar minimalismo que integra rigor, humor, diversión y absurdo

1937 nace en San Sebastián el 19 de diciembre.

Artista interdisciplinar, centrada en el performance art, considerada una de las mejores artistas españolas de su generación.

2008 recibe el Premio Nacional de las Artes Plásticas de España.

2014, recibe el Premio Velázquez de las Artes Plásticas que otorga el Ministerio de Cultura.

1960 crea junto con el pintor José Antonio Sistiaga el primer Taller de Libre Expresión, germen de muchas otras actividades paralelas, entre ellas una Escuela experimental en Elorrio.

1967, se une al grupo de performance ZAJ, creado en el 1966 por Juan Hidalgo, Ramon Barce y el italiano Walter Marchetti.

ZAJ es conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales, muchas de ellas inspiradas en la idea y obra del artista estadounidense John Cage, realizadas en algunos teatros y salas de conciertos de España durante la dictadura de Franco

 1996 el grupo ZAJ es disuelto por uno de sus fundadores, Walter Marchetti.

La producción de Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos.

También es conocida por su trabajo como artista de performance y de creaciones radiofónicas.

1973 se muda a París, donde vive desde entonces.

2012 el Museo Artium de Vitoria presenta la exposición En cuatro movimientos sobre su obra comisariada por Rosa Olivares.

2017 el Reina Sofia organiza la retrospectiva Esther Ferrer. Todas las variaciones son válidas, incluida esta, un recorrido sobre su actividad artística, pionera y una de las principales exponentes del arte de performance que concluye con Concierto ZAJ para 60 voces.

2018 con motivo del 40 aniversario de la Constitución Española crea la obra instalación Memoria

1991 es seleccionada entre las obras procedentes del Reina Sofia para la exposición El poder del arte, ubicándose por primera vez en las sedes del Congreso de los Diputados y del Senado.

2019 forma parte de la exposición Poéticas de la emoción organizada por CaixaForum junto a los artistas contemporáneos Bill Viola, Manuel Millares, Shirin Neshat, Colita y Pipiloti Rist, la obra en vídeo Extrañeza, desprecio, dolor y un largo etc. 2013 .

https://es.wikipedia.org/wiki/Esther_Ferrer

https://estherferrer.fr/es/

https://www.vice.com/es/article/j5e4x3/esther-ferrer-entrevista

ESTHER FERRER: “ME IMPORTA UN RÁBANO QUE SEA ARTE O QUE NO SEA ARTE”

Esther Ferrer: pionera de la perfomance

https://www.metalocus.es/es/noticias/esther-ferrer-fotografias-dibujos-maquetas-y-matematicas-performance-art

Pertenece a una generación de arquitectos que a partir de los cánones del Movimiento Moderno generan una vía novedosa que por la que otros trascurren.

Es excepcional porque con más de 90 años juega en primera división, después de pasar por el dique seco, toda la década siguiente al Pritzker.

Entre finales de los 60 y mediados de los 80 hay un periodo adverso para la arquitectura.

Durante esos últimos años cuando el mundo industrial vive su máximo esplendor y las ciudades estallan, es cuando algunos arquitectos empiezan a entrever que los principios del Movimiento Moderno han servido de forma eficaz y barata para dar respuesta a las demandas del capitalismo urbano más salvaje.

Entonces emerge una búsqueda desorientada y caótica que intenta enderezar el entuerto, proponiendo modelos de habitar alternativos al de los informes barrios de bloques entre autopistas. 

Las vías recorridas por las vanguardias de entonces son tan variadas como estériles, porque la inercia del modelo CIAM, interpretado torticeramente por la especulación más desbocada, es demasiado potente.

Archigram pretenden llegar hasta el final del discurso futurista y proponen mecanizar la urbe y la vivienda.

Otros más amables, aunque igualmente tecnológicos, como el británico James Stirling trata en sus proyectos de New Town de hacer compatible el discurso moderno con la clásica vida de Terrace house típica del Reino Unido.

Maki se alinea con Kenzo Tange y el Metabolismo.

Desde entonces hasta ahora, transcurre por diferentes estilos, desarrollando una trayectoria ecléctica.

1928 nace en Tokio el 6 de septiembre.

1952 se gradúa como arquitecto después de tener como compañero a Kenzo Tange.

Inicia su estancia EEUU, con un año entero en la Cranbrook Academy of Arts de Bloomfield Hills (Michigan).

Completa después su master en Arquitectura y se gradúa en la GSD, School of Design de la Universidad de Harvard.

Inicia su profesion en la prestigiosa firma Skidmore, Owings and Merrill de Nueva york y con Sert Jackson y Asociados en Cambridge.

1956 empieza su relación pedagógica-y profesional- como profesor de Arquitectura en la Washington University de San Luis.

Hace allí su primer proyecto, la Steinberg Hall art center en el propio Campus.

1962-1965, enseña arquitectura en la GSD de Harvard y se convierte en un respetado teórico.

1965, vuelve a Japón y crea un despacho con un equipo de más de 35 personas, convirtiéndose en un reconocido arquitecto.

Se une al Metabolismo, que encabeza Tange.

Es la primera vanguardia nipona, que busca la conexión entre los postulados del Movimiento Moderno y la creación de un entorno humano más orgánico y amable.

No es extraño que esta deriva póstuma de lo moderno se diera en Japón, un país tan ligado a la naturaleza y cuya arquitectura, tan conectada a la tierra, sirve de inspiración a los precursores del propio Movimiento moderno.

Empieza una búsqueda de un discurso propio que le permita encontrar un vínculo con la tradición moderna, una vez que las certidumbres establecidas de los maestros modernos colisionan con los pobres resultados de la especulación del momento. 

En las primeras obras, como el Gimnasio Metropolitano de Tokio de 1954 o el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, que se construye a mediados de los sesenta, se percibe influencia de Kenzo Tange, tratando de incorporar un discurso autóctono a su obra, con imágenes que recuerdan el casco de un samurái o los acristalamientos de papel en cuadrícula de la arquitectura vernácula.

Después de estos proyectos y de realizar el Centro de deportes de la Prefectura de Osaka, Maki proyecta una de sus obras más importantes por su calidad y por la profundidad de su propuesta.

Un proyecto que se atribuye todavía al Metabolismo aunque marca sin duda un progresivo alejamiento de ese movimiento.

Los apartamentos Hillside Terrace, un conjunto habitacional que incluye una enorme y flexible variedad de propuestas de gran riqueza formal. 

Está ligado 25 años a esta obra construida en Tokio, que incluye no solo las viviendas sino el ocio.

1985 tras realizar el edificio posmoderno Spiral, sufre una crisis de inspiración que alcanza hasta principios del XXI. 

Continua completando Hillside, y 1998 construye Hillside Oeste con gran éxito, pero  hasta 2003 con la Yokohama tower  es cuando consigue otra vez grandes encargos.

2005 Maki da un giro espectacular a su arquitectura y proyecta el Instituto Nacional de Lenguas Japonesas en Tokio y eso le supone ser repescado por los clientes americanos. Vuelve a estar en primera línea y viaja hasta EEUU.

2006-2009 con ochenta años, empieza pues una nueva época, un renacer que le lleva a ampliar su despacho, para realizar las dos obras americanas previas nada menos que el Kemper Art Museum y la ampliación del Mit Media Lab.

Y con más de ochenta años y en plena juventud creativa, proyecta el Museo de Aga Khan y uno de los rascacielos del nuevo Word Trade Center, concretamente el número 4 de la serie. 

También en Nueva York proyecta el edificio Black Glass y el 51 Astor Palace.

 Y con más de 90 años está haciendo el Museo del Diseño en China

https://arquitecturayempresa.es/noticia/arquitecto-fumihiko-maki-el-incombustible-japones-errante

https://www.metalocus.es/es/autor/maki

Lo importante es la implicacion

1946 Barcelona, escultora española.

Muchas son las experiencias que conforman la piel de nuestra vida. Pero algunas tienen la capacidad de penetrar como flechas en el interior de la existencia, alcanzando sin orden ni concierto determinadas zonas neurálgicas que constituyen el motor de los actos, de los pensamientos, de los siempre intrincados resortes sentimentales.

Artista de gran proyección internacional considerada la heredera de la tradición escultórica española iniciada por Julio González, Jorge Oteiza o Eduardo Chillida.

Las obras de Susana Solano forman parte de una tradición abstracta, entendida como una dirección escogida, una propuesta matizada a lo largo de los años en oscilaciones de alejamiento y proximidad a los referentes de sus obras.

Algunas obras rozan las alusiones directas a la realidad, mientras otras se encierran en una apariencia de extrema opacidad.

Ella misma habla de su trabajo con cierta reserva, pues rechaza radicalmente la retórica que desdibuja la fuerza de la intención.

¿Que le pido a la escultura? Que no sea inmediata en su lectura ni en su proceso y que mantenga en mi lo indescifrable (…) mi trabajo no pretende narrar.

Estudia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona, donde da clases.

Participa en certámenes internacionales como Documenta de Kassel VIII y IX (1987 y 1992), XIX Bienal de Sao Paolo (1987), Skulptur Projekte en Münster (1987), Bienal de Venecia (1988 y 1993) y Carnegie Internacional de Pittsburg (1988).

Es galardonada con el Special Prize, otorgado por The Utsukushi-Ga-Hara Open Air Museum, en Tokio (1985), con el Premio Nacional de las Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España (1988).

Recibe el Premio CEOE a las Artes (1996), el Premio Tomás Francisco Prieto de la Real Casa de la Moneda, en Madrid (2011), premio GAC por su trayectoria artística, en Barcelona (2015) y Mestres.

La Cadena del FAD, Barcelona (2018).

Colabora con arquitectos José Acebillo, Ignacio Linazasoro, Hans Hollein, Ignasi Sánchez Doménech, Rafael Moneo, Francisco Torres, Javier Romero, Ferran Vizoso y Guillermo Vázquez Consuegra.

http://conchamayordomo.com/2019/04/27/susana-solano/#:~:text=Susana%20Solano%20naci%C3%B3%20en%20el,y%20luego%20con%20la%20escultura.&text=Posteriormente%20sus%20esculturas%20crecieron%20en%20dimensi%C3%B3n%20y%20presencia.

https://www.march.es/arte/coleccion/ficha.aspx?p0=5

https://www.guggenheim-bilbao.eus/la-coleccion/artistas/susana-solano

1944 nace en Casablanca y es arquitecto y urbanista.

1969 se gradúa en la Escuela de Bellas Artes de París.

 1980 establece en Paris su despacho, el Atelier Christian de Portzamparc.

 Con un equipo de 100 empleados, tiene buena armonía laboral con los socios establecidos por todo el mundo.

Organizados en varios estudios, trabajan con los socios en una amplia variedad de ambiciosos proyectos internacionales.

Además de la construcción de edificios, Christian de Portzamparc, arquitecto, urbanista y pintor, se dedica a la búsqueda de la forma y el significado.

Desde la ciudad al objeto, Christian de Portzamparc trabaja en la construcción de edificios desde sus primeros proyectos en 1974.

Su torre más conocida es la Torre LVMH en Nueva York, EE.UU. terminada en 1999 (Business Week and Architectural Record award 2006), seguido por el concurso para la torre Hearst en 2000 y que pronto esta acompañada por la torre residencial en 400 Park Avenue Manhattan, Nueva York, EE.UU.

La sede de 183 metros de altura del banco francés Société Générale en La Défense, en París, la Torre Granito (terminada en 2008) es el primer edificio de gran altura sostenible en Francia (con certificado HEQ, el equivalente francés de la certificación LEED de Estados Unidos).

1994, Christian de Portzamparc a los 50 años es el primer arquitecto francés en ganar el prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura.

Es nombrado Commandeur des Arts et des Lettres, Officier de l’Ordre du Mérite y Chevalier de l’Ordre de la Légion d’Honneur, y es galardonado con el Grand Prix d’Architecture de la Ville de Paris en 1990, la Médaille d’Argent en 1992 y el Gran Premio Nacional de Arquitectura en 1998.

Es nombrado Fellow Honorory del Instituto Americano de Arquitectos (AIA).

2004 le conceden el premio más prestigioso de la planificación urbana en Francia, el Grand Prix de l’Urbanisme.

2006, el Collège de France crea la 53 a cátedra dedicada a la creación artística y Christian de Portzamparc es su primer titular.

2013 Le Monde

2015 Casa Dior en Seul

2018 Praemium Imperiale de Japón

https://www.metalocus.es/es/autor/de-portzamparc

Solo he sobrevivido gracias al arte, que me ha dado fe en mi propia existencia.

Así de contundente se expresa Tracey Emin (Surrey, 1963) en su autobiografía titulada Strangeland, traducida al castellano (Alpha Decay, 2016).

 Estas memorias se son en un punto de partida para acercarse a su compleja personalidad sin caer en los juicios de provocateur y exhibicionista, precisamente porque su historia personal y su identidad artística se confunden de un modo fascinante e irreverente, en una nueva frontera del arte confesional de corte bourgeoisiano en la que intimidad, arte y vida se convierten en algo indisoluble.

No se comprende su creación artística al margen de su existencia. Esta obviedad no es una mera redundancia.

Con unas difíciles infancia y adolescencia  de violación a los trece años, incesto, abortos, anorexia, alcoholismo, pobreza, rechazo social, etc desvela en su obra sufrimiento, humillaciones y traumas con franqueza.

Utiliza la creación artística para recrear su propia memoria, como terapia que le ayuda a superar ciertas etapas de su vida, marcadas todas ellas de dolor y resentimiento.

Es una superviviente.

El sexo, los excesos de droga y las resacas le proporcionan el contorno mediático.

El arte, un sitio estable para su intimidad.

Soy una alcohólica, neurótica, psicótica, quejica, una perdedora obsesionada conmigo misma, pero soy una artista.

La consolidación artística de los últimos años permite hacer un balance más integral y matizado de su aportación a la historia del arte contemporáneo más reciente.

Emin pertenece a una tradición de artistas que arranca con el dadaísmo y Duchamp, pasa por el onirismo autobiográfico de Frida Kahlo y también por las manifestaciones más oscuras del expresionismo de Egon Schiele, Edvard Munch o el arte pop de Robert Rauschemberg, hasta llegar al exhibicionismo conceptual de Sophie Calle.

Durante los años ochenta estudia pintura en el Royal College of Art londinense y, en una primera etapa -de la que apenas se conservan obras, ya que ella misma las destruye casi todas- forma parte de los llamados Young British Artists, un grupo de artistas británicos (Damien Hirst, Mark Ofili, Sarah Lucas, Marcus Harvey, los hermanos Chapman) que exponen a partir de los noventa apadrinados por el galerista y publicista Charles Saatchi.

Los excesos de Emin se convierte en el patron de su trabajo durante aquellos primeros años mediáticos: dibujos, fotografías, patchworks, vídeos, instalaciones…

En todo su quehacer vuelca el eco de su memoria, como en la temprana performance que realiza en una galería de Estocolmo, Exorcism of the last painting I ever made (1996), donde pinta desnuda paredes y cuadros con contenido autobiográfico, descerrajando de este modo un largo bloqueo emocional –los dos abortos sufridos– al tiempo que lo hacía desde un claro posicionamiento feminista, como crítica del women’s work a través de la exhibición de la propia sexualidad y corporalidad.

El símbolo de aquellos excesos fue My bed (1998), la obra que queda finalista en el Turner Prize y la que probablemente es su pieza más conocida y controvertida de su carrera.

El hecho de que sea subastada en 2014 por 2,2 millones de libras –la compra un coleccionista alemán que cede en préstamo a la Tate, donde ahora se exhibe– confirma el irónico poder transformador de nuestra percepción sobre el arte más provocador.   

 La pieza muestra su propia cama sin hacer, con las sábanas manchadas de fluidos corporales, y en el suelo de alrededor había artículos de su habitación, como condones, paquetes de cigarrillos vacíos, botellas de alcohol, recortes de periódico, un par de bragas con manchas menstruales y otros residuos domésticos.

La promiscuidad sexual y los excesos con el alcohol y las drogas, que atravesaban la vida de Emin en aquel momento, hacen de la devastadora intimidad un espectáculo, convirtiendo al espectador en voyeur involuntario de su arte confesional. 

My bed puede considerarse, no sin cierta provocación, un autorretrato orgánico de la artista, una indagación en sí misma desde el colapso y la crisis emocional. Pura y nuda autorreferencialidad, el absoluto desastre y decadencia de mi vida.

 En la misma línea destaca Everyone I Have Ever Slept With 1963-95, una tienda de campaña adornada con los nombres de todas las personas con quienes alguna vez durmió, incluidos compañeros sexuales, familiares con quienes trasnocha en su infancia, su hermano mellizo y sus dos embarazos perdidos.

Plasmar la crudeza de aquellos recuerdos pasa, entonces, por bordar los nombres de sus amantes y amados en una especie de tienda-útero, reivindicando al mismo tiempo, como mensaje fuerte, la inversión de roles de una sexualidad femenina más autoconsciente y agresiva, de una mujer como womenizer.

Quizá era precisamente esa incomodidad la que sintió uno de los periodistas que visitó la instalación cuando exclamó: ¡Si hasta se ha acostado con el organizador de la exposición!.

Su evolución se caracteriza por una transición hacia otros campos de experimentación.

Las exposiciones iniciales de fotografía y de pintura –como las delicadas acuarelas de Berlin The Last Week in April 1998–, las performances e instalaciones de su época más salvaje, en la que se permitía salir borracha en prime time televisivo, se enriquecen, a partir del año 2000, con nuevas muestras de su deuda artística con Schiele, inmortalizada en The Purple Virgins.

En la sinuosidad de aquellas piernas y vaginas exhibidas en la Biennale de 2007 se consagraba un trazado muy reconocible, que ha mantenido en otras aproximaciones eróticas, como por ejemplo en la serie Suffer Love (2009).

2007 nombramiento como profesora de dibujo en la Royal Academy of Arts, donde ejerce también como curator en exposiciones de verano.

La consagración artística y el reconocimiento de la crítica se mide, con esculturas y montajes públicos de fuerte resonancia mediática.

Es cierto que Emin ya explora el género escultórico a través de su propia máscara mortuoria en Death Masks (2002).

Pero cuando diseña, justo delante de la catedral de Liverpool,  un asta de cuatro metros tallada en bronce y coronada por un pequeño pájaro, no sólo rinde un homenaje al famoso Liver Bird de Liverpool –símbolo de la ciudad.

También sella, a su vez, una alianza con la BBC –que financia la obra–  sino también con el propio establishment inglés.

Cuando, a los pocos años, vuelve al interior de la catedral para instalar uno de sus habituales neones justo debajo del gran vitral, Emin reitera esa actitud.

El neón, que simboliza idealmente un lenguaje publicitario que pretende atraer nuestra atención para conseguir vender algo, consigue romper con Emin esa funcionalidad a través del carácter íntimo de su contenido: I Felt You And I Know You Loved Me. Pocas veces una iglesia se ha atrevido a tanto.

 En todo caso, el bronce como la madera han jugado un papel decisivo en la última década. Desde It’s not the way I to die (2005) y Tower (2007), pasando por las delicadas esculturas (zapatos, ositos, calcetines infantiles) repartidas por la ciudad de Kent en 2008, de innegable carga social, hasta llegar a la más reciente The Last Great Adventure is You (2014), entre otras muchas propuestas.

 La vigencia de la obra de Emin esta consolidada y sus escritos tenidos en cuenta

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://www.theguardian.com/artanddesign/2021/may/13/tracey-emin-on-beating-cancer-you-can-curl-up-and-die-or-you-can-get-on-with-it&prev=search&pto=aue

Tracey Emin sobre su cáncer de vejiga: «Aunque resulte extraño, soy mucho más feliz de lo que era»

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/41409-tracey-emin-biografia-obras-y-exposiciones

https://www.abc.es/cultura/cultural/abci-tracey-emin-arrepiento-mucho-excesiva-sobreexposicion-pasado-201906230122_noticia.html

https://elpais.com/elpais/2016/03/29/tentaciones/1459277024_568487.html

Tracey Emin

https://theobjective.com/further/tracey-emin-un-bidon-de-gasolina-incandescente