Llega a Nueva York desde el sur, aconsejado por su profesor de arte de la universidad y termina siendo de los pintores americanos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

1930 nace en Augusta y crece en Allendale sintiendo la vocacion por la pintura desde la niñez.

1946-1947 estudia, primero en la Universidad de Carolina del Sur.

1948 estudia en la Parsons School of Design de Nueva York en donde hace sus primeras exposiciones.

La Guerra de Corea implica un paro en su trayectoria artística cuando  sirve dos años en el ejército, una parte en Japón.

1952 de vuelta a Nueva York, trabaja durante unos años en distintas librerías mientras se introduce en los ambientes artísticos de la ciudad y se relaciona con artistas como el músico John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham.

Influyen mucho en su forma de percibir el arte, y en particular el pintor Robert Rauschenberg que será su amante muchos años, ambos los mayores exponentes del expresionismo americano de los cincuenta.

Mas tarde su obra da un vuelco total y genera nuevos estilos.

Su concepción del arte sufre un choque a raíz de una visita a Pensilvania para ver la obra de Marcel Dunchamp, The Large Glass, en la que descubre una nueva forma de crear con los readymades, según la cual, se transforman objetos encontrados y se integran en la obra.

La influencia de este recurso le lleva, más adelante, a integrar en sus cuadros diferentes objetos  como reglas, cucharas, perchas.

1954-1955, crea sus famosas banderas, Flags, que influyen mucho en la iconografía americana del siglo XX: Flags, Target y Numbers son parte de su primera gran exposición en solitario, en la Galería Leo Castelli de Nueva York.

Las diferentes banderas creadas con la técnica de la encaústica (cera aplicada a la pintura y pulida con un trapo de lino), es toda una revolución por su aparente simplicidad, y por su fuerza.

Tal es su impacto que el Museo de Arte Moderno de Nueva York compra tres piezas para exponerlas en sus salas. 

Jasper Johns tiene una gran iniciativa en la incorporación de lo cotidiano a la imaginería norteamericana.

Las imágenes, son las cosas que la mente ya conoce.

Más interesado en el arte procesual, en el proceso creador que en la obra en sí, Johns no se limita una sola técnica y lleva a cabo muchos de sus trabajos tanto con el grabado como con la serigrafía o la litografía, incorporando registros nuevos constantemente.

Ahora se aleja del Expresionismo Abstracto en el que empieza a crear, para acercarse al Pop, el Minimalismo o el Conceptual, del que muchos le consideran creador.

Comienza a incorporar diferentes objetos en sus cuadros, collages que los transforma en esculturas.

1960 en esta década colabora con otros muchos artistas de aquel momento, como Andy Warhol, Robert Morris o Bruce Naumann.

Le ayuda a dar un gran impulso a su carrera y a continuar su investigación y su aprendizaje en el mundo del arte, conociendo nuevos puntos de vista y haciendo nuevos trabajos, como las ilustraciones del libro del escritor Frank O’Hara, In Memory of My Feelings.

1964, Johns realiza uno de sus grabados más famoso, Ale Cans, dos latas de cerveza que anteriormente había recreado en una escultura: Bronze (1960).

Indaga las diferentes formas de ver un mismo objeto a través de diferentes disciplinas, ya sea grabado, escultura e incluso fotografía.

1970 Para algunos estudiosos del pintor, la década supone una nueva transición hacia un estilo más autobiográfico, bastante alejado de lo que son sus trabajos iniciales, homenajeando a Cézanne y a Picasso, y llenos de colores primarios como sus obras Scent (1973–74) y Weeping Women (1975), obras formadas por varios paneles a modo de trípticos.

Es una época en el que le obsesiona la repetición de imágenes en diferentes técnicas, siguiendo a su amigo John Cage que opina que si haces una cosa más de una vez puedes mejorar resultados.

Se trata de buscar las diferencias o semejanzas en el resultado final de las diferentes representaciones.

Tras la retrospectiva del Withney Museum of American Art de Nueva York, sus cuadros se convierten en protagonistas de varias exposiciones europeas, como la Bienal de Venecia de 1978 o la exposición sobre su obra gráfica del Kunstumuseum de Basilea, entre otros.

Vuelve a generar una nueva via en la manera de hacer arte, un nuevo ciclo dentro de su propia creación.

1987 es en la exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York, con la serie Las estaciones, (Seasons) en las que incluye la figura humana, tituladas Spring, Summer, Fall, y Winter.

Esta exposición es la anterior a la del Reina Sofía, que abarca 25 años de su carrera a través de 180 obras seleccionadas por Riva Castleman, directora del departamento de grabados y libros del Museo de Arte Moderno de Nueva York y que es una de las retrospectivas más importantes de las que se realizan sobre su obra.

Sus trabajos empiezan a subastarse a precios increíbles, convirtiéndose en el artista vivo más cotizado de esos momentos.

Pero él no deja nunca de crear, a pesar de todos los cambios experimentados en su carrera, y tampoco abandona nunca su amor por el gris, como se demuestra en las obras Bridge (1997), Catenary (I Call to the Grave) (1998) y Near the Lagoon (2003) , cuadros que cuelgan de unas cuerdas sobre una superficie absolutamente gris.

2011 su obra regresa de nuevo a España, gracias a una nueva exposición retrospectiva organizada por el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) que cuenta con una escultura creada por Johns en 2007 y que se muestra al público entonces, por primera vez.

Para ser un artista, hay que entregarlo todo, incluido el deseo de ser un buen artista

Esta frase refleja los cambios en la trayectoria artística de Johns; una persona inquieta que rompe con su propio estilo para dar lugar a otro.

Influye en generaciones posteriores, siendo además uno de los artistas cuyas obras han sido de las más cotizadas y han alcanzado precios elevados.

Aún hoy, a sus 91 años, es noticia en el mundo del arte.

 Su última exposición se puede ver en Nueva York, en el Museo de Arte Moderno (MoMA) este mismo año, con su última producción, Regrets, que incluye treinta obras entre pinturas, dibujos y grabados creados en el último año y medio, y en la que destaca la fotografía de Lucian Freud, tomada en 1964 y que Johns decide incluir ahora en una pintura.

Mi trabajo se basa sobre todo en la relación entre ver y conocer, ver y decir, ver y creer

https://vinilomusical.com/jasper-johns-y-el-pop-art/

Trianart

https://poramoralarte-exposito.blogspot.com/2018/05/jasper-johns_20.html

Jasper Johns, abanderado del Pop Art

https://en.wikipedia.org/wiki/Jasper_Johns

https://fahrenheitmagazine.com/arte/plasticas/jasper-johns-el-revolucionario-del-arte-en-estados-unidos#.YR42nY4zZPY

1955 nace el 21 de enero de 1955 y es quizás el artista mas cotizado en estos momentos.

2013, Balloon Dog (naranja) es vendida por 58,4 millones de dólares por

2019, Rabbit  es vendida por 91,1 millones de dólares . 

Aunque la crítica está dividida y unos ven su trabajo como pionero y de gran importancia histórico-artística y otros ningunean su trabajo como kitsch , grosero y comercial.

 Koons dice que no hay significados escondidos en sus piezas. 

Nace en York , Pennsylvania, de Henry y Gloria Koons.

Su padre es comerciante de muebles y decorador de interiores, y su madre costurera.

Con 9 años, su padre coloca estampas de pinturas de maestros antiguos que Koons copia y firma en el escaparate de su tienda en un intento de atraer visitantes.

En su infancia, va de puerta en puerta después del colegio vendiendo papel para envolver regalos y dulces para ganar algunas monedas. 

De adolescente, admira tanto a Dalí que lo visita en el hotel  St. Regis de Nueva York.

Por lo que estudia pintura en el Maryland Institute College of Art en Baltimore y en la School of the Art Institute of Chicago . 

  1970, mientras estudia en el Art Institute y conoce al artista Ed Paschke, que  es de gran influencia y para quien Koons trabaja como asistente.

Después de la universidad, se muda a Nueva York en 1977  y trabaja en el mostrador de membresía del  Museo de Arte Moderno mientras se establece como artista.

Ahora se tinta el pelo de rojo y lleva un bigote de lápiz, de Salvador Dalí. 

1980, obtiene la licencia para vender fondos y acciones y comienza a trabajar como corredor de materias primas en Wall Street en First Investors Corporation.

Después de un verano con sus padres en Saratosa después de haber fracasado en su primera exposicion, Florida, donde trabaja brevemente, regresa a Nueva York y encuentra una nueva carrera como corredor de materias primas, primero en Clayton Brokerage Company y luego en Smith Barney.

1980 se hace famoso como parte de una generación de artistas que exploran el concepto arte en una época saturada de informacion. 

 1980 consigue el reconocimiento y establece un estudio con 30 empleados fijos similar a la Factory de Warhol, en una fábrica en un loft del SoHo en la esquina de Houston Street y Broadway en Nueva York.

 La obra de Koons se produce mediante un método conocido como fabricación artística. 

1976 estudia pintura en el Instituto de Arte de Chicago y se licencia en Bellas Artes en el Maryland Institute College of Art (MICA).

No se sabe demasiado de los años anteriores a su traslado a Nueva York, en 1980, cuando realiza la instalación The New en el New Museum of Contemporary Art de Nueva York (en la que aparece una muestra de sus después conocidas aspiradoras, junto a otros utensilios domésticos), salvo sus primeras exposiciones de dibujos en la tienda de muebles de su padre en Pensilvania, donde nace (1955), su traslado a Chicago para proseguir sus estudios de arte y su amistad con algunos artistas de Nueva York, como David Salle y Julian Schnabel, gracias a los que conoce a la galerista Mary Boone.

1985 tiene su primera exposición individual, Equilibrium Tanks, en la International with Monument Gallery de Nueva York, y que sirve para que algunos críticos lo incluyan en el movimiento Neo-Geo (Neo-Geometric Conceptualism).

 Two Ball 50/50 Tank,  es una de las más célebres obras, consistente en balones de baloncesto suspendidos en agua destilada salina dentro de unas vitrinas.

1986, la serie de esculturas metálicas Luxury and Degradation se expone en la International with Monument Gallery de Nueva York y en la Daniel Weinberg Gallery de Los Ángeles.

Con ellas se introduce en el mundo del marketing y la publicidad, haciendo varios anuncios para algunas marcas de bebidas alcohólicas, y también unas pequeñas esculturas de acero inoxidable, a modo de recipientes para guardar las bebidas, por ejemplo Jim Beam—J. W. Turner Train, rellena de bourbon.

Statuary es lo siguiente, en la que juega con motivos clásicos, como el busto de Luis XIV, junto a otros muy modernos como su famoso Conejo o el busto de Bob Hope.

El arte deja el ámbito del artista y este pierde el control.

Estas piezas representan diferentes etapas del arte del oeste europeo y simbolizan diferentes aspectos tales como el poder, en el caso del rey Luis XIV, o de la fantasía, en el caso del conejo.

1988 da un cambio en la serie Banility, en la cual, el gusto por lo kitch queda claro tanto en los soportes (madera policromada, cristal, porcelana) como en los motivos, destaca Michael Jackson and Bubbles.

La calidad y honestidad de su trabajo, están en entredicho y sufre críticas de expertos.

Tachan sus creaciones de fraudes, y mucho más, después de su matrimonio con la actriz porno Ciciollina. 

1989 con ella protagoniza su serie Made in Heaven. 

Muestra sus piezas y a su mujer por media Europa, desde la XLIV Biennale de Venecia, a la Galerie Christophe Van de Weghe de Bruselas, pasando por Colonia, Budapest, Ámsterdam y Lausana.

Esta serie, confeccionada por todo tipo de materiales (plástico, cristal, óleos, fotografías, etc.), se caracteriza por la evidente muestra de posturas sexuales explícitas. 

Son años difíciles para Jeff Koons y para su prestigio como artista, sus trabajos se ponen en entredicho, sobre todo cuando se hace pública su separación y posterior lucha por la custodia de su hijo. 

1990-1992 se defiende y en estos años hace una de sus obras más conocidas Puppy, para exponerla en el exterior del castillo de Arolsen en Alemania, y que luego viaja hasta Sidney y París, para establecerse definitivamente en Bilbao, en el museo Guggenheim, con motivo de su inauguración en 1997.

 En ningún momento deja de perseguirle la polémica. Son muchas las demandas por derechos de autor a las que hace frente, no siempre con éxito, pero él sigue creando, sigue manteniendo su discurso: la exaltación de todo lo superfluo, la locura consumista que ensalza cualquier cosa que sea difundida por los medios.

Y de ellos se vale para lograr éxito y extender su trabajo, que utiliza cualquier objeto cotidiano sin valor y lo presenta de una forma cómica y satírica.

Hay muñecos hinchables, chicas pin-up, arte minimalista y pop.

Siglo XXI, crea obras de grandes dimensiones, e inicia también una serie de óleos con motivos de animales y otros objetos, Celebration, y otra posterior (2000) llamada Easyfun-Etherea.

Esta serie, creada para el Guggenheim de Berlín, está llena de motivos florales, comida, moda; un totum revolutum que busca el color y la diversión de quienes la contemplan, porque recuerdan los anuncios y vallas publicitarias tan cotidianas. Esta obra es identificada como kistch.

He trabajado con objetos que algunas veces han sido calificados de kitsch, pero nunca me  interesa en sí lo kitsch. Mis cuadros giran más en torno al espectador que a cualquier otra cosa.

Se convierte, en un artista imprescindibles del arte contemporáneo.

De la serie Celebration parten sus esculturas de grandes dimensiones en acero inoxicable: Balloon Dog, Hanging Heart o Balloon Flower.

Son sus famosos objetos-globo que buscan el reflejo de aquellas imágenes que los rodean. Pero estos motivos empiezan a extenderse en el tiempo.

Repite los motivos que triunfan en sus obras siguientes.

Los globos son imitados en Elephnat, y Split Rocker era otro Puppy floreado, creado para el Palacio de los papas de Aviñón, en donde se instala de forma permanente en 2000.

Siglo XXI, inicia una nueva etapa que le lleva a ser centro de los ambientes artísticos.

Su antigua serie Easyfun-Ethereal recorre el mundo: Aviñón, Nueva York, Berlín, Los Ángeles, Bilbao.

Su éxito regresa con más fuerza que nunca y sus obras se cotizan con precios altos.

Sigue siendo uno de los artistas vivos más cotizados; su obra Balloon dog (Orange) se vende, por 58 millones de dólares, eso sí, siempre envuelto en las críticas más feroces sobre su más que dudosa genialidad.

Pero a la Whitney Museum de Nueva York, que organiza una de las últimas retrospectivas del artista en junio de 2014, no le importan demasiado estas polémicas.

Siglo XXI, su obra y su figura obtienen reconocimientos económicos y también artísticos, como la Medalla Skowhegan de Escultura o el nombramiento Honoris Causa en Bellas Artes por el Corcoran College de Arte y Diseño de Washington, además de ser nombrado miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias de Nueva York.

2002-2008, son numerosos los museos que exponen sus obras y organizan exposiciones sobre su trabajo.

Como el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, el Guggenheim de Bilbao y el de Berlín o la Galeria Max Hetzler de la capital alemana.

2008, los jardines de Versalles se convierten en la sede de la primera retrospectiva europea de Koons, después de haber protagonizado dos existosas exposiciones en la Gagosian Gallery de Londres: Jeff Koons: Popeye y Jeff Koons: Hulk Elvis.

Esta es la tónica general de los últimos años: numerosas exposiciones, solo o en compañía de otros artistas, premios y reconocimientos, campañas publicitarias con su foto al lado de sus obras y obras suyas como parte de las colecciones permanentes de museos tales como el MoMA de Nueva York, la National Gallery de Washingtong, la Tate Gallery de Londres o el Tokyo Metropolitan Museum.

2014, cuando algunos artículos hablan de timo al contemplar sus excesivas esculturas, sus pornográficas fotografías o sus llamativas pinturas, cuando otros se preguntan cómo el mundo del arte pierde la cabeza por él, bate récords de visitas en el Centro Pompidou de París.

 Continúa creando, vendiendo lo que crea, produciendo en ese estilo suyo tan criticado por algunos y tan alabado por otros, colaborando con artistas como Lady Gaga para crear la portada de su tercer álbum y realizando la serie Antigüedad (Antiquity Series), una de sus últimas creaciones, formada por diversas reproducciones de estatuas griegas y romanas con su típico toque kitsch.

 2019, Koons tiene 1.500 m ²cerca de los antiguos patios ferroviarios de Hudson en Chelsea y emplea entre 90 a 120 asistentes para producir su trabajo. 

Ahora  disminuye el personal y cambia a formas de producción más automatizadas y se muda a un espacio de estudio mucho más pequeño. 

 Usa un sistema de colores por números, de modo que cada uno de sus asistentes pueda ejecutar sus lienzos y esculturas como si hubieran sido hechos con una sola mano.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/385-jeff-koons-biografia-obras-y-exposiciones

1954 nace en Oldenburg, Alemania.

Su trabajo incluye pintura, escultura, arquitectura, instalaciones y diseño. 1973-1981 estudia arte en Kunstakademie Düsseldorf.

Es discípulo de Fritz Schwegler y de Gerhard Richter.

Con Richter se matricula en sus clases porque se siente atraído por la ambigua relación de su mentor frente a la pintura y la abstracción.

Hereda de Richter su crítica por la pintura de vanguardia y de sus discípulos como Blinky Palermo y Daniel Buren, la convencionalidad.

1970-1980 en su obra se percibe la crisis de identidad de Alemania.

1970 realiza su primera exposición individual, iniciando una carrera meteórica.

1975 diseña, demostrando las posibilidades que esta disciplina aporta al arte y que desarrolla con sus frisos ornamentales y papeles pintados.

Schütte dice que no considera la decoración en un sentido negativo porque es uno de los terrenos más interesantes en los que se puede trabajar.

Expresa esta filosofía en piezas de 1980 como Guirnaldas, o una de 1990, Anillas.

1977 su obra Gran pared (Groβe Mauer) tiene más de 1.000 ladrillos, donde se observan pinturas abstractas en cada uno de ellos con formas arquitectónicas.

Aunque es considerado escultor, sus comienzos artísticos son pictóricos.

La arquitectura es otra de las pasiones del artista que se aprecian a través de maquetas de edificios, villas, miradores, tribunas para pájaros o espacios públicos.

Esta presentación precede a la de 1981, donde enseña una tumba que representa su muerte prematura.

1989 continua con un gran monumento sobre Alain Colas, quien se extravía en el mar. 1991 hace una cripta sobre el fantasma de Hitler.

Su obra expresa temas sociales, políticos o culturales a través de sus dibujos, grabados, fotografías y esculturas.

1980-1990 desarrolla la figuración, dándose a conocer por tres imágenes de aluminio antropomorfas de gran tamaño, que en 1996 se presentan como Grandes Fantasmas.

2012 se presenta la primera exposición dedicada al artista en Italia, en el Museo Castello di Rivoli.

Su creatividad se pone de manifiesto en la serie Frauen, con mujeres tendidas en una mesa en diferentes posturas, unas más definidas que otras.

Esta serie consta de 18 esculturas reproducidas en bronce, aluminio y acero, algunas de ellas en colores brillantes, expuestas junto a 100 acuarelas privadas.

En la entrada de acceso al castillo, el espectador es recibido por dos monumentales esculturas llamadas Enemigos Unidos, de cuatro metros de alto.

Las formas están relacionadas con personas de edad avanzada, rostros angustiados y la cuerda que los une, casi dibuja las figuras.

1992 sus piezas son irónicas y ambiguas, como Kirschensäule que es instalada en Kassel y Documenta 9 en este año.

Utiliza acuarelas, grabados y cerámicas para reflejar los elementos de la vida diaria, tanto políticos como culturales.

Durante los noventa se interesa por la herencia de la cultura romana, creando las enormes cabezas llamadas Asquerosos Dictadores, además de las imágenes Mujeres esculpidas en acero y otros materiales.

Con géneros tradicionales consigue resultados extraordinarios y modernos.

1998 sus muestras más destacadas son en Whitechapel Art Gallery en Londres y en 1998-1999 Dia Art Foundation en Nueva York.

Destacan también Documenta 8, 9 y 10. 2008 el 55º Carnegie International en Pittsburgh durante 2008.

2009 la Kunst Haus en Munich. 2010 y la exposición individual Retrospección en el Museo de Arte Reina Sofía, que representa treinta años de trabajo en un diálogo con el pasado, fuente de su inspiración.

2005 recibe el León de Oro en la Bienal de Venecia en 2005.

2012 en la Serpentine Gallery es el artista de mayor influencia Reúne pinturas, esculturas y también su serie Dibujo Espejo, con el mismo espíritu.

La obra central en esta exposición es El Padre Estado de 2011, ejecutada en acero con una figura autoritaria pero a la vez débil, demuestra su interés por lo épico y por el estudio de la fragilidad.

Thomas Schutte en la actualidad reside y trabaja en Düsseldorf. No deja de sorprender, sus piezas son de temática variada y también de soportes muy distintos.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/302-thomas-shuette-biografia-obras-y-exposiciones

https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/thomas-schutte-retrospeccion

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://www.modernamuseet.se/stockholm/en/exhibitions/thomas-schutte/&prev=search&pto=aue

https://en.wikipedia.org/wiki/Thomas_Sch%C3%BCtte

https://madridafondo.blogspot.com/2017/06/cabezas-de-los-duendes-de-thomas.html

http://gerrypinturavisual.blogspot.com/2011/06/figuras-del-silencio.html

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/8-arte/347-thomas-schuette

1962 nace en Colorado pero vive y trabaja en NY.

Es conocido por pinturas figurativas satíricas que tratan temas sexuales y sociales provocativos. 

Tiene influencias en su obra infinidad de pintores, de fuentes tan diferentes como el Renacimiento, revistas de cultura popular o modelos de moda contemporáneos. 

Distorsiona y exagera las formas eróticas del cuerpo femenino, y subraya que sus personajes son reflejos de sí mismo más que inspirados por personas reales. 

Nace en Boulder, Colorado, y crece en Connecticut, hijo de un profesor de física y una profesora de piano de Oklahoma. 

En Connecticut, cuando es adolescente, estudia pintura en una clase particular con con Lev Meshberg, artista ruso de renombre y formación tradicional de Odessa , Ucrania.

 1984 logra un BFA de la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburg.

1986 recibe un MFA de Yale.

1989 en White Columns en la ciudad de Nueva York, expone una serie de retratos de chicas jóvenes derivados de las fotografías en un anuario de la escuela secundaria, e inicia sus esfuerzos para destilar el arte de temas tradicionalmente Clichés.

1990 en esta década, cuando están de moda las obras de arte de tema político, utiliza representaciones audaces de mujeres jóvenes tetonas, hombres con bigotes y divorciados asexuales, lo que lo distingue del resto.

 Usa revistas como Cosmopolitan junto con viejos números de Playboy como inspiración para sus pinturas.

1992, Currin cambia a la Galería Andrea Rosen, centrándose en las mujeres acomodadas de mediana edad. 

No obstante, a finales de la década de 1990, la capacidad de Currin para pintar temas Kitsch con facilidad técnica obtiene un éxito crítico y financiero.

2003 sus pinturas se venden caras después de mudarse a la Gagosian Gallery en Chelsea. 

Ahora realiza pinturas de temas pornográficos. 

Uno de mis motivos es ver si puedo hacer que este tema claramente degradado y feo se vuelva hermoso en una pintura 

Tiene exposiciones retrospectivas en el Whitney Museum of American Art y el Museum of Comtemporary Art de Chicago  y está representado en las colecciones permanentes del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden y la Tate Gallery. 

 2004 la retrospectiva Whitney de Currin muestra el desarrollo de su carrera a través de más de 40 años.

1994, Currin conoce a la escultora Rachel Feinstein en una galería, en la que vive en una casa de pan de jengibre hecha por ella.

Se comprometen dos semanas después en el show de Currin en París y se casan tres años después el día de San Valentín. Tienen dos hijos y una hija. 

 Es descrita como su musa, que él dice que es un poco cursi.

 Cuando conocí a Rachel, sentí que podía conectarme con algunos principios que movieron mi arte, que tenía algo de libertad de las cosas insignificantes de mi propia personalidad.

Feinstein aparece en muchas de las pinturas de Currin.

2002 Feinstein y Currin publican un libro de 24 páginas de sus obras en el Hydra Workshop en Hydra, Grecia que titula The Honeymooners, John Currin y Rachel Feinstein .

2011, el New York Timeslos describe como la pareja de poder gobernante en el mundo del arte actual.

2011, Currin describe su relación con su trabajo como una atmósfera ambigua sexualmente hablando.

Escudriña y emula pinturas del norte de Europa del siglo XVI.

Su inspiración proviene de los retratos y pin-ups de viejos maestros, ninfas y prototipos femeninos etéreos, así como de su musa y esposa, Feinstein.

Sus pinturas mantienen conversaciones entre lo grotesco y lo bello, y se inspiran en artistas clásicos como Fragonard y Bouchard hasta Rockwell y Crumb.

Bea Arthur Naked, se vende en Christie´s el 15 de mayo de 2013 por 1.900.000 dólares  

Currin cita la pornografía danesa sacada de Internet como material fuente de su trabajo. 

Usa imágenes específicas publicadas por Color Climax Corporation como fuentes de las pinturas más pornográficas.

John Currin’s “My Life as a Man”

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://en.wikipedia.org/wiki/John_Currin&prev=search&pto=aue

https://es.newmediator.org/1136-john-currin-1962-pop-surrealism-painter.html

Trianart

http://musefirenze.it/mostre/john-currin-paintings/

Sus pinturas son inquietantes y espectrales.

Destaca el cuerpo, pero sobre todo el ser.

En el ciclo de la vida manifiesta sus ideas sobre lo social, sexual o racial.

Muestra de forma inquietante apariencias inacabadas

Hay gran variedad entre albinos africanos, actores porno etc, individuos reventados a palizas y mujeres víctimas de violaciones. 

Esta también la propia hija de Dumas, su madre, su abuela, Marilyn Monroe, Romy Schneider,  Ingrid Bergman, Kate Moss, Naomi Campbell y  Amy Winehouse.

 1953, nace en Ciudad del Cabo, es una artista visual residente en Ámsterdam.

Pasa por la pintura, el collage, la estampación o la instalación, pero actualmente su obra es óleo o tinta basada en rostros o cuerpos femeninos.

El dibujo en su obra es principal, y el color secundario para llegar a la línea o mancha, diluida en una textura sugerente.

Distorsiona la representación del cuerpo o el rostro para transmitir un aspecto  mas emocional que anatómico o descriptivo.

La pincelada o la línea actúan como trazo, y deviene una expresividad plástica proxima a la abstracción, que va más allá de la figura que exibe.

El dibujo del cuerpo y el rostro humano en la obra de Marlene Dumas no es un retrato de la persona que los ha inspirado, sino que se centra en el sujeto, y en otros aspectos de su entorno.

No explica al individuo sino una emoción, una sensación, una actitud.

Entre lo que esconden y lo que muestran sus personajes, se leen patrones de emociones universales.

De sus temas y dibujos se derivan cuestiones humanas como la raza, el sexo, la identidad, la familia o la muerte, tratadas con delicadeza simple y evocadora que transmite al espectador.

Basa su trabajo en fotografías, obras de arte tradicionales, recortes de prensa, personajes públicos de la cultura pop y recuerdos personales, de manera particular y nunca explícita.

Su discurso tiene conexión con el Expresionismo o el Pop a la vez que transgrede la tradición.

Marlene Dumas es una artista sudafricana, nacida en Ciudad del Cabo en 1953. Durante su infancia reside en Kuilsrivier, Sudáfrica, donde habla su lengua materna Afrikáans.

Se licencia en Artes Visuales en la Universidad de Ciudad del Cabo en 1975.

Recibe una beca de dos años y se traslada a vivir a los Países Bajos, convirtiéndose el arte en su forma de expresión.

1976-1978, da clases en Ateliers ‘63, Haarlem y en otros institutos holandeses.

Representar escenas o figuras a partir de archivos de fotografías propias, periódicos y revistas.

Sus obras, donde hay una critica política o a la identidad, son retratos intimos, en formatos pequeños, que despojan los personajes de su entorno.

Sus piezas provocan desasosiego

Dibuja con insistencia y ambigüedad rostros de niños y adultos vivos, pero también muertos.

2007-2009 las piezas de 30 años, se presentan en una retrospectiva llamada Relaciones Íntimas. 

Se presenta en Japón y por primera vez en Sudáfrica, termina en Nueva York, Los Ángeles y Houston.

1998 recibe el Premio Sandberg, junto con el Premio de Arte Contemporáneo Coutts y el Príncipe Bernhard.

2010 la Universidad de Rhodes Grahamstown, Sudáfrica, le otorga el honoris causa de Humanidades.

2011 recibe el Premio Rolf Choque.

Sus creaciones forman parte de las colecciones de instituciones y museos internacionales, como el Pompidou en París o la Tate Gallery, algunas de las cuales conservan sus piezas.

1978 comienza a exponer en el Museo Stedelijk, Ámsterdam.

1982 continua en Basilea con Documenta7.

1983 es su primera individual

1984 expone en el Central Museum de Utrecht. 

Presenta su serie con collages, obras y textos de su autoría titulada Ons Tierra Licht Lager dan de Zee,

1985 cuando expone sus pinturas Ojos de las criaturas de la noche. 

Habla de sus piezas en Dulce Nada con nombres sorprendentes, textos y comentarios.

1987 expone en la colectiva Arte de Europa en la Tate Gallery, en Londres.

1989 su obra se conoce en Europa y América con su muestra La pregunta de Pink Humano,

1992 participa en Documenta 9.

1993 con artistas contemporáneos como Gerhard Richter forma parte de Der Spiegel zerbrochene , y expone en Londres en la conocida Galería Frith Street con Thomas Schütte y Juan Muñoz.

1995 representa a Holanda en la Bienal de Venecia  junto a María Roossen y Marijke van Warmerdam.

Participa en exhibiciones pictóricas colectivas relevantes en África y otros países, con Pintura en el borde del mundo en 2001 y La pintura de la vida moderna en 2007.

En los últimos años expone en Chicago, Venecia, Tokio, París o Nueva York etc.

Se define como coleccionista de imágenes. 

Muestras como Models en Salzburgo y Suspect en Venecia, presentan imágenes de publicidad, modelos, cadáveres y objetos que se transforman en espectáculo.

Agrupadas en categorías sus obras son naturalezas artificiales, parodias, deconstrucciones o comentarios, que se dibujan y pintan en acuarela o gouache.

2011 una de sus piezas es vendida por 2 millones de dólares, titulada My mother before she became my mother.

Vive en Ámsterdam, Países Bajos, donde continúa su labor artística. 

2014 expone bajo el título The Image as Burden en el Museum Stedelijk de Ámsterdam.

Marlene Dumas

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/304-marlene-dumas-biografia-obras-y-exposiciones

https://elpais.com/cultura/2014/11/19/babelia/1416400190_201073.html

http://arts.recursos.uoc.edu/referents-dibuix/es/marlene-dumas/

http://www.marlenedumas.nl/

http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/marlene-dumas-image-burden

http://www.tate.org.uk/art/artists/marlene-dumas-2407

https://es.wikipedia.org/wiki/Marlene_Dumas

https://www.artsy.net/artist/marlene-dumas

https://elpais.com/cultura/2014/11/19/babelia/1416400190_201073.html

Marlene Dumas

Es uno de 6 los artistas japoneses de mayor proyección en el panorama artístico internacional.

Yo quería tener éxito comercial. Solo quería ganarme la vida en el mundo del «entretenimiento» y tenía muy clara la estrategia sobre qué tipo de pinturas debía hacer a tal fin, pero desde entonces mi motivación ha cambiado.

 Es conocido como el Andy Warhol japonés porque ambos consiguen convertir el arte en mercancía y atraer a la cultura de masas, hecho que le ha valido que algunos vean en su arte un simple negocio.

Y es que Murakami interrelaciona el arte elevado y la cultura popular y defiende que el arte es parte de la economía.

Los japoneses aceptan que se mezclen arte y comercio; de hecho, se sorprenden de la rígida y pretenciosa jerarquía del gran arte que se hace en Occidente.

No pienso en ello como sentarse.

Pienso en ello como un cambio de línea. De lo qué he estado hablando durante años es como en Japón, esa línea es menos definida.

Tanto por la cultura como por la situación económica de la posguerra. Los japoneses aceptan la mezcla entre arte y comercio y, de hecho, están sorprendidos por la jerarquía rígida y pretenciosa occidental del arte ‘alto’.

En Oriente, seguramente es peligroso mezclar los dos porque la gente lanzará todos los tipos de piedras. Pero está bien, estoy listo con mi casco protector.

Murakami colabora con una amplia gama de creadores e industrias en Japón, un ejemplo prominente son los personajes creados para la campaña de relaciones de prensa del inmobiliario urbano Roppongi Hills.​

2009, el productor de música Pharrell Williams muestra una escultura colaborativa con Murakami en Art Basel, acerca de ella Williams declara que ilustra la metáfora del valor.​

2014, con Pharrell y kz de livetune, Murakami crea un vídeo musical para el remix de la canción de Hatsune Miku la canción Last Night, Good Night.

El equipo es montado por el canal de YouTube The Creators Project, encabezado por Vice e Intel.

2003, Art News muestra el trabajo de Murakami como uno de los más deseados del mundo. 

2002 Hiropon, una escultura satírica de tamaño natural de un carácter anime con pechos gigantescos lactando, fue vendido por 427,500 dólares en la casa de subasta Christie´s.

2004 una segunda escultura, Miss Ko2, es vendida por 567,500 dólares.

2008 su trabajo aumenta, My Lonesome Cowboy (1998), una escultura inspirada en anime, de un muchacho que se masturba, es vendida en 13.5 millones de dólares en Sotheby´s.

2007-2009, la primera exposición retrospectiva de Murakami ©Murakami viaja de Museum of Contemporary Art, Los Ángeles, Estados Unidos, al Brooklyn Museum of Art en Nueva York, Estados Unidos, el Museo für Moderne Kunst en Fráncfort, Alemania, y finalmente al Museo Guggenheim Bilbao, España.

La exposición capta la atención, entre otras cosas, por incluir una pequeña tienda de moda Louis Vuitton totalmente en movimiento.

2008, Murakami es incluido en el conteo Las 100 Personas más influyentes de la revista Time, siendo el único artista visual.

2010, Murakami  apoya CHAOS*LOUNGE (ja:カオス*ラウンジ)​ un grupo de arte moderno en Japón.​

2010, septiembre, es el tercer artista contemporáneo, y el primer japonés, en exponer sus trabajos en el Palacio de Versalles en Francia.

Llena 15 espacios y el parque con sus esculturas, pinturas, una alfombra decorativa, y lámparas.

2012, Murakami abre una exposición en Doha, Qatar, Murakami-ego que muestra 60 trabajos anteriores junto a nuevos diseños.

Entre los nuevos, una pintura de pared de 100 metros de largo que representa el sufrimiento de los japoneses después del desastre nuclear de Fukushima.​

2013, en marzo, livetune libera un PV, dirigido por Murakami, para un disco nuevo que incluye a  Hatsume Miku.

2013, en abril, estrena su primera película en Japón.

Jellyfish Eyes (originalmente llamada Me me me no kurage​) es una película de acción con personajes diseñados por Murakami llamados FRIEND.​

Su obra abarca una amplia gama de medios y generalmente es descrita como el Superflat

Su trabajo destaca por su empleo del color, incorporación de adornos de la cultura japonesa tradicional y popular, superficies planas/brillantes y un contenido que podría ser descrito como «lindo», «psicodélico» o «satírico».

Entre sus adornos más famosos están flores riendo, setas, cráneos, iconografía budista, y los complejos sexuales de la cultura otaku.

Además de pinturas grandes, como 727 ( en la colección permanente en el MOMA), y Tan Tan Bo Puking – a.k.a. Gero Tan, también tiene esculturas, globos, instalaciones con tapices, trabajos animados, carteles etc.​

2011, el 21 de junio, Google publica un doodle llamado First Day of Summer creado por Murakami.

Es acompañado por un doodle de Solsticio de invierno para el Hemisferio austral.

2019-2020, colabora con el cantante colombiano J Balvin para el estilo artístico y los videoclips de su álbum Colores, el cual usa las icónicas flores de Murakami, además de la colección de ropa de la marca Guess.

Murakami incorpora sus operaciones como Kaikai Kiki la Compañía, Ltd. en Japón (2001), Kaikai Kiki Nueva York, LLC en Nueva York (2001) y Kaikai Kiki LA, LLC en Los Ángeles (2010).

Kaikai Kiki consiste en oficinas y estudios de producción.

Además del manejo de producción y promoción del material gráfico de Murakami, la empresa maneja las carreras de jóvenes artistas, organiza proyectos internacionales de arte, produce y promueve mercancía, maneja la organización y la operación de la feria GEISAI.

Habiendo ganado el éxito y el reconocimiento internacional, Murakami se dedica a nutrir y apoyar las carreras de una generación joven de artistas japoneses ofreciendo apoyo logístico y consejos de carrera prácticos.

 Murakami, también, procura construir un mercado original y sostenible de arte a Japón.​

2008, Kaikai Kiki convierte el sótano bajo su oficina en Tokio en una galería de arte. 

Kaikai Kiki Gallery hace exposiciones no sólo para artistas bajo la dirección de Kaikai Kiki, sino también nombres internacionalmente conocidos como Mark Grotjahn y Friedrich Kunath.

Todas las exposiciones son propuestas por Murakami.

2010 abre una segunda Galería llamada Hidari Zíngaro,  se  amplia para incluir cuatro posiciones separadas dentro de Nakano Broadway en Nakano, Tokio.​

2002, Murakami organiza una feria de arte llamada GEISAI.

GEISAI es llevada a cabo dos veces al año, actualmente una vez en Tokio y una en Taipéi, también ha sido hecha en Miami.

Más que dar espacio a galerías protegidas, GEISAI permite a artistas crear sus propias cabinas y actuar directamente con compradores potenciales.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/388-takashi-murakami-biografia-obras-y-exposiciones

Takashi Murakami, el artista detrás del álbum de J Balvin

Cuenta con 67 exposiciones individuales y 183 colectivas.

Vive y trabaja en NY. Pintora, dibujante y fotógrafa reconocida por sus retratos , que son resultado de sesiones con modelos vivos, suelen derivar de fotografías, cuyas fuentes pueden ser imágenes de revistas gráficas de actores conocidos, músicos o personajes de la realeza, así como fotografías históricas de escritores o artistas; pero también de fotografías que ella misma toma de sus amigos íntimos.

Crece en Dannbury, Coneticut. 1984-1987, a los 19, se va a vivir a NY, donde estudia en la Escuela de Artes Visuales, graduándose de Bachelor of Fine Arts (BFA).

Su carrera artística despega a partir de su tercera exposición individual Room 828, en el Hotel Chelsea, de Nueva York, en el año de 1993, dedicándose, desde entonces, a la actividad artística.

1991 se casa con el artista Rirkrit Tiravanija y se separan a finales de los años 90, y se divorcian en el 2004.

Las pinturas al óleo y los minuciosos dibujos a lápices de colores de las figuras idealizadas de amigos, personajes históricos y celebridades remiten a la estética de las fotografías de moda.

Pero la composición de los cuadros y el énfasis en la psicología de los modelos muestran una clara influencia de retratistas como Anthon van Dick, Diego Velazquez, Francisco Goya, Edouard Manet, John Singer Sargent, Andy Warhol, David Hockney y Alex Katz. Pinta personajes de las novelas de Gustave Flaubert y Stendhal.

A figuras de la política y la realeza, como Napoleón, Maria Antonieta, Luis II de Baviera, Lady Di, Al Gore y Michelle Obama. A escritores como óscar Wilde, músicos populares, como Elvis Presley, John Lennon, Kurt Kobain y Peter Doherty.

Actores como Leonardo di Caprio y Chloe Sevigny. Artistas plásticos como Eugene Delacroix, Georgia O’Keeffe, Frida Kahlo, David Hockney y Matthew Barney Y amistades desconocidas, como Tony, Craig, Ben, Nick y Spencer.

No hace distinciones entre celebridades y personajes anónimos Las obras se caracterizan por un trabajo detallado en las facciones y labios rojos.

1990, la actitud de los modelos es introspectiva; ya no posan en actitud romántica ni tienen un aire de dandy del siglo XIX; ahora Peyton muestra su psique, a través de la composición y el uso de los colores. 2001, se traslada de Manhattan hacia North Fork, Long Island, Nueva York, e incorpora a sus cuadros los colores y la luz de la costa de la punta norte, de la isla neoyorkina.

Emplea más la pintura basada en modelos y paisajes en vivo, en lugar de recurrir a fotografías, portadas de revistas y recortes de periódicos.

2004, con el alquiler temporal de un estudio en Manhattan, comienza a pintar escenas de la vida y de sus propias fotografías, sin dejar de lado los dibujos de fuentes literarias (libros y revistas); en estas obras los colores son más ligeros, aclarados por la luz natural, y las poses de sus modelos se tornan menos rígidas y más relajadas. Un claro ejemplo es Anette.

La artista combina las pinturas dibujadas al natural con las escenas extraídas de fotografías de filmaciones y de fotogramas de películas, como Jeanne Moreau and François Truffaut, Georgia O’Keeffe, Susan Sontag.

Mientras que algunas de sus obras toman a los protagonistas de fotografías de revistas y de las cubiertas de los discos, y concentran su mirada en jóvenes ociosos, en los últimos años se ha decantado por pintar y dibujar escenas de la vida o de las fotografías, con un efecto global más vulnerable.

Destacan los retratos de Jonathan (Jonathan Horowitz), Matthew, John Giorno, Liz and Diana (Liz and Diana Welch), Angus and Jonathan (Angus Cook and Jonathan Caplan y Nick and Pati (Nick Mauss and Pati Hertling).

Años después explora los tradicionales bodegones, aunque con un elemento de retratos. Destacan obras como Pati (2007), Flowers and Diaghilev (2008), Cat (Cat Still Life) (2009), Flowers. Lichtenstein, Parsifal (2009), Flowers and Books Camille Claudel y Acteón, Justin Bieber, and Grey Roses (2011). Estas obras muestran la imagen del retratado oculta entre la naturaleza y una amplia gama de objetos estáticos, que reflejan su personalidad y estado ánimo.

2012, continúa pintando retratos con un fuerte elemento de naturaleza muerta, como muestra en la exposición Jonathan Horowitz-Elizabeth Peyton. Secret Life, en la galería Sadie Coles HQ, en Londres Inglaterra (del 7 de junio al 25 de agosto de 2012), en la que Horowitz y Peyton fuisionan varias técnicas plásticas para explorar la relación entre las plantas y la psicología humana.

2013, presenta dos exposiciones individuales en los Estados Unidos Klara: 13 Pictures, en la Michael Werner Gallery, Nueva York; serie de trece retratos de su amiga, la también artista Klara Liden; y una exposición en la galería Gavin Brown’s enterprise, Nueva York); y una en Alemania Here She Comes Now, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden).

2014, Elizabeth Peyton: Da scheinest Du, o lieblichster der Sterne, Neugerriemschneider, Berlín, Alemania; y Street posters in the centre of Arles, Fondation Vincent Van Gogh, Arlés, Francia.

Las últimas obras de Elizabeth Peyton se caracterizan por un tratamiento más abstracto en sus retratos, y colores opacos.

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/295-elizabeth-peyton-biografia-obras-y-exposiciones

Es uno de los artistas experimentales del siglo XX.

Su Realismo Capitalista es un antiestilo que se alimenta de publicidad.

1960 inicia una etapa de creación que critica a la sociedad de consumo.

Genera ironía frente a la manipulación de los media.

1970 se fascina por viajes, drogas y vida en comuna.

1980 es  más experimental.

No solo cultiva una pintura impactante, el dibujo, la fotografía, el cine y la escultura sino que también hace cuadernos a modo de diarios, proyecciones de diapositivas y fotocopias.

Los dibujos son las cosas que hago por mí mismo, los hago en cuadernos de dibujo.

Son experimentos mentales, pensamientos internos privados cuando no estoy seguro de lo que va a salir.

Utiliza todo tipo de materiales en sus soportes como el polvo de meteoritos, oro, plástico de burbujas, baba caracol, patatas, hollín e incluso el uranio. 

Es difícil de categorizar su obra con este despliegue de materiales y soportes.

Tras la rebeldía hay una inteligencia que se abandona al azar poniendo de manifiesto un profundo escepticismo hacia la autoridad.

La doble lectura de este caos, su actitud y su creatividad, se entiende mejor si se conoce la biografía del artista.

 Éramos muy pobres y mi familia lo perdió todo durante la guerra; nuestro hogar y nuestra identidad.

Pero yo soy un creyente en la suerte y en las condiciones sociales que se nace que puede brindar la oportunidad para probar su suerte. Y supongo que he tenido suerte

1945, en la Segunda Guerra Mundial, su familia huye de Silesia (en la actual Polonia) que pronto es ocupada por los soviéticos  a Alemania Oriental.

 1953 vuelven a huir a la Alemania Occidental.

Algunas de las obras que  confecciona, refleja el cómo se opone a la tendencia de una generación que quiere ignorar el pasado nazi.

Por ello, no es raro encontrar en las obras de Polke el uso de diversos materiales en un mismo lienzo.

Un lienzo que puede contener varias capas empleando pintura, pigmentos, transparencias y lacas en una misma obra.

Así hace pinturas tan singulares que pueden parecer anárquico, un momento singular en el que nada parece tener sentido y pero todo es coherente.

Además de ser uno de los artistas más cotizados de la actualidad, representa la imagen del creador versátil e inconformista.

La obra de Polke recorre todos los estilos que están presentes en el arte actual.

Desde el realismo, hasta al pop art; desde el movimiento povera, hasta piezas en cuya creación interviene el azar.

https://elpais.com/cultura/2019/09/26/babelia/1569504126_166898.html

Retrospectiva de Sigmar Polke en el MoMA

RETROSPECTIVA DE SIGMAR POLKE EN LA TATE MODERN

La revolución visual de Sigmar Polke

https://museoamparo.com/exposiciones/pieza/1964/so-lacherlich-einfache-wortlein-auszudr-cken-wie-beispielsweise-immer-oder-nie-oder-leider-oder-ach

https://www.elmundo.es/elmundo/2010/06/11/cultura/1276272573.html

Toda la obra de Sigmar Polke, el creador del pop alemán, este verano en Berlín

SIGMAR POLKE. ECLECTICISMO Y EXPERIMENTACIÓN, EN EL MoMA

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/41543-sigmar-polke-biografia-obras-exposiciones

https://exit-express.com/sigmar-polke-en-le-bal/

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Sigmar Polke, alquimia y ansiedad

1929 Yayoi Kusama en Matsumoto, Japón.

Con 10 años empieza a pintar para expresar alucinaciones y escapar a la dinámica familiar marcada por el maltrato y el abandono.

Estudia en la Escuela de Arte y Artesanías de Kyoto, Nihonga, un estilo formal tradicional de pintura japonés.

1958 se va  a Nueva York, inspirada por el surgimiento del expresionismo abstracto y una carta de Georgia O’Keeffe.

Hasta 1973 trabaja en su serie de Redes infinitas, pinturas, esculturas blandas, collages, filmes, e instalaciones que figuraban motivos repetitivos y aludían a sus alucinaciones.

 1960, organiza happenings a través de la Ciudad de Nueva York, uno de las cuales incluye su pintura de lunares en participantes desnudos.

1973 vuelve al Japón.

1977 se muda a un hospital psiquiátrico, donde vive ahora después de más de 40 años.

Después de sumergirse en el mundo de la poesía y las historietas, vuelve a crear arte que figura los lunares icónicos de las visiones de su niñez.

 Esta vez esparce los lunares, que para ella representan la luna y el sol, movimiento, y un sendero a la infinidad, en un salón de espejos.

1993, representa a Japón en la Biennale di Venezia,

2017, abre el Museo Yayoi Kusama en Tokio, de mas de 5 plantas dedicado a su obra.

En su obra explora la enfermedad mental, la repetición, obsesión, creación, destrucción, el sexo y el feminismo a través de sus pinturas, esculturas, collages, dibujos, filmes, poesía y obras de arte de moda y de performance.

Recibe numerosos premios y su trabajo se ha presentado en muchas exposiciones itinerantes y retrospectivas

https://www.traveler.es/viajes-urbanos/articulos/exposicion-yayoi-kusama-infinity-rooms-habitaciones-espejos-tate-modern-londres/19438

Yayoi Kusama. Infinity Mirrors

Infinity Net: The Autobiography of Yayoi Kusama

Yayoi Kusama. Revised And Expanded Edition

Women In Art. 50 Fearless Creatives Who Inspired the World

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/41530-yayoi-kusama-biografia-obra-y-exposiciones

https://es.wikipedia.org/wiki/Yayoi_Kusamahttps://www.lavanguardia.com/magazine/personalidades/20210124/6190172/yayoi-kusama-artista-favorita-mundo.html

No pinto porque el lienzo esté vacío.

 Comienzo a pintar porque he tenido una experiencia muy fuerte. 

Cuando estoy abrumado por algo que me mueve, algo que es más grande que yo. 

Puede ser una experiencia real con una persona, un paisaje, una pieza musical o un poema. 

Si realmente estoy sorprendido por algo, tengo que actuar en consecuencia porque me sobrepasa.

Los críticos siempre dicen que mi objetivo es abrumar, pero en realidad, yo soy el que está abrumado. 

Eso es lo que sucede cuando creo.

Si no te sientes abrumado, ¿por qué estás vivo? De lo contrario, no hay ninguna razón para estar aqui

1945 nace al término de la II Guerra Mundial, en una Alemania abatida.

Crece en una Alemania dividida, que lucha por renacer.

 Abandona Derecho para estudiar en la Academia de Arte de Friburgo primero y en la de Karlsruhe, después.

Esto afecta su sensibilidad, manera de pensar y de crear, como la influencia de Joseph Beuys, profesor suyo en Duseldorf, entre 1970-1972.

Esto hace que se le conozca como uno de los artistas más provocadores del momento.

Sus primeros obras son libros de fotografías realizadas en su estudio, vestido con el uniforme del III Reich con el saludo nazi. 

A Genet es uno de estos libros.

 1970 Alemania trata de alcanzar el milagro económico y enterrar la vergüenza del nazismo.

El publico percibe esto como provocación o nostalgia de tiempos pasados, otros ven un intento por exponer la propia historia, por hacerle frente.

Hasta 1980, sus obras apenas son conocidas fuera de Alemania.

1980 es en la Bienal de Venecia, cuando su trabajo alcanza proyección internacional.

Sus obras Parsifal y Los héroes espirituales de Alemania desatan la polémica más allá de su país.

Está convencido de que la memoria es lo único que nos permite afrontar los traumas de nuestra historia y por ello comparte con el poeta Paul Celan un sentimiento de melancolía que le lleva a pintar el cuadro Margeritte (1981), influenciado por sus poemas.

El pintor está obsesionado por indagar en la historia y la mitología alemanas, aunque interesándose también por la Biblia o la Cábala.

Influido por Beuys, el arte se convierte en vehículo de regeneración, en elemento salvador.

Dentro del  neoexpresionismo alemán, su pintura se llena de símbolos, mitológicos y religiosos, una teatralidad que preside todas sus obras, una superposición de capas, una mezcla de materiales, una fusión de pintura, escultura o fotografía que crea un pequeño escenario en donde materializar sus inquietudes filosóficas, históricas o religiosas, como en El ángel caído o El orden de los ángeles.

Mi espiritualidad no es de la New Age.

 Ha estado conmigo desde que era un niño (…) Sé que en las últimas décadas, la religión se ha hecho brillante y nueva. Es como crear un negocio de un nuevo producto. Están vendiendo la salvación. No estoy interesado en ser salvado.

Estoy interesado en la reconstrucción de símbolos. Se trata de conectar con un conocimiento mayor y tratar de descubrir las continuidades que buscamos en el cielo

 

1993-2009, reside en Barjac, Francia, donde crea un laboratorio en el que experimentar con distintos materiales y técnicas.

Sus obras, en lo que se ha calificado de arte matérico, son tan impactantes para la vista como para el tacto.

La fuerza de sus pinceladas o la gama de colores prácticamente monocroma se alían con materiales tan dispares como el plomo, la paja, el barro o las plantas.

Y la ceniza, símbolo de la regeneración.

 También es ahora cuando se abre al mundo con temas más universales pero sin abandonar nunca sus antiguas obsesiones.

1990, las obras de Kiefer viajan por todo el mundo, expuestas en los más importantes museos y como parte de importantes colecciones, tanto públicas como privadas. Creando a golpe de shock que, según dice, es lo único que le permite empezar una obra.

1985 en España, su primera exposición individual es en el Centro de Arte Reina Sofía, bajo el título El viento, el tiempo, el silencio, en la que destacan sus construcciones en ladrillo, referencia a su atracción por la antigua Mesopotamia, junto a una importante selección de libros.

A partir de entonces, sus obras vuelven a España en diferentes ocasiones.

2007, el Guggenheim de Bilbao celebraba su décimo aniversario con una muestra del trabajo de sus últimos diez años, contando con los fondos del propio museo, con obras que muestran sus referencias históricas, culturales y geográficas, así como sus inspiraciones literarias y poéticas. Todo siguiendo un orden adecuado:

Mis obras son muy frágiles y no tan sólo en el sentido literal. Si las colocas juntas en las circunstancias equivocadas, pueden perder completamente su poder

2011, en el  Teatro Real de Madrid hace la escenografía que realiza, en el 2003, para la ópera Elektra, de Richard Strauss:

Es un gran desafío. Pero yo soy pintor, no escenógrafo. La música me inspira mucho, como la poesía.

2013 La Coruña  acoge sus obras en el MAC, con la proyección de dos películas sobre él: Over Your Cities Grass will Grow (2010), y Anselm Kiefer (1998).

Convencido de que el arte se ha vuelto un refugio para inversores y especuladores, Anselm Kiefer prohíbe a sus galeristas exponer sus obras en las ferias el lugar más horrible del mundo y les pide que solo vendan a museos donde todo el mundo puede ver ahí el arte.

 Él, en su taller de Bajarc, se siente al margen de todo este mundillo:

Trabajo en niveles diferentes, mucha gente no ve lo que hago. Quizá no lo entiende. Pero me da igual, ya lo verán en otro momento.

2014 la exposición en la Royal Academy de Londres abarca 40 años de obra y vida.

https://es.wikipedia.org/wiki/Anselm_Kiefer

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/287-anselm-kiefer-biografia-obras-y-exposiciones

Trianart

https://www.museobilbao.com/exposiciones/anselm-kiefer-182

https://www.guggenheim-bilbao.eus/la-coleccion/artistas/anselm-kiefer

https://revistaestilo.org/2020/11/04/anselm-kiefer/