Rina Lazo Wasem y el monopolio masculino de la pintura mural

Es la primera mujer muralista en el Palacio de Bellas Artes con Xibalbá, el inframundo de los mayas, obra cumbre de la artista guatemalteca, está hasta el 24 de julio.

La artista guatemalteca Rina Lazo termina su mural Xibalbá, el inframundo de los mayas el 30 de octubre de 2019.

Cumple 96 años y en una reunión con familiares y amigos anuncia el final de una obra que le lleva 10 años.

Dos días después, el 1 de noviembre, Lazo fallece en su casa de Coyoacán, Ciudad de México.

Nunca contempla esta pieza porque cuando termina, los andamios que requiere para pintar la parte superior, cubren más de la mitad del mural.

Esta pieza es un hito del arte mexicano, al ser el primer mural hecho por una mujer que se exhibe en el Museo del Palacio de Bellas Artes, y aunque la autora no consigue verlo entero, se cumple el sueño de que miles de personas lo puedan disfrutar.

Rina García Lazo cuenta que el proceso de elaboración de este mural fue largo e intermitente.

Tardó muchos años porque comenzó y lo dejaba, y se ponía a hacer cualquier otra cosa, entonces pasaban meses que no pintaba el mural, pintaba algunas otras cosas, pero siempre fue un cariño el que le tuvo a este mural y siempre decía ‘lo tengo que terminar’”, explica la hija única de la artista y del también muralista mejicano Arturo García Bustos.

Es minuciosa con cada pincelada de este lienzo de 2,70 metros de alto por 5 metros de ancho.

Aun a sus 95 años, no titubea para subirse a los andamios que requiere para alcanzar los rincones más altos del bastidor, y plasmar elementos de la cosmología maya.

Estoy segura de que a esta obra mi madre le entregó todo su amor. Plasmó todo lo que ella quería sobre la cultura maya, y que de alguna forma la gente pudiese apreciarlo. Ella sabía desde el fondo de su corazón todo lo que quería imprimir en esta obra.

El mural está lleno de referencias al Popol Vuh, libro sagrado de los mayas, y a diferentes piezas artísticas de esa misma cultura, con la que Lazo está ligada desde su infancia.

A pesar de su nombre, esta obra hace un recorrido no solo por el inframundo, sino por toda la cosmología del mundo maya antiguo, organizada en tres planos: el cielo, la tierra y el inframundo.

Para realizarla, además de dedicar prolongados periodos de tiempo al estudio, la artista va a las grutas de La Candelaria, en la zona central de Guatemala, para estudiarlas y poder representarlas a la perfección en el lienzo.

Estoy segura de que a esta obra mi madre le entregó todo su amor. Plasmó todo lo que ella quería sobre la cultura maya…

La historiadora del arte y curadora conceptual de la exposición, Dina Comisarenco, recuerda los detalles de la personalidad de Lazo y su extraordinario talento que la llevan a admirar su trabajo y, después, a convertirse en estudiosas de su obra.

Desde 1994, cuando Comisarenco llega a México, se acerca a Rina Lazo y a García Bustos y es testigo, durante esos 10 años, del camino que toma el mural.

Fue un proceso increíble, estoy honrada y agradecida. No es algo que nos pasa a los historiadores del arte todos los días

El mural Xibalbá, el inframundo de los mayas es, en parte, la culminación de toda una vida de amor, dedicación y disciplina dedicada al estudio de la cultura maya antigua.

Ya en los primeros trabajos de Lazo, en Guatemala, su interés por retratar la naturaleza de su tierra y la influencia de lo prehispánico es visible en las esculturas, grabados y obras que hace.

Con 21 años ingresa en la Academia de Bellas Artes de Guatemala.

Dos años después gana una beca para estudiar en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda, en México.

Ahí, uno de sus profesores capta su talento y la invita a trabajar como asistente de uno de los principales representantes del muralismo nacional: Diego Rivera.

Comisarenco cuenta:

Ella contaba con mucha picardía que el maestro la invitó dándole una notita sin que nadie se diera cuenta, esto porque todo mundo quería ser asistente de Rivera, a pesar de que él tenía fama de ser un gran explotador, que cuando uno trabajaba para él lo tenía horas y horas y horas; él tenía una gran capacidad de trabajo, y pretendía lo mismo de sus asistentes.

Aprende de Rivera no solo la parte técnica de cómo hacer un fresco, también la investigación en términos políticos y sociales que se debe llevar a cabo para realizar una pintura mural.

No todas las mujeres tuvieron la misma fortuna de entrar a trabajar con uno de los grandes muralistas.

Diego Rivera tiene, como ustedes saben, una fama terrible en muchos aspectos, pero aun así, en este campo, yo como especialista en mujeres muralistas, lo respeto porque sí contrató a muchas mujeres como asistentes, y así fue como muchas mujeres se iniciaron en la pintura mural.

Aunque la efervescencia del movimiento muralista pone a mediados del siglo XX el nombre de México en boca del mundo entero, hay muchos artistas, entre los que destacan las mujeres muralistas, que son invisibles ante aquella explosión, o bien, que se convierten en testigos silenciosos cuyas obras han son rescatadas muchos años después como María Izquierdo.

1945, la artista mexicana es contratada por el Gobierno del Distrito Federal (ahora Ciudad de México), para realizar un mural en un edificio en el Zócalo de la ciudad. Cuando empieza a trabajar en la obra,  le avisan de la cancelación del proyecto.

Una comisión integrada por los muralistas consagrados Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, solicita al entonces regente de la capital, Javier Rojo Gómez, destituya a Izquierdo del encargo, aduciendo que ella no tiene experiencia en pintura mural.

Es cierto, ella no tenía experiencia, pero ellos tampoco cuando empezaron a hacer sus primeros murales.

Son esas paradojas muy tristes porque eso nos priva de tener unos murales que yo creo que hubieran sido extraordinarios, cuenta Comisarenco.

A partir de este suceso, la artista mexicana denuncia la existencia de un monopolio masculino de la pintura mural, algo que le procura rechazo y censura por parte de críticos y artistas de la época.

Rina Lazo Wasem pintora guatemalteca parte del movimiento del muralismo mejicano 

que nace en Ciudad de Guatemala, Guatemala el 30 de octubre de 1923 y muere en Ciudad de Mejico el 1 de noviembre de 2019.

Además de su obra mural confecciona obras en formatos más pequeños como lienzos,  han sido expuestos en México y otros países, convirtiéndola en una de las artistas más conocidas de Guatemala.

Hija de Arturo Lazo y de Melanie Wasem. Estudia en el colegio alemán hasta el bachillerato.

Su infancia transcurre en Cobán, donde mantiene contacto con el pueblo maya, de ahí que esta cultura se encuentre presente en su obra.​

Ingresa en la Academia de Bellas Artes (hoy Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla) en 1944.

Durante esa época, trabaja como asistente del artista Julio Urruela, con el que colabora en los murales del Palacio Nacional de la Cultura de Guatemala.

1945, consigue una beca del presidente Juan José Areválo  para estudiar arte en México en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda.

Es este el motivo por el que sale del país y no la revolución que acontece en ese momento

Entre los profesores con los que Lazo se forma en La Esmeralda están Carlos Orozco Romero, Jesús Orozco Galvan, Alfredo Zalce, Federico Cantú y Manuel Rodriguez Lozano.

Pero quizás su maestro principal es Diego Rivera, a través del que conoce a Frida Kahlo.

Su primera obra están ligadas con la estética y temas de los murales de Rivera.

Debido a su relación con la pareja de artistas se une al Partido Comunista.

Esta cercanía con los Rivera-Kahlo la lleva a conocer a su marido, Arturo García Bustos, quien es uno de los estudiantes de Frida Kahlo, que se les conoce como como Los Fridos.

1949 se casa cuando Lazo tiene veinticuatro años.

La pareja se traslada a Coyoacán a una casa ubicada en el barrio de La Conchita, conocida como La casa colorada.

2006 esta residencia es convertida en galería por la familia de los artistas.

Su carrera comienza poco después de que ingresa en la Escuela Nacional de Pintura, La Esmeralda cuando Diego Rivera la contrata como su asistente en 1947 para trabajar en el Hotel del Prado, el mural Sueño de una tarde dominical en la alameda Central.

En esta colaboración con el muralista, este la consideró como su brazo derecho y su mejor estudiante.

A partir de esa fecha y hasta la muerte del pintor en 1957, Lazo trabaja en un número importante de murales, lo que la dota de una amplia experiencia.

Dentro de este periodo su trabajo se ve reflejado en murales tales como El agua, origen de la vida sobre la tierra (1951) del Cárcamo de Dolores en Chapultepec, el mural La Universidad, la familia y el deporte en Méjico del Estadio Olímpico Universitario en 1952 y uno en Guatemala, La gloriosa victoria de 1954 en el Palacio Nacional de Cultura.

Este último mural genera polémica debido a que escenifica la intervención norteamericana por medio de la guerrilla en Guatemala, la misma que desencadena la caída del gobierno de Jacobo Arbenz.

En su obra individual, Rina Lazo realiza un número importante de murales, frescos, murales en vinilo y estuco en Guatemala, así como en varios lugares de México.

Antes de su matrimonio, crea un mural en la Escuela Rural de Temixco mientras espera de que el Partido Comunista se reorganice en Morelos.

Su siguiente mural es Tierra fértil en 1954, basado en escenas de la zona de Tikal en el Museo de la Universidad de San Carlos en Guatemala.

Otro trabajo concluido en su tierra natal es Venceremos de 1959, por el que recibe diversos reconocimientos.​

1996, realiza dos reproducciones de los murales precolombinos en Bonampak.

El primero, y el más grande, se encuentra en el Museo Nacional de Antropología

de Ciudad de México, a petición de Pedro Ramírez Vázquez.

Se trata de un calco realizado directamente de los murales del sitio arqueológico.

Este trabajo le da paso a otro mural en paneles móviles para una compañía de televisión, y tiempo después, esos paneles son comprados por la hija de la familia García Lazo para la Galería Casa Colorada.

1995, ella crea otro mural para el Museo de Antropología llamado Venerable Abuelo Maíz.

Aunque la pareja García Lazo aprende con los Rivera-Kahlo, normalmente no trabajan juntos dada la diversidad de intereses que les mueve.

Pese a lo anterior, en 1997, trabaja en el diseño y en la realización de un mural transportable de 2,7 por 7 metros llamado Realidad y sueño en el mundo maya. Mágico encuentro entre hombres y dioses, que es inaugurado en el Hotel Casa Turquesa en Cancún.​

Su trabajo en lienzo es menos conocido.

Su primera obra premiada de 1944 es Por los caminos de la libertad.

Expone en Alemania, Austria, Francia, Estados Unidos, México, Guatemala, Corea etc.

Esa trayectoria la convierte en la pintora guatemalteca más afamada.

Es profesora de artes en varias instituciones, como la Escuela de Restauración del Instituto Nacional de Bellas Artes o la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca. También da clases en la Casa del Lago de Chapultepec y seminarios y talleres en elMuseo Nacional de Antropología de Ciudad de México, La casa de cultura de Oaxaca así como en ciudades como Guatemala, Leipzig y Pyong Yang,​

Se la reconoce igual por su trabajo con Rivera que por los trabajos que ella hace. Recibe el premio Emeretisimum de la Facultad de Humanidades de la Universidad de San Carlos de Guatemala.

2004, recibe la Orden del Quetzal del gobierno de Guatemala.

2005, recibe la Medalla de la Paz de Guatemala.

2010, recibe un reconocimiento de parte del gobierno de Rumania.​

1998, Abel Santiago escribe su biografía, Sabiduría de Manos, con textos de Andrés Henestrosa, Enrique González Casanova, Maria Luisa Mendoza, Otto Raul Gonzalez y Carmen de la Fuente.

Tiene una serie de homenajes en varios lugares tales como el Museo Mural Diego Rivera.

2010 La embajada mexicana en Guatemala le rinde tributo con una exposición de los paneles del mural de Bonampak en el Centro Cultural Luis Cardoza y Aragón.

2011 ella y su marido son invitados a Estados Unidos a hablar de su trayectoria con Diego Rivera.

1964 es integrante del Salón de Plástica Mejicana hasta su muerte.​

Fallece en su casa de Coyoacán, el 1 de noviembre de 2019 a los 96 años tras un infarto.

Como discípula de Rivera y de Kahlo, es parte del muralismo mejicano de la Escuela Mejicana de Pintura.

 Trabajando con muralistas aprendió que lejos de aislarse debía estar en el centro de las situaciones y observarlas.

Otra influencia de Lazo es uno de sus autores favoritos, Miguel Angel Asturias, a quien conoce de niña y luego lo reencuentra en México.

De hecho, Asturias escribe sobre ella.

Prefiere pintar frescos, pero sus lienzos son reconocidos por su calidad interpretativa, tales como El espejo de mi estudio de 2001 en el que ella se representa en el espejo rodeada de niños.

La opinión de Lazo al respecto de los artistas de hoy en día era que están demasiado comercializados y ya no tan comprometidos con las causas sociales.

A pesar de que ya no disfrutaba tanto de la pintura mural como lo hacía antes, Lazo sentía en sus últimos años que el muralismo mexicano era importante y relevante.

Ella puntualiza que además que como Frida Kahlo y Diego Rivera, todavía existe un reconocimiento internacional por el movimiento.

convencida que habrá un regreso a esa forma de arte dadas las implicaciones sociales y políticas que conlleva

https://elpais.com/mexico/2022-06-07/rina-lazo-la-primera-mujer-muralista-en-el-palacio-de-bellas-artes.html

Rina Lazo – Wikipedia, la enciclopedia libre

Muere Paula Rego

Busca la manera de desarrollar un discurso propio, con su experiencia personal vinculandolo con lo que acontece en el mundo.

Las imágenes de Paula Rego son escabrosas, mordaces, infantiles, perversas, poéticas y misteriosas.

Desde los años sesenta desarrolla una iconografía llena de recuerdos y experiencias, de cuentos literarios y referencias a viejos maestros.

Su expresionista narratividad habla de duelos, vergüenza, y denuncia de injusticias políticas y sociales, a menudo relacionadas con las mujeres.

El pasado 26 de abril, el Museo Picasso Málaga abre al público la exposición Paula Rego a cuya inauguración no asiste la artista por su delicado estado de salud.

La artista portuguesa Paula Regoque redefine el arte figurativo y revoluciona la representación de las mujeres, muere a los 87 años, según la galería Victoria Miro.

Falleció en paz esta mañana, después de una breve enfermedad, en su casa en el norte de Londres, rodeada de su familia. Nuestro más sincero pésame

It is with immense sadness that we announce the death of the Portuguese-born, British artist Dame Paula Rego at the age of 87.

She died peacefully this morning, after a short illness, at home in North London, surrounded by her family. Our heartfelt thoughts are with them.

La retrospectiva organizada por Tate Britain en colaboración con Kunstmuseum Den Haag y el Museo Picasso Málaga de ahora, pone el acento en el protagonismo de las mujeres en sus historias, a través de collages, pinturas, pasteles de gran formato, dibujos y aguafuertes.

Rego es una pintora figurativa de las más relevantes en la escena internacional y una de las voces plásticas más lúcidas y combativas surgidas en la segunda mitad del siglo XX. 

La producción artística de Rego se vincula a experiencias y recuerdos personales, en siniestras fantasías.

En el Museo Picasso de Málaga se puede ver ahora una exposición con más de ochenta obras que refieren su excepcional trayectoria que muestra el carácter autobiográfico de buena parte de su arte, el contexto sociopolítico donde hunde sus raíces y el amplio espectro de sus puntos de referencia, desde el cómic hasta la pintura de historia.

Ajena a las modas, Rego practica la figuración bajo formas diversas y es de los pocos artistas modernos cuya obra gira en torno a la vida misma. 

Su obra tiene un carácter subversivo y liberador, con un afán de lucha contra la autoridad.

En ella la artista habla de dominación, opresión y violencia con lo que cuestiona los estereotipos impuestos.

Paula Rego nace en Lisboa (Portugal) en 1935, bajo la dictadura de António de Oliveira Salazar.

Sus padres, antifascistas y anglófilos, quieren que su hija viviera en un país liberal, y a los 16 años la matriculan en una escuela de señoritas en Kent (Inglaterra).

De allí pasa a estudiar pintura en la Slade School of Fine Art de Londres (1952-1956), donde tiene entre sus compañeros a Victor Willing, con quien se casa en 1959.

Su doble nacionalidad, vivida desde su adolescencia en Londres, posibilita su libertad para criticar la dictadura de Salazar y su represión colonial sobre Cabo Verde, Angola, Guinea-Bissau y Mozambique; y después, el peso del nacionalcatolicismo en plena democracia, tambaleada en la polémica legislación sobre el aborto.

Rego, Willing y sus 3 hijos viven entre Inglaterra y Portugal antes de establecerse en Londres en 1972.

Ella representa a uno y otro país en la Bienal de São Paulo, a Portugal en 1969 y a Gran Bretaña en 1985.

 1988 Willing muere de esclerosis multiple.

En el mismo año tiene exposiciones individuales en la Fundación Calouste Gulbenkian de Lisboa, el Museo Serralves de Oporto y la Serpentine Gallery de Londres  que consolidan su puesto de primera fila en el arte contemporáneo.

1990 es designada primera Artista Asociada a la National Gallery de Londres.

Tiene numerosas retrospectivas, como la de Tate Liverpool en 1997, la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en 2007, la del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y la Pinacoteca do Estado de São Paulo en 2010–2011 y la del Musée de l’Orangerie de París en 2018.

2009 se inaugura un museo dedicado a sus obras, la Casa das Histórias Paula Rego en Cascais (Portugal).

2017 se estrena el documental Paula Rego, Secrets and Stories, dirigido por su hijo Nick Willing.

2022 participa como una de las artistas más relevantes en la edición 59 de la Bienal de Venecia con la exposición The Milk of Dreams en el pabellón central.

Muere Paula Rego, la pintora de la tragedia existencial, a los 87 años (msn.com)

La perturbadora pintura de Paula Rego llega al Museo Picasso Málaga (elespanol.com)

Fallece en Londres la artista Paula Rego a la edad de 87 años (msn.com)

Fallece en Londres la artista Paula Rego a la edad de 87 años (moncloa.com)

El Museo Picasso Málaga lamenta el fallecimiento de la artista Paula Rego (msn.com)Muere la pintora Paula Rego, artista pionera que defendió los derechos de las mujeres (msn.com)

Gauguin, sifilis, diabetes y pederastia

No copies la naturaleza literalmente. El arte es una abstracción. Deriva el arte a partir de la naturaleza mientras que tu sueñas en presencia de la naturaleza, y piensa más acerca del acto de creación que del resultado.

Van Gogh cuenta sobre las pinturas de Gauguin en Martinica:


Gauguin nace en París, Francia.

Hijo del periodista antimonárquico Clovis Gauguin y de Alina María Chazal, hija de la socialista y feminista Flora Tristán, cuyo padre formaba parte de una familia influyente en Perú.

1850 la familia​ dejó París y partió hacia Perú, motivados por el clima político del período (tras el coup d’État de Napoleón III).

Su padre Clovis muere durante el viaje, dejando a un Paul de 18 meses de edad, su madre y su hermana para arreglárselas por cuenta propia. Vivieron en Lima durante cuatro años con el tío de Paul y su familia. Las imágenes de Perú terminarían siendo gran influencia en el arte de Gauguin. Fue en Lima donde Gauguin elaboró su primer arte.

Su madre admiraba el arte precolombino, en especial la cerámica, ya que coleccionaba baterías de cocina inca que algunos colonizadores consideraban como una barbarie.

A raíz de su fascinación por las antiguas culturas peruanas, Gauguin llegaría a usar la imagen de una momia peruana en más de veinte obras suyas.​

Paul Gauguin (París, 1848 – Atuona, 1903), uno de los pintores más influyentes de finales del XIX.

Tiene gran capacidad para otorgar expresividad a lo primitivo.

Con una azarosa existencia a los 174 años de su existencia, de un gran exito como agente de cambio y bolsa que se ve truncado por el crak de la bolsa en 1882, que le procura una caida libre a los infiernos y su carrera en arte, no hay que olvidar su fascinacion por las adolescentes de los Mares del Sur, cuando pasa de los 40.

Su huella en la vanguardia es profunda, en Pablo Picasso, André Derain, Georges Braque o Henri Matisse, que lo señalan junto a Eugène Delacroix, Vincent Van Gogh y Paul Cézanne.

Es postimpresionista y establece una vision mas subjetiva del mundo.

Se desconocen sus vivencias en sus estancias en Tahití y las islas Marquesas porque sus bienes son subastados y dispersos a su repentina muerte a los 54 años.

Cae rendido ante las tahitianas y encuentra a sus musas en las adolescentes como Tehura, inspiración de Gauguin que solo tiene 13 años cuando mantiene relaciones con el francés que pasa de 40.

Se dice que padece sífilis, enfermedad de transmisión sexual y que el pintor omite en su estancia polinesia, en la cual comparte tálamo con numerosas adolescentes de 14 años.

Pero no esta claro porque despues de un examen de ADN de sus dientes, estos no mostraban huellas de mercurio.

Se dice tambien que tiene diabetes.

Su producción de piezas en los enclaves paradisiacos, donde acude motivado por el interés en el primitivismo, es la más importante de su legado.

1891-1901 Gauguin vive en Tahití sin interrupción.

Un año después de arribar, pinta Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casarás conmigo?), obra vendida en 2015 por 265 millones de euros que durante un tiempo es la obra de arte más cara subastada.

De 1892 tambien es Mata Mua del Thyssen.

La obra muestra un paisaje idílico en el que varias mujeres adoran a Hina, deidad de la luna.

Un canto a la vida originaria que tanto busca en su estancia en Tahití.

Pintada en vivos colores planos, al margen de cualquier pretensión naturalista, supone un ubi sunt, un canto al paraíso perdido.

Las Islas Marquesas son el destino elegido por Gauguin para terminar su vida.

1901 deja Tahití por el archipiélago.

Acorralado no sabemos si por la sífilis o la diabetes, la depresión y la morfina Gauguin muere a los 54 años (8 de mayo de 1903) en Hiva Oa, principal isla de las Islas Marquesas.

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gauguin.htm

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gauguin.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Gauguin

Luigi Ghirri, curiosiedad e intuicion, Mapa y territorio, Reina Sofia, 2018

El mapa y el territorio es la primera retrospectiva de Luigi Ghirri que se presenta fuera de Italia.

Centrada en la década de 1970, un período de expansión de los suburbios y terciarización de la economía, de emergencia del arte conceptual, de generalización del pop y sus estrategias apropiacionistas.

Utiliza herramientas y procedimientos de la fotografía amateur (una pequeña cámara Canon y película en color) y empieza a retratar los espacios periféricos de Módena, generando un corpus de obras sin parangón en la fotografía de aquel periodo. 

Dos momentos marcan su discurso al final de los 70, la publicación en 1978 de Kodachrome, un foto-libro minuciosamente secuenciado, y la presentación en 1979 de su primera gran exposición, Vera Fotografia, en el Centro Studi e Archivio della Comunicazione (CSAC) de Parma.

La exposición se articula en torno a dos nociones, territorio y mapa, ideas que remiten al mundo y a su representación.

La selección de obras retoma la cartografía poética de la muestra de 1979, que ofrece, en 14 series diferenciadas por temas, un compendio de los lugares transitados por Ghirri: las casas de la periferia; el paisaje de signos de la Italia de provincias de su época; la relación entre artificio y naturaleza de los jardines de Módena; las modernas imágenes publicitarias; el mundo simulado de los parques de atracciones; la gente que fotografía y es fotografiada; los detalles de mapas extraídos de un atlas, etc.

Formado como aparejador y delineante, Ghirri mira la realidad desde una posición frontal, con una idea de escala y medida:

no ha sido mi intención hacer fotografías, sino planos, mapas, que sean, al mismo tiempo, fotografías.

Me interesan la arquitectura efímera, el mundo de provincias, los objetos que todo el mundo define como kitsch pero que para mí nunca han sido tal cosa, sino objetos cargados de deseos, sueños y recuerdos colectivos […] ventanas, espejos, estrellas, palmeras, atlas, esferas armilares, libros, museos y personas vistas a través de las imágenes.

Ghirri mantiene una constante fascinación por las representaciones del mundo en forma de reproducciones, fotos, pósteres, maquetas y mapas, y el modo en que estas representaciones se insertan en la realidad, como signos que entran a formar parte de la ciudad o el paisaje.

La mediación de la experiencia a través de las imágenes en una Italia que duda entre lo viejo y lo nuevo se convierte para él en investigación inagotable:

una gran aventura en el mundo del pensamiento y la mirada, un maravilloso y mágico juguete que consigue combinar milagrosamente nuestra conciencia adulta con el mundo de cuento de los niños… un viaje sin fin en las grandes y pequeñas variaciones y en el ámbito de las ilusiones y las apariencias, un espacio laberíntico y especular de multitudes y simulación.

Luigi Ghirri nace 05 de enero 1943 en Fellegara, un pueblo de Scandiano en la provincia de Reggio Emilia, Italia.
1946 la familia se muda a Braida de Sassuolo, donde se encuentra el Colegio Jesuita de San Carlo de verano, un gran edificio de la época utilizado, como una vivienda para las familias desplazadas de los centros urbanos debido a la guerra. 

A finales de los años cincuenta la familia Ghirri se muda a Módena, donde Louigi emprende sus estudios.

En esta época descubre su pasión por la fotografía, y se interesa por el retrato y paisaje.

1962 se gradúa y comienza su carrera profesional.

1967 trabaja como empleado de la oficina técnica de uno de los más importantes promotores inmobiliarios de Módena
1968 viaja por toda Europa (París, Bretaña, Lucerna, Berna, Ámsterdam y el Alto Adive) 

De estos viajes Luigi lleva a su hogar cientos de diapositivas que formaban una especie de diario personal de imágenes visuales que contienen Paisajes y lugares conocidos, una reflexión personal, de lo que el observa en cada cultura.

1969 Luigi Ghirri trabaja para Guerzoni Franco, un gran fotógrafo italiano, con el que el propio Luigi pasa noches enteras discutiendo de arte y fotografía.

 A través de Guerzoni, Ghirri entra en contacto con Carlo Cremaschi, Giuliano della Casa, Parmiggiani y Claudio Franco Vaccari. 

Comienza a colaborar con otros centros de investigación de este grupo de artistas que trabajan en Módena, en el marco del Arte Povera y las tendencias conceptuales de paisajes, creando fotografías y documentando algunas de las actuaciones en estas investigaciones.

En diciembre en 1972 expone por primera vez sus fotografías como artista independiente, en esta muestra hay Fotografías de 1970-1971, del vestíbulo del Canal grande hotel en Módena, parte de las actividades del club Steven Arts Club. 

1974 Ianfranco Colombo lo invita a exponer sus paisajes a la Galería el Diafragma en Milán. 

 En octubre de 1975 es invitado a la exposición Arte en FotografíaLa fotografía como arte en Kassel. 

Time-Life dedica una cartera de ocho páginas sobre El año de Time-Life Fotografía y lo describe como el descubrimiento del año; muestra La fotografía como arte, el arte como fotografía. 

1977 funda la casa editorial Punto y coma, especializada en fotografía, con Paola Borgonzoni, la El fotógrafo Giovanni Chiaramonte, Ernesto Tuliozi, Ornella Corradini y Susetta Sirotti.
1978 el público por su propia editorial Kodachrome (1970-1978), una búsqueda que reúne a algunas imágenes de la época inicial del proyecto y paisajes de cartón. 

1979 hay un cambio fundamental para sus actividades de investigación; es invitado por Arturo Carlo Quintavalle y Massimo Mussini para diseñar una plantilla en la sede de la Universidad de Parma.
Durante el mismo año expone en diversos lugares de Europa, pero la exposición en el Festival de Arles le ofrece la oportunidad de prestigio, tales como la reunión con Carlos Traub, director de la Galería de la Luz en Nueva York, que le invita a organizar un equipo para el año siguiente, en el que expondrá Aún-Vida-Topografía e iconografía.

Es invitado por Luigi Carluccio en la Bienal de Venecia, en la exposición titulada La Imagen provocó, donde Luigi Ghirri expone algunas fotos de Desayuno sobre la hierba, paralela a la Bienal.

Está presente siempre en Venecia la exposición Fotografía italiano arte-contemporáneo comisariada por Italo Zannier; exhibido en Iconicittà colectiva / 1, dedicado al paisaje urbano, en el Pabellón de Arte Contemporáneo (PAC) en Ferrara.
1980, Manfred Heiting, el entonces director de la Polaroid Internacional, le invita a Amsterdam a los laboratorios de Polaroid para producir una serie imágenes de gran formato (60×50 cm) .

‘Bitonto, 1990’, del libro’ Puglia. Tra albe e tramonti’, (MACK, 2022).

 1981 es invitado por la Compañía de Turismo y el Ayuntamiento de Nápoles para llevar a cabo, junto con otros fotógrafos, una lectura del paisaje napolitano.

 El proyecto está coordinado por Cesare De Seta y dan vida a la exposición 7 fotógrafos para una nueva imagen. 

1982, se va a Puglia  luego de haber recibido un encargo de la organización Expo-Arte», Galería Espacio-Imagen y la Región Puglia.

1982 también es invitado a la Photokina en Colonia, donde es aclamado uno de los veinte fotógrafos más importantes del siglo 20 por su serie Topographie-Iconographie. 

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Luigi Vittorio Savi nombra a Ghirri el director de Lotus Internacional , Pier Luigi Nicolin. 

Comienza su colaboración con las fotografías editoriales revista de arquitectura del cementerio de Módena por Aldo Rossi.


En Photokina es el único italiano en la exposición Fotografía 1922-1982.
1983 es invitado a la Fórum Stadtpark para organizar una exposición sobre fotografía joven italiana  titulada: la Península una línea de la fotografía italiana en color.
Por invitación de Arturo Carlo Quintavalle y Massimo Mussini celebra seminarios sobre fotografía en la Universidad de Parma.


Realiza una importante conferencia titulada Louvre photographique en la Universidad de la Sorbona en París con motivo del Mes de la Foto.
1983 Lucio Dalla vuelve a contratar a Luigi Ghirri para realizar retratos fotográficos para hacer las portadas de sus discos. 

1984, elabora el marco teórico del proyecto fotográfico titulado Viaje en Italia, que escribe en colaboración con Gianni Leona y Enzo Velati. 

El proyecto consiste en la participación de los fotógrafos, no sólo italianos, para la construcción de un nuevo atlas para las imágenes sobre la idea del paisaje italiano.
En nombre de la Región de Emilia Romaña lleva a cabo investigaciones en los balnearios de la región, que luego publica en 1987 con el título de las aguas y los lugares en el spa paisajes en Emilia Romaña. 

Incluso el Touring Club Italiano lo utiliza para hacer dos libros de fotografía en el que habla del  paisaje de la región.
Durante estos años, su amistad con Gianni Celati se estrecha en una asociación intelectual que dará lugar a otros proyectos basados ​​en la relación entre la literatura, el cine y la fotografía.
1985, como parte de un intercambio cultural entre Italia y Francia, patrocinado por el Ministerio de Cultura francés y el Centro Cultural de Nápoles, se invita a Luigi Ghirri fotografiar el palacio de Versalles.

En el mismo año, en nombre de Paul portugués, realiza una lectura de la arquitectura por Marcello Piacentini en la Ciudad de la Universidad de Roma. 

Aldo Rossi lo invita a fotografiar algunos lugares particularmente caracterizados por la cultura veneciana para la Bienal de Arquitectura de Venecia, a su vez, Vittorio Savi le encarga fotografiar el hall de entrada de la estación de tren de Florencia, el edificio de viajeros, diseñado por Michelucci. 

1986 es invitado, al séptimo Simposio de Fotografía en Graz, dedicado a la relación entre la fotografía de Europa y América. 

Organiza exposiciones tituladas Exploraciones en la Vía Emilia, Vistas del paisaje, que se inaugura en Reggio Emilia en febrero de 1986 durante los meses de investigación y preparación de esta iniciativa, Luigi Ghirri entra en amistad con el poeta Tonino Guerra, el escritor Ermanno Cavazzoni, el director Nino Criscenti y otros artistas con los que también participan.

Por invitación de su amigo Lucio Dalla es por primera vez en Nueva York con el objetivo de recoger las notas fotográficas en la gira de la cantante en Bolonia. 

1987 colabora ​​con el arquitecto Alberto Ferlenga en la publicación de una monografía sobre Aldo Rossi y crea algunos trabajos para el Municipio de Cesena y la Azienda Elettrica Municipales di Milano; el Comité Científico de la XVII Triennale di Milano lo invita a una lectura del paisaje del Valle del Po y Urbana, en particular, Venecia y Bolonia; Arrigo Sacconi y la oferta de Roberta Valtorta para participar en la primera campaña de estudio de diseño artístico y arquitectónico de la Provincia de Milán Archivo del Espacio.
En otoño de 1988 se inaugura la XVII Triennale di Milano para el que la atención también Ghirri sección Fotografía, como parte de las Ciudades de exposiciones del mundo, el futuro de la metrópoli.

1989 se hace una serie rodada en el estudio del pintor Giorgio Morandi. 

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 En el mismo año, fortalece las relaciones con las revistas de arquitectura y diseño Domus, El Gran Bazar, Interior, Octagon y El Arca. 

Paisaje Público en italiano Cuadernos Lotus International y el perfil nubes con el texto de Gianni Celati.

1990 es invitado por Cesare De Seta para documentar el Palacio Real de Caserta.
1991 empieza su campaña para la documentación del estudio y la casa de Giorgio Morandi por invitación de Carlo Zucchini, curador del pintor boloñés. 

Las repetidas visitas de lugares Morandi, en compañía del escritor Giorgio Messori, le llevan a producir varias imágenes, que no son capaces de dar como un libro debido a su muerte prematura.

En el mismo año, participa en la puesta en práctica de la investigación en la Sacra di San Michele editado por John Romano. 

Después de esta experiencia, la Val d’Aosta Región le invita a documentar los castillos de la región.
Arturo Carlo Quintavalle propone lograr juntos un libro completamente ilustrado titulado Viaje en un antiguo laberinto.

 Los autores conciben el trabajo como una lectura del paisaje italiano a través de la historia del arte, la literatura y, por supuesto, el trabajo de Ghirri.
Un diálogo denso, lo que a veces se presenta como una reflexión sobre el itinerario intelectual y artístico del autor, en la que dice:..

Mi deseo siempre ha sido trabajar con la fotografía en 360 grados, sin limitaciones creas que esta modo de operación es una ampliación de las posibilidades de la percepción y la narración. […] Una de las cosas que me fascinaron en la investigación conceptual [que soy parte] fue la irrupción de la posibilidad de una sorpresa en el periódico también informó art. Pero más allá de esto creo que he aprendido de arte conceptual la oportunidad de comenzar con las cosas más simples, de lo obvio volver a verlos bajo una luz diferente.

Luigi Ghirri muere en su casa de Roncocesi (Reggio Emilia), 14 de febrero de 1992.

Ghirri ha sido tema de numerosos libros y sus obras están en poder de diversos museos de todo el mundo, incluyendo el Museo Stedelijk de Amsterdam, Museo de la Fotografia Contemporanea de Milan, Bibliotheque Nationale de Paris, Centro Canadiense de Arquitectura de Montreal, El Museo de Bellas Artes de Houston y El Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Es presentado en la Bienal de Venecia.

2013 MAXXI de Roma presenta una gran exposición de la obra del artista.

Luigi Ghirri es un artista italiano y fotógrafo que gana una reputación de gran alcance como pionero y maestro de la moderna fotografía, con especial referencia a su relación entre la ficción y la realidad.

El fotógrafo se especializa en imágenes de formato medio.

Introduce también, imágenes en formato cuadrado y formato grande.

Su procedencia en Italia causo furor en el ámbito de la fotografía contemporánea por ser pionero de la misma a través de una secuencia de fotografías poéticas y ambiguas. Sus imágenes de paisajes recortados se presentan con una inexpresiva e ingeniosa, y a menudo irónica, mirada y un compromiso antropológico continuo con su entorno.

Sus fotos suelen ser en color. El uso de colores delicados y no saturados es fundamental en su poesía y se desarrollado en estrecha colaboración con su impresor Arrigo Ghi. 

Utiliza negativos y diapositivas desde 35mm, hasta de 20×24″ e 8×10”, pasando por el medio formato.

 También emplea diversas cámaras Polaroid, incluidas alguna experimentales y de gran tamaño.

No se conoce con exactitud cuáles son sus influencias, pese a tener en sus comienzos influencia de la pintura.

A pesar de haber fallecido, Ghirri deja huellas, influenciando distintos segmentos artísticos como por ejemplo el cine

El día 05 de marzo de 2010, en la “Odeón Firenze” (Piazza Strozzi), se realizó la proyección de la película Rosa del desierto / Luigi Ghirri un film de Elisabetta Sgarbi.

En el espacio futurista de “Maxxi” (en Italia), incluyen exposiciones dedicadas a la vanguardia del siglo XX, resplandece en toda su belleza el arte de Ghirri Luigi en una exposición realizada en el Museo de Arquitectura

https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/luigi-ghirri-mapa-territorio

http://biografiadefotografos.blogspot.com/2014/11/luigi-ghirri_10.html

http://biografiadefotografos.blogspot.com/2014/10/biografia-de-luigi-ghirri.html

Luigi Ghirri, la realidad y su representación – Harpo Magazine

Luigi Ghirri, el cartógrafo de la Italia provinciana (abc.es)

Luigi Ghirri, color que elude el drama en el Museo Reina Sofía (masdearte.com)

Luigi Ghirri: el genio que pudo ser | Arte (elmundo.es)

Luigi Ghirri, la verdad del simulacro (elespanol.com)

Un paseo por el parque temático italiano de Luigi Ghirri | Babelia | EL PAÍS (elpais.com)

Alessandro Algardi, Busto del cardenal Paolo Emilio Zacchia, 1626

Busto del Cardenal Paolo Emilio Zacchia, por por Alessandro Algardi, terracota, h. 1654.

Alessandro Algardi, Busto del cardenal Paolo Emilio Zacchia, 1626

Nace en Bolonia en 1598, ciudad en la que comienza a trabajar como aprendiz en el taller de un Ludovico Carracci ya anciano.

1625 viaja hasta Roma, donde continua en contacto con el grupo de artistas boloñeses asentados allí

Desde un principio tiene encargos ya que este busto del Cardenal Laudivio Zacchia es una pieza que confecciona un año después, en 1626.

A.78-1970 Bust Cardinal Paolo Emilio Zacchia; Bust, terracotta, Alessandro Algardi, Cardinal Paolo Emilio Zacchia, c.1654 Alessandro Algardi (1598-1654) Rome Ca. 1650 Terracotta

Queda deslumbrado porGian Lorenzo Bernini, y en cualquiera de sus piezas se percibe ese influjo, ya sea La Tumba del Papa Leon XI o El encuentro de Atila y Leon I.

También se percibe en el busto de este cardenal, ya que tiene un guiño al Scipione Borghese.

Realiza arte religioso en el Vaticano, pero sobre todo fue desde un inicio es un consumado retratista, muy apreciado por su minuciosidad al detalle

Pese a esa actitud, no consigue aplicar la vitalidad que aportaba Bernini en las esculturas.

 La minuciosidad de relojero se le une la captación psicológica del modelo que aquí es serio, pero cálido, gracias al tratamiento de la superficie de la pieza.

https://arte.laguia2000.com/escultura/busto-del-cardenal-laudivio-zacchia-de-algardi

Bauhaus en Australia, Harry Seidler

El arquitecto de origen austriaco Harry Seidler, fallece el 9 de marzo, a los 82 años, a causa de un infarto, en su casa de Sidney, Australia, donde vive desde los 40 y proyecta la mayor parte de su obra.

1923 nace en Viena y tras la invasión nazi de Austria, su familia emigra a Londres y comienza a estudiar en la Politécnica de Cambridge para luego emigrar como refugiado a Canadá e iniciar sus estudios de Arquitectura en la Universidad de Manitoba bajo la dirección de John Russell.

1944 se gradúa y consigue una beca en la Universidad de Harvard donde estudia con Walter Gropius en el curso del 1945-1946 y con compañeros como I. M.Pei, Paul Rudolph y Ulrich Frazen.

Después hace un curso de diseño en Black Mountain College, en Carolina del Norte, en la cátedra de Joseph Albers.

Allí inicia una estrecha relación con Marcel Breuer, quien lo invita a trabajar en sus oficinas de Nueva York.

Su entusiasmo por la nueva arquitectura brasileña lo lleva a Río de Janeiro donde trabaja con Oscar Niemayer.

Otra gran influencia en su obra es Le Corbusier, a quien en 1956 conoce, en Chandigarh.

1948 emigra a Australia, donde vive su familia desde un año antes.

La primera casa que erige, entre 1948 y 1950, es la Rose Siedler House -un edificio cúbico de cemento y paredes acristaladas, de 200 metros cuadrados- que hace para sus padres en Turramura, al norte de Sidney.

Casa Rose Seidler, Wahroonga, Sídney, (1948-50)

Hoy, es una casa-museo del Patrimonio Nacional y está abierta al público.

En los años siguientes realiza muchas casas unifamiliares de un estilo muy vanguardista en Australia, como la Meller House, en Castlecragh, o la Lowe hose en Mosman.

1957 forma parte del jurado para la concesión de las obras de la Ópera de Sidney, que gana con su apoyo el proyecto de Utzon.

Es el primer arquitecto que aplicó los principios de la Bauhaus de Walter Gropius y Marcel Breuer, con el cemento y el cristal como principales materiales en la construcción y una clara evolución de las formas cúbicas de sus primeros tiempos hacia las curvas más modernistas y su utilización para la protección solar de años posteriores.

Los 60 son años de gran producción en los que inicia sus proyectos de casas de apartamentos aplicando los principios arquitectónicos de las construcciones vanguardistas de los años veinte y treinta en Europa y Estados Unidos.

Ejemplo de ellos son los apartamentos de Ithaca Gardens, en Elizabeth Bay; el edificio Arlington, en Edgecliff.

O la controvertida Blues Point Tower, en el norte de Sidney, que suele aparecer en las listas de los edificios más odiados de la ciudad.

Blues Point Tower, McMahons Point, Sídney (1961)

También empieza entonces la construcción de edificios de oficinas y centros comerciales, como la Australia Square, en Sidney, en 1961, una torre circular de cemento de 50 pisos; o el MLC Centre, también en Sidney, del año 1972, que es todavía más alta, de 67 plantas. Ambos proyectos tienen varios premios

Australia Square, Sídney (1961-67)
MLC Centre (Nebenbau), Sídney (1972-75)

1974 Seidler gana el concurso para la Embajada australiana en París, que realiza junto al ingeniero italiano Pier Luigi Niervi, y se convierte en un arquitecto de referencia en el ámbito internacional.

A partir de esta fecha desarrolla una intensa labor tanto en Australia -en Sidney, Camberra, Perth, Brisbane y Melbourne- como en el Sureste Asiático y Europa.

MLC Centre, Sídney (1972-75)

En Austria realizó el enorme complejo de 850 apartamentos en las cercanías del Danubio conocido como el Wohnpark Neue Donau.

Wohnpark-Neue-Donau, Viena, Autria, 1993
Hochhaus Neue Donau, Viena, Autria (1999-2002)

Resultado de sus viajes por el mundo es The grand tour, un libro que recoge imágenes de las mayores obras arquitectónicas de la historia y está dividido en capítulos por países con una introducción y análisis de la arquitectura de cada país.

Hong Kong Club Building, Hong Kong, 1980

Profesor honorario visitante en numerosas facultades de Arquitectura de Australia, Europa y Estados Unidos, entre los muchos galardones, destacan la medalla de oro del Royal Australian Institute of Architects (RAIA), en 1976, y la medalla de oro del Royal Institute of British Architects (RIBA), en 1996.-

Riverside Centre, Brisbane (1983-86)
Castlereagh Centre (vormals Capita Centre), Sídney (1984-89)
QV.1, Perth, (1988-1991)
Horizon Apartments, Darlinghurst, Sídney (1990-98)
Riparian Plaza, Brisbane (1999-2005)

https://es.wikipedia.org/wiki/Harry_Seidler

https://www.urbipedia.org/hoja/Harry_Seidler

https://elpais.com/diario/2006/03/20/agenda/1142809205_850215.html

El inquietante Andrew Wyeth, El mundo de Cristina

Seguramente recuerdan la pintura.
Un paisaje rural pintado sobriamente,
en el borde superior una colina separa
el verde amarillento del azul atardecer;
a la izquierda el granero (hay cuervos
sobrevolando el granero), a la derecha
la lenta casa inalcanzable. Y Christina,
apoyada en la hierba, con su falda
rosa, el pelo ligeramente despeinado.
Así la dejó el pintor. Arrastrándose
en el aire, los brazos delgadísimos,
de espaldas a nosotros. La que yo
conocí tenía pelo negro, y era hermosa.
Una muchacha brillante y divertida,
ajena a la parálisis, al oscuro dominio
del miedo y la tristeza. ¿Qué sabemos
nosotros del mundo de Christina?
Un día se fue sin decir nada.
Tenía el pelo ligeramente despeinado.
Era otoño. Hacía un poco de viento.

EL MUNDO DE CRISTINA   (de Ramón Cote Baraibar)

EL MUNDO DE CRISTINA   (de María Victoria Atencia)

Tuve también su edad, y tendida en la hierba
supe de un sol a plomo sobre el verde agostado,
de un ardiente silencio en el que me envolvía,
y de una brisa súbita –yerta quizá- de aviso,
hiriéndome las sienes.
                                                             Tuve su edad. Me he vuelto
descompuesta sin duda, sobre mí,
para mirar mi casa alzada en la ladera
–la polilla royendo mi enagua en los armarios-
sin que siquiera a un ramo de glicinias pudiese
detraerle una gota de su zumo.
                                                                                        Me he vuelto,
confundido mi nombre, para salvar mi casa,
aunque siga en un cuadro donde tan sólo espero
que irán a dar razón de mi nuca los ánsares.

Pintor realista y regionalista estadounidense, cuyo tema principal gira en torno a la tierra y los pobladores de su ciudad natal Chadds Ford, en Pensilvania, y de su casa de verano en Cushing, Maine, como sucede en El mundo de Christina.

El mundo de Cristina es una pintura al temple sobre madera hecha en 1948, actualmente en el MoMA de Nueva York.

Aborda la soledad en sus temas donde casi siempre son paisajes desiertos.

Su obra tiene gran éxito popular.

Wyeth trabaja en la zona de Pensilvania y Maine, donde vive toda su vida.

Es muy minucioso en su trabajo, influido por la fotografía por el tipo de composición insólita que hace.

Christina Olson -la protagonista del cuadro- es vecina del pintor en Maine, que se queda inválida por polio.

 En vez de utilizar silla de ruedas, prefiere arrastrase por la hierba.

Al artista le parece tan poética la escena y tan fuerte la voluntad de la mujer, que quiere pintarla de esta manera para hacer justicia a la extraordinaria conquista de una vida que para muchos sería desoladora.

Hay una mujer de espaldas con vestido rosa que se arrastra sobre un campo con hierba seca.

Es una representación de lo que siente Weyth cuando vive en Maine con su vecina Cristina Olson.

Desde niña, Cristina tiene una afección que le impide caminar, el síndrome de Charcot-Marie-Tooth, que se caracteriza por tener debilidad muscular.

Cuando le detectan la enfermedad, Olson se niega a usar silla de ruedas y opta por gatear y tocar el suelo cada vez que quiere trasladarse de un lado a otro, tal y como  muestra la pintura.

Weyth quedó perplejo al vivir tan de cerca la situación de Olson, así que decide plasmar representando su fuerza de voluntad y decisión.

En la pintura se muestra noble, alerta y solitaria al estar de espaldas sobre un gran campo.

En apariencia es una pintura sencilla, pero proyecta un testimonio de superación, esfuerzo y determinación.

Hay una elevación de la línea de horizonte, la ley de los tercios o la iluminación sobre la protagonista.

2009 Andrew Weyth fallece y se le conoce como El pintor del pueblo.

https://historia-arte.com/obras/el-mundo-de-cristina-de-wyeth

Phaidom Press Limited, El ABC del Arte, Italia 2020

https://www.infobae.com/cultura/2020/06/16/la-belleza-del-dia-el-mundo-de-christina-de-andrew-wyeth/

http://poesia-pintura.blogspot.com/2011/09/el-mundo-de-cristina-de-eduardo.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Christina%27s_World

http://triunfo-arciniegas.blogspot.com/2020/11/obras-maestras-de-la-pintura-andrew.html

El mundo de Christina, Andrew Wyeth

https://esp.lifehackk.com/99-christinas-world-house-andrew-wyeth-painted-176013-3704

https://poramoralarte-exposito.blogspot.com/2017/08/andrew-wyeth-1917-2009.html

La disciplina improvisada, Josef Albers, Estudio para Homenaje al cuadrado: despedida en amarillo

Albers, Josef; Study for Homage to the Square: Departing in Yellow; Tate; http://www.artuk.org/artworks/study-for-homage-to-the-square-departing-in-yellow-197647

Cuatro semitonos de amarillos, en gradación descendente crean una ilusión óptica.

Cada semitono tiene solo un color y se aplica con espátula directamente del tubo.

La pieza pertenece a la serie más famosa de Albers, 16 cuadrados creados creados a partir de un color puro.

Esta pieza al generar una ilusión óptica se puede asociar al Op Art, pero la forma de aplicar el color lo aproximan más a la abstracción.

Albers oriundo de Holanda, estudia en la Bauhaus entre 1920-1923, en el que pasa a ser profesor de la escuela.

Por la llegada del Nacional Socialismo al poder en Alemania emigra a EEUU donde imparte clase a infinidad de artistas que más tarde alcanzaran la fama en el Black Montain College y después Yale.

1950 es nombrado director del Departamento de Diseño de la Universidad de Yale, puesto que ocupó hasta su jubilación en 1958.

Entre su obra pictórica destaca la serie Homenaje al cuadrado,iniciada en la década de 1950, en la que utilizó e ilustró su teoría de que los cambios de lugar, forma y luz producen cambios en el color. Dicha obra está integrada por cuadros en los que se representan cuadrados de distintos colores contenidos en otros.

1963 se publica La interacción del color en el que explora la percepción del color que es el tema recurrente en su obra.

14. (Septiembre 2020) Josef Albers y su Homenaje al cuadrado (divulgamat.net)

Conversation piece, La biblioteca de Charles Townwley en Park Street, Johan Zoffany

La pintura es un óleo sobre lienzo, que mide 127×102 cm, y se exhibe en el Art Gallery And Museum Of Burnley (Lancashire, England) en ella Zoffany representa a Charles Townley el anfitrión departiendo, y conversando con otros anticuarios rodeados de una vista imaginativa de la colección

Charles Townley, es un acaudalado caballero Ingles, anticuario, y coleccionista, que viaja 3 veces a Italia a comprar esculturas de mármol, jarrones, manuscritos, dibujos, y pinturas antiguas, Charles Townley erige una casa en el Park Street, en el West End Of London, pero tras morir él en 1805, la mayor parte de su colección pasa al Museo Británico en El Departamento De Antigüedades Griegas y Romanas donde se encuentran eahora 

Autoretrato

Zoffany, pintor Neoclásico de origen Bohemio-Alemán (Frankfurt, 13 de Marzo de 1733-11 de noviembre, Londres).

Autoretrato como David

Estudia arte en Roma, en el estudio de Agostino Masucci, y en 1760 arriba a Inglaterra.

Johan Zoffany

1763, se inicia como masón, en 1764 consiguió ser patrocinado por el Rey Jorge III, y en 1769, es miembro fundador de la Royal Academy.

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La elegante biblioteca contiene todo lo que un caballero culto del XVIII puede desear.

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Se agolpan en la biblioteca las figuras de mármol que representan atletas, ninfas, diosas y bustos.

Towneley está leyendo a la derecha sentado con su perro a sus pies, en compañía de anticuarios.

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La colección de esculturas de Charles Towneley es considerada como la mejor de Inglaterra y tras su muerte es adquirida por el British Museum.

Johann Zoffany

Cuando Zoffany hace un retrato de este aristócrata que además es amigo, elige como entorno para su conversation piece la biblioteca-galería de Park Street, donde también están el anticuario francés encargado de catalogar la colección llamado d´Hancarville -sentado ante la mesa realizando su trabajo-, el también anticuario Thomas Astle y el honorable Charles Greville -primer protector de Lady Hamilton, la amante de Nelson- charlando ambos en el fondo.

 El detalle y la minuciosidad como buen neoclásico, caracteriza el estilo de Zoffany, que destaca la diferencia entre las hieráticas esculturas y la viveza de los personajes.

La composición es buena, destaca la zona central que capta la mirada del espectador hacia el anticuario mientras Towneley lee relajado en la derecha de la escena acompañado de su perro.

El fondo queda recargado y en penumbra, resaltando el rojo.

Johan Zoffany nace en Alemania, pero estudia en Italia y recorre todo el país.

Conoce a Towneley en Florencia y se hacen amigos.

1760 Zoffany arriba a Londres y vive allí como pintor de retratos, interiores y escenas teatrales.

Jorge III se fija en él y el actor David Garrick le encarga varios retratos colectivos, (conversation piece).

1783 se traslada a la India donde se hace rico como retratista.

Zoffany nace como Johannes Josephus Zauffaly, hijo del arquitecto Franz Zauffaly.

Comienza su aprendizaje en el taller del pintor y grabador Martin Speer en Ratisbona.

1750 se marcha a Roma, donde completa su formación con Agostino Masucci, y conoce a Mengs.

En esta primera etapa, Zoffany realiza un ciclo de pinturas y frescos para el príncipe elector de Trier, Clemente Augusto, en los palacios de Trier y Ehrenbreitstein, que no se ha conservado.
1760 se traslada a Londres, donde comienza a trabajar en el estudio de Benjamin Wilson.

 Es entonces cuando Zoffany empieza a pintar las pequeñas escenas en las que un grupo de personajes conversan entre ellos, por las que es tan famoso.

Durante los años siguientes trabaja para el actor David Garrick, para él que, además de un buen número de piezas de conversación , realiza una serie de grabados en mezzotinta con escenas de representaciones teatrales, que se expone en la Sociedad de Actores en 1762, siendo muy aclamada por crítica y público, y que contribuye a que su trabajo sea conocido por toda Gran Bretaña. Al poco tiempo ya recibe encargos de la alta sociedad londinense, entre ellos lord Bute, quien probablemente le presentó, en 1763, a los reyes Jorge III y Carlota.

En obras como La reina Carlota y sus dos hijos mayores, o Jorge, príncipe de Gales, y Federico, duque de York, ambos en las colecciones reales, en Windsor Castle, Zoffany retrató por primera vez a la familia real de una manera informal, muy alejada del tradicional retrato de corte.

1769 es nombrado por el rey miembro de la Real Academia.

El mismo año en que se nacionaliza británico, en 1772, Zoffany decide partir nuevamente hacia Italia, donde realiza por encargo de la reina una de sus obras más notables: la Tribuna de los Uffizi.

A su regresó a Inglaterra, sus famosas piezas han pasado de moda, por lo que vuelve a marcharse en 1783.

Phaidom Press Limited, El ABC del Arte, Italia 2020

https://www.artehistoria.com/es/obra/charles-towneley-y-sus-amigos-en-la-galer%C3%ADa-de-park-street

https://arte.laguia2000.com/pintura/charles-townley-en-su-galeria-de-esculturas

https://es.wikipedia.org/wiki/Johann_Zoffany

https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/zoffany-johan

El activista Ai Weiwei, Plantilla

En la documenta de Kassel que se celebra cada 5 años y que anuncia lo que ha de venir en arte,  presenta un trabajo realizado con puertas y ventanas de madera rescatadas de las casas destruidas de la dinastía  Ming y Quing.

El diseño inicial bastante inestable, es anclado con sogas de acero, pero unas fuertes ráfagas de viento abaten la pieza.

7/10/17: Chinese artist, Ai Wei Wei, Image: 353824800, License: Rights-managed, Restrictions: SPECIAL PRICE. POSITIVE USAGE ONLY., Model Release: no, Credit line: Zenith Richards / Camerapress / ContactoPhoto

El autor lejos de contrariarse por la adversidad, saca partido del fortuito accidente y agradece a la naturaleza que la pieza sea ahora mucho más bonita y apropiada al sitio

Ai Weiwei, a principios de octubre, en la Cordoaria Nacional, en Lisboa.

Durante la muestra, consigue traer mil trabajadores chinos a Kassel en Alemania en 5 tandas, muchos de ellos campesinos, vendedores callejeros, estudiantes etc que nunca han salido del pais.

Propone con la alteración de la función de los objetos encontrados, un cuestionamiento de los cambiantes valores culturales y económicos, influido por Duchamp, Rauschemberg y Johns.

Chinese Artist Ai Weiwei’s Unilever Installation ‘Sunflower Seeds’ is shown at The Tate Modern on October 11, 2010 in London, England. The sculptural installation comprises 100 million handmade porcelain replica sunflower seeds. Visitors to the Turbine Hall will be able to walk on the work – which opens on October 12, 2010 and runs until May 2, 2011.

https://elpais.com/eps/2021-10-22/ai-weiwei-memorias-de-un-hombre-sin-hogar.html

https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/259-ai-weiwei-biografia-obras-y-exposiciones

https://www.traveler.es/articulos/ai-weiwei-casa-en-alentejo-portugal