Una escultura en tríptico en la que la figura del papa Francisco, creada por el artista chileno Pablo Maire, deja caer a un bebé ha generado polémica en México por el tema que trata: una crítica a la Iglesia católica y sus jerarcas que, según cuenta el artista este miércoles, perpetúan un modelo violento y anacrónico.
En la obra expuesta en la Galería Aguafuerte de la capital mexicana, titulada Chao tradición, en la primera figura aparece el papa arrullando a un bebé; en la segunda, el bebé es soltado por el pontífice y cae, y en la tercera aparece en el piso destrozado con el jerarca católico en risa plena.
Maire, nacido en Talca, Chile en 1975, es un artista visual y poeta y hace escultura, grabado, pintura y fotografía que se han expuesto en Venezuela, Perú, Argentina, Chile, Colombia, México, España y República Checa.
El artista chileno se inspira en una obra de la década de los 90 en la que el activista y artista contemporáneo chino Ai Weiwei toma un antiguo jarrón de cerámica de la dinastía Han (que reina del año 202 antes de Cristo al año 220 después de Cristo) y lo deja caer al suelo y se trituró, como una forma de protesta contra el Gobierno chino.
Él hizo este gesto simbólico como de destruir la tradición china y yo lo transpolé, puse esta obra en el contexto occidental y me imaginé la tradición católica, que es una tradición que a todos nos afecta de algún modo porque somos del mundo occidental, sobre todo con temas como la pedofilia.
Puso como ejemplo la corrupción de la Iglesia católica en Chile y recordó que hace un par de años en su país los casos de pedofilia salieron a la luz y la gente tuvo una desafección, al menos con la institución católica, no con la creencia.
Además, cuenta que cuando el papa Francisco fue a Chile, los eventos públicos estaban prácticamente vacíos a diferencia de los que lleva a cabo en Perú donde se llenan y eso, no quiere decir que Perú o México no tengan casos de pedofilia.
Son casos que como institución a mí me parecen deleznables.
La obra hecha en poliresina de 27 x 11 x 9 centímetros, con base hecha de madera, es propuesta por el artista al galerista mexicano Israel Alvarado, uno de los pocos miembros del gremio abiertos a presentar obras polémicas y disruptivas como la de Maire.
el papa toma a un niño, que puede ser Cristo también y lo expone como ofrenda a Dios por eso está mirando hacia arriba, luego en la segunda lo deja caer y en la tercera se tritura y se ríe.
Sabemos que todas las instituciones poderosas muchas veces caen desde adentro y no se necesitan factores externos para que eso se derrumbe.
Nace durante la dictadura de Augusto Pinochet, lo que obviamente condiciona.
Sobre todo porque tengo familiares perseguidos por la dictadura y tengo trabajos que no tienen solo que ver con la religión, sino que también tienen que ver con lo político y yo hago esos juegos políticos porque el arte y la política están muy vinculados desde mi punto de vista y con respecto a mi trabajo.
Para Israel Alvarado, curador y director de Aguafuerte Galería, donde se presenta la obra de Pablo Maire:
Esa obra representa romper con la tradición, ver cómo se quebranta la Iglesia y habla también de los problemas como la pederastia y el abuso sexual, problemas que la Iglesia ha enfrentado.
Además de la escultura del papa, también se presenta un óleo sobre tela en el que aparecen dos hombres, uno de raza negra y otro de raza blanca, ambos con sobrepeso, fundidos en un beso.
Alvarado cuenta que el trabajo de Maire estará expuesto dentro de la muestra colaborativa Químicas Ácidas, en la que también estará presente la obra de la escultora italiana Francesca Dalla Benetta y que se presentará al público del 25 de agosto al 19 de septiembre en Aguafuerte Galería, que se ubica en la calle de Guanajuato en la colonia (barrio) Roma.
ICOM, el Consejo Internacional de Museos prepara una lista de bienes saqueados en Ucrania y advierte de que la demanda es creciente:
Ya no es solo un pasatiempo de ricos
En un aeropuerto de Rumania, en las maletas de un individuo cualquiera, los agentes aduaneros detectan 18 artefactos antiguos.
Se les puso la mosca tras la oreja: parecían objetos sospechosos.
Supieron identificarlos enseguida porque figuraban en las listas rojas que elabora periódicamente el Consejo Internacional de Museos (ICOM por sus siglas en inglés): procedían de la antigua cultura egipcia.
Gracias a que estaban incluidos en una de esas listas rojas fueron interceptados y, finalmente, devueltos a Egipto, de donde nunca deberían haber salido.
La historia la ha contado Mihaela Simion, arqueóloga del Museo Nacional de Historia de Rumania, en una de las mesas de trabajo de la que se celebra esta semana en Praga, uno de cuyos temas de debate es el tráfico ilícito de bienes culturales, que parte de objetos robados a instituciones o de excavaciones irregulares.
Un problema global que involucra a redes internacionales, destruye el patrimonio cultural de los países y, en ocasiones, sirve para financiar otros delitos.
Las listas rojas elaboradas por equipos internacionales de expertos, dan cuenta no de los materiales robados, sino de aquellos que están en riesgo de ser objeto de tráfico. Se distribuyen a las aduanas, cuerpos de policía, casas de subastas o museos.
Son como esos carteles que muestran el rostro de delincuentes o terroristas, los más buscados; con la salvedad de que el delito en este caso aún no se ha cometido.
Es una forma de que las autoridades estén atentas, una información destinada a aquellos que no son museólogos o historiadores del arte y que no tienen por qué distinguir una estatuilla etrusca de un souvenir. Más vale prevenir.
Explica en Praga Darinka Kolar, inspectora jefa de policía, historiadora del arte y directora del Museo de la Policía de Eslovenia.
En los cuerpos de policía no hay expertos en arte, así que las listas son muy útiles para luchar contra los delitos relacionados con el patrimonio cultura
Hay ejemplos. En febrero de 2021, un conjunto de 51 monedas antiguas, de origen árabe y griego, son entregadas para su estudio a la Universidad de Washington, Estados Unidos, para su estudio académico.
Estas raras piezas son incautadas en el puerto de Blaine, en 2017, a una persona que trata de cruzar la frontera de Estados Unidos a Canadá.
El individuo no tenía forma de demostrar la propiedad de las monedas.
Al examinarlas, el servicio de aduanas apreció que algunas de ellas eran similares a las que figuraban en la lista roja de antigüedades de Afganistán.
Así fueron recuperadas y puestas al servicio de estudiantes e investigadores.
Es difícil aventurar el volumen del comercio ilícito global de este tipo de piezas, porque no hay estadísticas exhaustivas, pero el tráfico es intenso y la demanda creciente.
Ya no es solo un pasatiempo de ricos, alerta la organización.
Hasta el momento se han publicado 18 listas rojas que cubren unos 50 países.
La última está dedicada a los países del sudeste de Europa, una región con un patrimonio cultural muy disminuido por los conflictos políticos.
Incluye documentos antiguos, libros incunables, figuras grecorromanas o retratos medievales.
En otoño se presentará la de Ucrania, cuya invasión por parte de Rusia ha puesto en peligro buena parte de su patrimonio.
La situación caótica que se produce en países en conflicto hace que los traficantes se froten las manos: los controles se relajan y el comercio ilícito de objetos artísticos se intensifica, como ocurrió desde el inicio de la guerra de Siria.
Muchas piezas acaban rápidamente ofertadas en páginas web y redes sociales.
Aunque es un error pensar que el tráfico es solo un problema en zonas de conflicto.
La preocupación de ICOM no es nueva.
Desde 1947 la organización lleva alertando del problema, en los años 60 y 70 era común ver anuncios sobre piezas sustraídas en sus publicaciones, y se acabaron haciendo libros donde se daba cuenta de las piezas con las que se estaba comerciando de manera irregular.
Explica Ted Oakes, de ICOM:
Pero en los años 90 se hace evidente la necesidad de una información que se pueda actualizar de forma más fácil y rápida, y es cuando aparecen las listas rojas
2000 se publica la primera lista roja centrada en África.
Se avisa de que estatuas de piedra del norte de Burkina Faso, piezas de bronce y terracota de Ife (Nigeria) o vasijas de Malí pueden caer en manos de traficantes.
¿Cómo se sabe qué tipo de piezas están en peligro?
Esa es la dificultad de hacer una de estas listas ―dice Sophie Delepierre, jefa del departamento de Protección del Patrimonio de ICOM―. Muchos de los objetos con los que se traficará todavía no han sido ni siquiera descubiertos ni saqueados, ni, por tanto, inventariados: no se pueden poner en una lista de objetos robados.
Las imágenes que se publican en estos documentos son solo orientativas, de otras piezas inventariadas similares.
La idea es prever qué objetos pueden ser encontrados o robados en, sobre todo, yacimientos arqueológicos, para que las autoridades sepan reconocerlos cuando los intercepten en el equipaje de algún viajero o en una caja al fondo de un camión.
Esos bienes pueden estar protegidos por la ley en sus países, pueden ser muy demandados en el mercado y su situación puede ser particularmente vulnerable.
Muchas veces en el mercado de antigüedades se hace la vista gorda ante tales prácticas o son los propios actores de ese mercado los que, por propio interés, se oponen a las regulaciones, según describe el periodista alemán Günter Wessel en el informe Lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales (Countering Illicit Traffic in Cultural Goods), publicado por ICOM.
Los traficantes pueden ser redes organizadas, individuos imbuidos del espíritu de Indiana Jones o, incluso, personas que trafican involuntariamente: un paseante poco informado puede encontrarse una vasija antigua por el campo en un viaje al extranjero y llevársela a su casa sin tener conciencia de que esa pieza, dado su interés histórico y artístico, es patrimonio nacional.
Otras veces la apropiación no es tan inocente.
La Comisión Europea ha encontrado vínculos entre el tráfico ilícito de bienes culturales y la financiación de organizaciones terroristas o regímenes represivos.
Por ejemplo, la Tabla de Gilgamesh, de 3.500 años de antigüedad, que fue sustraída de un museo iraquí en 1991 y vendida para financiar a grupos terroristas, fue devuelta el año pasado a Irak por Estados Unidos.
En la primera guerra de Irak fueron saqueados 17.000 objetos.
Otro ejemplo del uso de las listas rojas, también con material iraquí, sucedió cuando en una casa de subastas de los Países Bajos fueron detectados 7 objetos ilícitos, conos tallados con escritura cuneiforme y figurillas mesopotámicas, entre ellas una de la diosa madre de la cultura Halaf, que ofrecía un coleccionista holandés y que en mayo de 2021 fueron devueltos a su país de origen.
Circunstancias como las descritas son las que impulsan la legislación de la Unión Europea en este ámbito, como la Directiva de 2014 para la restitución de bienes culturales que hayan salido de forma ilegal del territorio de un Estado miembro.
El último Reglamento 880 de 2019, que trata de prevenir el comercio ilícito y facilitar la devolución inmediata de las piezas interceptadas entre los estados de la Unión, con un foco especial en evitar la financiación del terrorismo.
Además de las listas rojas, el ICOM trabaja alentando a los países a ratificar la Convención de la Unesco de 1970 y la Convención de UNIDROIT de 1995, ambas en torno a este tipo de comercio, así como promoviendo acuerdos bilaterales entre estados y acompañando la actividad de la Interpol.
Concluye Delepierre
Pero la comunicación en este sentido es esencial: en el momento en que publicamos y distribuimos las listas rojas, gran parte del trabajo ya está hecho.
La foto tomada por Lynn Goldsmith y una pintura de la serie de Prince de Andy Warhol que compararán los jueces para su fallo en el litigio por derechos de autor que se debate en los Estados Unidos
La pregunta que se hacen los jueces de la Corte Suprema de Estados Unidos es si su serigrafía del cantante Prince añade o no un sentido diferente a la fotografía en la que se basa.
El juicio es en octubre y ya hay abierto un debate entre los magistrados de Estados Unidos
2001, la Corte Suprema de California falla que un artista llamado Gary Saderup no puede vender dibujos en carbonilla de Los Tres Chiflados sin permiso de los herederos de los cómicos, argumentando que las imágenes infringen la ley de ese estado sobre el uso comercial de cualquier parecido con las celebridades.
En un curioso apartado de la sentencia, el juez Stanley Mosk aclara que otro habría sido el caso si el acusado hubiese sido Warhol.
Sus serigrafías de Marylin Monroe, Elisabeth Taylor y Elvis Presley, podrían estar protegidos por la primera enmienda
A través de la cuidadosa distorsión y manipulación del contexto, Warhol fue capaz de transmitir un mensaje que iba mucho más allá de la explotación comercial de la imagen de la celebridad y se convertía en una forma irónica de crítica social sobre la deshumanización de la celebridad en sí misma.
El año pasado, en un caso sobre códigos informáticos, para argumentar su sentencia el juez Stephen Breyer apeló a un concepto similar con el ejemplo de las obras de Warhol con imágenes de las sopas Campbell y otros productos comerciales, un tema totalmente ajeno al caso específico que se juzgaba.
Por más que replique precisamente el logotipo de una publicidad protegida por el copyright, una pintura artística podría considerarse un uso legítimo del copyright para hacer una crítica social al consumismo.
Pero el caso que llega ahora a la Corte Suprema concierne al propio Andy Warhol.
El 12 de octubre, los magistrados evaluarán si el artista violo la Ley federal de Copyright de Estados Unidos con un retrato del cantante Prince, basado en la foto de un prestigioso fotógrafo.
Y para hacerlo tendrán que decidir si las modificaciones que introduce Warhol en la foto la convierten en una cosa diferente.
Podrían dictaminar, como lo hizo el juez John G. Koeltl, del distrito de Manhattan, que al haberle imbuido un nuevo significado, Warhol transforma esa fotografía en otra cosa.
Pero la Corte Suprema también puede adoptar la línea del Tribunal de Apelaciones del Segundo Circuito, que los jueces simplemente deben comparar las similitudes entre ambas obras y no meterse en la interpretación de su significado.
Escribe Gerard E. Lynch, del tribunal de apelaciones:
Un juez de distrito no debería asumir el rol de crítico de arte ni tratar de determinar el significado o la intención detrás de las obras en cuestión
Y eso se debe tanto a que los jueces no suelen estar capacitados para hacer juicios estéticos y también porque esas percepciones son inherentemente subjetivas.
El caso que pronto estará en manos de la Corte Suprema es de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales versus Goldsmith, y todo comienza por un encargo periodístico de rutina.
1981, la revista Newsweek le pide a la exitosa fotógrafa de rock Lynn Goldsmith que le haga fotos a Prince durante un concierto, y también en su estudio de fotógrafa.
La revista finalmente publica una foto del concierto, y Goldsmith se queda con los retratos de estudio.
Tres años después, alrededor del momento en que Prince lanza su disco Purple Rain, la revista Vanity Fair contrata a Warhol para crear una imagen que acompañe un artículo titulado Purple Fame.
La foto tomada por Lynn Goldsmith y una pintura de la serie de Prince de Andy Warhol que compararán los jueces para su fallo en el litigio por derechos de autor que se debate en los Estados Unidos
La revista le paga US$400 a Goldsmith por la licencia de usar uno de sus retratos de 1981 como referencia artística, acuerda que su nombre figure en el crédito de la imagen y que solo sea usada con ese único propósito.
En su serie de 16 imágenes, Warhol altera la foto de diversas maneras, sobre todo recortándola y coloreándola para crear lo que los abogados de su fundación describen como una apariencia de máscara, impersonal y descarnada.
Vanity Fair elige una de las imágenes y la publica.
1987 Warhol fallece y la propiedad de su obra pasa a manos de su fundación, incluidas las 16 imágenes de lo que se denominó la Serie Prince.
Esas obras se venden por valores de seis cifras en dólares, un precio relativamente bajo para los estándares de Warhol.
La presentación de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales ante la Corte Suprema consigna que las subastas de obras de Warhol en la década 2004-2014 superaron los 3 mil millones.
Cuando Prince muere, en 2016, Vanity Fair publica un número especial como tributo a la vida del cantante y compositor, y le paga US$10.250 dólares a la fundación para usar la portada una imagen diferente de la Serie Prince.
Pero en esa oportunidad Goldsmith no recibe nada
Entonces se desata el litigio judicial, que en gran medida gira en torno a si Warhol transforma o no transforma la fotografía de Goldsmith.
La Corte Suprema dice en otros casos que una obra se transforma si agrega algo nuevo, con un propósito adicional o un carácter diferente, alterando lo primero con una nueva expresión, significado o mensaje.
En su alegato ante la Suprema Corte, los representantes legales de la fundación solicitan a los jueces que dictaminen que las obras posteriores están amparadas por la doctrina del uso legítimo del copyright siempre que agreguen un significado o mensaje nuevo.
Pero eso plantea una serie de dilemas. ¿Quién puede determinar el significado de una obra de arte? ¿Cuánto significado nuevo tendría que incorporar? ¿Y qué hacer entonces con lo que la ley de derechos de autor llama obras derivadas como las adaptaciones de novelas para el cine o la televisión?
En un escrito presentado la semana pasada, los abogados de Lynn Goldsmith le piden a los magistrados que evalúen el caso de una manera holística que equilibre los cuatro factores de uso legítimo que establece la Ley de Copyright.
Ese enfoque plantea un conjunto de dilemas diferente, entre otros, si la falta de una directriz judicial clara no tendrá un efecto de autocensura en los artistas que quieran construir y elaborar a partir del trabajo de sus predecesores, una práctica tan antigua como el arte mismo.
Así que los jueces tal vez no tengan más remedio que salir a opinar sobre el significado de un retrato de Prince.
Hace más de 100 años, en otro litigio sobre derechos de autor, el juez Oliver Wendell Holmes Jr. dijo que los magistrados deberían ir con pie de plomo cuando se discute sobre obras de arte.
Para personas solo capacitadas en leyes, sería una aventura peligrosa ponerse a sí mismas en jueces del valor de ilustraciones pictóricas.
2017 se difunde el que un Da Vinci va a ser subastado, y los coleccionistas se inquietan, provocando revuelo.
Y todo ello porque se subastaba una pintura de hace 500 años, de uno de los considerados artistas más grandes que ha dado el planeta.
Fue realizada en 1500 y subastada en noviembre de 2017 por 450 millones de dólares en Christie’s de Nueva York. Su comprador fue el príncipe heredero de Arabia Saudita, Mohamed bin Salam.
La suma por la que es adquirida esta es 450 millones de dólares, por lo que se trata de la obra de arte más costosa de toda la historia.
Es comprada por un príncipe de origen saudí, que actua como intermediario para un miembro real de su casa, en la subasta organizada por la reconocida casa Sotheby’s de Londres.
Primero es exhibida en el Louvre Dubai, luego es anunciada su exhibición en préstamo en el Louvre de París, pero inexplicablemente es excluida de la muestra y una fuente anónima indica que la obra es trasladada por avión privado y colgada en un yate privado propiedad del miembro de la casa real saudí que es su verdadero dueño.
La segunda obra más cara, es un retrato de Paul Gauguin.
Un pintor postimpresionista de origen francés, titulada ¿Cuándo te casas?, esta obra forma parte de la serie que el pintor dedica a Thaití, alcanzando en la subasta que se realizó en el año 2015, 300 millones de dólares.
Está en el lugar de honor de las obras de arte más caras del mundo hasta que se subasta la obra de Da Vinci.
Pero, un año más tarde comparte el lugar de honor con de Kooning.
El intercambio de de Kooning
Uno de los más reconocidos exponentes del expresionismo abstracto americano del siglo XX y El Intercambio es una especie de paisaje abstracto urbano, pintado alrededor del año 1960.
Las obras de este artista comienzan a tener renombre cuando el MoMa de New York empieza a adquirirlas.
La puja llega también a los 300 millones de dólares que son pagados por un comprador de Qatar.
Es adquirida de manera secreta por la familia real de Qatar, a un precio de 250 millones de dólares en el año 2011, compitiendo con ofertas que llegaron desde New York y de París, convirtiendo a esa ciudad en la capital cultural del arte, si tomamos en cuenta sus adquisiciones previas en este ranking.
La pintura era propiedad del multimillonario griego Yorgos Embiricos, quien fallece también en el año 2011.
Se sabe que antes de su fallecimiento había comenzado las negociaciones para la venta del cuadro, pero el trato es cerrado por sus herederos.
Los Jugadores de Cartas es pintado por Cézanne durante la década de 1890, período en el cual este pintor crea sus principales obras, como artista consagrado.
Es adquirido en la misma subasta en la que se vende El Intercambio de Kooning, por la suma de 200 millones de dólares, de modo que se encuentra en la posición cinco de esta lista.
El Numero 17A es una obra del período expresionista abstracto norteamericano, y es comprada por Keneth C. Griffin en el año 2015, de su anterior propietario David Geffen.
Esta obra en óleo sobre una tabla de fibra pertenece a una colección privada, pero ha sido prestada para su exhibición al museo de Arte de Chicago.
Esta lista se completa con Violeta, Verde y Rojo de Mark Rothko, que es vendida por la suma de 180 millones de dólares en el año 2014.
Las Mujeres de Argel y El Sueño, ambos de Pablo Picasso por las sumas de 180 y 179,4 millones de dólares respectivamente.
Número 5 de Jackson Pollock que se vende por 140 millones de dólares.
Retrato de Adele pintado por Gustav Klimt, vendido por 136 millones de dólares.
Desnudo, Hojas Verdes y Busto de Pablo Picasso, que se vende por 106 millones de dólares.
Para poder comprar todas estas obras juntas, tomando únicamente como referencia el valor al que son vendidas en su momento, hace falta más de 2000 millones de dólares, una suma grande para 11 piezas.
Lord Elgin se hizo con los mármoles del Partenón a principios del XIX con la intención de decorar con ellos su casa, pero problemas económicos le impulsaron tres décadas después a vendérselos al British, que los exibe desde 1832.
Jonathan Williams, subdirector del Museo Británico de Londres, ha sugerido un plan para repatriar los mármoles del Partenón a Grecia, según The Guardian.
Dos visitantes contemplan un grupo de esculturas del friso del Partenón en el British Museum, en una imagen de 2000. /Reuters.
Denominado la asociación del Partenón, el esquema exige que las autoridades griegas y los funcionarios del Museo Británico acuerden un programa de préstamo de los objetos: quince metopas, diecisiete esculturas figurativas y una parte de un friso que adornaba el templo del Partenón de 2.500 años de antigüedad en la Acrópolis antes de ser trasladado al Reino Unido por Lord Elgin, luego el embajador británico en el Imperio Otomano, a principios del siglo XIX.
Entre 1801 y 1805 Lord Elgin arrancó metopas, el friso interior del Partenón y se llevó a Inglaterra diversas estatuas.
La repatriación de los mármoles ha sido buscada activamente por Grecia desde 1983.
Durante décadas, el Reino Unido ha retrasado la devolución de los artículos, citando la llamada defensa de Bloomsbury en su esfuerzo por retener la posesión de las esculturas, alegando que los artículos son propiedad del Museo Británico y, por lo tanto, no están sujetos a la supervisión del gobierno.
En el nuevo museo de la Acrópolis, el friso del British Museum hablaría directamente con el Partenón. Foto: The Guardian.
Las autoridades del museo han sostenido que los mármoles fueron adquiridos legalmente en un momento en que Grecia estaba bajo el dominio otomano.
En mayo, los gobiernos de los dos países acordaron mantener conversaciones formales sobre la repatriación.
Lo que estamos pidiendo es una activa ‘asociación del Partenón’ con nuestros amigos y colegas en Grecia», dijo Williams a la revista Sunday Times Culture. Creo firmemente que hay espacio para una conversación realmente dinámica y positiva dentro de la cual se pueden encontrar nuevas formas de trabajar juntos.
El primer ministro griego, Kyriakos Mitsotakis, que ha pedido públicamente la repatriación de los mármoles en numerosas ocasiones, había sugerido previamente el programa de préstamos entre el Reino Unido y Grecia.
Al señalar que el Museo Británico esperaba cambiar la temperatura del debate, que a veces ha sido bastante acalorado, Williams expresó su amabilidad con la posibilidad.
Hay muchas cosas maravillosas que estaríamos encantados de pedir prestadas y prestadas, dijo. Es lo que hacemos.
Nikolaos Stampolidis, director del Museo de la Acrópolis, sugirió que el plan podría ser una base para conversaciones constructivas:
En los días difíciles en los que vivimos, devolverlos sería un acto de historia. Sería como si los británicos estuvieran restaurando la democracia misma.
Johnson dijo de estudiante:
Los mármoles de Elgin deben ser desplegados al lugar al que pertenecen, en un país de sol brillante y paisajes de Aquiles, en medio de montañas que hacen sombras y son eco del mar.
O sea, en Grecia. Son palabras poéticas de Boris Johnson, pero no como primer ministro británico sino cuando era un joven estudiante de las culturas clásicas en la Universidad de Oxford.
El Johnson actual no dice eso.
Cuando su homónimo griego Kyriakos Mitsotakis visitó Londres hace unos meses y le planteó el asunto (cuestión perenne en las relaciones bilaterales, algo así Gibraltar con España), el líder conservador lanzó balones fuera y le dijo que es una decisión que no corresponde al gobierno sino al British Museum.
Lo cual no es estrictamente cierto, porque un acta parlamentaria prohibe al museo restituir piezas de su patrimonio. El pez que se muerde la cola.
Pero cada vez son mayores las presiones a la institución de Bloomsbury para que devuelva las joyas que compró a Lord Elgin (embajador británico en Constantinopla cuando Grecia formaba parte del Imperio otomano que rescató las piezas), y también los bronces de Benín y los tesoros de Etiopía que tiene en sus salas (pero sobre todo en sus sótanos, criando polvo, porque la mayoría raramente se exponen al público).
Varios factores contribuyen a ello.
El Museo Horniman de Londres anunció la semana pasada la decisión de retornar a Nigeria los 75 bronces que forman parte de su colección, siguiendo los pasos de la Universidad de Cambridge, la Galería de Arte de Aberdeen, el Smithsonian de Washington, el Antonino Salinas de Palermo y los gobiernos de Francia y Alemania.
Paralelamente, está ya lista la tecnología 3-D que, con ayuda de un robot, permite hacer réplicas idénticas de los mármoles del British (y de cualquier otra pieza, ya ha fotocopiado con éxito el Arco de Triunfo romano de Palmira, destruido en la guerra de Siria), con lo cual las copias podrían quedarse en Londres y los originales regresar a su casa original.
Cada vez son más los personajes del mundo de la cultura del Reino Unido que dicen que ha llegado la hora de devolver los mármoles del Partenón. Pero sigue habiendo una considerable resistencia, con argumentos como que en ninguna parte estarán mejor cuidados que en el British; que ya llevan doscientos años en su famosa Sala 18 (poca cosa en comparación con los veinticinco siglos que estuvieron en su sitio original), a salvo de la lluvia ácida que los corroería en Atenas, son parte integral de su colección y su identidad; que la cultura ha de ser “universal” y no “local”, y por tanto cuanto más repartidas por el mundo estén los tesoros culturales, mejor; y que no se trata de un expolio como los bronces de Benín, porque Elgin pidió permiso para llevárselos y le fue concedido por las autoridades de la época (Grecia no era la misma entidad política que ahora).
Los mármoles y bajorrelieves de la discordia datan de entre los años 447 y 432 antes de Cristo, y fueron sustraídos del Partenón y otros templos de la Acrópolis por Thomas Bruce, un estadista escocés y séptimo conde de Elgin, después de encontrarlos entre los escombros, destruidos después de un ataque a Atenas por parte de las tropas venecianas, y comprarlos (según la versión inglesa), aunque fuera a precio de ganga.
La visión griega, cada vez más compartida, es que el diplomático utilizó medios ilícitos para hacerse con las obras y exportar las esculturas, que en cualquier caso los otomanos, como fuerza invasora, carecían de autoridad legítima para disponer de ellas, y una “reunificación” está en orden.
El director del British y ex ministro de Economía, George Osborne, sugirió hace poco que “podríamos llegar a un acuerdo” con Atenas.
No la devolución, pero sí un “préstamo” o “depósito” de los mármoles, por un periodo de tiempo susceptible de ser prorrogado, pero con la condición de que las autoridades griegas “prestaran” a su vez a Gran Bretaña tesoros de sus colecciones como la Máscara de Agamenón o El jinete de Artenision , y renunciaran a la “propiedad” de lo que se llevó Elgin.
El presidente francés Emmanuel Macron ha afirmado que no existe justificación válida, duradera e incondicional para que los museos franceses se aferren a las piezas expoliadas de sus colonias africanas- ¿Cuándo dirá un líder del Reino Unido algo parecido?
Un 59% de los británicos es partidario de la restitución, mientras que sólo un 18% se opone.
El mayor problema del British es el cambio de actitud de los visitantes del museo, sus patronos y mecenas, el mundo de la moda y la cultura, en un escenario que condena sin contemplaciones la supremacía blanca y los legados coloniales, y cancela a quienes se beneficiaron del esclavismo y e imperialismo.
The City, una gigantesca escultura de Michael Heizer en la que el artista de Land Art ha trabajado durante más de cincuenta años en el desierto de Nevada, da la bienvenida a los visitantes el 2 de septiembre.
Considerada como la obra de arte contemporánea más grande del mundo, The City comprende un extenso complejo de estructuras y masas de tierra distribuidas en un sitio de más de una milla y media de largo y media milla de ancho.
Su alcance, que evoca paisajes posindustriales, así como complejos mesoamericanos, túmulos funerarios de nativos americanos o estructuras ceremoniales egipcias, la enorme obra está situada en las tierras ancestrales de Nuwu (Southern Paiute) y Newe (Western Shoshoni), aproximadamente a 160 millas al norte de Las Vegas, en el remoto Monumento Nacional Basin and Range en el centro este de Nevada.
Heizer comienza a trabajar en The City en 1970 y pasa años adquiriendo las parcelas de tierra necesarias para crearla.
Muchos de los materiales utilizados para realizar las estructuras que componen la obra son extraídos del propio terreno.
Heizer, inicialmente financia el trabajo él mismo, encuentra numerosos obstáculos para el proyecto, incluida la posible reducción de los monumentos de Basin and Range para acomodar el desarrollo.
1998, un grupo de destacados coleccionistas, instituciones y comerciantes forman la Fundación Triple Aught, que hasta la fecha canaliza casi 30 millones de dólares al proyecto.
La fundación, cuyos miembros de la junta incluyen a Heizer; Michael Govan, director y director ejecutivo del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; Glenn Lowry, director del Museo de Arte Moderno de Nueva York; la coleccionista y cofundadora de Glenstone, Emily Wei Rales; y la directora sénior de Gagosian, Kara Vander Weg, propietaria y administradora de la ciudad, y encargada de preservarla a largo plazo.
2015, después de que un grupo de funcionarios del museo y el difunto senador Harry Reid hicieran una petición al Congreso sobre el asunto, el entonces presidente Barack Obama firma una proclamación que protege 740 000 acres del desierto de Nevada, incluido el sitio de la ciudad, bajo la Ley de Antigüedades de 1906.
Dice Govan en un comunicado:
A lo largo de los años, a veces comparaba el proyecto City de Michael Heizer con algunos de los monumentos y ciudades antiguos más importantes.
Pero ahora solo lo comparo consigo mismo. Es una obra de arte consciente de nuestros impulsos primarios para construir y organizar el espacio, pero incorpora nuestra modernidad, nuestra conciencia y reflexión sobre la subjetividad de nuestra experiencia humana del tiempo y el espacio, así como las muchas historias de civilizaciones que hemos construido.
La Ciudad estará abierta en 2022 del 2 de septiembre al 1 de noviembre.
La entrada es gratuita, con acceso público limitado durante el primer año de la obra abierta al público.
La inscripción anticipada es obligatoria y está disponible por orden de llegada enviando un correo electrónico a la Fundación Triple Aught.
Expertos italianos sacan a luz la que consideran una obra de Picasso, con la que el artista español quiere homenajear a su amigo Paul Klee, y en la que se representa de manera caricaturesca al dictador Adof Hitler y ahora esperan que se pueda comprobar su autenticidad.
La experta de arte y miembro del comité de expertos en Arte y Literatura del centro Unesco de Florencia Annalisa Di Maria, que presenta recientemente la obra dice:
actualmente no se puede atribuir la obra con certeza a Picasso y ciertamente la pintura tendrá que ser investigada más a fondo, no hay duda de que se trata de una obra del pintor malagueño.
Para Di Maria, se trata de una pintura que Picasso regala a Klee, uno de los artistas más perseguidos por el régimen alemán, aunque no se encuentra en ninguno de los catálogos de las obras robadas o incautadas en lo que denominaron arte degenerado, sobre todo al ser una pintura muy incómoda porque se trataba de ridiculizar la figura del Führer y era mejor que se mantuviese escondida.
Klee y Picasso son amigos y se tenían admiración mutua y se encontraron al menos en dos ocasiones, tanto que en 1914 Klee hizo una obra para rendir un homenaje a Picasso y se cree que el pintor español quiso devolver con este cuadro, que ahora pertenece a una colección privada de una familia italiana cuyo antepasado trabajaba en una estación de trenes, donde se cree que pudo ser encontrada.
Paul KleePaul Klee
Según los primeros estudios que se han realizado sobre los pigmentos en la universidad de Ascoli Piceno, la obra, titulada El ojo de la serpiente, debido a la serpiente cascabel que marca el contorno del rostro del dictador, se puede situar entre 1935 y 1937.
Picasso, El ojo de la serpiente
Di María explica que de comprobarse la autoría del artista se trataría de un descubrimiento excepcional pues sería además un gran ejemplo de la gran oposición y lucha de Picasso contra Hitler.
En esta obra se caricaturiza a Hitler gracias a la inclusión de algunos elementos no tolerados por el Führer y el régimen nazi como el maquillaje en la cara, el pintalabios y la pipa, pues Hitler odiaba el tabaco.
Mientas que en los labios se observa la palabra escrita Schweigen (Cállate en alemán), que podría tener varias interpretaciones como la voluntad de mantener la obra en secreto, para evitar que el autor fuera perseguido por los nazis, o la persecución y censura que ejercia el régimen.
Aunque la obra no está firmada, el perito calígrafo Stefano Fortunati ha subrayado, tras analizar esta palabra escrita que la inicial S coincide con el estilo de escritura de Picasso.
Para la experta italiana existen muchos elementos que indican la mano de Pablo Picasso como la forma de los ojos o de los labios que son iguales a los que también se encuentran en el diseño que hizo de Iósif Stalin, aunque el cuadro es híbrido entre las características pictóricas del malagueño y las de Klee, ya que pretende ser un regalo al artista alemán.
Además, Di Maria señala que el análisis de la pintura ha determinado que existen elementos químicos utilizados por Picasso en aquella época y que con el tiempo provocan que queden algo descoloridos y tengan que ser retocados.
La obra merece ser conocida, estudiada nuevamente y vista por otros expertos para apreciar su importancia. Sin duda representa una de las obras más importantes del siglo XX como crítica al nazismo. Un testimonio de disidencia, portador de la verdad de aquellos horrores cometidos por uno de los dictadores más sanguinarios de la historia. Sólo un genio y un maestro del expresionismo con un profundo sentido de la ironía punzante podría haber creado tal pintura.
Funcionarios del Ministerio del Interior de Irak comunican que descubrieron una pintura valiosa de Picasso robada durante una redada realizada por la dirección antinarcóticos del ministerio el 13 de agosto.
La redada, que tuvo lugar en la provincia de Diyala, en el centro del país, resultó en el arresto de tres personas acusadas de tráfico y venta de narcóticos.
Se les incautó una pintura perteneciente al pintor internacional Picasso, dijo el director de la oficina de medios antinarcóticos, el coronel Bilal Sobhi, a la Agencia de Noticias Iraquí en un comunicado.
La redada fue parte de una redada más amplia lanzada en julio que hasta la fecha ha identificado a 1300 sospechosos y resultó en la incautación de aproximadamente 101 libras de «sustancias narcóticas» y alrededor de 82 libras de «estimulantes, incluido el cristal», según Sobhi, quien dibujó una línea directa del narcotráfico al saqueo de objetos históricamente valiosos.
El tráfico de drogas está vinculado a muchos delitos, incluidos asesinatos, robos, secuestros, violaciones, formación de pandillas, corrupción y desintegración familiar, y comercio de antigüedades.
No hay más detalles disponibles sobre el trabajo, que aún no ha sido autentificado.
El sitio de noticias con sede en los Emiratos Árabes Unidos The National, que cubre eventos en el Medio Oriente, señala que es una obra que se cree que fue del maestro español fue recuperada en 2009 en la ciudad iraquí de Hillah.
Inicialmente se creía que la pintura había sido robada del Museo Nacional de Kuwait durante la invasión de Kuwait en 1990.
Titulado Mujer desnuda, el trabajo es etiquetado como Louvre y llevaba sellos de la institución de París; sin embargo, el museo niega haber poseído la pintura, y el Art Loss Register de Londres señala que la institución de Kuwait no ha denunciado su desaparición.
Iraq Ministry of Interior officials say they discovered a stolen Picasso painting “worth millions of dollars” in the course of a raid carried out by the ministry’s anti-narcotics directorate on August 13.
The bust, which took place in the country’s central Diyala province, resulted in the arrest of three individuals on charges of trafficking and selling narcotics.
“A painting belonging to the international painter Picasso was seized in their possession,” anti-narcotics media office director Colonel Bilal Sobhi told the Iraqi News Agency in a statement.
The raid was part of a broader sweep launched in July that to date has netted 1,300 suspects and resulted in the seizure of roughly 101 pounds of “narcotic substances” and about 82 pounds of “stimulants, including crystal,” according to Sobhi, who drew a direct line from narcotics trafficking to the looting of historically valuable objects.
The drug trade is linked to many crimes, including murder, theft, kidnapping, rape, gang formation, corruption, and family disintegration, until it reaches the antiquities trade.
No further details are available regarding the work, which has not yet been authenticated. UAE-based news site The National, which covers events in the Middle East, notes that a work believed to have been by the Spanish master was recovered in 2009 in the Iraqi town of Hillah.
The painting was initially believed to have been stolen from the Kuwait National Museum during the 1990 invasion of Kuwait.
Titled Naked Woman, the work was labeled “Louvre” and bore stamps of the Paris institution; however, the museum denied ever having owned the painting, and the Art Loss Register in London noted that it had not been reported missing by the Kuwait institution.
Fallece a los 96 años Hanae Mori, diseñadora de moda japonesa conocida como Madame Butterfly.
La diseñadora de moda japonesa Hanae Mori, conocida como Madame Butterfly por sus motivos con mariposas y por convertirse en la primera persona japonesa en considerarse diseñadora oficial de alta costura en París en 1977, ha muerto a los 96 años.
Mori, que obtiene el reconocimiento internacional por sus diseños con temática East meets West (Oriente se encuentra con Occidente), fallece el pasado 11 de agosto.
Nacida en la prefectura occidental japonesa de Shimane en 1926, se trasladó a Tokio donde desarrolla su carrera, en la que llega a vestir a la emperatriz japonesa Masako en su desfile nupcial de 1993.
Estudia literatura en la Universidad Cristiana de Mujeres de Tokio, pero decidie reorientarse hacia la moda tras casarse con Ken Mori, directivo en la industria textil.
A los 25 años, en un Tokio que renacrede la Segunda Guerra Mundial, abre su primera tienda, Hiyoshiya, en el distrito de Shinjuku, frente a un cine.
Y es una suerte,pues saliendo de una película, un director japonés se fija en sus diseños y le encarga el vestuario para su próximo film, el primero de cientos de largometrajes japoneses en los que colabora.
Tras estos inicios vinculados al cine, su carrera la lleva a Nueva York y París, buscando la inspiración explorando como clienta en las galerías y las tiendas de alta costura.
Así acude al estudio de Coco Chanel que, tras estudiar rápidamente a su clienta nipona, le sugiere un conjunto naranja brillante para contrastar con su melena negra azabache.
Ese consejo la dejó perpleja y se convierte en una revelación:
Todo el concepto japonés de belleza se basa en la ocultación (…) De repente me di cuenta de que tenía que cambiar mi enfoque y hacer ropa que ayudara a las mujeres a destacar.
1965, llevó a cabo su primer desfile en el extranjero, en Nueva York, bajo el nombre East meets West y que llama la atención por fusionar diseños tradicionales de kimonos japoneses en vestidos de corte occidental.
1977, abre un salón de alta costura en París, convirtiéndose en la primera persona japonesa en formar parte de la Cámara Sindical de la costura parisina y siendo reconocida así como diseñadora oficial de alta costura.
Mantiene su estudio hasta 2004.
También diseña los uniformes para las azafatas de la compañía Japan Airlines, donde introduce la minifalda, así como el uniforme oficial para la delegación japonesa en los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992.
Es pionera entre las mujeres japonesas, una de las pocas que encabeza una corporación internacional.
Mori, que se encontraba ya retirada, todavía regentaba algunas tiendas en el conocido barrio tokiota de moda Harajuku, así como su marca de perfumes, todavía en activo y que se fabrica en Francia.
Su muerte se produce días después de que se diera a conocer el fallecimiento a los 84 años del tambien diseñador japones Issey Miyake, conocido internacionalmente por sus creaciones que combinaban tradición nipona con materiales y cortes vanguardistas.
Su diseño estrella es la mariposa, que se puede apreciar en muchas de sus prendas, y le ganó el apodo de Madame Butterfly, una ópera para la que también diseña los trajes durante su carrera, además de otras como Electra, o ballets y musicales como las producciones japonesas de Cenicienta o Evita.
También diseña para óperas que se celebraron en La Scala de Milán y en el ballet de la Ópera de París.
Ademas de vestir a la emperatriz Masako, entre su clientela también se encuentran Grace Kelly, la exprimera dama de EE UU Nancy Reagan y otras celebridades, lo que le lleva a recibir la Medalla de Honor de la Cinta Púrpura de Japón, la máxima condecoración cultural que se otorga por importantes contribuciones en el mundo de las artes, deportes y tecnología.
1989, también recibe la Legión de Honor francesa, la mayor distinción de este país y que se entrega a ciudadanos franceses o extranjeros por méritos en el ámbito civil o militar.
La diseñadora solía destacar la necesidad de transmitir a las nuevas generaciones la importancia de la creación artesanal, señalando que las capacidades del ser humano están desapareciendo en esta era de la informática.
Cuando los seres humanos trabajan con sus manos, sus capacidades creativas se amplifican, dice a AFP en 2006.
El pasado mes de enero, Mori resume sus sentimientos sobre la industria de la moda en una columna especial para el diario japonés Yomiuri Shimbun.
La moda es algo que te empuja, te da coraje de extender tus alas y te permite tener aventuras.
En su auge, el imperio estilístico y comercial de Mori ocupa un edificio entero en Tokio, diseñado por el arquitecto Kenzo Tange, pero posteriormente es derribado y reemplazado por otra estructura.
Desde la pérdida del edificio hasta la salida de su casa de moda de la alta costura, no todo es positivo, reflexiona en la columna.
Es como si arrancaran las alas de mi mariposa. Pero esta mariposa pudo volar por todo el mundo durante 70 años porque yo amaba hacer ropa.
El blog de Ila Basmati 