Es sencilla, rapida, se pueden poner varios pisos y con la misma energía se pueden cocinar pescados, pastas y un sin fin de alimentos.
La consumo a diario por la noche y suelo ponerle boniato, zanahorias, maiz dulce, patatas, coles de Bruselas o calabaza.
Luego rocio los productos con aceite de oliva y especias marroquies, Raselhanut sobre todo y le añado huevos hervidos o algo de pollo o pavo, pero muy poco.
Es una cena sencilla en la que ademas tengo un agua que desprenden los productos llena de cualidades que en ocasiones aprovecho para hacer una crema en 18 minutos.
Es una forma de comida ancestral barata y saludable
Se deberia enseñar a cocinar en los colegios porque es imprescindible para una vida plena, donde la eleccion de alimentos tiene mucho que ver con la armonia con el entorno y la felicidad.
Gran Bretaña fue en su día la mayor potencia colonial. Pero, ¿por qué el Museo Británico sigue sin devolver las obras de arte saqueadas?
1897 una sangrienta incursión británica llegó al palacio real del reino de Benín, situado en la actual Nigeria. Los invasores robaron miles de esculturas de marfil, latón y bronce. Vendían las obras por toda Europa. Aún hoy, los bronces de Benin, testimonio de una civilizacion antigua y poderosa se encuentran dispersos en museos y colecciones privadas de todo el mundo.
Abanico de Benín devuelto por el museo inglés Horniman
¿Europa se toma en serio la descolonización de sus museos? Si es así, ¿por qué le resulta tan difícil devolver el patrimonio cultural africano saqueado durante la época colonial?
Bronces de Benín devuelto por el museo ingles Horniman
Dice la historiadora de Gotinga Rebekka Habermas:
Los bronces de Benín son aquí una piedra de toque. El debate sobre la restitución consiste en reevaluar la historia europea.
Objetos de la cultura omaha, expuestos en Berlín.
El Museo Britanico, en particular que posee la mayor parte de los tesoros artisticos de Benín, unas 900 piezas, rechaza hasta ahora cualquier reclamación de restitución, lo que no sólo afecta a los bronces de Benín.
En la disputa sobre el Friso del Partenón de Atenas, Londres también invoca insistentemente una ley puramente británica, la National Heritage Act, según la cual los objetos son patrimonio cultural nacional y, por tanto, no pueden salir del país. Una postura poco comprendida fuera de Reino Unido.
Última exposición de bronces de Benín en el Rautenstrauch-Joest-Museum de Colonia.
La postura británica no parece muy contemporánea; en opinión de la experta en restitución Habermas:
No es más que una postura de repliegue. Las leyes están para cambiarlas, dice la historiadora. A diferencia de Francia, España, Alemania o los Países Bajos, los britanicos aun no han asumido su pasado colonial.
La identidad británica sigue basándose en gran medida en el Imperio. Eso es enormemente irritante, sobre todo si eres alemán y tienes una relación algo fracturada con tu propio pasado.
Emmanuel Macron (derecha.) con el Presidente de Benín, Patrice Talon (izquierda), en noviembre de 2021: Francia restituyó entonces 26 objetos de arte a Benín.
Dice el filósofo camerunés Achille Mbembe en 2021:
¿Por qué es tan importante devolver los bienes culturales saqueados? Sencillamente, no hay justificación moral para la confiscación de objetos africanos en los museos occidentales. Rebekka Habermas también cree que es necesario un final simbólico de la era colonial, tanto para los antiguos imperios como para los antiguos territorios colonizados. Al fin y al cabo, estas relaciones perduran tanto a nivel económico como cultural.
Estos dos bronces de Benín también fueron devueltos al gobierno nigeriano en Abuja.
El debate sobre la restitución es de la década de 1960, cuando los primeros Estados africanos se independizaron tras la Segunda Guerra Mundial. Pero, las peticiones de restitución de Benín al Museo Británico y a Francia quedan en nada durante mucho tiempo.
Exposición de Bronces de Benín en el Foro Humboldt.
Toma nueva fuerza en 2017 gracias a Emmanuel Macron, que en un discurso en Burkina Faso plantea la devolución permanente de artefactos del África subsahariana.
«Uhunmwun elao» es el nombre de estas piezas del reino de Benín.
Hace unas semanas, la ministra Federal de Asuntos Exteriores, Annalena Baerbock, y la secretaria de Estado de Cultura, Claudia Roth, realizaron la devolucion de 20 bronces de Benín a Nigeria como un punto de inflexión en la política cultural internacional.
Los objetos habían pertenecido durante mucho tiempo en las colecciones de museos de Berlín, Hamburgo, Colonia, Stuttgart y Dresde/Leipzig. En Reino Unido, es probable que el planteamiento alemán se vea con ojos críticos.
El Museo Británico, dirigido por el historiador de arte alemán Hartwig Fischer, emitió recientemente un comunicado en el que dice que:
La devastación y el saqueo causados en la ciudad de Benín por la expedición militar británica de 1897 son plenamente reconocidos por el museo, y las circunstancias que rodearon la adquisición de los objetos se explican en los paneles de las galerías y en el sitio web del museo.
Rebekka Habermas:
Está claro que la presión sobre el Museo Británico ha aumentado probablemente de forma significativa.
La pieza es un trabajo previo (estudio) para un cuadro posterior, titulado San Jerónimo. El cuadro definitivo se conserva actualmente en el Museo Boijmans de Beuningen de Rotterdam.
El estudio, retrata a un anciano desnudo sentado en un taburete, es único por varias razones, Según el anuncio de Sotherby´s.
Es uno de los dos únicos estudios de gran tamaño que Van Dyck realiza a partir de modelos vivos. Probablemente pintado entre 1615 y 1618, según Sotheby’s, cuando Van Dyck es un joven artista que trabaja junto a Peter Paul Rubens en Amberes.
Además, el óleo tiene una procedencia inesperada. El estudio se identifica recientemente como obra de Van Dyck, dijo Sotheby’s en un comunicado compartido con CNN. La pieza es descubierta a finales del siglo XX en el cobertizo de una granja en Kinderhook, Nueva York.
Dice la casa de subastas:
La persona que la encontró, Albert B. Roberts, era un apasionado coleccionista de piezas perdidas, describiendo su colección como un orfanato para el arte perdido que había sufrido el abandono.
Roberts compra el cuadro abandonado por US$ 600, según Sotheby’s. Pero poco después, la historiadora del arte Susan J. Barnes publica un artículo en el que reconoce la pieza como una obra sorprendentemente bien conservada de Van Dyck.
El cuadro se vende por US$ 3,1 millones el jueves.
Es ofrecida a Sotheby’s por la herencia de Roberts. Una parte de la recaudación se destinará a la Albert B. Roberts Foundation Inc, que presta apoyo financiero a artistas y otras organizaciones benéficas, según la casa de subastas.
El estudio se vende el jueves en el marco de la subasta de Pinturas Maestras de Sotherby´s , que también incluían obras de Agnolo Bronzino, Tiziano y Melchior de Hondecoeter.
La originalidad no existe por sí misma. Es una evolución de lo que se produce … La originalidad se trata de su capacidad para agregar
Las obras de Cattelan se caracterizan por incluir humor y sátira, lo que ha generado controversias. Este sello ha hecho que a veces se le considere en la escena artística como un bromista o un bufón.
La obra, que estuvo a la venta en la feria Art Basel Miami Beach el año pasado por 120.000 dólares, ha sido donada a la institución por un donante anónimo
La próxima vez que vayas al Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York, es posible que haya un plátano pegado a la pared. Se trata de Comedian, de Maurizio Cattelan, la obra de la que más se habló en la edición de Art Basel Miami Beach del año pasado, donde se exhibía en el estand de la galería Perrotin.
Un simple plátano pegado a la pared con una cinta adhesiva, cuyo precio era de 120.000 dólares . La obra ha sido donada a la institución por un donante anónimo.
¡El plátano de Cattelan se va al Guggenheim!, celebraba la galería Perrotin en su cuenta de Instagram. Dijo el director del Guggenheim, Richard Armstrong, al New York Times.
Estamos agradecidos de recibir esta donación, una demostración más de la hábil conexión del artista con la historia del arte moderno
La feria se vio obligada a tomar medidas cuando los espectadores se acumularon para ver la fruta pegada a la pared. Los memes inundaron las redes sociales y el artista David Datuna elevó el circo mediático a una performance al comerse la obra.
Perrotin logró vender las tres ediciones de la obra, incluso elevando el precio a 150.000 dólares por la copia final. A pesar de que había muchas personas interesadas en comprarla, incluido Damien Hirst, la galería optó por conservar dos pruebas de artista.
La crónica del New York Times, titulada Es un plátano. Es arte. Y ahora es problema del Guggenheim , explica que, como suele suceder con muchas obras de arte conceptual, la donación no incluye ni el plátano, ni la cinta adhesiva, sino un certificado de autenticidad de 14 páginas con instrucciones para montarla. Por ejemplo, cuándo cambiar el plátano (cada siete o diez días) y a qué altura colocarla (a 1,75 metros del suelo).
Han trascendido dos de los compradores de la obra : Sarah Andelman, fundadora de la boutique Colette; y Billy y Beatrice Cox, de Miami.
Aunque la obra ha sido donada al Guggenheim de forma anónima, los Cox, que apodaron la pieza como el unicornio del mundo del arte, ya habían prometido donarla a un museo.
El Guggenheim tiene un vínculo estrecho con Maurizio Cattelan. Le dedicó una retrospectiva en 2012.
Tras la exposición, Cattelan anunció su retiro, pero regresó en 2016 con un nuevo trabajo para el museo: América, un inodoro recubierto de oro e instalado en un baño del Museo Guggenheim. La obra, que tiene un valor de unos 5 millones de dólares, fue robada en septiembre pasado mientras se instalaba en el Palacio de Blenheim en el Reino Unido. Hubo algunas detenciones, pero el inodoro nunca se recuperó.
El Guggenheim aún no ha anunciado una fecha para el debut de la obra de arte en Nueva York.
Escritora inglesa de finales del XVIII y principios del XIX, reconocida hoy como una de las figuras femeninas más importantes de la literatura universal.
Es Walter Scott quien da un empujón a su obra gracias a su favorable reseña de Emma.
Nace en la rectoría de Steventon Hampshire. Su familia pertenece a la geltry británica (nobleza rural o burguesía agraria), contexto del que no sale y en el que sitúa todas sus obras, siempre en torno al matrimonio de su protagonista. La candidez de las obras de Austen, sin embargo, es meramente aparente y puede interpretarse de varias maneras.
Jane Austen vive en la época de la regencia, que constituye un puente entre el período georgiano y el victoriano, aunque su obra literaria se caracteriza por describir con precisión la sociedad rural georgiana y no tanto los cambios que esta sufriendo con la llegada de la modernidad. Este cambio se basa en dos factores externos: por un lado, la revolución agraria, que constituye el comienzo de la revolución industrial y de sus importantes repercusiones sociales. Y por el otro, el colonialismo, las guerras de Napoleón y la expansión del imperio británico.
Destacan entre sus obras Sentido y sensibilidad, Orgullo y prejuicio, Mansfield Park, Emma, Persuasión.
Jane Austen tiene una ironia mas cercana a autores del neoclasicismo como Alexander Pope o Jonathan Swift .
Nace y crece en una Inglaterra georgiana con un entorno rígido masculino, en el que tiene la valentía de proyectar su mirada de mujer.
No es una erudita, ni reivindica nada, ni es activista, quizás hoy lo sería, pero su discurso posee gracia y pasión.
Sus textos están llenos de vida, de ironía, de emoción que ceden a la mujer el protagonismo, algo novedoso entonces
Crece en la biblioteca de su abuelo que devora, una actividad no bien vista en la época para una señorita.
Mantiene correspondencia con los intelectuales de la época y escribe novelas con romances que son una crónica social y una crítica a la sociedad del momento con sus protocolos y convenciones absurdas.
Demanda en sus novelas una educación liberal para las mujeres, que no tiene por qué ser el ángel de la casa, algo a lo que está abocada por nacimiento, en una época donde hay un cambio de paradigma.
Lo ve una garantía para llevar una vida valiosa y controlar el propio destino.
Ella elige no mantener relación sentimental alguna y sus páginas muestran un anhelo de una nueva sociedad que se anuncia, donde la mujer busca un espacio propio.
Es una adelantada a su época porque muestra sin pudor y de forma poética los sentimientos íntimos de las mujeres.
Sabe captar y describir en una encorsetada época georgiana el ser femenino lo que convierte su obra en un pilar de la literatura universal.
Su sensibilidad continua hoy emocionando a nuevas generaciones y su vigencia no decae como demuestran las nuevas ediciones de sus obras y el que haya sido llevada en infinidad de ocasiones a la gran pantalla.
Una momia olvidada durante más de un siglo en los sótanos del Museo Egipcio de El Cairo ha sido examinada, revelando que entre sus vendajes se esconden 49 amuletos, muchos de ellos de oro.
El “chico de oro” había pasado más de un siglo olvidado en los sótanos del Museo Egipcio de El Cairo. Su sarcófago fue descubierto en 1916 en un cementerio de época ptolemaica (Nag el-Hassay, en el sur de Egipto) y acabó en los almacenes del museo, sin nombre. Hasta ahora, cuando un escáner ha revelado el tesoro que se esconde bajo sus vendajes: nada menos que 49 amuletos, 30 de los cuales son de oro puro. Esto le ha valido su nuevo apodo –puesto que aún se desconoce su identidad– y un billete directo a la sala principal de exposiciones del museo.
La momia a la que el museo ha apodado el chico de oro es la de un adolescente de unos 15 años, claramente de alto estatus social por la cantidad y calidad excepcional de los amuletos con los que fue enterrado. Su cuerpo se encontraba dentro de dos sarcófagos, uno exterior dorado y con inscripciones en griego y otro interior de madera; y una máscara de oro cubría su rostro. Se le ha realizado un TAC para examinar el cuerpo y, según los investigadores, todo parece indicar que murió de muerte natural. Los resultados del examen han sido publicados en la revista científica Frontiers in Medicine.
Pero lo más sorprendente de la momia es, sin lugar a dudas, los 49 amuletos que contiene, 30 de los cuales son de oro puro, otros de piedras semipreciosas y unos pocos de materiales más sencillos como arcilla cocida y loza. Algunas partes del cuerpo incluso habían sido sustituidas por piezas de oro, como la lengua. El oro era un material sagrado para los egipcios porque no se corrompe, asegurando así que el individuo gozaría de la protección de los amuletos durante toda la eternidad, y porque se creía que de este material era la carne de los dioses.
El escriba Kha y su esposa Merit se presentan ante Osiris, dios del inframundo. Escena del ejemplar del Libro de los muertos hallado en la tumba de Kha, en Deir el-Medina.
Cada uno de estos amuletos tenía una función específica en el periplo por el inframundo que el difunto debía afrontar para salir a la luz, es decir, para lograr la vida eterna. Así, por ejemplo, la lengua de oro aseguraba que el difunto podría hablar en la otra vida; si esta no se sustituía, una alternativa menos costosa era colocar una hoja de oro encima de la lengua real. También era muy importante colocar un escarabajo –en este caso, también de oro– encima del corazón, puesto que este amuleto impedía que el corazón del difunto pudiera hablar contra él revelando sus fallos durante el juicio de Osiris.
De la tumba de Tutankhamón procede este amuleto funerario. Es el escarabajo Khepri, representación del sol al amanecer. Museo Egipcio, El Cairo.
Una de las razones por las que el redescubrimiento de esta momia resulta tan importante es que está intacta, lo cual permite apreciar cómo se enterraba a los difuntos durante la época ptolemaica y las creencias egipcias sobre el más allá durante este período, que abarca desde la muerte de Alejandro Magno hasta la conquista egipcia (323 a 30 a.C.).
Pectoral de oro y piedras semipreciosas con una escena de purificación del faraón Amosis. Dinastía XVIII.
Además de los amuletos, la momia también está acompañada por una guirnalda de helechos. La doctora Sahar Saleem, investigadora principal del estudio y especialista en radiología, explica que los antiguos egipcios estaban fascinados por las plantas y las flores y creían que poseían efectos sagrados y simbólicos. Se colocaban ramos de plantas y flores junto al difunto durante su entierro y también se le ofrecían durante las fiestas en las que sus familiares acudían a visitar su tumba.
Esta pintura de la tumba de Inherkhau, en Deir el-Medina, recrea el momento en el que el Gran Gato de Heliópolis se abalanza sobre la malvada serpiente Apofis.
Uno de los detalles más reveladores de la momia es que el pene no está circuncidado, una práctica que realizaban los egipcios, pero no los griegos, por lo que podría pertenecer a la realeza. De hecho, la dinastía ptolemaica, que gobernó Egipto durante casi 300 años, era de origen macedonio, y, aunque adoptó ciertas costumbres de los faraones egipcios, en aspectos más personales como la circuncisión mantuvieron las prácticas griegas. Se puede observar también que la incisión para extraer los órganos se realizó en la ingle, como revela un amuleto colocado junto al pene que tenía la función de proteger la incisión.
Osiris, dios del inframundo, flanqueado por su esposa Isis y su hijo Horus. Tríada de Osorcón II. Siglo IX a.C. Louvre, París.
La momia intacta había permanecido olvidada desde 1916 en los almacenes del sótano del Museo Egipcio de El Cairo, de donde fue rescatada para realizar el presente estudio. Ha sido examinada mediante tomografía por ordenador, lo que ha permitido revelar el esqueleto y los amuletos sin tener que manipularla físicamente. Aún no se conoce la identidad de su propietario, más allá del apodo del “chico de oro”.
El escáner reveló el rostro del niño, que no se veía desde hacía 2.300 años. Cortesía de Frontiers Press
Dentro de la cavidad torácica se encontró un amuleto de escarabajo dorado. Cortesía de Frontiers Press
Desde el olvido ha saltado directamente a la fama: la dirección del Museo Egipcio ha decidido trasladarla a la sala principal de exposiciones. En esta nueva ubicación, los visitantes pueden admirar la momia junto a imágenes del TAC que se le ha realizado, así como una réplica del escarabajo que se encontraba sobre el corazón, realizada mediante impresión 3D.
Los amuletos se colocaban sobre el cuerpo y se metían dentro de él. Cortesía de Frontiers Press
Una protectora de animales grande, pero que no se limitara a perros y gatos sino a cualquier animal necesitado de ayuda.
Es terrible el trato que se les dispensa a los animales en general, los atropellos de los que son fruto, sin que a nadie parezca importar esa faltica de etica aplicada hacia los debiles, esa inmoralidad.
Ya lo decia Goethe, ciencia sin conciencia, igual a ruina.
Ikeda Nagaoki (池田 長発, August 23, 1837 – September 12, 1879), formally “Ikeda Chikugo no kami Nagaoki”, was the governor of small villages of Ibara, Bitchū Province (Okayama Prefecture), Japan, during the end of the Tokugawa shogunate.
He was, at 27, the head of the Second Japanese Embassy to Europe (Japanese:第２回遣欧使節), also called the Ikeda Mission, sent in 1863-1864 by the Tokugawa shogunate to negotiate the cancellation of the open-port status of Yokohama. The mission was sent following the 1863 “Order to expel barbarians” (攘夷実行の勅命) issued by Emperor Kōmei, and the Bombardment of Shimonoseki incidents, in a wish to close again the country to Western influence, and return to sakoku status. Nagaoki left with a mission of 36 men on a French warship, stopped in Shanghai, India and Cairo through the Suez canal. His mission visited the pyramids, a feat which Antonio Beato photographed at the time (last picture). He finally arrived in Marseille and then Paris, where he met with Napoleon III and with Philipp Franz von Siebold. He stayed at the Grand Hotel in Paris.
The request to close Japanese harbours to Westerners was doomed as Yokohama was the key springboard for Western activity in Japan. The mission was a total failure. Nagaoki however was very impressed with the advancement of French civilization, and became very active in promoting the dispatch of embassies and students abroad, once he had returned to Japan. He was finally put under house arrest by the Bakufu. Nagaoki brought many documents from France, related especially to physics, biology, manufacture, textiles and also fermentation technologies. He is considered as one of the fathers of the wine industry in Japan.
Hay una fotografía de 1864, que muestra a un grupo de samuráis japoneses de pie frente a la Gran Esfinge de Guiza en Egipto. Esta imagen durante décadas sorprende por la peculiar escena: ropa tradicional japonesa, el antiguo monumento egipcio y la tecnología de la fotografía.
¿Cuál es su historia? Tal y como recoge IFL Science, la imagen muestra la Segunda Embajada de Japón en Europa, también llamada Misión Ikeda. Bajo la orden del shogunato Tokugawa, los dictadores militares que gobiernan el Japón feudal, el gobernador local Ikeda Nagaoki es enviado a Europa en 1864 en un intento por resolver un desacuerdo sobre el puerto de Yokohama.
Junto al joven de 27 años va una delegación de 36 hombres. En las fotos de París, muchos van armados con dos espadas, un honor reservado a los samuráis, la clase guerrera de Japón que ejerce un poder político importante en ese momento.
La segunda mitad del XIX, Japón se encuentra en una encrucijada. Los colonizadores europeos toman el control de grandes extensiones de Asia, así como de África y América.
Ikeda Nadaoki
Para mantenerlos a raya, Japón actua con una estricta política aislacionista llamada sakoku desde el siglo XVII que intenta aislar la isla de los forasteros en un esfuerzo por preservar su cultura. Como parte de esta política, el cristianismo está prohibido y solo comercian con chinos y holandeses.
Ikeda Nadaoki
La orgullosa isla de Japón logra mantenerse al margen de la implacable fuerza del colonialismo, pero se hace cada vez más claro que es inminente un cambio.
La influencia de Ikeda Nadaoki en La guerra de las galaxias
1853, el comodoro estadounidense Matthew Perry llega a las costas de Yokohama con una flota de buques de guerra estadounidenses y exige que Japón abra sus puertos al comercio internacional. Contrariados, aceptan, y Yokohama se convierte al poco en un centro de comercio exterior.
Japón está preocupado por la creciente influencia de los extranjeros en su país y el sentimiento anti-extranjero crece. En 1863, el emperador Kōmei promueve el edicto: Reverencia al emperador, expulsa a los bárbaros.
Samurai
Como parte del impulso para recuperar el control, se ordena a Ikeda que viaje a Francia y exija el fin del estado de puerto abierto de Yokohama. A bordo de un buque de guerra francés, Ikeda y su tripulación zarpan y paran en Shanghái, India y El Cairo.
Samurai
Al hacer su parada en Egipto, se toman un tiempo para visitar las Grandes Pirámides de Guiza. Al pie de la Esfinge es donde la delegación se hace retratar por el fotógrafo Antonio Beato.
Después de viajar por Egipto en tren, la expedición zarpa por el Mediterráneo y llega a Francia. Ikeda se reune con los franceses, pero sus demandas de cerrar el puerto de Yokohama son rechazadas por completo y la misión fracasa por completo.
Japón finalmente se ve obligado a aceptar. En 1868, los japoneses inician la Restauración Meiji. Tras el derrocamiento del shogunato Tokugawa, la isla abre sus puertas a la occidentalización, lo que provoca una rápida modernización, industrialización y urbanización.
En medio de un intenso cambio social, Japón no pierde su identidad. Aún prestando atención a su tradición y cultura, Japón se convierte en una potencia imperial que rivalizar con Occidente.
This documentary is about a group of samurai sent by the Japanese government to France at the end of the Edo period. At the time, all the ports of Japan were closed, cutting it off from the rest of the world. The samurai were sent to help solve diplomatic problems between Japan and Europe on December 29, 1863. They were welcomed by every government and head of state they visited, including Napoleon III, in France. They were also photographed standing in front of Sphinx, in Egypt. The samurai returned with many products from their trip, including a book on wine production. They ended their expedition earlier than expected due to the need to report home about the astonishing technology in modernized
El inicio de la antigua via Apia romana seguirá siendo un misterio por ahora
Una excavación arqueológica que comenzó el verano pasado en busca de la esquiva «primera milla» de la Vía Apia se ha visto obstaculizada por las aguas subterráneas.
ROMA – Es una pregunta que lleva mucho tiempo sin respuesta: ¿Dónde empezaba exactamente la Vía Apia, la antigua vía romana tan famosa que era conocida como la «regina viarum» o reina de las vías?
Los restos de la Vía Apia original, llamada así en honor de Appio Claudio, cónsul romano, e iniciada en el año 312 a.C., aún son visibles (y constituyen un magnífico paseo) dentro de Roma.
Pero los vestigios de la llamada primera milla permanecen enterrados a unos 8 metros por debajo del nivel de las calles de la Roma contemporánea.
En julio, un equipo de arqueólogos inició la búsqueda del punto de partida perdido de la Vía Apia excavando un yacimiento frente a una hilera de antiguas tiendas -aún visibles- que formaban parte de la monumental entrada a las termas que el emperador Caracalla construyó en 211.
Excavando a través de la milenaria historia de Roma, arqueólogos e historiadores recopilaron abundante información y datos que desmenuzar.
Encontraron vestigios de las tierras de cultivo y los viñedos que ocuparon esta zona durante más de 1.000 años, hasta que Roma se modernizó y expandió rápidamente tras ser nombrada capital de Italia en 1870.
Y desenterraron los restos de una calzada del siglo X y edificios aún más antiguos, hallazgos que sugieren que, desde el siglo VI hasta la Alta Edad Media, éste fue un barrio muy transitado.
Los arqueólogos creen que las estructuras podrían haber sido tiendas que servían a los peregrinos que se detenían en loslugares cristianos que se cree que surgieron en la zona en esa época.
«Las excavaciones urbanas proporcionan información vital para comprender mejor la topografía de una zona en distintas épocas», explica Mirella Serlorenzi, directora científica de la excavación, que está siendo realizada por la Superintendencia Especial de Roma, dependiente del Ministerio de Cultura, y la Universidad Roma Tre.
Visitors walk across the Appian Way (Via Appia Antica) in Rome on January 26, 2023. – All roads lead to Rome, as the saying goes, and the most prestigious is the Appian Way, the strategic highway for the Roman Empire now hoping to become a Unesco World Heritage Site. A paved road of more than 500 kilometres begun in 312 B.C. by Roman statesman Appius Claudius Caecus, the «Via Appia» is an archaeological treasure trove, where an ongoing excavation hopes to uncover the actual starting point of the road in Rome. (Photo by FILIPPO MONTEFORTE / AFP)
Pero la excavación se vio obstaculizada -y finalmente paralizada- por un potente flujo de aguas subterráneas que ni siquiera las bombas modernas podían seguir.
Rome, Italy – 20 February 2021 – The archeological ruins in the Appian Way of Roma (in italian: «via Appia Antica»), the most important Roman road of the ancient empire, named «regina viarum». Here a view of monumental street.
«Desgraciadamente, debido a las aguas subterráneas, no podemos seguir excavando», explica Serlorenzi, que también es directora de las Termas de Caracalla.
Señaló una sección de tierra excavada con una amplia grieta por la que manaba un considerable chorro de agua.
«Corríamos el riesgo de perder conocimientos e información», dijo, por lo que las excavaciones se detuvieron cuando los arqueólogos alcanzaron un nivel aproximadamente un metro y medio por encima del nivel de la calle en época romana.
«Fue una excavación extremadamente compleja», se hizo eco Riccardo Santangeli Valenzani, profesor de Arqueología Medieval de Roma Tre que trabajaba a diario en el yacimiento.
La ubicación fue seleccionada sobre la base de una serie de estudios preliminares que comenzaron en 2018, utilizando fondos de la Unión Europea.
Y las pruebas iniciales sugieren que los arqueólogos podrían estar en el buen camino.
Fuentes antiguas informan de que en las inmediaciones, Septimio Severo, que fue emperador de 193 a 211, mandó construir una vía más ancha -de 100 pies romanos de ancho- para dar cabida a la creciente población romana.
Conocida como laVia Nova, la calzada está señalada en la Forma Urbis Romae, el gran mapa de mármol de Roma del siglo III.
Los arqueólogos siguen debatiendo sobre la interconexión entre la Vía Nova y la Vía Apia:
si estaban una al lado de la otra, si la Nova se colocó directamente encima de la vía más antigua o si Septimio se limitó a ensanchar la Vía Apia para crear la Nova.
Los muros de las tiendas halladas en la excavación actual se encuentran a unos 30 metros -o 100 pies romanos- de las tiendas aún visibles frente a las Termas de Caracalla, lo que significa que la calzada que pasaba por en medio se correspondería con la anchura exacta de la Via Nova.
Así pues, hay indicios convincentes de que existió una calzada en el lugar donde se realizaron las excavaciones, «pero aún no podemos decir si se trataba o no de la Vía Apia», dijo Serlorenzi.
Las nuevas excavaciones dependerán de si se consigue financiación.
Los artefactos desenterrados durante la excavación apuntan a muchos siglos de ocupación, incluida cerámica de varias épocas, una cabeza de mármol de un niño que data del siglo III, diminutas monedas de bronce de la época romana que los arqueólogos describieron como «cambio chico para gastos menores» y una moneda cuadrada más valiosa acuñada entre 690 y 730, en la época en que el poder papal ascendía en Roma.
La excavación fue objeto de crónicas periódicas para el público en general, que podía seguir su desarrollo a través de una página de Facebook.
Los especialistas podían consultar informes más detallados en un sitio web del Gobierno.
El profesor Santangeli Valenzani señaló que el problema del agua se conocía desde la antigüedad, cuando la zona era conocida como «piscina pública».
Antes de que Caracalla construyera aquí sus termas, otros dos emperadores también habían edificado estructuras termales en la zona.
«El problema del agua se agravó cuando dejaron de mantener las alcantarillas locales en el siglo V», dijo.
Este mes, la Vía Apia en su totalidad -los 341 kilómetros que separan Roma de Brindisi, ciudad de la costa sudoriental de Italia- fue propuesta como candidata a convertirse en Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.
Esta excavación es muy buena para la candidatura», declaró Daniela Porro, superintendente especial de Roma.
También es bueno para la ciudad, dicen los expertos.
«Uno de los méritos de esta excavación es arrojar luz sobre una zona en la que la historia de Roma está estratificada», afirma Daniele Manacorda, profesor jubilado de arqueología de Roma Tre que ha investigado a fondo la escurridiza primera milla.
«Es un tramo por el que pasan miles de personas cada día, distraídas conduciendo su coche. Probablemente no tengan ni idea de dónde están».
La carrera de Goya (1746-1828) transcurre en una época turbulenta de la historia europea. Durante más de 60 años los nuevos valores liberales de la Ilustración pugnan contra las restricciones religiosas y sociales de las antiguas monarquías continentales. Mientras la revolución, la contrarrevolución y la guerra devastan Europa, la obra de Goya no solo capta el espíritu, sino que experimenta una evolución que justifica su reputación como el último de los maestros antiguos y el padre del arte moderno.
Entre 1800-1808, con el trasfondo de la guerra contra Inglaterra, la derrota de Trafalgar, que finaliza con el motín de Aranjuez y la invasión de Napoleón, Goya sirve a la clientela más poderosa. En este periodo alumbra retratos magníficos de la condesa de Chinchón, la marquesa de Santa Cruz o Manuel Godoy. En 1805, posan para él María Vicenta Barruso Valdés, de 15 años y su madre Leonora Antonia Valdés de Barruso.
Estos retratos, que estuvieron en la colección de Stanislas Orossen hasta 1925 cuando pasan a manos privadas, son exhibidos en el Museo del Prado en 2008 en la exposición Goya en tiempos de guerra.
Condesa de Chinchon
Dicen las expertas Manuela Mena y Gudrun Maurer:
se pueden considerar los primeros retratos de mujeres de la burguesía de Goya. El lenguaje del retrato burgués femenino todavía no está formulado y el pintor utiliza aquí la misma elegancia, lujo y distinción de la nobleza de elevada alcurnia que cambia ya en el retrato de Teresa Sureda (National Gallery of Washington), de esos mismos años, centrado en la decidida y moderna personalidad de la modelo. El elevado precio de los retratos de cuerpo entero fue seguramente la razón de que emplease aquí, como en otros retratos de este mismo género, las figuras de tres cuartos, por las que entonces se hacía pagar unos 2.000 reales de vellón.
Fernando VII
Su salida a subasta el 27 de enero en Nueva York ofrecidos por Christie’s y valorados entre 15 y 20 millones de euros levanta gran expectación pues están llamados a establecer un nuevo récord. Hasta ahora su mejor marca corresponde a tres bocetos vendidos en 2008 por 7,9 millones de dólares.
Los retratos de Leonora y su hija Vicenta forman una pareja perfectamente equilibrada, aunque el mayor volumen y altura de la madre parece imponerse con autoridad sobre la hija.
Autorretrato
Doña Leonora tiene cuarenta y cinco años cuando Goya la retrata. Aparece sentada de una manera rígida y mirando de perfil fijamente al espectador. Viste un traje en tonos rosados de corte imperio con amplio escote que realza su busto prominente…
Duques de Osuna
Los únicos retratos de modelos burgueses que preceden a los cuadros de Barruso son los de Bartolomé Sureda y su esposa
La presentación de los retratos de la madre y la hija de Goya es muy inusual. Si bien las imágenes de padres e hijos retratados juntos abundan a lo largo de la historia del arte occidental, no hay precedentes en el caso de Goya. Más llamativo es el hecho de que María Vicenta se sitúe a la izquierda (y por tanto a la derecha de su madre), posición que tradicionalmente asume la figura más importante de una pareja. Esta ubicación proporciona, tal vez, una idea de su función. Poniendo énfasis en la hija elegante y exquisitamente vestida, los retratos pueden haber tenido el objetivo de promocionarla como una novia elegible para los posibles pretendientes.
Quizás los únicos retratos de modelos burgueses que preceden a los cuadros de Barruso son los de Bartolomé Sureda y su esposa de origen francés Teresa Sureda (ambos en la National Gallery of Art, Washington), pintados hacia 1804. Los retratos de las Barruso marcan el comienzo de lo que puede considerarse como una serie de retratos clave, pintados entre 1805 y 1806 aproximadamente, que representan a mujeres burguesas.
Un par de retratos de una madre y su hija retratadas por Goya salen a subasta en un solo lote en una subasta en la sala Christie’s de Nueva York que se celebra hoy. Parten con un precio estimado de entre 15 y 20 millones de dólares. Son propiedad de una colección particular de Londres. Estos óleos sobre lienzo, fechados en 1805, pueden suponer un nuevo récord para Goya, superando así los 7,9 millones de dólares pagados por Suerte de varas.
Son María Vicenta Barruso Valdés, de 15 años, y su madre, Leonora Antonia Valdés de Barruso. El primero, firmado, fechado y con la inscripción ‘D. a María Vizenta / Baruso Valdés. / P. r F. co Goya año 1805’ (abajo a la izquierda, en el reposabrazos del sofá); el segundo, firmado, fechado e inscrito ‘D. a Leonor Valdes / de Barruso / Por F. co Goya año / 1805’ (abajo a la derecha). Miden 105,4 por 84,4 centímetros cada uno.
Ambos retratos se exhibieron en 2008 en el Museo del Prado como parte de la exposición Goya en tiempos de guerra
Las dos posan sentadas luciendo vestidos de corte imperio y flores en el cabello. La madre tiene un abanico en la mano, mientras que la hija tiene un perro pequeño en su regazo. En el brazo derecho esta luce un brazalete y un anillo en el dedo meñique. Se cree que aludía a su boda con su primo Francisco Javier Valdés Andayo. Leonora, nacida en San Andrés de Linares (Asturias) en 1760, se casó hacia 1789 con Salvador Anselmo Barruso de Ybarreta, comerciante textil, que participaba en los trabajos de las Reales Fábricas de Sedas, Oro y Plata. Se habían establecido en Talavera de la Reina, cerca de Toledo, bajo los auspicios de Fernando VI. Tiene cuarenta y cinco años cuando Goya retrató a Leonora.
Ambos son encargados en 1805 por Salvador Anselmo Barruso de Ybaretta, marido de Leonora y padre de María Vicenta, y por descendencia pasan a su nieto, Salvador Valdés y Barruso (1807-1868), madrileño, hijo de María Vicenta. Muy probablemente, poco después de su muerte en 1905, los cuadros son adquiridos en Madrid por el modisto francés Pierre Stanislas O’Rossen (1864-1933). O’Rossen vive un breve período en Madrid, donde se casa con su primera esposa, Gracieuse Pennes, en 1899, y seguramente, de esta forma, está familiarizado con la obra de Goya. De hecho, su colección de pinturas incluye varios cuadros del artista. Los retratos de las Barruso se venden en una subasta en París, donde son adquiridos por Agnew y posteriormente por los actuales propietarios.
Ambos retratos se exhiben en 2008 en el Museo del Prado como parte de la exposición Goya en tiempos de guerra. Según los estudios de Manuela Mena, estos retratos se pueden considerar como los primeros retratos de mujeres de la burguesía.
Los retratos pueden contarse entre las pocas parejas de retratos del artista que quedan en manos privadas (sobre todo fuera de España), y son la única pareja de este tipo que representa a dos mujeres. Ambos lienzos se conservan en buen estado de conservación. Están forrados, tienen un barniz fino, relativamente nuevo y un pequeño retoque.
Representan un punto de inflexión en el mecenazgo de Goya a principios del XIX: había un creciente deseo de las clases medias de retratos del pintor
Estos retratos marcan un momento crucial en la carrera de Goya y representan el comienzo de un período de creciente libertad artística. Desde su nombramiento como primer pintor de Corte del Rey Carlos IV (1748-1819) en abril de 1789, cargo que le reportó gran fama y reputación, Goya había trabajado casi exclusivamente por encargo de la Corte del Rey y la nobleza española. Sin embargo, durante la primera década del siglo XIX, la práctica del pintor se alejó cada vez más de la Corte para abarcar un grupo más diverso de mecenas. Los retratos de María Vicenta Barruso y su madre se encuentran entre los primeros del artista en representar a mujeres de la burguesía.
Representan un punto de inflexión crucial en el mecenazgo en expansión de Goya a principios del siglo XIX, mostrando el creciente deseo de las clases medias de España de retratos del pintor, anunciado como el Apeles de España. En su elección de artista y en la forma en que son representadas, los Barruso desean alinearse con la aristocracia. Ambas están vestidas a la última moda de la época con vestidos de línea imperio de talle alto, un estilo que se popularizó en Francia a fines de los años 1780 y 1790 y que en los primeros años del siglo XIX, se había adoptado en toda Europa. Además, con sus atributos de damas ociosas (el perro acicalado a la moda y el abanico decorado).
En su regazo, María Vicenta sostiene un pequeño perrito faldero que lleva un gran collar, adornado con grandes tachuelas doradas. Se trata probablemente de un bichón frisé, una raza popular entre las altas esferas de la sociedad española de la época. De hecho, varios perros muy similares aparecen en varios otros retratos de Goya, quizás el más famoso en el retrato de la duquesa de Alba vestida de blanco que se halla en la Colección de la Casa de Alba.
El blog de Ila Basmati 