Lleva a muchos autores a hacer de Homero el fundador de la retórica, el que la Ilíada y la Odisea sean discursos.
Pero es posible que el contexto de Grecia después de la guerra contra los persas, la abolición de la tiranía, la democracia de Pericles, la participación de grandes partes de la población en los quehaceres de estado lleve en el siglo V a.C. a un desarrollo de la retórica, sobre todo en la jurisdicción y la política.
El primer vestigio de doctrina retorica es la de los siracusanos del siglo V, Coras y Tisias, autores de un manual para la elaboración de discursos forenses.
Algo sintomático, pues la retórica nace de la acusación y de la defensa ante los tribunales.
La Antigüedad no logra esclarecer una teoría completa.
Barthes denomina esta fase como protoretórica, pues todavía no es retorica de la figura, sino retorica del sintagma.
Es grande la importancia de la sofistica para el desarrollo de la retórica, porque una de las características de esta escuela es el desarrollo de la elocuencia.
La retorica griega emerge al mismo tiempo que la sofistica y gracias a ella.
Destacan Gorgias e Isócrates.
Con Gorgias se inicia una nueva fase de elocuencia ateniense.
Según Gorgias la prosa estilizada y la poesía influyen en el alma de los oyentes y les obliga a simpatizar con los sentimientos evocados.
El discurso como arte de la persuasión es parte de la enseñanza del saber total que ofrecen los sofistas.
Isócrates discípulo de Gorgias aboga por el ideal de formación de los sofistas.
LOS SOFISTAS Elaborado por Fernando López Acosta
Junto con su maestro contribuye a la evolución de la prosa artística de la Antigüedad en la que cultiva el equilibrio de la mesura y la elaboración artística.
Platón llama la atención por sus acaloradas polémicas contra los sofistas y su nefasto horror de confundir la filosofía con la retórica.
Los dos diálogos que hacen referencia a la retorica son Fedro y Gorgias.
La critica que hace a los sofistas es que se limitan a las apariencias en vez de buscar la verdad y se hacen eco de la opinión publica en vez de defender la propia.
La verdad solo se encuentra con la dialéctica que los sofistas ignoran.
El discurso debe ser orgánico, mantenido por una necesidad interna.
La mera actitud de hablar sobre un capricho y los recursos estilísticos no son suficientes.
Además censura la falta de conocimiento psicológico que según él es imprescindible para elaborar un discurso eficaz.
El hecho de que se ponen todas estas afirmaciones en boca de Sócrates no es casual.
De hecho a partir de aquiww se separa retórica y filosofía.
Finalmente, Platón insiste en lo demagógico y lo engañoso de la elocuencia sofista que solo busca persuasión lisonjeando a la gente, pero ignorando lo bueno y lo justo.
Las implicaciones éticas de la retórica emergen simultaneas a su nacimiento.
Según Platón la retórica debe ser sierva de la ética.
Aunque la retórica de Aristóteles haya tenido menos influencia en la enseñanza del arte del buen decir por su carácter filosófico y su estilo lacónico que dificultan la comprensión, da un impulso grande al desarrollo de la retórica.
No comparte la actitud negativa de Platón y admite la utilidad y hasta la necesidad de la elocuencia, porque proporciona para cada asunto los posibles medios de persuasión.
Pues para ello no es competente ningún otro arte porque los demás solo enseñan y persuaden acerca del asunto que le es propio.
Se inicia con él la interpretación entre retórica y poética en un grado mucho mayor y mas riguroso que en Isócrates, pues postula como saber imprescindible el conocimiento de las doctrinas retoricas.
Y ello no se exige para suministrar al poeta un instrumental artesanal para la elaboración formal, sino por la propia naturaleza de la retórica, que según Aristóteles no tiene que sacar sus argumentos de la verdad, sino de la probabilidad.
Así ocurre con la poesía, que no debe representar lo posible en casos excepcionales, sino lo probable en general.
Por esa misma razón la poesía (hay que entender literatura) es mas filosófica e importante que la historiografía, pues la poesía habla de lo general, y la historiografía de lo particular.
La doctrina retorica de Aristóteles, recoge sistemáticamente los medios de persuasión de los que puede disponer el retor en la práctica del discurso forense o político.
Hay que subrayar que para él la retórica, no es una ciencia particular e independiente sino una disciplina que debe tomar prestados sus asuntos de otras ciencias.
Es un saber que ayuda a tomar decisiones en casos indecisos, ayuda a realizar una posibilidad descubierta por el retor.
Los tres libros de la Retórica de Aristoteles tratan el primero del orador, el segundo del publico y el ultimo del discurso.
Hay dos vertientes de los medios de persuasión que proporciona Aristóteles que son los objetivos y los subjetivos.
Los primeros son los medios intelectuales, racionales y lógicos entre los que destacan el entinema y el paradigma y los segundos son los psicológicos y los morales que se resumen en las reglas de la psicagogia o conducción de pasiones.
Aristóteles llama la atención sobre la división de los géneros retóricos introducidas por él, que juega un importante papel en su libro conservándose luego durante varios siglos.
En el capítulo sobre la sistémica de la retorica se habla de los tres discursos que concibe Aristóteles.
En realidad son dos grupos que distinguen según la finalidad del discurso.
Un primer grupo trata de los asuntos pendientes o en litigio y el segundo de asuntos ya acabados.
Al primero pertenece el genero deliberativo que es el político o parlamentario y el genero judicial que es el que comprende los discursos de acusación y defensa.
Al segundo grupo corresponde el género epidíctico o demostrativo que es el de los discursos festivos y laudatorios.
Destaca Demóstenes (384-322), cumbre de la oratoria griega en la época de resistencia contra Macedonia, aunque de él no existe ningún manual de retórica.
Fuentes
Manual de Lausberg, Fundamentos de Retorica de Kurt Spang y la obra de Curtius.
Gottfried Böhm es, bisnieto, nieto, hijo, esposo y padre de 3 arquitectos.
Pero la arquitectura no es la vocación de Böhm, sino la escultura en la que se forma en la Academia de Arte de Múnich a la vez que estudia arquitectura durante la II Guerra Mundial.
Entenderlo en esa doble vertiente ayuda a intuir su obra, de las más desconocidas e incomprendidas de los galardonados con el Pritzker.
Destaca el primer proyecto que erige cuando aún colabora con su padre, Dominikus Böhm (1880-1955) que es la Capilla de St. Kolumba (1947-1950) en Colonia, que alberga la Virgen de los Escombros.
Una talla medieval que, tras sobrevivir los bombardeos de la guerra entre las ruinas de una iglesia gótica, pasa a ser objeto de veneración popular.
Su intervención consiste en un cuerpo octogonal que protege y enmarca la figura de la Virgen.
El resultado evoca una sucesión de bóvedas góticas invertidas, colgantes.
El éxito de esta primera obra, pequeña en sus dimensiones pero de enorme repercusión social y cultural —hoy integrada respetuosamente en el Museo de Arte Sacro Kolumba de Peter Zumthor—, da pie a una etapa de exploración de las posibilidades arquitectónicas de las membranas colgantes.
De esta experimentación emergen artículos que tiene las críticas de Frei Otto en la publicación de su tesis doctoral Das hängende Dach (1953).
Pero es que Böhm no busca tanto una optimización estructural como nuevos valores plásticos.
Así se percibe en las obras de aquellos años, como St. Albert en Saarbrücken (1951-53), con la elegante lámina abovedada de su cubierta, suspendida entre arbotantes orgánicos.
Iglesia St. Albert en Saarbrücken (1951-53)
O St. Paulus en Velbert (1953-55), con su juego de membranas colgantes y cuerpos transparentes.
Ante tales ansias de lo leve y lo racional, cuesta creer que apenas una década más tarde erija en Velbert, en el barrio de Neviges, la antítesis arquitectónica.
El cristalino bloque de hormigón tallado de la Iglesia María Königindes Friedens (1963-73), que es su obra más famosa pero también la que más críticas le trae por su arcaica rotundidad monumental en tiempos de revoluciones tecnológicas y sociales.
Iglesia María Königin des Friedens en Velbert (1963-73)
De las gigantescas dimensiones de la iglesia, que puede albergar a 8.000 peregrinos, Böhm deduce la escala y el carácter paisajístico y urbano del conjunto.
El interior de la montaña sagrada es, más que una caverna, una gran plaza pública. Hasta en los detalles de las farolas y adoquines se revela la vocación urbana de una escenografía con la que Böhm busca simbolizar la comunidad.
Este tema recurrente en sus iglesias, ayuntamientos y teatros, se entiende mejor como telón de fondo de los inhóspitos centros urbanos de la reconstrucción de Alemania que el psicoanalista Alexander Mitscherlich en 1965 titula de segunda destrucción, pero esta vez a manos de los arquitectos e ingenieros de posguerra.
Iglesia María Königin des Friedens en Velbert (1963-73)
Entre los arquitectos de una generación que vive la destrucción material y la devastación moral de Alemania, Böhm destaca por haber buscado sentido y dignidad, consuelo incluso, en los valores simbólicos de la arquitectura y en la continuidad histórica de los tejidos y los imaginarios urbanos.
The Hans Otto theatre, Potsdam, designed by Gottfried Böhm. It is a wild, theatrical confection, standing as a swirling stack of sculpted red plates. Photograph: Bildarchiv Monheim/Alamy
Hace de ello el eje de su enseñanza durante su etapa como catedrático de proyectos en Aquisgrán.
La buscada síntesis se hace palpable también en el carácter urbano de sus grandes naves basilicales, los pasajes y las espectaculares cúpulas-mirador de su etapa posmoderna.
La carga simbólica es evidente en el caso de los estudios desarrollados desde mediados de los años 1980 por encargo del canciller Helmut Kohl para la recuperación del Reichstag en Berlín como sede del parlamento de la RFA.
Aunque las cúpulas propuestas por Böhm no son premiadas en el concurso de 1992, en su transparencia y en las pasarelas desde las cuales contemplar a la vez el paisaje urbano y la sala plenaria están las claves del éxito del proyecto finalmente realizado por Norman Foster.
Expresionismo, Brutalismo o Posmodernismo, son etiquetas que apenas sirven para entender la obra de este longevo y prolífico arquitecto escultor en sus diferentes etapas.
El patrón o eje, la búsqueda de un valor ético y estético en una arquitectura escultórica y urbana capaz de transmitir valores colectivos.
Gottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, BrasilGottfried Böhm y la iglesia de Sao Paulo Apóstolo en Blumenau, Brasil
1913 nace en Imabari (islas Shikoku) en una familia de clase media alta, crece en un ambiente culto y pronto sabe de la nueva arquitectura internacional que hacen los europeos y Le Corbusier.
Desde principios del XX la relación entre la arquitectura tradicional japonesa y las nuevas ideas de la modernidad tienen un flujo de ida y vuelta.
Para Frank Lloyd Wright la arquitectura nipona, con su distribución espacial, su sinceridad estructural, su ligereza, la limpieza de sus espacios, el tratamiento de la luz y sobre todo, su sabia relación entre interior y exterior, es su principal fuente de inspiración.
1930 Le Corbusier, fascina a los japoneses que ven en sus obras el modelo a seguir, la trasposición a los materiales modernos de la propia filosofía constructiva nipona.
1946, Japón es arrasado por la guerra, su madre muere en un bombardeo, e Hiroshima, ciudad en la que vive varios años, es aniquilada, como muchos de sus paisanos decide levantar el país para escapar de la melancolía.
Da clases en la Universidad de Tokio y organiza el Laboratorio Tange con alumnos como Isozaki, Kurokawa, Maki, Kamiya y Taneo Oki.
Se interesa no solo por la arquitectura sino fundamentalmente por el nuevo urbanismo que emerge de los Congresos CIAM europeos.
Se trata de una nueva planificación de ciudades ajena al concepto de urbe tradicional, que crece de manera espontánea a lo largo del tiempo.
Con la explosión demográfica y la aparición de los nuevos medios de transporte se trata ahora de planificar el territorio creando estructuras funcionales que crezcan de forma mallada.
Se abandona así el diseño del espacio urbano de calidad dando prioridad al diseño de esas estructuras de crecimiento casi biológico, orgánico, que funcionen como máquinas perfectas.
La movilidad de los vehículos tiende a difuminar las fronteras entre ciudad y campo, introduciendo el paisaje como parte de la urbe.
Con el tiempo, los europeos desarrollan el concepto de Archigram, la máquina de habitar, y los orientales, el Metabolismo.
Sus primeras obras de posguerra tienen influencia de Le Corbusier.
Traspone al hormigón armado visto, las antiguas estructuras de madera, con sus vigas y celosías.
1955 se inaugura el Museo de la paz de Hiroshima y después la Prefectura de Kagawa.
Después proyecta su Kurashiki City Hall un edificio de gran escala, exento, que tiene una gran repercusión mediática.
Formalmente está resuelto con una gran variedad de composiciones diferentes de celosías de hormigón visto, que reflejan la complejidad del programa interior.
Como Le Corbusier incorpora también el concepto de azotea como quinta fachada del edificio.
Después de esta obra, y debido al encargo de parte de las instalaciones de la Olimpiada de Tokio de 1964, Tange se interesa en las cubiertas de grandes luces colgadas por cables.
Similar en su concepto al Estadio de hockey de Saarinen en Yale, Tange construye el complejo del Gimnasio Nacional Yoyogi, que pasa a ser un icono de Tokio.
Diseña también otro recinto deportivo de similar concepto, formalmente brutalista, que es el Gimnasio de la Prefectura de Kagawa.
Es una una planta oval con cubierta también suspendida, en forma de paraboloide hiperbólico sobre una estructura de hormigón armado que se eleva en sus extremos a modo de barco.
Proyecta y construye la nueva Catedral de Santa Maria de Tokio, que sustituye a la antigua catedral de madera destruida durante la guerra.
Se basa en las catedrales góticas, edificio de gran dramatismo, de planta cruciforme cubierto con ocho grandes caras hiperbólicas que dejan entre ellas unas ranuras de luz vidriada que iluminan el interior.
Paralelo se centra en la Planificación urbana, en su época más cercana al Metabolismo.
1960 proyecta su Plan para la bahía de Tokio, un modelo de crecimiento a través de una estructura cuasi biológica que pretende colonizar la superficie marina.
1970 le encargan la organización espacial de la Expo Universal de Osaka 1970, dirigiendo el equipo que planifica su estructura.
Expo Universal de Osaka de 1970
Tienen también una gran fuerza utópica las imágenes que llegan de su propuesta para la renovación del área urbana de Tsukiji.
1960, proyecta sus edificios metabólicos, con una coincidencia en el tiempo con el Archigram británico.
1966 el más conocido es el Centro de Prensa Yamanashi en Tofu, formado por una estructura de grandes torres cilíndricas entre las que se disponen las estructuras horizontales a modo de mecano, y el Centro de Prensa Shizuoka, en la capital.
Comienza una época más ecléctica y errática.
Tiene grandes encargos como las Embajadas en Kuwait y en Mexico, este último en colaboración del mexicano Pedro Ramírez.
Edificios donde se ve a un Tange experimentando nuevos recursos, y en el caso mexicano con un cierto aire a la arquitectura de los setenta de maestros como SERT.
1987 recibe el Pritzker
1990 su carrera recibe impulso con la realización de varios megaproyectos de grandes Torres.
Es su incorporación a la arquitectura global un tanto despersonalizada.
Destacan el edificio del Gobierno Metropolitano de Tokio, dos torres que emergen de una base común con aire gótico.
1994 la Torre Park Shinjuku, con un mismo concepto formal que asemeja la descomposición paulatina de las nervaduras estructurales góticas y finalmente el más limpio y moderno de todos, a pesar de ser de 1986, el Oub Center de Singapur.
1997 erige la sede de la televisión FUJI en la localidad de ODAIBA.
2005 muere el 22 de marzo a los 92 años, dejando tras de sí infinidad de grandes arquitectos japoneses que le consideran su maestro.
Joan Miro es un artista hermético y obstinado, muy tímido y poco hablador.
Es curioso que se quiera condicionar la mirada del espectador mediante los títulos del que habla, vivimos en una vergonzante sociedad de credenciales.
El que guste o no un autor debería ser un derecho que le asiste a cada espectador que es el que termina la obra con su mirada, es feo querer predisponer al público.
Claro que negar es una manera de reafirmarse quien habla, elevándose como juez supremo al intentar buscar esqueletos en el armario y ningunear a alguien famoso.
Miro no esta sobrevalorado, se convierte en marca por su buen hacer y tenacidad en el trabajo.
Hace años se crea un logo que representa la marca España con éxito
Miro crea un discurso propio como artista que es de las cosas más complicadas que hay.
Hay que evitar mezclar churras con merinas, las filias y las fobias son personales, no se les puede dar carácter científico ni hacer proselitismo, porque la subjetividad es individual.
La obra de cualquier artista, no tiene que transmitir nada, no tiene un mensaje en su interior, como la botella de un náufrago, gusta o no gusta, nada más.
El Surrealismo es la ultima vanguardia y la mas larga, las otras vanguardias ya han experimentado y Braque que viene de la anterior Dada es un buen gestor que le prolonga su existencia, dura hasta después de la II Guerra Mundial.
En la primera etapa del Surrealismo está Miro como esta Picasso o Paul Klee, y en la segunda Dalí.
Miro no tiene nada que transmitir, ni hacer entender, no es un panfleto.
El ser buen o mal artista no esta basado en lo complicado de las ideas o lo virtuoso de la pincelada
Hay un afán general de buscar defectos siempre que alguien sobresale, hay un afán de igualitarismo que en absoluto es socializante, es más un agravio comparativo.
El Surrealismo es un movimiento literario antes que pictórico.
Las formas que salen de manera natural cuando pintas o dibujas, tanto a los adultos como a los niños, tiene que ver con las teorías de Carl Jung, creador de la psicología analítica y el inconsciente colectivo.
Infinidad de artistas tienen fundaciones para preservar su obra, no es ninguna novedad, seguramente Miro toma la idea de EEUU, donde abundan las fundaciones de arte, porque en nuestro país la legislación existente deja que desear.
La calidad nada tiene que ver con que guste o no.
Es como si criticamos a John Cage, por su representación en silencio, cuando este forma parte de la partitura.
Los latinos y en concreto los andaluces somos muy de horror vacui, muy barrocos.
No tiene éxito en Barcelona la primera vez que expone, entre otras porque Catalunya, admite el Noucentisme pero no las vanguardias, por eso los pintores esperanzados que emigran allí, tienen que seguir su camino hacia Paris, entre ellos Picasso o Miro, porque no tienen buena acogida.
Miro dibuja desde los siete años, estimulado por una madre que pinta acuarelas como parte de su formación femenina.
Tiene un talento táctil, intuitivo, que encaja mal en el corsé academicista.
Los padres de Miró, jamás aprueban la inclinación pictorica de su hijo.
Su madre es hija de un ebanista de Palma de Mallorca.
El padre, que medra como orfebre y relojero, procede de Montroig, un pueblo de Tarragona en el que el abuelo trabaja como herrero.
Para disimular sus orígenes humildes,Miró padre cultiva apariencia exquisita, grueso bigote encerado y un sentido práctico de la vida inflexible porque es un pragmatico con iniciativas, frente a un hijo etico.
Todo lo que tienes me lo debes a mí, le grita con frecuencia, a aquel hijo raro, en quien no reconoce ninguna cualidad.
Anciano, Miro aún recuerda con angustia las interminables broncas con su padre.
Lo matriculan a la fuerza en la Escuela de Comercio y le obligan a trabajar como contable en una droguería, ocupaciones que lo deprimen y enferman.
Con 19 años, saca fuerzas y decide su vocación de dedicarse a pintar.
Su madre, redacta un testamento que le garantice, al menos, una sólida herencia.
La cultura catalana de principios del siglo XX no acoge las Vanguardias.
El viaje de iniciación a París resulta imprescindible y con 27 años ya esta allí, pero su timidez no ayuda.
Josep Pla cuenta:
La primera tanda de silencio duró muy bien diez minutos, durante los cuales Miró observó fijamente los vasos de café con leche vacíos que tenía ante él. […] Enseguida comprendí que tenía mucha práctica y sospeché si este no sería el estado natural de su espíritu. Este chico, me dije, debe de haber pasado muchos años sin decir nada.
Miró no habla, pero absorbe todo lo que ve y lo que oye como una esponja.
El aluvión de novedades le provoca un bloqueo creativo, que solamente será capaz de romper durante su veraneo en Montroig.
Atraído por la radicalidad del movimiento Dadá, concibe la idea de asesinar la pintura, no para escandalizar al público, sino para encontrar un nuevo camino.
Pero Miró sigue siendo un pez fuera del agua.
Sus amigos catalanes le toman el pelo.
Le roban el sombrero y se lo pasan entre ellos, le dan recados para chicas desconocidas y se ríen de su apuro, se compinchan para convencerle de que su cabeza irradia, literalmente, un aura de santo.
Su pintura, cada vez más osada y onírica, le abre las puertas del círculo surrealista, pero la historia se repite.
Sus silencios incomodan a todo el mundo.
Man Ray dice en sus memorias
Era difícil conseguir que hablara. Surgió una violenta discusión y fue presionado para que diera su opinión, pero permaneció obstinadamente mudo. Max [Ernst] cogió un cabo de cuerda, lo lanzó a una viga e hizo un nudo corredizo en un extremo, mientras los otros sujetaban sus brazos,puso la soga alrededor de su cuello y amenazó con colgarle si no hablaba. Miró no luchó, sino que permaneció en silencio.
Picasso, que le dedica el mayor elogio posible: Después de mí, eres tú el único que ha abierto una nueva puerta.
Al principio, participa con gusto en las escandalosas algaradas surrealistas. ¡Abajo el Mediterráneo!, grita durante una de las famosas performances del grupo, que acaba, según la costumbre, como el rosario de la aurora.
Su talante es opuesto al de Breton y sus seguidores.
El amor de estos por la provocación le acaba pareciendo banal, y sus discusiones, triviales pérdidas de tiempo.
La revolución que él intenta gestar exige paciencia, trabajo y dedicación.
Por fuera, Miró es un hombre metódico y convencional.
Jacques Dupin el poeta dice, estaba tan loco por dentro que necesitaba orden.
Su estudio está impoluto, sus colores y pinceles se alinean con maniática precisión. Hace ejercicio a diario en un gimnasio de boxeo, asiste a clases de baile, cuida su aspecto y respeta todos aquellos convencionalismos que no le incomodan.
Dalí al llegar a París y ponerse bajo su protección, recibe de él, perplejo, el único consejo de comprarse un esmoquin.
La disciplina y la sencillez le sirven para contener un espíritu turbulento, ambicioso, autoexigente.
Trabaja sin descanso, con la regularidad de un oficinista, para encontrar nuevos caminos expresivos.
Tiene influencias de Cézanne, Picasso, los primitivos o los japoneses
La capacidad de refugiarse en su propio mundo explica el exilio interior que le permite vivir relativamente tranquilo en Mallorca y seguir creando durante los áridos años de la dictadura.
Exiliado a Francia durante la Guerra Civil, toma la decisión de volver a España en 1940 para huir de la amenaza nazi.
Su filiación republicana es conocida, así como sus simpatías catalanistas, pero su actitud siempre es, por su carácter, discreta.
El franquismo, interesado en reconciliarse con los aliados en cuanto tiene claro que estos ganan la Segunda Guerra Mundial, no habría ganado nada encarcelando a un artista de vida apacible y renombre internacional, cuya obra arrasaba ya en Nueva York.
9 de mayo de 1909 – 6 de agosto 1990 arquitecto estadounidense que estudia en el Massachusetts Institute of Technology.
Nace en Buffalo, Nueva York, estudia en Lafayette High School.
Seguidor del Movimiento moderno, cuyas primeras influencias son de Mies van der Rohe y Le Corbusier.
Se forma con diferentes arquitectos y diseñadores industriales, hasta que se hacerse socio de la recién creada agencia Skidmore, Owings and Merrill de Nueva York.
Destaca Lever House de Nueva York, que se construye como sede principal de la compañía de jabón Lever Brothers.
Lever house Lever house Lever house Lever house Lever house Lever house Lever house
1953 su diseño para la Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953), es una maravilla del movimiento moderno.
Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953) Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953) Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953) Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953) Manufacturers Hanover Trust Branch Bank (1953)
La Casa Travertino construida para su familia es un proyecto excepcional.
A su muerte deja la casa para el MOMA, que en 1995 la vende a Martha Stewart.
1950, Bunshaft es contratado por el Departamento de Estado de la Oficina de Relaciones Exteriores como colaborador para el diseño de varios consulados de EE.UU. en Alemania.
Su enfoque minimalista se extiende más allá de su arquitectura.
Con el Pritzker en 1988, hace el discurso más corto de la historia.
En 1928, ingresé en la Escuela de Arquitectura del MIT y comencé mi viaje de arquitectura.
Hoy, 60 años más tarde, he recibido el Premio de Arquitectura Pritzker por el que doy las gracias a la familia Pritzker y los distinguidos miembros de la comisión de selección por honrarme con este prestigioso premio. Esto es la culminación de mi vida en la arquitectura.
Eso es todo.
Los papeles personales de Bunshaft están en poder del Departamento de Dibujos y archivos en Avery Architectural and Fine Arts Library de la Universidad de Columbia; sus dibujos arquitectónicos permanecen con SOM.
Está enterrado junto a su esposa y sus padres en el Templo Beth, en el cementerio Pine Ridge Road de Buffalo, Nueva York.
En 1988 consiguió el Pritzker junto a Oscar Niemeyer ex æquo.
1951 : Lever House, Nueva York
1953 : Manufacturers Hanover Trust Branch Bank, New York
1962 : Albright-Knox Arte Galeria, Buffalo, New York.
1963 : Casa Travertino, Hamptons, EE.UU.
1963 : Biblioteca Beinecke de libros raros y manuscritos, Universidad de Yale, New Haven, Conneticut, EE.UU.
1965 : Banco Lambert, Bruselas, Belgica
1967 : Edificio Marine Midland, New York
1971 : Biblioteca Museo Lyndon Baines Johnson, Austin, Texas, EE.UU.
1974 : Edificio Solow, New York, New York
1974 : Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington, DC
1983 : National Commercial Bank, Jeddah, Arabia Saudí
1990 el 6 de agosto, muere en Nueva York, a los 81 años.
Vivimos tiempos de levedad, donde el discurso efímero es el tono que predomina. Resulta curiosa tanta búsqueda de certeza por parte del público en el concepto de arte, cuando precisamente su imprecisión es lo que lo hace atractivo.
El arte tiene diferentes funciones, la propagandística, estética, ritual etc y en función del modo de producción histórico, predomina una u otra.
El arte factura cada año millones, de la que nuestro país solo participa en apenas un 2% La poética desde los años 50 se pone al servicio de la publicidad, y lo que antes son mecanismos poéticos, ahora, muta para convertirse en mecanismos de seducción para estimular el consumo.
El arte pasa a ser un tipo de consumo elitista, en el que el coleccionista o comprador se singularizan a si mismos mediante la compra o colección de una pieza. Es mercado en estado puro.
Captar la atención de los media es lo más complicado, porque asegura la promoción. No hay que perder de vista al mecenas, sin cuya intervención el artista sucumbe.
En todo este ruido, se lee mucho afán de confundir, pues para revalorizar colecciones, se promocionan artistas ya consagrados o emergentes en los que hay una inversión importante en la mayoría de los casos.
Todo ello contribuye a una falta de educación artística, donde se mezclan churras con merinas y donde el espectador se pierde en un bosque de información.
Es importante ser contemporáneo, aprender a mirar lo que se hace en el momento, que es reflejo del discurso que predomina, y no que bajo el velo del especialista, decidan el criterio de los gustos de la mayoría.
Cada generación ha de revisar en la historia, el modelo de arte a elegir que mas se adapte a la sensibilidad del momento.
Quizás ha de crear el arte que mejor refleje su actitud, pero para ello ha de retomar la tradición, sin tener la mirada pervertida, por los que se erigen popes o voceros de esta disciplina que es de todos y de nadie.
Oscar Ribeiro de Almeida Niemeyer Soares Filho, Rio de Janeiro, 19 de diciembre de 1907 -2012, 5 de diciembre, reconocido como Oscar Niemeyer, es un arquitecto brasileño.
Cercano a las ideas de Le Corbusier, es uno de los personajes más influyentes de la arquitectura moderna internacional.
Pionero en la exploración de las posibilidades constructivas y plásticas del hormigón armado.
1960 destaca la construcción de Brasilia como nueva capital de su país en apenas tres años y medio.
Es el principal responsable de algunos icónicos edificios públicos de la ciudad, como el Congreso Nacional, la catedral de Brasilia, el Palacio de Planalto y el Palacio de Alvorada.
Es también uno de los que diseña la Sede de la Organización de las Naciones Unidas en Nueva York.
No es el ángulo oblicuo el que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por el hombre. Lo que me atrae es la curva libre y sensual, la curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las olas del mar, en el cuerpo de la mujer preferida. De curvas es hecho todo el universo, el universo curvo de Einstein.
Hijo de Oscar de Niemeyer Soares y de Delfina Ribeiro de Almeida, nace en la ciudad de Rio de Janeiro en 1907, en el barrio de Laranjeiras, en una calle que después recibe el nombre de su abuelo, Ribeiro de Almeida.
Su juventud la pasa como el típico carioca bohemio de la época, sin preocupaciones por su futuro.
Concluye la educación secundaria a los 21 años.
Se casa con Annita Baldo, ese año, hija de inmigrantes italianos de Padua.
El matrimonio le da sentido de responsabilidad y decide trabajar e ingresar a la universidad.
Empieza a trabajar en el taller de tipografía de su padre y entra en la Escuela de Bellas Artes (Brasil)
1934 se gradúa como ingeniero arquitecto.
A pesar de las dificultades financieras por las que pasa, trabaja gratis en el estudio del arquitecto Lucio Costa y Carlos Leão.
Pabellón Brasileiro en Nueva York
Niemeyer no se siente satisfecho con la arquitectura en la ciudad y decide que puede hacer carrera en ese nicho.
1945, ya como un arquitecto de cierta reputación, se une al Partido Comunista.
Niemeyer es sólo un niño en la época de la Revolución Rusa de 1917, y se hace un joven idealista en la Segunda Guerra Mundial.
Es un comunista entusiasta, actitud que le cuesta cara más tarde.
Lucio Costa
1932 inicia su vida profesional en la oficina de Lucio Costa, arquitecto que le ayuda años después a construir Brasilia, él es pasante del equipo de Lúcio Costa, que trabaja al lado del arquitecto franco-suízo Le Corbusier en un proyecto del nuevo edificio para el Ministerio de la Educación y la Sanidad Pública, en Río de Janeiro, un marco de la arquitectura moderna brasileña.
Siendo aprendiz en aquella época, es Niemeyer el que sugiere el cambio en la altura de los pilotes de cuatro a diez metros y su propuesta es aceptada.
1937 proyecta la Obra de la Cuna, en Río de Janeiro y este es su primer proyecto construido y el lugar donde están algunas instituciones filantrópicas, sin ánimo de lucro, su objetivo es el apoyo a los bebés, una ayuda a los niños y las madres vulnerables en situación de exclusión social.
1938, proyecta la casa de Oswald de Andrade, un poeta brasileño del periodo modernista; utiliza una combinación de líneas curvas y rectas innovadoras, en São Paulo hace también un pequeño hotel en Ouro Preto – MG, con detalles parecidos a los que utiliza en el proyecto del Catetinho años después.
1940 conoce al alcalde de la ciudad de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek (1902-1976), quien le invita a proyectar una iglesia y un casino a orillas del Lago de Pampulha que se llamaría Conjunto de Pampulha, tiene áreas abiertas con vías de acceso y alrededor hay una laguna artificial.
Tiene un casino, un club, un salón para baile, una iglesia y un hotel, pero el hotel no está construido.
Para que el proyecto no se demore, a Niemeyer le ayuda del ingeniero Joaquim Cardozo y el paisajista Burle Marx.
La novedad de las líneas de esa pequeña iglesia construida en homenaje a San Francisco le da fama en todo el país.
Su interior está decorado con azulejos y frescos pintados por Candido Portinari.
El casino se transforma años después en el Museo de Pampulha, dedicado a la difusión del arte contemporáneo.
1942 hace la casa de la laguna Rodrigo Freitas.
El edificio Copan constituye un símbolo urbano en el paisaje de São Paulo.
Este edificio fue construido entre 1951 y 1957, y represento un cambio drástico en el planteamiento arquitectónico carioca, gracias a su exclusiva forma curvilínea, lo cual es difícil de ignorar, incluso por aquellos que no han ingresado al edificio.
De entre muchas otra construcciones elaboradas por el gobierno brasileño durante los años 50, ninguno ha sido tan moldeado y tan bello como el Copan. Este se caracteriza por una estrecha planta en forma de S y 38 pisos de altura. Las franjas horizontales que actúan como parasoles protegen del extremo calor a sus habitantes.
1951 empieza la construcción del proyecto del Parque Ibirapuera.
Esta idea surge a causa del cumpleaños de 400 años de la ciudad de Sao Paulo, es una conmemoración, es el segundo gran proyecto de su vida y es una solicitud del gobierno de São Paulo, el proyecto quiere dar a la ciudad una gran área verde con lugares de exposición y ocio uniendo arquitectura y paisajismo.
La Marquise del Ibirapuera y el Auditorio Ibirapuera son característicos de Oscar Niemeyer, los dos tienen características de la generación modernista brasileña.
1951 Casa de las Canoas, es la residencia del propio arquitecto, su preocupación es que sea una parcela llena de desniveles, ya que erige su casa con curvas sin líneas rectas.
1953 comienza su construcción.
Casa da canoasCasa da canoas
1954 ayuda en un proyecto de un conjunto de edificios para el barrio Hansa, que es una parte del programa de reconstrucción de Berlín (Alemania), proyecta también el Museo de Caracas en Venezuela.
1955 funda la revista Módulo en Río de Janeiro.
Tras dos años, Juscelino elige a Niemeyer para juntos crear la más linda capital del mundo. Juscelino es elegido el presidente de Brasil y su principal objetivo es cambiar la capital, entonces sale de Río de Janeiro, litoral, para Brasília en el centro del país, escrito en la primera Constitución de Brasil, es estrenado en las bases del concurso de un Plan Maestro para Brasília.
1952 Oscar Niemeyer participa también con Le Corbusier en la elaboración del proyecto del edificio principal de las Naciones Unidas en Nueva York.
Edificio de las Naciones Unidas
1954 desarrolla el proyecto privado Casa Niemeyer en la localidad de Pedro del Rio en Río de Janeiro, que le proporciona prestigio nacional revolucionando la arquitectura brasileña en los años 60.
La casa Niemeyer es uno de los pocos proyectos privados que el afamado arquitecto desarrolla.
1955 trabaja con el arquitecto venezolano Fruto Vivas en el diseño del Museo de Arte Moderno de Caracas, una estructura futurista de pirámide invertida que nunca se construye pero que inspira algunas de sus obras como el Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi.
Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi.
1961 conocido como la primera casa de la cultura creada por André Malraux , Le volcán es uno de los escenarios nacionales más significativos de Francia; un lugar de producción y propagación artística de referencia nacional enfocado en el campo del teatro, la música, la danza, el circo, la nueva estética, las nuevas imágenes y las artes digitales.
El complejo fue elaborado por el arquitecto Oscar Niemeyer, el cual está compuesto por dos salas de espectáculos, una con 800 asientos y la otra con 125 asientos.
En 1990, la Casa de la Cultura pasa a llamarse El Volcán por decisión del nuevo director, Alain Milianti; y un año después, fue catalogado como escenario nacional por el Ministerio de Cultura, convirtiéndose en Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 2005.
1971, erige la Sede del Partido Comunista Francés, junto con los primeros pasos en el dibujo mobiliario, diez años después lo llaman nuevamente para hacer la Sede del Humanité.
1972 abre su despacho en los Champs Elysées, en París y proyecta la Bolsa del Trabajo de Bobigny y el Centro Cultural del Le Havre en Francia.
1983 hace su primera retrospectiva de su obra en el Museo del Arte de Río de Janeiro, año en que proyecta el sistema de las escuelas públicas llamado de CIEPs junto con Darcy Ribeiro.
1984 erige el Sambódromo de Río de Janeiro, también conocido como Pasarela Maestro Darcy Ribeiro.
1985 erige el proyecto del Panteão de la Patria en la Plaza de los Tres Poderes.
1987 proyecta el Memorial de la América Latina en São Paulo y el edificio de la Sede del Periódico I’Humanité, en París.
1956 se muestran las bases del concurso de un Plan Maestro para Brasília.
Ese plan debe tener toda la parte urbanística de la ciudad, pero no contempla el proyecto inicial los edificios públicos.
El urbanista Lucio Costa gana el concurso de proyectos para escoger la nueva ciudad capital en el centro del país, Brasilia, y por iniciativa del presidente Kubitschek, Oscar Niemeyer es invitado a trabajar en el proyecto de la nueva capital.
Niemeyer queda a cargo de los proyectos de los edificios y Lúcio Costa del plan de la ciudad y toda la parte urbanística.
En pocos meses, Niemeyer diseña decenas de edificios residenciales, comerciales y administrativos.
Entre ellos la residencia del Presidente Palacio da Alvorada, el Congreso Nacional (Cámara de los Diputados y el Senado Federal), la Catedral de Brasilia, el palacio de Itamaraty, sede del Ministerio de Asuntos Exteriores, la sede del Tribunal Federal supremo, los edificios de los ministerios, y la sede del gobierno, el Palacio Planalto.
Brasilia es diseñada, construida e inaugurada durante el plazo de un mandato presidencial, cuatro años.
21 de abril de 1960 la nueva capital es oficialmente inaugurada.
1962 recibe el encargo de organizar la Facultad de Arquitectura en la recién creada Universidad de Brasilia (UnB).
1963 es nombrado miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectos de Estados Unidos y en el mismo año gana el premio soviético de paz, el Premio Lenin de la Paz.
1964 viaja a Israel por motivos de trabajo y en su regreso encuentra un Brasil completamente diferente.
En marzo es presidente Joao Goulart, que asume el poder después de la renuncia del presidente electo, Janio Quadros, quien es derrocado por un golpe militar.
Brasilia
1980, vuelta a Brasil y crea el Memorial JK y el Museo del Indio, los dos en Brasília.
En la dictadura militar de Brasil su oficina es invadida de repente, sus proyectos son rechazados y pierde sus clientes.
Diseño de Niemeyer
1965 doscientos profesores, entre ellos Niemeyer, dimiten en la Universidad de Brasilia, en protesta contra la política universitaria.
Brasilia
1965 viaja a Francia, por una exposición sobre su obra en el Museo del Louvre.
El Ministro de Aeronáutica brasileño dice que el lugar para un arquitecto comunista es Moscú.
1966 Niemeyer se ve obligado a exiliarse en Europa, y escoge para vivir París.
Abre una oficina en los Campos Elíseos, y consigue clientes en diversos países.
En Argelia diseña la Universidad de Constantina.
Universidad de Constantine Universidad de Constantine Universidad de Constantine Universidad de Constantine Universidad de Constantine
1970 la Mezquita de Argel.
En Francia crea la Sede del Partido Comunista Frances, el Place du Colonel Fabien, y en Italia la sede de la Editora Mondadori.
Sede del Partido Comunista Frances Monddori
En Portugal realiza una obra en la ciudad de Funchal, el Pestana Casino Park.
1960 Mezquita Estatal de Penang en George Town, la capital del estado de Penang (Malasia), realizada en los años setenta.
Después del final de la dictadura en los años ochenta, Niemeyer vuelve a Brasil.
Él mismo define esta época como el inicio de la última fase de su vida.
1980 erige el Memorial JK, en Brasilia), el edificio-sede de la Red de Televisión Manchete en 1983, los CIEPs (centros de educación pública) y los sambódromos de las ciudades de Rio de Janeiro en 1984 y de de Sao Paolo en 1991, el Panteón de la Patria, en Brasília en 1985 y el Memorial de América Latina en 1987, en São Paulo.
Este último tiene una bella escultura representando una mano herida como un Cristo, de cuya llaga sangra América Latina.
1989 le dan el Príncipe de Asturias que recoge en Oviedo.
1991-1996 realiza lo que muchos consideran su mejor obra, el Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi (MAC).
Rio de Janeiro – Museu de Arte Contemporânea de Niterói
Es un museo en un lugar improbable, con una forma bella y original, una escultura que se proyecta sobre la piedra, dando una linda visión de la Bahía de Guanabara y de la ciudad de Rio de Janeiro.
2002, el 22 de noviembre es inaugurado el complejo que abriga el Museo Oscar Niemeyer (MON), en la ciudad de Curitiba en Paraná, en la región sur de Brasil.
Esta obra es un anexo al museo original diseñado por el mismo Niemeyer.
Ese mismo año recibe el Premio Konex Mercosur al mejor arquitecto de la región de la década.
2003, proyecta el 6 Gallery Pavillon, en el Hyde Park (Londres), inicia en Brasília la construcción de la Biblioteca Nacional y el Museo Nacional, los dos en el Sector Cultural de Brasília.
2004, hace el Monumento de la Paz en la ciudad de París.
Un año más tarde proyecta el Parque Acuático de Potsdam en Alemania y el complejo Administrativo de la Hidroeléctrica de Itaipu.
2006, proyecta el Centro Cultural Principado de Asturias en España y el Memorial Leonel Brizola en Río de Janeiro; se casa nuevamente con Vera Lúcia Cabreira, con quién vive en Ipanema-RJ.
En ese año es inaugurado el Complejo Cultural de la República, en Brasília, junto con el Museo Nacional Honestino Guimarães y la Biblioteca Nacional Leonel de Moura Brizola, formando uno de los mayores centros culturales del país.
2006, el 30 de marzo, se inaugura en la región del sur de la ciudad de Goaiania, GO, Brasil, el Centro Cultural Oscar Niemeyer, también conocido como CCON y NIE..
2006, el 15 de diciembre, con casi 50 años de atraso, es inaugurado el Museo Nacional Honestino Guimarães y la Biblioteca Nacional Leonal de Moura Brizola, que forman juntos, el mayor centro cultural de Brasil, denominado Complejo Cultural de la República, ubicado en la Explanada de los Ministerios en Brasilia.
La inauguración es programada para coincidir con el 99 cumpleaños de Oscar Niemeyer.
En el transcurso de ese año planifica un balneario para Potsdam, en Alemania, previsto para 2007, pero las obras son canceladas antes de su inicio debido a sus dimensiones faraónicas.
Es invitado a diseñar un estadio con motivo de la Copa Mundial de Futbol 2014 que es organizado por Brasil.
Se inaugura el Teatro Popular Oscar Niemeyer de Niteroi en Rio de Janeiro, obra dedicada a Brasil simbolizado con los colores verde, amarillo, azul y blanco.
Ese mismo año dona a España el diseño de su mayor proyecto en Europa, como su colaboración, en calidad de galardonado, en la celebración del veinticinco aniversario de los Premios Príncipe de Asturias.
El Centro Cultural Internacional Oscar Niemeyer (también conocido como Centro Niemeyer o, coloquialmente, como El Niemeyer) tiene una estética provocadora, resumen de la mejor arquitectura del brasileño.
Una gran plaza abierta a todos los hombres y mujeres del mundo, un gran palco de teatro sobre la ría y la ciudad vieja.
Un lugar para la educación, la cultura y la paz.
El Niemeyer se encuentra en la ciudad de Aviles, en el Principado de Asturias y es inaugurado en la primavera de 2011.
2007 cumplidos los 100 años, Niemeyer asume junto con el gobernador José Roberto Arruda el compromiso de proyectar la Sede del Archivo Público de Distrito, como también la Universidad de Ciencias e Informática de Cuba y el Centro Cultural de Valparaíso, en Chile.
Todavía en activo, perfectamente lúcido e involucrado en diversos proyectos, principalmente esculturas y ajustes de algunas de sus obras antiguas, que están protegidas como patrimonio nacional o internacional, y por lo tanto, sólo pueden ser modificadas con la autorización de Niemeyer.
Con motivo de su centenario, Vladimir Putin, en nombre del gobierno ruso, le da la condecoración de la Orden de la Amistad.
Teatro Popular de Niterói, Caminho Niemeyer, Rio de Janeiro
2008, presenta el proyecto Puerto de la Música, que se realizará en Rosario, Argentina en el Parque Urquiza, cercano al Monumento a la Bandera.
Visita la ciudad de Brasília e inaugura el Museo Nacional y el tercer número de sus revistas de arquitectura Nosso Caminho.
Proyecta el Teatro del Puerto de la Música de Rosario, en Argentina.
Puerto de la Música
2009, el 10 de enero con 101 años de edad, Oscar Niemeyer, presenta un nuevo proyecto, la Plaza de la Soberanía, que es realizada en la Explanada de los Ministerios, en Brasilia
Dicha plaza que hubiera sido inaugurada en abril de 2010 es rechazada por la oposición suscitada por la población de Brasilia.
2009 se completa la construcción del Auditorio Oscar Niemeyer de Ravello en Italia.
2010 inaugura la Ciudad Administrativa de Minas Gerais, a base de curvas, hormigón armado y el mayor piso suspendido del mundo.
La ciudad Administrativa es considerada el proyecto más raro y más audaz de Oscar Niemeyer.
2012, sufrió problemas de salud debido a su avanzada edad que le obligaron a ser hospitalizado dos semanas en mayo por deshidratación y neumonía, y en octubre de nuevo es hospitalizado por deshidratación.
Museo del Ojo
El miércoles 5 de diciembre de 2012, fallece a los 104 años de edad en Río de Janeiro, su ciudad natal, anunciado por la portavoz del Hospital Samaritano Associated Press.
Es una de las creadoras más importantes de los últimos tiempos, que crea roles donde ella se identifica.
Más que fotógrafa, se considera una artista visual que utiliza la fotografía.
El mérito de esta artista no ha sido solo captar una imagen más o menos impactante u original con su cámara, sino utilizarse a sí misma en sus representaciones y ser capaz de materializar el mensaje que quería transmitir.
Nacida en Nueva Jersey en 1954, Cyntia Morris Sherman no manifestó su vocación artística hasta que llegó a la Universidad de Buffalo. Allí comenzó pintando, pero pronto se dio cuenta de que no era lo suyo; de la pintura opina
no había nada más que decir. Estaba meticulosamente copiando otro arte y entonces me di cuenta de que sólo podía usar la cámara y desarrollar mis ideas con ella.
Y ciertamente, es en la fotografía donde encuentra su medio de expresión, llegando a convertirse en una de las fotógrafas más relevantes.
Las imágenes de sus comienzos, quizá las más representativas de su obra, pronto llaman la atención del público.
1977-1980 realiza la serie Untitled Film Stills en la que se retrata a sí misma adoptando multitud de clichés femeninos típicos de la sociedad machista (prostituta, ama de casa, drogadicta, despechada, bailarina).
Las imágenes, en blanco y negro, se asemejan a fotogramas de películas de los años 40-50.
Recuerdan a Hitchcock, Visconti o Truffaut.
No quiere dar título a las piezas, que son conocidas por el número de inventario… es el espectador a quien corresponde atribuir un significado a la imagen.
69 fotografías en blanco y negro sin título, Cindy Sherman exhibe una capacidad camaleónica.
Desde un inicio es artista multidisciplinar, se ocupa de todas las fases de producción de sus obras.
Imágenes ambiguas, artificiosas, muy teatralizadas, propias de la estética y el planteamiento excesivo del film noir, donde los estereotipos se repiten.
En este popurrí, Sherman encuentra un lugar idóneo para explorar el papel de la mujer dentro de la cultura popular occidental, convirtiéndose en la abanderada de toda una generación de artistas feministas que emergen en los 70.
La artista no duda en recurrir al artificio, en la expresión y en la preparación, para narrar una historia valiéndose de una sola imagen, para incitar a la imaginación a que invente la historia que hay detrás.
Y, al parecer, todo comienza por la afición a disfrazarse que tiene desde que es niña; reconoce que no sabe si por aburrimiento, como terapia o por su fascinación por el maquillaje.
El caso es que comienza jugando con disfraces y maquillaje en la intimidad de su casa, pero, alentada por Robert Longo, a quien conoce en la universidad, decide inmortalizar sus performances ante la cámara.
Untitled Film Stills rememoran el carácter narrativo de obras de autores posteriores, como Gregory Crewdson, donde el momento congelado en el tiempo es sólo un instante dentro de una historia que el espectador debe desentrañar en el interior de su mente.
Son imágenes que generan preguntas que ni siquiera pueden ser atisbadas por el inexistente título de las obras, más allá de una mera enumeración.
No se trata de autorretratos, como ha señalado la autora en numerosas ocasiones.
Ella no es ella, es un papel dentro de un guión que utiliza como base una atmósfera general, más que referentes espaciales o temporales.
Con pocos medios, crea un discurso potente y bien articulado, con fuerza expresiva.
Gran parte de las fotografías son realizadas en su propia casa, ocupándose su padre en alguno de los casos de fotografiar.
A diferencia de las obras posteriores, en este caso las imágenes se presentan en pequeño formato y de manera austera, y con una estética envejecida de fotografía antigua.
Sin considerar que su trabajo sea feminista, en todas las series que ha realizado a los largo de sus casi 40 años de trabajo explora los innumerables estereotipos de la mujer. 1980 llama la atención hacia la utilización como símbolo sexual que fomentan las revistas y la televisión, y realiza la serie Centerfolds, representándose como las modelos de los desplegables en las revistas masculinas.
Sus trabajos esconden un mensaje, aunque tenga que recurrir a imágenes que son como un puñetazo en el estómago… Disasters, Fairy Tales y Disgust pictures son trabajos en los que, por medio de lo abyecto, representando vísceras, vómitos, mutaciones y personajes de terror, alerta del cambio que está sufriendo la sociedad, cayendo en un consumismo feroz.
History Portraits vuelve al autorretrato, en color y recreando pinturas renacentistas y barrocas, representando personajes femeninos y masculinos, o personajes mediáticos del momento.
Su idea es desmitificar las personalidades que la sociedad se empeña en ensalzar, ya sea en forma de obras maestras o de estrellas de televisión.
Aparece en sus obras porque le gusta trabajar sola y hacer todo por sí misma, a lo que se une que contratar modelos puede ser una ardua tarea… lo intenta una vez y no le gusta la experiencia.
Ella afirma que es por la libertad que supone trabajar sola, pero quizá sea también por timidez: disfrazarse puede resultar muy liberador y, aunque preste su imagen, su intención no es dejar su esencia, por eso deshecha las imágenes cuando se parecen demasiado a ella.
Experimenta con naturalezas muertas en las que no se muestra, pero carecen de la fuerza de sus demás trabajos.
Los fetichistas coleccionistas que desean una obra de Sherman, la quieren con ella y pueden llegar a pagar sumas exorbitantes.
Su Untitled #96 se subasta en 2011 en Christies de Nueva York por casi cuatro millones de dólares.
La mujer de las mil identidades se ve a sí misma como un lienzo en blanco en el que plasmar diferentes iconografías de mujer y el resultado es un cumulo de estereotipos femeninos.
Sus fotografías no son autobiográficas pero, en ocasiones, por medio de la artificiosidad, parecen plasmar la cruda realidad.
A medida que su trabajo evoluciona, incorpora poco a poco prótesis como las utilizadas por los estudiantes de medicina.
Cuando realiza la serie Sex Pictures ya no queda nada de sí misma.
Las figuras aparecen retorcidas, mutiladas, rezumando líquidos y, aunque el espectador sabe que se trata de maniquíes, provoca acritud, logrando denunciar la violencia física contra la mujer.
Después recurre al tratamiento digital de las imágenes, lo que le permite crear escenas cromáticamente chillonas y montajes de numerosos caracteres, como en la serie Clowns, donde no queda muy claro si se trata de una parodia de sí misma.
Los personajes que encarna en sus Society Portraits sin título no representan personas reales, sin embargo, la artista las ha hecho parecer familiares en su lucha contra los estándares de belleza que predominan en nuestra sociedad obsesionada por la juventud y la belleza.
Conociendo el uso del maquillaje, los postizos y cualquier tipo de atrezo corporal por parte de Cindy Sherman, no es de extrañar que entre las numerosas alianzas comerciales que ha formado a lo largo de su carrera, una de ellas haya sido con la marca de cosméticos MAC, en 2011.
El maquillaje, ya sea como elemento de parodia, de sátira o como puro complemento, esta presente en sus series.
No sabemos si las habituales compradoras de maquillaje se encontrarían reflejadas en el uso que hace de la gama de colores de MAC.
Tres imágenes fuertemente saturadas, cada una usando diferentes colores, donde se transforma en un payaso, en una ingenua joven-muñeca y en una excesiva mujer con un toque inquietante.
2010, une su creatividad a la legendaria marca de moda Balenciaga.
Con su ropa, adopta variadas personalidades, con poses inspiradas en las características fotografías de fiesta donde cada uno intenta mostrar lo divertida, interesante y envidiable que es su vida.
Seis fotografías donde se nos aparece como una fashion victim y una clubera, entre otros personajes.
También han sido muy numerosas las colaboraciones con revistas punteras, como W Magazine, Pop, y especialmente, Harper’s Bazaar.
Para esta última publicación realiza un curioso trabajo inspirado en la llamada Street style photography y en las it girls, que van marcando tendencia a base de lucir la ropa publicitada a través de ellas por las marcas.
2005 Sydney Pollack realiza un documental sobre la trayectoria de Frank Gehry titulado Sketches of Frank Gehry .
2009 diseña un sombrero para la artista pop Lady Gaga con motivo de un musical benéfico, colaboración entre Lady Gaga y Francesco Vezzoli, celebrado en Los Ángeles.
En los Simpson, aparece en un capítulo como el diseñador de una Sala de Conciertos que acababa convertida en prisión.
1929 nace con el nombre de Frank Owen Goldberg en Toronto, el 28 de febrero.
Arquitecto canadiense asentado en EEUU, ganador del Pritzker, reconocido por las innovadoras formas de los edificios que diseña.
1947 se traslada con sus padres a la ciudad de Los Ángeles.
1954 se gradúa en arquitectura en la Universidad del Sur de California (USC), obteniendo más tarde la nacionalidad estadounidense.
Su familia es de origen judío-polaco, con un padre que se dedica al comercio de materiales y una madre melómana.
1954 se gradúa en la Universidad del Sur de California, año en que cambia el nombre por el antisemitismo reinante y por presiones de su exmujer.
Empieza a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles.
Se ausenta un año para hacer el servicio militar y, a su vuelta, es admitido en la Escuela de Diseño en la Universidad de Harvard para estudiar urbanismo.
A su regreso a Los Ángeles se incorpora nuevamente al despacho de Gruen.
1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se traslada con su familia a París, donde trabaja en el estudio de Andre Rémonder.
La educación francófona canadiense le ayuda para desenvolverse en París.
Permanece un año, durante el cual estudia las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, como las iglesias románicas existentes en Francia.
De regreso a Los Ángeles, abre su propio despacho de arquitectura.
En los años siguientes desarrolla su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional.
Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados.
En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas.
Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.
Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, este debe ser una escultura.
Para acercarse cada vez más a este ideal, trabaja en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de este en el entorno.
Habiendo crecido en Canadá, Gehry es un gran aficionado al hockey.
2004 diseña el trofeo de la Liga Mundial de Hockey.
2011 inaugura el rascacielos New York by Gehry, también conocido como 8 Spruce Street, levantado en la ciudad de Nueva York, un ansiado proyecto del arquitecto.
Con 76 plantas y 265 metros de altura, el edificio es la torre residencial más alta de EEUU.
Construida con 10.500 paneles de titanio y hierro, el edificio semeja estar en constante mutación.
Está situado cerca del Woolworth Building, un rascacielos de 1913.
El edificio alberga una escuela pública, aunque las aulas no las diseña Gehry.
En reconocimiento a su labor, Frank Gehry recibe prestigiosos premios:
1977 – Arnold W. Brunner Memorial Prize in Architecture (American Academy of Arts and Letters).
1989 – Pritzker.
1992 – Premio de la Fundacion Wolf de las Artes (Arquitectura).
1992 – Praemium Imperiale Award for Architecture, de la Japan Art Association.
1994 – Premio Dorothy and Lillian Gish.
1998 – National Medal of Arts (AEB).
1998 – Premio Friedrich Kiesler.
1999 -Medalla de Oro de la AIA, American Institute of Architects (AEB).
2000 – Medalla de Oro, Royal Institute of British Architects.
2002 – Gold Medal for Architecture (American Academy of Arts and Letters).
2002 – Comendador de la Orden de Canadá.
2003 – Medalla de Plata de Caldes de Malavella.
2008 – Gran Cruz de la Orden de Carlomagno del Principado de Andorra (luego la rechaza).
Madrid, 21 de febrero de 1959, es un musico, compositor, director de orquesta, productor discográfico y artista plástico español que con su hermano Nacho y Ana Torroja, forma Mecano entre 1981 y 1998.
Ahora es pintor.
Es el segundo hijo de Modesto Diego Cano Hurtado, licenciado en ICADE que desarrolla profesión en el sector textil, y Emilia Andrés, licenciada en ciencias políticas.
Tiene dos hermanos (Modesto y Nacho) y una hermana (Pilar).
Durante su infancia estudia en el Colegio Nuestra Señora del Recuerdo, de cuyo coro forma parte como solista. También dibuja en una academia.
Los Cano recuerdan que a sus padres no les gusta la música y, de hecho, en su casa no hay ni radio ni tocadiscos.
Pero sí una guitarra que su padre compra para aprender a tocar flamenco, proyecto que nunca lleva a cabo, y que es el primer instrumento con el que tienen contacto los hermanos.
Su descubrimiento real de la música es con 13, cuando, durante unas vacaciones en Valencia, escucha Imagine de John Lennon.
A partir de ese momento empieza a desarrollar una gran afición por la música que contagia a su hermano Nacho cuatro años menor pero al que está muy unido. Compran todo tipo de discos y aprende a tocar la guitarra con un libro de canciones de los Beatles y toca también temas de Cat Stevens y James Taylor.
Sigue entre tanto perfeccionando su técnica de dibujo.
1974, con 15 años conoce en una fiesta que se celebra en el paseo de la Habana a Ana Torroja, de 14 años y de su barrio.
José y Ana entablan una relación de noviazgo que dura 3 años.
1976, a los 17 comienza a estudiar arquitectura en Valencia, donde va en gran parte huyendo del ambiente familiar en lo referente a su afición por la música.
Destaca en la asignatura de análisis de formas cuya base es el dibujo artístico.
Tras solo dos cursos decide abandonar la carrera de arquitectura y regresar a Madrid. Según afirma en una entrevista realizada en 2008, el motivo es que su padre pasa por una situación profesional complicada y José María quiere ayudar trabajando con él como representante textil.
Sigue haciéndolo sin cobrar nada hasta que es sustituido por su hermana Pilar ya en pleno éxito de Mecano.
1979 a su regreso a la capital comienza a estudiar ciencias empresariales.
Ana Torroja, ya convertida en solo amiga después de terminar el noviazgo de ambos, comienza a hacerle los coros cuando José María interpreta, normalmente en fiestas, alguna canción en público.
En Madrid, José María sopesa la posibilidad de grabar un disco con temas que compone.
También se reencuentra con su hermano Nacho, que abandona la guitarra por los teclados y toca música electrónica.
José María toca la guitarra y canta, Ana hace los coros y Nacho los solos. Progresivamente Ana, que no tiene afición por cantar en su infancia, desarrolla un timbre de voz muy bello que provoca que compongan para ella.
1980 se unen definitivamente los tres para formar el grupo Mecano, que tiene un éxito espectacular en España, Latinoamérica y otros países.
Aunque al principio las canciones que más éxito son las de su hermano, con el tiempo, especialmente a partir de 1984 cuando compra su primer piano, José María acaba componiendo los temas más relevantes de la banda y los que les abren una carrera internacional.
Hace además que la crítica musical cambie diametralmente su percepción de Mecano. La canción Hijo de la luna se convierte en el tema en lengua española con más versiones en otros idiomas de todos los tiempos.
La versión francesa de Mujer contra Mujer (Un femme avec un femme) es la canción extranjera que más tiempo esta de número uno en la historia de la música francesa, el anuncio de la cerveza más popular de Japón se hacía con Naturaleza muerta.
Tú se convierte en uno de los mayores éxitos de la cantante británica Sarah Brightman. Cruz de navajas y Me cuesta tanto olvidarte abren a Mecano las puertas de Latinoamérica hasta entonces cerradas para ellos.
Otras de los clásicos compuestos por José María para Mecano son:
Una rosa es una rosa, No hay marcha en Nueva York, Eungenio Salvador Dalí, Hawaii Bombay, El blues del esclavo, Solo soy una persona, Quédate en Madrid, Sentía, El peón del rey de negras, Héroes de la Antártida, No es serio este cementerio y un largo etcétera.
Se convierte en el compositor en lengua española más demandado de su tiempo con éxitos para otros artistas como Lía para Ana Belén, Y aunque te haga calor» para Julio Iglesias, Solo para Enmanuel, Tiempo de vals para Chayanne, o la sintonía de La bola de cristal para Alaska.
Sus canciones son versionadas por intérpretes tan diversos como Vanesa Mae, Francoise Hardy, Celia Cruz, Sumi Jo, Mario Frangoulis, Maria Dolores Pradera, Montserrat Caballe, Sara Montiel, Mocedades, Simone, Mijares, o el grupo heavy Stravagganza.
1992, el grupo se toma un descanso de al menos 3 años.
José se retira a Londres, donde compra una casa.
Allí, durante cinco años, apadrinado y asesorado en la parte instrumental por Placido Domingo, se dedica a componer una ópera, animado tras su colaboración con la soprano Monserrat Caballe, que versiona su tema Hijo de la Luna.
Tras este esfuerzo, José María, que pasa largas horas frente a la pantalla del ordenador, acaba con grandes problemas de vista.
1997 va Nueva York para grabar el drama lírico en el que ha estado ocupado un lustro y que llevará por nombre Luna.
Para ello cuenta con la colaboración de intérpretes del mundo de la lírica, como Ainhoa Arteta, Renee Fleming, Teresa Berganza y su amigo Placido Domingo.
Para llevarlo a cabo crea su propia compañía, llamada Ediciones Musicales Santa Teresa, que más tarde pasa a llamarse Red Rat y se especializa en el lanzamiento de artistas noveles, como el cantautor Juan Sinmiedo o el grupo Silent Childs.
1997 el 10 de octubre, se edita Luna, el primer trabajo en solitario de José María después de Mecano.
Obtiene el apoyo del público. Vende 125.000 copias que la convierten en la ópera más vendida hasta ahora en España.
Pero no consigue el favor de la crítica del mundo lírico, que incluso llevó a cabo una campaña de boicot promocional para que la obra no pueda representarse en el Teatro Real, donde quiere estrenarla.
Aunque recibe múltiples apoyos desde el mundo artístico, incluida una recogida de firmas, finalmente la obra no puede ser representada en el teatro madrileño.
1995 nace su hijo Daniel (Dani), fruto de su relación con la azafata Marta Gómez Visedo, con la que se casa por poderes el 2 de marzo de 1998.
1998 el retorno de Mecano, junto con el álbum recopilatorio Ana|José|Nacho es un éxito de ventas que lo saca de la ruina económica en la que lo lleva Luna.
Ese retorno no interrumpe la promoción de la ópera, que llega a ser representada en versión concierto (corta) en el Palau de la Música de Valencia el 15 de junio de 1998.
Cuenta con Yves Abel como director de orquesta, así como con los cantantes que trabajan en la grabación de estudio, a excepción de la soprano Renée Fleming y la mezzo-soprano Teresa Berganza, quienes son sustituidas por Agnes Baltsa y por María José Martos.
1998 en noviembre, José María anuncia su salida de Mecano, siguiendo cada uno de los componentes sus carreras en solitario.
José María vuelve a su trabajo como productor y compositor para otros artistas.
Años después, el propio José María explica que el motivo de su salida del grupo es el diagnóstico que se le hace a su hijo Daniel de síndrome de Asperger.
Acontece cuando Mecano empieza una gira mundial de dos años y José María opina que afrontar esta nueva circunstancia es incompatible con tal vorágine.
Lo hace sin comunicar los motivos para no generar un espectáculo de la situación de su hijo.
2000 publica bajo el nombre de Josecano, su nuevo nombre artístico, el disco homónimo, su primer y último hasta la fecha disco pop en solitario.
El trabajo se presenta con el sencillo Y ahora tengo un novio, dedicada a su hijo Dani. Este trabajo no tiene éxito, solo vende 20.000 copias.
2001 con este disco y con nuevas versiones de temas de Mecano, realiza una gira en verano, sin gran éxito pero con muy buenas críticas por la cercanía y calidez con el público mostradas por el artista, algo que extrañó en él, recordado por su timidez sobre el escenario en la época de Mecano.
2002 compone el himno del centenario del Real Madrid.
Interpretado por Plácido Domingo, y con José María Cano dirigiendo una banda, es interpretado en el Bernabéu el día en que se celebran los cien años del club.
2002-2005 después de un tormentoso proceso de divorcio que le llevó a los tribunales británicos entre y que casi le lleva a la ruina, decide dedicarse profesionalmente al mundo de la pintura, adoptando como nuevo nombre artístico Cano de Andrés.
Su obra se basa en la encáustica que consiste en la utilización de cera como aglutinante de los pigmentos.
Trata la violación de los derechos humanos, la prostitución o el mundo de la banca y también los dibujos infantiles de su hijo.
Realiza para el Senado español un retrato de la histórica feminista Clara Campoamor.
Las ventas de sus obras, cotizadas hasta en 75.000€, y el nuevo éxito de Mecano en el bienio 2005-2006 (con ventas de más de un millón de ejemplares y una gira protagonizada por Ana Torroja) le ayudan a salir de los problemas económicos en los que esta sumido debido a la sentencia de divorcio.
2006 dirige una pequeña orquesta que interpreta, con la colaboración de Montserrat Caballé, el Padrenuestro sobre el Epílogo de su ópera Luna.
La actuación es ofrecida en el Encuentro Mundial de las Familias, en Valencia, ante el Papa Benedicto XVI.
2007 presenta un retrato de la actriz Sonia Martinez, fallecida de sida en 1994, durante un acto de la Fundacion de ayuda contra la drogadicción.
El cuadro tiene el título «Take a walk on the wild side y como otros de su autor, se basa en la reproducción a gran escala de un titular periodístico.
2008 expone en Berlín y Praga.
2009 se mete en el estudio de grabación junto a Nacho y Ana para grabar un tema compuesto por él Maria Luz.
La canción se publica dentro en el recopilatorio siglo XXI.
2009 su serie de dibujos taurinos durante la Feria de San Isidro hacen descubrir su destreza con el dibujo.
También expone sus dibujos en la galería londinense Riflemaker.
2010 la misma feria patrocinadora le encarga el cartel para la promoción.
José Antonio Abellán anuncia la reunificación de Mecano en ABC Punto Radio para una gira mundial en 2012.
Aunque algún otro medio se hace eco, dicha gira nunca se llega a confirmar.
El blog de Ila Basmati 