1849 nace en Gross Niendorf Kreis Segeberg, Alemania, el 22 de noviembre. Es uno de los representantes del expresionismo alemán, que empieza a practicar cuando tiene más de 50.
1921-Rohlfs
1864-1866 empieza a pintar durante su reposo obligado por una enfermedad, a causa de la cual permanece en cama.
waldinneres
El médico que le atiende, percibe talento en su trabajo y le anima a continuar.
1884 termina sus estudios de arte en la Grossherzogliche Kunstakademie de Weimar.
Tiene el favor del Gran Duque de Sajonia-Weimar que lo apoya durante años.
1888 desarrolla su propio discurso, próximo al impresionismo francés de la Escuela de Barbizón.
1900, a través de Henry van de Velde, conoce a Karl Ernst Osthaus, importante mecenas y coleccionista que tiene un importante número de obras de arte, entre las que se incluyen pinturas de Claude Monet, Paul Signac, Paul Cezanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh entre otros.
Persuade Osthaus a Rohlfs para que alquile un estudio en Hagen, Westfalia, como parte de su campaña para que su colección se convierta en el centro de innovación en el arte contemporáneo.
Osthaus es uno de los primeros directores de museos alemanes que compra obras de Van Gogh, que se expone en Hagen en 1905.
El Thyssen tiene un óleo de Rohlfs, Jardín en Soest, con influencia de Van Gogh, lo que supone que conoce su obra.
1905 pasa el verano en Soest, donde contacta con Emil Nolde (Emile Hansen), y es por su influencia que se adentra en el Expresionismo, en los momentos que se inicia la Die Bruke, exponiendo en las primeras muestras del grupo.
1929, se erige el Museo Christian Rohlfs en Hagen, coincidiendo con el 80 cumpleaños del artista.
La Primera Guerra Mundial es para Rohlfs un período de pesimismo y abatimiento, enfermo y sordo; estado que propicia pintura de temática religiosa, algo que nunca practica antes.
Finalizada la contienda, comienza un nuevo período vital y optimista en su obra, en el que confecciona pinturas de flores, donde el óleo cede ante la tempera y la acuarela.
1930 como el resto de expresionistas alemanes, Rohlfs es acosado por los nazis.
1937, 412 de sus pinturas son calificadas como arte degenerado y sus obras confiscadas y retiradas de los museos, así mismo se le prohíbe pintar y es expulsado de la Academia Prusiana de las Artes de Berlín.
Vincent van Gogh genera 900 pinturas y 1600 dibujos, durante un período de 10 años, 1880-1890 hasta que cae en una enfermedad mental, posiblemente un trastorno bipolar o una epilepsia.
Decide su vocación pictórica con 27 años e intenta reflejar la vida en sus obras.
Su carrera está marcada por los lugares donde vive y trabaja.
Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, son lo que influyen en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores.
Vincent-Van-Gogh – Los comedores de patatas-1885 M.
Hace infinidad de dibujos de mineros, de campesinas y copia obras de su pintor favorito, Jean François Millet.
La siguiente etapa, es París 1886-1887, es la que le pone en contacto con los impresionistas que pretenden quebrar el academicismo de la época, con el traslado a la pintura de las impresiones de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza.
Vincent Van Gogh – Pescador y barcas junto al Puente de Clichy
Allí conoce pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Signac, descubre una nueva percepción de la luz y el color, aprende la división de las gamas claras y los tonos y muestra una simplificación y mayor intensidad en el tratamiento de los colores.
En esta época copia láminas japonesas, siendo uno de los pintores europeos a los que más influye este tipo de pintura.
Quizá Van Gogh representa mejor el Postimpresionismo, que sucede entre 1885- 1915.
Vincent Van Gogh – 888 Haystacks near a Farm-1888
Representa una vía divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal.
La noche estrellada 1888
Este término es utilizado en 1910 por Roger Elior Fry; surge del título que da a la exposición de la Grafton Gallery en Londres: Manet y los postimpresionistas.
Es utilizado por artistas como Cezanne, Van Gogh y Seurat pero a veces también por otros artistas de la gran década impresionista (1870-1880) como Matisse y Pierre Bonnard.
Su obra destaca por el uso del color y una técnica frenética que contiene algunas ideas del Expresionismo.
780 Vincent Van Gogh – 889 Lilac Bush-1889-RijksM
Van Gogh y Gauguin tienen técnicas diferentes: Gauguin acostumbra a pintar normalmente en el taller de memoria y Van Gogh necesita copiar in situ, paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado lo muestra a través del color.
Vincent Van Gogh – Wheat Fields at Auvers Under Clouded Sky-1890
Los inicios del expresionismo aparecen a finales del XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de Edvuard Munch (autor de El grito) y, en otro nivel, en la del belga James Ensor (autor de La entrada de Cristo en Bruselas).
Vincent Van Gogh – Daubigny’s Garden, 1890
Una tendencia a la que contribuye Van Gogh después de su llegada en 1888 a Arlés, donde la luz del sur le empuja a la conquista del color, con obras como La noche estrellada y Los olivos de Saint-Rémy (1889).
Vincent Van Gogh – The Green Vinyard-1888
Las pinturas del periodo de Saint-Rémy de Provence se caracterizan en general por remolinos y espirales.
Noche estrellada
Va desde la dramatización de las escenas de sus primeros trabajos a la simplificación de sus últimas obras, anuncia el comienzo del Expresionismo.
Vincent Van Gogh – Ladies of Arles (Memories of the Garden at Etten), 1888
1911, el crítico de arte Wilhelm Worringer es el primero en hablar de Expresionismo.
En Alemania y Austria expresionistas como Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Paul Klee y Oskar Kokoschka aprenden de Van Gogh, del nerviosismo, la exageración de las líneas y colores, que hacen que emerjan mejor la expresión de los sentimientos y las emociones.
Vincent Van Gogh – Two Peasant Women Digging in Field with Snow, 1890
El color y el empaste en la proyección de la pintura de Van Gogh se formaliza quince años más tarde con el surgimiento del Fauvismo.
Vincent Van Gogh – La siesta (after Millet), 1890
En lugar de reproducir con exactitud lo que tengo delante de los ojos, prefiero servirme del color para expresarme con más fuerza.
Vincent Van Gogh – Lilac Bush-1889-RijksM
Desde el XXI, el análisis del mensaje que se desprende de sus pinturas es positivo y alegre. Durante su breve dedicación artística, Van Gogh consigue el dominio técnico y una productividad que pocos artistas logran.
Vincent Van Gogh – Cottages-1890-RijskM
Fusiona las cualidades de sus predecesores neerlandeses, como la devoción a la naturaleza, con el uso del color y la técnica de la pintura francesa.
Vincent Van Gogh -Campo de trigo con cipreses en el Galline Haude cerca de Eygalieres-1889
Su fama aumenta después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tiene buena relación con Vincent, resulta ser la única heredera de toda su obra tras el fallecimiento de su esposo, ocurrido poco después de la del pintor.
Vincent Van Gogh – Campo de amapolas-1890
A ella se debe una de las pocas ventas de Van Gogh en vida del artista.
Vincent Van Gogh – Monte Gaussier con el Mas de Saint-Paul-1889
El mayor impulso viene después de una exposición de 71 de sus pinturas realizada en París el 17 de marzo de 1901 (once años después de su muerte) a la que siguen otras exposiciones, como la de 1905 en Ámsterdam, o la de Colonia en 1912, Nueva York en 1913 y Berlín de 1914.
Vincent Van Gogh – The White House at Night-1890
Todas ellas tienen gran impacto sobre las generaciones artísticas posteriores.
Vincent Van Gogh – Wheat Field with Reaper and Sun, 1889
A mediados del XX, Van Gogh es reconocido como uno de los mayores pintores de la historia.
Vincent Van Gogh – Vincent Van Gogh – 10 Peach Trees in Blossom, 1889
2007, un grupo de historiadores holandeses realizó el The Canon of the Netherlands para su enseñanza en las escuelas e incluye a Van Gogh como uno de los cincuenta temas del canon, junto con otros iconos nacionales como Rembrandt y De Stijl.
Vincent Van Gogh – Landscape with a Stack of Peat and Farmhouses-1883-MVanGogh
Se limitan a solo tres las obras vendidas en vida del pintor: La viña roja, comprada por Anna Bosh por la suma de 400 francos; Puente de Clichy, adquirido por 250 francos según el libro de ventas de la Casa Boussod y Valadon; y, finalmente, un Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori de Londres.
El viñedo rojo, 1888, óleo sobre lienzo, 75 cm x 93 cm, Museo Pushkin, Rusia. Autorretrato
Las tres obras curiosamente son compradas el mismo año de 1888.
Las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas por las que se pagan más en todo el mundo.
La noche estrellada, 1889, 74 cm x 92 cm, Museo de Arte Moderno, Nueva York.
30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van Gogh se vende por 53,9 millones de dólares en el local Sotheby’s de Nueva York.
Lirios, 1889, óleo sobre lienzo, 71 cm × 93 cm, Museo J. Paul Getty, Los Ángeles, California.
Pero su comprador, el magnate Alan Bond, no puede terminar de pagarla y tiene que revenderla (por una suma no revelada) al Getty Center de los Ángeles.
15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet es vendido por 82,5 millones de dólares en el local Christie’s, estableciendo así un nuevo precio récord...
1853, Zundert 30 de marzo- Auvers-sur-Oise, 29 de julio de 1890.
Vincent Van Gogh – Dormitorio de Vincent en Arles-1889
Pintor holandés postimpresionista.
Vincent Van Gogh – View of Arles, April 1889-Neu PinakotekeM
Pinta 900 cuadros, 43 autorretratos y 148 acuarelas y realiza más de 1600 dibujos.
Su hermano menor Theo es imprescindible en su existencia, marchante de arte en París, quien le da apoyo financiero de forma continua y desinteresada.
El vínculo entre ellos está documentado en numerosas cartas que se envían desde agosto de 1872.
De 800 cartas que se conservan, 650 son para Theo; las otras son correspondencia con amigos y familiares.
Desde joven se inclina por el dibujo. Su primer trabajo es en una galería de arte.
Después es pastor protestante y en 1879, a la edad de veintiséis años, se marcha como misionero a una región minera de Bélgica, donde empieza a dibujar a los miembros de la comunidad local.
1885 pinta su primera gran obra, Los comedores de patatas.
Utiliza entonces colores sombríos y terrosos.
La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido emerge después, cuando se traslada al sur de Francia, consiguiendo la plenitud durante su estancia en Arlés en 1888.
La calidad de su obra es reconocida solo después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, considerándose en la actualidad uno de los grandes maestros de la historia de la pintura.
Influye en el arte del XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Matisse, Derain, Vlamink y Kees van Dogen.
Fallece a los 37 por una herida de bala, no se sabe si por homicidio involuntario.
A pesar de que existe una tendencia general a especular que su enfermedad mental influyese en su pintura, las obras del artista están ejecutadas bajo control; de hecho, el pintor jamás trabaja en los periodos en los que esta enfermo
Nace el 30 de marzo de 1853.
Casa de Auvers
Hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna Cornelia, Vincent recibe el mismo nombre que le ponen a un hermano que nace muerto un año antes.
Vincent Van Gogh – Korenveld, juni 1888
El 1 de mayo de 1857 nace su hermano Theo y ambos tienen cuatro hermanos más: Cornelius Vincent, Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba.
De pequeño acude a la escuela de forma discontinua e irregular, pues sus padres le envían a diferentes internados.
El primero de ellos en Zevenbergen en 1864, donde estudia francés y alemán.
Dos años después se matricula en la escuela secundaria HBS Koning Willem II (Tilburg) viviendo con la familia Hannik en la calle Sint Annaplein 18-19 y permanece allí hasta que deja los estudios de manera definitiva a los 15.
Por entonces empieza su afición por la pintura.
Mi juventud fue triste, fría y estéril
Desde muy joven muestra un carácter difícil y un temperamento fuerte.
Tras abandonar los estudios y después de un año en Zundert, van Gogh empieza a trabajar en 1869, a la edad de 16 años, como aprendiz en Goupil & Co. (despues Boussod & Valadon), una importante compañía internacional de comercio de arte de La Haya de la que su tío Vincent es socio.
Se adapta bastante bien a esta nueva vida:
Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en él más ambicioso te vuelves.
4 años después se muda a Londres para suministrar obras de arte a los comercios del lugar y es allí donde tiene un primer contacto con Eugenia, hija de Úrsula Loyer, patrona de la pensión donde se hospeda.
Se enamora de ella, pero la chica está prometida y lo rechaza.
1874, un año después de su estancia en Londres, pasa las vacaciones en familia en Helvoirt y confiesa su malestar por Úrsula.
Vive aislado, leyendo libros religiosos y perdiendo el interés por su trabajo.
1875 es destinado a París, donde crece su amor por el arte. En una exposición de dibujos de Jean Francois Millet comenta:
Cuando entré en la sala del hotel Drouot, donde estaban expuestos, sentí alguna cosa como: descálzate porque el suelo que pisas es sagrado.
10 de enero de 1878, en una carta dirigida a Theo, comunica que es despedido de la galería de arte y que tiene que irse el 1 de abril.
El despido es debido a que interpone sus gustos personales sobre las ventas que debe hacer.
Pero, en Boussod & Valadon se queda su hermano Theo, 4 años menor que él, que trabaja allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de su hermano mayor.
Su familia le propone que abra él mismo una galería, donde puede ofrecer la clase de pintura que él decida.
Rechaza la idea y más tarde insiste a su hermano, también marchante de arte, para que deje su trabajo porque el comercio de arte es una farsa.
1876 regresa a Inglaterra, donde permanece dos años. Por aquel tiempo, Van Gogh aumenta su fanatismo religioso.
Le entusiasma la lectura de la Biblia, y La imitación de Cristo de Tomas de Kempis.
Después de estar un tiempo como maestro auxiliar en Ramsgate, empieza a trabajar en Isleworth como ayudante del predicador metodista Jones, donde llega a subir al púlpito de la iglesia y leer un sermón que se prepara.
Cuando me encontraba en el púlpito, me sentía como quien desde una oscura cueva subterránea vuelve a salir a la plena luz, y es maravilloso pensar que, desde ahora, predicaré el Evangeliopor todo el mundo.
Pasa 6 meses en Dorcrecht como empleado de una librería, y en mayo de 1877 se traslada a Ámsterdam donde quiere ser teólogo.
Tiene que desistir y también abandonar sus deseos de entrar en una escuela metodista.
Es rechazado por no saber ni Latín, ni Griego, y su dificultad para hablar en público, aunque realmente el motivo era su falta de subordinación.
Cada vez le es más difícil adaptarse a un cierto orden y someterse a alguien que le dirija.
1879, quizás por su profundo fervor, es enviado como misionero a la región de Mons, a las minas de Borinage, en Bélgica, donde en condiciones extremadamente duras realiza durante veintidós meses un trabajo evangelizador entre los mineros de la zona.
Vincent Van Gogh – View of Paris-1886
Pero con su fanatismo lo que consigue es que le lleguen a temer. Duerme en una pequeña barraca y su estado se degrada cada día más.
Vincent Van Gogh – A Sunday in Eindhoven-1885-MVanGogh
Además, reparte entre los pobres lo poco que tiene. Dice que está obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias.
Sus superiores deciden entonces enviarle a Cuesmes, permaneciendo un año completo en una absoluta pobreza y en contacto con los mineros, por los que siente una gran simpatía:
Los carboneros y los tejedores siguen constituyendo una raza aparte de los demás trabajadores y artesanos y siento por ellos una gran simpatía y me sentiría feliz si un día pudiera dibujarlos, de modo que estos tipos todavía inéditos o casi inéditos fuesen sacados a luz.
Después se le suprime el pequeño sueldo que recibe.
Sigue los consejos de su hermano Theo, de quien recibe ayuda económica, y decide dar un cambio a su vida y dedicarse a la pintura.
1880 en Bruselas hace amistad con el pintor neerlandés Anthon van Rappard.
Se inscribe en la Academia de Bellas Artes donde estudia dibujo y perspectiva.
Ahora realiza esbozos y dibujos basados en las pinturas de Jean Francois Millet, representando campesinos y mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras.
12 de abril de 1881 Vincent va a Etten a visitar a su hermano.
Durante este período va a casa de su primo, el pintor Anton Mauve, y donde vuelve a enamorarse, esta vez de una de sus primas Cornelia Adriana Vos-Stricker (Kee), que acaba de enviudar, a la que propone matrimonio, la respuesta es, jamás, jamás.
Insiste mediante cartas que la viuda no contesta, además de negarse a verlo.
Continua con los padres de ella, va a su casa a intentar verla de nuevo, los familiares le llegan a decir que su insistencia aburre.
1881, escribe a su hermano, le cuenta la historia y las disputas con su padre:
Pero como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una disputa bastante grave con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que sería mejor que abandonase la casa. Lo dijo tan enérgico que me fui aquel mismo día.
En La Haya, su primo Antón, pintor de acuarelas, le aconseja e insiste en la importancia de que aprenda perspectiva y dibujo.
Vincent hace entonces sus primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como se ve en las acuarelas: Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col y zuecos (1881).
Mientras, su vida amorosa toma un nuevo rumbo. Desesperado tras el rechazo de su prima Kee, o quizá por compasión, Vincent recoge de la calle a Clasina María Hoornik (Sien), una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija, con la que vive durante un año; tanto la madre como la hija le sirven de modelo.
En el dibujo Dolor, en el margen inferior, cita las palabras de Jules Michelet del tratado La Femme (1860): ¿Cómo es que hay en la tierra una sola mujer?
Sien, por la falta de recursos económicos, vuelve a ejercer la prostitución y esto, unido a la gran presión que padece Van Gogh por parte de su padre, de su hermano Theo y su primo Mauve (con quien llega a discutir y romper su amistad), hace que este intento de vida familiar también fracase.
Concluida esta relación con Sien, se traslada a Drente, al norte de los Países Bajos, donde permanece durante tres meses y pinta temas paisajistas al oleo, en los que se aprecia la diferencia con los dibujos realizados anteriormente.
Como quiere plasmar todos los detalles, realiza los óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas.
Siente soledad; en las cartas dirigidas a su hermano, le insiste en que abandone su trabajo de marchante y siga el camino de la pintura.
1883 regresa nuevamente a la casa paterna, esta vez en Nuenen, donde el padre es trasladado.
En Nuenen es bien recibido por su familia, que le acondiciona una habitación como taller, donde realiza obras como Jardin rectoral en Nuenen en primavera .
Ahora se dedica a dibujar y pintar el trabajo en los telares.
Coincide con un amigo suyo, Anthon van Rappard, al que conoce en Bruselas y que viene a pasar unos días en Nuenen.
Los dos juntos estudian y pintan a los tejedores rurales.
En estas obras, Van Gogh no consigue la misma técnica que su amigo, pero este le sirve de ejemplo.
La pintura El tejedor en el telar, de mayo de 1884, expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio, pero también la dignidad del personaje.
Aquí Van Gogh demuestra la solidaridad y su identificación con el protagonista, intentando representar el ideal de una sociedad libre de la industrialización y hace una alabanza al trabajo artesanal.
La composición de esta pintura consigue el efecto de enmarcar al tejedor en el mecanismo del telar, dentro de un enrejado horizontal y vertical que parece integrar al personaje hasta conseguir que llegue a formar parte de la máquina. La claridad del fondo de la pintura hace resaltar todo el dibujo.
1884, se enamora de nuevo, ahora de la hija de un vecino, Margot Begemann, diez años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus salidas pictóricas por el campo. Piensan en contraer matrimonio, pero la familia de Margot se opone y ella intenta suicidarse.
1885, muere repentinamente el padre de Vincent.
Las disputas por la herencia entre su madre y sus hermanas hacen que se marche de casa para irse a vivir a un lugar más amplio que le ofrece un sacristán de la Iglesia católica, en su protestante familia, es una ofensa.
Durante la primavera de 1885 pinta la que se considera una de sus grandes obras tempranas, Los comedores de patatas
Vincent-Van-Gogh – Los comedores de patatas-1885
En esta obra se encuentra con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y conseguir relacionarlos.
Para realizar esta pintura contrata modelos, y realiza diversos esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles, con las manos sujetando el tenedor, la taza o la tetera. Los colores empleados de tonos terrosos no contribuyeron a una fusión armoniosa con el fondo.
He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente que, bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato, ha trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues, el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente.
Con ayuda de Theo se imprimen 20 litografías de Los comedores de patatas, que los vecinos compran a precios asequibles.
En un solo día traslada directamente en la piedra, de memoria y sin dibujos previos, la imagen de Los campesinos comiendo patatas (obviamente, en la impresión en papel las figuras están invertidas).
De las veinte litografías, Juliana Montford logra localizar ocho, entre las que se encuentra la del Museo Thyssen-Bornemisza.
Esta pintura provoca la ruptura con su amigo Rappard, ya que el hipersensible y vulnerable Van Gogh no acepta sus comentarios.
Rappard le hace esta crítica basada en una de las 20 litografías:
Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente. Por fortuna eres capaz de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas superficialmente, de la misma manera? ¿por qué no estudias minuciosamente los movimientos? En este cuadro los personajes posan. La mano de la mujer del fondo…¡qué poco real! ¿Y qué relación hay entre la cafetera, la mesa y la mano que toca el asa? ¿Qué función hace esta cafetera? No se mantiene, tampoco la sujetan, entonces, ¿qué? ¿Y por qué el hombre de la derecha no tiene rodillas, ni vientre, ni pulmones? ¿O quizá los tiene en la espalda? ¿Por qué a su brazo le falta un metro de largo, por qué le falta la mitad de la nariz? ¿Por qué la mujer de la izquierda tiene por nariz un mango de pipa acabada en un dado? ¿Y aún te atreves, con esta forma de trabajar, citar a Millet y a Breton? El arte es demasiado elevado para poderlo tratar con tanta negligencia.
La crítica por parte de van Rappard se debe también al propio enfado que este tiene con Van Gogh, por el hecho de no haber tenido noticia directa de la muerte repentina del padre de Vincent.
Al principio de esta misma carta se queja Rappard, ofendido de haber recibido una simple nota a pesar de su amistad: ¿Pensaste que tenía tan poco interés en tu padre y tu familia?
A la vista de esta pintura en París, Camille Pissarro se impresiona por la fuerza expresiva del cuadro. También Emile Bernard escribe en un artículo:
Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en una barraca inquietante bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y estaba lleno de una vida inquietante.
Seguramente cuando Bernard hablaba de la grandiosa fealdad, se refería a los colores, puesto que él tenía un sentido del color mucho más luminoso.
Durante 2 años en Nuenen completa numerosos dibujos y acuarelas, y 200 pinturas al óleo. Los colores usados siguen siendo oscuros.
Su hermano Theo se queja, en una de sus cartas, de que son demasiado apagados y no están en la línea del estilo del momento, donde destacan las pinturas brillantes de los impresionistas. Vincent dice:
He leído con mucho placer Los maestros de antaño, de Fomentin. He encontrado «tratadas» en este libro, en diversos sitios, las mismas cuestiones que me preocupaban mucho estos últimos tiempos (…) tratar de dar un valor claro por medio de tonos relativamente oscuros. En una palabra, expresar la luz por oposición a la oscuridad. Ya sé todo lo que piensas del «demasiado negro», pero, sin embargo, no estoy aún absolutamente convencido.
1885 Naturaleza muerta con Biblia es pintado, antes de su partida hacia Amberes, en memoria de su padre fallecido el 26 de marzo de ese año.
1885 Van Gogh llega a Amberes, y ocupa un pequeño taller encima de una tienda de pinturas; el alquiler lo pagaba su hermano.
Compra en unos anticuarios algunas xilografias japonesas, y se dedica a copiar modelos de yeso de esculturas antiguas, expuestas en la entonces Real Academia de Amberes, a pesar de su desacuerdo con la enseñanza académica.
Descubre las pinturas de Rubens, que con su colorido y sus formas femeninas le abren la alternativa del uso de colores como el carmín y el verde esmeralda.
En esta época contrae sífilis, que aunque es tratada, le hace perder casi todos los dientes.
En febrero de 1886, comentó en cartas dirigidas a Theo que sólo se había podido permitir seis o siete comidas calientes desde el mes de mayo anterior.
1886 se muda a París, a vivir junto a su hermano menor Theo, a quien avisa con esta simple nota: Estaré en el Louvre desde el mediodía, o antes, si lo deseas.
Theo, que trabaja en Boussod & Valadon, le descubre a Vincent los trabajos del Impresionismo; lo que influye para hacer una pintura mas luminosa, donde el color ocupa un rol fundamental en el resto de su obra.
Durante los dos años siguientes, los dos hermanos tienen múltiples fricciones y siempre es Theo el que cede y perdona.
Se instalan en Montmatre y empieza a codearse con los artistas de la época de allí.
Conoce a Emile Bernard, Henri Toulouse-Lautrec, haciéndose amigo de ellos, a Paul Gauguin, George Pierre Seurat, Paul Signac, Armand Guillaumin, Camille Pisarro y Paul Cezanne.
Admira el arte japones de Hokusai, Hiroshige y Utamaro.
Hace réplicas de grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen ese país de modo escenográfico. A las reproducciones procedentes del Japón se las llamaba japonaiserie.
Dos de estas obras son Ciruelo en flor y Puente bajo la lluvia, copias de obras de Hiroshige.
Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos realizado deprisa… Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca tan fácil como abrocharse el chaleco.
Practica pintando paisajes urbanos del barrio de Montmartre y naturalezas muertas con colores más vivos; los rojos, amarillos y azules con sus complementarios se pueden ver en toda la obra de este periodo.
Exaltado por la intensidad del clima artístico de París, Van Gogh consigue, con ayuda de Tolouse-Lautrec, la renovación de su pintura en lo que atañe a la investigación psicológica en los retratos.
Aprecia las pinturas exóticas realizadas por Gaugin en Martinica.
El retrato de Mujer en el Café de Tambourin es del mes de febrero de 1887.
No representa una bebedora en una taberna sino que es la imagen concreta de Agostina Segatori, una antigua modelo de los pintores Degas y Corot y que en ese momento es la propietaria del café.
El cuadro es exótico, desde el peinado de la mujer hasta su vestido o el fondo de la pintura, donde en su decoración se observan láminas japonesas.
Poco antes de acabar su etapa parisina, Van Gogh realiza tres retratos de Juluen Tanguy, llamado por todos los artistas Père Tanguy, en cuya trastienda de su establecimiento exponen sus obras Van Gogh, Gauguin, Cézanne y Seurat.
Este retrato se considera la obra representativa de su etapa parisina. Con una presentación frontal, es una imagen de una estructura simple, que contrasta con el fondo decorado con estampas japonesas.
La Provenza es un periodo fértil en el que su arte se inclina hacia el impresionismo, pero por otro lado, la absernta y la fatiga mental agravan su condición física.
El 21 de febrero de 1888 Van Gogh llega a Arlés, al sur de Francia.
El dormitorio en Arles. Izquierda: primera versión, 1888, óleo sobre lienzo, 72 cm × 90 cm, Museo Van Gogh, Ámsterdam. Centro: segunda versión, 1889, óleo sobre lienzo, 72 x 90 cm, Art Institute de Chicago. Derecha: Tercera versión, 1889, óleo sobre lienzo, 57,5 x 74 cm, Museo de Orsay, París.
Se instala en una habitación situada en el Hotel-Restaurante Carrel, por la que paga 5 francos diarios; esto sobrepasaba sus posibilidades económicas y además el espacio es muy reducido para tener taller.
Almendro florido, Saint-Rémy de Provencia, febrero de 1890, óleo sobre lienzo, 73.3 cm x 92.4 cm, Museo Van Gogh, Ámsterdam.
Aquí no me hace falta para nada el arte japonés, porque me imagino estar en el Japón y nada más necesito abrir los ojos y ver lo que tengo delante
Izquierda: Hiroshige: El puente Ohashi en Atake bajo una lluvia repentina. Grabado. Derecha: Van Gogh: Japonaiserie: Puente bajo la lluvia. 1887. 73 × 54 cm. Rijksmuseum, Fundación Van Gogh, Ámsterdam.
Sus primeros cuadros en Arlés son típicamente japoneses; la pintura Melocotonero en flor es realizada en marzo de 1888.
Pintó la naturaleza de los alrededores, los campos de trigo, los pantanos del delta del Ródano y el canal del sur de Arlés, el cual refleja en diversas obras, como El puente de Langlois.
El 24 de mayo de cada año, gitanos de toda Europa acuden en peregrinaje a Saintes Maries de la Mer para venerar a su patrona Sara la Negra.
Van Gogh acude y aprovecha para realizar pinturas durante ese tiempo. Entre estos cuadros está la obra Barcas (barcos de pesca) en Saintes-Maries.
He pasado una semana en Saintes-Maries.
En la playa de arena había pequeñas barcas verdes, rojas y azules, de formas y colores tan bellos que hacían pensar en flores. Son tan pequeñas que casi nunca van a alta mar. Salen cuando no hace viento y vuelven a tierra cuando sopla con demasiada fuerza.
Vincent van Gogh, junio 1888.
Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy pequeños y retorcidos robles, en el fondo de una ruina en la colina, y campos de trigo en el valle. Era romántico, no podía ser más a la Monticelli, el sol se derramaba, sus rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo, absolutamente una lluvia de oro.
Vincent van Gogh, Arlés 5 de julio de 1888 (Carta 636).
Izquierda: Eugene Delacroix: Piedad, ficha técnica desconocida. Derecha: Vincent van Gogh: Piedad, 7 de septiembre de 1889, óleo sobre tela, 73 × 60 cm, Museo Van Gogh, Ámsterdam.
Al principio de su estancia en Arlés hace retratos pero, tiene dificultades para conseguir que alguien pose para él, sobre todo si son mujeres; la primera que retrata es una mujer joven a finales del mes de julio, y le pone el nombre de La Mousmé, nombre japonés que le inspira la lectura del libro Madame Chisanthème, de Pierre Loti.
Con los hombres es más fácil, ya que a cambio les invitaba a una copa en la taberna.
Los retrata sin ningún problema, y así realiza las obras de El campesino, retrato de Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El cartero Roulin.
Tiene una buena amistad con Joseph Roulin, un cartero casado con la señora Augustine Roulin que tiene tres hijos: Marcelle, Armand y Camille Roulin.
El cartero Joseph Roulin, 1888 , óleo sobre lienzo, 81.3 cm x 65.4 cm, Museo de Bellas Artes, BostonEl cartero Joseph Roulin,
Vincent hace un gran número de pinturas de esta familia; el retrato conocido como La Berceuse muestra a la señora de Joseph Roulin; también están el Retrato de Armand Rouliny el Retrato de Camille Roulin. Al cartero le pinta hasta en seis retratos.
El Retrato de Eugéne Boch es realizado en ocasión de una visita que le hace este poeta belga en el mes de julio, según explica a su hermano. En este retrato quiere captar las ideas románticas del personaje:
He exagerado el rubio del cabello, he utilizado también tonos naranjas y amarillo pálido. Detrás de la cabeza, en lugar de pintar la pared ordinaria de la habitación, he pintado el infinito, un fondo plano del azul más rico e intenso que he podido conseguir y con esta sencilla combinación de la cabeza brillante sobre el fondo intensamente azul he conseguido un efecto misterioso, como si fuera una estrella en la profundidad de un cielo azul.
Van Gogh pasa todo el verano pintando paisajes al aire libre.
Terraza del café en la noche (place do forum), Arles, 1888, óleo sobre lienzo, 81 cm × 65.5 cm Museo Kröller-Müller, Otterlo Países Bajos.
Para realizar la composición coloca en el fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del horizonte, mientras que el primer plano lo reservaba para los campos y la vegetación.
L’Allée des Alyscamps Pintada en Arles Francia en el año de 1888, en esta obra se pueden apreciar colores vivos y sarcófagos románicos mientras algunas personas caminan casualmente a lo largo del callejón. Esta obra es vendida a un coleccionista privado por 63,3 millones de dólares.
Esto lo hizo con el cuadro Vista de Arlés con lirios en primer plano, Los segadores con Arlés al fondo, La cosecha, Campos labrados, La viña verde y una de sus obras paisajistas más conocidas, El sembrador, realizada en el mes de junio, cuando la cosecha estaba casi a punto, como se puede apreciar en el campo de trigo maduro que hay detrás del sembrador.
El sembrador, 1888, óleo sobre lienzo, 32.5 cm x 40.3 cm, Museo Van Gogh, Ámsterdam
Van Gogh tiene la intención de crear un taller de artistas, y para esto alquila en mayo la casa amarilla (llamada así por tener las paredes exteriores pintadas de ese color) en Place Lamartine, situada al norte de la ciudad de Arlés.
Theo le envia 300 francos para poder acondicionar y amueblar modestamente la casa.
El único que atiende a su petición del taller es Paul Gauguin, con el que mantiene diversas cartas sobre el tema del Atelier du Midi que juntos fundan y que piden la participación de Seurat, Signac y Bernard.
También Theo insiste a Gauguin para que haga el viaje a Arlés.
Gauguin vive en aquel tiempo en Port Aven, Bretaña.
Esta lleno de deudas, se siente incomprendido y sueña con la fundación de un círculo de pintores, pero seguramente no piensa en Van Gogh como componente del mismo.
Su objetivo es viajar a Martinica, pero su economía se lo impide.
Theo van Gogh es el galerista y el marchante de Gauguin y este piensa que detrás del carácter extraño de Vincent y las intenciones de Theo se ocultaba alguna estratagema comercial, por lo que no se decide a viajar hacia Arlés.
Así se lo hace saber en una carta dirigida a Émile Bernard, en octubre de 1888:
Por más que me aprecie, no creo que Theo se preste a mantenerme en el Midi solamente por mi cara bonita. Con su carácter frío holandés ha estudiado el terreno y proyecta alguna cosa…
Retrasa el viaje, disculpándose por carta, hasta que Theo acaba pagando todas las deudas que tenía Gauguin. Entonces, viaja a Arlés el 23 de octubre.
Mientras, Vincent realiza diversas series de pinturas para decorar la casa, especialmente la habitación destinada a Gauguin.
La ideología del Simbolismo surge a finales del XIX.
Según escribió en el año 1886 Edouard Dujardin, uno de los grandes teóricos de esta técnica:
El objetivo de la pintura y la literatura es reproducir el sentimiento provocado por las cosas con los medios propios de las citadas artes. Lo que se debe expresar no es la imagen sino su carácter.
En la pintura Jarro con doce girasoles, pintado en agosto de 1888, Van Gogh buscaba el espíritu del Simbolismo.
Durante el mes de agosto realiza cuatro pinturas sobre girasoles: primero con tres flores, después con cinco, hasta llegar a la de los doce girasoles sobre un fondo azul, y otro con quince girasoles sobre fondo amarillo.
Antes de la llegada a Arlés de Gauguin, le envia un autorretrato, con el título de Autorretrato como un bonzo, cuadro en el que es evidente su identificación con el japonismo, ya que se retrató con la cabeza rapada al estilo bonzo.
Gauguin es el que impulsa a Van Gogh para que pinte lugares históricos de Arlés y así trabajan juntos y pintan la serie de vistas de Alyscamps.
Escogen diferentes motivos, Gauguin pinta un paisaje con encanto pintoresco y más bien refinado, mientras que Van Gogh escoge un paseo enmarcado por altos álamos.
El color empleado por Gauguin es más tímido. Se pintan mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van Gogh y este pintó a Gauguin de espaldas.
Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas empeora, debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter muy temperamental de ambos.
Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tienen un altercado que da origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de la oreja izquierda del primero.
Gauguin en sus memorias señala que Van Gogh le amenaza y persigue con una navaja barbera y que por la noche el neerlandés se automutila.
A continuación, Van Gogh envuelve la oreja en un paño y se dirige a un burdel de Arlés que frecuenta con Gauguin, donde presenta este regalo a una prostituta llamada Rachel.
Posteriormente regresa a la casa amarilla. A la mañana siguiente la policía lo encuentra inconsciente, y es trasladado al hospital Hôtel-Dieu de Arlés.
Se avisa a Theo, y Vincent, que no recuerda el suceso, queda ingresado durante catorce días. Gauguin deja Arlés con rumbo a París y no vuelve a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.
Gauguin declara a la policía que la pérdida del apéndice auditivo se habría debido a una autolesión.
Se ha expuesto la teoría de que el corte en la oreja fue una automutilación del artista como resultado del disgusto que le provocó la noticia de que su hermano Theo se iba a casar.
Nunca hubo unanimidad entre los estudiosos de los hechos, debido a las pocas fuentes existentes y a que la versión generalmente admitida se basa en las memorias de Gauguin, publicadas en 1903.
2009 Hans Kaufmann y Rita Wildegans, en su ensayo Van Goghs Ohr, Paul Gauguin und der Pakt des Schweigens (La oreja de Van Gogh, Paul Gauguin y el pacto del silencio llegan a la conclusión de que es Gauguin quien hiere a Van Gogh con su sable en la disputa (era maestro de esgrima), y que una vez solo Van Gogh habría terminado de recortar la oreja.
No se encuentran ninguna de las armas. Van Gogh no dice nada para proteger a su amigo, y Gauguin regresa precipitadamente a París debido a su mala conciencia.
Durante mucho tiempo se cree que el artista se corta solo parte del lóbulo de la oreja, no el apéndice completo.
Pero, un estudio de 2016 presenta, entre otras cosas, una carta a Theo van Gogh del doctor Félix Rey, que le atiende durante el incidente, donde describe la lesión y acompaña un dibujo que demuestra que se cortó la oreja casi por completo, conservando tan solo un trocito inferior del lóbulo.
Al regresar a su casa Van Gogh pinta el Autorretrato con oreja vendada, del que existen dos versiones.
Ambos cuadros muestran un vendaje en la parte derecha de la cabeza, y debieron ser pintados delante de un espejo, ya que la oreja seccionada es la izquierda.
En uno Van Gogh se representa fumando en pipa para transmitir una sensación de sosiego, en una composición en la que predomina tanto el equilibrio cromático como el equilibrio iconográfico.
Pasadas cuatro semanas vuelve a ser ingresado en el hospital ya que presenta síntomas de manía persecutoria y se imagina que le quieren envenenar. Durante 10 días esta bajo tratamiento del doctor Félix Rey.
En marzo, atendiendo una petición de los vecinos de Arlés que avisan a la policía, es ingresado una vez más, permaneciendo seis semanas en el Hospital Hôtel-Dieu de Arlés.
El 17 de abril, Theo contrae matrimonio con Johanna Bonger en Ámsterdam.
Poco después, Vincent decide internarse voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un exmonasterio en Saint-Remy-de-Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arlés.
Los últimos años tiene permanentes problemas psiquiátricos, que lo llevan a ser recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria, entre los que esta el manicomio de Saint Paul-de-Mausole en Saint-Remy-de- Provence, donde ingresa el 8 de mayo de 1889.
En el sanatorio tiene dos habitaciones disponibles, una de ellas habilitada para servirle de taller.
Cuando no quiere pasear, por temor a sufrir una crisis, pinta cuadros de interior, como Jarrón con lirios.
Uno de sus primeros cuadros allí es Iris, donde muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores.
En esta época su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede observar en una de sus pinturas más conocidas, La noche estrellada.
Cuando empieza a salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, crea obras donde los temas son pinos, cipreses y olivos.
Es durante el mes de junio cuando desarrolla los efectos pictóricos ondulantes en los árboles.
De los olivos con sus troncos sinuosos, hace varios cuadros: Alpilles con olivos en primer plano, Olivo y Recolección de la oliva.
Más tarde pinta los pinos que se aprecian en los cuadros: El jardín del hospital de Saint Paul y Pinos en el cielo de la tarde.
Pero son los cipreses, con su forma triangular, los que le sirven para crear una magnífica serie de paisajes.
Incorpora la mancha oscura del ciprés en muchas de sus grandes composiciones, como en La noche estrellada y, entre otras, en Campo de trigo con ciprés, Cipreses con dos mujeres y Ciprés en el cielo estelar.
Campo de trigo con cipresesLa noche estrellada
En Saint-Rémy, vuelve a tener la necesidad de copiar a pintores que admira y pide a Theo que le envíe láminas de reproducciones, a partir de las que él interpreta el color a su manera.
De esta forma explora temas religiosos como La Piedad de Delacroix, donde pinta a Cristo pelirojo y La resurrección de Lázaro de Rembrandt.
También vuelve a copiar algunas de sus pinturas favoritas, las de Millet: la Campesina batiendo el lino y La Noche (a partir de La Veillée de Millet).
Todas se conservan en el Museo Van Gogh de Ámsterdam.
El viñedo rojo es una de las tres pinturas vendidas en vida de Van Gogh.
El viñedo rojo
1989 la primera exposición de la obra de Van Gogh es en París, en el Salón de los Independientes, organizada más tarde (entre mayo y octubre) que en otros años, para que pueda coincidir con la Exposición Universal de aquel año.
La elección de obras las hacen los mismos artistas pero los nuevos socios sólo pueden presentar dos, y Van Gogh indica a su hermano las dos pinturas que quería enviar: La noche estrellada de 1888 e Iris de 1889.
1890 recibe la invitación para participar en una exposición en Bruselas con el grupo Les XX, a la que envía 6 obras: 2 de la serie de Los Girasoles y 4 sobre paisajes.
Florero con quince girasoles Siendo esta la segunda pintura con temática de girasoles que el holandés pintó, en este cuadro vemos las tonalidades cálidas utilizadas de manera magistral. Este cuadro fue vendido en el año de 1987 por 74.5 millones de dólares.1. Jarrón con doce girasoles. Arlés, enero de 1889. 92 x 72,5 cm. Museo de Arte de Filadelfia. / 2. Jarrón con doce girasoles. Arlés, agosto de 1888. 91 x 72 cm. Neue Pinakothek, Múnich. / 3. Jarrón con catorce girasoles. Arlés, agosto de 1888. 93 x 73 cm. National Gallery, Londres. / 4. Jarrón con tres girasoles. Arlés, agosto de 1888. 73 x 58 cm, Colección privada, Estados Unidos. / 5. Jarrón con cinco girasoles. Arlés, agosto de 1888. 98 x 69 cm. Destruido en la II Guerra Mundial. / 6. Jarrón con catorce girasoles. Arlés, enero de 1889. 95 x 73 cm. Museo van Gogh, Ámsterdam. / 7. Jarrón con catorce girasoles. Arlés, enero de 1889. 100,5 x 76,5 cm. Sompo Japan Museum of Art, Tokio. Todos los cuadros fueron pintados en óleo sobre lienzo.
2 de las que pinta en Arlés, La viña roja y Vista de Arlés, y dos más en Saint-Rémy.
Durante la inauguración, Henri de Groux critica los cuadros de Van Gogh, pero salen en su defensa Touluse Lautrec y Paul Signac.
En esta misma exposición vende El viñedo rojo adquirida por Anne Boch, hermana de su amigo Eugène Boch.
El viñedo rojo
1890 en el Salón de los Independientes de París, expone diez pinturas.
Vuelve a tener nuevos colapsos, que le duran más que en las veces anteriores; padece angustia, terror y alucinaciones con accesos de ira muy intensos.
Cuando vuelve a escribir a Theo, le explica que abandona la clínica. Después de una breve estancia en París con su hermano, decide establecerse en Auvers sus Oise.
Se instala en una habitación de la Posada Ravoux. Allí conoce a un amigo de Theo, el Dr. Paul Gachet, pintor aficionado, que se ofrece a cuidarle y visitarle.
Retrato El doctor Paul Gachet, 1890, óleo sobre lienzo, 67 x 56 cm, Museo d’Orsay, París.
Bajo la atención del Dr. Gachet la actividad artística de Van Gogh es intensa: en dos meses pinta más de setenta cuadros.
Frecuenta la casa del doctor, y pinta el jardín, a su hija Margarita rodeada de flores y en el piano, y al mismo doctor.
Van Gogh vuelve a refugiarse en la pintura con gran entusiasmo, le gustan los paisajes de Auvers, como antes habían maravillado a tantos otros pintores como Corot, Pisarro, Armand Guillaumin y Cezanne.
La iglesia de Auvers-sur-Oise, 1890, óleo sobre lienzo, 94 cm × 74 cm, Museo d’Orsay, París.
Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de pintar todo esto.
Empieza a utilizar el formato horizontal alargado de doble cuadrado, que precisamente en el valle de Oise había es utilizado por el pintor Charles François Daubigny de la escuela de Barbizon.
Van Gogh pinta algunas veces el jardín de la casa de Daubigny.
En sus cartas muestra la soledad y la melancolía que tienen estos últimos paisajes de trigales bajo cielos tempestuosos y amenazantes.
Se dice que los símbolos de los cuervos planeando sobre el trigo sugieren la premonición de la muerte.
Este cuadro está considerado como una de las mejores obras del artista.
Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros.
El 22 de febrero de 1890, Van Gogh sufre una nueva crisis que fue el punto de partida de uno de los episodios más tristes en una vida ya plagada de tristes acontecimientos.
Este período dura hasta finales de abril, tiempo durante el cual es incapaz de decidirse a escribir, pero sigue dibujando y pintando.
Hughes escribe que entre mayo de 1889 y mayo de 1890, tiene arrebatos de desesperación y alucinación que le impiden trabajar, y entre ellos, meses en los que pudo hacerlo y lo hace marcado por el éxtasis de extremo visionario.
Laboureur Dans Un Champ Esta obra fue realizada en 1889, también durante el año de estancia del pintor en el hospital Saint-Paul-de-Mausole. En la pintura se puede apreciar lo que Van Gogh veía desde su ventana mientras se encontraba internado, y fue subastada en Nueva York por 81.3 millones de dólares.
Su depresión empeora y el 27 de julio de 1890, a la edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el campo, se dispara en el pecho con un revólver.
Trigal con cuervos, 1890, óleo sobre lienzo, 50.2 cm × 103 cm, Museo Van Gogh, Ámsterdam.
No se da cuenta de que su herida es mortal y vuelve a la pensión Ravoux, donde muere en su cama dos días después, en brazos de su hermano Theo.
Yo arriesgué mi vida por mi obra, y mi razón destruida a medias
Portrait de l’artiste sans barbe es considerado como el último autorretrato que el pintor realizó en noviembre de 1889. Este autorretrato esta sin barba, porque esta ingresado en el psiquiátrico por haberse cortado la oreja. Fue vendido por 68 millones de dólares.
Estas son las palabras de Vincent en la última carta encontrada en su lecho de muerte el 29 de julio de 1890. Vincent es enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise.
Esta pintura de un ramo de flores en colores vivos fue pintada en la casa del doctor Paul Gachet como parte de un pago por un tratamiento médico en junio de 1890. En 2014 fue vendido en Nueva York por 61,7 millones de dólares.
Se considera que sus padecimientos mentales son consecuencia de los trastornos mentales que le genera una insuficiencia renal, probablemente por piedras en el riñón, aunque según otros autores su enfermedad mental la produce la sífilis.
Esta obra realizada en el año de 1884 durante el periodo en el que Van Gogh vivió en la ciudad de Nuenen, muestra a un hombre en un jardín lleno de arbustos con una iglesia de fondo. La madrugada de hoy 30 de marzo, esta pintura de Van Gogh fue robada del museo Singer Laren en Holanda, la cual fue prestada al museo por otra institución de arte, el Museo Groninger. Aún se desconoce el precio de esta obra, y ya se está investigando para dar con los responsables de este hurto, el cual ocurrió en la madrugada del 30 de marzo del 2020 mientras el museo permanecía cerrado temporalmente por la contingencia mundial del covi.
Poco después de la muerte de Vincent, su hermano Theo ingresa en una clínica de Utrecht, donde fallece el 25 de enero de 1891, a los seis meses del fallecimiento de su hermano.
En 1914 el cadaver de Theo es exhumado y enterrado junto al de Vincent.
1926 nace en Glasgow, estudia arquitectura en la Universidad de Liverpool e inicia su profesión en el despacho de Lyons, Israel y Ellis.
1956 se une a James Gowan, con el que trabaja hasta 1963, y desde entonces hasta su prematura muerte en 1992 comparte estudio con Michael Wilford.
Pertenece a una generación de arquitectos que se incorpora a la profesión cuando la estela de los grandes genios, como Le Corbusier, Mies Van der Rohe, Neutra, Wright…dejan su huella y el movimiento moderno se consolida como la única alternativa arquitectónica posible de la sociedad industrial.
Una gran parte de la vía ya se ha consolidado y se han producido ya los grandes debates teóricos que han modificado el mundo del diseño.
La primera mitad del XX supone la incorporación de las nuevas tecnologías industriales que transforman la vida cotidiana, desde los objetos domésticos, hasta la definición de un nuevo concepto de la ciudad en los congresos CIAM.
Stirling y su generación llegan a la práctica de la profesión cuando los efectos negativos de la segunda guerra mundial se han desvanecido y dan paso a la expansión de sesenta, un tiempo optimista y de bonanza económica.
Por fin, los modelos teóricos que han definido los grandes maestros pueden construirse con las nuevas tecnologías.
El hombre está conquistando el espacio, las imágenes futuristas de Sant Elia son ya posibles y la tentación de diseñar artefactos para vivir en lugar de casas ha provocado la aparición de grupos tan importantes como el ARCHIGRAM británico.
Stirling vive en ese magma cultural, aunque su condición de escocés, apegado a las tradiciones y a la vieja artesanía, le lleva a intentar una síntesis entre los modelos espaciales más conservadores y las nuevas tecnologías.
Sus proyectos tienen siempre la tensión entre tradición y tecnología y no es por lo tanto difícil de comprender su acercamiento final al post modernismo cuando en la década de los ochenta los arquitectos ensayen esa vuelta a los espacios urbanos de escala humana y a las imágenes conectadas con los viejos estilos.
Pero en esos principios de los sesenta prima todavía el buen oficio combinado con la asunción de las nuevas ideas.
Es también el momento de eclosión de las NEW TOWN británicas, las nuevas ciudades que se construyen en las periferias urbanas y que intentan huir del modelo de suburbio caótico y desestructurado proponiendo alternativas cualificadas, e incorporando el concepto de los NUEVOS CENTROS urbanos, que son el origen de los actuales macro centros comerciales que incorporan restaurantes, cines, espacios deportivos…etc.
Stirling se encuentra con grandes encargos residenciales en las NEW TOWN, pero también con proyectos de renovación de las viejas Universidades británicas.
Finalmente, conecta muy bien con los promotores de instalaciones industriales y de edificios de alta tecnología.
Desarrolla su profesión en el momento en el que hay que dotar al movimiento moderno de un nuevo soporte tecnológico e industrial en un momento de expansión económica, lo que lleva aparejado un formalismo a veces brutalista.
Pero en la última década proyectos, intenta recular, ensayando un camino de síntesis entre la tecnología y una arquitectura más humana y formalmente más clásica.
1860 nace en Birkenhead, Reino Unido, el 28 de diciembre. Hijo del también pintor Philip Steer.
1880-1881 se educa en la Escuela de Arte de Gloustecer, después va a la Escuela de Arte de South Kensington.
Intenta ser admitido en la Royal Academy sin lograrlo, por lo que decide viajar a París para completar sus estudios.
Alli va en un principio a la Academie Julien, y más tarde a L’ École des Beaux Arts, donde tiene como maestro a Alexandre Cabanel.
Pronto empieza a practicar el impresionismo, convirtiéndose en uno de los pocos pintores ingleses en hacerlo.
Steer, Philip Wilson; The Panama Hat
Es líder junto a Walter Sickert del movimiento impresionista inglés y uno de los fundadores en 1886, del New English Art Club.
Es un fantástico paisajista y retratista, así mismo confecciona numerosas escenas de género en la playa, la mayor parte de ellas situadas en la ciudad balnearia de Walberswick, en Suffolk.
Paddlers 1929 Philip Wilson Steer 1860-1942 Presented by the Trustees of the Chantrey Bequest 1930
Estas son sus piezas más notables, las mejores imágenes impresionistas pintados por un inglés, que hace en la década de 1890.
Se caracterizan por su gran frescura y su delicado manejo de la luz, a diferencia de las pinturas de Sickert, carentes de contenido social o literario.
A partir de 1895 su obra se hace más convencional y más ligada a la tradición Inglesa de Gainsborough, sobre todo en sus retratos, como los de William Turner y John Constable.
1920 a partir de aquí pinta sobre todo acuarelas.
Mrs Raynes 1922 Philip Wilson Steer
Durante la Primera Guerra Mundial, el Ministro de Información británico le encarga realizar pinturas para la Marina Real.
1893-1930, da clases de pintura en la Slade School of Fine Art de Londres, en la que tiene entre sus alumnos a la pintora y grabadora Anna Airy.
1931 es condecorado con la Orden del Mérito británica.
Un maravilloso autorretrato suyo está albergado en la colección de la Galería delli Uffizi de Florencia.
Fue un solterón empedernido e hipocondríaco, llevando sus preocupaciones sobre su salud a extremos casi cómicos: en su propia casa se ponía un sombrero para ir al piso de abajo, debido a los cambios de temperatura entre un sitio y otro, según se cuenta en la biografía del pintor escrita por Bruce Laughton.
1935 su vista empieza a disminuir por lo que en 1940 tiene que abandonar la pintura.
1945 se gradúa en la Universidad Nacional de Dublín.
Con Philip Johnson
1948 emigra a los Estados Unidos.
Con una maqueta del edificio Seventh Avenue en Nueva York que termina en 1989
Termina su formación en el mítico Instituto de Tecnología de Chicago con Mies Van der Rohe.
Una vez terminado entra en el Estudio de Eero Saarinen en Bloomfield Hills, en el que trabaja ya John Dinkeloo que será, a la muerte de Saarinen su socio en la firma KRJDA (Kevin Roche-John Dinkeloo ascociados)
Los dos arquitectos serán, entre 1951, año de la incorporación de Dinkeloo, y 1961, los principales colaboradores del maestro Saarinen.
Eero Saarinem Eero Saarinem Eeero Saarinem
De hecho, cuando éste muere ese año, Roche y Dinkeloo se encargan de terminar los últimos proyectos del despacho, entre los que están: La terminal de la TWA en el aeropuerto JKF de N.Y, el Aeropuerto internacional Dulles de Washington D.C, el Arco de San Luis, y algunos edificios de oficinas como el de Deere and Company y el de la CBS de N.Y.
Comienzan una estrecha colaboración que acaba con la muerte de Dinkeloo a principios de los ochenta.
Su primer proyecto es el Museo de Oakland, un complejo laberinto de espacios y terrazas que combina las duras geometrías en hormigón armado con las superficies ajardinas recordando el concepto de los jardines colgantes babilónicos.
Museo de Oakland
Esos primeros proyectos son claramente conceptuales, siempre hay una potente idea matriz, la intención de crear nuevas tipologías y también la voluntad de manifestar claramente la inspiración estructural que subyace debajo de las formas elegidas.
Destaca de esa época: La Knights of Columbus, un edificio contundente marcado por las cuatro torres cilíndricas portantes que contienen las escaleras y los aseos, entre las cuales se apoyan grandes vigas metálicas.
La fundación FORD en N.Y, uno de los primeros edificios de gran atrio interior, con las oficinas volcadas hacia ese enorme espacio de 21 plantas de altura y microclima controlado y finalmente el College Life Ins. Co. llamado Las Piramides de Indianapolis.
Fundación FordFundación FordFundación Ford
Son como hemos dicho edificios con voluntad de crear tipologías originales, como sucede también en el Fine Arts Center, University of Massachusetts,un extraordinario proyecto, formalmente parecido a las obras de Kahn o incluso al Corbusier de Chandigarh.
Roche & Dinkeloo emplean grandes estructuras murales de hormigón armado formando unos ciclópeos recorridos porticados y componiendo los edificios a base de planos oblicuos de enorme expresividad.
Destaca el edificio Miesiano de las torres United Nations Plaza I&II,en N.Y. Un acertado ejemplo de muro cortina, sobrio y bien terminado.
A la muerte de Dinkeloo que tenía una sólida formación técnica como ingeniero y una enorme intuición conceptual, el despacho KRJDA entra en una fase ecléctica y navega durante un tiempo en aguas de la posmodernidad.
Es el caso tal vez del proyecto para la General Foods en N.Y.de composición académica que recuerda las tipologías neoclásicas del siglo de las luces; un proyecto muy criticado posteriormente.
En ese momento comienza también una serie de proyectos de acondicionamiento y ampliación de los grandes museos americanos como el Metropolitan Museum .
METMETMET
A partir de ese momento Roche se convierte en un arquitecto de impacto, buscado por las grandes firmas y corporaciones, que buscan el aval de su prestigio y formas cada vez más mediáticas.
Jardín de IBMZoo de Nueva York
En nuestro país por ejemplo, KRJDA gana el concurso para la realización de la Ciudad del Grupo Santander en Boadilla del Monte, el gran sueño de D. Emilio Botín.
Banco de Santander, Bobadilla del Monte, 2005
KRJDA es un estudio que sigue en activo, realizando todavía proyectos en la actualidad, como el recientemente terminado Ritz-Carlton de Singapur.
1848, el 10 de febrero Anna Rosalie Boch nace en Saint-Vaast, Hainaut, Bélgica
Aprende con Isidore Verheyden, pero su influencia es Theo van Rysselberghe, al que conoce en el Grupo de los XX, y que pinta un estupendo retrato de Anna.
En su obra inicial hay puntillismo, pero el impresionismo en la mayor parte de su carrera y se adhiere también al postimpresionismo.
Sus temas son el paisaje rural y las marinas, escenas de género y naturaleza muerta.
Hace una de las más importantes colecciones de pintura impresionistas de su tiempo.
Es mecenas de muchos artistas jóvenes, como Vincent van Gogh que le fascina por su talento, y es además muy amigo de su hermano Eugène Boch .
Le compra su óleo Le Vigne Rouge, cuadro que durante mucho tiempo se piensa es el único que Van Gogh había vendido en vida.
A su muerte, y según la voluntad de la artista en su testamento, su colección es vendida, y el dinero recaudado, es destinado para sufragar a sus amigos artistas más pobres en su vejez.
1936, el 25 de febrero muere en Ixelles, Bruselas.
140 de sus propias pinturas son legadas a su ahijada Ida van Haelewijn, hija de su jardinero, a la que pinta en repetidas ocasiones siendo una niña en el jardín de su casa.
1968 estas pinturas son recompradas por su sobrino nieto Luitwin von Boch, el CEO de Villeroy & Boch Cerámica, en 1968.
No obstante, Ida van Haelewijn las conserva en su casa hasta su muerte en 1992.
2011 en marzo, se inaugura El Anna & Eugène Boch Expo.
Algunas del resto de sus cuadros, son donados por la voluntad de Anna Boch a varios museos, como los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica.
Se realizan diversas muestras retrospectivas, entre ellas en el Museo Real de Mariemont, Francia, en Morlanwelz , en 2000 y en el Vincent van Gogh-huis en Hoogeveen en 2010.
También su obra está en la colección permanente de museos, como el Pushkin de Moscú, el Musée d’Orsay de París , y el Van Goghhuis en Zundert , Holanda.
2005 el historiador belga Thomas Therèse confecciona un catálogo razonado.
2010, su sobrino Luitwin y Therèse crean el sitio web annaboch. com
2011 este sitio web se edita desde el Cremerie de París, un centro de exposiciones de reciente construcción situado en el Hotel de Villeroy cerca del Museo del Louvre.
Leoh Ming Pei (1917-2019) máximo intérprete del International style y protagonista de la arquitectura del siglo XX.
Museo de Arte Contemporáneo de Luxemburgo
1935 se traslada a Estados Unidos para estudiar.
Museo de Historia Alemana, Berlín
Tras diplomarse en el MIT (su tesis obtiene la Medalla de Oro del American Institute of Architects en 1954 se convierte en ciudadano estadounidense.
Después estudia en Harvard bajo la guía de Walter Gropius y Marcel Breuer.
Hijo del director del Bank of China, Pei en su infancia y adolescencia crece en una morada en una maravillosa villa en Cantón, conocida como el Jardín del León de la Selva.
museo-everson-syracuse-eeuu
Integrada en los Jardines clásicos de Suzhou y hoy Patrimonio de la Humanidad Unesco, la residencia influye en su concepción de los proyectos.
Gracias al encuentro con William Zeckendorf (1948), jefe de Webb & Knapp, se convierte en director de la División de Arquitectura de la célebre sociedad inmobiliaria.
Durante los numerosos proyectos para W&K, Pei conoce a los que sucesivamente serán los socios de su estudio, que es creado en 1955 (I. M. Pei and Associates, con Henry N. Cobb y Eason Leonard) y trabaja en exclusiva para Webb & Knapp hasta 1960, cuando se separa de la compañía de Zeckendorf y comienza a realizar proyectos propios.
Empleando geometrías sin artificios y con materiales como cristal, cemento, acero , contribuye de forma decisiva a reescribir el Modernismo, durante mucho tiempo considerado demasiado frío y duro, en edificios públicos, museos, universidades etc.
Nacen así célebres obras en cemento dejado a la vista, en 1967 como National Center for Atmospheric Research (Ncar) en Boulder y en 1968 los museos de arte neoyorquinos Everson en Syracuse y en 1979 el Johnson en Ithaca.
Para el Ncar, Pei desarrolla su proyecto a partir de un antiguo asentamiento indio; los edificios denotan el creciente interés de Pei por Louis Kahn, tras las influencias iniciales de Gropius y Mies.
Salón-de-la-fama-del-rock-and-roll-Cleveland-
Su larguísima carrera, concluye oficialmente en 1990, pero que de hecho continua al menos hasta 2006 como asesor en el estudio Pei Partnership Architects gestionado por sus dos hijos, está repleta de obras cargadas de expresividad y simbolismos, muchas de las cuales realizadas para grandes magnates y famosos personajes públicos.
En Boston realiza la John Hancock Tower (1966-1976, proyecto de Cobb)
1965-1979 La John Kennedy Library (1965-1979) encargada por su amiga Jackie Kennedy.
1968-1978 El ala este de la National Gallery of Art en Washington
1982 el apartamento de Steve Jobs en Nueva York.
1990 la torre del Bank of China a Hong Kong.
1993 el Four Seasons Hotel en Nueva York.
1995 el Rock and Roll Hall of Fame de Cleveland (1995)
1997 Miho en Shigaraki (1997)
2006 Suzhou.
Entre los trabajos más célebres, la importantísima reestructuración del Louvre en París, por encargo de François Mitterrand.
La pirámide de cristal en la Corte Napoleónica (1983-1988) se convierte en una referencia para las futuras intervenciones en museos.
2008 el Islamic Museum de Doha (2008), en una isla artificial rodeada de más de 35.000 m² y realizado para la familia real de Doha.
Uno de los proyectos más difíciles en los que jamás me he aventurado (…) en el que me parecía tener que capturar la esencia de la arquitectura islámica. 1983 Pritzker, entre los muchos reconocimientos asignados a Pei durante su larguísima carrera, se señalan el Premio Imperial en 1989; la Medalla Presidencial de la libertad (1992); la Royal Gold Medal (2010).
– Macau Science Center, Macao (China), 2009
Museum of Islamic Art, Doha (Qatar), 2008
Guanajuato State Library, Guanajuato (Méjico), 2006 – Suzhou Museum, Suzhou (China), 2006 – China Europe International Business School, Shangai (China), 1999 – San Francisco Main Public Library, San Francisco (USA), 1996 – Four Season Hotel, Manhattan, NY (USA), 1993 – US Holocaust Memorial Museum, Washington (USA), 1992 – Miho Museum, Shigaraki (Japón), 1997
Morton H. Meyerson Symphony Center, Dallas (USA), 1989 Jacob K. Javits Exposition and Convention Center, New York (USA), 1986 Biblioteca John F. Kennedy, Boston (USA), 1979
Ala est della National Gallery of Art, Washington (USA), 1978 – Dallas Municipal Building, Dallas (USA), 1977
John Hancock Tower, Boston (USA), 1976 National Center for Atmospheric Research (Ncar), Boulder (USA), 1967
Su padre fallece cuando cuenta 4 años, dejándolo escaso de medios junto a su madre –una costurera– y sus dos hermanos.
Es su tío quien se hace cargo de la familia tiempo después, inscribe a Botero en una escuela para toreros, pero cuando tiene que enfrentarse a novillos de 300 kilos, nota que no es lo suyo.
Entonces su influencia son los muralistas mexicanos; en particular, Diego Rivera y José Clemente Orozco, cuya obra es muy popular en Colombia.
Fernando Botero Two sisters 2019 134x102cm
1948 expone sus primeras obras en Medellín, y confecciona ilustraciones para El colombiano, un diario local con lo que paga sus estudios.
1951, se va a Bogotá, donde expone en la galería Leo Matiz.
No tiene mucha aceptación y le dice a su tio que le pague la estancia en un lugar barato que le permita pintar y el tío lo envía a Tolú, una pequeña ciudad de la costa del Atlántico donde hace Frente al mar.
Con él, concurre al Salón Nacional de Artistas, donde consigue el segundo puesto, y con el dinero del premio pudo pagarse un pasaje a Europa a bordo de un barco.
Mientras estudia en la Academia de San Fernando, en Madrid, Botero se dedica a copiar las obras del Prado, además de copiar pinturas y vender dibujos afuera del museo.
Es en España donde absorbe la tradición de Goya y Velázquez, mientras que en Florencia –que visita para estudiar en la Academia de San Marcos– encuentra integra a Tiziano, Giotto y Botticelli.
Estos últimos potencian el desarrollo del elemento del volumen que caracteriza su obra, o cómo retratar volumen sobre una superficie plana.
Tras su regreso a Colombia, Botero viaja a México y Nueva York, donde empieza a marcar estilo que caracteriza su trayectoria.
Cuenta que su primer experimento de volumen es un cuadro de una mandolina con un hueco muy pequeñito y un cuerpo enorme.
La pieza, con un acabado cubista, le permite la oportunidad de liberarse de sus influencias.
1960, Botero, un artista desconocido en Nueva York vende sus piezas a precios bajos para comer, tiene su primera exposición en suelo estadounidense en el Milwaukee Art Center.
Su exposición tiene tan buenas recepción que varias galerías de Estados Unidos y Europa le demandan obra y, con ello, alcanza tal éxito que lo convierte en uno de los pintores más cotizados de la actualidad.
1973, Botero se instala en Europa y empieza a hacer escultura, tridimensionando sus modelos
1974 en España tiene un accidente en el que fallece su hijo Pedro de 4 años.
El incidente también le hace perder una falange de meñique derecho y afecta tanto su mano que teme no poder volver a pintar.
Aunque se recupera físicamente, la pérdida de su hijo afecta su obra.
Su obra es reconocida por las escenas amables de sus lienzos, pero dos situaciones violentas sacuden al artista, la violencia ejercida por el cartel de Medellín a finales de los años 80 y 90, y la tortura y abuso de prisioneros en la prisión de Abu Ghraib.
2008 esto último lo llevó a crear una serie que es expuesta en 2008.
Aunque pasa su tiempo entre Mónaco, Italia y Grecia, el pintor asegura que Colombia es una parte intrínseca de su obra.
Estoy muy cerca de mi país, aunque no vaya con frecuencia, está en mi imaginación.
Todos mis cuadros están hechos deColombia, leo la prensa colombiana y estoy enterado de todo por mis amigos.
Soy colombiano de pasaporte y de alma, y en los últimos años en Colombia está descendiendo la violencia, y me hace sentir optimista.
Considera que es el artista vivo que más expuesto del mundo.
Su obra esta las colecciones del MoMA de Nueva York, el Instituto Smithsoniano de Washington D.C, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.
Sus esculturas decoran espacios públicos y privados de todo el mundo, desde el aeropuerto de Madrid hasta un complejo de rascacielos en el centro de Singapur.
Su mayor cantidad de obras se encuentran el Museo Botero de Bogotá.
Este espacio, que se inaugura en el 2000, exhibe 123 pieza suyas y 85 obras de arte internacional de su colección privada.
He tenido la fortuna de vivir siempre del arte. No he tenido que hacer nada diferente y es lo que más agradezco.
A pesar de su edad, continúa trabajando todos los días en su estudio.
Yo solo quiero seguir trabajando, hasta el último día de mi vida.
Richard Meier es un arquitecto estadounidense nacido en Newark, estado de Nueva Jersey en 1934.
Cornell University
Estudia arquitectura en la Universidad Cornell y a continuación trabaja en varios despachos de arquitectos, como Skidmore, Owings and Merrill y Marcel Bre
También desarrolla las facetas de diseñador y escultor.
Casa Douglas, Harbour Spring
Heredero del racionalismo y, más concretamente, del propio Le Corbusier.
Integrante del grupo The New York Five (Eisenman, Graves, Gwathmey, Hejduk y Meier, grupo también conocido como Five Arquitects) que retoma la tradición del International Style cuando esa corriente sufre duras críticas, Meier es el más tradicional de los cinco, de esa época son la Casa Smith y la Casa Douglas, que se insertan en el paisaje natural como objetos manifiestamente artificiales con un fuerte contraste visual.
Una arquitectura protagonizada por la pureza cromática, una geometría compleja y fuertes contrastes de luces y sombras.
1975 es profesor invitado de Arquitectura en la Universidad de Yale, uno de sus numerosos encargos docentes.
El Museo de Artes Decorativas en Alemania supone una nueva etapa para Meier, por ser su primer encargo de envergadura en Europa y porque se ve confrontado a compaginar un nuevo modo con el problema de un entorno edificado: así integra en el Museo la Villa Metzler, del siglo XIX.
Obras representativas: Museo de Arte High (Atlanta) Centro Getty (Los Ángeles) Museo de Arte Contemporáneo (Barcelona) Casa Douglas (Harbor Springs, Michigan) Museo de las Artes Decorativas (Frankfurt, Alemania) Edificio Atheneum, Centro de Información Turístico (New Harmony, Indiana) Centro del Bronx para los Disminuídos Mentales (Nueva York) Escuela de Enseñanza Básica (Clifty Creek, Indiana) Casa Shamberg (Chappaqua, Nueva York) Centro de Arte, segunda ampliación (Des Moines, Iowa) World Trade Center (Nueva York) Museo de Beverly Hills (Los Ángeles) Edificio Hypobank International (Luxemburgo) Centro de Investigación de Daimler-Benz (Ulm, Alemania) Iglesia del Jubileo (Roma) Seminario, Edificio de Enseñanza (Hartford, Connecticut)
1984 Ganador del Pritzker en 1984 (entre otros) su obra se caracteriza por un uso racional de la geometría, la claridad de sus espacios, el soberbio manejo de la luz y el uso del color blanco.
“Todo es arquitectura. Mi trabajo conscientemente cubre un amplio rango. No hay diferencia entre el fuera y el dentro, entre el exterior y el interior. Yo veo el diseño urbanístico, arquitectónico y de productos como un todo. Yo me defino como un arquitecto y un artista libre. Algunas veces por metáforas y metamorfosis, otras veces por abstracción, esculpiendo un espacio. La arquitectura es una obra de arte.”
1960 Hollein, recibe su Master en Arquitectura por la Universidad de California en Berkeley.
Entre sus proyectos destacan el Museo de Arte Moderno de Frankfurt y el Museo del Vidrio y la Cerámica de Teherán.
Es de visión global y su arquitectura interactúa al mismo nivel colocando con las investigaciones de las actividades humanas y el entorno.
Todo es arquitectura se basa en la conexión entre el arte y la vida cotidiana, de la que en el siglo XX, ha da lugar al desarrollo de la definición internacional de Diseño.
A partir de este término moderno Hollein actúa de una manera artística y antropológica del pensamiento que incluye la arquitectura como arte espacial genérico.
Genera innovadores proyectos como arquitecto y comisario que lleva a los medios de comunicación y al pensamiento interdisciplinar.
Tiene ideas antropológicas sobre la arquitectura y el diseño, y gran proximidad al Pop Art Y Joseph Beuys.
1934 nace, es uno de los protagonistas claves en los debates en torno a la arquitectura y el diseño en los años 1960 y 1970.
Junto con Oswald Oberhuber y Walter Pichler, director del Wiener Zeitschrift BAU a mediados de 1960 y representa una nueva generación internacional que se dedica al análisis radical de la modernidad arquitectónica y la modernidad en general.
Es una figura entonces presente en los medios de comunicación y en conferencias , recibe los encargos de la Galería Richard Feigen en Nueva York y las tiendas vienésas Retti y Schullin , y actua en las exposiciones experimentales como artista, diseñador y arquitecto.
Antes del primer encargo importante el museo en Mönchengladbach, es -con la ayuda de Joseph Beuys- en 1967 es profesor en la Academia de Arte de Düsseldorf.
1967, publica Todo es arquitectura y allí mismo su relación con Johannes Cladders, entonces recién nombrado director del Museo Municipal en Mönchengladbach y comisario de la primera exposición institucional de Beuys.
Tres años más tarde crea su Hollein seminal exposición antropológica Todo es arquitectura: una exposición sobre el tema de la muerte, en el antiguo edificio del museo en Bismarkstrasse.
1969 Cladders encarga Hollein el Museo Abteiberg. En Todo es arquitectura aquí, hay que revisar la complejidad y totalidad de Hollein y una generación de arquitectos de los 80, etiquetados como posmodernos.
Mönchengladbach 2008, mixed media (14x14x66m (WxHxL)), Städtisches Museum Abteiberg, Mönchengladbach, Germany 08.11.2008-06.09.2009
1960, en esta década esta su crítica original de la modernidad, la autoreflexión histórica, la emancipación social, que ocurre antes de la posmodernidad estética en el diseño y la arquitectura ( por ejemplo, el estructuralismo y la teoría antropológica, la crítica literaria de Leslie Fiedler, Cruzar la frontera – cerrar la brecha de 1969, la crítica arquitectónica de Robert Venturi en complejidad y contradicción en la arquitectura, 1966 , y Aprendiendo de Las Vegas, (con Denise Scott Brown y Steven Izenour ), 1972, son sus contemporáneos.
Hollein tiene, en los medios y su trabajo periodístico, sus visiones del futuro, tales como la oficina movil siempre disponibles y nuevos paisajes urbanos, vivienda y de vida en cápsulas, las ideas, en parte futuristas, recursos parcialmente atávicos y arcaicos en el espacio excavado (espacio como una cavidad), hacer visible sus paralelismos aparentemente paradójicos.
Oficina mobil
La génesis de la obra de Hollein es cada vez más lógica y plástica a través de una reconsideración de su biografía y su contexto.
Además de provenir de una familia minera, la experiencia de la posguerra en Austria y sus siguientes viajes, sus estudios de postgrado en la década de 1950, el estallido de las ruinas en Viena lleva a los viajes y su comunión en los EE.UU.
1958, viajó por todo Estados Unidos durante 2 años, y establece contactos con arquitectos, entre ellos Philip Johnson, que más tarde adquiere algunos de sus dibujos que están ahora en la posesión del MoMA.
Hay dibujos publicados de este viaje, así como numerosos dibujos, bocetos, collages y objetos, representan los primeros años en el desarrollo arquitectónico de Hollein, incluyendo el descubrimiento de la Arquitectura sin arquitectos, el arcaísmo de los Pueblos, su afinidad simultánea para Pop y Ciencia ficción, su mediación de la arquitectura como una forma de diseño y comunicación.
También se pueden ver los momentos escultóricos sorprendente de su dibujo y la importancia general de este medio, hay que recordar la anamorfosis del buque de guerra y de la ciudad (portaaviones), o el de la mujer y los paisajes, así como los numerosos estudios de diseño para espacios arquitectónicos y sus detalles.
Hay un montón o primeros estudios, por ejemplo, para los edificios de la iglesia, lo que puso delante los leitmotivs futuros en la arquitectura como metáfora, como un lenguaje, ya que es tanto una acción como un santuario.
Esto supone los antecedentes y las influencias sobre su pensamiento, así como su efecto en el siguiente desencadenador auge de la arquitectura museística internacional,
Frank O. Gehry, en 1997 afirma que no habría existido Bilbao sin Mönchengladbach.
Su influencia se aprecia en la arquitectura de los años 80 y 90 y abre la vía para la globalización de la arquitectura de hoy.
VIENNA, AUSTRIA – JULY 18: Architect Hans Hollein is photographed for Self Assignment on July 18, 2001 in Vienna, Austria. (Photo by Anton Corbijn/Contour by Getty Images)
El blog de Ila Basmati 
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