Situada en Parkgasse 18, Viena, construida en 1928 por Ludwig Wittgenstein para su hermana Margaret Stonborough, junto con Paul Engelmann.
Margaret Stonborough-Wittgenstein
1925, Margaret Stonborough, una rica heredera y mecenas de las artes, encarga a Paul Engelmann el proyecto de una gran casa para ella en Viena.
Engelmann, alumno de Adolf Loos, aborda la tarea proyectando una casa con influencia de Loos, con detalles clásicos.
Adolf Loos
Esta casa habría pasado inadvertida para la historia de la arquitectura de no haber cometido Engelmann el error de comentar el proyecto con el hermano de Margaret, el filósofo Ludwig Wittgenstein.
Wittgenstein amigo de Loos y siempre esta interesado por la arquitectura.
En esa época esta sin trabajo, ya que había terminado recientemente su Tractatus Logico-Philosophicus y había sido despedido de su trabajo en la enseñanza.
De manera que entrega en este proyecto, iniciando una colaboración que, finalmente y de modo inevitable, conduce a la ruptura de su amistad con Engelmann.
Engelmann
La historia no puede ignorar una casa proyectada por uno de los más grandes filósofos del siglo XX, pero hay que esperar a 1960, cuando sobre la casa pesa la amenaza de demolición, para que el mundo de la arquitectura empiece a interesarse por ella.
El proyecto de Engelmann esta casi terminado cuando Wittgenstein se hace cargo del mismo, aunque la distribución original subsiste en el edificio final: un conjunto de formas cúbicas interpenetradas entre sí la más alta de (as cuales alcanza las tres plantas de altura- ocupa un solar despejado, en un barrio de Viena densamente construido.
Wittgenstein adapta la planta a sus personales teorías arquitectónicas.
Wittgenstein
Pero no todas las adaptaciones resultaron ser mejoras, de modo que en la intervención se perdieron ciertas sutilezas de la planta original de Engelmann.
Por ejemplo, en la parte posterior de la casa, Wittgenstein introduce un desacertado bloque a la manera de contrafuerte y con una cubierta inclinada de vidrio con el objetivo de ampliar las habitaciones privadas de su hermana, y reemplaza la discreta escalera loosiana de Engelmann por una Intrusa y bastante torpe torre de escalera y ascensor acristalada.
Pero sus variaciones son fascinantes.
Engelmann compone los principales espacios de la planta baja -vestíbulo, sala de música, comedor y biblioteca- haciendo uso de proporciones armónicas y de la simetría, pero Wittgenstein refina estas características hasta un extremo obsesivo.
Las juntas de las piezas de piedra artificial gris oscuro se alinean exactamente con puertas y ventanas, y se engrosa artificialmente el espesor de los muros en los lugares necesarios para conservar una simetría perfecta.
Se proscribe el empleo de zócalos, molduras o tapajuntas, de manera que las entregas de los distintos elementos o materiales tenían que ser escrupulosamente precisas. Nadie parece haberse preocupado mucho por las plantas superiores, que son proyectadas más informalmente para uso de los niños, el servicio y el señor Stonborough.
Wittgenstein se había formado como ingeniero aeronáutico en Manchester, Reino Unido, y por lo tanto prestaba especial atención a todo lo relacionado con la mecánica y la electricidad.
Así, diseña los radiadores, rejillas de aire, interruptores eléctricos, marcos de ventanas y manetas de puertas, e incluso se implica en el desarrollo del mecanismo del ascensor, que sería claramente visible en su torre de vidrio.
Se dota a las ventanas y halconeras de persianas metálicas que subían desde una rendija en el pavimento, equilibradas con contrapesos.
Las lámparas son bombillas desnudas montadas cerca del techo y centradas con precisión.
La hermana de Ludwig, Greti, pintada por Gustav Klimt
El efecto global es digno, pero resulta frío y duro, una sensación muy alejada de los confortables y suntuosos Interiores de Loos.
La casa es más una curiosidad que una obra maestra, no obstante, pese a sus defectos y a su autoría dividida, los críticos vuelven a examinarla una y otra vez, en busca de claves a la obra de un gran genio.
Ha sido interpretada incluso como una especie de puente filosófico construido entre el Tractatus y el posterior libro Investigaciones filosóficas.
The painting represents Mary as a delicate and weak virgin locked in her garden, hortus conclusus or closed garden that is a symbol of her virginity.
The painter deals with the subject by changing the conventions.
Maria is not the center of the painting, but remains in the upper left corner, reading a book. She is surrounded by saints like Santa Dorotea who is picking cherries behind. Santa Barbara takes water from a well.
Santa Catalina holds a psalter, in which the Child Jesus strikes the strings.
At the feet of Saint George there is a dead Milan and at those of the Archangel Michael a small black demon.
Saint Osvald leans on a trunk.
The Garden of Paradise is one of the first paintings in which plants are depicted realistically.
They are all easily recognized. Most of them are Marian plants, that is, those that are among the symbols of the Virgin.
Along the wall, different types of birds and insects can be clearly recognized. The painting measures 26.3 by 33.4 centimeters.
Preserved in the Städel Museum, painted 1410 and shows a small fragment of the world of that time: a corner of the garden surrounded by the walls of a castle.
At that time the castles served as a refuge. Conflicts between the nobles are not resolved through the mediation of the emperor or the courts, but through attacks and defenses.
Fighting was a part of life at all levels.
The walls of this peaceful garden form a barrier against the world of violence.
The clutter and discomforts of everyday life are also left out: the excrement of the roads, the wandering dogs and pigs, the stench, the lack of space, the darkness and cold of the houses, the spectacle of disease and poverty.
The idyll of the garden offers the other side of daily life.
1410 gardens where you can enjoy life are not as widespread as they are today.
The Roman occupation troops make them known in the north, but they disappear with the fall of the Roman Empire and the disorders caused by the great barbarian invasions.
The convents again spread the taste for the garden beyond the Alps, but it focuses more on its usefulness than on its beauty.
In the square garden of the cloisters medicinal and aromatic herbs are grown, in the center there is a fountain and a part of the land is dedicated to the tombs of the brothers of the order.
It was only around the year 1200 that the garden was rediscovered as a place of leisure and fun. Above all, it must be beautiful so that the visitor can enjoy the pleasure of walking.
St. Albert the Great (c. 1200-1280), the learned theologian from Cologne, propagates this type of garden and many of his advice is reflected in the painting Mary in the closed garden, with saints painted two centuries later by a Rhenish master anonymous.
It should have a height with grass and full of flowers (…) suitable for sitting and enjoying the rest with delight. The trees should not be too close to each other because the absence of a light breeze can impair well-being.
A garden of delights must also have a well surrounded by stones (because its purity is a source of much pleasure).
Los secretos de las obras de arte. Rose-Marie & Rainer Hagen. Taschen.
El cuadro representa a María como una delicada y débil virgen encerrada en su jardin, hortus conclusus o jardín cerrado que es símbolo de su virginidad.
El pintor trata el tema cambiando las convenciones.
María no es el centro de la pintura, sino que permanece en la esquina superior izquierda, leyendo un libro.
Está rodeada de santos como Santa Dorotea que está recogiendo cerezas detrás.
Santa Barbara coge agua de un pozo.
Santa Catalina sostiene un salterio, en el que Jesus Niño pulsa las cuerdas.
A los pies de San Jorge hay un milan muerto y a los del arcángel Miguel un pequeño demonio negro.
En un tronco se apoya San Osvaldo.
El Jardín del Paraíso es una de las primeras pinturas en la que las plantas se representan de manera realista.
Todas se reconocen fácilmente. La mayor parte de ellas son plantas marianas, es decir, de aquéllas que están entre los símbolos de la Virgen.
Junto al muro pueden reconocerse claramente distintos tipos de pájaros e insectos.
El cuadro mide 26,3 por 33,4 centímetros.
Conservado en el Städel Museum, pintado 1410 y muestra un pequeño fragmento del mundo de entonces: un rincón del jardín rodeado por las murallas de un castillo.
Por aquella época los castillos sirven de refugio.
Los conflictos entre los nobles no son solucionados por mediación del emperador o los tribunales, sino a través de ataques y defensas.
Las luchas formaban parte de la vida a todos los niveles.
Las murallas de este jardín apacible forman una barrera contra el mundo de la violencia.
El desorden y las incomodidades de la vida cotidiana también se quedan fuera: los excrementos de los caminos, los perros y los cerdos errantes, la fetidez , la falta de espacio, la oscuridad y el frío de las casas, el espectáculo de la enfermedad y la pobreza.
El idilio del jardín ofrece la otra cara de la vida diaria.
1410 los jardines donde disfrutar de la vida no estan tan extendidos como hoy día.
Las tropas de ocupación romanas los dan a conocer en el norte, pero desaparecen con la caída del Imperio romano y los desórdenes provocados por las grandes invasiones bárbaras.
Los conventos vuelven a difundir el gusto por el jardín más allá de los Alpes, pero se centra más en su utilidad que en su belleza.
En el jardín cuadrado de los claustros se cultivan hierbas medicinales y aromáticas, en el centro se encuentra una fuente y una parte del terreno se dedica a las tumbas de los hermanos de la orden.
Solo hacia el año 1200 el jardín vuelve a ser descubierto como un lugar de ocio y diversión.
Ante todo debe ser hermoso para que el visitante disfrutara del placer de pasear.
San Alberto Magno (h. 1200-1280), el sabio teólogo de Colonia, propaga este tipo de jardín y muchos de sus consejos se encuentran reflejados en el cuadro María en el huerto cerrado, con santos pintado dos siglos más tarde por un maestro renano anónimo.
Debería disponer de un alto con hierba y repleto de florecillas (…) adecuado para sentarse y disfrutar con deleite del reposo.
Los árboles no deben estar muy juntos unos de otros porque la ausencia de una ligera brisa puede perjudicar el bienestar.
Un jardín de las delicias debe contar también con un pozo rodeado de piedras (porque su pureza es fuente de mucho placer.
Los secretos de las obras de arte. Rose-Marie & Rainer Hagen. Taschen.
The origin of Art Nouveau is literary, Kafka, Marcel Proust and James Joyce, but within the arts it is architecture where it has the most impact.
At the end of the XIX the Art Nouveau supposes in many places of America and Europe the appearance of a new style of graphic arts, industrial arts and architecture.
The internationalism of gallery owners, magazines and exhibitions gives rise to an expansion in shapes, curves and flowers that mixes with neo-Gothic influences and from the Far East.
The style develops in Brussels from a new industrial wealth that prefers handcrafted interiors and novelties in metal structures.
The Belgian glass industry, which has provided the market for high-quality mirrors since 1870 and the iron industry, which makes filigree constructions with industrially manufactured laminated iron possible, provide architectural elements.
The narrow plots of Brussels, which unlike other cities are used for single-family homes, constitute a challenge for architectural experiments that, in addition to favoring the image of the upstart bourgeoisie, represent with their refinedly illuminated staircases and cared interiors even in the minors details, not only maximum comfort, but pieces of art.
In this case, the exterior facades of the Victor Horta or Paul Hankar buildings are discreet.
Henry van de Velde, who since 1893 disseminates the evolutions of English crafts related to Art and Craft and who designed 4 exhibition rooms for the Art Nouveau gallery of the Japanese Samuel Bing in 1895, went to Berlin in 1900.
He stands out as an author who tries to lay the theoretical foundations of the new style. But neither he nor Victor Horta are present at the Universal Exhibition of 1900 in Paris, since the official promotion of industrial art takes time to jump on the new train.
The works of Josef Hoffmann and Josep Maria Olbrich, representing Austria, stand out for their quality.
Hector Guimard’s new metro stations are the most important thing outside the exhibition grounds.
French creators meet at the Samuel Bing pavilion.
The presentation of the United Workshops for Artisan Art in Munich with works by Richard Riemerschmid, Bernhard Pankov and Herman Obrist is due to commercial interests.
The important role played by Austria is also reflected by the presence of the Vienna Secession, founded in 1897, in which Olbrich signs an artistic manifesto with the Secession building (1897-1898).
But Vienna also does not stop looking abroad, especially at the work of Charles Rennie Mackintosh from 1900.
Olbrich’s invitation from Grand Duke Ernesto Luis in 1899 to participate in Hessen in the Darmstadt Artists’ Colony and the buildings he built at the Mathildenhole in collaboration with Peter Behrens mean the creation of a singular work above the house project single family.
The new style has different denominations and variants, in Germany it is Jungendstile due to its relationship with Jugend magazine, in France Art Nouveau, in Austria Sezessiosstil, in the United Kingdom it is Modern Style, in Italy it is Stile Floreale and in Catalonia it is Modernism.
Other outstanding examples of art nouveau are the works of Louis Sullivan in the US, and Antonio Gaudi in Spain, which, as in the cases of Budapest, Nancy and Helsinky, are limited to regional areas.
Being marked by the personality of its creators, the new style does not take long to run out.
What lasts for a long time are mass-produced art supplies and architectural décor, which lend a certain air of fashion to nondescript buildings.
El origen del Art Nouveau es literario, Kafka, Marcel Proust y James Joyce, pero dentro de las artes es la arquitectura donde tiene mas repercusión.
A final del XIX el art Nouveau supone en muchos lugares de América y Europa la aparición de un nuevo estilo de artes gráficas, artes industriales y arquitectura.
El internacionalismo de galeristas, revistas y exposiciones da lugar a una expansión en las formas, curvas y de flores que se mezcla con influencias neogóticas y procedentes del lejano Oriente.
El estilo se desarrolla en Bruselas a partir de una nueva riqueza industrial que prefiere los interiores de fabricación artesanal y las novedades de estructuras metálicas.
La industria belga del vidrio, que provee el mercado de espejos de alta calidad desde 1870 y la industria del hierro que hace posible las construcciones afiligranadas con hierro laminado fabricado industrialmente, facilita los elementos arquitectónicos.
Los estrechos solares de Bruselas, que a diferencia de otras ciudades se destinan a viviendas unifamiliares, constituyen un reto para los experimentos arquitectónicos que además de favorecer la imagen de la burguesía advenediza, representan con sus escaleras refinadamente iluminadas y sus interiores cuidados hasta en los menores detalles, no solo el máximo confort, sino piezas de arte.
En este caso las fachadas exteriores de los edificios de Victor Horta o Paul Hankar son discretas.
Henry van de Velde que desde 1893 difunde las evoluciones de la artesanía inglesa relacionadas con Art and Craft y que proyecta en 1895 4 salas de exposiciones para la galería Art Nouveau del japones Samuel Bing, va a Berlín en 1900.
Destaca como autor que trata de sentar las bases teóricas del nuevo estilo.
Pero ni el ni Victor Horta están presentes en la Exposición Universal de 1900 en Paris, pues la promoción oficial del arte industrial tarda en saltar al nuevo tren.
Destacan por su calidad las obras de Josef Hoffmann y Josep Maria Olbrich representantes de Austria.
Las nuevas estaciones del metro de Hector Guimard son lo mas importante fuera del recinto de la exposición.
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Los creadores franceses se dan cita en el pabellón de Samuel Bing.
Obedece a intereses comerciales la presentación de los Talleres Unidos de Arte Artesano de Munich con obras de Richard Riemerschmid, Bernhard Pankov y Herman Obrist.
El importante papel representado por Austria se refleja igualmente por la presencia de la Secesion de Viena, fundada en 1897, en la que Olbrich firma un manifiesto artístico con el edificio de la Secesion (1897-1898).
Pero tampoco Viena deja de mirar al extranjero, sobre todo a la obra de Charles Rennie Mackintosh de 1900.
La invitación de Olbrich cursada por el gran duque Ernesto Luis de 1899 para participar en Hessen en la Colonia de Artistas de Darmstadt y los edificios que construye en la Mathildenhole en colaboración con Peter Behrens significan la creación de una obra singular por encima del proyecto de casa unifamiliar.
El nuevo estilo presenta denominaciones y variantes distintas, en Alemania es Jungendstile por su relación con la revista Jugend, en Francia Art Nouveau, en Austria Sezessiosstil, en Reino Unido es Modern Style, en Italia Stile Floreale y en Cataluña de Modernismo.
Otras destacadas muestras de art nouveau son las obras de Louis Sullivan en EEUU, de Antonio Gaudi en España, que como en los casos de Budapest, Nancy y Helsinky, se limitan a áreas regionales.
Getty Images. Gaudi, Casa Vincens.OLYMPUS DIGITAL CAMERA
Al estar marcado por la personalidad de sus creadores, el nuevo estilo no tarda en agotarse.
Getty Images. Capricho de Gaudi, Comillas
Lo que aguanta tiempo son los artículos de arte fabricados en serie y la decoración arquitectónica, que dan cierto aire de estar a la moda a edificios anodinos.
El modernismo supone el comienzo de la modernidad.
La primera mujer que puede vivir y mantener a su familia como escritora es Christine de Pisan.
Vive en Francia en una etapa de transición, cuando termina la Edad Media y empieza el Renacimiento.
1405 un miniaturista la representa dos veces.
La imagen forma parte de su Libro de la ciudad de las damas.
Christine aparece en su estudio como en una casa de muñecas abierta.
Lleva un vestido azul, su mano reposa en un manuscrito y recibe una visita de alto rango: tres damas coronadas.
Los objetos que sostiene en sus manos permiten identificarla fácilmente Doña Razón, un espejo, Doña Honestidad, una vara de medir y Doña Justicia, una probeta.
Las visitantes ordenan a la escritora combatir la misoginia.
Debe escribir un libro de defensa para su sexo:
Cava profundamente con las layas de tu razón, construye con la paleta de tu pluma.
En la escena aparece Christine ayudada por una de las damas y trabajando en el verde campo de la literatura.
Ambas utilizan paleta y argamasa para levantar un muro de piedra.
Tras ellas se observa un muro alto.
En su época todo el mundo desea contar con una barrera defensiva, pues mientras la autora y el miniaturista están en el escritorio, Francia se encuentra en plena guerra de Cien Años contra Inglaterra.
Su rey esta loco, los príncipes se disputan el poder y desencadenan una guerra civil que no tarda en llenar de sangre la capital. Christine vive una época horrible.
En las miniaturas, Christine de Pisan se distingue por su vestido sencillo y azul y por el atavio blanco de su cabeza, consistente en un velo que cubre también el cuello y el pecho.
Forma parte del vestuario de una viuda y la autora lo lleva a lo largo de 40 años.
A los 25 años pierde a su esposo y no vuelve a casarse y la tristeza y la soledad atraviesan su obra como motivos centrales.
Estoy sola y quiero estar sola / Sola me dejo mi dulce amigo.
Así comienza su poema mas bello, todavía recordado en Francia
Aquella mujer joven se ve obligada a hacerse cargo de su vida, algo para lo que ni su origen ni educación la habían preparado.
1364 nace en Venecia, llega a Paris cuando todavía es una niña.
Su cultísimo padre es natural de Pizzano, pequeña población cercana a Bolonia y es nombrado por Carlos V de Valois medico de cámara y astrologo.
Christine vive su juventud en el ambiente de la corte francesa y a los 15 años se casa con el notario real Etienne Castel y es un matrimonio feliz.
1398 cuando su marido muere repentinamente ha de hacerse cargo de su madre, tres hijos y dos hermanos mas pequeños y de una sobrina.
Los ingresos de la corte son inexistentes pues además su padre, muere el rey protector.
Christine que no tiene ninguna experiencia en los negocios se ve envuelta en varios procesos con los clientes de la notaria y a merced de asuntos de abogados.
Dios mio ¿Por qué no quisiste que naciera hombre?
Defiende sus derechos ante los tribunales durante 14 años, vende poco a poco los restos de su patrimonio paterno y probablemente trabaja como copista.
Además de aportarle dinero este trabajo le ofrece la oportunidad de seguir formandose, pues en su niñez y a instancias de su madre tuvo que dedicarse a hilar en vez de acudir con sus hermanos a las clases de su padre.
Pero ahora se retira a su cuarto.
Cerre la puerta y me hice con estos hermosos libros.
Para estudiar ciencias de su tiempo.
Así desarrolla su propio talento.
En su juventud ya recita versos suyos ante reducidos ambientes de certámenes cortesanos.
Ahora escribe poesía ateniéndose a las formas rigurosas y a los géneros tradicionales de amor cortesano y de la poesía bucólica, pero aporta un toque personal y evoca tristeza y soledad.
1399 puede ofrecer a su amigo 100 baladas y a partir de entonces aborda tanto en prosa como en verso los temas literarios y políticos de su tiempo.
Escribe 40 obras, lo que induce a Gustave Lanson (1857-1934), el papa de la critica francesa a denostarla como una autentica sabionda y primera de una serie insoportable de autoras que en toda su vida no tienen otra cosa que hacer que ofrecer muestras de su inagotable actividad y de su mediocridad universal.
1404 Christine recibe el encargo de escribir la biografía del protector de su padre, el difunto Carlos V, por orden del Duque de Borgoña.
Para dicho cometido, inaudito para una mujer de su tiempo, le sirve de ayuda el hecho de proceder de una familia culta, la proximidad a la corte parisina y el trato personal de los poderosos y ricos a cuyas bibliotecas tiene acceso.
Por su parte dispone de habitación propia que diría Virginia Woolf.
Christine Pisan tiene su cuarto gótico estrecho con pocos muebles y suelo de baldosa de colores que aparece en varios manuscritos suyos.
En ocasiones un perro blanco le ofrece compañía.
Los primeros poemas de Christine aparecen en forma de modesto cuaderno de papel, pero pronto puede copiar, ilustrar y encuadernar lujosamente sus textos en caros pergaminos, similares a los manuscritos que hay sobre su mesa.
Aunque de cada uno de ellos hay 4 o 5 ejemplares.
Medio siglo antes de descubrirse la imprenta, los libros con su valiosas presentaciones, estaban reservados a los bibliófilos.
En aquella época en Francia no había más imágenes que las de las iglesias y los manuscritos ilustrados ofrecían al propietario la posibilidad de admirar motivos distintos a los religiosos a través del nuevo modo de representación.los príncipes sustituyeron a la Iglesia como clientes de artistas.
Les encargaban tapices, esculturas, objetos de cristal de colores o de oro para exhibir su poder y libros para su disfrute personal.
Carlos V instala en las 3 plantas del Louvre, una biblioteca de mas de 1000 obras, entre las cuales no solo hay devocionarios y libros de horas, sino también traducciones ilustradas de Aristóteles, tratados de arte cinegético y el primer manual de cocina del que se tiene noticia.
Christine puede supervisar rigurosamente la confección de su manuscrito.
En algunas hojas aparecen incluso correcciones de su propia mano, con la que la autora encubre con esmero los fallos y rasguños del pergamino.
Dispone que la confección se efectue no en los monasterios, como es habitual, sino en escritorios parisinos donde los artesanos comparten el trabajo.
Cada uno de los cuadernosde pergamino de 8 hojas llegan primero al copista, después el rubriquista que realiza los rituales y las iniciales y finalmente el miniaturista que se encarga de adornar e ilustrar el texto.
Están bien pagados y en algunos casos Christine los censura por sus excesos y la lujuria
La autora aparece representada una y otra vez en sus manuscritos de la misma manera que esta presente en sus textos.
Por el contrario no se conoce ni siquiera el nombre de sus copistas e ilustradores.
Únicamente se conoce los artistas que como los hermanos Limburg, están al servicio personal del príncipe y de los que queda constancia en los libros de contabilidad.
El responsable del taller cuyo estilo define la mayor parte de sus obras es conocido con el apelativo de maestro de La ciudad de las damas.
Natural de Italia o tal vez de Flandes, incorpora elementos estilísticos de los pintores del Treccento italiano y de los realistas neerlandeses, experimenta con el espacio y la perspectiva y en torno a 1400 crea con sus colegas el estilo designado como Gótico internacional.
En palabras Christine, todos ellos convierten Paris durante un breve periodo de esplendor en el centro de los mejores ilustradores del mundo.
El miniaturista representa escombros o pisadas polvorientas en el césped a los pies de la autora.
Christine alisa con la paleta la argamasa preparada en una artesa de madera mientras una de sus ayudantes coronadas le acerca la piedra siguiente.
Trabaja en la construcción de una ciudad de las damas, ficción que Christine mantiene a lo largo de todo el libro, continuando al igual que con la personificación de los conceptos abstractos (razón o justicia) los procedimientos medievales.
El famoso Roman de la Rose de Guillaume de Lorris, del siglo XIII, esta también concebido como alegoria.
La conquista de la mujer ideal y perfecta por un caballero sublime como la búsqueda poética de una flor.
Su obra queda inacabada y termina siendo escrita por un profesor universitario en forma de tratado contra el lubrico y falaz sexo femenino.
Se inicia entonces una disputa de mas de un siglo de duración entre misóginos y defensores del amor cortes en la que la primera mujer que interviene es Christine.
Lo hace en una carta abierta en 1402 y en su Ciudad.
Contra las abominables tesis del profesor y sus partidarios, Christine pone en liza a sus tres damas, la Razón , la Honestidad y la Justicia.
Elige como sillares a mujeres famosas que están a la altura de los hombres.
Doña razón cita a las valientes amazonas y a la reina pagana Semíramis, que gobierna un enorme imperio con mano de hierro.
También se nombra a mujeres de profundos conocimientos y grandes dotes intelectuales como Safo.
Doña Honestidad puede construir casas sobre estos fundamentos con mujeres castas, esposas fieles, viudas tenaces y buenas madres.
Doña Justicia, competente para los asuntos superiores embellece la ciudad de las damas con almenas y torres y entroniza a la Virgen María con su sequito de mujeres santas.
La autora toma sus ejemplos de la historia, los mitos y las leyendas y los multiplica porque de acuerdo con la dialéctica medieval, la simple acumulación de exempla es una demostración de su verdad. Actualmente la lectura resulta pesada.
En cualquier caso lo que todavía interesa es su visión pragmática, en vez de dibujar como en Roman de la Rose medieval, una imagen ideal auya afirma que por su propia naturaleza la mujer es tan inteligente y capaz como el hombre.
Christine interviene a favor de las viudas y de las mujeres maltratadas por sus maridos y defiende el derecho femenino a los placeres carnales y se rebela contra la jactancia masculina de la presunción de que las mujeres solo aspiran a ser dominadas.
En el siglo XX todo ello llega a sr reconocido por el feminismo que la celebran como una pionera.
Ahora bien, cuando se le pregunta porque las mujeres inteligentes no estudian para estar presentes en todos los campos, Doña Razón responde que
A la sociedad no le interesa que se ocupen de los asuntos de los hombres.
Tienen que darse por satisfechas con sus tareas habituales al servicio de su esposo y su familia que se la han confiado
La utopía de Christine capitula ante la realidad social.
1400nadie cuestiona el orden supuestamente querido por Dios.
El éxito de las obras de Christine entre sus contemporáneos se explica también por el hecho inaudito de que proceden de una pluma femenina.
La ciudad de las damas llega a Milán y a Londres.
El exorbitante precio de los manuscritos y circunstancias de que solo una minoría exigua de la población sepa leer determinan que su publico se reduzca a la nobleza o a la burguesía urbana acomodada.
En francés el libro se titula La ciudad de las damas, no de las mujeres.
Las tres visitantes, increíblemente bellas y con sus lujosos vestidos, su noble actitud y su digna presencia, responden a sus lectoras.
Crhistine dedica varias obras a Isabel de Baviera (1371-1435), esposa del enajenado Carlos VI y le confecciona un ejemplar de La ciudad de las damas.
Es posible incluso que participe en la miniatura en la colocación de las piedras.
En otra ilustración la autora hace entrega del solemne manuscrito a la princesa, pues los libros no son vendidos sino que se regalan en las fiestas de año nuevo a un protector, que corresponde adecuadamente con pensiones y valiosos objetos.
El duque de Borgoña que como su hermano CarlosV y el duque de Berry, son muy aficionados a los manuscritos, regala a Christine una copa de plata y acoge a su hijo en la corte en calidad de paje.
El verdadero destinatario de La ciudad de las damas es el duque de Berry, quien aunque de tacañería reconocida, se muestra agradecido a Christine.
Por el contrariohay que recordar repetidamente a la reina Isabel que abone finalmente las sumas prometidas a la autora.
El pueblo la califica de puerca y la odia por su prodigalidad y sus amoríos.
En la lucha por el poder entablada entre los duques hostiles de Borgoña y de Berry y sus secuaces, Isabel toma partido indistintamente por uno o por otro pensando en su provecho.
En vano la patriótica Christine pide a la reina una epístola que interviniese a favor de la paz y en vano pone en 1413 en manos del duque de Berry el Libro de la paz, un manuscrito sin ilustraciones ni ornamentación, pues los artistas emigran y los mecenas tienen otras preocupaciones, han muerto o han sido ejecutados.
Ante la escalada de la guerra civil, Christine deja de escribir y vive retirada en el campo durante 11 años bajo la protección de un monasterio, institución no muy diferente a la ciudad ideal de las mujeres.
Entretanto los partidos franceses enfrentados entre si dan paso a la intervención del enemigo ingles que los aniquila.
1420 los victoriosos ingleses entran en Paris y la reina francesa entrega Francia y la mano de su hija al monarca ingles Enrique V.
Parece todo perdido, pero en 1429 a través de los muros conventuales de Christine llega la noticia de que una joven francesa arrebata la ciudad de Orleans al enemigo y corona al heredero del trono.
Poco antes de morir Christine empuña por ultima vez la pluma y escribe un poema en honor de Juana de Arco.
Para ella es grato celebrar las hazañas de una mujer valiente y contemporánea suya.
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1364 was born in Venice and died in the monastery of Poissy in 1430.
She is a philosopher, humanist poet, and the first professional writer in history.
She is the daughter of Tomasso de Pizano, a physicist, court astrologer and Chancellor of the Republic of Venice.
When Christine is 4 years old, King Charles V of France invites her father to court as an astrologer, alchemist and physicist.
The learned Bolognese, sent to Paris as ambassador by the Republic of Venice, sets as a condition for establishing himself definitively at the court of France, to have a dignified mansion and an income of 500 pounds of gold.
The king orders Christine to participate in all age-appropriate court entertainments and be brought up like a princess.
Christine lives in the bosom of a court with a humanistic environment, with a language that she will make her own, she also adopts a new country that she never leaves from that day in 1368 until the time of her death in 1430.
Her mother is also the daughter of a great sage, the anatomist Mondino de Luzzi, however, she appears in the text of La Ciudad de las Damas as a defender of her daughter’s dedication to housework, in clear contrast to her father, who prompts her toward study.
Both Cristina’s family circle and that of the French court obey a critical spirit, of free examination and based on experience, features of modernity that shine through in several passages of the text, where the author vindicates the experience of her own body women have to counteract the misogynistic discourse that sustains masculine authority, as in the case of ecclesiastical doctrines and medical treatises.
Her mother reads her the Golden Legend of Jacobo de Vorágine, while her father wants her to be instructed in Latin, French and Italian instead.
This does not prevent Cristina’s love for her mother.
In 1380, he married Étienne du Castel, the son of a noble family from Picardy, who at the age of twenty-four had just obtained the position of notary of the king.
Etienne, like Christine’s father, insists that his wife continue to read, write, and educate herself.
Christine achieves (achis) an exceptional balance in the feminine world: she is married and has three children, a role that she combines (combains) with her studies and her writings.
In 1379, misfortunes begin to fall on the court of France and also on Cristina’s family.
The king loses his queen, Juana de Borbón, and his faithful constable, Beltrán du Guesclin.
1380 died himself of a heart attack.
He is succeeded by the Dolphin, a twelve-year-old boy with an unstable and violent character who goes down in history as le Roi Fou.
Christine’s father loses the favor of the court and falls into disgrace not only he, but the work that is worth his prestige before Carlos the Wise, the Treaty (triti) of Points and Signs.
1387 dies full of debts.
In 1389, the plague kills her husband and Cristina, a widow with three children at the age of 25, discovers her dire economic situation.
Not only does the king stop paying his secretary’s fees, but dishonest merchants take advantage of his inexperience to steal his children’s dowry.
In order not to make people talk at court, the young widow does not dare to address her compatriots, the Lombard bankers, and resorts to Jewish usurers, a visit she always shyly remembers.
You sue in lawsuits to recover part of your assets.
The experience that he endures along with the death of a newborn child, turns out to be the engine that drives him.
The options for a woman in her situation at this time are a remarriage or confinement (kenfainment) in a convent.
She does not resign herself to a fate that she does not want and takes a brave alternative, becomes a professional writer and supports her family with the income that her writing will provide.
Her perseverance soon pays off. Members of the court request from Christine an elegy for Charles V.
This is how Le livre des faits et bons moeurs du sage roi Charles V was born, the first commissioned work that gives Christine a significant financial reward
Now is a well-known writer. His work goes from poems, songs and ballads of love themes to philosophy, politics, history, morality or the right of women in society.
The popularity of the young writer increases and she soon has the support of the Dukes of Burgundy, King Charles VI and his wife, Queen Isabela of Bavaria.
Christine de Pizane’s best-known work is The City of Ladies (1405), considered to be the forerunner of Western feminism and which places her at the beginning of the so-called querelle des femmes (women’s quarrel).
The complaint is a literary and academic debate that takes place over several centuries from the late fourteenth century, in medieval Europe, until the French Revolution.
In this debate, the intellectual capacity of women and their right to access education and politics are defended against the prevailing misogyny.
It is affirmed that this capacity is not a question of nature but of a social one, of the possibility of access to knowledge.
The complaint is publicly manifested in social gatherings and generates numerous writings on the value, difference and relations between the two sexes.
Christine de Pizan is the first woman to intervene in this debate publicly with her work The City of Ladies, a plea in favor of women for whom she claims a place in the world, as well as a clear criticism of the (prevélin) prevailing misogyny in that medieval world.
The City of Ladies is the answer to Jean de Meung’s popular Roman de la Rose which says:
All of you are, were or will be (joors)whores by action or by intention.
She answers
And that I am not reproached as madness, arrogance or presumption e! to have dared, I, a woman, to reprehend and criticize such a subtle author and haggle praise for his work, when he, a man only, dared to defame and censor all e! female without exception.
Likewise, he offers Dante’s authority as an alternative to Jean de Meung, capitalizing on his benefit the great admiration that the French court felt for Italian humanism, still little known. Cristina would be only the second
writer, after Philippe de Mézieres, in citing Dante and ironically advises Pierre Col, one of his most fierce opponents, to ask someone to translate and explain Dante, who writes in the Florentine language.
It is also an implicit response to Saint Augustine’s City of God, and is equally inspired by Boccaccio’s work.
The book is written as a dialogue between a student and his teacher.
The allegorical figures of Reason, Justice and Righteousness converse with Christine and invite her to build a city for famous women of the past and for virtuous women of all times, in a world made for men.
In this allegorical city a wide range of illustrious women from history are housed.
Each named woman is going to be an example of argumentation against each of the misogynistic insults frequent in medieval society.
The City of the Ladies starts, as has been said, from an allegory that is represented by means of the accompanying illustrations.
The book of women’s history is incomplete or poorly written by male authors, as a series of stones that will have to be carved and placed, or discarded, to raise the City as the text is built, until the end of the perfect enclosure.
Christine de Pizan, a convinced pacifist, is devastated by the consequences of the Hundred Years War, and she retired to live in a convent from 1418. Contemporary of Joan of Arc, who convinces King Carlos VII to expel the English from France.
In 1429 he writes in his Song in honor of Joan of Arc (Ditie de Jehanne dArc), where he celebrates her appearance because, according to de Pizan, he vindicates and rewards the efforts of all women in defense of their own sex.
After completing this particular poem, it appears that de Pizan, at 65, decides to end his literary career.
AA.VV. (1992),A Selective Bibliography of Christine de Pizan Scholarship, circa 1980-1987, University of Georgia Press, 1992.
Dulac, Liliane (1978), «Un mythe didactique chez Christine de Pizan, Sémiramis ou la Veuve héroïque», Mélanges offerts à Charles Campoux, I, Montpellier: 315-343.
Ibeas, Mª Nieves (1990), «Christine de Pizan: una actitud crítica frente a las lecturas misóginas de la época», Estudios históricos y literarios sobre la mujer medieval, Mª Nieves Ibeas et al., Málaga, Diputación: 71-94.
Kennedy, Angus J. (1984), Christine de Pizan: A bibliographical Guide, Londres, Grant and Cutler.
Oteri Vidal, Mercè (1997), «Christine de Pizan y Marie de Gournay. Las mujeres excelentes y la excelencia de las mujeres», Mujeres en la historia del pensamiento, Rosa Mª Rodríguez Magda (ed.), Barcelona, Anthropos: 77-93.
It wasan American architect and architectural teacher at the University of California, Berkeley and at MIT, best known for his residential designs in California.
Wurster was born on 20 October 1895 in Stockton, California.
His family encouraged him to observe, read and draw but Wurster often admitted later in life, to holding more of an intellectual gift, rather than a drawing gift.
As a child, he held a close relationship with his father, a banker who, on bank holidays and weekends, would take Wurster to observe the life of the town to show him how it functioned.
This, Wurster later reflected, was to show him the workings, rather than the structures of the city.
During his years at Stockton Public High School, Wurster worked in the office of Edgar B.Brown, an Englishman known for designing the Stockton Hotel and the Children´s Home of Stockton, who was often regarded as one of Stockton’s most influential architects.
While there, he acted as an office boy, drawing plans, making measured drawings and doing the blueprinting, allowing his early interests in architecture.
Once graduating from high school in 1912, Wurster’s parents strongly believed he should acquire a university education and encouraged him to attend the architecture school at the University of California, Berkeley, which was headed, at the time, by founding director and renowned architect John Galen Howard.
Wurster enrolled at the university in 1913, receiving a classical Beaux Arts education from notable Berkeley teachers such as Warren Perry and William Hays.
While there, Wurster joined the Sigma Chi fraternity, where he was taught both to get on with people and express himself.
When a physical ailment kept Wurster from voluntary military service in World War I, he studied marine engineering at the University of California, Berkeley and joined the merchant marine in 1918.
1919, once he had completed a year’s tour of duty in the South Pacific, he returned to the University to graduate with honors in architecture.
Following his graduation, Wurster briefly apprenticed in the office of John W. Reid a San Francisco architect who worked mainly on schools, before Wurster became the architectural designer for Charles Dean in 1920.
For the next two years, he worked designing the city of Sacramento’s water filtration plant.
During this time, he also worked independently, designing several small residences.
In April 1922, he became a registered architect within California.
Following this, Wurster embarked on a tour of Europe, where he encountered art and design he had previously only known through books, before returning to the United States in 1923 and heading to New York where he joined the office of Delano and Aldrich, who were known for their work on the John D. Rockefeller Estate at Pocantico Hills and Otto Kahn’s château at Cold Spring Harbor.
1924 Willliam Adams Delano lent Wurster money to open his own office and he returned to the Bay Area to open it in the Hotel Whitecotton in Berkeley.
Wurster remained strongly associated, throughout his forty-five year career, with the Bay Area and its regional style, along with Wurster’s mentor Bernard Maybeck, the landscape architect Thomas Church, and fellow architect Joseph Esterich.
1920-1940 Wurster designed hundreds of California houses through using indigenous materials and a direct, simple style suited to the climate.
Caserío Gregory, Santa Cruz (1927-1928)
1928 Gregory Farmhouse in Scotts Valley, California is regarded as the prototypical ranch style house, and a direct influence on the subsequent development of the Northwest Regional Style of John Yeon and Pietro Belluschi.
1930, Wurster hired his first long-term employee, Floyd Comstock, setting the trend of the Wurster office serving as the training ground of many generations of architects who worked within the firm during its life.
Casa en Pacific Av., San Francisco (1937)Casa de playa Clark, Aptos (1937)
1940, Wurster married Catherine Bauer, an influential figure in her own right in the field of public housing.
Casa en Green St, San Francisco (1940)
He met Bauer while both were attending the Harvard Graduate School of Design, where they took classes from the German Socialist city planner Martin Wagner.
Casa en Green St, San Francisco (1940)
Wurster’s graduate studies at Harvard were interrupted when he was appointed dean of the architectural and planning school at Massachusetts Institute of Technology in 1945, a position he held for five years.
1949-1950, he simultaneously held the chair of the National Park and Planning Commission.
Case Study House Nº 3, Los Ángeles (1949)
Both Bauer and Wurster withstood accusations of disloyalty from the California Tenney Comitee during the Red Scare of the late 1940s.
1945, Wurster co-founded the firm Wurster, Bernardi & Emmons (WBE) with Theodore Bernardi and Donn Emmons.
1950, he was named dean of the UC Berkeley Architecture school.
Casa en 21 St, San Francisco (1952)
1959, he orchestrated the creation of the UC Berkeley College of Enviromental Design, which brought the three schools of architecture, landscape architecture and urban planning into one organization.
He served as its dean until his retirement in 1963 for health reasons.
Bauer Wurster Hall, in which the college is housed, is named in his and his wife’s honor.
It was originally named Wurster Hall, and renamed Bauer Wurster Hall in December 2020.
Wurster died on September 19, 1973 from complications of Parkinson´s disease.
Tashen Aurelia y Baltazar, Arquitectura moderna de la A a la Z, Biblioteca Universalis…
William Wilson Wurster (1895-1973) tiene un papel importante en la evolución de la enseñanza de la arquitectura en los años 1940 y 1950 y sienta las bases para nuevos enfoques de la formación de arquitectos, paisajistas y urbanistas
Arquitecto y profesor norteamericano, se gradúa en la Universidad de California en 1919.
Después de un breve paso por el estudio de arquitectura de San Francisco de John Reid, es diseñador de arquitectura de Charles Dean y trabaja durante dos años en el diseño de especificaciones para la planta de filtrado de agua de Sacramento.
1922 se licencia como arquitecto en California.
1922 viaja a Europa y pasa un año estudiando la arquitectura de Francia, Italia y España.
Su viaje a Europa le da la oportunidad de conocer los grandes monumentos del continente, así como las granjas humildes y estructuras sencillas de pueblos pequeños de Europa.
A finales de los veinte, se aleja de los estándares de su formación en arquitectura y se compromete con la arquitectura vernácula y el entorno.
1923 de regreso a Estados Unidos, Wurster se une a la oficina de Nueva York de William Adams Delano y Chester Holmes Aldrich, donde trabaja durante un año diseñando residencias para gente acaudalada.
1924 regresa a California y abre su despacho en Berkeley.
1928 La granja Gregory en Santa Cruz, revela el estilo personal de Wurster basado en la sencillez y la moderación en la forma, una expresión directa de los materiales utilizados, una consideración cuidadosa del entorno.
Caserío Gregory, Santa Cruz (1927-1928)
1927-1942 diseña más de 200 casas.
Para Wurster la estructura, los materiales y el aspecto de las casas no son tan importantes como la forma de vivirlas y la forma en que la naturaleza, el aire fresco y luz natural se convierten en parte de la vivienda.
1937 viaja a Europa para estudiar los modernos proyectos de viviendas inglesas y la arquitectura escandinava.
Casa en Pacific Av., San Francisco (1937)Casa de playa Clark, Aptos (1937)
En Helsinki conoce y se hace amigo de Alvar Aalto.
Estas influencias se reflejan en sus diseños de 1.941 para la viviendas sociales para trabajadores en Vallejo y Sacramento.
1940 conoce y se casa con Catalina Bauer, una especialista en planificación urbana que escribe Vivienda Moderna en 1934.
Casa en Green St, San Francisco (1940)
1943 influenciado por el interés de su esposa en los aspectos sociales de la vivienda, Wurster se toma un año para leer y reflexionar sobre este tema.
Casa en Green St, San Francisco (1940)
Con una beca en la Universidad de Harvard comienza su doctorado de planificación urbana.
Durante su estancia en Harvard, es invitado a dar clases en Yale durante un semestre. 1944 James Killian, entonces vicepresidente del Instituto de Tecnología de Massachusetts pide a Wurster que sea el director de la Escuela de Arquitectura y Urbanismo del MIT.
Durante este tiempo amplia su oficina de San Francisco para incluir dos colegas de toda la vida, Theodore Bernardi y Donn Emmons, y en 1945 la empresa se convierte en Wurster Wurster, Bernardi y Emmons.
Con su decanato, Wurster se embarca en una nueva carrera como profesor.
En el MIT, Wurster se mueve rápidamente para sacudir los cimientos de la educación arquitectónica.
Visualizando la arquitectura como un arte social y no simplemente como tecnología estructural, trató de ampliar el plan de estudios para incluir la investigación social, la economía, la geografía y las ciencias políticas.
1949 regresa a California como decano de la Escuela de Arquitectura en Berkeley, donde también revisó el plan de estudios.
Case Study House Nº 3, Los Ángeles (1949)
1959 va aún más lejos mediante la fusión de las disciplinas relacionadas con la arquitectura, arquitectura del paisaje y planificación urbanística para formar la nueva Escuela de Diseño Ambiental.
Casa en 21 St, San Francisco (1952)
1963 la mala salud le obliga a dimitir, y al año siguiente su esposa, por el entonces decana asociada de Berkeley, muere a causa de las lesiones que sufre en un accidente de senderismo.
Tashen Aurelia y Baltazar, Arquitectura moderna de la A a la Z, Biblioteca Universalis…
Hay un mosaico de Teodora en la iglesia de San Vitale, Ravena.
Lleva las insignias de poder visibles como la diadema triple de piedras preciosas con hileras de perlas y sobre los hombros el manto purpura.
La emperatriz no esta alineada con su sequito y su silueta es la única que no tiene otras superpuestas.
Va por delante de sus acompañantes, encabezando una procesión que lleva un caliz hacia la iglesia.
Un funcionario sujeta la cortina de la puerta y la oscura oquedad contrasta con la claridad dorada de la escena al aire libre.
La comitiva se destaca sobre un fondo verde, de una fuente brota agua y sobre las damas cuelga un toldo de ricos colores.
La emperatriz esta sobre un baldaquino, apoyado en columnas de piedra.
Aunque según la tradición Teodora es pequeña y grácil, aquí sobrepasa a sus cortesanos debido a asu posición en primer plano y a su alto tocado.
De esa manera lo prescriben las reglas de protocolo a los artistas que realizan el mural en el siglo VI.
Las imágenes del emperador cumplen en la Ravena una función política, dan fe de la presencia del soberano en una ciudad que acaba de ser reconquistada para el imperio.
Se sitúa en la iglesia porque el emperador de Bizancio es considerado jefe religioso y vicario de Cristo en la tierra.
Por eso reluce el nimbo dorado tras la cabeza de Teodora como reflejo de la luz divina.
Se iguala así a los santos y a los apóstoles, un ascenso considerable, para la guardiana de los osos, hija del barrio del Hipódromo de Constantinopla.
Hacer carrera rápidamente no era algo extraordinario en la dinámica sociedad bizantina.
El hombre de confianza de la emperatriz, Narses, retratado también en el mosaico, nace en Armenia en 1480 en una familia de esclavos.
Hombre sin formación, flaco y débil a juzgar por las apariencias se abre camino, gracias al arrojo y a su competencia técnica, que pone de manifiesto tanto en instancias políticas como militares. Los amos pueden confiar en el.
Por exigencia de etiqueta, Narses esta representado en actitud humilde , con las dos manos escondidas en el manto, ya que a los señores divinos no les estaba permitido acercarse a las manos impuras.
Los dos hombres retratados en el mosaico llevan la indumentaria de los dignatarios bizantinos, el uniforme de la administración civil, organizada militarmente.
El llamado cinturón de dignatario que se lleva sobre la tunica blanca corta, queda tapado por el largo manto sujeto en el hombro derecho.
El rango lo determina el color del manto y el trozo de tela cuadrado cosodo sobre este que se llama tablion:
El del emperador es de oro y el de Narses de valiosa purpura, reservada al mas elevado de los siete dignatarios.
Incluso los zapatos blancos y negros forman parte del uniforme.
Constituye una porción de salario y los entrega el emperador en persona junto con el certificado de nombramiento.
Muchos de los dignatarios tienen que pasar por una escuela de leyes y aprobar exámenes difíciles.
Otros como Narses llegan al cargo por la práctica.
Los padres que desean facilitar a sus hijos un ascenso a las mas altas instancias, los hacen castrar muy pronto ya que los eunucos y los sacerdotes no podían llegar a ser emperadores y por lo tanto no suponían una amenaza para el soberano.
Narses también era eunuco.
Los emperadores bizantinos llevaban una vida de riesgo.
Temían la presencia de posibles rivales en las altas esferas, porque podían surgir en cualquier momento intrigas en la corte, complots militares o rebeliones populares.
En teoría el emperador era elegido directamente por el pueblo, pero en la practica tomaba la decisión un pequeño grupo del ejercito
Justiniano a finales del siglo V era hijo de unos campesinos de Tracia, pero su tio, un soldado diligente, fue inesperadamente proclamado emperador por las tropas y Justiniano lo acompaño a la capital Constantinopla, donde recibió una educación excelente y no tardo en convertirse en brazo derecho de su tio.
527 a la muerte de su tio, Justiniano pasa a ser el sucesor de Cesar Augusto, es decir señor absoluto del imperio romano, a pesar de que hacia 200 años que no se gobernaba desde la orilla del Tiber, sino desde el Bosforo.
El primer emperador romano, Constantino, establece allí la capital del imperio, antes de recibir el nombre de Constantinopla, la ciudad se llama Bizancio.
Justiniano
Justiniano hereda un territorio inmenso a lo largo del litoral oriental del Mediterraneo unido tan solo por la religión cristiana y por la persona del emperador.
Las regiones occidentales del antiguo Imperio Romano habían caido en manos de los pueblos germánicos. Cuando Justiniano accede al poder en Roma y Ravena reinan los ostrogodos.
El emperador impone como la misión de su vida la restauración de las antiguas fronteras del Imperio Romano y triunfa en su empeño, pero 2 de las regiones conquistadas por sus generales, Italia y el Norte de Africa, vuelven a perderse tras su muerte.
En cambio el imperio bizantino no cae hasta 1453.
La única imagen de la emperatriz Teodora esta en Ravena, con los ojos oscuros muy grandes y la cara estrecha.
La emperatriz que no es joven debe de tener 50 años.
No se sabe la fecha de su nacimiento.
Muere en el año 448 casi al mismo tiempo que se inaugura la iglesia en la que se halla retratada.
La imagen se hace a partir de un modelo de Constantinopla, ya que Teodora nunca pisa la Ravena.
Los rasgos de Teodora muestran el deterioro ocasionado tal vez por una enfermedad, los especialistas dicen que cancer o tal vez por la dureza de gobernar en tiempos difíciles.
540 se propaga por el imperio bizantino una epidemia de peste, que diezma la población y arruina la economía.
Cuando Justiniano contrae la enfermedad toda la responsabilidad del gobierno recae sobre Teodora.
La emperatriz parece controlar la situación impide diferentes complots subversivos y se ocupa de la administración del imperio y de las campañas militares ante la insatisfacción de los generales.
Alcanza la cumbre de poder y gobierna durante meses como señora absoluta de un espacio patriarcal que relega a las mujeres a las tareas de su sexo.
Tiene experiencia en los asuntos de gobierno, porque Justiniano le deja participar desde un principio, pese a que no se ajusta a la tradición ni a la Constitución.
Pero Justiniano desea compartirlo todo con la mujer a la que adora.
Cuando se enamora de ella, tiene 20 años y Justiniano es asesor del emperador, aspirante al trono.
Teodora pertenece a la clase baja.
Actúa desde muy joven en espectáculos de variedades porque es guapa y graciosa.
Aunque no sabe ni cantar, ni bailar, tiene gran éxito con sus destapes humorísticos.
Parodia a Leda, sale a escena con un ganso que pica mientras ella se mueve sensualmente, los granos escondidos entre sus muslos.
Teodora viene de un burdel.
Nadie, ni la Iglesia pone objeciones cuando el favorito del emperador se enamora y se casa.
Teodora es coronada junto a Justiniano, y desde entonces ni sus mayores enemigos -Procopio es uno de ellos- puede reprocharle una ligereza.
Desempeña su papel con dignidad pero sin olvidar de donde viene, como demuestra su edicto contra la prostitución decretado por ella.
432 3n la revuelta de Nikei en el que se queman barrios enteros de la ciudad y los revolucionarios sitian el palacio, el emperador y sus asesores consideran la posibilidad de marcharse por mar.
Teodora que es la única mujer, aconseja a los hombres que luyen y que no huyan.
Guiados por su consejo, los generales de Justiniano sofocan el levantamiento.
Hay dos mujeres en el mosaico que no se identifican, pero mientras que las cinco acompañantes del fondo están representadas siguiendo un mismo patron, las dos mas cercanas a la emperatriz presentan rasgos peculiares.
La mayor de pómulos salientes, puede ser Antonina la mayordoma de palacio y esposa de Belisario, mientras que la mas joven de rasgos parecidos puede que sea su hija, Joanina.
Belisario
A Teodora y Antonina les unia un pasado común sobre los escenarios y las dos tienen una fuerte personalidad, gracias a la cual ejercen influencias sobre sus maridos.
Antonina
Teodora protege a su amiga a pesar de su escandaloso estilo de vida, pero no solo por amistad.
A través de Antonina tenia controlado al general Belisario que podía ser un rival peligroso frente a Justiniano.
Además Antonina le resultaba muy útil como espía.
Teodora apoya toda su vida a los Monofisistas, cuyos seguidores viven en Egipto y Siria.
El blog de Ila Basmati 