La obra está en el Stadelsches Kunstinstitut de Frakfurt, en Alemania desde 1887.

Goethe y Schiller por la coyuntura adquieren importancia nacional por encima de su valor literario.

Esta obra realizada por el pintor alemán Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, plasma a Goethe haciendo el gran tour, cuando recorre Italia con 37 años.

Desde mitad del XVIII es moda que todos los aristócratas de Europa hagan un largo periplo a tierras italianas.

Y aunque muchos de ellos lo hacen mas como experiencia hedonista, otros de verdad viven ansiosos la experiencia de descubrir Italia.

Es el caso de Johann Wolfgang von Goethe, ya entonces autor de Las desventuras del joven Werther que lo convierten el mejor exponente del Romanticismo alemán.

1787 Tischbein muestra en el óleo al escritor haciendo una parada en el camino durante su paseo por la Via Appia de Roma.

Mientras se sienta y contempla ese panorama lleno de historia, algo que el pintor subraya con la presencia de ruinas al fondo o los relieves y capiteles en ruinas que se ven en primer plano.

Está sentado sobre grandes sillares, restos de algún edificio de la Antigüedad.

Sentarse sobre ellos tiene un valor simbólico.

Nada en la composición es casual, pintor y escritor la diseñan y estudian antes de su realización.

Ambos se conocen en Roma durante el viaje de Goethe, ya que Tischbein reside en Italia al ser el director de la Academia de Nápoles.

Y juntos visitan los alrededores de Roma y Nápoles, debatiendo sobre cuestiones artísticas y filosóficas.

Goethe influye en el pintor, por ello en la imagen se proyecta admiración hacia el escritor.

Lo plasma relajado, con pose refinada propia de su sensibilidad.

Está reflexivo, contemplativo ante la grandeza de la historia.

Junto a él se percibe un relieve en el que se pueden identificar varios personajes como Ifigenia, Orestes y Pilades.

Mientras es pintado termina Ifigenia en Táuride.

7 de noviembre de 1786:

Me tomo mucho tiempo para las cosas más notables, me limito a abrir los ojos y ver. Voy y vuelvo, puesto que solo en Roma puede uno prepararse para lo que es Roma […] Se encuentran vestigios de una magnificencia y de una destrucción inconcebibles.

Lo que los bárbaros dejaron en pie, lo han demolido los arquitectos de la Roma moderna.

Cuando percibes una existencia con una antigüedad de más de dos mil años, transformada de formas tan diversas y de modo tan radical y, no obstante, continúas pisando el mismo suelo, contemplando la misma colina, incluso a menudo la misma columna y la misma muralla que hace tanto tiempo, y cuando descubres en el pueblo vestigios del antiguo carácter, te conviertes en testigo de las grandes decisiones del destino, y así al observador le resulta al principio dificultoso discernir cómo Roma sucede a Roma, no solamente la ciudad nueva a la antigua, sino también cómo suceden las diferentes épocas de la Roma antigua y de la moderna […]

Y esta inmensidad repercute en nosotros de la manera más tranquila cuando recorremos Roma de una punta a otra con el objeto de visitar los objetos o lugares más relevantes. Si en otras ciudades hay que buscar los objetos dignos de interés, en Roma estos nos acosan y saturan. Adonde quiera que vayas, se revelan paisajes de todo tipo: palacios y ruinas, jardines y terrenos incultos, espacios ilimitados y espacios cerrados, casitas, establos, arcos de triunfo y columnas, a menudo todo ello tan cerca de sí que podría dibujarse en una sola hoja.

https://www.arteiconografia.com/2016/11/goethe-en-la-campina-romana.html

https://www.arteiconografia.com/2016/11/goethe-en-la-campina-romana.html

http://www.staedelmuseum.de/en/collection/goethe-roman-campagna-1787

https://www.arteiconografia.com/2016/11/goethe-en-la-campina-romana.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Goethe_en_la_campi%C3%B1a_romana

Pertenece a la última etapa de Fragonard y es de la serie dedicada a los Besos. 

Dentro de la pintura galante que tanto agradaba a la nobleza de Luis XVI.

Este estamento siente especial fascinación por la pintura de género y por las escenas eróticas o sentimentales.

El cuadro muestra a una joven sorprendida por un admirador en un gabinete, sala íntima y privada de las casas y palacios del XVIII.

El amante acaba de abrir la puerta para arrebatarle un beso, mientras le coge el brazo a la fuerza.

Cuando confecciona esta pintura, pasa de los cincuenta años y está consagrado.

Hace poco que ha vuelto de un viaje por Europa donde ve a los maestros holandeses del XVII, que marcan su última etapa tal y como se ve en esta obra.

El gabinete, en la penumbra, está descrito con un gran control del claroscuro. 

Cada detalle de la habitación se representa con precisión, mientras que las diferentes texturas de las telas como la seda del vestido o la transparencia del manto, están conseguidos.

Fragonard, nace en Grasse, región de los Alpes Marítimos, hijo de un sastre especializado en guantes.

Es enviado a París por su padre y allí demuestra talento e inclinación hacia el arte y es llevado ante François Boucher, quien reconoce las dotes del joven e inexperto Fragonard, pero decide no gastar su tiempo en la formación del joven y le envia al taller de Chardin.

Fragonard estudia durante seis meses bajo la tutela del gran luminista y vuelve al taller de Boucher, donde consigue el estilo de su maestro de tal manera que el maestro le confía las réplicas de sus pinturas. 

Aunque no es alumno de la Academia, Fragonard consigue la beca de Roma en 1752, lo que le permite su asistencia a Roma subvencionada por la Real Academia de Escultura y Pintura de Francia, con su pintura Jeroboam sacrificando a los ídolos, pero antes de ir a Roma estudia durante 3 años en el taller de Charles-André van Loo.

El año antes de su partida a Roma pinta la obra Cristo lavando los pies de los apóstoles actualmente en la catedral de Grasse.

1756 va a Italia con Hubert Robert, esta visita es importante ya que durante su estancia en Roma puede admirar los jardines, con fuentes, templos y terrazas, donde concibe los escenarios que después hace en sus obras.

Le influye Giovanni Battista Tiepolo cuya obra tiene oportunidad de estudiar en Venecia, antes de su regreso a París en 1761.

Fragonard con el trasfondo de la Ilustración, es uno de los pintores más importantes del Rococó,  junto con Watteau, Chardin o Boucher.

Encasillado como pintor frívolo, desarrolla la pintura mitológica y religiosa, el retrato y el paisaje.

Su afán de conocimientos es sin duda una de las razones de la diversidad de registros que muestran sus cuadros

El beso robado es un cuadro realizado en 1790, que esta en el Museo del Hermitage de San Petersburgo, Rusia.

 Se representa a una joven sorprendida por un admirador que la besa en un gabinete, sala íntima de las casas palaciegas de la época.

Detrás de la puerta entreabierta se percibe a varias mujeres ajenas a la sorprendente visita del amante

El beso robado es una de las obras más ilustres del siglo XVIII francés, ya popularizada desde el año 1788 por un grabado de Regnault.

Pero la elaboración y disposición de las figuras son ciertamente de Fragonard.

Esta ejecución remite a la colaboración que tuvo el artista con Marguerite- Guerard. Aunque actualmente se discute si esta colaboración está reservada solo a una parte de la escena .

Parece que esta hipótesis se debe a que algunos historiadores del arte argumentan que esta pintura carece de la energía y esplendor de otras obras de Fragonard.

https://pinturasepocas.blogspot.com/2014/10/el-beso-robado-jean-honore-fragonard.html

Fotos Trianart

https://joyofmuseums.com/museums/russian-federation/saint-petersburg/hermitage-museum/the-stolen-kiss-by-jean-honore-fragonard/

Fragonard. El beso robado (hacia 1790).

https://historiadepinceles.wordpress.com/2012/10/01/el-beso-robado/

140×171 cm, Galería Estatal de Pintura de Berlín-Dahlem.

Sir Joshua Reynolds (1723-1792), el autor de este cuadro, es el retratista predilecto de la clase alta inglesa de la época.

Con sus composiciones transmite una sensación de orden, tradición y conciencia de clase que tanto gusta a la clase nobiliaria.

Pero, si bien este es un retrato de familia, el cuarto personaje que se incluye en la representación destaca entre los restantes.

 No es corriente incluir al personal de servicio en los retratos de familia; comparándolo, por ejemplo, con el cuadro de Goya de La familia de los duques de Osuna, pintado en el año 1788, el espectador se da cuenta de que la presencia de la esclava es muy poco habitual dentro de este tipo de cuadros.

El pintor representa a la niñera, pero la rebaja ostensiblemente frente al resto de los personajes: los padres y la niña están de pie, mientras que ella aparece arrodillada y el padre mira a su mujer y a su hija, la niña y la madre miran al espectador, mientras que la criada baja la vista, indicando todos estos rasgos su inferior estatus social y su sumisión a la familia que sirve.

Si hubiera sido blanco, seguramente no hubiese sido pintada junto a sus amos; eso era habitual en las casas nobiliarias, no representa un signo de estatus social superior. Pero nuestro personaje en cuestión es india.

Lleva adornos indios, y no solo su vestido, sino también el de la pálida niña, de seda, con brazaletes y velo, atestiguan que la lejana India desempeña un papel en la vida de la familia.

El siglo XVIII es el siglo de la Ilustración, de los inicios de la industrialización y de la Revolución Francesa, pero también es el momento en el que Inglaterra llega a ser la primera potencia europea, tanto política como, comercial.

Los capitanes y los comerciantes se enriquecen y transforman la rígida sociedad: a las viejas familias aristocráticas de terratenientes se suman los que se han enriquecidos en tierras lejanas.

Los Clive, progresan socialmente gracias al comercio con las colonias y los cargos que desempeña el cabeza de familia allende los mares.

1765 cuando se pinta este cuadro, durante el reinado de Jorge III, la corona inglesa no aspira aún a convertir la India en una colonia

La idea de Imperio Indio no llega hasta el gobierno de la reina Victoria I, que llega a ser nombrada Emperatriz de la India.

El comercio de la India corre a cargo del Estado: la reina Isabel I de Inglaterra concede el monopolio a la Compañía de Indias Orientales en el año 1600 y sólo esta sociedad podía hacer negocios en la India e Inglaterra.

Para defender los establecimientos comerciales y a los príncipes indios aliados de sus intereses que gobiernan en el territorio, la Compañía de las Indias Orientales mantiene un ejército propio, que protege un número cada vez mayor de territorios y ejercía un control creciente sobre el comercio interior asiático.

 Casi diez años después de que se pinte esta cuadro, en 1773, esta empresa comercial de carácter estatal pasa a estar bajo el control parlamentario.

La joven de tez oscura que aparece no era una esclava, pero pertenece a una casta a la que los señores indios y los comerciantes ingleses trataban como si fuera de su propiedad.

Los europeos consideran la India como la tierra de la aventura y el dinero, donde los ingleses pueden hacerse ricos a corto plazo, adquirir fama y medrar socialmente.

También les es posible llevar un tren de vida que en Londres no se habrían podido permitir nunca: no es inusual que haya 100 criados en una casa, entre ellos un peluquero particular, un fabricante de pelucas y un grupo de porteadores de silla de mano, mientras que en Londres seria muy difícil para ellos llegar a entrar en la Corte en la rígida y exclusiva sociedad londinense.

Obviamente, con los honorarios fijados por la Compañía de las Indias Orientales no se puede pagar este nivel de vida.

Son los ingresos particulares los que proporcionan riqueza.

Los generosos sobornos ofrecidos discretamente por los comerciantes y los señores logran seducir a los empelados para que trabajaran en su propio interés y no en beneficio de la sociedad:

La corrupción, el desenfreno y la falta de principios dominan a los empleados, escribió Robert Clive sobre Calcuta.

El mal ejemplo constante de los ingleses los vuelve codiciosos y derrochadores.

Esta situación no se debe solo a la existencia de numerosas tentaciones, sino también al tipo de viajeros que llega a la India.

Quien goza de una buena posición en la sociedad inglesa no se embarcaba ni se arriesga en empresas en países lejanos.

Únicamente aquellos que no creen posible hacer carrera en Londres se lanzan a los desconocidos.

El protagonista masculino de nuestro cuadro, George Clive, es un gran ejemplo de esto.

George Clive procede de la clase media menos favorecida.

 Su padre era pastor rural y director de escuela.

Podemos suponer que George logra poco éxito profesional en Inglaterra, pues ya tiene treinta años cuando se documenta su marcha a la India en 1755, una edad en la que, en la época, ya no es joven.

Según se dice, vuelve enriquecido al cabo de cinco años, se construye una mansión cerca de Londres, consigue un escaño en el parlamento gracias a las influencias de su primo Robert Clive, otro aventurero y protege desde allí los intereses de Robert en la lejana India.

Muere en 1779 sin que se sepa mucho más de él.

En un retrato de familia es importante mostrar el rango de cada miembro y las relaciones entre ellos.

Normalmente, el esposo aparece de pie por encima de la esposa sentada, lo que simboliza su papel de cabeza de familia, pero en el retrato de los Clive no es así, ya que ambos cónyuges están de pie, probablemente por razones de simetría.

La niña, en cambio, está en una posición inferior, pero por encima de la criada, que es la que figura más debajo de acuerdo con su clase social.

Sin embargo, el rostro de la india ocupa exactamente el centro del cuadro, un lugar importante.

Una radiografía muestra que se trata en realidad de dos lienzos que se unen; dado que el formato de 140×171 centímetros es demasiado grande, es posible que se pensara primero en un cuadro con la madre, la hija y la criada, y que se complementara más tarde con el retrato del esposo.

A simple vista no se puede apreciar, empero, pero esa es la razón de la posición tan inusual de la criada en este cuadro: debió ser la ampliación del cuadro la que desplazó a la criada al centro.

Bibliografía:

«What great painting say:masterpieces in detail, volume III», Rose-Marie & Rainer Hagen, Taschen, 1st edition, 1997.

«Historia Moderna Universal», Alfredo Floristán (coord.), Ariel, 1ª edición, 2005.

http://histeconomica.blogspot.com/2007/12/economa-e-historia-del-arte-3-george.html

En la Venecia del siglo XVIII los carnavales duraban casi cuatro meses, durante los cuales los venecianos vivían la ilusión del poder y esplendor que su República había perdido hacía ya mucho tiempo.

En tales días la ciudad rebosaba de extranjeros y gente del país: feriantes, titiriteros, músicos, buhoneros, médicos ambulantes y, obviamente, turistas.

Desgraciadamente la Serenísima, venida a menos tanto económica como políticamente, necesitaba su dinero.

 El carnaval significaba que se abría el casino, que había espectáculos teatrales a cargo de más de una docena de compañías y que todo el mundo podía llevar máscaras y disfrazarse.

Familias o grupos de individuos de la misma edad sacaban de sus arcas los blancos trajes y los altos sombreros del personaje de Polichinela y se movían entre la gente haciendo gorgoritos, dando volteretas o andando cabeza abajo.

Eran muy frecuentes las máscaras de la vieja horrible vendedora de rosquillas o la del turco, el enemigo jurado de épocas pasadas.

Tanto  hombres como mujeres, tanto individuos de clases altas como los que por una vez aspiraban a serlo, llevaban sombrero de tres picos, máscara blanca y capucha negra sobre un traje talar, el consabido «domino».

Todo el mundo podía transformarse y ocultarse.

 Los medicastros, los sacamuelas y los curanderos milagrosos encajaban perfectamente en el cuadro.

Giandomenico Tiepolo (1727-1804) pintó su «Sacamuelas» probablemente hacia 1754, aunque no está fechado.

Un grabado posterior reprodujo su escena carnavalesca acompañada de un dicho según el cual el sacamuelas o charlatán se sirve de su mano y de su labia para sacar dinero y dientes.

El pintor conocía a Giuseppe Colombani, que se pasó 24 años tratando la boca y arrancando dientes en los arcos de la plaza de San Marcos, concretamente en la tercera columna.

Estaba considerado como un onorato cavadenti, como un profesional digno y honrado, distinto de los muchos otros que como médicos de paso ponían los pies en polvorosa antes de que se cerniese sobre ellos la cólera de sus pacientes. 

 Generalmente el sacamuelas se situaba de pie detrás de sus clientes; durante la operación no se suministraban anestésicos y el paciente de Tiepolo alza su brazo atormentado por el dolor.

Al igual que las demás intervenciones quirúrgicas, la extracción de dientes se situaba en el nivel más bajo de la profesión médica.

Los dentistas, los cirujanos, los barberos y los sangradores pertenecían al mismo gremio; sus integrantes no habían estudiado latín ni eran universitarios.

Tenían experiencia, habían observado las intervenciones en calidad de ayudantes y se habían provisto de los instrumentos necesarios.

Los dientes se sacudían o removían con el pelícano o el extractor dental y se arrancaban de la encía con unas tenazas o unas pinzas.

A continuación se enjuagaba ligeramente la zona con agua templada, mezclada a veces con alcohol; no se conocían otras medidas antisépticas, por lo que las infecciones eran frecuentes.

Quien superaba la extracción podía morir por sucesivas inflamaciones.

Son muchas las narraciones centradas en la extracción de tres dientes sanos en lugar del que estaba en mal estado. 

 Era desde luego, una intervención sangrienta y brutal y generalmente solo se acudía al dentista cuando el dolor era más insoportable que cualquier operación.

El cirujano vienés Joseph Georg Pasch escribía en 1767 que el dolor de muelas era el más intenso e insoportable, mucho más fuerte que cualquier otro dolor.

La mujer situada delante del paciente, que se aprieta un pañuelo contra la mejilla, puede atestiguarlo. 

 Para combatir de una manera incruenta este dolor, el más insufrible de todos, los sacamuelas disponían de toda una serie de medicamentos: extracto de raíces, polvos, un balsamus traumáticus o también preparaciones de ojos de cangrejo, nácar o conchas, cuerno de ciervo o creta adobadas con unas gotas de esencia de canela o de palo de rosa para mejorar el sabor. (…).

En estos cuadros llama la atención el hecho de que Tiepolo prácticamente no muestre rostros.

Lo mismo cabe decir de las obras en que representa sin máscaras la vida rural o urbana.

La vista de espaldas es una característica suya.

 Tiepolo tendía a mantener oculta la individualidad de sus figuras artísticas. 

 El mismo Giandomenico Tiepolo fue durante mucho tiempo un hombre sin rostro propio.

 Fue uno de tantos hijos de padres famosos que se mantuvieron totalmente a su sombra.

 El suyo se llamaba Giambattista, fue un pintor de gran reputación y durante varias décadas decoró con sus frescos y sus cuadros palacios de nobles venecianos y casas de príncipes y reyes europeos. (…). 

Giamdomenico estuvo al servicio de su padre más de 20 años, hasta que este murió en 1770.

Fue con él a Wurzburgo y Madrid y pintó con tanta habilidad las partes menos importantes de las enormes superficies de las bóvedas y paredes del palacio que nadie advertía las diferencias.

Cuando trabajaba con su padre no firmaba.

No obstante, supuestamente al menos, en este cuadro suyo reflejó su relación recíproca de una manera absolutamente singular, pues el padre es el orador correctamente vestido que se dirige al público mientras el hijo es el sacamuelas sañudo que trabaja encorvado.

Las comparaciones con los retratos confirman las semejanzas.

El mismo estandarte refleja las intenciones del pintor; en general, solo se hacía publicidad de una persona, pero en este caso aparecen dos: una mayor y otra más joven.

(Los secretos de las obras de arte. Rose-Marie & Rainer Hagen. Editorial Taschen)

El sacamuelas (hacia 1754). Museo del Louvre.
Giandomenico Tiepolo. (1727-1804)

 http://estarenlaluna.blogspot.com/2018/11/el-sacamuelas-hacia-1754-giandomenico.html

https://www.harteconhache.com/2012/10/dentistas-y-sacamuelas.html

https://vailima.blogia.com/2005/083001-el-cofrecillo-rojo-1-.php

https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/tiepolo-giandomenico/1c2f6bf5-ebe2-4cb8-b79e-d898b6941831

Confecciona una de sus series satíricas a las campañas electorales.

Este es el primer oleo de dicha serie, realizado entre 1754 y 1755, cuando en Inglaterra reina Jorge II de Hannover, que no muestra apego por el país.

 Ni los pasteleros ingleses saben preparar dulces, ni los músicos ingleses tocar, ni los cocheros ingleses saben conducir un carruaje… Las conversaciones inglesas no valen nada; mientras que todas estas cosas pueden encontrarse en Hannover llevadas a la máxima perfección.

Es entonces cuando se dan los primeros pasos para construir una democracia, los derechos reales son restringidos y el parlamento empieza a controlar las acciones de los monarcas y desempeñar la función propia de un parlamento que es legislar.

Hay grupos como los whigs y tories elegidos,además de  campañas electorales.

En el cuadro, mientras los whigs están dentro de la sala, la divisa de la bandera —liberty and loyality— y el retrato roto de Guillermo III  lo indica, los tories pasan por la calle luciendo sus frases —Casaos y multiplicaos a pesar del diablo, Judíos no— y arrojando alguna piedra al interior. Desde dentro, a su vez, arrojan a los de fuera tal vez agua, tal vez orines.

Son bastante bestias las campañas electorales.

1754 en el distrito de Oxford, deja varios muertos y heridos.

Queda registrado en esta sátira en la que en primer plano aparece un hombre curando con ginebra la cabeza a otro, quien sostiene en la mano derecha un buen bastón. Seguramente forma parte de algún grupo de informadores.

La población en general aún no vota (el sufragio es censitario y solo los propietarios de tierras tienen derecho a participar), algunos, más politizados o simplemente pagados para actuar en las campañas, como el personaje del bastón, toman parte en ellas intimidando y violentando a los contrincantes políticos.

La capacidad de los candidatos para aguantar cualquier situación con tal de conseguir unos votos es curiosa.

 A la derecha aparecen dos caballeros. Uno sufre las impertinencias de un tipo sucio que le echa el humo.

El otro, además de soportar los arrumacos de una anciana, se quedará sin anillo y sin peluca —parece que es la broma típica de la época andar quemándose las pelucas…

William Hogarth nace en el barrio londinense de Bartholomew Close, el 10 de noviembre de 1697.

Grabador, ilustrador y pintor satírico, es  considerado el pionero de las historietas occidentales.

Es uno de los padres de la escuela artística británica, tras varios siglos de predominio de artistas extranjeros en el país.

Es aprendiz del grabador Ellis Gamble en Leicester Fields, donde aprendió su técnica.

Se interesa por la vida de las calles y de las ferias londinenses y confecciona bocetos de lo que cada día observa.

1729 se casa con Jane Thornhill, hija del artista Sir James Thornhill.

Tiene desde el excelente retratos realistas a una serie de pinturas al estilo de los cómics llamadas costumbres morales modernas.

En numerosas escenas llega a ser despiadado, burlándose de las costumbres y la política de sus contemporáneos.

Tras trabajar unos años como grabador y diseñador mediocre, decide dedicarse a la pintura, algo que no le resulta fácil.

Es una época en la que los grandes clientes de arte de Londres prefieren a los artistas extranjeros, que practican el estilo rococó del que Hogarth abomina.

Los reyes y la nobleza ingleses tienen en poca estima a los artistas nacionales, prefiriendo a los más cotizados pintores europeos, algo que explica que desde el siglo XVI, los artistas ingleses fuesen eclipsados por otros extranjeros instalados en el país, entre los que estaban: Hans Holbein el joven, Pedro Pablo Rubens, Anton Van Dyck, Orazio Gentileschi, Sebastiano Ricci y Canaletto.

1730 le llega el éxito, cuando se dedica casi en exclusiva a sus temas satíricos.

Lector de Jonathan Swift, critica la hipocresía de las clases altas.

1744 viaja a París, donde conoce el rococó francés, que le influencia en su obra posterior, como en conversation pieces y en el tratamiento que da a ropas y telas en sus cuadros.

1745 realiza un autorretrato junto a su perrita Trump, actualmente en la Tate Gallery de Londres, inspirado en otro autorretrato de Murillo, albergado en la National Gallery de Londres.

En él reflejar su personalidad: se supone que el perro es símbolo de perseverancia, y él viste ropajes modestos.

Junto a su imagen podemos ver varios de sus libros satíricos favoritos.

1764 fallece en Londres, siendo enterrado en el cementerio de San Nicolás, en Chiswick Mall, Chiswick, Londres.

https://tertuliaspoeticas.blogspot.com/2016/04/la-campana-electoral-de-william-hogarth.html?m=1

Trianart

https://es.wikipedia.org/wiki/William_Hogarth

https://hinocinte.blogspot.com/2016/05/unas-elecciones-muy-animadas.html

Francesco Guardi – El Ridotto Pubblico en el Palazzo Dandolo (h. 1765-1768, óleo sobre lienzo, 34 x 50 cm, Metropolitan Museum, Nueva York)

Aunque Guardi es conocido por sus vistas de Venecia, a veces también pinta obras de este tipo.

Este gran salón era el Ridotto Pubblico, el primer casino oficial de Venecia, situado en el Palazzo Dandolo.

Al fondo hay mesas rodeadas de hombres con capas y máscaras, jugando dinero.

Es curiosa la forma en que Guardi representa la escena, con una perspectiva marcada, definida por las vigas del techo, que parece inclinar la estancia ligeramente hacia la izquierda.

El techo ocupa la mitad superior del lienzo, haciendo que la sala quede un poco comprimida.

A pesar de lo enorme del salón, la sensación es claustrofóbica.

El único toque de color lo dan las figuras femeninas, vestidas de colores brillantes y casi todas ellas enmascaradas.

Guardi nace en Venecia, el 5 de octubre de 1712.

Pintor de vedute,  junto a sus hermanos de la Clásica Escuela de Pintura Veneciana, caracterizada por la expresión en el color y sus contornos difusos.

Es conocido su estilo como Pittura di Tocco (pintura de toque) debido a sus pequeñas y enérgicas pinceladas puntuales.

Sus obras de esta época son la mayor parte paisajes y algunas escenas figurativas.

En sus primeras vedutas se percibe la influencia de Antonio Canal, Canaletto y de Luca Carlevarijs.

Se aparta del estilo de Canaletto, preciso en el dibujo y exacto desde el punto de vista arquitectónico, más suelto, que fue así mismo usa Giovanni Battista Piazzetta y Sebastiano Ricci.

Las pinturas de Canaletto presentan líneas y brillantes detalles de las estructuras urbanas, y plasma a Venecia siempre a la luz del sol.

Pero los cielos de Guardi aparecen nublados durante el crepúsculo.

Su padre y sus hermanos Niccolò y Gian Antonio, son pintores tambien, Antonio hereda el taller de su padre, aunque es probable que todos trabajaran en el mismo, su hermana Maria Cecilia, se casa con Giovanni Battista Tiepolo.

1735-1743 trabaja en el taller de Michele Marieschi.

La primera obra firmada por Francesco que se conoce es un Santo adorando la eucaristía, fechada en 1739.

1763 trabaja durante un tiempo en Murano, en la iglesia de San Pedro Mártir.

En su madurez la influencia de Canaletto es menor, como en la Piazzetta, de la Ca’ d’Oro de Venecia.

1778 pintó la severa Santísima Trinidad apareciéndose a los santos Pedro y Pablo en la iglesia parroquial de Roncegno.

1782 es admitido en la Academia de Bellas Artes de Venecia.

Hay más color en su obra tardia, como en el Concerto de ochenta huérfanos de 1782.

Las pinturas religiosas de Guardi tienen también algo del estilo boloñés de Barocci.

Esta forma de pintar, siglos después, hace que las obras de Guardi sean muy apreciadas por los impresionistas franceses.

1793 fallece en Venecia, el 1 de enero.

https://www.elcuadrodeldia.com/post/131271545704/francesco-guardi-el-ridotto-pubblico-en-el

https://www.reprodart.com/a/guardi-francesco/karnevalsgesellschaftimri.html

https://www.meisterdrucke.es/impresion-art%C3%ADstica/Francesco-Guardi/1080032/Ridotto-(Vest%C3%ADbulo),-de-Francesco-Guardi-(1712-1793),-%C3%B3leo-sobre-lienzo.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Francesco_Guardi

La Venise d’avant le Déluge s’expose au Grand Palais

Trianart

(Sudbury, Suffolk, 1727-Londres, 1788). Pintor y grabador británico.

Es, junto a Joshua Reynolds, el retratista más importante y uno de los intérpretes más destacados del paisaje de la pintura inglesa.

Nace en el seno de una familia de comerciantes y en 1740 es enviado por su padre a Londres.

Estudia pintura de forma autodidacta, con el grabador francés Hubert Gravelot y también con Francis Hayman.

 Se dedica a copiar y a restaurar paisajistas de los Países Bajos, como Jacob van Ruisdael y Jan Wijnants y analiza las escenas de género de William Hogarth, lo que determina notoriamente sus primeros paisajes y escenas de conversación, ambientadas al aire libre y marcadas por un naturalismo a la manera de la pintura del siglo XVII.

Entre 1748 y 1759 trabaja en Sudbury e Ipswich.

De esa época data su famoso retrato de Mr. and Mrs. Andrews (National Gallery, Londres).

Entre los años 1759 y 1774 vive en Bath, donde se convierte en el retratista de moda. En esa etapa pinta sus grandes paisajes, obras maestras que inician la tradición de los paisajes idílicos en la pintura británica.

El descubrimiento de Anton van Dyck en las colecciones de Bath cambia notablemente el estilo y el concepto de sus retratos y a partir de entonces representa a sus modelos en formatos grandes y de tamaño natural.

Su técnica es fluida y transparente, logrando -según el modelo de Van Dyck- la perfecta transcripción de la delicadeza y suntuosidad de telas y objetos.

A pesar de su elegante distanciamiento aristocrático, sus comitentes aparecen con naturalidad, realzando sus rasgos sensibles.

Los paisajes pueden servir de fondo o ser el sujeto principal de su pintura, pero resultan en esa etapa -influida por Gaspard Dughet y Salvator Rosa- más compuestos e ideales que observados y reales.

En 1768 es miembro fundador de la Royal Academy de Londres, lugar al que se muda unos años después.

Se convierte en el pintor favorito de Jorge III, compaginando los encargos regios con los que le hacen nobles y burgueses.

 Estudia la obra de Murillo, que deja su huella en sus escenas de género de temática infantil, llamados por Reynolds fancy pictures.

 Thomas Gains­borough, fecundo dibujante y grabador, es también uno de los pioneros en aplicar la nueva técnica de la aguatinta para entonar los fondos de sus composiciones.

https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/gainsborough-thomas/2d37567a-5c4a-4d32-959a-ecbfc7db1243

Hecho a pintar escenas pastoriles bucólicas y temas mitológicos cargados de erotismo que causan enfado entre conservadores, pinta ahora una escena doméstica en un acomodado entorno burgués

Mientras la luz de la mañana en la ventana ilumina una estancia hogareña, los personajes escenifican gestos cotidianos.

La mujer a la derecha, probablemente la madre de familia, con los hombros cubiertos por una mañanita roja, vigila a una niña pequeña que juega con un caballito con ruedas y una muñeca, ajena al estricto acto del desayuno.

A la izquierda, otra mujer alimenta a otra niña.

Al fondo, ante la chimenea, el criado parece más atento a la niña de los juguetes que al recipiente que sostiene con el café o el chocolate recién calentado.

Las niñas aparecen tranquilas y los tres adultos tienen un aspecto juvenil.

Predominan los ocres y dorados, el espejo y el gran ventanal aumentan la sensación de brillo y calma.

En la decoración a la moda de la estancia, llama la atención la figura de porcelana, un Buda en la estantería situada bajo el reloj y tras el sirviente, una chinoserie que se ponen de moda durante el Rococó.

La escena podría parecer intrascendente, pero ilustra la nueva mentalidad sobre la relación paternofilial.

Hasta entonces, los niños eran vistos como adultos en miniatura, cuya escasa inteligencia debía ser aumentada y educada con severidad, como se entrenaba a los animales domésticos.

 Entre las clases altas, los niños eran entregados sucesivamente a medida que crecían a amas de cría, niñeras, maestros y tutores, y en muchas ocasiones el lazo afectivo con unos padres distantes era poco más que una hipócrita formalidad.

Algunos expertos consideran que servía como una protección más o menos consciente para evitar el probable dolor psicológico en un tiempo de alta mortalidad infantil.

Sin embargo, los filósofos ilustrados del siglo XVIII se dan cuenta de la importancia de esa etapa vital para el desarrollo, recomendando tratar a los hijos con afecto y educarlos con cariño para dar lugar a una persona en plenitud y felicidad; siguiendo los nuevos modos, aquí los pequeños ya están con unos progenitores que les atienden personalmente con dedicación.

También muestra una innovación gastronómica igualmente crucial.

El creador del desayuno moderno, tomado temprano y consistente básicamente en una bebida caliente con un panecillo, es el rey Luis XV.

En el XVIII solía ser, en orden de popularidad, chocolate, café con leche o té.

Hasta entonces, se solía desayunar casi a media mañana, en muchos casos con las sobras de la cena recalentadas.

La costumbre del rey pronto es imitada por la alta sociedad parisina, y de allí al resto del país, de Europa y América, y posteriormente, con la colonización y la globalización, se consolida en el mundo

Boucher nace en París, el 29 de septiembre de 1703.
Es el pintor decorador más famoso del siglo XVIII, con sus pinturas idílicas y galantes, y uno de los máximos exponentes del estilo rococó.

En su obra plasma escenas mitológicas, alegorías y retratos, entre ellos varios de Madame de Pompadour.

Una de sus obras más famosas es el Desnudo recostado, actualmente en la Alte Pinakothek de Múnich, cuya modelo es Mademoiselle Louise O’Murphy, de catorce años, que es amante del rey Luis XV.

Hijo de un artesano y pintor, Boucher sobresale desde muy joven por su habilidad y facilidad para las bellas artes.

Formado con el pintor François Lemoyne entre 1721 y 1723, gana en 1723 el premio de la Academia de Roma.

Continua sus estudios en el campo de la estampación con el grabador Jean- François Cars, reproduciendo en esta etapa obras de Watteau.

Boucher nunca abandona el grabado y continua ilustrando libros durante toda su carrera.

 Entre 1727 y 1731 visita Italia para ampliar sus conocimientos, donde pinta en el transcurso de su estancia temas históricos y religiosos.

En Italia esta en Roma, en Génova y en Parma, dedicando su tiempo a estudiar la obra de Correggio y de los venecianos.

El éxito llega a Boucher a través de sus escenas galantes donde el artista encuentra su estilo.

 1734 es admitido en la Académie donde presenta la obra Rinaldo y Armida, hoy en el Musée du Louvre, y tres años más tarde es nombrado profesor de esa institución.

Recibe su primer encargo real en 1731: una serie de cuatro grisallas para el apartamento de la reina en el palacio de Versalles, desde entonces es requerido por la corte para distintos trabajos durante el resto de su vida.

Boucher alterna la pintura con la decoración de los objetos más diversos: muebles, abanicos, porcelanas de Sèvres y telones de teatro con escenas bucólicas.

En su etapa de madurez, entre 1734 y 1764, destaca la década de 1740 en la que hace varias de sus obras maestras.

Boucher entre otros cargos ocupa el de decorador de la Academia Real de Música entre 1744 y 1748, el de director de la fábrica de tapices de los Gobelinos en 1755 y el de director de la Académie en 1765; ese año también fue nombrado pintor del rey.

Protegido de Madame Pompadour, expuso en los Salones desde 1740, siendo objeto de encendidos comentarios y críticas por parte de Diderot en la década de 1760, momento en el que la estética de Boucher empezaba a declinar.

Fue un artista de gran versatilidad, en cuyo repertorio se incluyen todo tipo de temas, desde religiosos y mitológicos hasta retratos, escenas campestres y pastorales, así como paisajes.

Su fama llegó hasta Suecia, de donde recibió encargos para las colecciones reales.

https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/boucher-francois

Trianart fotos

https://es.wikipedia.org/wiki/El_almuerzo_(Boucher)

https://www.taringa.net/+arte/pintor-decorador-mas-famoso-del-s-xviii-francois-boucher_12wwsm

https://bocadosdecultura.wordpress.com/2013/11/04/el-nacimiento-del-desayuno-y-de-la-familia-moderna-el-desayuno-de-francois-boucher-1739/

La buena arquitectura en Burkina Faso es un salón de clases donde te puedes sentar, tener una luz que se filtra, entrando de la manera que quieras usarla, a través de una pizarra o en un escritorio. ¿Cómo podemos quitar el calor que proviene del sol, pero usar la luz para nuestro beneficio? La creación de condiciones climáticas para brindar comodidad básica permite una verdadera enseñanza, aprendizaje y emoción.

Arquitecto, educador y activista, el burkinés Francis Kéré se convirtió este martes en el primer Pritzker africano, un galardón conseguido no solo por su espectacular trabajo arquitectónico, fuente de continua y duradera felicidad y alegría, sino también por su compromiso social.

En un mundo en crisis, en medio de cambios de valores y generaciones, nos recuerda lo que ha sido, y sin duda seguirá siendo, una piedra angular de la práctica arquitectónica: un sentido de comunidad y calidad narrativa que él mismo es capaz de contar con compasión y orgullo, señala el fallo del jurado.

Sus construcciones son una fuente de continua y duradera felicidad y alegría y es pionero de una arquitectura sostenible en zonas de extrema escasez, lo que le ha valido el premio, considerado el Nobel de Arquitectura, y dominado en sus 43 ediciones por arquitectosjaponeses, europeos y estadounidenses. 

Mejora las vidas y experiencias de incontables ciudadanos en regiones del mundo a veces olvidadas, ha señalado el presidente de la Fundación Hyatt, Tom Pritzker, al anunciar en Chicago (EE.UU.) un premio que en las últimas ediciones ha abandonado a los arquitectos de edificios deslumbrantes para centrarse en logros más sociales.

 Los diseños de Kéré muestran belleza, modestia, audacia e invención y su arquitectura y su trabajo son íntegros.

Sabe, desde dentro, que la arquitectura no es sobre el objetivo, ni el producto, sino sobre el proceso, señaló el jurado, presidido por el chileno Alejandro Aravena, Pritzker 2016.

Nace en Gando en 1965, Kéré se traslada a Berlín en 1985 y tiene doble nacionalidad burkinesa y alemana.

Es el primer niño de su comunidad en ir al colegio y, como no había escuela en su pueblo, a los 7 años se traslada Tenkodogo, donde asiste a clases en un aula construida con bloques de cemento, sin ventilación ni luz, y en la que hay hasta cien alumnos.

 De ahí parte su vocación por la arquitectura y le hace prometerse construir mejores escuelas algún día. 

Crecí en una comunidad donde no había guarderías, pero donde la comunidad era tu familia (…) Recuerdo la habitación donde mi abuela se sentaba y contaba historias con apenas luz mientras nos acurrucábamos unos con otros y su voz nos envolvía y nos hacía ponernos más juntos y formar así un lugar seguro. Ese fue mi primer sentido de la arquitectura.

En 2001 en su localidad natal construye la Escuela Primaria de Gando, un ejemplo de una arquitectura con la que trata de limar las desigualdades sociales.

Un sencillo edificio en ladrillo con un techo elevado y ventanas con persianas de colores en las dos fachadas principales, elementos básicos para mejorar la ventilación. La escuela, un proyecto de la Fundación Kére, incrementa el número de alumnos de 120 a 700.

 Y el éxito de este proyecto, que minimiza la necesidad de aparatos de aire acondicionado, se extiende a construcciones en otros países de África.

Con su trabajo, Kéré logra visibilizar y transformar las comunidades a través de la arquitectura, en la que usa de manera inteligente los materiales locales para conectar sus obras con la naturaleza.

La madera y el ladrillo son los protagonistas de sus edificios.

Trabaja sobre todo en países marginados llenos de limitaciones, donde la arquitectura y la infraestructura están ausentes, y erige desde escuelas a edificios cívicos o centros de salud.

Aunque sus edificios están principalmente en África – en su Burkina Faso natal, pero también en Benín, Kenia, Mozambique, Togo, Sudán o Mali- hay ejemplos de su trabajo en Alemania, Estados Unidos, Italia, Suiza y Dinamarca.

En sus proyectos fuera de África se notan claramente sus orígenes.

Por ejemplo, en el Pabellón Serpentine de Londres (2017), utiliza la forma de un árbol para diseñar un edificio curvo con un techo de madera que tiene el centro abierto con una estructura que recoge el agua de lluvia.

Espero cambiar el paradigma, impulsar a la gente a soñar y a asumir riesgos. No porque seas rico debes desperdiciar material. No porque seas pobre no debes intentar crear calidad.

Todo el mundo merece calidad, todos merecen lujo y todos merecen comodidad».

 Estamos interrelacionados y a todos nosotros nos preocupa el clima, la democracia y la escasez.

Kéré recibirá el Pritzer, dotado con 100.000 dólares (unos 91.000 euros al cambio actual) y un medallón de bronce, en una ceremonia que se celebrará en el Marshall Building de la London School of Economics and Political Science en una fecha por determinar.

https://www.metalocus.es/es/noticias/videos-diebedo-francis-kere-premio-pritzker-de-arquitectura-2022-iii

https://elpais.com/elpais/2022/03/15/album/1647335584_027212.html

https://www.metalocus.es/es/autor/kere

Nace en Venecia el 5 de marzo de 1696.
Es una de las figuras relevantes del rococó italiano, y se considera como el último de los grandes del barroco.

Se forma con Gregorio Lazzarini, aunque sus mejores maestros son los grandes que le preceden: Tiziano, Tintoretto y Veronés.
Es el más grande decorador del siglo

En una primera época sigue el estilo de Giovanni Battista Piazzetta, de Bencovich y de Sebastiano Ricci.

El claroscuro del barroco da paso en su obra a los colores claros.

En Venecia desarrolla un nuevo género, las vedutte, vistas minuciosas de Venecia, muy estimadas por los viajeros extranjeros.

Se casa con una hermana del vedutista Francesco Guardi, María Cecilia, con la que tiene nueve hijos, dos de los cuales son también buenos pintores: Lorenzo y Giandomenico Tiepolo, este último trabaja en colaboración con su padre, desde la década de 1740 hasta la muerte de este.

El éxito de sus frescos, le lleva a ser solicitado en encargos de Venecia, Milán,y Bérgamo, tanto que es requerido de varias partes de Europa, como la Residencia de los Wurzburgo entre otras y, al final de su carrera, para decorar el Palacio Real de Madrid.

1762 llega a Madrid (donde fallece), llamado por el rey Carlos III.

Se le encarga decorar con frescos varios techos del Palacio Real, entre otros del Salón del Trono.

Viaja con sus hijos Giandomenico y Lorenzo, que serían también grandes pintores, viudo ya de Maria Cecilia Guardi, acompañándoles su nueva novia, mucho más joven que él, y que posa como modelo para el pintor en varias ocasiones.

Realiza también varios cuadros para el altar del Convento de San Pascual (Aranjuez).
Cuando fallece su estilo empieza a devaluarse, por lo que y ese altar es desmontado y mutilado, siendo sustituido por obras neoclásicas, estilo que imponía Antón Raphael Mengs.

Para los temas bíblicos y mitológicos  introduce fondos arquitectónicos emulando a El Veronés.

Aunque con una fuerte influencia de ellos, utilizó colores, más claros y más ligeros que los de Tiziano o los de Rubens.

Además de sus frescos, en España: el Museo del Prado de Madrid alberga varias de sus obras y el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, otras tres.

La mayor parte de su obra son temas religiosos debido a la gran cantidad de encargos que recibía.

Magnifico pintor, ejerce una fuerte influencia en Francisco de Goya, por una notable técnica que posteriormente alcanzaría un gran reconocimiento.

La iluminación de partes precisas del cuadro, en el que los colores claros resaltan impresiones o ideas tales como la pureza o lo divino. Domina el dibujo a la perfección.

Sus composiciones son etéreas, llenas de gracia; sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertas al cielo.
Muere en Madrid, el 27 de marzo de 1770.

https://es.gallerix.ru/pedia/old-masters–tiepolo-giambattista/

https://wikioo.org/es/paintings.php?refarticle=8XY5MY&titlepainting=Finding%20of%20Moses&artistname=Giovanni%20Battista%20Tiepolo

fotos Trianart