Museos de la ciudad alemana de Baviera, así como los de Nueva York, han optado por investigar la procedencia de las obras incautadas durante la época nazi y buscar a los herederos de sus propietarios
Dicen que la historia la escriben siempre los vencedores y no los vencidos, y que por tanto a nuestros oídos llegan versiones distorsionadas de la realidad que fue y nunca podremos revivir. Sin embargo, ¿qué pasa cuando los vencidos reclaman ser los dueños de su propia historia? Que, como está sucediendo, se revisan los acontecimientos y con ellos el arte que los acompaña. Así, Hiscox, compañía internacional especializada en seguros de arte, hace un repaso por las obras que fueron expoliadas o adquiridas en excavaciones arqueológicas ilegales y que este 2022 han vuelto a sus lugares de origen.
Tal ha sido la oleada que hemos vivido este año que en Italia, un país especialmente afectado por el saqueo de su patrimonio cultural, han creado un singular Museo del Arte Salvado, un espacio de tránsito en el que las obras de arte recuperadas procedentes de excavaciones ilícitas y el tráfico ilegal podrán ser guardadas y expuestas al público durante algunos meses, antes de volver a sus lugares de procedencia. A su vez, los países en los que se poseen colecciones expoliadas también han adquirido consciencia sobre esta problemática y, por ejemplo, el museo de la ciudad alemana de Baviera, así como los de Nueva York, han optado por investigar la procedencia de las obras incautadas durante la época nazi y, a su vez, buscar a los herederos de los propietarios de estas obras.
Explica Eva Peribáñez, responsable técnico del departamento de Arte y Clientes Privados de Hiscox España:
Estas devoluciones, sin duda, son una buena noticia, porque significa que las obras de arte vuelven a las naciones donde fueron creadas y a sus legítimos dueños. Pese a que estos robos se dieron hace muchos años, actualmente también ocurren. En estos casos, tener asegurada una obra de arte puede marcar la diferencia entre su recuperación o no, ya que en caso de tener un seguro y que la obra aparezca posteriormente, el propietario tiene siempre la opción de recuperarla de nuevo y llevarla a casa
Algunos de los casos más representativos son:
Obras de Sor Juana Inés de la Cruz que han regresado a España ABC
Dos libros del siglo XVII vuelven desde Nueva York
Tradicionalmente, los espacios religiosos en general y los conventos en particular eran el principal refugio de los libros y, concretamente, en el convento de las Carmelitas Descalzas de Santa Ana (Sevilla) se guardaban cinco tomos del siglo XVII atribuidos a sor Juana Inés de la Cruz. No se sabe exactamente cómo, pero los libros acabaron en manos de un residente en Cataluña fallecido hace una década cuya colección bibliográfica pasó a manos de una librería en Madrid, que a su vez lo vendió a un empresario mexicano y, a su fallecimiento, las obras fueron adquiridas por un estadounidense que las puso a subasta en Nueva York. Sin embargo, dos de los libros conservaban un sello de propiedad puesto por las propias monjas (ex libris), lo que levantó sospechas, se frenó la subasta (con precios previstos entre 80.000 y 100.000 euros) y las obras fueron devueltas a España
Mater Dolorosa y Ecce Homo hace el camino de vuelta desde Pontevedra hasta Polonia
Si España ha sido protagonista de la historia como país expoliado, también ha estado en el otro lado de la moneda como lugar de exposición de obras saqueadas. Concretamente, en el Museo de Pontevedra el díptico Mater Dolorosa y Ecce Homo, atribuido al pintor holandés Dieric Bouts, principal representante de la Escuela de Lovaina, llevaba 28 años expuesto tras haber sido sustraído en un expolio nazi. Sin embargo, este año se ha demostrado su irregular procedencia y se ha pactado su devolución al Gobierno polaco, que a su vez deberá encargarse de restituirlas a los herederos legítimos.
Dos de los platos de mayólica del siglo XVI devueltos ABC
Los herederos de una pareja judía recuperan las piezas de arte robadas a sus padres
La Segunda Guerra Mundial fue un periodo especialmente convulso en cuanto al saqueo de artes y el anterior no es un caso aislado, sino que este tipo de hurtos se convirtió en algo común y las obras se encuentran hoy en día repartidas a lo largo del mundo. En el caso de Países Bajos, el Museo Boijmans van Beuningen, de la ciudad de Róterdam, ha devuelto varias piezas de arte a los descendientes de una familia judía asesinada por los nazis. Se trata de seis platos de mayólica del siglo XVI, que hasta ahora formaban parte de la colección del museo, pertenecientes a los herederos de la pareja judía Fritz y Louise Gutmann, que murieron en un campo de concentración.
Uno de los fragmentos del Partenón que el Vaticano devolverá a Grecia ABC
Grecia recupera más de cuarenta piezas arqueológicas de su patrimonio
Si una civilización ha sido rica en patrimonio artístico ha sido, sin duda, la griega, por lo que no es de extrañar que algunas de las devoluciones de obras de este año hayan ido a parar a este país. El país heleno recuperará 47 objetos arqueológicos de gran valor que formaban parte de la colección de arte de Michael Steinhardt, un empresario y filántropo multimillonario de 81 años residente en Nueva York que fue condenado a devolver 180 obras de arte y antigüedades valoradas en 62 millones de euros y robadas en el mundo en las últimas décadas.
La parte del botín perteneciente a Grecia volvió a su país el pasado año, entre las que se encontraban un larnax (pequeño sarcófago de cerámica para guardar huesos) minoico, un torso de kouros (figura de atleta), un busto de grifo en bronce, vasijas cicládicas, estatuillas y espadas de bronce. Y si de grandes obras de arte griegas que se encuentran fuera de su país hablamos, el Partenón es, sin duda, la más destacada. Parte de sus frisos se hallan en el Museo Británico desde 1805. En el futuro los podría también volver a su país de origen gracias a las negociaciones que han comenzado este año entre ambos estados. Aquí cabe destacar que fragmentos del Partenón volverán pronto a su lugar de origen y es que el Papa Francisco ha decidido devolver a Grecia tres fragmentos del Partenón de Atenas, que se encontraban en las Colecciones Pontificias y en los Museos Vaticanos.
Una de las obras devueltas por el Metropolitan Museum de Nueva York ABC
Antigüedades del Met vuelven a Italia y a Egipto
Los traficantes de antigüedades han sido, tradicionalmente, un gran problema para el mercado de arte y así lo ha podido comprobar este año el Museo Metropolitano de Arte (MET) de Nueva York, que contaba en su colección con 27 antigüedades por valor de 13 millones de euros procedentes de la antigua Roma y de Egipto que habían sido saqueadas por estos traficantes. Tras ser incautadas por la Fiscalía de Manhattan, 21 obras volverán a Italia y las otras 6 a Egipto. Entre ellas se encontraban obras como el retrato egipcio Señora con manto azul, valorado en 1,2 millones de euros; y un kylix romano, o taza para beber, de terracota del 470 a. C. valorado en 1,2 millones de dólares.
‘Orfeo y las sirenas’ ABC
El conjunto escultórico Orfeo y las sirenas vuelve a Italia
En 1976, J. Paul Getty, fundador del actual Museo Getty en Los Ángeles, adquirió por 540.000 euros el conjunto de esculturas antiguas de terracota de Orfeo y las sirenas, datadas entre los años 350 y 300 antes de Cristo. Sin embargo, este año se ha descubierto que las obras procedían de una excavación arqueológica ilegal llevada a cabo en Italia y el museo estadounidense ha procedido a la devolución de la obra.
Una figura destacada en el mundo del cine de vanguardia fallecido a los noventa y cuatro años.
Es confirmado por Jack Shainman Gallery, que lo representa.
Inclasificable como artista durante 80 años.
Michael Snow ha sido un artista multidisciplinar, especialmente valorado por su cine experimental y por algunos vídeos e instalaciones, pero también un excelente fotógrafo y escultor minimalista, y son notables su obra musical, su pintura y sus ensayos. Es un caso infrecuente de artista capaz de expresarse con distintos medios y con distintos estilos, dependiendo de cada obra.
Conocido por su película (weivlaine) Wavelength (longitud de honda) de 1967, obra maestra estructuralista, la película de vanguardia más importante jamás realizada.
Trabaja la pintura, el grabado, la escultura, la fotografía, el video, el cine, la instalación y la música, y crea obras innovadoras en muchos de estos soportes. En 1967 declara con sorna en Galería Nacional de Canadá:
Mis pinturas están hechas por un cineasta, mi escultura por un músico, mis películas por un pintor, mi música por un cineasta, mis pinturas por un escultor. Y, a veces, todos ellos trabajan juntos
Considerado el artista más importante de Canadá, está representado en la Galería Nacional de Canadá por 75 obras.
Es nombrado Oficial de la Orden de Canadá en 1981 y ascendido a Compañero en 2007 por sus contribuciones al cine.
Destacan retrospectivas en múltiples lugares de Toronto y en el British Film Institute. Su trabajo se incluye en las exposiciones de reapertura en el Centro Pompidou de París en 2000 y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 2005.
Aunque trabaja sobre muchos soportes, la inspiración de Snow es interna. Dice a la Galería Nacional de Canadá en 2014:
Polinización cruzada. . . no me pasa a mí. Tengo ideas y el deseo de intentar algo; Reflexiono sobre ello, a veces durante mucho tiempo, y finalmente lo intento.
Nace en 1928 en Toronto. Estudia en el Upper Canada College y luego del Toronto College of art, a los veinte años trabaja como pianista de jazz por la noche y pinta durante el día.
1961 se muda con su esposa, la artista Joyce Wieland, a Nueva York. Allí los horizontes creativos de Snow y sus círculos profesionales se expanden y se hace amigo del cineasta experimental Jonas Mekas y del compositor Steve Reich.
Rueda Wavelength en el transcurso de una sola semana en 1966 y la edita al año siguiente. Al presentar el interior de una habitación en la que tienen lugar algunas acciones e interacciones humanas mientras la cámara se acerca lentamente a una pintura colgada en una pared mientras un inquietante gemido aumenta de tono, la película de cuarenta y cinco minutos es elogiada instantáneamente como un hito del cine de vanguardia y gana el Gran Premio en el Festival de Cine Experimental de Knokke en Bélgica el año de su estreno.
En 1969, Manny Farber escribe de Wavelengthen en Artforum :
45 minutos puros y duros que pueden convertirse en el nacimiento de una nación en las películas clandestinas.
Una forma singular y realista, sin complicaciones y sin relleno de filmar tres paredes, un techo y un piso. Probablemente sea la película más compleja que existe.
Snow continúa ampliando los límites del cine con Back and Forth de 1969, filmada en un campus universitario en Nueva Jersey, y después de su regreso a Toronto con Wieland en 1970, La Région Centrale, 1971, un himno de tres horas a las majestuosas cadenas montañosas canadienses.
Llaman la atención sobre la mecánica de la realización cinematográfica, una preocupación que también influye en So Is This de 1982, centrada en el lenguaje, que comprende nada más que una serie de tarjetas de título, cada una con una sola palabra.
En 1971 escribe Annette Michelson en Artforum:
La cartografía. . . del curso de Snow, produce una constelación cambiante de figuras epicíclicas, cuya geometría compleja y firme se sustenta en la amplitud y la consistencia de una investigación sobre los modos de ver, registrar, reflexionar, componer, recordar y proyectar.
Al mismo tiempo que realiza películas, Snow continúa trabajando en varios medios, como lo demuestra el libro de artista de 1974 Cover to Cover, Rayuela que se puede leer hacia adelante o hacia atrás, y su álbum de 1987 The Last LP, que pretende contener grabaciones de campo de músicas étnicas en extinción, pero comprende fragmentos de varias pistas compuestos e interpretados por Snow.
Su Flight Stop de 1979, una bandada de gansos de fibra de vidrio en vuelo creada a partir de muchas fotos de un solo ganso, permanece a la vista hoy en el Eaton Centre de Toronto, con el que está indisolublemente identificado; otras obras públicas incluyen The Audience, 1989, un grupo de esculturas de tamaño natural de personas celebrando pintadas de oro en el Rogers Centre de Toronto; y The Windows Suite, 2006, una serie de pantallas de plasma en un hotel del centro de Toronto que muestra secuencias imposibles.
Galería de Italia. Nápoles. Comisarios: Antonio Ernesto Denunzio y Giuseppe Porzio. Hasta el 20 de marzo
Artemisia Gentileschi: ‘El triunfo de Galatea’. National Gallery de Washington
Nápoles expone 50 piezas, nuevas atribuciones y una importante investigación que colocan a la pintora italiana al nivel de pintores como Ribera.
Artemisia Gentileschi: ‘Autorretrato como santa Catalina de Alejandría’. National Gallery de Londres
Pese a que la reivindicación de su figura y de su obra irrumpe con la nueva historiografía feminista del arte hace medio siglo, queda mucho por saber de esta pintora, la primera que entra en la Academia di Disegno florentina y cuya trayectoria transcurre en las principales ciudades de Italia: Roma, Florencia, Venecia y Nápoles, a partir de 1630.
En 1638 va a Londres con el fin de ayudar y terminar el trabajo de su anciano padre Orazio Gentileschi una vez fallecido, volviendo dos años después a Nápoles, en donde termina su vida.
La etapa napolitana–con el inciso londinense– es la peor conocida, lo que suscita los proyectos de las dos primeras exposiciones en sendas ciudades, que desde el inicio trabajan en colaboración.
Una vez celebrada la muestra con veintinueve lienzos de la pintora en la National Gallery londinense en 2020 –desafortunadamente, en plena pandemia, con limitación de visitantes y que permanece abierta solo seis semanas–, llega ahora a la ciudad italiana la gran muestra de Artemisia Gentileschi en Nápoles.
Con destacadas piezas restauradas y tras un importante avance de investigación, en la que es decisiva la contribución del Archivo histórico napolitano, la exposición permite, entre otras cosas, concretar el funcionamiento de su exitosa bottegha, con ayudantes especializados para arquitecturas (Viviano Codazzi) y paisajes (Domenico Gargiulo).
No menos relevante es la contextualización de la obra de Artemisia con artistas principales, como Stanzione, Cavallino y Palumbo con quienes colabora, y con las tendencias estilísticas en boga en la ciudad que es entonces un virreinato de la corona española, la ciudad más poblada de Italia y la segunda de Europa, después de París, con una boyante vida cultural.
Artemisia Gentileschi llega con treinta y siete años, precedida por la fama y ya como una gran maestra pero con la misma capacidad de adaptación al gusto y a los comitentes locales que había practicado en otras ciudades. En Nápoles, mientras atempera su naturalismo con un cierto clasicismo, sigue sorprendiendo por sus composiciones arriesgadas, su brillante colorido, los detalles iconográficos cultos y su virtuosismo háptico en objetos y paños.
Con un proyecto museográfico elegante, teatral y solemne, el recorrido recuerda la vinculación de esta muestra con la exposición de la National Gallery londinense
Esta exposición, por tanto, lejos de los escabrosos y traumáticos acontecimientos en su adolescencia –su violación y posterior juicio–, a partir de los que Artemisia se erige como una de las mujeres más independientes y audaces de su época, y con casi medio centenar de pinturas, de las que la mitad son de Artemisia con destacados préstamos procedentes de Europa y Estados Unidos, se centra en estudiarla como uno de los grandes maestros de la pintura barroca, coetánea de los de nuestro Siglo de Oro, como V, al que Velázquez, a quien conoce en 1630 en un viaje del pintor desde Roma a la ciudad napolitana.
Esta vinculación con España está muy presente, desde su llegada a Nápoles en 1630 huyendo de la peste de Venecia por invitación del nuevo virrey Fernando Afán Enríquez de Ribera, III Duque de Alcalá, al que conoce en Roma y que ya en 1925-26 adquiere tres de sus obras. Así como su sucesor, Manuel de Acevedo y Zúñiga, Conde de Monterrey, antes embajador en Roma –que le encarga para Felipe IV en 1628 Hércules y Ónfale–, en Nápoles incluye a Artemisia en los trabajos para el ciclo de la vida de San Juan Bautista para el Palacio del Buen Retiro de Madrid.
También por su influencia, trabaja en la renovada catedral de Pozzuoli junto a los más destacados artistas de la ciudad. Un patronazgo que no es óbice para que la pintora continúe con encargos para la élite de coleccionistas italianos y europeos, mientras atrae a los mejores mecenas locales.
Con un proyecto museográfico elegante, teatral y solemne, el recorrido comienza recordando la vinculación de esta muestra con la exposición de la National Gallery londinense, con el Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría, adquirido por la pinacoteca británica en 2018 y perteneciente al periodo florentino, desde el que se harán eco otros autorretratos de la pintora en la muestra.
Para pasar a comparar, inmediatamente después, el Cristo bendiciendo a los niños de mano de la pintora junto a otras telas de Caracciolo, Guido Reni y Baglione pertenecientes al Apostolado del III Duque de Alcalá, donado a la Cartuja de Sevilla en 1929, junto a otra escena de Cristo realizada por su padre, Orazio Gentileschi.
Una comparación en temática religiosa con Finoglio, Giovanni Ricca, Guarino y Rivera que se prolonga con una fantástica Anunciación realizada al poco de llegar a Nápoles para la infanta María Ana de Habsburgo.
Además, una excelente copia de época del Nacimiento de San Juan Bautista, perteneciente al Museo del Prado, donde Artemisia despliega sus dotes costumbristas, vistiendo a las mujeres como napolitanas; y las telas monumentales de San Jerónimo y San Próculo, patrono de la ciudad con su madre Nicea, para la catedral.
En el ámbito de la devoción privada, destacan otras dos versiones de Santa Catalina de Alejandría, y el pequeño óleo sobre cobre, la Virgen del rosario, perteneciente a nuestro Patrimonio nacional.
Por supuesto, también en Nápoles continúa con la representación de relatos bíblicos y mitológicos protagonizados por heroínas y mujeres fuertes, como Judith y su sirvienta Adra –aquí, en dos versiones, la obra maestra del Museo di Capodimonte y otra recién adquirida por el Museo Nacional de Oslo–, Dalila, Susana, Betsabé, Cleopatra, Corisca y Galatea.
Iconografías con las que ya se daría a conocer en Roma y en Florencia, pero que en este periodo napolitano quedan lejos del patetismo traumático de sus inicios para afirmar la valentía de estas figuras femeninas, que rechazan e increpan a sus agresores, como ocurre en las dos versiones de Susana y los viejos, o directamente se mofan, como en Corisca y el sátiro, expresando su superioridad moral.
Y a menudo se muestran actuando con otras mujeres, como Dalila, aquí junto a una excelente versión de la pintora napolitana Diana di Rosa (1602-1643), que suma también un Rapto de Europa, entre la veintena de obras ya reconocidas de su autoría. Cabe esperar que en ulteriores investigaciones se pueda avanzar en las conexiones entre estas dos pintoras con intereses tan cercanos.
En 1872, en un cuarto trasero del Museo Británico, un hombre llamado George Smith pasó los oscuros días de noviembre agachado sobre una tableta de arcilla rota.
Era uno de los miles de fragmentos encontrados en unas excavaciones recientes en el norte de Irak, y estaba cubierta de la intricada escritura cuneiforme que había sido usada a lo largo y ancho de la antigua Mesopotamia.
Algunas de las tabletas hablaban de las actividades cotidianas de contables y administradores: la rueda de una carroza rota, un cargamento de vino retrasado, los precios de cedro; otras registraban los triunfos de los ejércitos del rey asirio o los presagios adivinados por sus sacerdotes en las entrañas de borregos sacrificados.
Pero la tableta de Smith contaba una historia. Una historia sobre un mundo ahogado por un diluvio, un hombre que construye un bote, una paloma liberada para buscar tierra firme.
Smith se dio cuenta de que estaba viendo una versión del Arca de Noé. Pero el libro no era Génesis.
Era Gilgamesh, un poema épico que había sido inscrito por primera vez en arcilla húmeda alrededor de 1800 a.C., unos mil años antes de la composición de la Biblia judía (el Antiguo Testamento cristiano).
Incluso la tableta de Smith, que data de algún momento en el siglo VII a.C., era mucho más antigua que el más viejo manuscrito del Génesis.
Un mes más tarde, Smith le leyó su traducción de la tableta a la Sociedad para la Arqueología Bíblica en Londres. El primer ministro William Gladstone estaba entre los presentes.
Era la primera vez que una audiencia escuchaba la «Epopeya de Gilgamesh» en más de 2.000 años.
Lo que Smith leyó causó sensación. A algunos les causó una satisfacción piadosa pues, en su opinión, corroboraba la verdad esencial de la Biblia. A otros les pareció más problemática.
Como dijo el diario New York Times el día siguiente en un artículo de primera página, la «Tableta del diluvio», o la Tablilla XI, había expuesto «varias tradiciones del diluvio aparte de la de la Biblia, que podría ser legendaria como las demás».
Menos de 15 años después de «El origen de las especies» de Charles Darwin, para muchos la «Epopeya de Gilgamesh» era otra gran grieta en el edificio del cristianismo victoriano.
ninive
La historia de cómo la Tablilla XI emergió del barro del norte de Irak empieza en un lugar llamado Kouyunjik, uno de los sitios arqueológicos que ahora EI está explorando en busca de antigüedades asirias.
Es una historia contada por el profesor David Damrosch de Columbia University en «El libro enterrado: la pérdida y redescubrimiento de la Gran Epopeya de Gilgamesh».
Kouyunjik está ubicada directamente al frente de la ciudad iraquí de Mosul, en la ribera del Tigris, y hace 2.700 años era parte de Nínive, la última capital de los asirios.
En su apogeo, fue un imperio que se extendía desde las costas del Golfo Pérsico hasta las montañas de Anatolia y las llanuras aluviales de Egipto.
Durante un período de unos 300 años (más o menos entre 900 y 600 a.C.), fue la civilización más avanzada que se había visto jamás, una superpotencia tecnológica construida con la riqueza de sus mercaderes y la crueldad de sus ejércitos.
Un grabado encontrado en Kouyunjik muestra al rey asirio Asurbanipal disfrutando de un pícnic en su jardín mientras la cabeza cortada de su enemigo, el rey elamita Te-Umman, cuelga de la rama de un árbol.
No obstante, Asiria no era invulnerable. En 612 a.C., Nínive fue saqueada en una rebelión liderada por los babilonios. Dejaron a la ciudad más rica del mundo en ruinas, con sus palacios ardiendo y sus habitantes muertos o deportados como esclavos.
El polvo se asentó sobre la destruida biblioteca del difunto rey Asurbanipal y la cuidadosamente transcrita «Epopeya de Gilgamesh».
Dos milenios y medio más tarde, en el invierno de 1853, el poema fue rescatado por un hombre llamado Hormuzd Rassam.
Rassam había crecido en Mosul, al otro lado del río.
En una época en la que los imperios consideraban a los locales como poco menos que manipuladores de palas y arrieros de burros, él había sido designado por el Museo Británico para liderar la excavación arqueológica más importante de esos tiempos.
Fue el primer arqueólogo nacido y criado en Medio Oriente.
La familia de Rassam era cristiana caldea, descendientes de los antiguos asirios que se habían convertido al cristianismo en el siglo IV y que se habían mantenido étnicamente distintos de las poblaciones árabes y kurdas de Irak.
Se trata de la misma comunidad que, durante el año pasado, ha sido forzada por EI a convertirse al islam, a pagar un impuesto especial, o ha sido asesinada.
La mayoría de los cristianos asirios de Mosul han huido en dirección al oriente, hacia la región autónoma del Kurdistán, o al norte, a Turquía.
Cuando Rassam estaba creciendo, Mosul era un lugar pacífico. La ciudad era parte de un Imperio otomano que se estaba esfumando lentamente y era un lugar provinciano estancado que tenía poco que ofrecerle a un joven lleno de energía y talento.
Pero en 1945, cuando Rassam tenía 19 años, conoció a alguien que cambió su vida: Austen Henry Layard.
Layard era un aventurero que había llegado a Medio Oriente a caballo a finales de la década de 1830, armado con mucho dinero y dos revólveres.
Para cuando llegó a Mosul, ya había visto los templos de Petra y Baalbek, así como las ciudades de Damasco y Alepo. Pero fueron las aún no excavadas ruinas de Irak las que realmente cautivaron a Layard.
«Un profundo misterio flota sobre Asiria, Babilonia y Caldea. Con esos nombres están vinculadas grandes naciones y ciudades… las llanuras en las que tanto judíos como gentiles buscan la cuna de su raza», escribió.
«Cuando se ocultaba el Sol, vi por primera vez el gran montículo cónico de Nimrud erigiéndose contra el claro cielo vespertino. Estaba en el lado opuesto del río y no muy lejos, y me dejó una impresión que nunca olvidaré… mis pensamientos constantemente están en la posibilidad de explorar exhaustivamente con una pala esas grandiosas ruinas».
Tras años de negociaciones con las autoridades otomanas, Layard pudo finalmente usar una pala en ese montículo de Nimrud, unos 30 kilómetros al sur de Mosul, en el verano de 1845. Ese es el lugar que, según las autoridades iraquíes, EI empezó a demoler el mes pasado.
El primer día de la excavación, Layard encontró el contorno de un palacio real.
Una semana más tarde estaba extrayendo las enormes planchas de alabastro que solían cubrir las paredes, paneles que retrataban el poder del rey asirio y la postración sumisa de sus enemigos.
En cuestión de tres o cuatro años, Layard había desenterrado la civilización de la antigua Asiria -que hasta entonces no había sido más que un nombre mencionado en las páginas de la Biblia- y había llenado el Museo Británico de esculturas y escritos del lugar en el que nació la civilización urbana.
Su historia de las excavaciones, publicadas en 1849 con el nombre «Nínive y sus restos», se convirtió en un éxito de ventas inmediato.
No obstante, como él mismo lo admitía, nada de esto habría sido posible sin Hormuzd Rassam.
Si bien el inglés sabía cómo conseguir fondos de los patronos del Museo Británico, era Rassam quien sabía cómo lidiar con los aldeanos del norte de Irak y quien hablaba árabe, turco y siríaco, el lenguaje de los cristianos asirios.
Era Rassam quien sabía cómo regatear con los jeques tribales, cómo sobornar al gobernador local con café, cómo contratar a 300 hombres para que arrastraran una colosal estatua de un toro con alas hasta el Tigris y ponerla a flotar en una balsa de tablas de madera y pieles de cabra infladas.
Por más que quisieran, Rassam y Layard no podían embarcar todo para el Museo Británico.
Entre los sitios que excavaron estaba la puerta de Nergal en el muro norteño de Nínive, la misma puerta frente a la que un yihadista de EI se paró en febrero a grabar una diatriba contra el politeísmo y la idolatría del mundo preislámico.
La puerta está flanqueada con lo que Layard describió como «un par de majestuosos toros con cabezas humanas, de 14 pies de largo y todavía enteros, aunque agrietados y averiados por el fuego».
Conocidas como Lamassu, estas bestias eran puestas en las puertas de las ciudades asirias para intimidar a los enemigos y alejar a los espíritus demoníacos.
No pudieron alejar a los vándalos de EI, quienes rompieron la cara del Lamassu con un taladro neumático.
A medida que sacaban a Asiria del olvido, Layard y Rassam forjaron una amistad que duró por el resto de sus vidas. Mientras que Layard -como muchos orientalistas europeos- se deleitaba vistiendo atuendos orientales, Rassam hacía lo posible por presentarse como un inglés victoriano.
Cabalgaba por las llanuras de Irak con chaleco y chaqueta, y se convirtió al protestantismo. Pasó 18 meses estudiando en Oxford, desde donde le escribió a Layard: «Prefiero ser un deshollinador en Inglaterra que un pasha en Turquía».
Las excavaciones dependían tanto de Rassam que, cuando Layard se retiró de la arqueología para convertirse en un diplomático y político, el Museo Británico contrató al joven iraquí para que continuara sólo con las excavaciones.
A su retorno a Mosul, demostró una asombrosa devoción a los intereses de su país adoptivo.
La arqueología era central a esos intereses. En la región del Tigris que estaban explorando, los británicos estaban compitiendo con los franceses por las antigüedades de civilizaciones milenarias.
El primero en excavar Nínive había sido un francés llamado Paul Emile Botta y, aunque él había suspendido sus excavaciones para concentrarse en la aldea cercana Khorsabad, se entendía que el lugar seguía estando bajo la influencia francesa.
No obstante, Rassam estaba en su tierra y no iba a dejar que los tesoros de Nínive terminaran en el Louvre.
Sin ningún tipo de permiso oficial y trabajando al amparo de la oscuridad, Rassam hizo que su equipo cavara en la esquina norteña del montículo.
En diciembre de 1853, casi una semana después de haber empezado a excavar, un enorme pedazo de tierra colapsó y Rassam oyó a sus hombres gritar: «¡Suwar!» («¡imágenes!»).
Allí, a la luz de la Luna, estaban unas placas de piedra que habían sido talladas más de 2.500 años antes para las habitaciones del rey asirio Asurbanipal (quien reinó de 668 a 627 a.C.).
Era arte de una calidad que quitaba el aliento: escenas de una cacería de leones en Mesopotamia, de animales que sucumbían a las flechas del rey; escenas conmovedoras con una intensidad dramática que superaba todo lo que había sido hallado en Medio Oriente antes.
«Las escenas de la cacería de leones datan del período más desarrollado del arte asirio», señala John Curtis, presidente del Instituto Británico para el Estudio de Irak. «Son las tallas en relieve asirias más sofisticadas».
Sólo eso ya hacía del palacio de Asurbanipal uno de los hallazgos más importantes del siglo XIX. Pero además el piso del palacio estaba lleno de restos de la biblioteca del rey.
Aunque no sabía leer escritura cuneiforme y todavía no lo sabía, Rassam había encontrado la tableta número 11: la del diluvio.
Los cajones que contenían los restos de la biblioteca de Asurbanipal llegaron a Londres cuando George Smith estaba terminando colegio. Como Rassam, Smith no era un miembro natural de la clase establecida victoriana.
Su familia era de clase trabajadora y cuando tenía 14 años había sido aprendiz en una firma de grabadores de billetes de bancos.
El chico era un buen dibujante, pero para cuando empezó a trabajar ya estaba cautivado por las intrépidas aventuras de Layard y por las antigüedades que estaban llegando de Nimrud y Nínive.
A mediados de la década de 1850, Smith pasaba su hora de almuerzo en el Museo Británico, fascinado con las tabletas que habían llegado de los palacios de reyes asirios.
A sus 20 años, en 1860, Smith ya había empezado a entender tanto la escritura cuneiforme como el idioma acadio en el que la mayoría de las tabletas estaban escritas. Un año más tarde, lo contrataron en el museo para limpiar y organizar las tabletas.
Contaba con una asombrosa memoria visual así que era capaz de reensamblar y descifrar oraciones casi ilegibles que estaban dispersas en cientos de fragmentos quebrados.
No pasó mucho tiempo antes de que Smith, quien nunca había ido a la universidad y nunca había salido de su país, hiciera importantes descubrimientos sobre la historia y literatura del Imperio asirio.
A Smith le complacía el reconocimiento de los otros asiriólogos, pero lo que realmente quería era algo que lo hiciera famoso fuera de ese círculo, algo que justificara que lo enviaran en una expedición a Irak.
En noviembre de 1872, mientras leía la poesía sobre el diluvio, supo que lo había encontrado. Estaba tan entusiasmado, escribió uno de sus colegas, que «corría por todos lados» y «ante el asombro de todos los presentes, empezó a desvestirse».
Dos meses más tarde, George Smith iba camino a Irak para continuar con las excavaciones que habían empezado una generación antes.
Pero sin la gracia de Layard o la astucia de Rassam, le quedó difícil sobrellevar el calor y la miseria del Imperio otomano.
Le horrorizaba la falta de higiene, la comida le producía asco y era demasiado ingenuo para pagar las propinas que le habrían facilitado cualquier transacción.
Sin embargo, no hay duda de que George Smith era un genio.
Para cuando murió en 1876, consumido por la disentería en Alepo, había publicado ocho libros señeros sobre la historia y lingüística asiria, había hecho decenas de grandes descubrimientos arqueológicos y había redescubierto la primera gran obra de la literatura de la historia. Y sólo vivió 36 años.
Con la muerte de Smith, el Museo Británico volvió a llamar a Rassam, quien pasó a encontrar y excavar la ciudad babilonia de Sippar y a descubrir las grandiosas puertas de bronce del palacio de Balawat, así como a enviar más de 70.000 tabletas cuneiformes a Londres.
Todos estos descubrimientos deberían haberlo hecho famoso, pero para cuando hizo sus últimas expediciones en la década de 1880, Hormuzd Rassam ya estaba siendo borrado de la historia.
Sir Henry Rawlinson, quien había sido cónsul británico en Bagdad cuando Rassam estaba haciendo sus excavaciones nocturnas en Nínive, se acreditó el descubrimiento del palacio de Asurbanipal.
Rassam, escribió el diplomático, era sólo un «excavador» que había supervisado el trabajo.
Y aún más insultante fue la insinuación, hecha por uno de los curadores del Museo Británico, de que Rassam se había enriquecido gracias al comercio ilícito de antigüedades que había prosperado gracias a las excavaciones en Irak.
Hormuzd Rassam, a quien le habían impresionado tanto los modales de la élite victoriana y quien había dedicado toda su carrera al servicio del Imperio británico, fue blanco de su esnobismo, racismo y menosprecio.
No pudo encontrar ninguna editorial británica que publicara sus memorias y para cuando murió en 1910 hasta su nombre había sido borrado de las placas y guías para visitantes del Museo Británico.
El único inglés que lo apoyó fue su viejo amigo Layard. Rassam era, escribió Layard, «uno de los hombres más honestos y sencillos que he conocido, y sus servicios nunca han sido reconocidos».
«Rassam sigue siendo recordado en Mosul», asegura Lamia al Gailani, arqueólogo iraquí de University College London. «Están muy orgullosos de él».
En Reino Unido, sin embargo, su reputación nunca ha sido completamente rehabilitada.
Una generación después de que él se retiró, la arqueología se convirtió en la búsqueda científica y disciplinada del conocimiento: cada puñado de tierra se empezó a colar, cada semilla y diente a guardar, cada fragmento de cerámica a medir y analizar.
Desde la perspectiva de la arqueología moderna, Layard y Rassam, que habían sido pagados por un poder imperial para sacar obras maestras del arte mesopotámico antes que los franceses, no son más que cazadores de tesoros pagados por el Museo Británico.
«Para los iraquíes, por supuesto, el tema es muy emotivo», dice al Gailani.
«Durante mucho tiempo han ido al Museo Británico a ver esas antigüedades y piensan que deberían devolvérselas a Irak. Pero por el momento guardan silencio pues están conscientes de lo que está pasando en su país, y saben que en el Museo Británico y en el Louvre al menos están a salvo».
No todo el mundo está tan dispuesto a disculpar a los poderes coloniales. No obstante, a pesar de todos los tesoros que Layard y Rassam se llevaron de Mesopotamia, respetaron ciertos límites.
En el más pequeño de los dos antiguos montículos de Nínive había un santuario que los locales llamaban Nebi Yunus. Era el lugar donde estaba enterrado el profeta Jonás, según decían. Durante siglos había sido un lugar de oración y peregrinación para los cristianos y musulmanes de Mosul.
Layard y Rassam sabían que descansaba sobre un palacio real asirio, pero era un lugar sagrado, por lo que no podía ser profanado.
EI, sin embargo, no tiene esos escrúpulos. El 24 de julio de 2014, sus soldados llenaron Nebi Yunus con explosivos y lo volvieron pedazos.
ninive
Según Qais Hussein Rashid, el viceministro de Turismo y Antigüedades de Irak, obras de arte que estaban debajo del santuario ya han sido contrabandeadas y están en manos de vendedores privados en Europa.
Hay cientos de sitios antiguos en manos de EI en la actualidad.
Pero bajo los restos de Nebi Yunus hay un lugar inexplorado por arqueólogos, que esconde el palacio del rey asirio Assarhadón y que podría contener importantes tesoros artísticos o literarios del mundo antiguo.
Lo más probable es que nunca lo podremos confirmar.
Es una regente culta y poderosa del siglo XVI que va mas allá. Nada más llegar al poder, se preocupa de las cárceles del reino, les adjudica a los presos un abogado para su defensa y propone que en los presidios de mujeres haya religiosas que saquen a los niños a pasear al aire libre al menos dos días a la semana. Además, llega a entrar en la compañía de Jesús. A pesar de que no tienen cabida las mujeres, la infanta lucha por unirse a ellos, objetivo que consigue en secreto y adoptando una identidad masculina como Mateo Sánchez.
Juana de Austria con su hijo Sebastian futuro rey de Portugal
Su papel en la realeza no se limita a dar herederos y establecer lazos entre los reinos, papel que seguían muchas de las mujeres que pertenecen a las dinastías por aquella época. Llega a tener mucho poder y responsabilidad política. La princesa nace el 24 de junio de 1535 en Madrid mientras su padre, el emperador Carlos V se encuentra defendiendo sus posiciones en África. Su madre, la emperatriz Isabel de Portugal, muere cuando tiene 4 años. Se queda sola junto a su hermano mayor, el que más tarde sera Felipe II y su hermana María, ya que sus otros tres hermanos mueren al poco de nacer.
Por aquella época, España tenía la mirada puesta en Portugal, por lo que el 11 de enero de 1552 Juana se casa con apenas 17 años con su primo hermano Juan Manuel, hijo de Catalina, hermana de su padre. El matrimonio no dura mucho. El príncipe muere de tuberculosis, y 20 días después, en enero de 1554, nace su hijo Sebastián. Pero a los 4 meses, su tía doña Catalina le comunica que debe abandonar Portugal para volver a Castilla por orden del emperador. Tiene que ser la gobernadora en ausencia de su padre, Carlos V., y de su hermano, Felipe II.
Tímida y callada, es como se define en sus papeles por su puño y letra. Comportamiento que le reprocha su tía y suegra Catalina, que no entiende que sea así. Mis ropas no son muy apreciadas por las damas jóvenes, ¡porque siempre visto de negro! Hago traer de las Indias un vegetal que se llama palo de Campeche, que cocido con las telas les proporciona un negro muy puro y brillante.
Durante las comidas le gusta hablar de arte, de jardines, de objetos pintorescos, de lugares cercanos o lejanos, de música o lecturas profanas. No esta de acuerdo con la excesiva presencia de la carne en los platos.
Yo soy amiga de las aves y los huevos, pero menos de la caza. Me gustan las verduras y las frutas, pero no tanto los postres muy elaborados y los guisos muy cocidos. Además, no muy amiga de los vinos.
Los encontraba pesados, y por eso los hacía colocar en cristal en vez de en metal, pues cree que este proporciona al vino un excesivo sabor.
Nunca recibí una preparación especial para gobernar. En aquellos primeros días que pasé con mi hermano Felipe en La Abadía de los Alba establecí mi primer contacto con una tarea que desconocía.
Juana de Austria por A. Moro
Relata la princesa en sus escritos de 1554 que muestra el libro Las hijas de Carlos V. (La Esfera). El libro relata la historia de María y Juana de Austria, hijas de Carlos V y de su esposa Isabel, dos mujeres que llegan a tener responsabilidades políticas. Con el paso del tiempo, su recuerdo se ha perdido, y precisamente con esta novela, Magdalena Velasco Kindelán, pretende recrear la vida de estas dos mujeres fuertes y cultas.
Apenas recuerdo ya las múltiples cuestiones de las que me ocupaba. Por una parte, todo lo referente a mejorar las defensas de España, con la producción de barcos, municiones, reparar las fortificaciones en Levante y Galicia. También la continua reforma de las obras públicas como puertos, puentes y caminos.
Además de eso, la princesa de Portugal facilita la navegación de ríos y la creación de regadíos, fomenta la ganadería y la exportación de lanas.
Entra en la Compañía de María de forma secreta y con el pseudónimo de Mateo Sánchez en sus escritos para que no la identifiquen
Juana de Austria por Sánchez Coello
En sus primeros meses de gobernadora pide al padre Ignacio de Loyola que esta en Roma que le admita en la Compañía de Jesús. Sabe que algunas mujeres ya lo han solicitado y que él se niega. De Loyola piensa que el régimen de vida de los jesuitas es muy activo, inapropiado para las mujeres y que la atención sacerdotal que exige una rama femenina quita fuerzas a los varones sacerdotes para dedicarse a las tareas de la Orden, que requieren gran movilidad y disposición para viajar en duras condiciones. Pero, aun así, ella insiste y consigue que la acepten como miembro de la Orden. Eso sí, de forma secreta y con el pseudónimo de Mateo Sánchez en sus escritos para que no la identifiquen.
Juana de Austria por Pantoja de la Cruz
Nada más llegar a Castilla se preocupa por los presos en las cárceles del reino.
El informe que se me presenta es dramático.
Juana de Austria por Sofonisba Anguissola
Se aumenta la dotación de dinero y se mejora su control. Se ordena también la atención espiritual a los presos y se da orden de que todos tengan abogados para su defensa. Proponen también que los presos por deudas no estén en las mismas cárceles que asesinos y ladrones y que en los presidios de mujeres haya religiosas que saquen a los niños a pasear al aire libre al menos dos días a la semana.
Otro tema que me preocupa es la lentitud de los procedimientos y se da orden de aumentar el número de abogados y escribientes al servicio del rey. Yo empiezo a señalar días y horas para escuchar quejas y peticiones, y se lo mando también a los miembros de los consejos en sus materias propias. También quiero que se pague bien y a tiempo a los criados y servidores y a los proveedores, que son muchos. Además, me ocupo de la reforma de las órdenes religiosas femeninas.
Sebastian I de Portugal hijo de Juana
El tiempo que comparte con la reina Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II, es muy alegre.
Los años que estuve al lado de la reina Isabel me hice joven otra vez. En las habitaciones de la reina había de modo frecuente risas y canciones.
El emperador Carlos I, padre de Juana
Con frecuencia organizan fiestas, mascaradas, representaciones y, lo que más le gusta a la princesa Juana, conciertos. Montan a caballo por Casa de Campo, cazan algunas liebres y perdices, y luego comen algunos fiambres y pasteles en algún claro del bosque.
Se cree que los Chinchorro procedían de las montañas de Arica y se desplazaron hasta la costa del Pacífico donde se establecieron desde el 7020 a.C. hasta el 1110 a.C. Desarrollaron cultos específicos relacionados con la muerte, lo que queda demostrado por la complejidad de los procesos de momificación.
En 1917, cerca de la playa de Chinchorro, en el chileno desierto de Atacama, los investigadores hallan unos cuerpos sorprendentemente bien preservados pertenecientes a una cultura desconocida hasta entonces.
Desde 2500 a.C. se documenta un segundo tipo de momias, las conocidas como «momias rojas». El interior se rellenaba con cenizas, plumas, hierbas, tierra… Luego se incorporaba la cabeza, que había sido separada para secarla y rellenarla, y con una pasta se reemplazaba la carne de la cara, que una vez modelada se recubría con la propia piel del rostro del difunto. Una variación de esta técnica se usó con niños, cuyos cuerpos desollados y descarnados se vendaron con tiras de piel y se les pintó la cabeza de negro y el cuerpo de rojo.
El arqueólogo Max Uhle –considerado el padre de la arqueología sudamericana– los estudia en 1919 y llega a la conclusión de que se trata de restos de antiguos pobladores de la región que tienenn contacto con otras culturas peruanas más avanzadas.
Uhle clasifica estas momias en tres categorías: las naturales, que se habían momificado sin intervención humana; las de preparación compleja, y las que son revestidas con una capa de barro. Pero, por aquel entonces, la falta de métodos de datación efectivos impide saber la antigüedad de los cuerpos, que se datan en dos mil años.
Es en 1983, mientras se realizan unas obras en un promontorio conocido como el Morro, cuando sale a la luz una especie de cementerio repleto de cuerpos que parece muy antiguo.
El antropólogo Bernardo Arriaza se hace cargo de los trabajos de excavación y su equipo logra rescatar un centenar de momias que son llevadas al Instituto de Antropología de la Universidad de Tarapacá en Arica, donde son estudiadas minuciosamente. Los resultados de la datación por Carbono 14 sorprenden a todos: los cuerpos tienen una antigüedad media de siete milaños, lo que las convierte en las momias más antiguas del mundo, mucho más que las del antiguo Egipto.
Se cree que los Chinchorro proceden de las montañas de Arica y se desplazan hasta la costa del Pacífico donde se establecen desde el 7020 a.C. hasta el 1110 a.C. Son un pueblo dedicado a la pesca y la recolección de alimentos, que no desarrollan, ni la cerámica ni la metalurgia, ya que no se han hallado restos de estos elementos en las excavaciones. Pero, sorprendentemente, sí que desarrollan cultos específicos relacionados con la muerte, lo que queda demostrado por la complejidad de los procesos de momificación y tratamiento de los cadáveres que llevan a cabo.
Al principio, los Chinchorro se limitan a enterrar a sus muertos en el desierto, envueltos en esteras y pieles de camélidos, acompañados de algunos objetos de ajuar funerario como conchas, anzuelos o redes de pescar. Las primeras momias artificiales datan del año 5050 a.C. Son las conocidas como momias negras, ya que los cuerpos presentan este color por haber sido pintados con manganeso.
El proceso de momificación era muy complejo: se decapitaba el cadáver y se le cortaban los pies, se le cortaba la cabellera y se despellejaba. Se retiraba el cerebro y se rellenaba el cráneo con hierbas, ceniza, arena… Luego se ataba el cráneo y la mandíbula con una cuerda. El resto del cuerpo era despellejado y descarnado, y se dejaba sólo el esqueleto. Después se reconstruía el difunto: los huesos se unían con cuerdas y palos y se encajaba el cráneo. Una vez montado, el esqueleto se recubría con una pasta blanca de ceniza que sustituía la carne. Luego se colocaba la piel y la cabellera y se pintaba con manganeso.
Desde 2500 a.C. se documenta un segundo tipo de momias, las conocidas como momias rojas. En este caso, los cuerpos no eran desollados, sino que se extraían los órganos con incisiones. El cuerpo vacío se secaba y se sujetaba mediante palos. El interior se rellenaba con cenizas, plumas, hierbas, tierra… Luego se incorporaba la cabeza, que había sido separada para secarla y rellenarla, y con una pasta se reemplazaba la carne de la cara, que una vez modelada se recubría con la propia piel del rostro del difunto. Una peluca de pelo humano completaba el conjunto, que era pintado de rojo. Una variación de esta técnica se usó con niños, cuyos cuerpos desollados y descarnados se vendaron con tiras de piel y se les pintó la cabeza de negro y el cuerpo de rojo –se han detectado altos niveles de arsénico de modo natural en la zona, lo que provocaba una alta mortalidad infantil–.
A mummy of a Chinchorro child, dating to between 5000 B.C. and 3000 B.C. The Chinchorros were hunter-gatherers who lived in the region between modern-day Peru and Chile.
A partir de 2000 a.C., se comenzó a realizar otra técnica de momificación que consistía en ahumar los cuerpos y recubrirlos con una gruesa capa de arena yarcilla. En este caso, las momias se fijaban en el suelo en el lugar donde iban a reposar, con lo que no podían ser transportadas. En los últimos años de existencia de la cultura Chinchorro, se abandona poco a poco la momificación intencionada y los cuerpos se entierran de nuevo en el desierto, dejando que la Naturaleza vuelva a ser la encargada de preservarlos para la eternidad.
No voy a hablar del ferrocarril egipcio, ya que es como cualquier otro ferrocarril. Me limitaré a decir que el combustible que utilizan para la locomotora se compone de momias de tres mil años, compradas a ese propósito a tanto la tonelada en los cementerios, y que a veces se escucha al maquinista profano exclamar con voz malhumorada: ¡Joder con estos plebeyos que no se queman y no valen un centavo; mejor pásame un noble…!
Este pequeño relato, de autoría de Mark Twain, publicado en su libro Los inocentes en el extranjero (The innocents abroad, 1869), editado también bajo el título Un yanqui por Europa camino de Tierra Santa, sirvió para generar la creencia de que las momias egipcias eran efectivamente utilizadas como combustible en los trenes a vapor.
GEORGES LABIT MUSEUM, TOULOUSE, FRANCE – MARCH 03 – EXCLUSIVE : A view from the side of Professor Pomar hands holding the head of the Egyptian mummy on March 3, 2009 in the Georges Labit Museum, Toulouse, France. The Egyptian mummy arrived in Toulouse in 1849, encased in a sarcophagus labelled «In-Imen» from the 7th or 8th century BC. It is preserved at the Labit Museum since 1949. The mummy is now the subject of a very rare tissue sampling operation to determine its datation. (Photo by Manuel Cohen) *** Local Caption *** (Photo by Manuel Cohen / Manuel Cohen / Manuel Cohen via AFP)
Esta creencia fue tan extendida que incluso la revista Scientific American, en un número de 1859, publicó esta información como verídica y así también muchos medios de prensa. Sin embargo esto no se trató más que de una irónica humorada de Twain, que nada tenía de real.
GEORGES LABIT MUSEUM, TOULOUSE, FRANCE – MARCH 03 – EXCLUSIVE : A detail of the Egyptian mummy on March 3, 2009 in the Georges Labit Museum, Toulouse, France. The Egyptian mummy arrived in Toulouse in 1849, encased in a sarcophagus labelled «In-Imen» from the 7th or 8th century BC. It is preserved at the Labit Museum since 1949. The mummy is now the subject of a very rare tissue sampling operation to determine its datation. (Photo by Manuel Cohen) *** Local Caption *** (Photo by Manuel Cohen / Manuel Cohen / Manuel Cohen via AFP)
Despejada esta confusión nos adentraremos a explorar cuales si fueron los usos no académicos que se les dieron a las momias egipcias, en especial en gran parte de la Europa medieval (siglos V al XV) y moderna (XV al XVIII).
El fortalecimiento de las rutas de comercio desde Europa al Lejano y Medio Oriente abrió al mundo europeo un sinfín de nuevos recursos e innovaciones.
Algunas de las que más llamaban la atención eran milagrosas sustancias curativas, una de ellas era el betún persa llamado en su idioma mummia.
La mummia era un aceite derivado del alquitrán al que se le atribuían variadas propiedades curativas que incluían:
Corta hemorragias, cicatriza heridas, trata cataratas, sirve como linimento para la gota, cura el dolor de muelas y el catarro crónico, alivia la fatiga al respirar, corta la diarrea, corrige los desgarros musculares (…) endereza las pestañas que molestan al meterse dentro de los ojos.
Egypt, Upper Egypt, Nile valley, Luxor, Luxor museum, mummy of Ahmose (Photo by DOZIER Marc / hemis.fr / hemis.fr / Hemis via AFP)
Sin embargo, surgió un pequeño mal entendido que terminó por convertirse en uno de los perores errores de la historia.
Los viajeros describían como mummia a los betunes y aceites que observaban sobre los cuerpos embalsamados del antiguo Egipto, lo que pronto derivaría a que se le llamara mummia (momia) al cuerpo en sí mismo.
Esto fue la puerta de entrada para el comercio a gran escala del polvo de momia, que no era otra cosa que trozos de momias machacados y pulverizados que eran esnifados o ingeridos mezclados con miel, licores o sólo agua, e incluso eran directamente comidos los trozos del cadáver embalsamado.
La alta aristocracia, comerciantes adinerados e incluso reyes como Francisco I de Francia (1494- 1547) llevaban siempre consigo una bolsita de polvo de momia, a cuyo consumo le atribuían diversos usos farmacéuticos para curar la diarrea, la artrosis, las lesiones de la poliomielitis, heridas o incluso recuperar la libido.
El consumo de polvo de momias fue tan popular que rápidamente se desarrolló un amplio comercio de momias desde Egipto a Europa, que dada la alta demanda derivó en un comercio de falsas momias.
Es decir se embalsamaban con técnicas similares a las utilizadas en el antiguo Egipto, cadáveres frescos, generalmente de esclavos, que eran comercializados como momias originales.
Ya en el siglo XVI el médico galo Ambrosio Paré, considerado uno de los padres de la cirugía moderna, denunció como un fraude el polvo de momia y escribió:
Un día, hablando con Gui de la Fontaine, médico célebre del rey de Navarra, y sabiendo que había viajado por Egipto y la Berbería, le rogué que me explicase lo que había aprendido sobre la momia y me dijo que, estando el año 1564 en la ciudad de Alejandría de Egipto, se había enterado que había un judío que traficaba en momias; fue a su casa y le suplicó que le enseñase los cuerpos momificados. De buena gana lo hizo y abrió un almacén donde había varios cuerpos colocados unos encima de otros. Le rogó que le dijese dónde había encontrado esos cuerpos y si se hallaban, como habían escrito los antiguos, en los sepulcros del país, pero el judío se burló de esta impostura; se echó a reír asegurándole y afirmando que no hacía ni cuatro años que aquellos cuerpos, que eran unos treinta o cuarenta, estaban en su poder, que los preparaba él mismo y que eran cuerpos de esclavos y otras personas. Le preguntó de qué nación eran y si habían muerto de una mala enfermedad, como lepra, viruela o peste, y el hombre respondió que no se preocupara de ello fuesen de la nación que fuesen y hubiesen muerto de cualquier muerte imaginable ni tampoco si eran viejos o jóvenes, varones o hembras, mientras los pudiese tener y no se les pudiese reconocer cuando los tenía embalsamados. También dijo que se maravillaba grandemente de ver cómo los cristianos apetecían tanto comer los cuerpos de los muertos.
Los museos desde hace años experimentan un cambio que tiene que ver con su mantenimiento estructural, con sus fondos y con la política de exhibición.
Louvre
Desde sus orígenes, desde que el museo se consolida como un espacio no solo de acumulación artística y de conservación, desde las iniciales iniciativas de mecenazgo en el Renacimiento hasta las colecciones privadas del siglo XVI, llegando a la culminación en época moderna de museos estatales, como el Museo Británico o el Louvre, el concepto cambia, contando también con la presencia de notables iniciativas particulares.
ZEITZ MOCCIA, MUSEO AFRICANO
Es un museo de arte contemporáneo, ubicado en Cape Town, al sur de África. Es considerado el museo más grande del mundo que alberga toda la cultura africana.
ZEITZ MOCCIA, MUSEO AFRICANO
En la actualidad, de acuerdo con el devenir de la historia que exige no solo mostrar el patrimonio artístico, sino cuestionar tanto su procedencia como la pervivencia de la institución en función de criterios de moralidad pública, muchas de estas entidades se enfrentan a momentos críticos, en el sentido de tener que replantearse la vigencia de sus valores o una reflexión sobre el mecenazgo.
SIR JOHN SOANE’S MUSEUM
Hecho en homenaje del arquitecto neoclásico John Soane, el recinto ubicado en el distrito de Holborn en el centro de Londres, es reconocido por su espectacular estructura y porque resguarda la colección privada de dibujos, artesanías y pinturas del artista.
SIR JOHN SOANE’S MUSEUM
La instrumentalización política, económica y moral del arte demanda un replanteamiento exhaustivo.
EL MUSEO DE VINCENT VAN GOGH
Es el museo más visitado de Ámsterdam. Alberga la colección más grande de obras del pintor neerlandés en conjunto con las cartas privadas que se enviaba con su hermano. Está rodeado de girasoles, que son las flores favoritas del pintor.
EL MUSEO DE VINCENT VAN GOGH
Empezando por el de las aportaciones privadas que, por su dudosa moralidad, afectan negativamente a la imagen de determinados museos, como el Museo Británico o el Victoria & Albert, de Londres, que han roto relaciones y han renunciado (quizá tardíamente) al mecenazgo de Perdue Pharma, la empresa de la familia Sackler responsable de centenares de miles de muertos a causa de la dependencia provocada por las pastillas OxyContin.
MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BARCELONA (MACBA)
Se dedica a la exposición de obras modernas y contemporáneas de carácter internacional. Es conocido por albergar numerosos eventos culturales y educativos. Está ubicado en El Raval, de la ciudad de Barcelona y es uno de los museos más importantes, reconocidos y visitados de España.
MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE BARCELONA (MACBA)
En este mismo saco cabe destacar, por ejemplo, la repulsa a los apadrinamientos de instituciones británicas a cargo de magnates rusos y otras donaciones teóricamente altruistas, pero de una dudosa procedencia ética (desde los planteamientos políticos a los medioambientales) que, a raíz de las protestas de la opinión pública, han cesado.
MUSEO PICASSO DE PARÍS
Su colección es única en el mundo porque tiene el cúmulo de esculturas de Picasso más grande del mundo. Fue creado por la familia Picasso como ofrenda para evadir impuestos y se encuentra en la calle Thorigny de París, Francia.
MUSEO PICASSO DE PARÍS
En otro orden de cosas, cada día se extiende más la necesidad de una revisión de la procedencia de los fondos, producto, muchos de ellos, de invasiones, saqueos o robos procedentes de episodios históricos, como es el caso de las obras incautadas por los nazis o por el franquismo.
THE HERMITAGE DE SAN PETERSBURGO
Es considerado el museo con mayor cantidad de antigüedades del mundo. Su colección es de tres millones de piezas y se destaca por su especial atención a las culturas romanas y griegas. Se especializa en exposiciones sobre Europa Occidental. Se le llama “El refugio del ermitaño” porque comenzó siendo el hogar de la emperatriz Catalina La Grande, quien no admitía visitas ni disfrutaba de las reuniones sociales.
THE HERMITAGE DE SAN PETERSBURGO
Es el caso de El Prado, sin ir más lejos, que ha detectado 62 piezas que fueron decomisadas y que corresponden a unos dueños legítimos. O el conocido contencioso de los mármoles de Egin, procedentes del Partenón ateniense, que fueron a parar al Museo Británico en la época de esplendor del Imperio británico, y que las autoridades griegas siguen reclamando. O el de los bronces de Benín o las joyas del Antiguo Egipto.
GALLERIA DEGLI UFIZZI, EN ITALIA
Resguarda la colección privada y personal de la familia Médici de Italia, una de las más importantes de todo el mundo. Cuando se extinguió su dinastía, el edificio pasó de ser el hogar de los Médici, al refugio de todos sus bienes. Hoy, es conocido como uno de los más importantes y visitados de Italia. Se encuentra en Florencia.
GALLERIA DEGLI UFIZZI, EN ITALIA
La revisión del concepto museístico (como espacio de conocimiento y divulgación) tiene también su vertiente de género.
LOS MUSEOS DEL VATICANO
Son un conjunto de residencias propiedad del vaticano, que reúnen las colecciones de valor artístico de la Iglesia. Nace con el propósito de mostrar la colección privada de Julio II, el papa reconocido por ser amante del arte. Su misión es acercar al público a la simbología religiosa de la Iglesia católica. Están ubicados en la Ciudad del Vaticano.
LOS MUSEOS DEL VATICANO
Reescribir la historia del arte en función de una presencia femenina olvidada y menospreciada durante milenios es una responsabilidad de los gestores, en la línea que El Prado ha diseñado con un itinerario que destaca la importancia de la mujer como artista y como mecenas.
EL MUSEO DE LOS INSTRUMENTOS DE MÚSICA
Es el único museo del mundo dedicado a instrumentos musicales. Tiene una colección de 8000 instrumentos de los cuales, 1500 están expuestos. Sus exposiciones abarcan todo tipo de instrumentos, desde los clásicos, hasta los intentos fallidos. También tienen una biblioteca especializada y dictan cursos y talleres.
EL MUSEO DE LOS INSTRUMENTOS DE MÚSICA
EL DONGDAEMUN DESIGN PLAZA
Es uno de los complejos arquitectónicos más modernos del mundo. Su colección se basa en las nuevas tecnologías, la arquitectura y la moda de Corea del Sur. Está ubicado en Seúl y es reconocido por ser el escenario de grandes festivales de cultura y ciencia.
EL DONGDAEMUN DESIGN PLAZA
EL GUGGENHEIM BILBAO
Su estructura lo hace uno de los museos más llamativos e innovadores del mundo. Está ubicado en la villa de Bilbao, en España. Su colección le hace honor a artistas contemporáneos locales e internacionales. Trabajan en conjunto con la Fundación Guggenheim de Nueva York.
EL GUGGENHEIM BILBAO
CHICHU ART MUSEUM
Traduce del japonés Museo de arte de la tierra, fue construido directamente en la isla de Naoshima en Kagawa, Japón. Su propósito es analizar la relación entre la naturaleza y las personas. Su colección es variable y alberga todo tipo de contenido. Ofrece una experiencia extrasensorial, por lo que se convirtió en uno de los destinos turísticos más famosos de Japón.
La leyenda o historia sumeria, acadia-mesopotámica del Rey Sargón el Grande de Acadia o Acad, conocido como Sharrum-kin, rey legítimo o verdadero de 2270 a. C al 2215 a. C.,
Sargón es el creador del Imperio acadio. Su descendencia gobierna Mesopotamia durante siglo y medio. Su Imperio se extiende desde Elam, hasta el mar Mediterráneo incluida la región de los ríos Tigris y Éufrates, partes de Irak, Irán, Siria y Turquía. Su capital es Acadia o Agadé.
Sargón l el gran rey hijo de La’ibum y de una sacerdotisa de Enlil e Inanna. En el texto sumerio Sargón cuenta su nacimiento y su primera infancia así:
Mi madre fue suma sacerdotisa, a mi padre no lo conocí. Los hermanos de mi padre amaban las colinas. Mi ciudad es Azupiranu, que está situada a orillas del Éufrates. Mi madre suma sacerdotisa me concibió, en secreto me parió. Me dejó en una cesta de junco, con betún me selló la tapa. Me echó al río, que se alzó sobre mí. El río me cargó y me llevó a Akki el aguador. Akki el aguador me tomó como su hijo y me crio. Akki el aguador me nombró su jardinero. Aunque yo era un jardinero, la Diosa Ishtar (Inanna) me concedió su amor, y durante cuatro años he ejercido la monarquía…
A principios del siglo XX, los arqueólogos desenterraron las tablillas de la Leyenda de Sargón I (ca. 2371-2316 a.C.), soberano del Imperio de Acad.
Como sucede en las cortes orientales, los escribas palaciegos envuelven el origen del monarca en las telas del misterio.
Sargón es hijo de una sacerdotisa y un peregrino. Su madre no desea que la gente conozca el nacimiento de su hijo, por eso teje una cesta donde pone la criatura. Después la deposita en las aguas del Eúfrates para que la lleve hasta los dominios de Aqqi, jardinero real.
Aqqi salvó al niño de la turbulencia de las aguas y lo adopta como hijo. Con el auxilio de la diosa Istar, el niño crece hasta convertirse en Sargón I.
La leyenda evoca el relato del nacimiento de Moisés. Su madre, Yoquébed, perteneciente a la tribu de Leví, esta casada con Amrán, también de la tribu de Leví (Ex 2,1; 6,20). Los levitas conforman la tribu sacerdotal de Israel, pero solo los varones ejercen el oficio.
Aunque Yoquébed no sea sacerdotisa, pertenece a la tribu sacerdotal y esta casada con un sacerdote, Amrán. En analogía con Yoquébed, también la madre de Sargón pertenecía al estamento clerical, pues es sacerdotisa.
Ambas madres temían por sus hijos. La de Sargón no quiere que nadie sepa de la criatura, mientras la de Moisés quería salvar a su hijo de las garras del faraón, que prescribe la muerte de los niños hebreos (Ex 1,16).
La sacerdotisa salva a Sargón de la ignominia depositándolo en una cesta entre los juncos del Eúfrates, hasta que lo encuentra Aqqi. Yoquébeb, la esposa de Amrán, salvó la vida de Moisés poniéndolo en una cesta a orillas del Río hasta que lo encuentra la hija del faraón.
Así como Aqqi adopta a Sargón como hijo, la princesa adopta a Moisés. Ambas criaturas poseyeen la mayor grandeza. Sargón alcanza la cima del Imperio de Acad, mientras Moisés libera a los apiru o judíos de Egipto y los conduce hacia la Tierra Prometida (Ex 2,1-10).
Aunque ambos relatos presentan analogías, existe una diferencia. El objetivo de la Leyenda de Sargón estriba en magnificar la grandeza del monarca. Mientras el relato de Moisés sugiere la magnificencia de Yahvé; el Dios atento al penar de su pueblo que dirige la vida de Moisés para encargarle la misión de liberar a la comunidad subyugada. Cuando los relatos de la Escritura encumbran a los personajes, lo hacen para resaltar la grandeza de Yahvé y su empeño por auxiliar al pueblo hebreo (1Sm 3,1-4,1).
Es una civilización que se desarrolla entre el 3300 a. C.-1300 a. C en el noroeste del subcontinente indio a lo largo del valle del Indo. Abarca un centenar de asentamientos y dos ciudades importantes: Harappa y Mohenjo-Daro.
Comprende el área más extensa de todas las civilizaciones antiguas, más de un millón de kilómetros cuadrados, y atraviesa varios periodos, siendo su máximo esplendor entre 2600 a. C. y 1900 a. CC
Al igual que las civilizaciones de la Mesopotamia y Egipto, dependen de su río. Como el Nilo, el Indo se desborda todos los años, inundando extensas zonas y depositando sedimentos fértiles. Este inmenso potencial agrícola es la base sobre la cual se desarrolla el urbanismo en torno al río Indo.
Ocupa una extensión de unos 1.300.000 kilómetros cuadros a lo largo del río del que toma nombre y sus afluentes en el noroeste de Pakistán e India. Tiene unos 1.000 asentamientos urbanos de los que al menos 5 de ellos son grandes ciudades.
Estas ciudades de la civilización del Valle del Indo tienen un plano complejo de calles, sistemas de alcantarillado cubiertos y los baños públicos más antiguos del mundo.
Las relaciones comerciales con otras civilizaciones próximas como la mesopotámica han sido puestas de relieve por los arqueólogos. Una tienda de Harappa se encontró en la ciudad de Eshunna, a unas 20 millas de Bagdag, y objetos de lujo de la propia Harappa han sido hallados en excavaciones en ciudades como Ur.
Pero esta cultura del valle del Indo deja una herencia que es todavía una incógnita: su escritura no ha podido ser descifrada.
Esta en tablillas de barro, objetos de metal y piedras lisas utilizadas como sellos. Se trata de una escritura en parte pictográfica que muestra motivos humanos y animales, pero su significado y organización es todo un misterio. También se ha encontrado sobre otros materiales imperecederos, como por ejemplo en vasijas o fragmentos de vasijas de cerámica, tablillas de cobre, utensilios variados de bronce y sobre varas de marfil y de hueso. La dirección de la escritura parece ser de derecha a izquierda. El número de signos, conforme numerosos autores, puede variar de 50 a más de 500 dependiendo de la manera de identificarlos y contarlos.
A lo largo de los años se ha intentado descifrar la escritura, pero ninguna de las propuestas es aceptada por la comunidad científica.
Las excavaciones realizadas indican que los primeros agricultores pertenecen al VII milenio a. C., en una región comprendida entre las colinas de Beluchistán y la llanura Indo-Gangética. Esta área presenta tierras altas y ríos permanentes que desaguan en la llanura de Kacchi.
Hacia principios del VI milenio a. C. se construyeron casas de adobe (ladrillos de barro) y fabricaron herramientas de hueso y pedernal pulimentado, hachas pulidas y piedras de amolar. Ejemplares de estas herramientas son halladas en Mehrgarh.
Los principales cultivos alimenticios eran el trigo y la cebada, que se siembran en primavera, cuando las aguas de la inundación retroceden y crecen con un mínimo esfuerzo. También cultivan sésamo, legumbres, dátiles y melones.
Practican la hilandería y el textil de lana y algodón. Un fragmento de algodón tejido proveniente de Mohenjo-Daro es la prueba más antigua del uso de los textiles de algodón en el mundo antiguo, siendo éste el textil más importante de India en la actualidad.
Los hombres de la civilización del Indo crían muchos animales domésticos, como el asno, el buey, el ganado con joroba de la India, el búfalo de río y el elefante pero desconocen el caballo
Conocen la metalurgia y la alfarería. Adornan sus cuerpos con ricos ornamentos de plata, oro, marfil y piedras preciosas. Conocen el cobre, el estaño y el plomo. Utilizan el cobre para las armas, instrumentos y utensilios. También utilizan herramientas de bronce (incluso hachas). Para fines domésticos hacen utensilios de barro y de una gran variedad de formas.
Las ciudades del Indo comercian no sólo productos agrícolas, sino con metales, como el oro, plata, plomo y estaño, joyas y piedras semipreciosas, herramientas, utensilios y cerámicas.
Sus huellas aparecen en documentos sumerios y acadios que registran el comercio de oro, ébano y cornalina con naves que algunos historiadores identificaban como procedentes de esta región.
Las ciudades de la cultura Harappa crea colonias de explotación de donde extrae los materiales que necesita, por muy lejos que estén. Un ejemplo es Shortugai, una colonia que se encuentra en el norte del actual Afganistán de donde sacaba lapislázuli, cobre y estaño. Además de otras colonias en Baluchistán.
El área que participa del comercio exterior con la zona del valle del Indo es la de la península Arábiga (en concreto la región de Omán, es decir la zona costera), la zona de Mesopotamia y el actual Irán.
Las evidencias más claras de este contacto externo es el descubrimiento de artefactos típicamente harappienses en Omán como la cerámica o sellos de bronce.
De hecho textos mesopotámicos hacen referencias a relaciones comerciales con un territorio que ellos llaman Meluhha y que muchos investigadores creen que hace referencia a la zona del valle del Indo. La cerámica del Indo también circuló por toda esta zona del Asia meridional en forma de copas, vajilla común, también algunos tiestos con inscripciones en escritura india . Además se han encontrado jarras en varias ciudades del Indo (así como en el golfo):
Mohenjo Daro, Harappa, Balakot, Dholavira, Miri Qalet, Nausharo y Sotkah Koh. Puede se que sirvan para transportar el vino hacia el golfo, porque la viticultura forma parte de la agricultura en auge en esta época.
En la cultura del valle del Indo los sitios más grandes son las ciudades de Harappa y Mohenjo-Daro. Su plano consiste en un montículo elevado o ciudadela que dominaba un área residencial más extensa. Las ciudadelas parecen haber contenido edificios de naturaleza religiosa, ceremonial y administrativa, pero no existen restos de ningún palacio. En algunos lugares el trazado de la ciudad es evidente, con huellas de una red regular de calles cruzadas.
Las casas individuales tienen baños y excusados que se vacían en un receptáculo de cerámica o directamente en el desagüe de las calles.
En la ciudad de Mohenjo Daro podemos encontrar una ciudad baja donde transcurre la mayor parte de la vida ciudadana y la ciudadela, ubicada al oeste de la ciudad baja, planificada, donde aparecen edificios que se refieren al gobierno.
No se destaca un elemento que se identifique como palacio, estructura de poder unitario que pueda hacer suponer que existía algún personaje que domina o que controla, sino una serie de edificios que tienen que ver con el control político pero que no se destacan uno del otro, lo que hace suponer que las estructuras de poder en las ciudades del Valle del Indo no son monárquicas.
Las viviendas forman un sistema cerrado, las casas conviven hacia un patio interior. La relación con las calles es prácticamente nula, y protege a las partes privadas del ruido de las calles. Cuentan con una red de infraestructura: un sistema de red de cloacas; y canalización para la provisión de agua.
El colapso de la cultura del valle del Indo pudo obedecer a cambios climáticos, motivos bélicos o a una variación del curso del río, alrededor del 1500 a. C. Los signos del colapso son anteriores a las invasiones del pueblos indoeuropeos procedentes de las estepas, que con gran facilidad se adueñan de la región gracias a las armas de bronce y los carros de combate.
El blog de Ila Basmati 