Un banquero italiano en Brujas, Arnolfini, Jan van Eyck

Una pareja vestida de manera aristocrática y lujosa en una estrecha habitación burguesa, en la que hay chanclas y zuecos dispersos sobre el suelo.

1434 el cuadro se pinta en Brujas, el enclave comercial mas importante del norte de Europa.

De Rusia y Escandinavia llega la madera y las pieles.

De Génova y Venecia, la seda, las alfombras y las especias.

De España y Portugal los limones, higos y naranjas.

Brujas es un núcleo urbano rico, la ciudad mas famosa del mundo por las mercancías con las que comercia y por los mercaderes que allí viven.

Así la describe Felipe el Bueno, duque de Borgoña de 1419 a 1467.

Es la ciudad portuaria de su propio reino.

Borgoña se extiende desde el mar del Norte hasta la frontera suiza y es durante siglos el país más poderoso de Europa.

El matrimonio del cuadro de Van Eyck es ejemplo de la riqueza de Brujas.

Las ropas evidencian que se trata de una pareja adinerada.

El vestido de la mujer esta adornado con armiño y la cuidada colocación de los pliegues supone la ayuda de una sirvienta.

Por otro lado, para que la señora pueda andar alguien tiene que sujetarle la cola.

El hombre viste una valiosa capa de terciopelo forrada de nutria o marta.

Este hombre no forma parte de la aristocracia por los zuecos de madera colocados delante de él que están reforzados para poder andar por la calle.

Los grandes señores no necesitan zuecos, van a caballo o se hacen llevar en silla de mano.

Van Eyck no deja constancia del nombre del retratado.

Aparece por primera vez en un inventario 100 años después de haber sido pintado.

Una tabla grande con Hernoult le Fin con su mujer en una habitación.

Hernoult le Fin es la versión francesa del apellido italiano Arnolfini que pertenece a una familia de comerciantes y banqueros de Lucca, que por entonces tiene una delegación en Brujas.

Las manos del novio son tan blancas y cuidadas como las de la novia de gran juventud.

Sus hombros estrechos indican que no tiene necesidad utilizar la fuerza física como forma de vida..

Su rostro manifiesta astucia fría y calculadora, es posible que su nombre francés, Harnault le Finn, el fino, el astuto sea reflejo de su personalidad.

Los italianos en esta época ejercen un monopolio sobre los bancos europeos.

Cat The Arnolfini Marriage after Jan Van Eyck by Susan Herbert Netherlands Holland (1434) cats dreams Bruges Portrait of Giovanni & his wife

Su país es la mayor potencia económica del momento porque han desarrollado la técnica del negocio bancario, el cambio, las cartas de crédito y la doble contabilidad.

En Brujas los banqueros italianos de la ciudad se reunían en casa de Van del Burse (Bosa en flamenco) cuyo nombre se convierte en lo que designa la institución mas importante del capitalismo, la bolsa de valores.

Por encima de la pareja cuelga una araña de metal de las que los forjadores fabrican entonces en Flandes.

Solo una vela del candelabro esta encendida y no se conoce ninguna razón que explique el hecho.

Existe una tradición simbólica, ya que en Edad Media se lleva un cirio en la cabeza de los cortejos de boda o el novio se lo entrega a la novia.

La llama simboliza a Cristo que todo lo ve y que aquí es testigo de las promesas nupciales.

Bajo el brazo derecho de la araña se distingue una figura de madera que forma parte del respaldo de una silla.

Representa a Santa Margarita venciendo al dragón.

La silla esta junto al lecho nupcial.

Al igual que la vela y que la figura tallada en la silla, la mayoría de los objetos que están en el cuadro encierran un significado simbólico.

En aquella época hay un lenguaje secreto de los objetos cotidianos.

Muchos de los objetos que aparecen, no están por casualidad, pertenecen a un lenguaje que desconocemos.

El perro situado entre los esposos indica bienestar y felicidad.

En las tumbas de la época aparece a los pies del hombre u n león, símbolo de la fuerza y el valor y a los pies de la mujer un perro, que supone fidelidad.

El espejo y el rosario que cuelga de la pared alude a la pureza de la mujer.

El lenguaje simbólico surge en las iglesias medievales la gente no sabe leer y necesita imágenes para la oración y para aprender.

Van Eyck pinta también retablos a pesar de que vive en un siglo en el que el arte profano comienza a relegar al arte religioso.

El cuadro de los Arnolfini supone la etapa de transición..

Se utiliza el lenguaje de las imágenes del arte sacro para representar el interior burgués en el que se desarrolla una acción que no incluye la presencia de Cristo, sino sobre un banquero y su mujer.

En los cuadros de Van Eyck no solo se detecta el paso del arte sacro al profano, sino también del aristocrático al burgués.

La firma del pintor no esta a la derecha como es habitual, sino que destaca entre el espejo y la araña.

No pone Johann de Eyck fecit (lo hizo), sino fuit hic (estuvo allí, estuvo presente).

Esta formula convierte al cuadro en un documento.

El pintor firma no como autor de la pintura sino como testigo de la boda.

Picture

Arquitectos con ética aplicada, Tod Williams y Billie Tsien

Conocido como Tod Williams Billie Tsien Architects | Partners, es una firma de arquitectos formada por marido y mujer fundada en 1986, con sede en Nueva York . 

1977 Williams y Tsien comienzan a trabajar juntos en 1977. 

 Su estudio trabaja para instituciones que incluyen museos , escuelas y organizaciones sin fines de lucro. 

Tod Williams nace en 1943, Detroit, Michigan.

Logra la licenciatura en arquitectura en la Universidad de Pricenton, Nueva Jersey, después de graduarse de la Escuela Cranbrook en Bloomfield Hills.

Architects Tod Williams and Billie Tsien photographed at the building they designed, the University of Chicago Logan Center for the Arts, on September 19, 2012. (Photo by Jason Smith)

Es padre de la modelo Rachel Williams y del cineasta Tom Williams, ambos de su primera esposa, la bailarina Patricia Agnes Jones, a quien conoce mientras estudia en Princeton.

 Williams es miembro de la Academia Americana de Roma y fideicomisario de la Comunidad Educativa de Cranbrook . 

Es miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, Academia Nacional, Sociedad Filosófica Estadounidense y de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias. 

Billie Tsien nace en 1949, Ithaca, Nueva York.

Se licencia en Bellas Artes en la Universidad de Yale y su M. Arch. de UCLA .

1977 trabaja con Williams y  estan asociados desde 1986. 

 Tsien es actualmente presidenta de la Architectural League de Nueva York  y directora del Public Art Fund. 

Es miembro de la Academia Americana de las Artes y las Letras, La Academia Nacional, la American `Philosophical Society y la Acdemia Americana de las Artes y las Ciencias.

2009 Tsien es una de las ganadoras de los premios Visionary Woman Awards presentados por Moore College of Art and Design en 2009. 

 Williams y Tsien han enseñado en Cooper Union, Harvard, Cornell, Texas, City College of New York y Yale. 

 Williams y Tsien han recibido más de dos docenas de premios del Instituto Americano de Arquitectos.

2014 reciben una beca internacional del Real Instituto de Arquitectos Británicos y el premio a la Firma del Año 2013 del Instituto Americano de Arquitectos.

2013, cada uno recibe una Medalla nacional de las Artes del Presidente Obama.

Han recibido el Premio Brunner de la Academia Estadounidense de Artes y Letras, la Medalla de Honor AIA de la ciudad de Nueva York, el Premio Nacional de Diseño  Cooper-Hewitt, la  Medalla Thomas Jefferson en Arquitectura, la Sociedad Municipal de Arteel, el premio Brendan Gill y el  premio Chrysler a  innovación en diseño.

https://www.mandua.com.py/la-pareja-williams-tsien-se-quedo-con-el-imperiale-de-arquitectura-2019-n544

 http://twbta.com/the-obama-presidential-center

https://www.metalocus.es/es/autor/tod-williams-and-billie-tsien

https://www.metalocus.es/es/noticias/el-museo-con-el-corazon-de-un-bulldozer

https://arquiscopio.com/williams-y-tsien-premiados-con-el-premio-de-arquitectura-de-la-aia/

https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=17015

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/tag/tod-williams-billie-tsien-architects

https://www.floornature.es/american-folk-art-museum-tod-williams-billie-tsien-associates-nueva-york-usa-2001-4081/

https://www.realestatemarket.com.mx/noticias/26066-los-arquitectos-tod-williams-y-billie-tsien-reciben-el-praemium-imperiale-2019

https://www.thespruce.com/tod-williams-billie-tsien-architects-5078665

http://www.espacioacorde.com/2016/05/30/lentitud-tod-williams-y-billie-tsien/

https://www.archdaily.com/tag/tod-williams-billie-tsien-architects

https://www.cladglobal.com/CLADnews/architecture-design/Tod-Williams-and-Billie-Tsien-receive-Praemium-Imperiale-Award/343061?source=news

William Tod & Tsien Billie

1977 they begin to work together and in 1986 they create an office located in Midtown Manhattan.

His studio has worked for institutions, such as schools, museums, and non-profit organizations.

They believe that architecture is the union of art and use.

Its buildings are meticulously made from the inside out to be functional.

A sense of integration, light, texture, detail and experience are in what they design.

From the sketches to the end of the project, they are personally involved.

During the last three decades they have received more than two dozen awards from the American Institute of Architects, as well as numerous national and international appointments.

Outside of the studio, they are active participants in the cultural community and have long-standing partnerships with many arts organizations.

 Parallel to their professional practice, they maintain active academic careers and conferences around the world.

As educators and professionals, they are deeply committed to making a better world through architecture.

Tod Williams (born 1943, Detroit, Michigan, USA) received his BA, MFA, and MA in architecture from Princeton University, New Jersey after graduating from Cranbrook School in Bloomfield Hills.

He is a member of the American Academy of Rome and is a member of the Cranbrook educational community.

He is admitted to the American Academy of Arts and Letters, the National Academy, and the American Academy of Arts and Sciences.

Billie Tsien (born 1949, Ithaca, New York) received her Bachelor of Fine Arts from Yale University and her Master of Architecture from UCLA.

He has worked with Williams since 1977 and they have been in partnership since 1986.

 Tsien is currently President of the New York League of Architecture and Director of the Public Art Fund.

He is a member of the American Academy of Arts and Letters, the National Academy, and the American Academy of Arts and Sciences.

 Tsien is one of the winners of the Visionary Woman Awards presented by the Moore College of Art and Design in 2009.

They have taught at Cooper Union, Harvard University, Cornell University, the University of Texas, the City College of New York, and Yale University.

Williams and Tsien are winners of more than two dozen awards from the American Institute of Architects.

2014 received an International Scholarship from the Royal Institute of British Architects and the 2013 Firm of the Year Award from the American Institute of Architects.

2013, each receives a National Medal of Arts from President Obama.

They also receive the Brunner Award from the American Academy of Arts and Letters, the AIA New York Medal of Honor, the Cooper-Hewitt National Design Award, the Thomas Jefferson Medal in Architecture, the Brendan Gill Award from the Municipal Society of Art and the Chrysler Design Innovation Awar.

 http://twbta.com/the-obama-presidential-center

https://www.metalocus.es/es/autor/tod-williams-and-billie-tsien

https://www.metalocus.es/es/noticias/el-museo-con-el-corazon-de-un-bulldozer

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https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=17015

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/tag/tod-williams-billie-tsien-architects

https://www.floornature.es/american-folk-art-museum-tod-williams-billie-tsien-associates-nueva-york-usa-2001-4081/

https://www.realestatemarket.com.mx/noticias/26066-los-arquitectos-tod-williams-y-billie-tsien-reciben-el-praemium-imperiale-2019

https://www.thespruce.com/tod-williams-billie-tsien-architects-5078665

http://www.espacioacorde.com/2016/05/30/lentitud-tod-williams-y-billie-tsien/

https://www.archdaily.com/tag/tod-williams-billie-tsien-architects

https://www.dezeen.com/2016/06/30/tod-williams-billie-tsien-architects-chosen-for-barack-obama-presidential-library-chicago/

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Pisanello

1380-1395 Antonio di Puccio Pisano, Pisanello nace en Pisa, Italia, sus datos biográficos son escasos y confusos, aparece en las biografías de historiadores de arte con diferentes nombres, entre ellos Antonio di Puccio da Cereto o Vittore Pisano, con este segundo nombre lo cita Giorgio Vasari.


Pasa sus primeros años en San Vigilio, al sur de Verona, y se da como posible que su maestro fuera Altichiero o Stefano da Verona, dado que su estilo se aproxima a la tradicional pintura de el Veronés.

Es uno de los primeros renacentistas en el Quattrocento italiano, reconocido, aclamado por poetas como Guarino de Verona y alabado por los humanistas que lo comparan con nombres tan importantes como Cimabue , Fidias y Praxíteles.


1415-1420, Pisanello es ayudante del gran Gentile da Fabriano de quien es muy probable que adquiriera su refinado delicado y detallado estilo.

 Los frescos en el Palacio Ducal de Venecia, en el que trabajan juntos, desaparecen, al igual que los frescos de la Basílica de San Juan de Letrán y los palacios de Mantua y Pavía.

1422, se le sitúa en Mantua al servicio del joven Ludovico Gonzaga, y consta que continua trabajando para la familia Gonzaga hasta la década de 1440.
Giorgio Vasari, afirma que Pisanello también trabaja en el taller de Andrea del Castagno en 1456.


Es sobre todo reconocido por sus magníficos y resplandecientes frescos sobre enormes murales, pero también por sus pequeñas pinturas de caballete y por dibujos, de los que se conserva una considerable colección.

Estos dibujos, son considerados joyas del Quatroccento, proporcionando datos de los atuendo de la época, incluyendo sombreros espectaculares.

A diferencia de sus contemporáneos, sus dibujos no son borradores para futuros cuadros, son obras de arte autónomas.

Él compila varios libros de dibujos, estudios detallados y exactos de la fauna y flora dibujadas con un naturalismo poético.

Es tambien un brillante medallista en la primera mitad del siglo XV.
Trabaja para el Duce de Venecia, para el Papa, en el Vaticano, para los tribunales de Verona, Ferrara, Mantua, Milán, Rimini, y para el Rey de Nápoles.

Durante años, muchas de sus obras son atribuidas de forme errónea a otros pintores, como Piero dalla Francesca, Alberto Durero y Leonardo da Vinci.

 La mayoría de sus cuadros desaparecen, pero una buena parte de sus dibujos y medallas han sobrevivido.


La Virgen de La Codorniz, actualmente en el Museo di Castelvecchio en Verona, está firmado por Antonius Pisanus, y datada en 1420.

El estilo de esta obra es una mezcla de los estilos de Gentile da Fabriano y Stefano da Verona.


 1424-1426, pinta una de sus obras importantes de las que sobreviven: el fresco de «La Anunciación en San Fermo», de Verona.

Cuando Gentile da Fabriano muere en Roma en 1427, esta trabajando en la Basílica de San Juan de Letrán, Pisanello completa los frescos de su antiguo maestro entre 1431 y 1432.

Todos ellos son destruidos cuando la basílica es reconstruida en el siglo XVII por Francesco Borromini.
Viaja a varias ciudades de Italia.

Pasa una temporada en Florencia; período en el que pinta dos retratos importantes: el del Emperador Segismundo, actualmente en el Museo Kunsthistorisches de Viena, y Retrato de un hombre, en el Palazzo Rosso, de Génova.

Emperador Segismundo

Tras una estancia en Milán de 1440 a 1441, regresa a Ferrara en 1441; pintando en esa época su retrato más aclamado, el de Lionello d’Este, actualmente en la Accademia Carrara, de Bergamo.

Lionel del Este

Su Virgen y los santos Antonio y Jorge, actualmente en National Gallery, de Londres.

El fresco impresionante ciclo de escenas de guerra y caballería en el Palazzo Ducale di Mantova, en Mantua es probablemente de 1447.

Del trabajo Pisanello se conservan actualmente obras en Roma, Venecia, Verona, Pistoia y dos en la National Gallery de Londres: La Visión de San Eustaquio y La Virgen y el Niño con San Jorge y San Antonio Abad.

La visión de San Eustaquio

Muchos de sus dibujos se pueden encontrar en la Biblioteca Ambrosiana de Milán, Italia, y en el Louvre.

Pisanello está considerado como el último artista y ejemplo magnífico del estilo cortesano del arte gótico en el siglo XV, o gótico internacional.

Por otra parte, también se le puede considerar como uno de los primeros renacentista.
Muere entre 1450 y 1455; se da como probable que sea entre el 14 de julio y 8 de octubre 1455.

https://es.wikipedia.org/wiki/Pisanello

https://www.artehistoria.com/es/obra/partida-de-san-jorge

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pisanello.htm

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Il Pisanello [Antonio Pisano]. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España).

Trianart

https://ilsassonellostagno.wordpress.com/tag/a-cura-di-giorgio-chiantini/page/3/

Saint George and the princess of Trabzon, Pisanello

5.0.2

1380-1395 Antonio di Puccio Pisano, Pisanello was born in Pisa, Italy.

His biographical data are scarce and confusing, he appears in the biographies of art historians with different names, such as Antonio di Puccio da Cereto or Vittore Pisano, with this second name he is quoted by Giorgio Vasari

He spent his early years in San Vigilio, south of Verona, and it is possible that his teacher was Altichiero or Stefano da Verona, since his style is close to the traditional painting of the Veronese.

He is one of the first Renaissance in the Italian Quattrocento, recognized, acclaimed by poets such as Guarino of Verona and praised by humanists who compare him to such important names as Cimabue, Fidias and Praxíteles.

1415-1420, Pisanello is an assistant to the great Gentile da Fabriano from whom it is very likely that he acquired his refined, delicate and detailed style.

 The frescoes in the Doge’s Palace in Venice, in which they work together, disappear, as do the frescoes in the Basilica of St. John Lateran and the palaces of Mantua and Pavia.

In 1422, he is placed in Mantua in the service of the young Ludovico Gonzaga, and it is recorded that he continued to work for the Gonzaga family until the 1440s.

Giorgio Vasari, states that Pisanello also works in the workshop of Andrea del Castagno in 1456.

He is best known for his magnificent and resplendent frescoes on huge murals, but also for his small easel paintings and drawings, of which a considerable collection is preserved.

These drawings are considered jewels of the quatroccento, providing data on the attire of the time, including spectacular hats.

Unlike his contemporaries, his drawings are not drafts for future paintings, they are autonomous works of art.

He compiles several books of drawings, detailed and exact studies of the fauna and flora drawn with a poetic naturalism.

He is also a brilliant medalist in the first half of the 15th century.

He works for the Duce of Venice, for the Pope, in the Vatican, for the courts of Verona, Ferrara, Mantua, Milan, Rimini, and for the King of Naples.

For years, many of his works were wrongly attributed to other painters, such as Piero dalla Francesca, Albrecht Dürer, and Leonardo da Vinci.

 Most of his paintings disappear, but a good part of his drawings and medals have survived.

The Virgin of the Quail, currently in the Museo di Castelvecchio in Verona, is signed by Antonius Pisanus, and dated 1420;

The style of this work is a mixture of the styles of Gentile da Fabriano and Stefano da Verona.

 1424-1426, he painted one of his important works that survive: the fresco of «The Annunciation at San Fermo», from Verona.

When Gentile da Fabriano died in Rome in 1427, he was working on the Basilica of Saint John Lateran, Pisanello completed the frescoes of his former master between 1431 and 1432.

All of them are destroyed when the basilica is rebuilt in the 17th century by Francesco Borromini.

Travel to various cities in Italy.

Spend a season in Florence; period in which he painted two important portraits: that of the Emperor Sigismund, currently in the Kunsthistorisches Museum in Vienna, and Portrait of a Man, in the Palazzo Rosso, Genoa.

After a stay in Milan from 1440 to 1441, he returned to Ferrara in 1441; painting at that time his most acclaimed portrait, that of Lionello d’Este, currently at the Accademia Carrara, in Bergamo.

His Virgin and Saints Antonio and Jorge, currently in the National Gallery, London.

The impressive fresco cycle of war and cavalry scenes in the Palazzo Ducale di Mantova in Mantua is probably from 1447.

Of the work Pisanello, works are currently preserved in Rome, Venice, Verona, Pistoia and two in the National Gallery in London: The Vision of Saint Eustace and The Virgin and Child with Saint George and Saint Anthony the Abbot.

Many of his drawings can be found in the Ambrosiana Library in Milan, Italy, and in the Louvre.

Pisanello is considered the last artist and magnificent example of the courtly style of Gothic art in the 15th century, or International Gothic.

On the other hand, it can also be considered as one of the early Renaissance.

He died between 1450 and 1455; it is given as probable to be between July 14 and October 8, 1455.

https://es.wikipedia.org/wiki/Pisanello

https://www.artehistoria.com/es/obra/partida-de-san-jorge

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pisanello.htm

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Il Pisanello [Antonio Pisano]. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España).

Trianart

https://ilsassonellostagno.wordpress.com/tag/a-cura-di-giorgio-chiantini/page/3/

A vueltas con el Art Deco

Al termino del Modernismo no decae en intensidad comercial el interés por el arte decorativo que se realiza en el marco de la producción artesanal y de la arquitectura moderna.

Son pioneros los Talleres de Viena, sobre todo tras la incorporación del arquitecto Dagobert Peche.

Dagobert Peche

Entre sus características se encuentran las líneas y formas claras, los dibujos geométricos, tanto de origen exótico como histórico y los materiales nobles.

La abreviatura Art Deco remite a la Exposición Internacional de las Artes Decorativas e Industriales Modernas organizada en 1925 en Paris, aunque en realidad estaba prevista para 1915, por la Sociedad Francesa de Artistas Decoradores, fundada en 1901.

Entre sus organizadores mas destacados estan Jacques Emile Ruhlman, Eugene Printz, Eileen Gray y Pierre Chareau.

Su versión arquitectónica cobra fuerza a principios de la década de 1900 en Europa, pero se convierte en un fenómeno internacional en las décadas de 1920-1930, donde es aplicada en edificios cívicos glamurosos y otros proyectos importantes.

Estos edificios ornamentados o de formas únicas a menudo estan revestidos, o al menos decorados, con materiales de construcción modernos que representan  la era industrial.

Las esquinas curvas son un motivo común en los edificios art déco. Otros ejemplos de elementos atrevidos incluyen entradas curvas o fachadas irregulares que usan patrones art déco a mayor escala.

Entre los edificios diseñados en estilo art déco hay hoteles, teatros, lujosos rascacielos, edificios gubernamentales y otros proyectos de construcción diseñados para impresionar.

La complejidad y el glamour del art déco dio una oportunidad para crear interiores intrincados y deslumbrantes que reflejan el auge económico que vivían estas ciudades.

Los patrones populares utilizados en el diseño y la arquitectura art déco incluyen el resplandor solar, curvas amplias, formas trapezoidales y zigzags, entre otros.

Estos patrones se pueden encontrar en las fachadas de los edificios, las ventanas u otros paneles, puertas, muebles y mucho más.

También son utilizados a menudo a mayor escala para crear espacios o agujas únicas. Los rayos de sol son un motivo popular que a menudo fue utilizado para crear letreros o parapetos para acentuar el edificio.

El patrón de rayos de sol también se puede encontrar en al menos tres de los cinco ejemplos de arquitectura art déco de esta lista.

 Esto es apropiado si consideramos que todo el movimiento artístico comenzó en una exposición sobre artes industriales.

Las líneas claras de la nueva arquitectura, consideradas como excesivamente puristas, se suavizan mediante elementos decorativos aplicados a curvas de formas libres que tratan de producir efectos emocionales.

Así el movimiento moderno da lugar al un estilo modernista, cuyo grado de exageración plástica responde a los gustos personales y al tema arquitectónico correspondiente.

También tiene una acogida muy favorable en Hollywood donde se construyen numerosos cines de acuerdo con el nuevo estilo a raíz de las concienzudas investigaciones llevadas a cabo por el grupo internacional Kinema Reseach.

Los últimos proyectos Art Deco aplican los últimos hallazgos técnicos a unas formas aerodinámicas designadas con el concepto de modernidad aerodinámica.

Los edificios incorporaban bandas de color superficies brillantes.

Este estilo alcanza su máximo esplendor con el edificio Chriysler (1927-1930) de William van Alen; el Empire State de Shreve, Lamb and Harmon (1930-1931), ambos en NY, Y LA FABRICA Hoover, de Wallis, Gilbert & Patner, en Perivale, Inglaterra (1931-1939).

En Miami Beach Florida, caracteriza a toda la ciudad.

About Art Deco

At the end of Modernism, interest in decorative art, which is carried out in a very different way, although typical of the time within the framework of artisan production and modern architecture, did not decline in commercial intensity.

The Vienna Workshops are pioneers, especially after the incorporation of Dagobert Peche into a factory of elegant furniture in tune with fashion.

Dagobert Peche

Its characteristics include clear lines and shapes, geometric drawings, both of exotic and historical origin, and noble materials.

The abbreviation Art Deco refers to the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts organized in 1925 in Paris, although it was actually scheduled for 1915, by the French Society of Decorating Artists, founded in 1901.

Among its most prominent organizers are Jacques Emile Ruhlman, Eugene Printz, Eileen Gray and Pierre Chareau.

The clear lines of the new architecture, considered excessively purist, are softened by decorative elements applied to free-form curves that try to produce emotional effects.

Thus the modern movement gives rise to a modernist style, whose degree of plastic exaggeration responds to personal tastes and the corresponding architectural theme.

It also has a very favorable reception in Hollywood where numerous cinemas are built according to the new style as a result of the painstaking research carried out by the international group Kinema Reseach.

The latest Art Deco projects apply the latest technical findings to streamlined shapes designated by the concept of streamlined modernity.

The buildings incorporated bands of colored glossy surfaces.

This style reaches its maximum splendor with the Chriysler building (1927-1930) by William van Alen; the Empire State Building by Shreve, Lamb and Harmon (1930-1931), both in NY,  and the factory Hoover, by Wallis, Gilbert & Patner, in Perivale, England (1931-1939).

In Miami Beach Florida, it characterizes the entire city.

https://mymodernmet.com/es/que-es-art-deco-definicion/https://mymodernmet.com/es/que-es-art-deco-definicion/

https://www.revistaad.es/arte/articulos/diferencias-art-nouveau-art-deco/20568

https://www.revistaad.es/arquitectura/galerias/ejemplos-edificios-art-nouveau-y-art-deco/13527

El ángel en una estancia burguesa, El tríptico de la anunciación de Robert Campin

Tríptico de la Anunciación (Retablo de Merode), Taller de Robert Campin. 1432, Cultura: South Netherlandish, óleo sobre roble, H: 64,5 cm (25,3 pulg.); Ancho: 117,8 cm (46,3 pulgadas), Museo: The Met Cloisters

Es también conocido como el Retablo de Mérode, es óleo sobre roble en formato de tres paneles.

Contexto mundial del tiempo en que se crea esta pintura en 1432

1407 – Se funda el primer banco público en Génova

1418 – Portugal comienza a patrocinar la exploración de la costa de África.

1428 – Juana de Arco lidera a los franceses contra los ingleses.

1450 – Florencia se convierte en un centro de arte y aprendizaje del Renacimiento.

1453 – Los turcos conquistan Constantinóple y el fin del imperio bizantino.

1455 – Gutenberg completa la primera Biblia.

1462 – Iván el Grande gobierna Rusia como el primer zar.

Aunque se piensa en  Van Eyck como el revolucionario que pone fin al gótico internacional para tomar una nueva dirección estilística en los Países Bajos, es Robert Campin quien es el primero en explorar y conquistar un nuevo discurso pictórico de la región flamenca entonces, el Ducado de Borgoña.

Esta obra maestra representa, de izquierda a derecha, a los donantes arrodillados en oración en un jardín, la Anunciación a María, que se desarrolla en un entorno doméstico contemporáneo, y a San José como carpintero. (ratonera)

La pintura contiene muchos símbolos religiosos, incluido el lirio que simboliza la pureza de María.

 El Espíritu Santo está representado por los rayos de luz y una pequeña figura blanca con una cruz, procedente de la ventana de la izquierda en el panel central.

La Anunciación es la celebración cristiana del anuncio del ángel Gabriel a la Virgen María de que concebiría y se convertiría en la madre de Jesús, el Hijo de Dios, marcando su Encarnación.

La Anunciación ha sido un tema central en el arte cristiano de la Iglesia católica, particularmente durante la Edad Media y el Renacimiento.

Curiosamente, la Anunciación también se describe en el Corán.

María, la madre de Jesús, ocupa un lugar singularmente exaltado en el Islam como la única mujer nombrada en el Corán.

Campin completa el panel central; sin embargo, los ayudantes del taller de Campin agregan más tarde los paneles exteriores.

Los paneles adicionales se añaden a solicitud de los donantes, que quieren ser representados en el Tríptico para demostrar su fe.

Los paneles laterales contienen vistas de la ciudad de Lieja, en la Bélgica actual.

Este tríptico de Robert Campin es un hito importante en el estilo gótico tardío emergente y el estilo neerlandés temprano .

Deriva de la tradición medieval; sin embargo, lo que es más importante, sienta las bases para el desarrollo de la pintura moderna.

Robert Campin es el primer gran maestro de la pintura flamenca y neerlandesa temprana.

Tiene un gran éxito durante su vida y sus actividades están relativamente bien documentadas, pero no firma ni fecha sus obras.

Campin esta activo en 1406 como maestro pintor en Tournai, en la Bélgica actual.

Los primeros paneles de Campin muestran la influencia de los principales artistas góticos, pero muestran observaciones más realistas que logró mediante innovaciones en el uso de pinturas al óleo.

https://es.wikipedia.org/wiki/Tr%C3%ADptico_de_la_Anunciaci%C3%B3n

Los secretos de las obras de arte, de Rose – Marie y Rainer Haguen (Colección Taschen).

National Gallery of Art website  www.nga.gov

Metropolitan Museum of Art website  www.metmuseum.org

The Getty Center www.getty.edu

http://aprendersociales.blogspot.com/2009/05/el-triptico-merode.html

https://enviarte.wordpress.com/tag/robert-campin/

https://es.newmediator.org/641-robert-campin-northern-renaissance-painter.html

https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/470304

https://es.gallerix.ru/pedia/famous-paintings–merode-altarpiece/

https://www.kellybagdanov.com/2019/11/08/hidden-symbols-in-campins-merode-altarpiece/ https://joyofmuseums.com/museums/united-states-of-america/new-york-museums/the-cloisters/annunciation-triptych-merode-altarpiece-by-robert-campin-met/

https://www.metmuseum.org/pubs/bullet.

http://creativecommons.org/licenses/b

https://es.gov-civ-guarda.pt/gabriel

https://youtu.be/KchM1xp9HFIhttps://youtu.be/OXVRN5cKLbI

Annunciation Triptych by Robert Campin

Although Van Eyck is created as the revolutionary who puts an end to the International Gothic to take a new stylistic direction in the Netherlands, it is Robert Campin who was the first to explore and conquer a new direction in the pictorial art of the Flemish region then in the Duchy of Burgundy.

World History during the time this painting was created in 1432

1407 – The first public bank is founded in Genoa

1418 – Portugal starts sponsoring the exploration of Africa’s coast.

1428 – Joan of Arc leads French against English.

1450 – Florence becomes a center of Renaissance arts and learning.

1453 – Turks conquer Constantinople and the end of the Byzantine empire.

1455 – Gutenberg completes the first Bible.

1462 – Ivan the Great rules Russia as the first Czar.

Annunciation Triptych (Merode Altarpiece)

 Annunciation Triptych (Merode Altarpiece),Workshop of Robert Campin. 1432, Culture: South Netherlandish, Oil on oak, H: 64.5 cm (25.3 in); W: 117.8 cm (46.3 in), Museum: The Met Cloisters

Annunciation Triptych by Robert Campin, which is also known as the Mérode Altarpiece, is oil on oak in three panels format.

This masterpiece represents from left to right, the donors kneeling in prayer in a garden, the Annunciation to Mary, which is set in a contemporary, domestic setting, and Saint Joseph as a carpenter.

The painting contains many religious symbols, including the lily symbolizing the purity of Mary.

The Holy Spirit is represented by the rays of light and a small white figure with a cross, coming from the left-hand window in the central panel.

The Annunciation is the Christian celebration of the announcement by the angel Gabriel to the Virgin Mary that she would conceive and become the mother of Jesus, the Son of God, marking his Incarnation.

The Annunciation has been a central theme in Christian art in the Catholic Church, particularly during the Middle Ages and Renaissance. Interestingly, Annunciation is also described in the Quran.

Mary, the mother of Jesus, holds a singularly exalted place in Islam as the only woman named in the Quran.

Campin completed the central panel; however, the outer panels were added later by Campin’s workshop assistants.

The additional panels were added at the request of the donors, who wanted to be depicted in the Triptych to demonstrate their faith. The side panels contain views of the city of Liège, in today’s Belgium.

This Triptych by Robert Campin is a significant milestone in the emerging late Gothic and the Early Netherlandish style.

It derives from the medieval tradition; however, more importantly, it establishes the foundation for the development of modern painting.

Robert Campin was the first great master of Flemish and Early Netherlandish painting. He was highly successful during his lifetime, and his activities are relatively well documented, but he did not sign or date his works.

Campin was active by 1406 as a master painter in Tournai, in today’s Belgium.

Early Campin panels show the influence of the leading Gothic artists but display more realistic observations which he achieved through innovations in the use of oil paints.

https://es.wikipedia.org/wiki/Tr%C3%ADptico_de_la_Anunciaci%C3%B3n

Los secretos de las obras de arte, de Rose – Marie y Rainer Haguen (Colección Taschen).

National Gallery of Art website  www.nga.gov

Metropolitan Museum of Art website  www.metmuseum.org

The Getty Center www.getty.edu

http://aprendersociales.blogspot.com/2009/05/el-triptico-merode.html

https://enviarte.wordpress.com/tag/robert-campin/

https://es.newmediator.org/641-robert-campin-northern-renaissance-painter.html

https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/470304

https://es.gallerix.ru/pedia/famous-paintings–merode-altarpiece/

https://www.kellybagdanov.com/2019/11/08/hidden-symbols-in-campins-merode-altarpiece/ (en ingles muy interesante)https://joyofmuseums.com/museums/united-states-of-america/new-york-museums/the-cloisters/annunciation-triptych-merode-altarpiece-by-robert-campin-met/

Wittgenstein House, Stonborough House

Ludwig Wittgenstein

Located at Parkgasse 18, Vienna, built in 1928 by Ludwig Wittgenstein for his sister Margaret Stonborough, along with Paul Engelmann.

 Margaret Stonborough-Wittgenstein

1925, Margaret Stonborough, a wealthy heiress and patron of the arts, commissioned Paul Engelmann to design a large house for her in Vienna.

Engelmann, a student of Adolf Loos, tackles the task by projecting a Loos-influenced house with classical details.

A

This house would have gone unnoticed in architectural history had Engelmann not made the mistake of discussing the project with Margaret’s brother, the philosopher Ludwig Wittgenstein.

Wittgenstein friend of Loos and is always interested in architecture.

At that time he is out of work, having recently finished his Tractatus Logico-Philosophicus and had been fired from his teaching job.

 So he delivers on this project, initiating a collaboration that eventually and inevitably leads to the breakdown of his friendship with Engelmann.

History cannot ignore a house designed by one of the greatest philosophers of the 20th century, but we must wait until 1960, when the threat of demolition weighs on the house, for the world of architecture to begin to take an interest in it.

Engelmann’s project is almost finished when Wittgenstein takes over, although the original layout remains in the final building: a set of interpenetrating cubic forms – the tallest of (which is three stories high) occupies a cleared lot, in a densely built neighborhood of Vienna.

Wittgenstein adapts the plan to his personal architectural theories.

But not all adaptations turned out to be improvements, so certain subtleties of Engelmann’s original plant were lost in the intervention.

For example, at the back of the house, Wittgenstein introduces an ill-advised buttressed block with a sloping glass roof to enlarge his sister’s private rooms, and replaces Engelmann’s discreet Loosian staircase with a Intrusive and rather clumsy glass stair tower and elevator.

But its variations are fascinating.

Engelmann composes the main spaces on the ground floor – lobby, music room, dining room and library – making use of harmonic proportions and symmetry, but Wittgenstein refines these characteristics to an obsessive extreme.

The joints of the dark gray artificial stone pieces are exactly aligned with doors and windows, and the thickness of the walls is artificially thickened in the places necessary to preserve a perfect symmetry.

La hermana de Ludwig, Greti, pintada por Klimt.

The use of baseboards, moldings or flashing is prohibited, so that the deliveries of the different elements or materials had to be scrupulously precise.

No one seems to have cared much about the upper floors, which are designed more informally for the use of the children, the servants, and Mr. Stonborough.

Wittgenstein had trained as an aeronautical engineer in Manchester, United Kingdom, and therefore paid special attention to everything related to mechanics and electricity.

Thus, he designs the radiators, air grilles, electrical switches, window frames and door handles, and is even involved in the development of the elevator mechanism, which would be clearly visible in its glass tower.

The windows and hawks are equipped with metal shutters that rose from a crack in the pavement, balanced with counterweights.

Lamps are bare bulbs mounted close to the ceiling and precisely centered.

The overall effect is dignified, but cold and hard, a feeling far removed from the comfortable and sumptuous interiors of Loos.

The house is more a curiosity than a masterpiece, however, despite its flaws and divided authorship, critics return to examine it again and again, looking for clues to the work of a great genius.

It has even been interpreted as a kind of philosophical bridge built between the Tractatus and the later book Philosophical Investigations.

Today it houses the Bulgarian Cultural Institute.

https://www.urbipedia.org/hoja/Casa_Wittgenstein

https://www.arquiscopio.com/pensamiento/la-casa-de-wittgenstein/

http://docomomoiberico.com/index.php?option=com_k2&view=item&id=3030:proyectar-la-verdad-de-la-casa-wittgenstein&lang=en&lang=en

https://www.arquine.com/la-casa-wittgenstein/ (interesante)

https://www.metalocus.es/es/noticias/aumentar-la-nocion-de-realidad-por-juan-d-lopez-arquillo

http://ijfortunoarquitectura.blogspot.com/2012/07/la-casa-de-wittgenstein.html

https://www.clarin.com/arquitectura/anos-haus-wittgenstein_0_r1_NIyjDml.html

https://xdoc.mx/documents/1-la-casa-como-gesto-universidad-de-zaragoza-5dc329c14192f

https://ctxt.es/es/20171213/Firmas/16756/Wittgenstein-Tractatus-casa-funcionalidad-logica-razon.htm