(Trittico Portinari) is a great triptych by the Flemish painter Hugo van der Goes, whose central panel is the Adoration of the Shepherds.

It is made on panel, and is painted in Bruges between 1476 and 1478.

Regárding its dimensions, the central panel measures 253 cm high by 304 cm wide; for their part, the shutters measure 253 by 141 cm.

It is currently exhibited at the Uffizi Gallery in Florence.

It should not be confused with a painting by the same author, dated 1480 -The Adoration of the Shepherds-.

The Portinari Triptych is the author’s most famous work, and one of the most beautiful in Flemish art.

It is the main representation of the Flemish school at the Uffizi.

It is an altarpiece commissioned by Tommaso Portinari, the represéntative of the Medici family in Bruges.

It is his only documented painting, which allows the attribution and dating of the rest of his paintings.

 Once the painting is finished, it is sent to Florence, since it is destined for the church of the Santa Maria Nuova hospital.

It is there expósed to the public in the Tuscan city, and exerted an enormous influence on the Florentine painters, who noticed the realism evidenced in the shepherds and the landscape.

Domenico Ghirlandaio copied the group of shepherds in his painting from 1485 for the Sassetti chapel in the church of Santa Trinità.

Filippino Lippi, even Botticelli and, abóve all, Leonardo da Vinci, and others studied the work, one of the first Flemish works to arrive in Italy.

Lorenzo di Credi and Mariotto Albertinelli copy the Nordic type of landscape.

It is a work of great dimensions, which are unusual for the painting of the time.

This size allowed him to unleash his concérn for space, perspective, and relationships between characters.

The central panel of the Triptych is dedicated to the Adoration of the Shepherds.

The central fígure is that of the Virgin Mary, with a soft face, dressed in dark blue, who adóres Jesus who has just been born.

The child is (néiked)naked, on the floor.

The scene is   reflected according to the account of the Revelations of Saint Bridget of Sweden, with the  simultaneous adorations of the Virgin, the shepherds and the magícians.

In the  foreground, a still life with strong symbolism: a blue and white cerámic jug with metallic reflection, undoubtedly from Manises, contains white, blue and red lílies, allúding respéctively to the purity of the Virgin, her pain and the Passion of his son while another made of glass,  carrying bluebells and (áqlain)aquilines, symbols of the human nature of Jesus.

Behind the contáiners, the búndle of  wheat alludes to the place itself, since Béthlehem means House of Bread.

The great central column fóreshadows the Flagellátion.

Next to José, a sandal indicates the sácredness of the enclósure.

 He and Maria appear seréne,  aware of having fulfílled what was  (anáus) announced.

The formal presence of the angels brings solemnity to the moment, dressed in liturgical gárments and on a smaller  scale than the other figures.

At the bottom right, the shepherds arrive, represented realistically as peasants, with weathered faces, natural gestures of joy and surprise, and rustic clothes and tools.

A typical winter landscape is présented with small compleméntary scenes: the  (anáusment) Announcement to the shepherds and mídwives Zelomi and Salomé walking next to the house of King David, allúding to the geneálogy of Jesus.

As for the lateral wings, the principals of the work are répresented accómpanied by their  (pítron  seint) patron saints, on a smaller scale than the holy figures following the medieval  (Jáirarqui) hierarchy.

On the left wing of the altarpiece, Portinari and his sons Antonio and Pigello are represented kneeling in prayer, with Saints Antonio, patron of the hospital to which the altarpiece was destined, with his staff in tau and bell and Tomás, patron of the  (cláint) client, also with his  (atríbiut) attribute: the  (espír alúdin) spear, alluding to the well-known épisode of his   disbelief; the landscape in the background represents the (errábol) arrival of José and María in Bethlehem.

The right wing also shows the wife, María Portinari, kneeling with the first-born Margarita, showing the same childlike innocence as her little brothers, and the (éleganli) elegantly dressed saints Margarita, with a book, crúcifix and the dragon at her feet, and María Magdalena also holding its traditional attribute, the jar of óintments; in the background landscape the figures of the Magi approaching the portal to the surprise of the peasants can be seen.

An Annunciation painted in grisaille is represented on the outside of the doors.

Trianart

The Bauhaus was created at a time when the German spirit passed from Expressionism to New Objectivity.

The Bauhaus -created by Walter Gropius in Weimar- operated between 1919-1933. It combines crafts and fine arts, and is famous for its design.

House under construction, despite its name and the fact that its founder and later directors are architects, the Bauhaus did not have an architecture department during its early years.

His intention is design for industry, bringing together all the arts, including architecture.

In a short time, it becomes a trend, as one of the most influential currents in modern design, architecture, art and education.

It takes place in Weimar from 1919 to 1925, Dessau from 1925 to 1932 and Berlin from 1932 to 1933, with Walter Gropius from 1919 to 1928, Hannes Meyer from 1928 to 1930 and Ludwig Mies van der Rohe from 1930 to 1933.

This year, the school is closed by the Nazis, calling it communist.

The Bauhaus style, known as the International Style, is characterized by the absence of ornamentation and the harmony between function and design.

Its most important influence is Modernism, a cultural movement whose origins date back to 1880, due to its simplified forms, rationality and functionality.

 There is an idea that mass production supports the individual artistic spirit.

The acceptance of modern design in everyday life is the subject of ad campaigns, well-attended public displays, films, and sometimes fierce public debate.

Thus, the Bauhaus has a great impact on architecture, on the simplification of forms and on functionality; the absence of ornament, geometry and the use of basic materials, such as concrete, glass and steel, in neutral tones and natural finishes.

After Germany, Tel Aviv, Israel, is the city with the most Bauhaus architecture in the world, where the emblematic building of the Bauhaus school in the city of Dessau stands.

A whole group of working architects like Erich Mendelssohn, Bruno Taut and Hans Poelzig, reject extravagant experimentation and prefer rational, functional and sometimes standardized buildings.

Ernst May, Bruno Taut and Martin Wagner, among others, build large blocks of flats in Frankfurt and Berlin.

Martin Wagner is an architect and urban planner, attached to expressionism (Konigsberg, November 5, 1885-Cambridge, Massachusetts, May 28, 1957).

 He is known for his social housing projects in interwar Berlin.

He studied at the Technical University of Berlin (Technische Universität Berlin) and worked as a draftsman in the Planning office of Herman Muthesius, before being appointed in 1918 in charge of the construction of the city of Schonebeg, currently within the city of Berlin.

Since 1925 he has been Berlin’s main planner, building most of Berlin’s Siedlungen, recognized by UNESCO as a World Heritage Site.

1924 founds the Gehag Building Society, which is responsible for 70 percent of Berlin’s homes built from 1924 to 1933.

His role parallels that of Ernst May in Frankfurt am Main.

He is leading a large-scale effort to standardize construction requirements, streamline construction practice, organize industrial suppliers and unions, all in a common effort for mass production of housing for the working class.

Martin Wagner along with Bruno Taut is responsible for thousands of homes built in and around Berlin, including the Siedlung Horseshoe named for its shape and the Siedlung for Uncle Tom’s Cabin named after a local restaurant.

Today this type of housing represents half of the rental market.

Along with its success in providing places to live for low-income families, this system also leads to the creation of suburban ghettos.

There, the strata without means of the population, mostly of immigrant origin with massive unemployment, are isolated from the urban centers, sometimes leading to conflicts with violence and social tensions.

These Siedlungen settlements, is created by the demand for the terrible living conditions of the prewar urban landlords.

The right to decent housing is included in the Weimar Constitution, but few houses are built until economic stability is achieved, in which the inhabitants thus have access to light, air and sun.

Martin Wagner, during his studies at the Berlin and Dresden High Schools, (1885-1957) worked between 1905-1910 for Herman Muthesius.

In 1917, he wrote a memorandum on the organization of public housing and focused his discourse on the creation of housing estates with the aim of replacing the deadly apartment blocks with landscaped communes, pleasant for their inhabitants.

1918-1920 is councilor for urban planning for Schonemberg.

1926-1933 is councilor for urban planning in Berlin.

1929 publishes the magazine Das neue Berlin with Adolf Behne.

1918-1921 with Bruno Taut he built the Lindenhof housing estates and between 1925-1930 the Britz housing estate, also in Berlin.

The complex is a block of flats that opens in the shape of a horseshoe around a pond.

At the rear, the houses are closed with red and blue facades, forming rhomboid motifs.

These buildings contrast with those of the neighboring conservative-style urbanization.

Wagner participates with other architects in the urbanization of Uncle Tom’s Cabin in Berlin (1926-1931) and between 1929-1930 the project of the beach of Lake Wann in Berlin.

1929-1930 in collaboration with Hans Poelzig makes The House of Radio on the grounds of the Berlin trade fair.

With the advent of Nazism and because of his socialist militancy, he was expelled from the Deutscher Werkbund in 1933 and left the country.

He stayed in Turkey for three years and then emigrated to the United States where he worked as a professor at the University of Cambridge.

In 1938 he was appointed professor at the Graduate School of Design in Har, until his retirement in 1951.

1944 obtains the American citizenship.

His son, Bernard Wagner, is also an architect.

100 años de la Bauhaus y algunos ejemplos de su arquitectura en la CDMX

Wagner, Martin

Arquitectura Bauhaus: todo un referente del siglo XX

https://greatatapib.weebly.com/blog/vivienda-social-en-inglaterra

https://www.yourtripagent.com/6792-profiling-germany-s-utopian-modernist-architect-bruno-taut

https://archxde.com/arquitectos/wagner-martin/

https://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Wagner_(arquitecto)

https://mxcity.mx/2019/03/100-anos-de-la-bauhaus-y-algunos-ejemplos-de-su-arquitectura-en-la-cdmx/?fbclid=IwAR030c- HHhAJKfkXBtNC99dJ4nnAxunSMZDRyO6__sMnv5Ci3v6FPt1GBms

Donas de talavera, la estética de la artesanía con la gastronomía poblana

https://multipliciudades.org/page/4/

https://multipliciudades.org/2017/03/06/el-movimiento-moderno-y-el-derecho-a-la-ciudad-video-de-la-ponencia-en-ix-docomomo-iberico/

https://multipliciudades.org/2017/03/06/el-movimiento-moderno-y-el-derecho-a-la-ciudad-video-de-la-ponencia-en-ix-docomomo-iberico/https://youtu.be/n3yF7mcjPWY

La Bauhaus se crea en un momento en el que el espíritu alemán pasa del expresionismo a la Nueva Objetividad.

La Bauhaus -creada por Walter Gropius en Weimar- funciona entre 1919-1933. Combina artesanía y bellas artes, y es famosa por el diseño.

Casa en construcción, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador y directivos posteriores, sean arquitectos, la Bauhaus no tiene un departamento de arquitectura durante sus primeros años.

Su intención es el diseño para la industria, y que se unan todas las artes, incluida la arquitectura.

En poco tiempo, se convierte en tendencia, como una de las corrientes más influyentes en el diseño moderno, arquitectura, arte y educación.

Transcurre en Weimar de 1919 a 1925, Dessau de 1925 a 1932 y Berlín de 1932 a 1933, con Walter Gropius de 1919 a 1928, Hannes Meyer de 1928 a 1930 y Ludwig Mies van der Rohe desde 1930 hasta 1933.

Este año, la escuela es clausurada por los nazis, al tacharla de comunista.

El estilo Bauhaus, conocido como Estilo Internacional, se caracteriza por la ausencia de ornamentación y la armonía entre función y diseño. 

Su influencia más importante es del Modernismo, un movimiento cultural cuyos orígenes se remontan a 1880, por sus formas simplificadas, racionalidad y funcionalidad.

 Hay una idea de que la producción en masa es compatible con el espíritu artístico individual.

La aceptación del diseño moderno en la vida cotidiana es el tema de las campañas publicitarias, las exhibiciones públicas con buena asistencia, las películas y, a veces, el feroz debate público.

Así pues, la Bauhaus tiene gran impacto en la arquitectura, en la simplificación de formas y en la funcionalidad; la ausencia de ornamento, geometría y el empleo de materiales básicos, como concreto, vidrio y acero, en tonos neutros y acabados naturales.

Después de Alemania, Tel Aviv, Israel, es la urbe con más arquitectura Bauhaus del mundo, en donde estaca el emblemático edificio de la escuela Bauhaus de la ciudad de Dessau.

Un grupo completo de arquitectos en activo como Erich Mendelssohn, Bruno Taut y Hans Poelzig, rechazan la experimentación extravagante y prefieren edificios racionales, funcionales y a veces, estandarizados.

Ernst May, Bruno Taut y Martin Wagner, entre otros, construyen grandes bloques de viviendas en Frankfurt y Berlín.

Martin Wagner es arquitecto y urbanista, adscrito al expresionismo, (Konigsberg, 5 de noviembre de 1885-Cambridge, Massachusetts, 28 de mayo de 1957).

 Es conocido por sus proyectos de viviendas sociales del Berlín de entreguerras.

Estudia en la Universidad Técnica de Berlín (Technische Universität Berlin) y trabaja como dibujante en la oficina de Planificación de Herman Muthesius, antes de ser nombrado en 1918 encargado para la construcción de la ciudad de Schonebeg, actualmente dentro de la ciudad de Berlín.

Desde 1925 es el principal planificador de Berlín, construyendo la mayoría de las Siedlungen de Berlín, reconocidas por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad.

1924 funda la sociedad de construcción Gehag, que es responsable de un setenta por ciento de las viviendas sociales de Berlín construidas de 1924 a 1933.

Su papel es paralelo al de Ernst May en Franfort del Meno.

Es líder de un esfuerzo a gran escala para estandarizar los requisitos de construcción, racionalizar la práctica de la construcción, organización de proveedores industriales y sindicatos, todos en un esfuerzo común para la producción en masa de viviendas para la clase trabajadora.

Martin Wagner junto con Bruno Taut es el responsable de miles de de viviendas construidas dentro y en los alrededores de Berlín, incluyendo el Siedlung Herradura llamado así por su forma y el Siedlung por la Cabaña del Tío Tom nombrado en honor a un restaurante local.

Hoy en día este tipo de viviendas representa la mitad del mercado de rentas.

A la par del éxito en brindar lugares para vivir a familias de ingresos bajos, este sistema también lleva a la creación de guetos suburbanos.

Allí, los estratos sin medios de la población, en su mayoría de origen inmigrante con desempleo masivo, están aislados de los centros urbanos, llevando a veces a conflictos con violencia y tensiones sociales.

Estos Siedlungen asentamientos, se crea por la demanda por las terribles condiciones de vida de los propietarios urbanos de preguerra.

El derecho a una vivienda digna se incluye en la Constitución de Weimar, pero pocas viviendas se construyen hasta alcanzar la estabilidad económica, en la que los habitantes tienen así acceso a luz, aire y sol.

Martin Wagner, durante sus estudios en la escuela superior de Berlín y la de Dresde, (1885-1957) trabaja entre 1905-1910 para Herman Muthesius.

1917 escribe un memorándum sobre la organización de viviendas de protección oficial y centra el discurso en la creación de urbanizaciones con el objetivo de sustituir los mortecinos bloques de apartamentos, por comunas ajardinadas, agradable para sus moradores.

1918-1920 es consejero de urbanismo de Schonemberg.

1926-1933 es consejero de urbanismo de Berlín.

1929 edita la revista Das neue Berlín con Adolf Behne.

1918-1921 con Bruno Taut construye las urbanizaciones Lindenhof y entre 1925-1930 la urbanización Britz, también en Berlín.

El complejo es un bloque de viviendas que se abre con forma de herradura en torno a un estanque.

En la parte trasera, las casas se cierran con fachadas rojas y azules, formando motivos romboidales.

Estos edificios contrastan con los de la urbanización vecina de estilo conservador.

Wagner participa con otros arquitectos en la urbanización de la Cabaña del tio Tom en Berlin (1926-1931) y entre 1929-1930 el proyecto de la playa del Lago Wann de Berlín.

1929-1930 en colaboración con Hans Poelzig hace La casa de la radio en el recinto de la feria de muestras de Berlín.

Con el advenimiento del nazismo y a causa de su militancia socialista, es expulsado de la Deutscher Werkbund en 1933 y abandona el país.

Permanece tres años en Turquía y emigra después a Estados Unidos donde ejerce como profesor en la Universidad de Cambridge.

1938 es nombrado profesor en la Graduate School of Design de Har, hasta su jubilación en 1951.

1944 obtiene la ciudadanía estadounidense.

Su hijo, Bernard Wagner, es también arquitecto.

100 años de la Bauhaus y algunos ejemplos de su arquitectura en la CDMX

Wagner, Martin

Arquitectura Bauhaus: todo un referente del siglo XX

https://greatatapib.weebly.com/blog/vivienda-social-en-inglaterra

https://www.yourtripagent.com/6792-profiling-germany-s-utopian-modernist-architect-bruno-taut

https://archxde.com/arquitectos/wagner-martin/

https://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Wagner_(arquitecto)

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Donas de talavera, la estética de la artesanía con la gastronomía poblana

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https://multipliciudades.org/2017/03/06/el-movimiento-moderno-y-el-derecho-a-la-ciudad-video-de-la-ponencia-en-ix-docomomo-iberico/

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 (Stundenbuch der Maria von Burgund)

 It´s a book of hours, a form of devotional book for  lay people, completed in  Flanders around 1477.

 It was probably commissioned for Mary, the ruler of the Burgundian Netherlands and then the wealthiest woman in Europe.

 No records survive as to its commission.

The book contains 187 folios, each méasuring 225 by 150 millimetres (8.9 in × 5.9 in).

It consists of the Roman Líturgy of the Hours, 24 calendar roundels, 20 full-page miniatures and 16 quarter-page format illustrations.

 Its production began c. 1470, and includes míniatures by several artists, of which the  foremost was the unidentified but influential iluminator known as the Master of Mary of Burgundy, who provides the book with its most  meticulously detailed illustrations and borders.

Other miniatures, considered of an older tradition, were contributed by Simon Marmion, Willem Vrelant and Lieven van Lathen.

The majority of the calligraphy is attributed to Nicolas Spierinc, with whom the Master collaborated on other works and who may also have provided a number of illustrations.

The two best known illustrations contain a revolutionary trompe-l´oeil technique of showing a second perspective through an open window from the main pictorial setting.

It is sometimes known as one of the black books of hours, due to the dark and sombre appéarance of the first 34 pages, in which the gilded letter was written on black panels.

 Given the dark colourisation and mournful tone of the opening folios, the book may originally have been inténded to mark the death of Mary’s father, Charles the Bold, who died in 1477 at the Battle of Nancy.

Midway through its production, it is thought to have been recommissioned as a gift to celebrate Mary’s marriage to Maximilian.

Tónally, the early pages change from dark, sombre colours to a later sense of optimism and unity.

Mary of Burgundy can be identified as the woman in the foreground of folio 14v from the facial similarity to documented contemporary drawings and paintings.

 She is shown as an elegant young princess, reading a book of hours.

Her finger traces the text of what seem to be the words Obsecro te Domina sancta maria (I  (besich cii)Beseech Thee, Holy Mary), a popular  prayer of indúlgence in contemporary manuscript illuminations of donors venerating the Virgin and Child.

 Mary is positioned in an intimate and private domestic setting, probably a private chapel or oratory, reading a book of hours  (draipt) draped in a green cloth.

A small white dog, a symbol of  faithfulness, rests on her lap.

 She wears a gold or brown velvet dress, and a long hennin, from which hangs a transparent veil.

The window before her is opened through two timber boards adórned with glass.

Its ledge contains a veil, rosary  beads, a gold chain with ruby and four pearls, two red carnations as symbols of betrothal, and a crystal vase containing a large flowering iris, a late medieval symbol of purity.

The Virgin and Child are visible through the open window as an image within an image, as if as an apparition or the literal embódiment of the book she is reading.

 Thus Mary of Burgundy is placed in physical proximity to the Virgin, without the usual intercéssion of the saint.

 The holy family are seated in a Gothic church with a high  vaulted ámbulatory, before the high altar, in front of which is a lattice-patterned decorative carpet.

Four angels sit at the corners of the carpet, each holding a gold candlestick marking the sacred space.

 Three court ladies, one looking outwards, are positioned to the left, kneeling with their hands  clasped in prayer.

One, probably Mary of Burgundy, wears a blue brocade and gown and holds a small book in her hands.

The other two ladies seem to be her attendants.

 A male figure kneeling to the right is dressed in red and swings a censer of burning  incense, while two other figures are positioned behind the high altar.

The use of an open window was influenced by van Eyck’s c. 1435 oil-on-panel painting the Madonna of Cháncellor Rolin, where the pictorial space is divided into two areas; a foreground chiaroscuro interior which leads out, through arcades, to an expansive bright-lit exterior landscape.

 In the Vienna miniature, the artist achieves the transition from foreground to background by slowly dimínishing the figures’ scale and plasticity.

The illustration has been compared in breadth of detail and style to van Eyck’s  Madonna in the Church, a small panel painting, which is yet twice the size of the Master’s illumination.

Mattias, Holy Roman Emperor,  acquired the book around 1580; he spent much of the period 1578–81 in the Netherlands.

It disappeared after his death in 1619.

 It is thought to have been acquired by the  Austria National Library in Viena c. 1721–27. The library was  looted by Napoleon´s troops in 1809, and the book was taken to Paris.

 It was returned to Vienna in 1815, following Napoleon’s  (defí)defeat at the Battle of Waterloo.

 It remains in the National Library of Austria, classified as Codex Vindobonensis 1857.

https://es.wikipedia.org/wiki/Libro_de_horas_de_Mar%C3%ADa_de_Borgo%C3%B1a

Después de la exposición: El Bosco y la BNE

https://us.leskanaris.com/4926-mary-of-burgundy.html

https://verne.elpais.com/verne/2019/12/06/articulo/1575651341_483763.html

https://masterschamps.org/8612-more-than-marginal-insects-in-the-hours-of-mary-of-bu.html

https://masterschamps.org/8669-margaret-of-york-duchess-of-burgundy.html

María de Borgoña

https://amp.es.what-this.com/8271396/1/libro-de-horas-de-maria-de-borgona.html

Es un lujoso libro de horas confeccionado en Flandes hacia 1477.

Es encargado para María de Borgoña, entonces la mujer más rica de Europa.

María es la única hija de Carlos el Temerario, Duque de Borgoña y esposa de Maximiliano I, emperador del Sacro Imperio Germánico.

No hay registros que sobrevivan a su encargo, pero probablemente estaba destinado a la devoción privada.

El libro contiene 187 folios, cada uno de los cuales mide 22.5 × 15 cm.

Consiste en la liturgia de las horas romana, 24 rondas de calendario, 20 miniaturas a página completa y 16 ilustraciones en formato de cuarto de página.

 Se inicia en 1470, e incluye miniaturas realizadas por varios artistas, de los cuales el más destacado es el iluminador no identificado pero innovador e influyente conocido como el Maestro de María de Borgoña, quien provee al libro con sus ilustraciones y bordes más minuciosamente detalladas.

Otras miniaturas interesantes son  de Simon Marmion, Wilhem Vrelant y Lieven van Lathem.

La mayor parte de la caligrafía se atribuye a Nicolás Spierinc, con quien el Maestro colabora en otras obras y que también pudo aportar algunas ilustraciones.

Dada la coloración oscura y el tono lúgubre de los folios de apertura, el libro pudo haber sido pensado en un inicio para conmemorar la muerte de Carlos, que muere a los 43 años en 1477 en la Batalla de Nancy.

A medio camino a lo largo de su producción se cree que fue reciclado como regalo para celebrar el matrimonio de María con Maximiliano.

Tonalmente las primeras páginas cambian de colores oscuros y sombríos a un sentido posterior de optimismo y unidad.

 Las dos ilustraciones más conocidas contienen una revolucionaria técnica trampantojo de mostrar una segunda perspectiva a través de una ventana abierta desde el escenario pictórico principal.

 A veces se le conoce como uno de los libros de horas negros, debido a la aparición oscura y sombría de las primeras 34 páginas, en las que la letra dorada están escrita en paneles negros.

 Margarita de York, hermana del rey de Inglaterra, es identificada como la mujer en primer plano del folio 14v a partir de la similitud facial con dibujos y pinturas contemporáneas documentadas.

 Es mostrada como una elegante princesa joven, leyendo un libro de horas.

Su dedo sigue la huella del texto de lo que parecen ser las palabras Obsecro te Domina sancta maria (Te imploro, Santa María), una oración popular de indulgencia en las ilustraciones de manuscritos contemporáneos iluminados de los donantes que veneran a la Virgen y al Niño.

Está situada en un entorno doméstico íntimo y privado, probablemente una capilla u oratorio privado, leyendo un libro de horas envuelto en un paño verde.

Un pequeño perro blanco, símbolo de fidelidad, descansa sobre su regazo.

 María lleva un vestido de terciopelo dorado o marrón, y un Henin largo, del que cuelga un velo transparente.

La ventana que tiene ante sí tiene dos puertas, cerradas por tablas adornadas con cristales.

Su saliente contiene un velo, rosario de cuentas, una cadena de oro con un rubí y cuatro perlas, dos claveles rojos como símbolo de desposorio y un jarrón de cristal con un gran iris floreciente, símbolo de pureza medieval tardío.​

La Virgen y el Niño son visibles a través de la ventana abierta como una imagen dentro de una imagen, como si fuera una aparición o la encarnación literal del libro que está leyendo.

María de Borgoña se sitúa en estrecha proximidad física con la Virgen, sin la habitual intercesión del santo.

 La Sagrada Familia está asentada en una iglesia gótica frente al altar mayor, delante de la cual se encuentra una alfombra decorativa de celosía.

Están rodeados por cuatro ángeles sentados en las esquinas de la alfombra, cada uno sosteniendo un candelabro de oro que indica un espacio sagrado.

 Tres mujeres a la izquierda, una mirando hacia afuera, se arrodillan con las manos juntas rezando.

Una, probablemente María de Borgoña lleva un brocado y una bata azul, y lleva un pequeño libro en las manos.

Las otras dos mujeres parecen ser sus ayudantes.

El motivo de la ventana abierta estuvo influenciado por el cuadro al óleo de van Eyck c. 1435, que pinta la Virgen del Canciller Rollin, donde el espacio pictórico se divide en dos zonas.

Un primer plano de claroscuro interior que da paso, a través de las arcadas a través de un balcón, a un amplio y luminoso paisaje exterior iluminado.

En la miniatura de Viena, el artista logra la transición del primer plano hacia el fondo disminuyendo lentamente la escala y plasticidad de las figuras.

 La ilustración es comparada en detalle y estilo con La virgen en una iglesia  de van Eyck, que, siendo una pintura de paneles muy pequeños, es dos veces más grande que la iluminación del Maestro

Mathias de Habsburgo  adquiere el libro hacia 1580.

Desaparece después de su muerte en 1619.

Se cree que es adquirido por Biblioteca Nacional de Austria en Viena en 1721-27.

La biblioteca es saqueada por las tropas de Napoleon en 1809, y el libro es llevado a París.

Regresa a Viena en 1815, tras la derrota de Napoleón en la batalla de Waterloo.

https://es.wikipedia.org/wiki/Libro_de_horas_de_Mar%C3%ADa_de_Borgo%C3%B1a

Después de la exposición: El Bosco y la BNE

https://us.leskanaris.com/4926-mary-of-burgundy.html

https://verne.elpais.com/verne/2019/12/06/articulo/1575651341_483763.html

https://masterschamps.org/8612-more-than-marginal-insects-in-the-hours-of-mary-of-bu.html

https://masterschamps.org/8669-margaret-of-york-duchess-of-burgundy.html

María de Borgoña

El proyecto surge como reflexión sobre las condiciones climáticas de la costa peruana, las características geográficas de la costa en la que se ubica la vivienda y las necesidades del cliente.

Entre la Cordillera de los Andes y el océano existe una franja larga y delgada de desierto polvoriento de color pardo, casi al nivel del mar.

Aunque el desierto peruano es uno de los más áridos del mundo, su clima no es extremo. Las temperaturas oscilan entre los 14°C (mínima en invierno) y los 29°C (máxima en verano), con muy pocas variaciones entre el día y la noche debido a un alto porcentaje de humedad.

A pesar de esto, para habitar el desierto sin negarlo o traicionarlo  es esencial domesticar el orden de este paisaje.

La clave es crear la intimidad necesaria para vivir, al mismo tiempo de integrar la vivienda.

Se inicia el proceso de diseño imaginando un volumen abstracto y simple cuyos límites están definidos por las normas de construcción.

Luego, excavamos este sólido teórico, eliminando la materia poco a poco, al igual como los arqueólogos extraen arena para descubrir las ruinas precolombinas en la región.

El resultado es la fusión de los espacios exteriores e interiores en un espacio fluido y continuo al interior de un borde.

Este borde divide el espacio absoluto e infinito del desierto de los espacios íntimos de la vivienda.

Desde este borde, bien definido pero permeable, el paisaje y el cielo están enmarcados de diferentes maneras.

El patio de acceso conduce al espacio íntimo de la casa.

Este espacio se extiende hacia el océano a través de una gran terraza. Esta terraza se concibe como una playa artificial que se relaciona con el océano por una piscina larga y estrecha.

El techo del salón/comedor se concibe como una sombrilla de playa ingrávida, anclada al borde. Los límites entre el espacio de estar/comedor y la terraza se borran de forma natural mediante paneles deslizantes de vidrio sin marco.

Una escalera abierta sigue la topografía natural y conduce al nivel del dormitorio debajo de la terraza. Las habitaciones de los niños son accesibles a través un patio/pérgola, cubierta por la terraza. El dormitorio de los padres se ubica al final de la escalera, pasando por debajo de la piscina suspendida.

El uso del color ocre/arena, utilizado también en casas precolombinas y coloniales, impide que el edificio envejezca visualmente, ya que reúne capas de polvo del desierto y refuerza la sensación de unidad del volumen excavado.

La distancia entre nuestra oficina en París y el sitio del proyecto en Perú, lleva a racionalizar el sistema de construcción, eliminando los detalles que parecían no ser esenciales.

https://arquitecturaviva.com/obras/casa-equis-canete

https://blog.inmobilia.com/estilo-de-vida/estructuras-increibles/casa-equis/

http://www.barclaycrousse.com/equis-house

https://habitar-arq.blogspot.com/2010/08/casa-equis.html

https://architags-com.translate.goog/post/174109205020/barclay-crousse-casa-vedoble-ca%C3%B1ete-peru?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=nui,sc

http://www.bienalesdearquitectura.es/index.php/es/iv-biau/6785-iv-biau-peru-finalista-casa-equis.html

https://www.taringa.net/+arquitecturachilena/casa-equis-barclay-and-crousse-canete-peru_248z6t

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/944113/barclay-and-crousse-la-realidad-es-que-aun-tenemos-que-seguir-remando

https://www.coam.org/es/fundacion/actividades-culturales/cultura/167967/conferencia-otros-tropicos-barclay-crousse

https://youtu.be/xeQNO0ZLR3g (este)

 

The project arises as a reflection on the climatic conditions of the Peruvian coast, the geographical characteristics of the coast where the house is located and the client’s needs.

Between the Andes Mountains and the ocean there is a long, thin strip of dusty brown desert, almost at sea level.

Although the Peruvian desert is one of the driest in the world, its climate is not extreme. Temperatures range from 14 ° C (minimum in winter) to 29 ° C (maximum in summer), with very little variation between day and night due to a high percentage of humidity.

Despite this, in order to inhabit the desert without denying it or betraying it, it is essential to tame the order of this landscape.

The key is to create the privacy necessary to live, while integrating the home.

The design process begins by imagining an abstract and simple volume whose limits are defined by construction regulations.

Then, we excavate this theoretical solid, removing the matter little by little, just as archaeologists mine sand to discover pre-Columbian ruins in the region.

The result is the fusion of the exterior and interior spaces in a fluid and continuous space within an edge.

This edge divides the absolute and infinite space of the desert from the intimate spaces of the house.

From this well-defined but permeable edge, the landscape and the sky are framed in different ways.

The access patio leads to the intimate space of the house.

This space extends to the ocean through a large terrace. This terrace is conceived as an artificial beach that is related to the ocean by a long and narrow pool.

The ceiling of the living / dining room is conceived as a weightless beach umbrella, anchored to the edge. The boundaries between the living / dining space and the terrace are naturally blurred by frameless sliding glass panels.

An open staircase follows the natural topography and leads to the bedroom level below the terrace. The children’s rooms are accessible through a patio / pergola, covered by the terrace. The parents’ bedroom is located at the end of the staircase, passing under the suspended pool.

The use of ocher / sand color, also used in pre-Columbian and colonial houses, prevents the building from visually aging, since it gathers layers of desert dust and reinforces the feeling of unity of the excavated volume.

The distance between our office in Paris and the project site in Peru, leads to streamlining the construction system, eliminating details that seemed to be non-essential

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/891073/casa-equis-barclay-and-crousse

https://arquitecturaviva.com/obras/casa-equis-canete

https://blog.inmobilia.com/estilo-de-vida/estructuras-increibles/casa-equis/

http://www.barclaycrousse.com/equis-house

https://habitar-arq.blogspot.com/2010/08/casa-equis.html

https://architags-com.translate.goog/post/174109205020/barclay-crousse-casa-vedoble-ca%C3%B1ete-peru?_x_tr_sl=en&_x_tr_tl=es&_x_tr_hl=es&_x_tr_pto=nui,sc

http://www.bienalesdearquitectura.es/index.php/es/iv-biau/6785-iv-biau-peru-finalista-casa-equis.html

https://www.taringa.net/+arquitecturachilena/casa-equis-barclay-and-crousse-canete-peru_248z6t

https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/944113/barclay-and-crousse-la-realidad-es-que-aun-tenemos-que-seguir-remando

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https://youtu.be/xeQNO0ZLR3g (este)

Pintura al oleo sobre tabla de roble báltico, pintada en 1470 por el pintor de origen alemán del primitivo flamenco, Hans Memling.

La pintura muestra 23 escenas de la Vida de Cristo combinadas en una única composición narrativa sin una escena central dominante: 19 episodios de la Pasión de Cristo, la Reurrecion y tres apariciones posteriores de Cristo resucitado (a Maria Magdalena en el camino a Emaus y en el Mar de Galilea.

 La pintura es encargada por Tommaso Portinari, un banquero italiano radicado en Brujas, que aparece integrado en la composición en retrato del donante, arrodillado en oración en la esquina inferior izquierda, con su reciente esposa, María Baroncelli, en una actitud similar en la esquina inferior derecha.

La pintura es relativamente pequeña, 56.7 × 92.2 cm, y es poco probable que haya sido un retablo.

Puede haber sido destinada a la capilla Portinari en la iglesia de San Jacobo en Brujas. 1501 no se cataloga entre las pertenencias de Portinari tras su muerte, y se cree que es trasladada de Brujas a Florencia entre 1510 y 1520.

1550 se registra por primera vez en la colección de Cosme I Medici en Florencia.

Luego pasa  al papa Pío V, que la cede a un convento dominico en Bosco, cerca de Alessandria, donde en 1796 es escondida debido a la invasión napoleónica y donada al rey Víctor Manuel I en 1814, quien la cede en 1832 a la Galeria Saudaba de Turin, donde sigue.

Las escenas de la Pasión comienzan en la distancia en la parte superior izquierda con la entrada de Jesús en Jerusalén el Domingo de Ramos, pasa a través de la ciudad con la Ultima Cena y otra vez extramuros en la parte inferior izquierda con el Huerto de Getsemaní, las escenas de la Pasión siguen por el centro de la ciudad (Juicio de Pilatos, la Flagelación de Jesús, Coronación de Espinas, Ecce Homo), y luego sigue la procesión con la cruz hasta fuera de la ciudad hacia abajo a la derecha, hasta la parte superior para la crucifixión, y acabando en la distancia en la parte superior derecha con las apariciones en Emaús y Galilea.

Incluye siete de las tradicionales 14 Estaciones de la Cruz, pero añade varias escenas antes y después, y omite 7: Jesús al ser cargado con su cruz, las dos ocasiones cuando Jesús cae llevando la cruz, Jesús encontrando a su madre y Verónica secando el rostro de Jesús, Jesús que se encuentra con las hijas de Jerusalén, y Jesús siendo despojado de sus ropas.

Las escenas están distribuidas por y alrededor de una idealizada Jerusalén, descrita como una ciudad medieval amurallada con torres exóticas coronadas por cúpulas, la manera de insinuar el oriente en el arte flamenco.

 El alto punto de vista a ojo de pájaro permite observar el Calvario detrás de la ciudad. Inusualmente, para pinturas de este periodo, la luminosidad a través de la pintura es interna, asociada con el sol naciente, y compatible a través de la pintura, con las áreas más iluminadas a la derecha y progresivamente más en sombra hacia la derecha y el ocaso.

Memling utiliza un estilo narrativo similar para su posterior Advenimiento y triunfo de Cristo (también conocido como los Siete gozos de María; 1480), creado para el altar del Gremio de Curtidores en la iglesia de Nuestra Señora en Brujas pero ahora en la Alte Pinakothek de Munich.

https://anamariabrandolini.wordpress.com/2020/04/10/hans-memling-y-sus-escenas-de-la-pasion-de-cristo/

https://anamariabrandolini.wordpress.com/2020/04/10/hans-memling-y-sus-escenas-de-la-pasion-de-cristo/

Oil painting on Baltic oak panel, painted in 1470 by the early Flemish painter of German origin, Hans Merling.

The painting shows 23 scenes from the Life of Christ combined into a single narrative composition without a dominant central scene: 19 episodes of the Passion of Christ, the Reurrection and three later appearances of the risen Christ (to Maria Magdalena on the road to Emmaus and in the Sea of ​​Galilee.

The painting is commissioned by Tommaso Portinari, an Italian banker based in Bruges, who appears integrated into the portrait composition of the donor, kneeling in prayer in the lower left corner, with his recent wife, Maria Baroncelli, in a similar pose in the corner. lower right.

The painting is relatively small, 56.7 × 92.2 cm, and it is unlikely that it was an altarpiece.

It may have been destined for the Portinari chapel in the church of St. James in Bruges. 1501 is not listed among Portinari’s belongings after his death, and is believed to have been transferred from Bruges to Florence between 1510 and 1520.

1550 is first recorded in the collection of Cosme I Medici in Florence.

Then it goes to Pope Pius V, who gives it to a Dominican convent in Bosco, near Alessandria, where in 1796 it is hidden due to the Napoleonic invasion and donated to King Victor Emmanuel I in 1814, who gives it in 1832 to the Saudaba Gallery from Turin, where it continues.

 The Passion scenes begin in the distance in the upper left with the entry of Jesus into Jerusalem on Palm Sunday, pass through the city with the Last Supper and again outside the walls in the lower left with the Garden of Gethsemane , the scenes of the Passion continue through the center of the city (Trial of Pilate, the Flagellation of Jesus, Crowning with Thorns, Ecce Homo), and then the procession with the cross continues out of the city down to the right, up to the top for the crucifixion, and ending in the distance at the top right with the appearances at Emmaus and Galilee.

It includes seven of the traditional 14 Stations of the Cross, but adds several scenes before and after, and omits 7: Jesus being carried with his cross, the two occasions when Jesus falls carrying the cross, Jesus meeting his mother and Veronica drying the face of Jesus, Jesus meeting the daughters of Jerusalem, and Jesus being stripped of his clothes.

The scenes are distributed in and around an idealized Jerusalem, described as a medieval walled city with exotic towers crowned by domes, the way to hint at the East in Flemish art.

 The high bird’s-eye viewpoint allows you to observe Calvary behind the city. Unusually, for paintings of this period, the luminosity through the painting is internal, associated with the rising sun, and compatible through the painting, with the areas more illuminated to the right and progressively more shaded towards the right and the sunset.

Memling used a similar narrative style for his later Advent and Triumph of Christ (also known as the Seven Joys of Mary; 1480), created for the altar of the Tanners Guild in the Church of Our Lady in Bruges but now in the Alte Pinakothek in Munich.

Trianart

https://anamariabrandolini.wordpress.com/2020/04/10/hans-memling-y-sus-escenas-de-la-pasion-de-cristo/

Desde los cojines de los sofás a la construcción de ciudades

Fundada en 1907 en Munich, es una asociación de arquitectos, artistas e industriales,  con arquitectos como  Hermann Muthesius, Peter Behrens y Henry van de Velde, que con doce fábricas de Münich, hacen historia.

La agrupación se convierte en vanguardia europea de la arquitectura y el diseño.

Es una agrupación importante en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno precursora de la Bauhaus.

1896 Hermann Muthesius es enviado como agregado cultural a Londres, donde debe estudiar las formas británicas de hacer las cosas.

Dedica los siguientes seis años a investigar la arquitectura residencial y el estilo de vida y diseño domésticos, acabando con un informe en tres volúmenes publicado como Das Englishe Haus.

Aunque trata temas de todo, le interesan en particular la filosofía y la práctica del movimiento inglés Arts and Crafts, cuyo énfasis en la función, modestia, individualidad y honestidad con los materiales contempla como alternativa al ostentoso historicismo obsesivo con la ornamentación en la arquitectura decimonónica alemana.

Igualmente, ve que es un potencial beneficio económico para la nación los esfuerzos de aportar un sentido artesano al diseño industrial.

Visita Glasgow para investigar el innovador trabajo de la Escuela de Glasgow ejemplificada por los diseños de Charles Rennie Mackintosh. 

Además de sus informes oficiales, Muthesius desarrolla también una carrera como autor, comunicando sus ideas y observaciones en una influyente serie de libros y artículos que hacen de él una figura cultural significativa en Alemania, lo que culmina en su obra más famosa Das englische Haus (La casa inglesa), publicada en 1904.

Escribe sobre los salones de té Willow para un número de Dekorative Kunst publicado en 1905 casi totalmente dedicado a Una sala de té Mackintosh en Glasgow.

Hoy cualquier visitante de Glasgow puede descansar en el salón de té de Miss Cranston y por unos pocos peniques beber un té, desayunar y soñar que se encuentra en la tierra de las hadas

Al mismo tiempo, lamenta la lucha sin recompensa de Makintosh por sostener la bandera de la Belleza en esta densa jungla de fealdad.

Sus propuestas son aceptadas y, tomándolas como base, en las Escuelas de Artes y Oficios se implantan talleres; además se llama a artistas de vanguardia como profesores. Peter Behrens es encargado de reformar la Academia de Düsseldorf, Hans Poelzig la de Breslau, Bruno Paulla de la Escuela Superior de Berlín, Otto Pankok la Escuela de Artes y Oficios de Stuttgart, Henry van de Velde tiene a su cargo Weimar.

1904 Muthesius regresa a Alemania y se establece como arquitecto particular, al tiempo que mantiene su cargo como asesor oficial del gobierno de Prusia.

Durante las siguientes dos décadas diseña una serie de casas por todo lo largo y ancho de Alemania, dibujando y cimentando los principios y las prácticas expuestas en su libro.

Para entonces, Muthesius es reconocido como un admirador de la cultura inglesa, pero esto lleva también a acusaciones abiertas sobre su lealtad dividida.

1907 Muthesius es el inspector de la Junta Superior Prusiana para las Escuelas de Artes y Oficios, cuando imparte una conferencia en la que condenaba el historicismo de las artes e industrias alemanas.

Es la polémica causada por esta conferencia la que le impulsó a crear la Deutsche Werkbund.

 La Asociación para los intereses económicos del Arte y la artesanía (la Fachverband für die wirtschaftlichen Interessen des Kunstgewerbes) le acusa de criticar la calidad de los productos industriales alemanes en una conferencia dada en Berlín.

Como resultado se produce una controversia que hace que varios diseñadores e industriales importantes se apartaran de la asociación y creen la Deutscher Werkbund, dirigida expresamente a obtener unos estándares de diseño de la más alta calidad dentro de la producción masiva.

Lo que Muthesius pretende para el arte prusiano es un nuevo estilo ante el mecanicismo, la llamada Era de la Máquina implantando en el arte inglés los principios que había aprendido en su viaje a Inglaterra, influido sobre todo por William Morris, fundador del movimiento Arts & Crafts.

Pero su evolución le lleva a acabar por repudiar a quienes más lo defendieron, acusándolos, de importar un estilo foráneo.

La Deutscher Werkbund ejerce una gran influencia en las primeras fases de la carrera de Le Corbusier, Walter Gropius y Mies van der Rohe, pero aunque Muthesius es su padre espiritual y sirve como presidente desde 1910 hasta 1916, siente poca inclinación hacia el emergente primer modernismo, considerando que tanto el Art Nouveau como los diseños posteriores de la Bauhaus son estilos tan superficiales como los del siglo XIX.
Muthesius es uno de los principales arquitectos que construyó la primera Ciudad Jardín alemana, Hellerau, un suburbio de Dresde, fundada en 1909.

Su fundación se encuentra también muy relacionada con las actividades de la Deutscher Werkbund.

La Deutscher Werkbundpropone integrar las artes y los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos.

La DWB  tiene como finalidad la dignificación del trabajo artesanal y la buena forma sin ornamentos, enfocada hacia la calidad y la funcionalidad, ya se tratase del diseño de la taza de té ideal o de la arquitectura vanguardista de una fábrica, dejando su impronta en la arquitectura, el arte y el diseño de todo un siglo. 

En un mundo alterado por efecto de la industrialización y la urbanización, su objetivo es dotar de calidad formal a todos los productos industriales para volver a lograr una cultura armoniosa.

En palabras de Hermann Mu­thesius, uno de los padres espirituales de la Werkbund, el trabajo de esta alianza de ar­quitectos, artistas y empresas comerciales abarcaba desde el cojín de sofá al diseño urbanístico.

Busca una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX.

Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de 1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares.

La Bauhaus toma esta base, permitiendo el nacimiento de la fabricación modular.

Se piensa en la posibilidad de fabricar edificios en serie.

Existe en una primera etapa hasta 1934, sufriendo una pausa en sus actividades en 1918, por los costes en la industria debido a la primera guerra mundial, y se vuelve a reestablecer después de la segunda guerra mundial en 1950.

Otros arquitectos afiliados al proyecto incluyen a Heinrich Tessenow y al belga Henry van de Velde.

El Deutscher Werkbund se extendió pronto a Suiza, donde se fundó el llamado Swiss Werkbund, movimiento que publicó la Revue Mensuell de l’Ouvre, con sede en Lausana.

1907 el integrante de la DWB Peter Behrens director de laEscuela de Artes y Oficios de Düsseldorf es nombrado consejero artístico de la AEG (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft) y se muda a Berlín.

Para la AEG realiza lo más reconocido de su trabajo.

Hace los proyectos de las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos industriales e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates. Contribuye así a consolidar una nueva idea: la de la identidad corporativa, para cuyo desarrollo era necesario un nuevo tipo de empleador, el industrial visionario involucrado en todos los aspectos producidos por su industria, y también de proyectista, el consultor de diseño. Behrens proclamaba con esto la unión del arte y la industria.
Behrens establece por primera vez el concepto de identidad corporativa. 

El diseño del producto es sólo el comienzo. Behrens incorpora su enfoque de diseño en toda la cultura corporativa de AEG.

Es la primera persona en  crear logotipos, material de publicidad y publicaciones de la compañía con un diseño coherente y unificado.

http://historia-disenio-industrial.blogspot.com/2015/09/deutscher-werkbund.html

https://infinitylab.net/arquitectura/253/el-deutscher-werkbund-y-la-nueva-arquitectura-alemana