Gerard David was born in 1455 in Oudewater, near Gouda, Holland.
It has been suggested that he began his training with the painters Albert van Ouwater and Geertgen tot Sint Jans (Gerard of St John), although there is no evidence to support this.
It also seems highly probable that he spent time in Louvain in the studio of Dirk Bouts, where he may have collaborated with his sons.
His name is first recorded in 1484 in the painters’ guild in Bruges, where he held various important posts throughout his life.
He never left Bruges although in 1515 he is also mentioned in the Antwerp guild.
His catalogue includes around sixty autograph works and a number of illuminated books such as the Book of Hours in the monastery of El Escorial.
His paintings include a sfumato, which has led to the suggestion that he may have travelled to Italy.
His style can be divided into different periods.
The first, between 1484 and 1490, reveals the influence of the work of Dirk Bouts, particularly in the composition of the landscape, and of Jan van Eyck in the details and figures.
The Crucifixion in the Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, and The Nativity in the Metropolitan Museum, New York, date from this period.
His only two documented works, the diptych of The Justice of Cambyses of 1498 and The Virgo inter Virgines in the Musée des Beaux Arts, Rouen, of 1509, date from his mature period, in which the triptych of The Baptism of Christ in the Groeningemuseum, Bruges, executed between 1502 and 1508, is also noteworthy.
In his last years, between 1510 and 1515, he secularised certain themes, adapting them to the new times, such as The Virgin with Milk Soup in the Musées Royaux des Beaux Arts in Brussels and The Rest on the Flight into Egypt in the Museo Nacional del Prado in Madrid.
He was an important painter not only for his unquestionable artistic quality but also for his innovations in the field of subject matter and workshop organisation.
He is considered a precursor of landscape painting, laying the foundations for the development of a genre promoted by Joachim Patinir.
Finally, Gerard David combined in his work the best of the great Flemish masters such as Campin, Van Eyck, Van der Weyden and Van der Goes, whose lessons he interpreted in a personal manner.
His most outstanding pupils were Ambrosius Benson and Adriaen Isenbrandt, who disseminated his style throughout Europe.
Oleo sobre lienzo pintado entre 1575-1580 por el pintor del Renacimiento tardío, Tintoretto, Il Furioso.
Esta en la National Gallery de Londres, aunque en el pasado era de la colección Orleans.
En un principio es de la colección de Rodolfo II de Habsburgo, aunque el único dato que corrobora esta hipótesis es un panfleto italiano de 1648, que establece que Tintoretto pinta cuatro fábulas para el emperador entre las que esta la pintura de Júpiter sujetando al pequeño Baco hacia el pecho de Juno.
Sin embargo para validar esta suposición, es necesario aceptar que el pintor confunde a Baco con Hércules.
Rodolfo II adquiere numerosas obras de arte para consolidar su colección privada y es mecenas de varios artistas de su época.
Durante el último año de la Guerra de los Treinta Años, precisamente el 26 de julio de 1648, la colección es saqueadas del Castillo de Praga por los suecos.
Las obras pasan a pertenecer a la reina Cristina de Suecia, pero con su muerte, sus descendientes venden una fracción de la colección a Felipe de Orleans.
Tras el estallido de la Revolución Francesa, Felipe vende una parte de la Colección Orleans a un grupo de nobles ingleses.
De estas obras 25 son adquiridas por la National Gallery de Londres.
1890 El origen de la Vía Láctea es comprada en al Conde de Darnley en una subasta por 1312 libras esterlinas.
Tintoretto, manierista veneciano, hace explícito su virtuosismo, a su maniera.
Pinta escenas espectaculares en espacios escenográficos con una carga dramática que es un adelanto del Barroco.
Aquí se recrea el mito del nacimiento de la Vía Láctea.
Los protagonistas son Zeus, su esposa Hera y el hijo favorito de Zeus, Heracles (Hércules).
Heracles no es hijo de Hera.
Zeus, tal vez el dios más poderoso del Olimpo, lleva una vida amorosa llena de infidelidades con diosas y mortales.
Una de estas últimas, Alcmena, tiene un romance efímero con el dios y de ese encuentro nace Heracles.
Zeus adora a su hijo y quiere que sea inmortal, como un verdadero dios.
Pero para ello debe ser amamantado por Hera quien, furiosa por la infidelidad del, no se presta.
Manda un par de serpientes a la cuna del niño para asesinarlo, aunque con su fuerza sobrenatural el bebé las ha estrangulado como si nada.
Como en todo mito, hay distintas versiones de cómo termina amamantando Hera a Heracles.
Tintoretto representa aquélla en la que Zeus acerca a su hijo a su esposa cuando ésta está dormida.
La diosa termina despertándose violentamente y arranca al pequeño de su pecho.
Y las gotas de leche que se esparcen por el cielo originan la Vía Láctea.
Es el triunvirato de Antonio, Octavio y Lépido en el año 43 a. C. AD, después de su marcha sobre Roma.
Es una alegoría de la masacre de protestantes durante las guerras de religión del siglo XVI.
El 6 de abril de 1561, el condestable de Montmorency, Jacques d’Albon de Saint André y el duque de Guise forman el Triunvirato – término dado por el partido protestante – por la fe católica con el fin de oponerse a la tolerancia religiosa de Catalina de Medici
Fechada en 1566, hecha por Antoine Caron en una sola pieza y luego dividida en tres paneles, tiene un metro quince por casi dos metros.
1939, el marqués de Jaucourt, perteneciente a una antigua familia protestante desde Duplessis Mornay, lo dona al museo del Louvre.
Inspirada en las guerras de religión, es curioso descubrir esculturas y monumentos antiguos y modernos de Roma.
Hay simetría en columnas, estatuas, monumentos e incluso cabezas cortadas
A la derecha esta al Emperador Cómodo como Hércules, el Arco de Constantino y la Place du Capitole, la estatua ecuestre de bronce de Marcus Aurelius.
A la izquierda, el Apolo del Belvedere, el Arco de Triunfo de Septimio Severo y la Columna de Trajano.
Al fondo a la derecha el Arco del Triunfo de Tito y a la izquierda el mausoleo del emperador Adriano que se convierte en el castillo de San Ángel (prisión) y el puente.
En el centro, estan las gradas de terrazas y las arcadas circulares del Coliseo. Detrás está el Panteón y su cúpula.
Estos monumentos están dispuestos en altura y descienden hacia el espectador, por balaustradas y escaleras, con un gran lugar en primer plano.
Esta pintura es como un recuerdo de la Ciudad Eterna, pero recordando el lado histórico y la masacre de las guerras civiles.
Las escenas de la matanza están presentes en toda la pintura, especialmente en primer plano, alrededor de las tres estatuas.
La obra de Kengo Kuma rescata y reinterpreta, en lenguaje contemporáneo, espacios tradicionales y técnicas artesanales de la cultura japonesa
Crea sus proyectos con volúmenes sencillos con expresivas fachadas construidas con fragmentos de materiales diferentes.
Piezas modulares de madera, cerámica, vidrio y piedra se unen para crear superficies capaces de generar atmosfera de inmaterialidad.
El respeto por la naturaleza esta en su obra.
Contiene el espíritu y la mística de la cultura japonesa.
1954 nace en la prefectura de Kanagawa, y despues se traslada a la ciudad a estudiar, en 1979, a la Universidad de Tokio.
1985 tras conseguir una beca del Asian Cultural Council, viaja a la Universidad de Columbia, como investigador invitado.
Coeda-House-Atami-Kengo-Kuma.
1987 a su regreso a Tokio, crea el Spatial Design Studio.
1990, abre su propio estudio, Kengo Kuma & Associates.
El espacio es resultado de la naturaleza y el tiempo.
Creo que mi arquitectura constituye una especie de marco para la naturaleza, para disfrutarla de manera íntima y profunda.
Además, la transparencia se considera una característica de la arquitectura japonesa, por ello trato de emplear materiales ligeros y naturales para conseguir un nuevo tipo de transparencia.
Mi primer edificio contrasta con el resto de mi obra porque eran los años ochenta, cuando regresé de Estados Unidos y venía cargado de la formación y de la influencia posmoderna de la Columbia. Ese edificio refleja el caos de la ciudad y el lenguaje arquitectónico de esa época.
El cambio en mi discurso se da porque llega una crisis económica muy fuerte en Japón, que me obliga a mirar a mis raíces y me motiva a recorrer el país.
Yo nací en una casa tradicional japonesa con piso de tatami, divisiones de papel de arroz y patio de tierra apisonada. Mi niñez transcurrió en el campo, rodeado de la naturaleza y de bosques de bambú.
Considero que el siglo XX hizo que nos olvidáramos de los desastres naturales y de la singularidad del lugar. Es por ello por lo que la arquitectura del siglo XXI debe ser un camino de retorno a las raíces.
En mis proyectos me interesa trabajar con los artesanos, que conocen los materiales del lugar y utilizan técnicas que no se deben extinguir.
Reinterpretar y potenciar las posibilidades del trabajo artesanal es parte de mi compromiso con la arquitectura que hago.
Estar abierto a explorar nuevas maneras de practicar el oficio no es un problema de edad, sino una actitud mental. A veces encuentro un artesano bastante mayor o un joven interesado en probar nuevas ideas, en otras ocasiones puede ser un joven o un artesano mayor el que se niega a explorar ciertas técnicas y, usualmente, lo hará por razones de orgullo. Para mí el intercambio de ideas y de maneras de hacer las cosas debe ser un camino de retroalimentación y crecimiento alejado de todo arquitectura contemporánea que basa el proceso de diseño en las raíces existentes.
Quiero hacer una arquitectura que sea tan suave como una tela y a la vez llena de texturas, que se aleje de la estandarización, de ser minimalista. Considero que el ser humano necesita de ambientes y sensaciones cálidas. El límite no es la calidad de vida que provee la arquitectura; esta debe ir más allá y procurar la belleza de la forma.
Por eso, en mis trabajos un elemento importante lo constituyen la luz y la sombra como recurso para destacar la belleza del material.
Igualmente, me exijo siempre conocer y reconocer el lugar, experimentar en el proceso de creación. La información a través de fotografías, videos e imágenes resulta insuficiente, no significa nada para mí si no recorro el lugar.
La experiencia al caminar significa ser.
No es solo el punto de llegada lo que interesa, sino la secuencia involucrada.
Son la materialidad y las texturas que acompañan el entorno, el olor, los colores, las dimensiones, el tamaño de los ladrillos, de las tejas o cualquiera que sea esa partícula distintiva del lugar.
Cada lugar, cada sector, cada ciudad del mundo –e incluso en el interior de las mismas– tiene una caracterización definida por su materialidad y significado, a lo que llamo partícula.
Por ejemplo recuerdo que empleé el concepto de partícula pequeña, muy fina, en el museo de arte Hiroshige con un sinnúmero de elementos y secuencias muy delicados que responden a mi interpretación del lugar.
Eso les gustó a los promotores de la tienda Louis Vuitton en la calle Omotesando, en Tokio, y por ello querían replicarlo.
Me llamaron para que adoptara los mismos conceptos en su nuevo espacio.
Sin embargo, las partículas de una ciudad como Tokio, y más aún de una de las calles de mayor intensidad del mundo, como lo es Omotesando, mata la pequeñez que es lo que se promueve en el museo de arte Hiroshige.
Esa calle maneja tamaños de partícula grandes, hay cambios permanentes, bruscos, y llegar a controlar esas diferencias permite encontrar el balance para proponer una arquitectura acorde con su entorno. Cada proyecto es singular en ese sentido.
Siguiendo a EFE, Côa y su arte paleolítico tuvo casi 80.000 visitas en 2021
El arte del Paleolítico Superior situado en la zona fronteriza portuguesa del Côa -cuenca del río Duero- recibió casi 80.000 visitantes durante el año 2021, a pesar de la pandemia, según los gestores del yacimiento luso.
En el Valle del Côa, cuyo arte rupestre es declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1998, existen 1300 paneles artísticos distribuidos a orillas del río donde medio millar contienen grabados de la época del Paleolítico.
De forma semejante, en la parte fronteriza española y a orillas del río Águeda, que trascurre paralelo al Côa hasta el Duero por la provincia española de Salamanca, están localizados en Siega Verde casi un centenar de paneles rupestres que, como extensión del Côa, en 2010 son declarados Patrimonio Mundial.
Aida Carvalho, presidenta de la Fundación Côa-Parque que gestiona el Yacimiento luso del Côa, dice que debido al prestigio internacional de este enclave y a pesar de la pandemia, el Valle del Côa es un polo de atracción turístico ibérico y en 2021 son contabilizadas 79.000 visitas.
Muchos de los visitantes que acuden a la zona portuguesa del Côa se desplazan a conocer también los españoles de Siega Verde, un sitio rupestre que está situado al oeste de la provincia de Salamanca, en las aldeas de Martillán y Serranillo.
En ambos casos se pueden contemplar sobre las rocas de pizarra grabados de hace 20.000 años de diferentes animales como cánidos, ciervos, caballos, cabras o toros. Incluso, de especies extintas como el uro o el rinoceronte lanudo.
Según Aida Carvalho, entre febrero y mayo de este año, el Museo del Côa, ubicado junto a los grabados en la localidad lusa de Vila Nova de Foz Côa, albergará la exposición Arte Prehistórico: De la Roca al Museo, perteneciente al Museo Nacional de Arqueología (MNA) de España.
Se trata de una muestra itinerante con 300 piezas entre pinturas, grabados y otras disciplinas artísticas.
La exposición nace en 2021 para conmemorar el centenario de la muestra pionera a nivel mundial sobre el arte rupestre prehistórico, que tiene lugar en España en 1921, según el MNA.
La península ibérica es uno de los enclaves mundiales con mayor número de manifestaciones artísticas de este tipo y España es el país con mayor número de sitios de arte prehistórico declarados Patrimonio Mundial por la UNESCO.
De entre los trescientos candidatos que optan en este 2022 para ganar el premio Museo europeo del año que concede el Foro Europeo de los Museos, el Côa ha logrado meterse en la final y es el único de Portugal que está en la lista de los 60 preseleccionados, explica Carvalho.
Estar en la final de los premios EMYA (Museo Europeo del Año) es muy importante para el reconocimiento internacional del Museo del Côa, cuyo ganador será anunciado en mayo próximo en la ciudad estonia de Tartu.
The Upper Paleolithic art located in the Portuguese border area of the Côa -Douro river basin- received almost 80,000 visitors during the year 2021, despite the pandemic, according to the managers of the Portuguese site.
In the Côa Valley, whose rock art was declared a World Heritage Site by UNESCO in 1998, there are 1,300 artistic panels distributed on the banks of the river, where half a thousand contain engravings from the Paleolithic era.
Similarly, in the Spanish border area and on the banks of the Águeda river, which runs parallel to the Côa to the Duero through the Spanish province of Salamanca, almost a hundred rock panels are located in Siega Verde, which, as an extension of the Côa, in 2010 are declared World Heritage.
Aida Carvalho, president of the Côa-Parque Foundation that manages the Portuguese Côa Deposit, says that due to the international prestige of this enclave and despite the pandemic, the Côa Valley is an Iberian tourist attraction pole and in 2021 there are 79,000 visits.
Many of the visitors who come to the Portuguese area of Côa also travel to see the Spanish at Siega Verde, a cave site that is located to the west of the province of Salamanca, in the villages of Martillán and Serranillo.
In both cases, engravings from 20,000 years ago of different animals such as canines, deer, horses, goats or bulls can be seen on the slate rocks.
Even extinct species such as the aurochs or the woolly rhinoceros.
According to Aida Carvalho, between February and May of this year, the Côa Museum, located next to the engravings in the Portuguese town of Vila Nova de Foz Côa, will house the exhibition Prehistoric Art: From the Rock to the Museum, belonging to the National Museum of Archeology (MNA) of Spain.
It is a traveling exhibition with 300 pieces between paintings, engravings and other artistic disciplines.
The exhibition was born in 2021 to commemorate the centenary of the pioneering worldwide exhibition on prehistoric cave art, which took place in Spain in 1921, according to the MNA.
The Iberian Peninsula is one of the world enclaves with the largest number of artistic manifestations of this type and Spain is the country with the largest number of prehistoric art sites declared World Heritage by UNESCO.
Among the three hundred candidates who opt in this 2022 to win the European Museum of the Year award granted by the European Forum of Museums, the Côa has managed to get into the final and is the only one from Portugal that is on the list of the 60 shortlisted explains Carvalho.
Being in the final of the EMYA awards (European Museum of the Year) is very important for the international recognition of the Côa Museum, whose winner will be announced next May in the Estonian city of Tartu.
The Adoration of the Child in the Museo Thyssen Bornemisza is found in the Apocryphal Gospels of the Nativity, in the Gospel of Pseudo-Matthew.
In it, it is told that José goes to look for two midwives to assist the Virgin in childbirth, but when they arrive, María had already given birth.
The midwives enter the cave where her birth had taken place.
Zelomí agrees first, recognizing Mary’s virginity, and then Salomé, who, (distrátfol)distrustful, tries to verify the miracle and is punished with the paralysis of her hands.
Daret represents the moment in which Salome is about to touch the Child who, according to the apocryphal text, (hiil)heals her.
Jacques Daret was born in Tournai, Belgium, around 1404.
His teacher for fifteen years was Robert Campin, who for centuries was for experts the Master of Flemalle, in whose workshop he is documented in 1428, and as a companion Rogier or Rogelet de le Pasture (Roger van der Weyden).
He himself became the teacher of many other important painters.
The influence of both painters is perceived in his work.
He is (réllistid)registered with the Tournai guild in 1432.
In the 1430s he works in his hometown of Tournai.
He is a favorite at the Burgundian court and has as his patron for twenty years the Abbot of Sant Vast in Arras, Jean de Clercq, whose works appear in the Abbey’s account books, although numerous, only four of these works are preserved, and all belong to the Saint Vaast Altarpiece, made between 1433 and 1435.
In the paintings of the aforementioned altarpiece there are great similarities with the work of the Master of Flemalle, who was his master.
The altarpiece is divided, The Visitation and The Adoration of the Magi in the State Museums of Berlin, The Nativity in the Thyssen in Madrid, and The Presentation in the Temple in the Petit Palais in Paris.
La Adoración del Niño del Museo Thyssen Bornemisza se encuentra en los Evangelios Apócrifos de la Natividad, en el Evangelio del Pseudo Mateo.
En él se cuenta, que José va a buscar a dos comadronas para que asistan a la Virgen en el parto, pero cuando llegan María ya había dado a luz.
Las comadronas entran en la cueva donde había tenido lugar el nacimiento.
Primero accede Zelomí, que reconoce la virginidad de María, y después Salomé, que, desconfiada intenta comprobar el milagro y es castigada con la parálisis de sus manos. Daret representa el momento en el que Salomé se dispone a tocar al Niño que, según el texto apócrifo, la sana.
Jaques Daret nace en Tournai, Bélgica, hacía 1404. Tiene como maestro durante quince años a Robert Campin, el que durante siglos es para los expertos el Maestro de Flemalle, en cuyo taller está documentado en 1428, y como compañero a Rogier o Rogelet de le Pasture (Roger van der Weyden).
Él mismo se convierte en maestro de otros muchos e importantes pintores.
La influencia de ambos pintores se percibe en su obra. Está registrado en el gremio de Tournai en 1432. En la década de 1430 trabaja en su ciudad natal, Tournai.
Es favorito en la corte de los Borgoña y tiene como patrón durante veinte años al Abad de San Vast en Arras, Jean de Clercq, del que a pesar de que son cuantiosas las obras que figuran en los libros de cuentas de la Abadía, sólo cuatro de esos trabajos se conservan, y todas pertenecen al Retablo de Saint Vaast, realizadas entre 1433 y 1435.
En las pinturas del mencionado retablo se encuentran grandes similitudes con la obra del Maestro de Flemalle, que fue su maestro.
El retablo se encuentra dividido, La Visitación y La Adoración de los Magos en los Museos Estatales de Berlín, La Natividad en el Thyssen de Madrid, y La Presentación en el Templo en el Petit Palais de París. Hacía 1470 muere.
Lamentamos profundamente la pérdida de Jonathan Brown. Prestigioso hispanista norteamericano y gran experto en Velázquez, recordamos con cariño la estrecha relación que tuvo con el Museo del Prado.
(1939-2022). Historiador e hispanista estadounidense. Professor of Fine Arts en el Institute of Fine Arts de la New York University.
Dedica su carrera al estudio de la pintura española y, en especial, a Velázquez, así como al arte hispanoamericano de los siglos XVI y XVII y a la historia del coleccionismo.
Su trayectoria ha estado unida al Museo del Prado, en el que ha comisariado diversas exposiciones como la dedicada en 1999 a Velázquez, Rubens y Van Dyck, en conmemoración del cuarto centenario del nacimiento del pintor español, o la titulada La almoneda del siglo.
Madrid, 22, de noviembre de 2011. Conferencia de Jonathan Brown en el Museo del Prado. Foto: IGNACIO GIL.
Relaciones artísticas entre España y Gran Bretaña. 1604-1655, organizada junto a John Elliott en 2002.
Asimismo, ha dirigido la tercera edición de la Cátedra del Museo del Prado, titulada La pintura del Siglo de Oro: perspectivas personales, de la que queda la publicación Reflexiones de un hispanista a la sombra de Velázquez (2015).
Ha publicado obras básicas para el entendimiento de la pintura barroca española entre las que destacan:
Imágenes e ideas en la pintura española del siglo XVII (1981);
Velázquez, pintor y cortesano (1986);
Un palacio para el rey: el Buen Retiro y la corte de Felipe IV (1981, reeditada en 2003, en colaboración con John Elliott);
La edad de oro de la pintura en España (1990);
El triunfo de la pintura. Sobre el coleccionismo cortesano en el siglo XVII (1995);
La sala de batallas de El Escorial. La obra de arte como artefacto cultural (1998);
Madrid, 22, de noviembre de 2011. Conferencia de Jonathan Brown en el Museo del Prado. Foto: IGNACIO GIL.
Velázquez: la técnica del genio (1998), en colaboración con Carmen Garrido, o No solo Velázquez (2020).
En 1993, 1998 y 2002 participa en los ciclos anuales de conferencias organizados por la Fundación Amigos del Museo del Prado y en las publicaciones que de ellos se derivaron: El retrato en el Museo del Prado; Obras maestras de Velázquez, IV centenario y El Greco. Obras maestras.
Es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de la Academia Americana de las Artes y de la de San Carlos de Valencia.
Pertenece a la Sociedad Filosófica Americana y a la Fundación Duques de Soria.
Ha obtenido galardones como la medalla de oro de las Bellas Artes, en 1986, la gran cruz de Alfonso x el Sabio, en 1996, y el Premio Elio Antonio Nebrija de la Universidad de Salamanca, en 1997.
Está considerado junto a Van Eyck y Rogert van der Weyden el precursor de la pintura flamenca prerrenacentista.
Hasta su identificación conocido como el Maestro de Flémalle, es un artista envuelto en misterio, de él se conocen datos biográficos, pero sus obras son todas atribuidas, no documentadas.
Su estudio, continúa lleno de interrogantes, y es una constante preocupación para los investigadores de la pintura flamenca.
Su personalidad artística solo se puede reconstruir a partir de su identificación con el Maestro de Flemalle.
Su nombre se debe al historiador alemán Hugo von Tschudi, al asignarle en 1898 un grupo de obras del Stächeldsches Kunstinstitut, de Fráncfort, procedentes del castillo de Flemalle, denominado erróneamente abadía, cerca de Lieja, abriéndose entonces uno de los grandes interrogantes de la pintura flamenca: descubrir quién estaba detrás de este pintor anónimo.
Es sólo a través de las obras adjudicadas al Maestro de Flemalle, que se puede conocer a este artista.
Los escasos documentos existentes, hablan de Robert Campin como maestro pintor en la ciudad de Tournai en 1406, que pinta entre 1410-1440, dirige un taller de importancia, y tiene aprendices como Roger van der Weyden y Haques Daret.
A partir de 1423 su vida es mas compleja tras significarse en la revuelta protagonizada por los artesanos frente a la aristocracia.
Este mismo año se convierte en decano de la cofradía de San Lucas que agrupa a orfebres y pintores, y un año más tarde en miembro de uno de los tres consejos de la ciudad, en el que desempeña distintas funciones públicas.
Pero su suerte cambia en 1429 cuando se le prohíbe, por su participación en el levantamiento, ejercer función pública alguna.
Incluso en 1432, envuelto en otra investigación, es condenado por mantener relaciones extramatrimoniales.
A pesar de estas vicisitudes nunca disminuye su popularidad, que sigue al frente de un gran taller, cuya producción se ha perdido.
Influye en muchos maestros que le suceden, mostrando minuciosidad y grandes dotes de observación que no se da en ningún pintor anterior.
Es de los primeros en utilizar el óleo en vez de la témpera al huevo que hasta entonces es habitual, lo que le da a su pintura la brillantez en el color característica de época.
Las figuras de sus lienzos, rebosan fuerza utilizando las sombras y la luz para componer escenas con perspectivas complejas.
Pero es al final del XIX, cuando se aclara que van Eyck es precedido por el autor del Retablo Mérode de 1428, hoy en el Metropolitan Museum de Nueva York.
Otros paneles parecidos, que provienen del Château de Flémalle, se exhiben hoy en Fráncfort del Meno.
Se asume que estas obras pertenecen a un Maestro de Flémalle cuya identidad por aquel entonces no queda establecida.
Es en el XX, cuando los expertos identifican a Robert Campin como el Maestro de Flémalle, documentado como maestro pintor de Tournai desde el año 1406.
Este hecho se basa en un documento que cita a dos discípulos de Campin, Jaques Daret y Rogelet de la Pasture, este último, con toda probabilidad, Roger van der Weyden.
El 26 de abril de 1444, muere en Tournai, Bélgica
El Museo del Prado de Madrid, alberga varias de sus obras, Los desposorios de la Virgen, San Juan Bautista y el maestro franciscano Enrique de Wer, Santa Bárbara, Sant Jaume i Santa Clara; y el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, una, Retrato de un hombre robusto. Robert de Masmines, de 1425.
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