En abril, la firma francesa utilizó el cuadro del artista italiano para su colección cápsula sin pedir permiso al museo antes de ponerlo a la venta. Ahora la pinacoteca exige al diseñador francés 100.000 euros en concepto de “daños”
A la marca Jean Paul Gaultier le puede salir muy caro el uso de la obra El nacimiento de Venus, de Botticelli, para una colección cápsula de prêt-à-porter denominada Le Musée. Tanto como por 100.000 euros. La Galeria de los Uffizi—la principal pinacoteca de Italia— ha interpuesto acciones legales contra la firma tras la ausencia de respuesta para el empleo legal de las imágenes en los diseños.
El museo florentino, donde se encuentra la obra del artista italiano, ha demandado a la firma francesa por su “uso no autorizado”: “La conocida casa de moda ha utilizado la imagen de la inmortal obra maestra que se encuentra en el museo para crear algunas prendas, anunciándolas también en sus redes sociales y en su página web y lo hizo sin pedir permiso, sin acordar el método para utilizarlas y sin pagar los derechos, tal y como exige expresamente la ley”, lamentó la pinacoteca en un comunicado. La Galería de los Uffizi, situado en pleno corazón de Florencia, es uno de los museos más importantes del planeta y alberga algunas de las obras más relevantes de artistas como Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano o Caravaggio.
Pintada por Botticelli en la década de 1480, El nacimiento de Venus está considerada como una de las obras cumbres del Renacimiento italiano, además de seguir teniendo un valor artístico incalculable medio milenio después de su creación. El cuadro es uno de los más famosos del mundo, replicado hasta la saciedad, y en él aparece la diosa Venus desnuda, tapándose solo con su larga melena rubia, de pie sobre una concha de vieira y rodeada por otros dioses.
La entidad cultural exigió la retirada del mercado de los productos en los que aparecía el cuadro o, en su defecto, que los responsables se pusieran en contacto con el museo para cerrar el acuerdo comercial necesario para poder plasmar la imagen en los diseños. Según el Código del Patrimonio Cultural de Italia, “el uso de imágenes de la propiedad pública italiana está obligatoriamente sujeta a autorización específica y al pago de una tasa”. Sin embargo, siempre según la versión del museo, la firma de moda ignoró la carta que este le envió el pasado mes de abril y por la que pretendían llegar a un acuerdo económico. Al no obtener respuesta, han tomado “acciones legales, que incluyen no solo la retirada de las prendas, sino también una reclamación de daños y perjuicios a favor del museo”. El diario británico The Guardian cifra la cantidad exigida en más de 100.000 euros. Por el momento, la casa de modas francesa ha evitado pronunciarse al respecto.
En la colección lanzada por Jean Paul Gaultier la imagen de la Venus se incluía en vestidos, blusas, pantalones y bufandas. Además, la firma también utilizó fragmentos de obras de artistas como Miguel Angel y Rubens para su colección. En la denuncia que ha salido a la luz, los Uffizi han incluido varias capturas de pantalla en las que se puede ver a una modelo con un pantalón y una camiseta con parte del cuadro de Venus impreso. Y no son unas piezas baratas. La casa francesa vende una bufanda por 150 euros y un vestido por 590, entre otras prendas de la colección.
Desde 1993, Italia cuenta con una ley —que se actualizó por última vez en 2014— que permite el uso libre de las imágenes de la pintura si se hace a título privado o con fines educativos, informativos o científicos. Sin embargo, la colección de Jean Paul Gaultier no cumple ninguno de estos requisitos, por lo que era necesario un acuerdo tácito o un pago antes de que las prendas salieran a la venta.
Hace 30 años el más influyente coleccionista de arte en Gran Bretaña, Charles Saatchi, consideraba a Lucian Freud como el mayor pintor realista desde Ingres, en un artículo de Vanity Fair.
Hombre con una pluma (Autorretrato) 1943 (Foto: The Lucian Freud Archive/ Bridgeman Images)
Si alguien se imagina el Prado, el Louvre, o la National Gallery dentro de 200 años, estoy seguro de que los trabajos de Freud estarán colgados allí.
En 1965 Freud pintó ‘Reflection with Two Children (Self-portrait)’MUSEO THYSSEN MADRID
Más de 50 obras de Freud ocupan estos días las mismas salas que albergaban hasta hace poco a Tiziano y Rafael.
La Nationl Gallery celebra con una magnifica retrospectiva el centenario del nacimiento de Freud (1922-2011), considerado como la figura más influyente de arte figurativo británico del siglo XX. Judío, nacido en Alemania, Freud llega a Gran Bretaña de niño en 1933, huyendo de los nazis. Hijo de un arquitecto que hubiera querido ser artista y nieto de Sigmund Freud, el pintor con una personalidad compleja y una vida sulfurosa al margen de las reglas de la domesticidad, confesaría, ya entrado en años, no haber probado la receta de su abuelo y haberse psicoanalizado.
La exposición reúne algunas de sus pinturas más conocidas, mezcladas con otras apenas vistas desde hace mucho tiempo. Los organizadores la titulan, Nuevas perspectivas, tratando de huir de la leyenda, que en ocasiones ha eclipsado la obra del aventurero sexual de apetito insaciable e incontables hijos ilegítimos, protagonista de farras y peleas con Francis Bacon en los garitos lumpen del Soho de los años 50, enviciado con el juego en los casinos y frecuentando al mismo tiempo la aristocracia y los bajos fondos.
Las pinturas de Freud, a pesar del deseo de los comisarios, son sin embargo fundamentalmente biográficas y hablan por sí mismas. Los modelos que utilizó a lo largo de 70 años pertenecían mayoritariamente a su círculo familiar y social más cercano, ya fueran hijas, amantes, funcionarios, potentados, o perros, sin olvidar sus numerosos autorretratos. En uno de estos últimos, Painter Working (1993), Freud aparece completamente desnudo, sobre un espacio vacío, la carne mortecina, pintando en su estudio de donde, sobre todo en los últimos años, apenas salía, con la mirada fija en el lienzo invisible que le ocupa. Es un retrato sin piedad, sin concesiones, a la manera que él trata los cuerpos.
Los desnudos de Freud, una constante en su obra, son crudos, brutales.
Los refugiados, 1940-1 (The Lucian Freud Archive / Bridgeman Images)
En Naked Portrait (1979-80) una mujer desconocida, que aparenta dormir revela su sexo, los pechos hinchados, el vientre con la costura de un parto reciente. La mirada del artista es la de un bisturí, el ojo de un forense, con una visceralidad carente de empatía, chocante, incisivo.
Gran interior, Notting Hill, 1998 (The Lucian Freud Archive / Bridgeman Images)
Me interesa la faceta animal de la gente. Una parte de mi gusto por los retratos desnudos viene de ahí.
Dos irlandeses en W11, 1984-5 (Foto: The Lucian Freud Archive/Bridgeman Images)
Freud pinta a su amante adolescente Bernadine Coverley, embarazada de su primera hija, Bella, hoy renombrada diseñadora. En una de las obras expuestas, Bella posa desnuda. En otra, vestida, tumbada en un sofá, lo hace junto a su hermana Esther.
Lucian Freud Man with a Feather (Autorretrato), 1943 (Foto: The Lucian Freud Archive/Bridgeman Images)
Afirma Daniel F. Hermann, comisario de la muestra:
Es un maestro de la intimidad
Durmiendo junto a la alfombra del león, 1996 (Foto: The Lucian Freud Archive/Bridgeman Images)
Freud retrata a gente poderosa, como el banquero Jacob Rotchschild, o el Barón Hans Henrik Thyssen-Bornemisza, a cuyo museo en Madrid irá la exposición a partir del 14 de febrero. Isabel II también posa para él. Se dice que entre pincelada y pincelada hablaban de caballos, una pasión mutua. El resultado es un minúsculo óleo, del que probablemente la soberana no quedara muy complacida, en que sale peor parada que los perros y cuadrúpedos que Freud pinta.
La habitación de los pintores (1944) (Foto: The Lucian Freud Archive/Bridgeman Images)
El Museo Nacional de Arte Africano del Smithsonian cedió oficialmente el 11 de octubre la propiedad de veintinueve bronces de Benín a la Comisión Nacional de Museos y Monumentos en Nigeria, en una ceremonia que tuvo lugar en el museo, durante la cual la Galería Nacional de Arte también devolvió su único bronce de Benín. Los objetos son parte de un tesoro de aproximadamente 90.000 piezas saqueado por las tropas británicas en 1897 de la República de Benín, como se conocía entonces a Nigeria. Dijo Lonnie Bunch, secretario del Smithsonian:
Devolver la propiedad de estos magníficos artefactos a su hogar legítimo no solo fue lo correcto, sino que también demuestra cómo todos nos beneficiamos de que las instituciones culturales tomen decisiones éticas. Compartir el conocimiento y la administración con las comunidades de origen nos ayudará a comprender y preservar mejor el patrimonio cultural importante como los bronces de Benin e iluminarlo para las generaciones futuras en los Estados Unidos y en todo el mundo.
La devolución está en línea con la adopción por parte del Smithsonian el 29 de abril de una nueva política de devoluciones éticas, bajo la cual los diecinueve museos individuales que operan bajo su égida pueden restaurar a sus legítimos propietarios artículos que fueron robados o adquiridos de manera poco ética sin buscar primero la aprobación de la organización paraguas. La aprobación de la Junta es necesaria para hacerlo solo cuando los artefactos en cuestión son de notable valor monetario o de investigación, o son históricamente consecuentes, o cuando su retorno podría crear un interés público sustancial. Los bronces de Benín cumplen con todos estos criterios.
Señaló Lai Mohammed, Ministro de Información y Cultura de Nigeria:
Nigeria está inmensamente complacida por la encomiable decisión del Museo Nacional de Arte Africano del Smithsonian, la Galería Nacional de Arte y la Escuela de Diseño de Rhode Island de devolver estos artefactos que salieron de África hace más de un siglo. Nigeria espera con interés trabajar con estas instituciones en exposiciones conjuntas y otros intercambios educativos. Al devolver los artefactos, estas instituciones están juntas escribiendo nuevas páginas en la historia. Vale la pena emular su valiente decisión de devolver las obras de arte atemporales.
En la actualidad, el Museo Nacional de Historia Natural del Smithsonian posee veinte bronces de Benín. La investigación sobre esos objetos ha comenzado, y se espera que los hallazgos se presenten a la junta de regentes junto con una solicitud para retirarlos y devolverlos.
Se informa que el príncipe heredero de Arabia Saudita, Mohammed bin Salman Al Saud, quien en 2017 compró Salvator Mundi de Leonardo da Vinci en una subasta por un récord de $ 450 millones, está construyendo una galería para exhibir el trabajo en disputa en su país de origen.
El conocido historiador de arte británico Martin Kemp, hablando en el Festival Literario de Cheltenham en el Reino Unido el 11 de octubre, reveló que el príncipe lo había invitado a Arabia Saudita para ver la pintura.
Está en Arabia Saudita y el país está construyendo una galería de arte, que creo que estará terminada en 2024. Ha habido movimientos para sacarme a verlo.
La CA. La pintura de 1500, que el Príncipe Heredero Bin Salman compró de Christie’s en Nueva York a través de un representante y que a menudo se conoce como la «Mona Lisa masculina», representa a un Cristo beatífico con una mano levantada en señal de bendición.
La obra es una de varias de Leonardo que representan a Jesús. Conocida como la versión Cook, en honor al londinense Francis Cook, quien compró la pintura en 1900, en los últimos años ha sido objeto de escrutinio, y el año pasado el Prado afirmó en voz baja que probablemente no fue realizada por el legendario artista del Renacimiento italiano, sino por creado bajo su supervisión.
Salvator Mundi no se ha exhibido en público desde su compra en 2017; antes de su venta récord, se había vendido por última vez por $ 1,175, a un colectivo de comerciantes de arte de Nueva Orleans, por una casa de subastas que lo había recibido en consignación de la herencia del empresario de Baton Rouge, Basil Clovis Hendry. Después de la venta, Kemp afirmó que la pintura era de Leonardo, y la obra se mostró posteriormente en una encuesta de la obra de Leonardo en la Galería Nacional de Londres en 2011.
Durante los últimos cinco años, han surgido preguntas sobre el paradero de la pintura, con varios relatos no confirmados de avistamientos en un almacén suizo y a bordo del yate del príncipe, respectivamente.
Chilean artist Cecilia Vicuna poses by her artwork of the latest Hyundai Commission for Tate Modern’s Turbine Hall, in London, on October 10, 2022. – Chilean artist Cecilia Vicuna is best known for her radical textile sculptures combing natural materials and traditional craft. Through her art and poems she seeks to preserve and pay tribute to her country’s indigenous history and culture as well as pressing concerns over ecology, community and social justice. (Photo by Isabel INFANTES / AFP) / RESTRICTED TO EDITORIAL USE – MANDATORY MENTION OF THE ARTIST UPON PUBLICATION – TO ILLUSTRATE THE EVENT AS SPECIFIED IN THE CAPTION
La tierra es un bosque de cerebros
Las obras anudadas codifican un acto de duelo por la destrucción de los bosques, el impacto posterior del cambio climático y la violencia contra los pueblos indígenas.
Brain Forest Quipu en la Tate Modern, 2022. Foto: Tate Photography (Sonal Bakrania)
Con 74 años, la poeta y ecoactivista indígena obtiene el reconocimiento internacional: León de Oro en la Bienal de Venecia, el Museo Guggenheim de Nueva York le dedica una gran monográfica
A gallery assistant looks at the latest Hyundai Commission for Tate Modern’s Turbine Hall, by Chilean artist Cecilia Vicuna displayed at the museum, in London, on October 10, 2022. – Chilean artist Cecilia Vicuna is best known for her radical textile sculptures combing natural materials and traditional craft. Through her art and poems she seeks to preserve and pay tribute to her country’s indigenous history and culture as well as pressing concerns over ecology, community and social justice. (Photo by Isabel INFANTES / AFP) / RESTRICTED TO EDITORIAL USE – MANDATORY MENTION OF THE ARTIST UPON PUBLICATION – TO ILLUSTRATE THE EVENT AS SPECIFIED IN THE CAPTION
Denunciar la destrucción del planeta y tejer interconexiones para detenerla es lo que persigue la chilena Cecilia Vicuña con una monumental instalación en la Tate Modern de Londres, punto culminante del nuevo reconocimiento internacional a su medio siglo de ecoactivismo artístico. Estoy muy agradecida de que este reconocimiento empiece a producirse,
A gallery assistant looks at the latest Hyundai Commission for Tate Modern’s Turbine Hall, by Chilean artist Cecilia Vicuna displayed at the museum, in London, on October 10, 2022. – Chilean artist Cecilia Vicuna is best known for her radical textile sculptures combing natural materials and traditional craft. Through her art and poems she seeks to preserve and pay tribute to her country’s indigenous history and culture as well as pressing concerns over ecology, community and social justice. (Photo by Isabel INFANTES / AFP) / RESTRICTED TO EDITORIAL USE – MANDATORY MENTION OF THE ARTIST UPON PUBLICATION – TO ILLUSTRATE THE EVENT AS SPECIFIED IN THE CAPTION
Afirma esta creadora multidisciplinar, celebrando un despertar de la comunidad artística a cuestiones que, como los derechos de mujeres e indígenas o la preservación de los ecosistemas, ella lleva 50 años defendiendo.
A gallery assistant looks at the latest Hyundai Commission for Tate Modern’s Turbine Hall, by Chilean artist Cecilia Vicuna displayed at the museum, in London, on October 10, 2022. – Chilean artist Cecilia Vicuna is best known for her radical textile sculptures combing natural materials and traditional craft. Through her art and poems she seeks to preserve and pay tribute to her country’s indigenous history and culture as well as pressing concerns over ecology, community and social justice. (Photo by Isabel INFANTES / AFP) / RESTRICTED TO EDITORIAL USE – MANDATORY MENTION OF THE ARTIST UPON PUBLICATION – TO ILLUSTRATE THE EVENT AS SPECIFIED IN THE CAPTION
En los últimos meses, Vicuña, de 74 años, ha tenido su primera exposición en solitario en el Museo Guggenheim de Nueva York, su primera retrospectiva en España, un Leon de Oro a su trayectoria en la Bienal de Venecia y ahora esta exposición en la Sala de Turbinas de la Tate Modern. Por este espacio, de más de 3.000 metros cuadrados con techos de casi 30 metros de alto, han pasado Juan Muñoz, Louis Bourgeois, Anish Kapoor, Doris Salcedo, Abraham Cruzvillegas o Tania Bruguera.
Cecilia Vicuna, Turbine Hall, Tate Modern
Con Brain Forest Quipu, Vicuña expone hasta el 16 de abril dos de sus célebres quipus, estructuras de 27 metros de alto, de lana sin hilar, fibras de yute y cáñamo, cartón, yeso y otros materiales tejidos y anudados en largas hebras que penden desde anillos metálicos fijados al techo. Son dos figuras fantasmagóricas, esqueletos de una selva tropical muerta, teñidas de un blanco hueso que remite a árboles quemados por las sequías y el sol.
El quipu proviene de una tradición andina prehispánica utilizada por las mujeres indígenas hace miles de años para codificiar mensajes mediante nudos. Y, aunque sus obras no encierran palabras concretas, la chilena, poeta además de artista plástica, las ve como poemas en el espacio, explica la comisaria, Catherine Wood. Las dos esculturas se balancean suavemente al ritmo de composiciones sonoras del colombiano Ricardo Gallo, que entretejen sonidos orgánicos de la selva con ritmos y músicas de todo el mundo. Explica Wood:
Pese a simbolizar la muerte de las selvas, la obra también piensa más positivamente en cómo nos entrelazamos como un tejido social de seres humanos. Así, a las partes escultórica y sonora se suman encuentros sociales que permitirán a personas de diferentes orígenes y edades debatir el modo de frenar la destrucción de los ecosistemas.
Hay también una parte digital que, mediante vídeos de indígenas relatando la degradación de sus hábitats, busca aprovechar la plataforma de la Tate para lanzar un mensaje de alerta.
Dice Vicuña:
En diez años la Tierra tendrá un aspecto que no ha tenido nunca. Ya es hora de despertar.
Cecilia Vicuna, Turbine Hall, Tate Modern
La artista concibió sus dos esculturas como una madre y su hijo, cuya unión intergeneracional es imprescindible para cambiar un mundo en que uno ya no se escucha a sí mismo, ni a la persona que sufre junto a él.
Considera Frances Morris, directora de la Tate Modern
La artista chilena es una inspiración para muchos artistas, como infatigable campeona de la conciencia ecológica y la justicia social así como creadora de poderosas e impresionates obras de arte.
Rascacielos Quipu (Incan quipu performance, Nueva York), 2006. Foto: Matthew Herrmann. Cortesía del artista y Lehmann Maupin, Nueva York, Hong Kong, Seúl y LondresQuipu del exterminio / Exterminio Quipu, 2022 Foto: David Heald. Cortesía del artista; el Museo Solomon R. Guggenheim; y Lehmann Maupin, Nueva York, Hong Kong, Seúl y Londres
Pero éstas solo fueron destruidas físicamente, digitalmente siguen existiendo en forma de NFT.
El infierno de Damien: así nombró un espectador en Instagram el happening de token o vale digital (NFT, por sus siglas en inglés) del artista británico Damien Hirst. Vestido con un overol plateado y acompañado de ayudantes que portaban pantalones de uniforme de bombero, el martes (11.10.2022), Hirst se presentó en la Galería de Newport Street, en Londres.
British artist Damien Hirst takes part in a burn event which is part of his latest NFT exhibition «The Currency», in London, Britain, October 11, 2022. REUTERS/Hannah McKay
Si bien la imagen del artista recordaba una mezcla de astronauta y del malhechor del clásico de Stanley Kubrick Naranja Mecánica, Hirst estaba de excelente humor.
British artist Damien Hirst takes part in a burn event which is part of his latest NFT exhibition «The Currency», in London, Britain, October 11, 2022. REUTERS/Hannah McKay
Casi alegre, se movía entre una mesa sobre la que estaban ordenadas 4.851 obras y las seis chimeneas en las habitaciones de la galería. La transmisión en vivo en Instagram no funcionó sin problemas, el video se movía mientras unas 1.000 personas en todo el mundo querían presenciar el evento de forma virtual.
British artist Damien Hirst takes part in a burn event which is part of his latest NFT exhibition «The Currency», in London, Britain, October 11, 2022. REUTERS/Hannah McKay
Qué ironía», comentaba un usuario el hecho de que el internet no funcionó bien a la hora de digitalizar arte.
Damien Hirst
Después de dos horas, se había quemado hasta la última obra en las chimeneas. Algunos usuarios criticaron el happening de «aburrido» o «sin sentido», a otros les pareció «emocionante».
Hirst había explicado que no se trataba de destruir su arte. The currency (La moneda) es una coleccion de 10000 NFT, que corresponden a 10.000 obras originales del artista.
Durante un año, las obras de Hirst, que se parecen mucho, pese a ser todas diferentes, existieron tanto física como virtualmente. Podían ser adquiridas por un valor de cerca de 2.050 euros (2.000 dólares estadounidenses). Y, hasta el 27 de julio de 2022, los compradores tenían la opción de quedarse con el NFT o de cambiarlo por la obra física.
Un poco más de la mitad de los coleccionistas (5.149) decidió quedarse con la obra física, y 4.851 con los NFT. Los tokens no fungibles permiten convertir el arte digital en ejemplares únicos a prueba de falsificaciones. Esto los hace tan populares.
Aquellos que no habían cambiado su NFT hasta la fecha límite, pudieron presenciar la destrucción física de las obras originales. El performance en vivo de Damien Hirst es otro golpe maestro mediático del popular criptoarte, un negocio floreciente.
En 2021, los tokens no fungibles probablemente fueron el tema más comentado en la escena artística. A más tardar después de la venta de un collage del artista beeple, por un valor de 69 millones de dólares estadounidenses, en Christies, los NFT se convirtieron en el tema de moda.
Y es que, cuando una casa de subastas de tradición, como Christies, empieza a subastar NFT, todos se dan cuenta de que los tokens no fungibles no son una moda pasajera digital, sino que cambiarán el concepto del arte.
Desde entonces, cada vez más artistas establecidos prueban las posibilidades del mundo digital. Jeff Koons, Marina Abramovic, Erwin Wurm o Alicja Kwade son algunos de ellos.
«Para mí, sigue siendo arte, sin importar si es físico o digital», dijo Damien Hirst después de haber quemado la última imagen. Para el artista británico el happening mediático valió la vena: con «The Currency» obtuvo más de dos millones de euros.
El lienzo, una de las cinco versiones de esta obra del artista, no ha sufrido daños por estar protegido con un cristal. El ataque ha sido perpetrado por dos jóvenes de la organización Just Stop Oil
Nuevo atentado contra una obra de arte. Esta vez han sido dos manifestantes ecologistas las que han arrojado sendos botes de sopa de tomate de la conocida marca Heinz contra la obra Los girasoles de Vincent van Gogh de la National Gallery de Londres.
La obra no ha sufrido daños gracias a estar protegida por un cristal. La acción ha sido perpetrada este viernes por dos jóvenes de la organización Just Stop Oil, que fueron detenidas poco después. El momento del ataque se ha podido ver en un vídeo en Twitter en el que se jactan de la fechoría contra una de las cinco versiones de esta obra maestra de 1888 del artista neerlandés. Después, se arrodillaron y, como en actuaciones similares de este grupo, las activistas, que llevaban camisetas de su organización, han pegado sus manos con pegamento a la pared junto al cuadro. En las imágenes se escucha instantes después un grito de sorpresa de uno de los visitantes de la sala, a una mujer exclamar “¡Oh, dios mío!” y a un hombre decir: “¡Seguridad!”.
Una foto del grupo de campaña climática Just Stop Oil muestra a los activistas con las manos pegadas a la pared debajo de los «Girasoles» de Vincent van Gogh después de arrojar sopa de tomate sobre la pintura en la Galería Nacional en el centro de Londres el 14 de octubre de 2022. Policía Metropolitana de Londres dijo que sus oficiales arrestaron a dos manifestantes del grupo Just Stop Oil por daños criminales y allanamiento de morada con agravantes después de que «arrojaron una sustancia sobre una pintura» en la galería de Trafalgar Square. Folleto / Just Stop Oil / AFP
Just Stop Oil , asociación conservacionista, es contraria a que el Gobierno británico conceda nuevas licencias de plataformas de petróleo y gas, y ya había protagonizado en las dos últimas semanas en Londres varias protestas. En junio, también miembros de este grupo ya se pegaron con pegamento a paredes junto a algunas obras de arte en diferentes museos, entre ellos la propia National Gallery.
“Los guardias llegaron rápidamente al lugar después de que dos manifestantes de Just Stop Oil arrojaran una sustancia sobre la pintura”, ha informado Scotland Yard en un tuit minutos después del suceso. Ambas jóvenes han sido arrestadas con los cargos de “daños criminales y allanamiento agravado”, se añadía. La sala donde se expone el lienzo fue inmediatamente cerrada y se desalojó a los visitantes que estaban en su interior en ese momento. Poco después, la National Gallery ha publicado un tuit en el que informaba de que “pasadas las once de la mañana (hora inglesa), dos personas entraron en la sala 43 del museo y arrojaron una sustancia roja, aparentemente sopa de tomate”, contra el óleo. El breve comunicado asegura que la obra ha sufrido “algún daño menor, pero está ilesa”, aunque en el marco dorado de Los girasoles sí han quedado algunas manchas.
Este cuadro tiene unas dimensiones de 92 por 73 centímetros y en él Van Gogh representó a 15 girasoles en una maceta amarilla y sobre un fondo en el mismo color pero con distinto tono. El artista pintó esta serie de bellos girasoles para decorar su casa en Arlés (Francia) cuando iba a recibir a su amigo el artista Paul Gauguin. Esta flor tenía varios significados especiales para él, señala la National Gallery en la ficha sobre la obra. “No se conoce a otro artista que haya tenido un vínculo tan marcado con una especie de flor concreta. Las diferentes etapas del ciclo de vida del girasol [que pintó Van Gogh] siguen la tradición de las vanitas, que enfatizan la naturaleza transitoria de las acciones humanas”, se indica. Los girasoles quizás también pretendían ser “un símbolo de amistad y una celebración de la belleza y la vitalidad de la naturaleza” por parte del pintor, que vivió entre 1853 y 1890.
Poco después de los hechos, que se han viralizado en las redes sociales y repetido en las televisiones, la policía inglesa informó de que una de las activistas es una londinense, Phoebe Plummer, de solo 21 años. En el vídeo es ella la que, segundos después de lanzar el contenido del bote, grita: “¿Qué vale más, el arte o la vida? ¿Vale más que la comida? ¿Vale más que la justicia? ¿Qué nos preocupa más, la protección de una pintura o la protección de nuestro planeta y la gente? La crisis por el coste de la vida es parte del coste de la crisis del petróleo”. Mientras, su compañera permanece callada y arrodillada.
Este ataque se produce solo una semana después de que un visitante derribara dos bustos de la epoca romana que se exponían en los Museos Vaticanos. El individuo, que fue detenido por el personal del centro, causó, según la institución, “daños moderados” en las dos obras de arte. Sin embargo, sus motivos eran diferentes. El museo afirmó que el hombre se había comportado de manera extraña durante su visita.
En la larga historia de ataques contra obras de arte es destacable el que se cometió contra una de las más famosas de la historia del arte, La Gioconda, que sufrió en el Museo del Louvre, a finales de mayo, la ira de un visitante que le lanzo una tarta.
Por fortuna, como ha sucedido hoy, la obra de Leonardo no sufrió daños porque el pastel chocó contra el cristal que la protege.
Miquel Barceló. Pintor. En su taller del distrito 4 de Paris. Paris, Francia. 9/10/2022.
Son cenizas congeladas, que expone sus nuevos bodegones con la técnica de la grisalla en el museo parisiense y en la galería Thaddaeus Ropac, a las afueras de la ciudad
Miquel Barceló. Pintor. Delante de una oreja de elefante, en su taller del distrito 4 de Paris. Paris, Francia. 9/10/2022.
Pintar es una cosa de viejos. Se necesitan muchos años para aprender. Con la edad uno aprende a hacer lo que quiere hacer y del modo que quiere hacerlo. A los 20 años lo haces como puedes.
Era domingo. Afuera, el bullicio turístico del Marais, el barrio parisiense pasa sus días a medias con Mallorca.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen,en su estudio en Farrutx.
Dentro, su taller de varias plantas, una auténtica galería de curiosidades: cabezas de animales y una calavera de hipopótamo, telas inacabadas, vitrinas con peces disecados y los 400 volúmenes de cuadernos —dibujos, textos, pinturas— rigurosamente ordenados que resumen su vida itinerante: Mallorca, Francia, África…
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, En su taller de Sa Rabassa, en Vilafranca,
Miquel Barceló trabaja actualmente en esta obra de gran formato en barro, inspirada en los talayots(tumbas prehistóricas) de Mallorca.
Es un otoño de Barceló en París. En la sede de Pantin, en el extrarradio nordeste de la capital, de la galería Thaddaeus Ropac, el mallorquín expone hasta el 7 de enero sus grisailles, bodegones pintados con la vieja técnica de la grisalla, entre 2019 y 2022, muchas de ellas en plena pandemia y confinamiento. Y el Louvre incluye una de sus grisailles en Les cchoses (Las cosas), gran retrospectiva en París, la primera desde 1952 sobre la naturaleza muerta, inaugurada ayer miércoles y abierta hasta el 23 de enero. Es la sexta vez que expone en el museo-palacio de la rue Rivoli.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, Barceló, en su estudio de Farrutx, ante la obra
que expondrá en octubre en el Louvre dentro /e la muestra Las cosas. Una historia de la
naturaleza muerta desde la prehistoria.
Ninguna ciudad me gusta tanto como París. Cézanne decía siempre que tenía la luz perfecta para pintar, esta luz gris claro.
En los cuadros expuestos en Pantin hay peces y calaveras, gambas y toros, conejos. Flores, caracolas, pulpos. Mesas y cuchillos. Hay un eco lejano de algunos objetos o animales disecados que unos días antes mostró en el taller. También los motivos y el trazo de toda su obra desde que irrumpió en los años ochenta, a contracorriente de la época, y demostró que la pintura no había muerto y no había nada más moderno que pintar. Pero estos bodegones son un reflejo de lo que, a 10 kilómetros de esta fábrica de principio del siglo XX, puede verse en el Louvre. Desde las representaciones prehistóricas de hachas e imágenes de Pompeya, pasando por bodegones de Sánchez Cotán, los flamencos, Chardin, y hasta Dalí, Picasso, Miró y la española Ester Ferrer que expone el autorretrato fotográfico Europortrait.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, las tradiciones de la isla, simbolizadas en la matanza anual del cerdo y la elaboración artesanal de sobrasada.
En medio de todas estas obras, la Grisaille à l’espadon, de Barceló: una mesa con un pez-espada y flores, cabezas de animales. Muchos de estos motivos —se entiende bien al recorrer la exposición— los usaron sus antecesores en la epopeya de la naturaleza muerta. La más vil, como decía Plinio el Viejo en alusión a un pintor de naturalezas muertas de su tiempo; la más elevada también porque, parafraseando a Karl Marx, las cosas —las mercancías, decía el autor de El Capital— “son algo muy complejo, lleno de sutilezas metafísicas y argucias teológicas”.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, rincón del taller de cerámicas en Vilafranca de Bonany (en el centro de
Mallorca).
Yo no pinto cosas que tengo delante. Lo que pinto es mi propia pintura y a la vez la historia del arte. Es como pasar lista a mis personajes, como si Balzac sacase a los personajes de la Comedia humana y los metiese en una sola habitación. La grisalla es una manera de darles el mismo aspecto de escultura. Son cenizas congeladas, como si todo se hubiera quemado y después congelado. Mi hija dice que es como si hubiese pasado el volcán de Pompeya. La grisaille tiene más que ver con el pensamiento que con el objeto mismo. Lo de que la pintura era una cosa mentale ya lo decía Leonardo da Vinci.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. Esta foto simboliza el universo colorista
y creativo del artista, que divide sus días mallorquines entre el estudio de pintura y su taller de cerámicas. Cualquier objeto da pie a una nueva obra.
Hay algo irreal y melancólico en las nuevas telas de Barceló, un mundo de sueños o ideas; algo de invierno nuclear, en estas cenizas congeladas, u otoño gris. ¿Naturaleza muerta? El término es inexacto.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen,
No es natural, porque es pintura, no está muerta.
Mira, aquí hay una cebra y un pez espada, pero muertos no parece que estén, al contrario.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, sus creaciones pictóricas inspiradas entemas del mar, como simboliza esta cabeza de pescado quereina en su estudio de Farrutx
Barceló está trabajando en cuadros en relieve, pintados con carbón y con cabezas de animales, como en Chauvet, cice en referencia a la cueva paleolitica del sur de Francia descubierta en 1994.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen,en su estudio en Farrutx.
El tema es el mismo, la técnica es la misma, el material es el mismo, pero se ve muy bien que es un cuadro moderno. ¿Dónde está, entonces, la modernidad? Está en el hecho de que sea transportable, probablemente. Los pintores siempre pintamos lo mismo.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, len a gruta de Farrutx que le nspiró su gran obra en la catedral de Palma
Barceló no es un artista-empresa, de estos con un amplio equipo de colaboradores que ejecutan sus ideas. Lo que le gusta es ensuciarse las manos, la ropa, el suelo.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, boceto para una escultura con destino a Chaumont-sur-Loire (Francia) en el taller de cerámicas
en Vilafranca de Bonany (en el centro de
Mallorca).
Me encanta pintar, por eso me paso el día pintando. Mira el suelo del taller: es todo un programa. El mejor cuadro siempre es el suelo.
La cabeza del hipopótamo se la regalaron sus vecinos en Malí, donde vivió y trabajó largas temporadas, y donde aún tiene una casa: Me invitaron a cenar, comí un pedazo de la mejilla del hipopótamo, fue atroz. Sin este país africano, azotado por la violencia y el yihadismo desde hace una década o mas y convertido en campo de batalla de potencias mundiales no se entiende a Barceló, aunque no ha podido volver desde 2014.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. La obra de Barceló en la catedral de Palma está inspirada en una gruta de Farrutx.
“Me secuestran fijo allí”, dice. “Mis amigos me dijeron: ‘No vengas, está fatal’”. Y explica: “Es una guerra en la que se reproduce lo de los nómadas contra los sedentarios: los payeses animistas o cristianos son sedentarios, los ganaderos musulmanes son nómadas. Y tienen conflictos y son utilizados por los de [la milicia] Wagner, rusos. Y luego los americanos han desplazado a los franceses. Los chinos lo compran todo. Es como el nuevo Eldorado, como el Far West”.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, el artista en Sa Devesa, su casa-estudio en Farrutx (al norte de Mallorca).
Barceló explica que hace tiempo vio las primeras señales de lo que iba a suceder.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, sus cerámicas, “otra forma de pintura”, según el artista; sus creaciones
Las mezquitas eran sitios muy agradables, yo iba siempre, tomabas el té, uno se sentía acogido, como una iglesia de pueblo. De repente, pusieron altavoces, que era como un gesto agresivo, y dejamos de ser bienvenidos. Me di cuenta de que algo pasaba. Era en el año noventa y algo.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, sus cerámicas, “otra forma de pintura”, según el artista; sus creaciones
En otra sala de la muestra cuelgan dos fotos de Picasso y una cerámica del malagueño, de tema taurino. Que en el Louvre su bodegón esté al lado de las piezas de Picasso y Miró —a quien trató en Mallorca— es una conjunción feliz, una suerte de homenaje a una estirpe artística, la suya.
El artista Miquel Barceló fotografiado en varios de sus estudios en Mallorca. En la imagen, sus creaciones pictóricas inspiradas entemas del mar
Cuando yo tenía diez años, me encantaba Walt Disney, era buenísimo Mickey Mouse en blanco y negro. Pero después dejó de gustarme y nunca más me ha vuelto a gustar. En cambio, Picasso siempre me ha gustado.
No hace falta preguntárselo para que Barceló mencione el debate de Picasso en el cincuentenario de su muerte, y su conducta con las mujeres. Él lo enmarca en el movimiento de demolición de figuras históricas, como las estatuas de evangelizadores y conquistadores, y hasta de Cervantes, vandalizadas en Estados Unidos.
Todos los que eran del XVII, con gorguera, fuera. Ahora Picasso, fuera. Me parece un signo de estupidez. Supongo que eso pasará, pero….
El Museo Meadows de Dallas (EEUU) abre al público el próximo sábado la exposición Dalí/Vermeer: un diálogo, que traza la influencia del maestro holandés del siglo XVII Johannes Vermeer (1632-1675) en el surrealista español Salvador Dalí (1904-1989).
Por primera vez en la historia, la Mujer de azul leyendo una carta (c. 1663) de Vermeer aparecerá junto a la reinterpretación de Dalí del cuadro, titulada La imagen desaparece (1938).
La exposición, que podrá verse desde el 16 de octubre de 2022 hasta el 15 de enero de 2023, supone una oportunidad para que los espectadores contemplen estas dos obras juntas, gracias a los préstamos del Rijksmuseum de Ámsterdam y de la Fundació Gala- Salvador Dalí de Figueres (España), que expone el cuadro de Dalí en el Teatro-Museo Dalí.
Dali conoció a Vermeer de joven a través de las imágenes en blanco y negro de un pequeño libro que poseía con la obra del artista holandés. Dalí utilizó estas diminutas imágenes monocromáticas para hacer copias de los cuadros de Vermeer en su propio estilo, mucho antes de poder viajar a París y Bruselas para verlos en persona.
El lenguaje visual surrealista que Dalí desarrolló a lo largo de su carrera incorporó innumerables referencias a Vermeer, incluyendo citas de figuras, modas y posturas reconocibles de la obra del pintor holandés. Dalí admiraba la técnica precisa, el uso de la luz y el tema ambiguo de Vermeer, cualidades todas ellas evidentes en Mujer de azul leyendo una carta.
·Esta exposición permitirá, por primera vez, examinar un ejemplo particularmente convincente de la gran reverencia de Salvador Dalí por Johannes Vermeer, ha explicado la directora interina y conservadora del museo, Amanda W. Dotseth, quien ha añadido que el hecho de que uno de los pocos cuadros que se conservan del pintor holandés se exponga en Dallas es extraordinario.
Agradezco al Rijksmuseum y a la Fundació Gala-Salvador Dalí por sus generosos préstamos. Esta exposición demuestra lo palpable que fue el impacto de Vermeer en el afamado surrealista español.
2016, la exposición en el Museo Meadows Dalí Poética de lo pequeño, 1929-1936 arrojó nueva luz sobre la larga obsesión de Dalí por la obra de Vermeer. La próxima muestra analiza la naturaleza de la imitación artística al reunir juntas Mujer de azul leyendo una carta de Vermeer y La imagen desaparece de Dalí.
Gracias a la exhibición paralela de ambos cuadros, esta nueva exposición ofrece una oportunidad extraordinariamente rara de observar cómo Dalí infundió su propia visión artística en los temas, técnicas y composiciones que tomó prestados del pintor holandés. El pintor malagueño traduce Mujer leyendo una carta manipulando y redistribuyendo sus formas y elementos básicos, dando como resultado una de sus características imágenes dobles.
En La imagen desaparece, se puede ver a la mujer de Vermeer leyendo una carta, pero Dalí cambia los azules luminosos de Vermeer por tonos terrosos apagados, y distorsiona la figura de la mujer de tal manera que representa simultáneamente el perfil de un hombre: su cabeza se convierte en un ojo; la parte superior de su torso, en una nariz; su brazo y su letra, en un bigote; y su falda, en una barba. La imagen de la mujer de Vermeer se desvanece así y resurge como un retrato de otro artista que Dalí admiraba mucho: el pintor barroco español Diego Velázquez.
A menudo lo que más amamos es lo que menos entendemos de todo, y eso le pasaba a Coco Chanel con la Pintura de Picasso. “Para mí, Picasso es una tabla de logaritmos”, dijo ella. Los dos fueron grandes amigos, y se ha sugerido que quizá también amantes durante un corto periodo.
Pero lo que los unía por encima de todo fue un empeño común en proceder a la ruptura de los moldes clásicos para instaurar una nueva forma de clasicismo. Ahora el madrileño Museo Thyssen-Bornemisza se anticipa a las celebraciones del 50º aniversario de la muerte de Pablo Picasso, que tendrán lugar el próximo año, con Picasso/ Chanel (del 11 de octubre al 15 de enero de 2023), una exposición que relaciona a quienes fueron los mayores innovadores del arte y la moda del siglo XX con permiso de Duchamp y Balenciaga, respectivamente.
Cuando se conocieron, en 1917, ambos sobrepasaban la treintena y ya habían triunfado. Para Picasso, habían quedado atrás los tiempos de bohemia en las gélidas buhardillas de Montmartre: sus cuadros salían del taller a buen ritmo gracias al marchante Paul Rosenberg, y los Ballets Rusos de Diaghilev le habían encargado el diseño del decorado de la obra Parade, con música de Satie y dirección de Cocteau; era, pues, un revolucionario bien instalado en el establishment burgués.
En cuanto a Chanel, tenía tiendas en Deauville y Biarritz, sus diseños se exhibían en la revista Vogue y había sorteado las restricciones de materiales suntuarios impuestas por la I Guerra Mundial confeccionando con sencillo algodón y punto de lana unos modelos que cobraba a precios extravagantes (“Miserabilismo de lujo”, lo llamó su rival Paul Poiret).
Puede decirse por ello que los dos habían descubierto el secreto de la cuadratura del círculo, y en eso radicó el éxito que disfrutaron durante el resto de sus vidas y más allá.
En el París de entreguerras, Picasso sería invitado habitual en las cenas chez Chanel, los dos compartirían noches en el cabaret Le Boeuf sur le Toit, y Olga Khokhlova, la primera mujer del pintor, se casó vistiendo un diseño de Coco en una ceremonia calificada por Jean Cocteau como “muy Biarritz”.
Por otra parte, no cuesta encontrar las influencias del cubismo picassiano en la geometría fluida, el parco cromatismo y el uso de múltiples texturas a modo de collage textil del estilo Chanel. Además, ambos colaboraron en los decorados y vestuario de dos proyectos de Cocteau, Antígona —versión de la tragedia original de Sófocles que fue un gran éxito— y el ballet El tren azul, nueva producción de Diaghilev —poco apreciada en su día— cuyo telón era una versión gigantesca de la pintura de Picasso Deux femmes courant sur la plage.
En cuanto a la posibilidad de que entre ambos existiera algo más que amistad (asunto que ha apuntado John Richardson, biógrafo y amigo de Picasso), Paula Luengo, comisaria de la exposición, es escéptica: “Si tuvieron un flirt, no lo sé, pero yo no pondría la mano en el fuego. Chanel era entonces una mujer soltera, muy moderna y con bastantes affaires, pero mantenía una relación con el poeta Pierre Reverdy, que era amigo de Picasso. Lo que había sobre todo era un respeto mutuo”. Así debía de ser, ya que Picasso dijo célebremente de Chanel que “tenía más sentido común que cualquier otra mujer”, halago personal que en su dimensión colectiva supone una evidencia más de la conocida misoginia del pintor.
Organizada en cuatro salas ( “El estilo Chanel y el cubismo”, “Olga Picasso”, “Antígona” y “El tren azul”), la muestra sigue un orden cronológico. Luengo buscaba limitar su alcance temporal al periodo en el que los dos creadores se relacionaron más intensamente, de 1917 a 1924. Y una de las mayores dificultades que encontró fue localizar suficientes trajes de Chanel en ese momento.: “Hay muy pocas piezas y los materiales son muy frágiles, aparte de que después llegarían la Guerra Civil española y la II Guerra Mundial, por lo que muchas se perdieron.
Pero me ha sorprendido ver lo actuales que son a pesar de tener 100 años. Te los podrías poner hoy”. La propia Chanel lo había expresado de formaun tanto soberbia, pero no sin tino: “Que mi leyenda siga su curso, le auguro una larga vida”.
El blog de Ila Basmati 