The only image of the Empress Theodora is in Ravenna, with very large dark eyes and a narrow face.

The empress who is not young, must be 50 years old.

The date of his birth is not known.

He died in the year 448 almost at the same time that the church in which he was pictured was inaugurated.

The image is made from a Constantinople model, as Theodora never steps on Ravenna.

Teodora’s features show the deterioration caused perhaps by a disease, specialists say cancer or perhaps by the harshness of governing in difficult times.

540, a plague epidemic spreads through the Byzantine empire, decimating the population and ruining the economy.

When Justinian contracts the disease all the responsibility of the government falls on Teodora.

The empress seems to control the situation, prevents different subversive plots and deals with the administration of the empire and military campaigns to the dissatisfaction of the generals.

She reaches the peak of power and governs for months as the absolute mistress of a patriarchal space that relegates women to the tasks of their sex.

He has experience in government affairs, because Justinian lets him participate from the beginning, despite the fact that he does not conform to tradition or the Constitution.

But Justiniano wants to share everything with the woman he adores.

When he falls in love with her, he is 20 years old and Justinian is an advisor to the emperor, aspiring to the throne.

Teodora belongs to the lower class.

She has performed in variety shows from a young age because she is pretty and funny.

Although he does not know how to sing or dance, he has great success with his humorous openings.

Parody Leda, she comes out on stage with an itchy goose while she moves sensually, pimples hidden between her thighs.

Teodora comes from a brothel.

No one, not even the Church, objects when the emperor’s favorite falls in love and marries.

Theodora is crowned with Justinian, and since then not even his greatest enemies – Procopius is one of them – can reproach him for being light.

She plays her role with dignity but without forgetting where she comes from, as shown by her edict against prostitution decreed by her.

432 in the Nikei revolt, in which entire neighborhoods of the city were burned and revolutionaries besieged the palace, the emperor and his advisers considered the possibility of leaving by sea.

Teodora, who is the only woman, advises men to fight and not to run away.

Guided by his advice, Justinian’s generals put down the uprising.

There are two women in the mosaic who are not identified, but while the five companions in the background are represented following the same pattern, the two closest to the empress present peculiar features.

The oldest with high cheekbones may be Antonina, the palace butler and Belisario’s wife, while the youngest with similar features may be his daughter, Joanina.

Teodora and Antonina were joined by a common past on stage and the two have a strong personality, thanks to which they exert influence on their husbands.

Teodora protects her friend despite her scandalous lifestyle, but not just out of friendship.

Through Antonina he had controlled General Belisario, who could be a dangerous rival against Justinian.

In addition, Antonina was very useful to him as a spy.

Theodora supports the Monophysitists all her life, whose followers live in Egypt and Syria.

https://www.lavanguardia.com/historiayvida/edad-media/20200228/473797840969/teodora-bizancio-justiniano-emperatriz-cortesana.html

https://www.bbc.com/mundo/noticias-47821489

https://www.nuevatribuna.es/articulo/cultura—ocio/teodora-de-bizancio-miseria-y-grandeza/20111105100519065104.html

Teodora de Bizancio, la hija del domador de osos

https://www.elespanol.com/cultura/historia/20200506/teodora-popular-prostituta-convirtio-emperatriz-imperio-bizantino/482702205_0.html

https://mujeres-riot.webcindario.com/Teodora_de_Bizancio.htm

The city of Amsterdam pioneered the idea of the municipal, low cost housing for the working class.

 Most of the buildings were constructed in the first half of the 20th century, when a special law (Woningwet, 1901) made it possible for the municipalities and the housing cooperatives in the Netherlands, to receive the financing from the state.

 This law as well as later legislations, created the whole wave of public housing constructions, with its peak in the 1920’s.

Large parts of Amsterdam beyond the old center were built in a distinctive, original style called the Amsterdam School style of architecture (Dutch: Amsterdamse School).

The School of Amsterdam style was largely influenced by expressionism.

The buildings were often built in round and expressive forms, with towers, ornamental spires and decorative windows and doors.

The walls of the Amsterdam School houses certify to the craftsmanship of its builders; constructed from many sorts of differently profiled bricks, despite its decorations remain simple and clean in their form.

The usually figurative sculptures were integrated into these brick buildings.

Wrought iron elements, usually painted black or very dark green (so called Amsterdam green), were used as simple decorative or functional elements.

Elaborate but sober in its expression carpentry, usually painted white or again dark green, completes the buildings.

The most important architect of the Amsterdam school style was Michel de Klerk who in one apartment block called Het Schip (The Ship) established all principal aesthetical solutions of this style, developed later by architects as C. J. Blaauw, J. Crouwel, J.Gratama, P. H. Endt, P.L.Kramer, P. L. Marnette, J.M. van der Mey, J. F. Staal and H. Th. Wijdeveld.

Their work, as well as their mostly socialist ideas about low cost housing and city planning, turned the School of Amsterdam into the real artistic and social movement with its own periodic publication called Wendingen (Windings) published until 1931.

Although the biggest Dutch architect of the 20th century, Hendrik Petrus Berlage, seen today as the Father of the Modern Architecture in the Netherlands, in his work stood largely beyond the Amsterdam School, his plans for the vast expansion of Amsterdam were executed by the architects from this artistic movement.

The Amsterdam School style of architecture gave fine buildings also in other Dutch cities with the examples of this style in The Hague (the department store Bijenkorf, 1924) and Utrecht (post office by J.Crouwel, 1924) and other cities.

But it is in Amsterdam that most of the finest examples of this style can be seen.

Today, you may still observe the repercussions of this style in the Dutch architecture as much valued use of the brick wall and generally sober architecture of the low cost housing.

Ironically the wonderful decorative side of the Amsterdam School was already in the thirties of the 20th century resented as excessive.

The reaction was traditionalist in its form and rejecting decorations the School of Delft (Dutch: Delftse School) of the Dutch architecture of the 1930’s.

https://www.amsterdam.info/architecture/amsterdam-school/

http://architecture-history.org/schools/AMSTERDAM%20SCHOOL.html

Amsterdam es pionera en la idea de viviendas municipales de bajo costo para la clase trabajadora. 

La mayoría de los edificios se construyen en la primera mitad del siglo XX, cuando una ley especial (Woningwet, 1901) hace posible que los municipios y las cooperativas de vivienda en los Países Bajos reciban financiación del estado. 

Esta ley, así como legislaciones posteriores, crea toda la ola de construcciones de vivienda pública, con su apogeo en la década de 1920. 

Gran parte de Ámsterdam más allá del casco antiguo se construye con un estilo original llamado estilo arquitectónico de la Escuela de Ámsterdam.

El estilo de la Escuela de Amsterdam es expresionista. 

Los edificios se construyen a menudo en formas redondas y expresivas, con torres, agujas ornamentales y ventanas y puertas decorativas. 

Las paredes de las casas de la Escuela de Amsterdam certifican la artesanía de sus constructores; erigido a partir de muchos tipos de ladrillos de diferentes perfiles, a pesar de que sus decoraciones siguen siendo simples y limpias en su forma.

 Las esculturas generalmente figurativas se integran en estos edificios de ladrillo. 

Los elementos de hierro forjado, generalmente pintados de negro o verde muy oscuro (el llamado verde Amsterdam), se utilizan como elementos decorativos o funcionales simples. 

La carpintería elaborada pero sobria en su expresión, generalmente pintada de blanco o nuevamente de verde oscuro, completa los edificios.

El arquitecto más importante del estilo de la escuela de Amsterdam es Michel de Klerk, quien en un bloque de apartamentos llamado Het Schip (El barco) establece todas las principales soluciones estéticas de este estilo, desarrolladas más tarde por arquitectos como CJ Blaauw, J. Crouwel, J. Gratama, PH Endt, PLKramer, PL Marnette, JM van der Mey, JF Staal y H. Th. Wijdeveld.

Su trabajo, así como sus ideas socialistas sobre viviendas de bajo coste y urbanismo, convierten a la Escuela de Amsterdam en el verdadero movimiento artístico y social con su propia publicación periódica llamada Wendingen (Windings) publicada hasta 1931.

Aunque el arquitecto holandés más grande del siglo XX, Hendrik Petrus Berlage, visto hoy como el padre de la arquitectura moderna en los Países Bajos, en su trabajo se mantiene en gran parte más allá de la Escuela de Ámsterdam, sus planes para la gran expansión de Ámsterdam son ejecutados por los arquitectos de este movimiento artístico.

El estilo arquitectónico de la Escuela de Ámsterdam proporciona hermosos edificios también en otras ciudades holandesas con ejemplos de este estilo en La Haya (los grandes almacenes Bijenkorf, 1924) y Utrecht (oficina de correos de J.Crouwel, 1924) y otras ciudades. 

Pero es en Amsterdam donde se pueden ver la mayoría de los mejores ejemplos de este estilo.

Hoy en día, todavía se pueden observar las repercusiones de este estilo en la arquitectura holandesa como el uso de la pared de ladrillos y la arquitectura sobria de las viviendas de bajo costo.

1930 irónicamente, el maravilloso lado decorativo de la Escuela de Amsterdam ya está agotado por excesivo. 

La reacción es tradicionalista en su forma y rechaza las decoraciones de la Escuela de Delft (en holandés: Escuela de Delftse) de la arquitectura holandesa de los años treinta

http://architecture-history.org/schools/AMSTERDAM%20SCHOOL.html

https://www.amsterdam.info/architecture/amsterdam-school/

La figura de Al Said es creada en 1100 por Al-Hariri, quien no debe confundirse con al-Wasiti quien 100 años después copia el texto de Al-Hariri y lo ilustra con 99 miniaturas.

Es una narración con un personaje central que se busca la vida a través del ingenio y la elocuencia.

La narración está escrita en saj’, prosa rimada y con ritmo.

Este tipo de relato breve mantiene su independencia una de otro en cuanto a sus contenidos.

Su fin es la diversión entre tertulianos, a pesar de encontrar en ellos un léxico rebuscado para dar vida a una temática original y divertida.​

Se extiende por a Persia, Yemen, Irak, Siria, Egipto, Marruecos, y al-Andalus.

Se compone de 50 episodios independientes en los que el personaje granuja, normalmente disfrazado, engaña al narrador para despojarlo de su dinero y meterlo en aprietos o en situaciones vergonzosas e, incluso, violentas.

A pesar de los abusos, el narrador-víctima continúa siguiendo al embaucador, fascinado por su elocuencia…

Con timbales y trompetas, el pícaro de Bagdad, Al-Wasiti

Jinetes celebrando el final del ramadán con banderas, timbales y trompetas.

El colorido del grupo de jinetes y la música permite al pintor reflejar la vitalidad reprimida que se abre paso al mes de ayuno.

El grupo se vuelve hacia el predicador y descubre entre la multitud de fieles a un anciano que les resulta conocido y esta en compañía de una mujer, aunque la mujer nada tiene que hacer en un espacio destinado a hombres.

El narrador se lleva la mano a la boca.

Este gesto expresa asombro y curiosidad.

Las escenas son pintadas en 1237 en Bagdad.

Bagdad es durante varios siglos el centro de poder musulmán que se extiende desde China hasta España.

50 años antes los cruzados son expulsados de Jerusalén.

Paris con 250000 habitantes es la mayor ciudad de Europa, pero Bagdad con 1,5 millones lo es del mundo.

El anciano con barba blanca pone una mano en el hombro de la mujer y con la otra saca un trozo de papel del bolsillo, en el que pide limosna y dice que es ciego y que escribe de memoria.

El narrador reconoce en el a un viejo conocido y le invita a comer junto con su compañera.

Al termino de la comida el anciano pide un poco de agua aromática.

El narrador sale de la habitación para ir a buscarla y cuando vuelve se encuentra que su dos huéspedes se han ido.

El anciano se llama Abu Said y es entre los héroes audaces y las mujeres bellas, una de las figuras mas populares del mundo árabe antiguo.

Es un mendigo itinerante que se gana el sustento con sus pequeños timos y su extraordinaria elocuencia.

En sus narraciones se mezcla la fantasía y la mentira.

Aun cuando se le acusa de falta de verdad, nunca se le sanciona porque sabe entretener a los oyentes.

Tiene diferentes estrategias creativas.

Tiene habilidad para despertar la compasión.

Unas veces se declara ciego y otras dice que ha visto a su hijo, a quien sus harapos es decir su vergüenza le impiden saludar.

Entonces llueven las monedas.

En otros sitios dice que no puede pronuncia la r y fascina a sus oyentes con un largo discurso en el que evita pronunciar esta consonante.

Entonces el funcionario local le ofrece un puesto de trabajo pero Abu Said lo rechaza, porque es preferible un rincón en el establo que el nombramiento para un puesto de honor.

Continua su camino, personificando una vida en libertad y el arte del discurso libre, de la narración, de la capacidad de cautivar a la gente solo con palabras, tan apreciado en Oriente.

La figura de Al Said es creada en 1100 por Al-Hariri, quien no debe confundirse con al-Wasiti quien 100 años después copia el texto de Al-Hariri y lo ilustra con 99 miniaturas.

Del autor se sabe que era funcionario que tenía una plantación de palmeras y que escribe un libro sobre gramática árabe y un libro sobre el uso impropio y los modismos árabes.

Pero lo que da fama son los Maqamat, 50 historias protagonizadas por Abu Said.

Maqamat significa sesión e indica tanto lugar como reunión.

La palabra designa la situación en que actúa el protagonista.

Anteriormente ya existe la figura del mendigo itinerante, pero al-Hariri la reescribe de tal modo que sus Maqamat forman parte de lo mas bello de la lengua árabe.

Y no solo ella, las suras del Coran están versificadas, los soberanos hacen que sus edictos se redacten en verso y el árabe es muy rico en silabas de sonidos finales muy parecidos.

Al-Hariri, no solo destaca en ese campo, descubre constantemente imágenes y comparaciones, hace juego de palabras y desencadena un flujo verbal, que recubre todo el hecho hasta hacerlo irreconocible.

Para ello se apoya en la plurisignificacion de las palabras árabes, difícil de reproducir en lenguas más unívocas.

Los maqamat de al-Hariri adquieren pronto tal popularidad que llega a autorizar personalmente mas de 700 copias.

Muere en 1122.

Se conservan 13 manuscritos ilustrados del Maqamat.

Dos de ellos son del siglo XIII y principios del XIV, uno de los breves periodos en el que el placer de las imágenes es superior a su prohibición

Después algunas de estas obras tienen peor suerte.

Cuando al Wasiti ilustra la historia de Abu Said, la época de esplendor de Bagdad es pasado.

1258 el gobierno capitula ante los mongoles quienes dan muerte a un millón de habitantes, saquean sus casas y lanzan sus bibliotecas al Tigris.

Temerosos de que la cantidad de libros desborde las orillas queman el resto de libros.

https://www.alandalusylahistoria.com/?p=2446

file:///C:/Users/Rosa/Downloads/11779-Texto%20del%20art%C3%ADculo-27363-1-10-20181125.pdf

https://en.m.wikipedia.org/wiki/Al-Hariri_of_Basra

https://www.wdl.org/en/item/recent/2017/2/

Horsemen celebrating the end of Ramadan with flags and trumpets.

The coloring of the group of riders and the music allows the painter to reflect the repressed vitality that makes way for the month of fasting.

The group turns to the preacher and discovers among the crowd of faithful an old man who is familiar to them and is in the company of a woman, although the woman has nothing to do in a space intended for men.

The narrator puts his hand to his mouth.

This gesture expresses wonder and curiosity.

The scenes are painted in 1237 in Baghdad.

Baghdad is for several centuries the center of Muslim power stretching from China to Spain.

50 years earlier the crusaders are expelled from Jerusalem.

Paris with 250,000 inhabitants is the largest city in Europe, but Baghdad with 1.5 million is the world’s.

The old man with the white beard puts one hand on the woman’s shoulder and with the other takes out a piece of paper from his pocket, on which he begs for alms and says that he is blind and that he writes from memory.

The narrator recognizes an old acquaintance in him and invites him to eat with his partner.

At the end of the meal the old man asks for some aromatic water.

The narrator leaves the room to go find her and when he returns he finds that his two guests have left.

The old man is called Abu Said and he is among the daring heroes and beautiful women, one of the most popular figures of the ancient Arab world.

He is an itinerant beggar who makes a living with his little scams and his extraordinary eloquence.

Fantasy and lies are mixed in his narratives.

Even when he is accused of lack of truth, he is never punished because he knows how to entertain listeners.

You have different creative strategies.

It has the ability to awaken compassion.

Sometimes he declares himself blind and other times he says he has seen his son, whom his rags, that is to say, his shame prevent him from greeting.

Then the coins rain down.

Elsewhere he says that he cannot pronounce the r and fascinates his listeners with a long speech in which he avoids pronouncing this consonant.

Then the local official offers him a job but Abu Said rejects it, because a corner in the barn is preferable to being appointed to a position of honor.

He continues on his way, personifying a life in freedom and the art of free speech, of storytelling, of the ability to captivate people only with words, so appreciated in the East.

The figure of Al Said is created in 1100 by Al-Hariri, who should not be confused with al-Wasiti who 100 years later copies the text of Al-Hariri and illustrates it with 99 miniatures.

The author is known to have been a civil servant who had a palm plantation and to write a book on Arabic grammar and a book on improper use and Arabic idioms.

But what is famous are the Maqamat, 50 stories starring Abu Said.

Maqamat means session and indicates both place and meeting.

The word designates the situation in which the protagonist acts.

Previously, the figure of the itinerant beggar already exists, but al-Hariri rewrites it in such a way that his Maqamat are part of the most beautiful of the Arabic language.

And not only her, the suras of the Qur’an are versified, the sovereigns make their edicts written in verse and Arabic is very rich in syllables with very similar final sounds.

Al-Hariri not only excels in this field, he constantly discovers images and comparisons, plays on words and unleashes a verbal flow, which covers the whole event until it is unrecognizable.

To do this, it relies on the multi-meaning of Arabic words, difficult to reproduce in more univocal languages.

The al-Hariri maqamat soon became so popular that more than 700 copies were personally licensed.

He died in 1122.

Thirteen illustrated manuscripts of the Maqamat are preserved.

Two of them are from the thirteenth and early fourteenth centuries, one of the brief periods in which the pleasure of images is greater than its prohibition

Later some of these works have worse luck.

When al Wasiti illustrates the story of Abu Said, Baghdad’s heyday is past.

In 1258 the government capitulates to the Mongols who kill a million inhabitants, loot their homes and throw their libraries into the Tigris.

Fearful that the number of books will overflow the edges they burn the rest of the books.

https://www.alandalusylahistoria.com/?p=2446

file:///C:/Users/Rosa/Downloads/11779-Texto%20del%20art%C3%ADculo-27363-1-10-20181125.pdf

https://en.m.wikipedia.org/wiki/Al-Hariri_of_Basra

https://www.wdl.org/en/item/recent/2017/2/

ArteHistoria

1912 was born in Seattle, in the state of Washington, son John Tsunejiro Yamasaki and Hana Yamasaki, Japanese Issei immigrants.

 In order to pay for his architectural studies, he has to work in salmon factories in Alaska during the summers.

Yamasaki  is graduated as an architect from Washington State University.

1930-1934 upon finishing his degree at the University of Washington, in Seattle, he attended a postgraduate degree in New York.

He works for various architecture firms such as Harrison, Fouilhoux & Abramowitz and Raimond Loewy.

When the St. Louis Missouri City Council tries to create a Manhattan along the Mississippi, and decides to replace a neighborhood of old buildings with residential skyscrapers, it entrusts the project to Yamasaki.

1950-1956 the Pruitt-Igoe urbanization, which initially welcomes white residents in half go and black in half Pruitt, fails to convince the white population to occupy the houses that are 33 buildings of 11 floors with 2870 houses.

The houses have elevators that only stop on the third floor, where there are large lobbies for social gatherings.

From there, you go up or down dark stairs.

The lack of visibility and therefore insecurity leads the project to fail.

1972 the high crime rate determines the demolition of the urbanization.

1953-1956 projects with John Hellmuth and Joseph Leinwewer the terminal of the Lambert St. Louis airport, with a concrete deck.

1959-1952 Dharan Airport in Saudi Arabia

1961-1964 Center for the Sciences in Seattle

1962-1966 the Century City Plaza Hotel in Los Angeles

1968-1974 the World Trade Center.

With its 110 floors it was the tallest building in the world and formed a unit with the plaza spread out in front of them.

Yamasaki calculates the horizontal distance of the vertical profiles with such precision that on the upper floors there is no sense of insecurity …

1986 died on February 17 in Bloomfield Hills, Michigan at the age of 73.

His office, Yamasaki & Associates, closes on December 31, 2009

https://www.urbipedia.org/hoja/Minoru_Yamasaki

https://www.revistaad.es/arquitectura/galerias/20-anos-sin-las-torres-gemelas-un-relato-visual-minoru-yamasaki (muy interesante)

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/5696/Minoru%20Yamasaki

https://www.arquitecturaconfidencial.com/blog/minoru-yamasaki/ (interesante)

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://www.dezeen.com/2021/09/10/minoru-yamasaki-designed-world-trade-center-as-beacon-of-democracy/&prev=search&pto=aue (fotos interesantes y texto también)

https://www.frasesgo.com/autores/frases-de-minoru_yamasaki.html

http://caxigalinas.blogspot.com/2012/09/minoru-yamasaki-el-arquitecto-de-las.html

https://www.lavanguardia.com/politica/20011109/51262872059/la-maldicion-de-yamasaki.html

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://www.metalocus.es/en/news/a-little-known-story-about-original-world-trade-centers-or-a-daring-literary-construct&prev=search&pto=aue

https://fahrenheitmagazine.com/arte/arquitectura/minoru-yamasaki-el-controversial-arquitecto-de-las-torres-gemelas-y-la-torre

https://es.wikipedia.org/wiki/Minoru_Yamasaki

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/y/yamasaki.htm

https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=178

http://www.arquitectosargentinos.com/protagonistas-yamasaki.htm

https://npg.si.edu/es/blog/minoru-yamasaki-arquitecto-del-world-trade-center

https://fahrenheitmagazine.com/arte/arquitectura/minoru-yamasaki-el-controversial-arquitecto-de-las-torres-gemelas-y-la-torre#view-1

La arquitectura no debe ser imponente. Debe ser hermosa a la vista, suave al tacto y envolvente

1912 nace en Seattle, en el estado de Washington, hijo John Tsunejiro Yamasaki y Hana Yamasaki, inmigrantes japoneses issei. 

 Para conseguir pagar sus estudios de arquitectura tiene que trabajar en factorías de salmón en Alaska‏‎ durante los veranos

Yamasaki obtiene su graduación como arquitecto en la Universidad del Estado de Washington.

1930-1934 al finalizar la carrera en la Universidad de Washington, en Seattle, asiste a un posgrado en Nueva York.

Trabaja para varios estudios de arquitectura como el de Harrison, Fouilhoux & Abramowitz y en el de Raimond Loewy.

Cuando el Ayuntamiento de San Louis Misouri intenta crear un Manhattan junto al Misisipi, y decide sustituir un barrio de edificios antiguos por rascacielos residenciales, le encarga el proyecto a Yamasaki.

1950-1956 la urbanización Pruitt-Igoe que inicialmente acoge residentes blancos en la mitad Igoe y negros en la mitad Pruitt, no consigue convencer a la población blanca para que ocupe las viviendas que son 33 edificios de 11 pisos con 2870 viviendas.

Las casas disponen de ascensores que solo paran en la tercera planta, donde hay amplios vestíbulos destinados a los encuentros sociales.

Desde ahí, se sube o se baja por escaleras oscuras.

La falta de visibilidad y por tanto la inseguridad da lugar a que el proyecto fracase.

1972 el elevado índice de criminalidad determina la demolición de la urbanización.

1953-1956 proyecta con John Hellmuth y Joseph Leinwewer la terminal del aeropuerto Lambert St. Louis, con una cubierta de hormigón.

1959-1952 el aeropuerto de Dharan en Arabia Saudí

1961-1964 el Centro para las ciencias en Seattle

1962-1966 el Hotel Century City Plaza en Los Ángeles

1968-1974 el World Trade Centre.

Con sus 110 pisos era el edificio mas alto de mundo y formaba una unidad con la plaza extendida delante de ellos.

Yamasaki calcula con tanta precisión, la distancia horizontal de los perfiles verticales, que en los pisos superiores no hay sensación de inseguridad…

1986 muere  el 17 de febrero en Bloomfield Hills, Michigan en  a los 73 años de edad.

Su despacho, Yamasaki & Associates, cierra el 31 de diciembre de 2009

https://www.urbipedia.org/hoja/Minoru_Yamasaki

https://www.revistaad.es/arquitectura/galerias/20-anos-sin-las-torres-gemelas-un-relato-visual-minoru-yamasaki (muy interesante)

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/5696/Minoru%20Yamasaki

https://www.arquitecturaconfidencial.com/blog/minoru-yamasaki/ (interesante)

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://www.dezeen.com/2021/09/10/minoru-yamasaki-designed-world-trade-center-as-beacon-of-democracy/&prev=search&pto=aue (fotos interesantes y texto también)

https://www.frasesgo.com/autores/frases-de-minoru_yamasaki.html

http://caxigalinas.blogspot.com/2012/09/minoru-yamasaki-el-arquitecto-de-las.html

https://www.lavanguardia.com/politica/20011109/51262872059/la-maldicion-de-yamasaki.html

https://translate.google.com/translate?hl=es&sl=en&u=https://www.metalocus.es/en/news/a-little-known-story-about-original-world-trade-centers-or-a-daring-literary-construct&prev=search&pto=aue

https://fahrenheitmagazine.com/arte/arquitectura/minoru-yamasaki-el-controversial-arquitecto-de-las-torres-gemelas-y-la-torre

https://es.wikipedia.org/wiki/Minoru_Yamasaki

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/y/yamasaki.htm

https://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=178

http://www.arquitectosargentinos.com/protagonistas-yamasaki.htm

https://npg.si.edu/es/blog/minoru-yamasaki-arquitecto-del-world-trade-center

https://fahrenheitmagazine.com/arte/arquitectura/minoru-yamasaki-el-controversial-arquitecto-de-las-torres-gemelas-y-la-torre#view-1

1903 Marcus Rothkowitz nace en Daugavpils, Letonia.

Asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, Rothko expresa siempre su rechazo por alienante su etiqueta de pintor abstracto.

1925 inicia su carrera como pintor en Nueva York.

1940 realiza una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas biomorfas.

1947 su estilo cambia y comienza a pintar grandes cuadros con capas finas de color.

Al pasar los años la mayoría de sus composiciones toman la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras.

Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura.

Al final de su vida sus cuadros son oscuros, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros.

Corresponde a esta época la capilla de la familia Ménil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros cubren un espacio octogonal.

A la edad de cinco años, su padre le inscribe en el Jeder, el único de los hermanos, en donde estudia el Talmud.

Esta formación religiosa tiene en él un efecto indeseable que le estigmatiza haciéndole sentirse un intruso en su propia familia.

Sus otros hermanos son educados en escuelas públicas y laicas.

Su infancia está llena de miedos, al parecer pudo presenciar actos violentos a cargo de los cosacos contra los judíos.

Los Cosacos se llevaron a los judíos del pueblo hacia los bosques, y les hicieron cavar una fosa común… Imaginé esa tumba cuadrada tan claramente. que no estaba seguro si realmente la masacre había ocurrido durante mi existencia. Siempre estuve atormentado por la imagen de esa tumba, y que de alguna manera profunda estaba encerrada en mi obra pictórica.

De este manifiesto, algunos críticos han deducido que las obras rectangulares de Rothko, son de alguna manera alegóricas a esas tumbas.

Aunque estas deducciones, han sido cuestionadas, ya que en ese tiempo, no hubo ejecuciones masivas en Daugavpils o en sus cercanías.

1913 emigró junto a su madre a Estados Unidos, huyendo de las purgas cosacas, instalándose en Portland, Oregón como fabricantes de ropa.

Su padre les había precedido en 1910.

Durante su educación básica, no recibió clases de arte de forma formal, pero realizó bosquejos y dibujos.

1923 ingresó a la Universidad de Yale con una beca, pero abandonó sus estudios antes de graduarse.

Se trasladó a Nueva York, ciudad en la que tuvo su primer encuentro con el arte en el Art Students League de Nueva York.

Entonces un día resultó que presencié una clase de arte, con el motivo de encontrarme con un amigo que estaba asistiendo al curso.

 Todos los estudiantes estaban realizando un bosquejo de una modelo desnuda, y en ese momento decidí que esa era la vida para mí.

1925 inicia su formación artística en el instituto New School of Design, en la que que tuvo como maestro a Arshile Gorky, que es miembro del movimiento vanguardista.

En el otoño de ese mismo año, asiste a clases en el Art Students League de Nueva York, impartidas por Max Weber, también de origen ruso.

A través de éste, Rothko, comienza a visualizar al arte como una herramienta de expresión emocional, religiosa, y sus pinturas de este periodo demuestran la influencia de Weber.

1970 en febrero fallece en NY.

https://www.lacamaradelarte.com/2020/10/capilla-rothko.html

Trianart

http://lembranzas1.blogspot.com/2016/12/mark-rothko-y-el-enigma-del-suicidio.html

1903 Marcus Rothkowitz was born in Daugavpils, Lituania.

Associated with the Abstract Expressionism, Rothko always expresses his rejection of his label as an abstract painter as alienating.

1925 began his career as a painter in New York.

1940 made a painting very similar to the work of Barnett Newman and Adolph Gottlieb, close to surrealism and full of biomorphic forms.

1947 his style changes and he begins to paint large pictures with thin layers of color.

As the years go by, most of his compositions take the form of two confronting rectangles with edges blurred by glazes.

Large formats that surround the viewer are frequent, in order to make them participate in a mystical experience, since Rothko gave a religious sense to his painting.

At the end of his life his paintings are dark, with an abundance of browns, violets, garnets and, above all, black.

The Ménil family chapel in Houston, a prayer space where fourteen paintings cover an octagonal space, corresponds to this time.

At the age of five, his father enrolled him in the Jeder, the only one of the brothers, where he studied the Talmud.

This religious background has an undesirable effect on him that stigmatizes him by making him feel like an outsider in his own family.

His other siblings are educated in public and secular schools.

His childhood is full of fears, apparently he was able to witness violent acts by the Cossacks against the Jews.

The Cossacks took the Jews from the village into the woods, and made them dig a mass grave… I imagined that square grave so clearly. that I was not sure if the massacre had actually occurred during my existence. I was always tormented by the image of that tomb, and that in some deep way it was enclosed in my pictorial work.

From this manifesto, some critics have deduced that Rothko’s rectangular works are in some way allegorical to those tombs.

Although these deductions have been questioned, since at that time, there were no mass executions in Daugavpils or its vicinity.

1913 he emigrated with his mother to the United States, fleeing the Cossack purges, settling in Portland, Oregon as clothing manufacturers.

Their father had preceded them in 1910.

During his basic education, he did not take art classes formally, but did sketches and drawings.

1923 entered Yale University on a scholarship, but dropped out of school before graduating.

He moved to New York, the city where he had his first encounter with art at the Art Students League of New York, describing his experience himself:

Then one day it turned out that I attended an art class, with the purpose of meeting a friend who was attending the course.

 All the students were doing a sketch of a nude model, and at that moment I decided that this was the life for me.

1925 he began his artistic training at the New School of Design, in which he was taught by Arshile Gorky, who was a member of the avant-garde movement.

In the fall of that same year, he attended classes at the Art Students League in New York, taught by Max Weber, also of Russian origin.

Through this, Rothko, began to visualize art as a tool for emotional and religious expression, consequently his paintings from this period demonstrate the influence of Weber.

1970, on February 25 he died in New York

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Trianart

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Arquitecto, urbanista y diseñador. En los 60 proyecta las estaciones de la línea 1 del metro de Milán.

Da clases en el Instituto Politécnico de Turín y en las facultades de Arquitectura de Venecia y Milán.

Recibe multitud de premios y es miembro del MoMa de Nueva York, del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna y de la London Royal Society of Arts.

Arquitecto y diseñador neorracionalista italiano, adscrito al movimiento del Racionalismo italiano.

1905 nace el 17 de octubre en Robbiate, cerca de Milán y fallece el 1 de noviembre de 1977.

1929 con 24 años se graduó en Arquitectura en Milán, allí trabaja en el estudio de Giò Ponti y Emilio Lancia

1929 con motivo de la Exposición Universal viaja a Barcelona, donde queda cautivado por sencillez formal del Pabellón de Alemania de Mies van der Rohe.

Después, en París, conoce los estudios de Le Corbusier y de otros miembros del Movimiento Moderno, alejándose cada vez más de los artificios del Modernismo.

A su regreso, colabora con la revista Casabella, donde gesta su evolución hacia el racionalismo arquitectónico.

1931 abre su despacho en Milán y asume el reto del diseño de viviendas para clases trabajadoras.

1936 en el montaje de la VI Trienal de Milán, dejó clara su postura, mientras Ponti propone lujo y artesanía para la vivienda, Albini, junto a los racionalistas del grupo de Giuseppe Pagano (Persico, Giolli, Camus, Palanti…), aboga por el concepto una casa para cada uno, basado en métodos constructivos industrializados.

La Segunda Guerra Mundial acaba disolviendo al grupo.

1939 su primer éxito es una radio de vidrio que hace visible su interior.

Pero demasiado vanguardista para la época, la radio nunca se fabrica.

En solitario en la posguerra, en su periodo más fértil, empieza a investigar sobre el empleo de materiales y técnicas tradicionales, industrializando la fabricación de muebles como los de ratán, en los que emplea líneas orgánicas pero funcionales.

A través de sus creaciones, el diseño moderno se mezcla con la artesanía tradicional italiana con nuevas formas modernas.

Utiliza materias primas baratas y aprovecha las habilidades de la artesanía italiana. Esto induce a un diseño elegante basado en una estética minimalista.

La imagen limpia y pura que hoy tenemos de Cassina es fruto, en gran medida, de las primeras sillas que el arquitecto idea para la marca.

En estos años también trabaja para otras editoras como Poggi (para quienes diseña sus sillas, hoy reeditadas en su mayoría por Cassina) y en numerosos desarrollos urbanísticos y edificios de Génova, incluido el Palazzo Bianco (1951).

En los 50 se incorporó a su equipo la arquitecta Franca Helg, con la que colabora durante casi treinta años.

1950 diseña sus famosos sillones de ratán Margherita y Gala.

1952 crea el sillón Fiorenza para la empresa Artflex

1955, la butaca Luisa por la que recibe la Brújula Dorada.

1956, la mecedora de Poggi.

1960s trabaja para el diseño industrial, así como para importantes proyectos arquitectónicos:

1961 el edificio Rinascente en Roma ,

1963 estaciones de metro de Milán 

1964, el televisor que diseña para Brionvega se exhibe en la Trienal de Milán.

1964 crea diferentes lámparas para la empresa Arteluce.

1963-1977 es profesor del Politécnico de Milán.

También es diseñador de interiores, por ejemplo, para la peletería Zanini en Milán o como museógrafo del museo del tesoro de San Lorenzo en Génova.

Su propio hijo, Marco arquitecto también, y otros arquitectos como Antonio Piva, Giuseppe Rizzo, Luigi Mereghetti o Ambrogio Giani también se unien a un creciente estudio que a la muerte de Albini, en noviembre de 1977, cuenta con proyectos en Génova, Milán, Arabia Saudí… Proyectos con un sello que crea escuela.

fondazionefrancoalbini.com

https://www.revistaad.es/diseno/iconos/articulos/franco-albini-icono-ad/21220

https://wikies.wiki/wiki/fr/Franco_Albini

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