1905 – 1977, was an Italian Neo-Rationalist architect, designer and university instructor in design.
A native of Robbiate, near Milan, Albini obtained his degree in architecture at Politecnico di Milano University in 1929 and began his professional career working for Gio Ponti.
He started displaying his works at Milan Triennale
1930 he opened his own practice.
Through his creations, the modern furniture design merged the Italian traditional artisanship with the new forms of modernism.
In his creations, he used raw, inexpensive materials.
Margherita
He exploited the very skilled Italian craftsmanship.
This also meant an elegant design based on a minimalist aesthetic.
One of his first successful works in 1939 was a radio, encased in glass, so to show its internal components.
The stereo cabinet that Franco Albini designed for his own house was made as a pushback against the ordinariness of mass produced objects. The transparent enclosure is meant to symbolize it’s separation from the physical world and spoke to the time it was produced in 1938, just a few years before the accepted start of the mid-century period. Italy was under the grip of the fascist prime minister Benito Mussolini and the country was trudging forward towards World War II. This was the first design of its kind, and is one of the most impressive designs by Albini.
1928 Albini designed the now-iconic Albini Desk, combining steel, glass and wood with a striking minimalistic balance, and introduced by Knoll in 1949.
Este fragmento de mural es de una tumba que muestra al difunto cazando.
Con la mano izquierda sostiene un arma arrojadiza y en la derecha tres aves.
Está de pie en un bote plano de tallos de papiro reforzado con tablas de madera que en conjunto es poco mayor que una tabla de surf.
En la proa hay un ganso del Nilo, detrás del difunto está su esposa y en cuclillas entre sus piernas.
Delante de él las aves llenan el aire y el bosquecillo, asustadas unas y protegiendo los huevos de sus nidos otras.
Esta Caza de aves entre papiros, pintada antes de 1350 a.C., no era en sí mismo un tema nuevo, pero ninguno de los casi 200 ejemplos que se conocen ofrecen tal variedad de especies de aves de colores tan diferentes.
En otras representaciones, además de cazando aves, el titular de la tumba aparece normalmente pescando.
En este fragmento la pesca no existe, pero en la parte inferior izquierda se observa un fragmento de lanza y la parte posterior del pez capturado por el arma.
Los egipcios creían en una vida después de la muerte, por lo que usaban sus técnicas de momificación para conservar el cuerpo, ofrecían alimentos todos los días en ceremonias cultuales a las estatuas del difunto y decoraban sus tumbas con escenas de la vida: mesas bien surtidas, parras, paseos en barcas, caza entre los papiros.
Los jeroglíficos situados bajo el hombro izquierdo indican la finalidad de imágenes tales como en este fragmento:
Disfrutar, contemplar la belleza en el lugar del eterno retorno de la vida.
Las escenas de la vida acompañan a los muertos y las fuerzas mágicas contribuyen a que a los muertos les vaya tan bien como en su existencia terrenal.
Tales fuerzas son más importantes que el nivel estético de la representación.
Lo mismo cabe decir de todos los espacios cultuales, tanto templos como tumbas.
Para que los titulares de las tumbas encuentren en sus mesas montañas de piernas de vaca y de patos asados, las provisiones pintadas propician que el muerto no tenga hambre en toda la eternidad.
De ahí que los artistas y los artesanos pronuncien durante su trabajo fórmulas mágicas cuyo conocimiento, junto con las habilidades manuales, son trasmitido de padres a hijos.
Soy el dueño del secreto, proclama exultante un tal Iriirusen, del Reino Medio ( 2040-1785 a.C).
He utilizado todas las fuerzas mágicas para que puedan vivir las obras plásticas creadas de acuerdo con las normas precisas.
Entre las normas de la pintura y de los relieves del antiguo Egipto esta la representación del cuerpo humano desde dos perspectivas: lateral para la cabeza y el tronco con las piernas, y frontal para los ojos y los hombros.
Lo que más interesa a los egipcios tiene que ser visto de una manera perfecta.
Por ejemplo, la visión frontal permitía apreciar mejor la anchura de la espalda y los símbolos de poder que el faraón lleva en el pecho.
Los egipcios no pueden representar el paso decidido, pues desconocen la perspectiva que permite expresar la profundidad.
Las diferentes partes del cuerpo están pintadas sin profundidad y tampoco están modeladas, sino que están dispuestas como superficies de un solo color.
La renuncia a la tercera dimensión determina que el arte egipcio tenga claridad.
La renuncia a lo individual favorece asimismo la simplicidad.
El titular de la tumba es Nebamun, pero EL rostro no refleja la edad, ni la manera de ser, ni la afición a la caza.
No se busca la semejanza y se pinta el núcleo o la esencia de un hombre, que es lo que queda una vez eliminado lo accidental y efímero.
Las pequeñas trenzas de la peluca y la gran anchura de la espalda no reflejan los gustos personales del representado.
Forman parte de la norma representativa de los varones de las clases superiores de la jerarquía social egipcia, que se identifican únicamente por los nombre escritos y los títulos.
Nebamun es un alto funcionario y administrador de un género real de la XVIII dinastía.
Hay otra tumba con una representación más exacta de este tipo de caza; se trata de un modelo de barco pequeño (del Reino Medio) con remeros, con hombres que arrojan dardos sujetos con cuerdas, arpones, con personas ociosas alrededor y con una mujer joven que controla las aves atadas.
Según diversas informaciones, normalmente las barcas son de mayor tamaño que las de Nebamun, disponen de camarotes para una travesía más larga y de almacenes para las capturas, las provisiones o los equipos de caza.
Cazar en los pantanos o en el desierto era una de las diversiones deportivas de la alta sociedad.
Requiere entrenamiento, como manejar las maderas arrojadizas, que son ligeramente curvas y tienen un extremo grueso tallado con frecuencia en forma de cabeza de serpiente.
Nebamun sostiene en su otra mano tres reclamos.
De acuerdo con la disposición tradicional de las imágenes, la mujer es de menor estatura que el hombre.
Aunque de hecho fuera más alta, en las imágenes aparece más pequeña: no cuenta la realidad sino el rango social.
El funcionario y administrador del granero real es más importante que su esposa, la cual, a su vez, es más importante que su hija, que abraza las piernas del padre.
Estas diferencias existen no sólo en el ámbito familiar, sino también en los casos en que el faraón o los altos funcionarios coinciden con personajes menos importantes.
Es un error pensar que las relaciones jerárquicas en la familia deriven en una subordinación estricta.
La mujer casada es la dueña de la casa y, a diferencia de otras sociedades antiguas en las que esta considerada como no emancipada y tenía que estar representada en los juicios por un familiar varón, la egipcia podía presentar directamente sus demandas, al menos en el Reino Nuevo (hacia 1550-1075 a.C).
Ptahhotep (hacia 2300 a.C) da un consejo a un marido:
Llena su barriga y viste su espalda, pues es un campo fértil para su dueño. Pero no permitas que decida, mantenla alejada del poder y dómala.
La esposa del alto funcionario lleva ropa de fiesta; así la recuerda el muerto y así debe acompañarle ella en la eternidad.
Lleva un vestido plisado de mangas anchas que transparenta.
Todas las mujeres de las representaciones de las tumbas tienen figuras ideales.
Lleva en los dos brazos flores de loto y en la cabellera un cono de ungüento.
Esta compacta masa de grasa y perfume se coloca en la peluca en las celebraciones festivas y al fundir perfuma y da brillo al pelo.
En las clases superiores llevan peluca tanto los hombres como las mujeres.
La cabellera es uno de los atractivos femeninos más importantes, aunque no fuera propia. La protagonista de un cuento dice refiriéndose a su admirador:
Me encontró sola y me dijo ven, pasemos un ratito juntos. Vamos a la cama, ponte la peluca
También los aromas desempeñaban una función muy importante entre los egipcios; es posible que hace varios miles de años la gente oliese de forma más diferenciada que nosotros hoy. La cercanía de los dioses de hacía notar por un aroma especial, llamado “sudor de dios”.
Como jeroglífico, una nariz significaba alegría y el sabio Ptahhotep aconsejaba al esposo proporcionar también a su esposa ungüentos aromáticos “como remedio para los miembros” y para que “su corazón disfrute durante toda su vida”.
La representación de los matrimonios no sólo se caracteriza por su diferente grado de importancia, sino también por su disposición. La mujer está o camina detrás de su esposo, como todavía sucede en muchas regiones orientales o africanas.
Dos pájaros el gato sujeta con sus zarpas y otro con los dientes. Como en el caso de las personas, aquí también el pintor ofrece una visión idealizada; es un gato singularmente bello, grande y hábil. Es difícil saber si acarrea desde la espesura animales ya abatidos o si los ha cazado él mismo.
Los gatos eran muy apreciados en la caza y en el hogar; los favoritos eran los de rayas de color pardo amarillento. Por ejemplo, en una tumba aparece un gato amarillento pintado bajo el asiento de su dueño devorando un pez.
Bajo el trono de una reina están tres de sus animales favoritos: un mono y un gato abrazando a una oca.
También Nebamun tiene una oca además del gato. En la vieja capital de Menfis se ha descubierto la tumba de un gato profusamente decorada con relieves que, con las divinidades protectoras y sentencias habituales, parece el sarcófago de un hombre de baja estatura.
El animal momificado de su interior se llamaba Tamiat y perteneció al hermano mayor de Akhenatón, muerto antes de ocupar el trono.
En una de las paredes exteriores que está llena de relieves, Tamiat aparece ante una mesa con alimentos por toda la eternidad.
Todas estas muestras proceden del Reino Nuevo; son pocas comparadas con las de la época tardía, en dónde la zoolatría dejó un incontable número de toros, perros, aves y gatos momificados, además de excelentes esculturas de gatos, que hacen pensar en que el sentido de la línea elegante entre los egipcios encontró en ellos un tema muy agradecido.
Generalmente están fundidos en bronce y en muchos casos están ricamente adornados, como la existente en el British Museum de Londres, que lleva aros de oro en la nariz y en las orejas, además de un ancho collar y un amuleto de ojos delante del pecho.
La extendida zoolatría se basaba en la creencia de que los animales encarnaban a los dioses o al menos poseían fuerzas divinas. Herodoto, historiador griego que visitó Egipto hacia el año 450 a.C., escribía acerca de los animales:
Estaban considerados como sagrados, tanto los domésticos como los salvajes. ¿Por qué los tenían por sagrados? De haberlo intentado explicar, habría profundizado en mi narración en las cosas divinas, algo de lo que me he guardado muchode hacer.
La diosa que los egipcios representaban en forma de gato se llamaba Bastet. En el Reino Antiguo (hacia 2660-2190 a.C) tenía forma de león; después adquirió la de gato y finalmente se unificaron la diosa león y la diosa gato.
Los dioses egipcios cambiaban de atributos a lo largo de los siglos y personificaban fuerzas diferentes en cada ciudad, hasta el punto de que muchos de ellos sólo admitían una caracterización contradictoria, lo cual no molestaba a los egipcios, pues, independientemente de todos los cambios, para ellos la verdadera imagen de un dios era un misterio eterno.
Bastet, la divinidad gato, era alegre y retozona; en su honor se celebraban fiestas en las que abundaba el alcohol, sobre todo en la época tardía.
No obstante, compartió atributos con la diosa león, que personificaba el valor y la afición a luchar y a cazar.
En cuanto cazador salvaje y feliz, el gato favorito de Nebamun acompañó a su eternamente joven dueño.
La tumba de Nebamun estaba en la necrópolis de Tebas, en la ribera occidental del Nilo.
Generalmente los muertos reposaban al oeste de las ciudades, donde se ponía al anochecer la barca del dios del Sol, que por la mañana se alzaba por el este y cruzaba el cielo durante el día.
En ultratumba retorna al este por las aguas primordiales o Nun.
Los vivos mantenían la esperanza de que los muertos pudiesen acompañar la barca de los dioses y ascender con ella otra vez a la luz.
Según una de las hipótesis explicativas de nuestro motivo plástico, lo que se representa en clave es precisamente este viaje de los muertos; la captura de peces en el agua corresponde a la travesía nocturna sobre Nun y las aves volando representan la subida al cielo.
No obstante, este motivo plástico tantas veces pintado sugiere asociaciones totalmente distintas relacionadas con las experiencias del Nilo.
Antes de construir los diques de contención, los egipcios contemplaban año tras año la crecida de las aguas, la inundación de extensas zonas de sus terrenos fértiles; la tierra desaparecía y únicamente emergía al término de la gran inundación.
Este fenómeno de la naturaleza evocaba a los egipcios los mitos del origen del mundo. La tierra surgió como una novedad absoluta de una materia similar al lodo de las orillas.
De ahí que para los egipcios la espesura de las márgenes estuviese rodeada de un aura de fecundidad y reproducción, cuyo símbolo sería la planta de loto de los pantanos, que cerraba de noche sus pétalos para abrirlos por la mañana.
El pantano desempeña asimismo una función destacada en la historia de los dioses. Cuando el violento Set descuartizó a Osiris, Isis reunió las diversas partes del cadáver de su esposo, se refugió en las zonas pantanosas del delta y, gracias a sus poderes mágicos, consiguió que el muerto la fecundara.
Protegiéndose en el pantano crió a su hijo Horus hasta que este pudo reemprender la lucha dando muerte al asesino de su padre.
Por tanto, además de la subida al cielo y las aves, los egipcios relacionaban también la zona ribereña con la idea de la renovación.
De ahí que el pintor destaque tanto en el cuadro los huevos de las aves y que acompañen al titular de la tumba tanto su esposa como su hija, la primera con ropa de fiesta, inadecuada para una cacería pero muy propia para celebrar la regeneración eterna.
Los tres personajes presentan plantas de loto: el titular las lleva colgadas de sus hombros, la esposa las tiene en la mano y en la peluca y la hija las arranca del agua en forma de ramillete.
Un poeta anónimo habla asimismo de la posibilidad de que la espesura sea un lugar secreto de placeres eróticos: “Amado mío, he llegado al puesto de las aves, con la trampa en una mano y la red y la madera arrojadiza en otra, para estar contigo a solas”.
En las pinturas fúnebres todo es alusivo. Entre otras cosas porque en virtud de los conjuros del pintor las figuras podrían llegar a estar vivas.
En la época de Nebamun sólo los familiares y los amigos podían disfrutar de esta obra de arte del anónimo pintor.
Las escenas que supuestamente acompañarían al difunto se pintaron en el interior de la cámara cultual, la cual únicamente se abría en determinadas festividades y con finalidad ritual.
Siglos después las tumbas cayeron en el olvido y estuvieron cerradas. Sólo los ladrones intentaron penetrar en ellas.
En el British Museum se conservan fragmentos de la tumba de Nebamun, que sin duda son arrancados de la pared sin ningún tipo de conocimiento técnico.
El hecho que durante miles de años hayan permanecido a oscuras ha hecho posible la conservación de sus delicados colores.
Rose-Marie & Rainer Hagen en Los secretos de las obras de arte -100 obras maestras en detalle. Taschen Bibliotheca Universalis; 2016.
These fragment of a tomb mural has the deceased hunting. With his left hand he wields a throwing wood and in the right he holds three birds.
He is standing in a flat boat of papyrus stalks reinforced with wooden planks that together is little bigger than a surfboard.
In the bow is a Nile goose, behind the deceased is his wife and squatting between his legs.
In front of him the birds fill the air and the grove, some frightened and others protecting the eggs of their nests.
This Bird Hunting Among Papyri, painted before 1350 BC, is not on a new subject, but none of the nearly 200 known examples offer such a variety of bird species of such different colors.
In other representations, in addition to hunting birds, the tomb holder usually appears fishing.
In this fragment there is no fishing, but in the lower left a fragment of a spear and the back of the fish caught by the weapon can be seen.
The Egyptians believe in an afterlife, so they use their mummification techniques to preserve the body, offer food every day in cult ceremonies to the statues of the deceased and decorate their tombs with scenes from life: well-stocked tables , vines, boat rides, hunting among the papyri.
The hieroglyphs located under the left shoulder indicate the purpose of images such as in this fragment:
Enjoy, contemplate the beauty in the place of the eternal return of life .
Such forces are more important than the aesthetic level of representation.
The same is true of all cultural spaces, both temples and tombs.
So that the holders of the tombs find mountains of cow legs and roasted ducks on their tables, the painted provisions make sure that the dead do not go hungry in all eternity.
Hence, artists and artisans pronounce magic formulas during their work, the knowledge of which, along with manual skills, are transmitted from father to son.
I am the owner of the secret, proclaims a certain Iriirusen, of the Middle Kingdom (2040-1785 BC) with exultation.
I have used all the magical forces so that the plastic works created according to the precise norms can live…
Among the norms of ancient Egyptian painting and reliefs is the representation of the human body from two perspectives: lateral for the head and trunk with the legs, and frontal for the eyes and shoulders.
What most interests the Egyptians has to be seen in a perfect way.
For example, the frontal vision allowed to better appreciate the width of the back and the symbols of power that the pharaoh wears on his chest.
The Egyptians cannot represent the decisive step, because they do not know the perspective that allows to express the depth …
The different parts of the body are painted without depth and are also not modeled, but are arranged as surfaces of a single color.
The renunciation of the third dimension determines that Egyptian art has clarity.
The renunciation of the individual also favors simplicity.
The holder of the tomb is Nebamun, but THE face does not reflect the age, nor the way of being, nor the fondness for hunting.
Similarity is not sought and the core or essence of a man is painted, which is what remains once the accidental and ephemeral is eliminated …
The small braids of the wig and the great width of the back do not reflect the personal tastes of the person represented.
They are part of the representative norm of men in the upper classes of the Egyptian social hierarchy, who are identified only by written names and titles.
Nebamun is a high official and administrator of a royal genre of the 18th dynasty.
There is another tomb with a more exact representation of this type of hunting; It is a model of a small ship (from the Middle Kingdom) with rowers, with men throwing darts tied with ropes, harpoons, with idle people around and with a young woman who controls the tied birds …
According to various information, the boats are normally larger than those of Nebamun, they have cabins for a longer journey and warehouses for catches, provisions or hunting equipment.
Hunting in the swamps or the desert was one of the sporting diversions of high society.
It requires training, such as handling the throwing woods, which are slightly curved and have a thick end carved often in the shape of a snake’s head.
Nebamun holds three claims in his other hand.
According to the traditional arrangement of images, the woman is shorter than the man.
Although in fact it was taller, in the images it appears smaller: reality does not count, but social rank.
The official and administrator of the royal barn is more important than his wife, who, in turn, is more important than his daughter, who embraces the father’s legs.
These differences exist not only in the family sphere, but also in cases where the pharaoh or high officials coincide with less important figures.
It is a mistake to think that hierarchical relationships in the family lead to strict subordination.
The married woman is the owner of the house and, unlike other ancient societies in which she is considered unemancipated and had to be represented in trials by a male relative, the Egyptian woman could directly present her claims, at least in the New Kingdom (around 1550-1075 BC).
Ptahhotep (around 2300 BC) gives advice to a husband:
Fill his belly and dress his back, as it is a fertile field for its owner. But don’t let her decide, keep her away from power and tame her.
The wife of the high official wears party clothes; thus the dead man remembers her and accompanies her in eternity.
She wears a pleated dress with wide sleeves that is transparent.
All the women in the tomb representations have ideal figures.
She wears lotus flowers on both arms and a cone of ointment on her hair.
This compact mass of fat and perfume is placed on the wig at festive celebrations and when melting it perfumes and adds shine to the hair.
In the upper classes both men and women wear wigs.
Hair is one of the most important female attractions.
Scents also play an important role among the Egyptians; It is possible that several thousand years ago people smelled differently from us today.
The closeness of the gods was noted by a special scent, called god’s sweat.
As a hieroglyph, a nose signified joy and the sage Ptahhotep advises the husband to also provide his wife with aromatic ointments as a remedy for the limbs and for her heart to enjoy throughout her life .
The representation of marriages is not only characterized by their different degree of importance, but also by their arrangement.
The woman is or walks behind her husband, as is still the case in many eastern or African regions.
Two birds the cat holds with its paws and another with its teeth.
As in the case of people, here too the painter offers an idealized vision; it is a singularly beautiful, large and clever cat.
It is difficult to know if he is carrying dead animals from the bush or if he has hunted them himself.
Cats are highly valued in hunting and in the home; the favorites are Roman redheads.
For example, in a grave a painted yellowish cat appears under its owner’s seat devouring a fish.
Under a queen’s throne are three of her favorite animals: a monkey and a cat hugging a goose.
Nebamun also has a goose in addition to the cat.
In Memphis the tomb of a cat profusely decorated with reliefs has been discovered that, with the usual protective deities and sentences, resembles the sarcophagus of a short man.
The mummified animal inside was called Tamiat and it belonged to Akhenaten’s older brother, who died before taking the throne.
On one of the exterior walls that is full of reliefs, Tamiat appears before a table with food for all eternity.
All these samples come from the New Kingdom; are few compared to those of the late period, where zoolatry left an uncountable number of mummified bulls, dogs, birds and cats, as well as excellent sculptures of cats, suggesting that the sense of elegant line among the Egyptians found in them a very grateful theme.
They are generally cast in bronze and in many cases are richly ornamented, such as the one in the British Museum in London, which wears gold rings on the nose and ears, as well as a wide necklace and an eye amulet in front of the chest.
The widespread zoolatry was based on the belief that animals embodied gods or at least possessed divine forces.
Herodotus in 450 BC says:
They were considered sacred, both domestic and savage. Why did they hold them sacred? If I had tried to explain it, I would have deepened my narrative on divine things, something that I have been very careful to do.
The goddess that the Egyptians represented in the form of a cat was called Bastet.
In the Old Kingdom (about 2660-2190 BC) it was shaped like a lion; later it acquired that of cat and finally the lion goddess and the cat goddess were unified.
The Egyptian gods change their attributes over the centuries and personify different forces in each city, to the point that many of them only admit a contradictory characterization, which does not bother the Egyptians, because, regardless of all the changes, for them the true image of a god was an eternal mystery.
Bastet, the cat divinity, is happy and in his honor there are parties where alcohol abounds, especially in the late period.
However, it shares attributes with the lion goddess, who personifies the courage and love of fighting and hunting.
As a wild and happy hunter, Nebamun’s favorite cat accompanies his eternal young owner.
Nebamun’s tomb was in the necropolis of Thebes, on the west bank of the Nile.
Generally, the dead rest to the west of the cities, where the boat of the sun god is laid at dusk, rising from the east in the morning and crossing the sky during the day.
In the afterlife it returns to the east through the primordial waters or Nun.
The living hope that the dead can accompany the boat of the gods and ascend with it again into the light.
What this painting represents in key is this journey of the dead; the catch of fish in the water corresponds to the night crossing over Nun and the flying birds represent the ascent to the sky.
However, this often painted plastic motif suggests entirely different associations related to the Nile experiences.
Before building the containment dikes, the Egyptians contemplate year after year the rising of the waters, the flooding of vast areas of their fertile lands; the earth disappears and only emerges at the end of the great flood.
This phenomenon of nature evokes to the Egyptians the myths of the origin of the world.
The earth emerges as a novelty from a matter similar to the mud on the banks.
Thus, for the Egyptians, the thickness of the margins is surrounded by an aura of fertility and reproduction, whose symbol is the lotus plant of the swamps, which closes its petals at night to open them in the morning .
The swamp also plays a prominent role in the history of the gods. When the violent Set dismembers Osiris, Isis gathered the various parts of her husband’s corpse, took refuge in the swampy areas of the delta and, thanks to her magical powers, succeeded in having the dead man impregnate her.
Protecting himself in the swamp, he raises his son Horus until he can resume the fight, killing his father’s murderer.
Therefore, in addition to the rise to the sky and the birds, the Egyptians also associate the waterfront with the idea of renewal.
Hence, the painter highlights both in the painting the eggs of the birds and that both his wife and his daughter accompany the holder of the tomb, the former wearing festive clothing, unsuitable for a hunt, but very appropriate to celebrate eternal regeneration.
The three characters present lotus plants: the owner wears them on his shoulders, the wife holds them in her hand and in her wig, and the daughter plucks them out of the water in the form of a bouquet.
An anonymous poet also speaks of the possibility that the thicket is a secret place of erotic pleasures:
My beloved, I have come to the bird stand, with the trap in one hand and the net and the thrown wood in the other, to be with you alone.
In the funeral paintings everything is allusive. Among other things because by virtue of the painter’s spells the figures could become alive.
In Nebamun’s time only family and friends could enjoy this work of art by the anonymous painter.
The scenes that supposedly accompany the deceased are painted inside the cult chamber, which is only opened on certain festivals and for ritual purposes.
Centuries later the tombs fall into oblivion and are closed.
Only thieves try to penetrate them.
Fragments of Nebamun’s tomb are preserved in the British Museum, which are undoubtedly torn from the wall without any technical knowledge.
The fact that they have remained in the dark for thousands of years has made it possible to preserve their delicate colors.
Rose-Marie & Rainer Hagen en Los secretos de las obras de arte -100 obras maestras en detalle. Taschen Bibliotheca Universalis; 2016.
Gregory Ain was as much a social activist as a visionary architect.
Ain’s designs were fueled by the belief that Modern architecture could improve people’s lives.
He was committed to designing well-planned communities and affordable housing accessible to all, and he clearly put this philosophy into practice in Los Angeles.
Between 1930s-1960s, Ain designed innovative single-family homes, cooperative housing, apartment complexes, and entire communities.
He was most prolific in the postwar years, when he partnered with Joseph Johnson and Alfred Day to design tract developments that fostered indoor/outdoor living and community interaction.
Perhaps the most successful of these developments was the Mar Vista Tract, built in 1948 and marketed as Modernique Homes.
Ain’s social views can be traced back to his upbringing.
Born in Pittsburgh in 1908, Ain grew up in Los Angeles’ Lincoln Heights neighborhood. For a time, the family lived in a cooperative colony in the Antelope Valley founded by socialist Job Harriman, a Los Angeles mayoral candidate supported by Ain’s father.
Professionally, Ain was deeply inspired by the first generation of California Modern master architects including Rudolf Schlinder and Richard Neutra.
Ain attended USC’s School of Architecture in 1927 but became disillusioned with the Beaux Arts curriculum and dropped out after one year.
He worked for Neutra from 1930 to 1935.
In 1940, he was awarded the prestigious Guggenheim fellowship to continue his research on low-cost, prefabricated housing.
In 1950, Ain’s Los Angeles residential designs impressed Philip Johnson, then director of the Department of Architecture at New York’s Museum of Modern Art.
Johnson commissioned Ain to build a house in the museum’s garden.
Despite the recognition, in the midst of 1950s McCarthyism, Ain’s social ideas were not received well.
He lost numerous commissions, including involvement in the Case Study House program.
Yet he garnered support from prominent and like-minded Angelenos.
One of them, famed civil rights attorney Ben Margolis, hired Ain to design his home in 1951.
The Los Feliz residence, which has a much later addition by Pierre Koenig, still stands as a prime example of Ain’s ingenuity and design philosophy.
Ain taught architecture at USC for several years after World War II.
1963, he became dean at Penn State’s School of Architecture.
1967 he returned to Los Angeles in 1967 and remained until his death in 1988 at the age of 79.
Arquitecto norteamericano de mediados del XX que trabaja en el área de Los Angeles que destaca por integrar elementos de la arquitectura moderna en viviendas de bajo y medio costo.
1908 nace en Pittsburg, Pensilvania y crece en el barrio de Lincoln Heights de Los Ángeles.
Durante un tiempo durante su infancia, la familia vive en Llano del Rio, una colonia agrícola colectiva experimental en el Valle del Antílope en California.
Cuando es adolescente descubre su vocación después de visitar la Casa Schindler.
1927-1928 asiste a la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Sur de California pero la abandona después de sentirse limitado por la escasa formación en Bellas Artes.
Admira a Rudolph Schindler y Richard Neutra.
Rudolph SchindlerRichard Neutra
1930-1935 trabaja para Neutra, junto con Harwell Hamilton Harris, y contribuye a los principales proyectos de Neutra de ese período.
Proyecto de Richard Neutra
1935 diseña casas modestas para clientes de clase trabajadora y clase media.
1940 recibe una Beca Guggenheim para investigar la vivienda sencilla.
Durante la II Guerra Mundial, Ain es ingeniero jefe de Charles y Ray Eanes en el desarrollo de sus famosas tablillas para piernas y sillas de madera contrachapada, incluidas las series DCW y LCW.
1930-1940 representan el período más productivo de Ain.
«This last, final home of Albert Frey is the perfect small weekend getaway with one of the best views in California (above and top). It is also an incredibly efficient use of space and was built around a giant rock, which sits in the living room. «On a more reverent note, there are people, including myself and the architecture curators at the Palm Springs Art Museum, who consider this 1964 house to be the high temple of desert architecture, as it is the epitome of a building integrated into the earth around it.»
Durante este período, su búsqueda de principios para abordar los problemas arquitectónicos habituales de la gente de mercado masivo de la sociedad, impulsa el aumento de planos de planta flexibles y cocinas abiertas.
1940, forma una sociedad con Joseph Johnson y Alfred Day para diseñar grandes extensiones de viviendas.
Los principales proyectos de este período son viviendas comunitarias, viviendas planificadas para parques.
El Gregory Ain Mar Vista Tract se convierte en el primer distrito histórico moderno de Los Ángeles en 2003.
Colabora con el arquitecto paisajista Garrettt Eckbo en cada uno de estos proyectos, que caracterizan el diseño moderno de mediados del XX.
Tiene una asociación recurrente con James Garrott durante aproximadamente 20 años, a partir de 1940.
Diseñan juntos su propio pequeño edificio de oficinas en Hyperion Avenue en Silver Lake.
Sus proyectos atraen la atención de Philip Johnson, el curador de arquitectura del MOMA, quien encarga a Ain que diseñe y construya la segunda casa de exhibición del MoMA en el jardín del museo en 1950, después de la de Marcel Breuer en 1949.
Maqueta de la casa del MOMA
A finales de los años 50, la práctica de Ain disminuye ya que lo creen comunista.
1949 es incluido por el Subcomité de Investigación de Actividades Antiamericanas del Senado de California como una de las personas a investigar y controlar.
La creciente paranoia por la guerra fria le hace perder varias oportunidades, incluida la participación en el programa de estudio del caso de John Entenza .
Ain también enseña arquitectura en la USC después de la guerra.
1963-1967, es Decano de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Pensilvania.
Mas tarde vuelve a Los Ángeles y allí fallece en 1988.
Los trabajos de Ain se guardan en la Colección de Arquitectura y Diseño, en el Museo de Arte, Diseño y Arquitectura de la Universidad de California en Sant Barbara.
Gregory Ain es el centro de un proyecto, The Bauhaus Ranch y de un documental, No Place Like Utopia, dirigido y producido por Christiane Robbins y la profesora Katherine Lambert, AIA.
Esta película se basa en su extensa y rigurosa investigación que tiene con la Casa de Exposiciones del MoMA de 1950 de Ain, Nuestra visión del futuro, nunca había sido destruida como habían afirmado los historiadores de la arquitectura.
2015 materializan esta tesis en una instalación interdisciplinaria, Este futuro tiene un pasado, exhibida por primera vez en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2016 y luego en el Centro de Arquitectura de Nueva York en 2017.
Atribuido a Gu Hongzhong (910-980), período de las Cinco Dinastías (907-960).
Pergamino, tinta y colores sobre seda, 28,7 x 335,5 cm, Museo del Palacio, Beijing
Las diversiones nocturnas de Han Xizai es un pergamino pintado que representa a Han Xizai, un ministro del emperador Li Yu del sur de Tang.
Esta pintura narrativa se divide en cinco secciones distintas:
Han Xizai escucha la pipa, observa a los bailarines, descansa y luego despide a los invitados.
Al igual que con otros pergaminos, el trabajo de Gu Hongzhong debe verse de derecha a izquierda.
Gu Hongzhong es enviado a espiar a Han Xizai.
En una versión de la historia, Han Xizai se pierde repetidamente las audiencias matutinas con el emperador debido a su diversion y necesitaba ser avergonzado para que se comporte de manera digna.
En otra versión de la historia, Han Xizai había rechazado la oferta de Li Yu de convertirlo en primer ministro.
Curioso, Li Yu quería saber qué era más deseable para Han Xizai que una posición tan alta.
Gu Hongzhong (937–975) was a Chinese painter during the Five Dynasties and Ten Kingdoms period of Chinese history.
Gu was active until 960 and was most likely a court Painter for the Southern Tang Emperor Li yu.
His most well-known work is the Night Revels of Han Xizai.
Gu’s original no longer exists, but the painting survives as a 12th-century remake during the subsequent Song Dinasty (960–1279).
The painting is housed in the Palace Museum in Beijing.
The Night Revels of Han Xizai is a painted scroll depicting Han Xizai, a minister of Li Yu. This narrative painting is split into five distinct sections:
Han Xizai listens to the pipa, watches dancers, takes a rest, plays string instruments, and then sees guests off.
Gu Hongzhong was supposedly sent to pry on Han Xizai’s private life per emperor Li Yu’s request.
One theory is that Li Yu wanted to know why Han refused his offer to make him the prime minister.
Another is that Han Xizai repeatedly missed early-morning audiences with the emperor because of his revelry, fondness of drinking and banquets with friends, and needed to be shamed into dignified behavior.
The work was not only a painting about personal life, but also represented many features from that period.
Using careful observation, all of the details of the Night Revels were thoroughly exposed and peoples’ expressions were vivid and true-to-life.
In the picture, there are more than 40 figures—all lifelike and with different expressions.
The painting represented the lifestyle of the ruling class of that time indirectly. The painter’s surprising observation of Han Xizai makes the painting thought-provoking.
1926 son of David Zabludovsky and Raquel Kraveski, emigrated from Poland to Mexico, when the Jewish persecution began in Europe.
His father chooses Mexico for a brochure he finds on the ship in which he travels with two possible destinations: New York and Buenos Aires.
At the age of 3 he arrived in Mexico and his brother is the famous journalist Jacob Zabludovsky.
1945-1949 studied at the National School of Architecture of the National Autonomous University of Mexico
While studying, he works as a builder and contractor.
He works in Mario Pani’s office.
1951, he began his career holding positions in the public administration being an advisor to the Fund for Operations and Banking Discount for Housing (1966-1970) and to the Urban Development Commission of the Federal District (1978-1981).
It begins with functionalism-rationalism and then changes towards an integral conception of the building as a component of urban space.
His style is recognized as geometric and in addition to the museums, courts and theaters, his best-known works are the residential buildings from the 1950s and 1960s in the Polanco and Hipódromo Condesa neighborhoods.
His projects include
1979 the theater of the city of Tuxtla Gutiérrez de Chiapas,
1984 in Guanajuato, the headquarters of the Multibanco Mercantil de México (Mexico City)
1985 the theater of the city of Aguascalientes
1987 the multipurpose room in Celaya (Guanajuato)
1988 the remodeling of the National Library of Mexico in the Ciudadela park.
In his last years he innovated in materials, such as chiseled concrete, mud brick, spaces and lights.
Part of his professional work, both in Mexico and abroad, is collaborating with the Mexican Teodoro González de León with whom he associated in the early sixties and with whom he performs
Teodoro González de León. Llevo más de 80 años aprendiendo la manera de vivir, la forma de ser. No he aprendido disciplinas, las he convertido en formas de vida; la lectura es una forma de vida, el dibujo, la pintura, la escultura, son una forma de vida; visitar las ciudades, escuchar música y la arquitectura son formas de vida; no tener ninguna religión es mi forma de vidaTeodoro González de León
1975 the College of Mexico
1981 the Rufino Tamayo International Art Museum
1986-1988 four buildings for BANAMEX
1994 the remodeling and expansion of the National Conservatory of Music.
His awards include
1982 the National Prize of Sciences and Arts in Fine Arts
1989 the Latin American Grand Prize at the Buenos Aires Architecture Biennial, Argentina
1991 Gold Medal at the World Architecture Biennale in Sofia, Bulgaria
1994 the International Honorable Mention at the Panamerican Architecture Biennial of Quito, Ecuador.
1926 hijo de David Zabludovsky y Raquel Kraveski, emigran de Polonia a México, cuando en Europa se inicia la persecución judía.
Su padre opta por México por un folleto que encuentra en el barco en que viaja con dos posibles destinos: Nueva York y Buenos Aires.
Con 3 años llega a México y su hermano es el periodista Jacobo Zabludovsky.
1945-1949 estudia en la Escuela Nacional de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México entre 1945 y 1949.
Mientras estudia, trabaja como constructor y contratista.
Trabaja en el despacho de Mario Pani.
1951, inicia su carrera desempeñando cargos en la administración pública siendo asesor del Fondo de Operaciones y Descuento Bancario para la Vivienda (1966-1970) y de la Comisión de Desarrollo Urbano del Distrito Federal (1978-1981).
Se inicia en el funcionalismo-racionalismo y después cambia hacia una concepción integral del edificio como componente del espacio urbano.
Su estilo se reconoce como geométrico y además de los museos, juzgados y teatros, sus obras más conocidas son los edificios de viviendas de los años cincuenta y sesenta en los barrios de Polanco e Hipódromo Condesa.
Entre sus proyectos destacan
1979 el teatro de la ciudad de Tuxtla Gutiérrez de Chiapas,
1984 en Guanajuato, la sede central del Multibanco Mercantil de México (ciudad de México)
1985 el teatro de la ciudad de Aguascalientes
1987 la sala de usos múltiples en Celaya (Guanajuato)
1988 la remodelación de la Biblioteca Nacional de México en el parque de la Ciudadela.
En sus últimos años innova en materiales, como el cemento cincelado, el ladrillo de barro, los espacios y las luces. Parte de su labor profesional, tanto en México como en el extranjero, es colaborando con el mexicano Teodoro González de León con el que se asocia a principios de los sesenta y con el que realiza
Teodoro González de León
1974 el edificio INFONAVIT
1975 el Colegio de México
1981 el Museo de Arte Internacional Rufino Tamayo
1986-1988 cuatro edificios para BANAMEX
1994 la remodelación y ampliación del Conservatorio Nacional de Música.
Entre sus premios destacan
1982 el Premio Nacional de Ciencias y Artes en Bellas Artes
1989 el Gran Premio Latinoamericano en la Bienal de Arquitectura de Buenos Aires, Argentina
1991 la Medalla de Oro en la Bienal Mundial de Arquitectura en Sofía, Bulgaria
1994 la Mención de Honor Internacional en la Bienal Panamericana de Arquitectura de Quito, Ecuador. 2003 el 10 de abril fallece en Ciudad de México.
1066 es en otoño cuando Guillermo el conquistador -nieto de un curtidor- se hace con el trono de Inglaterra.
Sabemos lo que acontece por diversas fuentes escritas, pero de todas, la mejor es un relato figurado, un precedente del cómic e incluso del cine, el Tapiz de Bayeux.
Hace tiempo que los vikingos asolan las costas atlánticas.
Pero los normandos, arraigan en las tierras que saquean, creando, ya a principios del siglo X, en la orilla francesa del Canal de la Mancha, un condado dependiente del rey de Francia: Normandía.
Convertido al cristianismo, se erige en barrera de contención frente a sus parientes nórdicos, fortaleciendo su territorio, que un siglo más tarde se transforma en ducado y que ambiciona expandirse.
1035 la corona recae en un niño de apenas 7 u 8 años, Guillermo, llamado el Bastardo, único hijo varón del duque Roberto el Magnífico, producto de Herleva, concubina de humilde origen, hija de un curtidor.
Al otro lado del Canal se alzan las islas británicas que reciben invasiones de anglos, sajones y daneses.
A mediados del siglo XI el rey de Inglaterra es Eduardo el Confesor, quien concilia en su persona la compleja herencia de esos tres pueblos.
Su inquieto reinado pone de manifiesto una serie de tensiones que explotan en 1066, cuando muere sin heredero y tres candidatos aspiran a la herencia del trono, su cuñado inglés Harold Godwinson, su primo Guillermo de Normandía, y el rey de Noruega Harald Hardrada.
Tras el fallecimiento de Eduardo en enero de ese año, los nobles anglosajones –ya muy emparentados con estipes noruegas y danesas− nombran soberano a Harold, comenzando, como no podía ser de otra manera, las reclamaciones de los otros dos pretendientes, que pronto llegan con sus tropas a la isla.
El primero en hacerlo, en septiembre, es el noruego, que es derrotado y muerto por los anglosajones en la famosa batalla de Stamford Bridge.
Días después llega con su ejército el normando, que se enfrenta, derrota y mata a Harold en la no menos famosa batalla de Hastings, que tiene lugar el 14 de octubre.
Con su victoria, Guillermo, se convierte en rey de Inglaterra, el Conquistador.
El relato de lo que ocurre en el año 1064 y el día de la batalla de Hastings se cuenta en el Tapiz de Bayeux.
Un bordado del que se conservan 68,38 m de longitud y 0,5 m de anchura, en el que, sobre un lienzo de lino −conformado por 9 trozos cosidos−, se bordan escenas y textos con hilo de lana de diversos colores.
En su rica iconografía hay 1515 personajes, animales y objetos, organizando 58 escenas que, de forma cronológica y acompañadas por textos explicativos en latín, cuentan los acontecimientos que culminan en la conquista normanda de Inglaterra.
Se abre el tapiz con una imagen del rey Eduardo en su trono, para dar paso a un viaje realizado por Harold a Normandía, donde es apresado.
Llegada del duque Harold a Normandía
Liberado a instancias de Guillermo, acaba acompañando al duque de Normandía en una campaña contra los bretones, al final de la cual, el inglés es armado caballero, jurando sobre unas reliquias lealtad a Guillermo y que no le obstaculiza en su acceso al trono de Inglaterra.
El regreso de Harold a su país se produce poco antes de la muerte de Eduardo, que es enterrado en la recién construida abadía de Westminster, mientras que los nobles entregan a aquel la corona.
Enterado Guillermo de la situación −acusa de perjuro a Harold y avalado en ello por el papa− prepara la invasión, que es relatada con sumo detalle.
Obispos y grandes señores que proporcionaron naves a Guillermo para la invasión, así como el número de naves y de caballeros, Fuente: Brown 1988, p. 179Guillermo inicia los preparativos y ordena construir naves.
Desde cómo se construyen los barcos, la preparación de bastimentos y armas, cómo se realiza la travesía del Canal, los saqueos que los normandos perpetran ya en Inglaterra, la construcción de un castillo en Hastings y finalmente el desarrollo de la batalla.
Mora, la nave del duque Guillermo, futuro rey inglés
La lucha también es descrita de forma pormenorizada y con gran movimiento, destacando el episodio en el que corre el rumor de que Guillermo es abatido, levantándose entonces el duque la visera del casco para demostrar que sigue vivo e insuflar ánimos a su tropa.
Embarque en St. ValeryNavegación por el canal de la Mancha y primeras llegadas a Inglaterra.Desembarque en Pevensey (Inglaterra)
La escena 57 reproduce la muerte de Harold y el relato se interrumpe en la siguiente, la desbandada del ejército anglosajón.
Perdido el resto del tapiz, se desconoce cómo puede continuar y donde termina el relato, aunque cabe suponer que hay escenas de reparto de botín, culminando probablemente con la coronación de Guillermo como rey.
Este bordado es una crónica del momento, no solo de la militar, sino de las construcciones, herramientas, aperos y hasta modas personales, donde se aprecia la inclinación de los ingleses a llevar bigote y de los normandos a raparse la mitad posterior del cráneo.
El tapiz completo.
A pesar de la claridad de lo que cuenta, hay muchos debates abiertos sobre numerosas cuestiones, especialmente acerca de por qué, cuándo, quién y para dónde se hace.
La mayor parte de los autores que lo han estudiado sostienen que probablemente es confeccionado a instancias del obispo Odon de Bayeux, medio hermano de Guillermo y que aparece también retratado ahí en varias ocasiones, que casi con seguridad es hecho en el sur de Inglaterra y que su destino es contar al pueblo estos hechos y guardar la memoria de ellos, exponiéndose unos días al año en el interior de la catedral de Bayeux, como consta que se hacía todavía a finales de la Edad Media.
Verdaderamente es un canto a la gran hazaña de Guillermo, quien, por su origen, tiene muchas dificultades para consolidarse como duque en su propia tierra y que, quizás por ello y como hombre de su tiempo, tiene que ser valiente, decidido y despiadado.
El mismo obispo Odón lo sufre en carne propia poco después.
El blog de Ila Basmati 