Según las primeras investigaciones, el atacante se enfadó cuando le dijeron que el encuentro no iba a ser posible
A última hora de esta mañana, un turista lanzó violentamente contra el suelo dos bustos romanos expuestos en los Museos Vaticanos. Un guía turístico de nombre Giuliano le impidió que continuara derribando otras esculturas. Luego, el agresor intentó escapar y agentes de seguridad lo detuvieron. Inmediatamente fue puesto a disposición de la gendarmería vaticana.
La oficina de prensa de los Museos Vaticanos lo considera «el gesto de una persona trastornada». Se trata de un visitante de mediana edad procedente de EE.UU. y de origen egipcio. Según las primeras investigaciones, había solicitado ver al Papa y al recibir una respuesta negativa arrojó dos esculturas al suelo. No está claro cómo consiguió hacerlo, ya que teóricamente estaban anclados.
El Museo Chiaramonti, en el Vaticano.
El equipo de restauración de mármol del Museo asegura que los daños «no son significativos» y que ya está trabajando para repararlos.
En una fotografía publicada en Facebook por un guía turístico, se pueden ver dos bustos en el suelo con serios desperfectos. Uno presenta daños en la nariz y otro en la base. La imagen fue publicada también en el perfil de Instagram @vatiland, del guía turístico Erik Walters. Éste asegura que el hombre que aparece agachado a la izquierda es el autor de los desperfectos.
«El tipo arrodillado de la izquierda en una de las galerías de los Museos Vaticanos derribó dos bustos romanos de mármol de 2.000 años de antigüedad. Una imagen vale más que mil palabras», escribe.
Las esculturas pertenecen a la colección expuesta en el Museo Chiaramonti, dentro del complejo de los Museos Vaticanos. La colección reúne retratos romanos y tiene el apellido del Papa Pío VII. Surgió en 1806, después de que los museos tuvieran que ceder gran parte de sus obras a la Francia de Napoleón, cuando el entonces pontífice emprendió una campaña para adquirir nuevas piezas.
Lo curioso de esta galería es que Antonio Canova la dispuso en el siglo XIX siguiendo los criterios de Quatremère de Quincy, que, como recoge la guía general a la Ciudad del Vaticano, para criticar la expoliación de obras emprendida por Napoleón, recordó que «las obras de arte son comprensibles sólo si se conservan en su lugar original y pueden compararse con ejemplares de menor calidad».
3949600 Gypsy Encampment, Granada, Spain, c.1912-13 (oil on canvas) by Sargent, John Singer (1856-1925); 71.4×91.8 cm; Addison Gallery of American Art, Phillips Academy, Andover, MA, USA; Gift of an Anonymous Donor; American, out of copyright.
La infancia de expatriado nómada entrenó al pintor estadounidense John Singer Sargent (Florencia, 1856-Londres, 1925) para convertirse en un viajero incansable. España fue un destino que le sedujo especialmente.
Viajó siete veces al país entre 1879 y 1912. Recorrió la península Ibérica de punta a punta en una época en la que desplazarse no era tan sencillo.
Esos viajes, que incluyeron el estudio de la obra de Velázquez, Goya y El Greco, dejaron una profunda huella en su pintura.
La exposición Sargent y España, recién inaugurada en la National Gallery of Art de Washington, repasa como nunca hasta ahora esa fascinación.
Algunas de sus obras maestras, como El jaleo o Las hijas de Edward Darley Boit (también conocidas como Las meninas de Sargent), beben de la fuente de inspiración española.
Pomegranates, Majorca’ (1908), oil on canvas by John Singer Sargent
Sargent está considerado el mejor retratista estadounidense del entresiglo del XIX al XX.
La exposición organizada por la National Gallery of Art en colaboración con el Museo de Bellas Artes de San Francisco (adonde se desplazará luego) reúne 132 óleos acuarelas, dibujos y fotografías que recorren la relación del pintor con España.
Copias e interpretaciones de obras de grandes maestros españoles, escenas costumbristas, retratos, paisajes y motivos religiosos se mezclan en las salas del museo con algunos bocetos del artista y fotografías de la época.
Sargent y España examina, por primera vez, cómo Sargent se comprometió con ese país, en toda su diversidad, y lo representó en pinturas, dibujos y fotografías, señala Kaywin Feldman, directora de la National Gallery of Art, en el catálogo de la exposición, que estará en Washington hasta el 2 de enero de 2023.
Su profesor y mentor Carolus-Duran le dijo: ‘Ve a Madrid a estudiar a Velázquez, Velázquez y Velázquez’. Ese es el comienzo de la historia”, señaló este martes Sarah Cash, comisaria de la exposición junto a Richard Ormond y Elaine Kilmurray. Sargent se enamoró del baile y la música española y pintó también su arquitectura, sus jardines, sus paisajes, su cultura y su gente.
La visita se abre con la inmersión de Sargent en la pintura española. En la estela de su admirado Manet y de sus maestros, visitó el Museo del Prado y copió a tamaño reducido obras de Velázquez, Goya y El Greco.
En la muestra están presentes, entre otras, sus interpretaciones de Las Meninas, La fragua de Vulcano, Las hilanderas o La Trinidad.
Lástima que Las hijas de Edward Darley Boit, del Museo de Bellas Artes de Boston, no forme parte de la exposición.
En el Museo del Prado si se dieron cita hace unos años las meninas de uno y otro pintor.
En todo caso, la influencia velazqueña se aprecia con claridad en el diálogo que se establece en la sala entre su copia de Las Meninas y su Interior veneciano.
Sargent y España se sumerge luego en la música y la cultura popular española. Retratos de Carmen Dauset Moreno, La Carmencita, la composición El baile español y numerosos estudios y bocetos para El jaleo (la otra obra maestra que falta para que la exposición sea redonda) muestran cómo la música y el baile contagiaron a Sargent en sus viajes a Andalucía, aunque saque de esas visitas un retrato quizá algo tópico y romántico.
En aras de la corrección política, algunas obras se han retitulado para evitar la palabra gitano.
Así, por ejemplo, las bailaoras gitanas han pasado a ser romaníes (del título original Spanish Gypsy Dancer a Spanish Roma Dancer) y Campamento gitano es ahora Vivienda romaní española.
Las siguientes secciones son un viaje en el tiempo a la España de la época, que en parte ya no existe y en parte es aún la misma.
Sargent se recreó en la arquitectura de la Alhambra y el Generalife de Granada, en las fuentes de Aranjuez y La Granja, en la iglesia de Santa María La Blanca de Toledo o en las calles de Santiago de Compostela y Camprodón (Girona).
Pero también pintó los paisajes de Sierra Nevada, jardines, escenas costumbristas y retratos variados. Puso su caballete en un establo de Cuenca, en el hospital de Granada, ante la casa de una familia gitana o de grupos de soldados
La isla de Mallorca le cautivó especialmente. Pintó la catedral de Palma, paisajes de la isla, sus olivos, sus flores, sus calabazas y sus animales. La luz y el color de sus acuarelas de barcos de pescadores le acercan al Sorolla mediterráneo. Los árboles repletos de granadas, que en Mallorca pintó en óleos y acuarelas, los importó luego en la imponente serie de murales de El triunfo de la religión de la Biblioteca Pública de Boston.
Contemporáneo de Joaquín Sorolla (se dedicaron cuadros mutuamente), guarda con el español algunos paralelismos.
Fue como él un pintor de éxito en su época, luego fue algo menospreciado con la llegada de las vanguardias del siglo XX y reivindicado más tarde.
Ambos tuvieron el empeño de lograr una pintura moderna a partir de la tradición naturalista. Sargent fue un gran retratista de la burguesía estadounidense y europea, tal como demuestran algunas de sus obras maestras, como Madame X, conservada en el Metropolitano de Nueva York.
Sargent, un estadounidense que nunca se estableció en su país, pero que valoraba su ciudadanía americana, viajó una y otra vez a España a lo largo de tres décadas, primero como un artista joven, luego como un pintor consagrado y cotizado, mundano y cosmopolita, pero una y otra vez fascinado por el país, al que venía habitualmente desde Londres o París.
La exposición se cierra con una sección dedicada a sus obras de inspiración religiosa. Su imaginería emparenta esos bocetos al óleo, estudios y dibujos con los citados murales de El triunfo de la religión.
Aprovechando el tirón de la exposición se han organizado de la mano de la Embajada de España en Washington toda una serie de actividades culturales que incluyen conferencias, un ciclo de documentales, películas y un concierto que acercan a la capital estadounidense la cultura española que fascinó al pintor.
Sargent se enamoró de España, ha resumido el consejero cultural de la embajada, Miguel Albero.
Sargent and Spain está abierta desde el 3 de octubre de 2022 hasta el 2 de enero de 2023 en la National Gallery of Art de Washington y del 11 de febrero al 14 de mayo de 2023 en el Museo de Bellas Artes de San Francisco.
3949600 Gypsy Encampment, Granada, Spain, c.1912-13 (oil on canvas) by Sargent, John Singer (1856-1925); 71.4×91.8 cm; Addison Gallery of American Art, Phillips Academy, Andover, MA, USA; Gift of an Anonymous Donor; American, out of copyright.
The National Gallery of Art explores the Spanish footprint in the work of the renowned American painter who studied the great masters of the Prado Museum.
His childhood as a somewhat nomadic expatriate trained the American painter John Singer Sargent (Florence, 1856-London, 1925) to become a tireless traveler. Spain was a destination that especially seduced him. He traveled to the country seven times between 1879 and 1912 and explored it from end to end at a time when getting around was not easy. Those trips, which included the study of the work of the masters Velázquez, Goya and El Greco, left a deep mark on his own painting.
The exhibition Sargent and Spain, recently opened at the National Gallery of Art in Washington DC, traces this fascination with the Iberian peninsula by an artist who is considered the best society portraitist of the late 19th and early 20th centuries.
Some of his masterpieces, such as El Jaleo or The Daughters of Edward Darley Boit were clearly inspired by Spanish art. The latter painting is sometimes referred to as Sargent’s version of Velázquez’s masterpiece Las meninas, which hangs at the Prado Museum in Madrid
The exhibition organized by the National Gallery of Art in collaboration with the Fine Arts Museum in San Francisco (where it will travel later) brings together 132 oil paintings, watercolors, drawings and photographs that cover the painter’s relationship with Spain. The show includes copies and personal interpretations of works by great Spanish masters, everyday scenes, portraits, landscapes and religious subject matter, along with sketches by the artist and photographs of the era.
Pomegranates, Majorca’ (1908), oil on canvas by John Singer Sargent
“Sargent and Spain examines, for the first time, how Sargent engaged with that country in all its diversity, and represented it in paintings, drawings and photographs,” says Kaywin Feldman, director of the National Gallery of Art, in the catalog of the exhibition, which will be on view in Washington until January 2, 2023.
“His teacher and mentor Carolus-Duran told him: ‘Go to Madrid to study Velazquez, Velázquez and Velázquez.’ That is the beginning of the story,” said Sarah Cash, curator of the exhibition along with Richard Ormond and Elaine Kilmurray, on Tuesday. “Sargent fell in love with Spanish dance and music and also painted its architecture, its gardens, its landscapes, its culture and its people.”
The visit opens with Sargent’s immersion in Spanish painting. Emulating his admired Édouard Manet, he visited the Prado Museum and copied works by Velázquez, Goya and El Greco in reduced size. The exhibition includes, among others, his interpretations of Las Meninas, La fragua de Vulcano, Las hilanderas or La Trinidad. Unfortunately, The Daughters of Edward Darley Boit, on display at the Museum of Fine Arts, Boston, is not part of the exhibition. A few years ago, the meninas of both painters met at the Prado Museum. In any case, Velázquez’s influence is clearly appreciated in the dialogue established between his copy of Las Meninas and his Venetian Interior.
Sargent and Spain then dives into Spanish popular music and culture. Portraits of Carmen Dauset Moreno, La Carmencita, the composition The Spanish Dancer and numerous studies and sketches for El jaleo (the other missing masterpiece that would have made the exhibition truly complete) show how music and dance fascinated Sargent on his trips down south to Andalusia, although from those visits perhaps he drew a somewhat topical and romanticized portrait of the region. In the interest of political correctness, some works have been retitled: the original Spanish Gypsy Dancer has become Spanish Roma Dancer, and Gypsy Camp is now Spanish Roma housing.
‘White Ships’ (1908), watercolor over graphite by John Singer Sargent.
The exhibition offers a journey back to the Spain of the time, part of which no longer exists and part of which is still the same. Sargent rejoiced in the architecture of the Alhambra and the Generalife in Granada, in the fountains of the royal palaces of Aranjuez and La Granja, the church of Santa María La Blanca in Toledo and the streets of Santiago de Compostela (Galicia) and Camprodón (Girona). But he also painted the landscapes of Sierra Nevada, gardens, everyday scenes and a variety of portraits. He set up his easel inside a stable in Cuenca, in a hospital in Granada, in front of the house of a Roma family, and among groups of soldiers.
But it was the island of Mallorca that particularly captivated him. He painted the cathedral of Palma and captured the landscape with its olive trees, its flowers, its gourds and its animals. The light and color of his watercolors depicting fishing boats bring him close to the work of renowned Mediterranean artist Joaquín Sorolla. The trees full of pomegranates, which he painted in oils and watercolors in Mallorca, were later imported into the imposing series of murals The Triumph of Religion at the Boston Public Library.
A contemporary of Joaquin Sorolla (they dedicated paintings to one another), there were some parallels between the two: both were successful painters in their own time, both were later somewhat underestimated with the introduction of 20th-century avant-garde movements, and their work was later vindicated. Both were determined to achieve a modern style of painting based on the naturalist tradition. Sargent was a great portraitist of the American and European bourgeoisie, as evidenced by some of his masterpieces, such as Madame X, kept at the New York Metropolitan Museum of Art.
Sargent, an American who never settled in his country but who valued his US citizenship, traveled back and forth to Spain over three decades, usually from London or Paris. He first came as a young artist, then as an established and sought-after painter, worldly and cosmopolitan. The exhibition ends with a section dedicated to his work inspired by religion.
To make the most of the interest in Spain sparked by the exhibition, a series of cultural activities have been organized in collaboration with the Spanish Embassy in Washington, including conferences, a cycle of documentaries, films and a concert that highlight the culture that so fascinated the painter. “Sargent fell in love with Spain”, summarized the embassy’s cultural adviser, Miguel Albero.
Sargent and Spain is on view from October 3, 2022 to February 2, 2023 at the National Gallery of Art in Washington DC and from February 11 to May 14, 2023 at the Fine Arts Museum in San Francisco.
Washington, 7 oct (EFE).- Johannes Vermeer era considerado hasta ahora un artista que trabajaba en solitario. Una afirmación que la National Gallery of Art de Washington rebatió este viernes al revelar que Girl with a flute, atribuida al pintor neerlandés, fue creada en verdad por otra persona de su entorno.
‘Muchacha con sombrero rojo’, 1668, de Vermeer.
La falta de documentos que apuntaran a la existencia de un taller y de registros en el gremio sobre pupilos suyos habían llevado a esa conclusión prematura.
Obra ‘Vista de Delft’ de Johannes Vermeer.MAURITSHUIS, LA HAYA
Su reducida obra, de solo unos 35 cuadros reconocidos, contribuía también a que se viera improbable que tuviera estudiantes o asistentes.
‘La callejuela’, de Johannes Vermeer, conservada en el Rijksmuseum, en Ámsterdam, Países Bajos.RIJKSMUSEUM
Décadas de estudio llevaron a los expertos del museo estadounidense a afirmar que Girl with a flute (Muchacha con flauta) fue creada por alguien cercano a Vermeer (1632-1675): alguien que entendía su proceso de creación, pero que no llegó a dominarlo.
Obra ‘La lechera’, de Johannes Vermeer, conservada en el Rijksmuseum, Ámsterdam.RIJKSMUSEUM
No se sabe quién es el verdadero autor. Pudo haber sido un alumno o aprendiz, un amateur adinerado que le pagó para recibir lecciones o incluso un familiar del artista, conocido igualmente por obras como Girl with a pearl earring (1665-1667).
‘La joven de la perla’, de Vermeer, conservada en la Mauritshuis de La Haya, Países Bajos.MAURITSHUIS
Girl with a flute (1669) es uno de los cuatro cuadros de Vermeer o atribuidos a él que la National Gallery of Art tiene en sus manos, junto con Woman holding a balance (1664), A lady writing (1665) y Girl with the red hat (1666/1667).
A la izquierda, la ‘Muchacha leyendo una carta’, de Johannes Vermeer, pintada hacia 1657 y expuesta en la Gemäldegalerie Alte Meister de Dresde, antes de que se destapase el Cupido. A la derecha, el mismo cuadro con el Cupido parcialmente destapado.
Cuatro joyas que son una de las principales atracciones del museo, lo que hacía difícil retirarlas de la colección temporalmente para analizarlas en detalle. La pandemia brindó la ocasión perfecta para analizar esos cuadros con las últimas tecnologías y llegar a las conclusiones ahora reveladas en la exposición Vermeer’s secrets, abierta hasta el 8 de enero.
Aunque Girl with a flute había sido atribuido hasta ahora a Vermeer, había detalles cualitativos importantes que mantenían la duda sobre su autoría.
Las fracturas en la capa superior de la pintura reflejaban que esta se había secado antes que la anterior, provocando esas grietas y evidenciando que el pintor en cuestión no dominaba cómo iban a reaccionar los materiales.
El blanco usado se secó además con una textura rugosa, haciendo pensar igualmente que contenía demasiado óleo.
Algunos restos de cerdas del pincel muestran igualmente que ese autor desconocido dio brochazos bruscos o no controlaba bien sus instrumentos de trabajo.
Estos son errores que un pintor experimentado como Vermeer no habría cometido, recalcó este viernes en conferencia de prensa la comisaria y jefa del Departamento de Pintura del Norte de Europa, Marjorie Wieseman.
Una transición más brusca entre los colores, a diferencia de la sutileza de Girl with a red hat, su comparación más cercana, también confirmó las sospechas, mientras que el uso de pigmentos verdes en los tonos carne, algo habitual del neerlandés, subraya que conocía de cerca su trabajo.
La idea de que tenía a alguien aprendiendo de él y a su lado en el estudio nos da una visión de él mucho más amplia como artista, añadió Wieseman a EFE, para quien el descubrimiento de su museo abre nuevas posibilidades de estudio a la trayectoria del artista.
Teorías anteriores habían planteado que quizá Vermeer comenzó a pintar Girl with a flute y esa otra persona la acabó, pero los fallos detectados en las capas iniciales confirman de forma categórica a los expertos que no estuvo implicado de forma directa en ninguna parte del proceso.
La National Gallery of Art ha cambiado ya el cartel con el que lo expone. De atribuido a Vermeer a obra del estudio de Vermeer.
Vista del jardín de la Villa Medici, Roma’, de Velázquez, y ‘Vistas de casas en Delft (La callejuela)’, de Vermeer, este viernes en el Museo del Prado.ULY MARTÍN
Que todavía tengamos preguntas al respecto lo hace todavía mucho más excitante, dice la comisaria, que precisa que la modelo del mismo no está identificada pero que el objetivo del cuadro no era centrarse en la mujer, sino usarla como una figura a través de la cual estudiar el color y la composición.
Retablo de los Gozos de santa María Jorge Inglés Óleo sobre tabla, 497 x 463 cm doc. 1455 Museo Nacional del Prado. Depósito de Almudena de Arteaga y del Alcázar, XX duquesa del Infantado, e Iván de Arteaga y del Alcázar, XV marqués de Ariza
Íñigo López de Mendoza y de la Vega, marqués de Santillana, (Carrion de los Condes, 19 de agosto de 1398- Guadalajara 25 de marzo de 1458) es el I marques de Santillana, I conde del Real de Manzanares, XI señor de Mendoza, III Señor de Hita y III Señor de Buitrago, además de militar y poeta español del Prerrenacimiento.
Detalle del Retablo de los Gozos de santa María de Jorge Inglés.
El Marqués de Santillana es figura excepcional de su tiempo, poeta y caballero de gran influencia y promotor del arte.
Detalle del Retablo de los Gozos de santa María de Jorge Inglés.
El Museo del Prado y la Biblioteca Nacional se proponen reivindicar esta faceta menos conocida con la exposición Imágenes y letras.
La muestra ilustra el innovador universo estético del Marqués de Santillana (1398-1458) en una exposición con doble sede -la Biblioteca Nacional y el Prado- que abre hoy sus puertas hasta enero de 2023.
Platón, Fedón Maestro del Paulo Diácono (iluminador) 26 x 20,4 x 3,7 cm Castilla, h. 1450-55 Madrid, Biblioteca Nacional de España
Íñigo López de Mendoza y de la Vega, más conocido como el Marqués de Santillana, está considerado como uno de los grandes promotores del arte en la España del siglo XV, una persona con un cosmopolitismo inusitado para no haber viajado apenas fuera de España, según Joan Molina Figuera, jefe del departamento del Pintura Gótica Española del museo y comisario de la muestra.
San Jorge y el dragón Jorge Inglés Óleo sobre tabla, 169 x 57 cm doc. 1455 Nueva York, The Leiden Collection
La exposición reúne las mejores ediciones de su biblioteca y una selección de obras que encargó pintar a Jorge Inglés como San Jorge y el Dragón y el retablo Los Gozos de Santa María.
El libro en mano de estos humanistas era más que la información que contenía -, era un poderoso artefacto para crear alianzas, ser objeto de regalo y ayudaba a crear relaciones con otros nobles. Eran como coches Ferrari o yates.
El retablo con el retrato más famoso del Marqués de Santillana, guerrero, poeta, hombre de fe y cultura
La exposición cuenta con catorce de esos Ferrari una quincena e manuscritos iluminados que ponen de manifiesto los innovadores gustos del noble español, que van desde la aceptación de las propuestas del realismo flamenco hasta las renovadoras decoraciones renacentistas que comenzaban a surgir en Italia.
En la pared del recinto donde don Iñigo arrodillado ora, cuelga una cartela en pergamino con los siguientes versos, que el propio marqués compuso en honor a la Virgen, la Mujer vestida del Sol de Apocalipsis con corona de doce estrellas: Por los quales gozos doze donzella del sol vestida e por tu gloria infinida faz tu, señora, que goze de los gozos e plazeres otorgados a los bien aventurados bendita entre las mugeres.
Tres cuadros que no se muestran desde hace años al público forman parte de Imágenes y letras, todas ellas de Jorge Inglés, uno de los pintores de cabecera del noble.
Retablo de los Gozos de Santa María, llamado también Altar de los Ángeles o del Marqués de Santillana. Lo colocó en el hospital que mandó hacer en Buitrago de Lozoya. Se considera la primera pintura hispanoflamenca castellana documentada. Su descendiente, el XIX Duque del Infantado, Íñigo de Arteaga y Martín, la depositó temporalmente en el Museo del Prado, y es la pieza central de esta exposición.
La más destacada de sus obras es San Jorge y el Dragón, adquirida por la Leiden Collection de Nueva York -la colección privada con más Rembrandt del mundo-, que no visita España desde hace varios siglos y que permanecerá dos años depositada en la pinacoteca.
El Museo del Prado cuenta con otra obra de este pintor incluido en la muestra, el retablo de Los Gozos de Santa María, una pieza excepcional en la que aparece el propio marqués y sus textos, y que está depositada en el museo desde 2011 por Íñigo de Arteaga y Martín, XIX Duque del Infantado.
La muestra, de pequeño formato y reducida a una sala en el Museo del Prado, cuenta con otro apartado en la Biblioteca Nacional, lugar en el que residen una gran parte de las ediciones conservadas de la biblioteca del noble castellano.
La Biblioteca Nacional expondrá once de los manuscritos más notables de su biblioteca, entre ellas la del sabio judeoespañol Maimónides, la Grande e General Estoria de Alfonso X el Sabio o la Historia Gothica de Rodrigo Jiménez de Rada, el Toledano.
Destaca la importancia de Málaga en la vida y obra de Picasso en una nueva museografía
El Museo Casa Natal Picasso ha presentado este martes una nueva museografía que subraya la importancia de Málaga en la raíz de la personalidad y la obra de Picasso.
Así, y tras acometer una serie de reformas que han supuesto la intervención más importante en estas instalaciones desde su reinauguración en 1998, se han reacondicionado las distintas salas dedicadas a la obra del artista malagueño.
Esta renovación ha incluido el cambio de ascensor y del sistema de climatización del edificio.
El recorrido comienza en la sala 1 de la planta baja que, con el título Pablo, crecer en el taller, recuerda la formación artística de Picasso desde niño bajo la orientación de su padre, José Ruiz Blasco, profesor de dibujo en la Escuela de Bellas Artes de Málaga, y en contacto con los pintores de su círculo cercano.
Se muestran obras originales de Denis Belgrano, Emilio Ocón y Joaquín Martínez de la Vega, como piezas de escayola y fotografías procedentes de la Escuela, grabados de Picasso que guardan relación con las mismas y un retrato al óleo de José Ruiz, firmado por José Ponce Puente.
Las salas 2 y 3 son una inmersión en el universo picassiano a través de la relación con la modelo y el desnudo femenino.
Se exponen dibujos originales pertenecientes al cuaderno número 7 de bocetos para Las señoritas de Aviñón, el único existente en España de los 16 que dedicó el artista a estudios preparatorios de esta obra.
Por su parte, las intervenciones que se han realizado en el vestíbulo buscan atraer la atención por el contraste de color entre el interior y la fachada.
En esta zona hay diversos textos y fotografías, entre las que destacan las firmadas por Juan Gyenes.
Las primeras salas de la primera planta evocan el entorno familiar y vital de los años de Picasso en Málaga.
En la sala 4 pueden contemplarse sus fotografías de niño y las de sus padres, algunos objetos familiares, una sucinta genealogía y los retratos que Picasso les hizo en un cuaderno facsímil de dibujos de 1895.
SALAS 5, 6 y 7 La sala cinco, con balcones a la Plaza de la Merced, correspondería al salón principal de la casa.
Adornan sus paredes una colección de óleos que en su mayor parte pertenecieron originalmente a la familia de Picasso, incluyendo algunos dedicados a su padre.
La estancia, amueblada con piezas del siglo XIX, acoge además el busto de una virgen Dolorosa.
Al acceder a la sala seis, el visitante encuentra la reproducción a gran escala de una firma autógrafa del artista, Picasso de Málaga, que reafirma su identidad de origen y da nombre al espacio.
Mediante una cronología ilustrada, se explican las diversas estancias en esta ciudad, desde su nacimiento hasta sus últimos días en 1901.
En una vitrina se muestra un facsímil de su acta de bautismo y se conservan prendas y otros objetos personales de su infancia, como una camisa de bebé, su fajín umbilical o uno de los zapatos con los que aprendió a andar.
En la sala siete se muestran óleos de José Ruiz Blasco y grabados de Picasso sobre la paloma de la paz, así como fragmentos de películas documentales en las que se ve al artista asistir a los congresos pacifistas.
MEDITERRÁNEO Y PALOMAS Las palomas han sido un tema recurrente en la obra del artista malagueño, y alcanzó una dimensión universal al convertirse en símbolo de la paz.
El escritor Louis Aragon eligió la litografía de una paloma blanca para el cartel del Congreso de la Paz de París de 1949 y la imagen tuvo un éxito popular enorme, que el artista acogió con entusiasmo, multiplicando sus variantes en años sucesivos.
En noviembre de 1950, en el Congreso Mundial por la Paz celebrado en Sheffield (Inglaterra), Picasso dio un pequeño discurso en el que explicó cómo había aprendido a pintar palomas gracias a su padre.
La sala ocho, dedicada al Mediterráneo en Picasso, tiene la reproducción de un pequeño óleo, realizado en Málaga entre 1888 y 1890.
Picasso contó a su hija Maya que hizo esta obra a escondidas, con pintura cogida de la paleta de su padre.
Picasso se acercó por primera vez a la Antigüedad mediterránea en 1906, cuando realizó desnudos que recordaban a la escultura arcaica griega, y volvió a ella en 1917, cuando visitó Pompeya en compañía de los ballets rusos, para quienes preparaba decorados, telones y vestuarios.
SALA 9: EL TORO Otro de los elementos que Picasso debe a su padre es la afición a la fiesta de los toros.
El deslumbramiento que le produjo puede adivinarse en sus primeras obras infantiles con escenas taurinas, como el pequeño óleo sobre madera El picador amarillo (1889-1890).
Su pasión por este espectáculo se refleja en una enorme producción poblada de toros y caballos, picadores y toreros.
A veces trató el tema como un placer estético, pero en otras muestra una lucha a vida o muerte que trasluce desgarros interiores, un enfrentamiento primordial que llega hasta el Guernica.
Por eso, en la sala 9 se exponen cerámicas y grabados con tema taurino, siendo especialmente destacable la serie El toro, un hito en la producción litográfica de Picasso en la que asistimos a la depuración absoluta de la figura del animal.
La dificultad de reunir todas las piezas, junto a su valor emblemático, hacen de ella una de las series claves de la colección de litografías del Museo Casa Natal.
Tras la Guerra Civil, Picasso se juró no volver a España mientras continuara la dictadura franquista.
Las corridas de toros del sur de Francia fueron desde entonces su mayor ligazón con el país perdido, el país de la juventud y de la infancia.
Junto a las obras, un código QR permite oír la única entrevista grabada a Picasso en español, en la que habla de su nostalgia por España.
MUERTE Cuando el 8 de abril de 1973 falleció el pintor, Eugenio Arias, amigo suyo, acicaló su cuerpo y lo arropó en una capa española.
En la última estancia del Museo, el visitante puede apreciar una réplica exacta de esta prenda con la que Picasso fue enterrado.
La despedida del recorrido llega con un retrato del malagueño firmado por Juan Gyenes, cuya colección de fotografías sobre el pintor forma parte de la colección del Museo Casa Natal, y dos citas de Rafael Alberti y Mercedes Guillén.
Alberti, el gran poeta gaditano, mantuvo una estrecha amistad con Picasso en los años 60.
Guillén, una intelectual en el exilio, halló la protección del artista en el duro París de 1939 y contó siempre con su amistad.
Sus palabras dan voz al sentimiento de comunión del artista con su Málaga natal, que el Museo desea transmitir con fuerzas renovadas en este nuevo montaje expositivo.
Roma se estableció gradualmente y creció durante cientos de años, extendiéndose desde Gran Bretaña hasta Egipto.
Tampoco colapsó en poco tiempo, por supuesto, pero es probable que su división sea del 395 d.C
¿Por qué el Imperio Romano se dividió en el de Occidente y el de Oriente?
Su gran tamaño influyó (dificultaba el gobierno), pero otros factores como la inestabilidad política y social, las revueltas o las incursiones también afectaron.
De una manera más explicativa, pues hablar de un imperio demasiado grande sería pecar de excesiva sencillez, podríamos decir que el tamaño sí creo numerosos desafíos.
El Imperio Romano fue el estado más grande que Eurasia occidental jamás haya visto y, aunque parece grande en el mapa, en la práctica era aún más grande debido a las velocidades de comunicación
Según informan en Live Science el Imperio Romano fue el estado más grande que Eurasia occidental jamás haya visto y, aunque parece grande en el mapa, en la práctica era aún más grande debido a las velocidades de comunicación.
Por tierra, era posible viajar unos 32 kilómetros por día (ahora podemos recorrer unos 600).
Dado que la medida real de la distancia es el tiempo que le toma a una persona cubrir el terreno, el Imperio era, a todos los efectos, 20 veces más grande de lo que nos parece hoy.
Pero el tamaño no fue el único factor en dicha división, ni la explicación total, pues ya era así en el siglo I d.C (y esperó hasta el siglo IV para fragmentarse).
Otros dos factores pudieron agravar el problema: el ascenso de Persia al estatus de superpotencia en el siglo III d.C, lo que significaba que Roma tenía que tener un emperador en algún lugar cercano a la frontera persa, por un lado.
Por otro, el hecho de que en el siglo IV, la definición de ‘romano’ cambiase para abarcar a las élites provinciales desde Escocia hasta Irak.
Muchos ‘romanos’, dada la escala del Imperio, tenían poca o ninguna afiliación con la propia ciudad de Roma.
Se pensó que dividir el imperio facilitaría la supervisión de estas diversas regiones y culturas, muy a menudo diferentes.
El tamaño fue un factor fundamental para la división, y también el ascenso de Persia al estatus de superpotencia en el siglo III d.C
La división, además, no se produjo en un momento determinado, aunque la fecha más común sea el 395 con la muerte de Teodosio I (y la sucesión de sus hijos Arcadio y Honorio, quienes se convirtieron en gobernantes de las dos zonas).
Sin embargo, el principio del gobierno colegiado (con más de un emperador) había sido parte del marco del gobierno imperial durante más de un siglo.
Diocleciano estableció una tetrarquía o gobierno de cuatro entre dos emperadores mayores, o augusto, y dos gobernantes menores, o césares.
La tetrarquía se vino abajo después de la abdicación de Diocleciano y se reunificó con Constantino I, pero se dividió nuevamente tras su muerte, dividiéndose entre tres de sus hijos.
Pero entonces, si el imperio se dividió mucho antes del 395, ¿por qué los historiadores señalan ese año como el momento en que el imperio se dividió en dos? La explicación más lógica es que, tras ese año, la división se ve más austera en retrospectiva.
Quizá hubo un énfasis excesivo en la unidad del imperio antes del 395, pero lo cierto es que Teodosio I no fue el último gobernante de un imperio unido, pues casi siempre gobernó junto con otra persona, por lo que existía ya una escisión.
¿Cómo era la relación entre los dos estados?
La división se hizo porque era necesaria, pero también generaba tensión y fue difícil mantener buenas relaciones.
El ideal era que las dos partes gobernaran en armonía, pero no fue así del todo.
Por ejemplo, a menudo ocurría que Oriente y Occidente se negaban a reconocer a los cónsules designados en el otro.
La división se hizo porque era necesaria, pero también generaba tensión y fue difícil mantener buenas relaciones. El ideal era que las dos partes gobernaran en armonía, pero no fue así
El Imperio Occidental finalmente se derrumbó en el año 476 d. C., cuando Odoacro, un líder germánico al que a menudo se hace referencia como el primer «rey bárbaro» de Italia— se rebeló y derrocó al emperador Rómulo Augústulo.
Este es ampliamente considerado como el punto final del Imperio Romano Occidental. El Imperio Romano de Oriente, también conocido como Imperio Bizantino, sobrevivió hasta 1453, aunque muchos historiadores no consideran que esto sea parte del verdadero Imperio Romano, sino un sucesor más.
Dvd 1124 Barcelona, 13/09/2022
Oswald Aulestia (en su estudio en el barrio de Gràcia). El pintor catalán fue perseguido por el FBI por ser el mayor falsificador de la historia.
Filmin presentará el 30 de septiembre ‘El falsificador’, una película documental y una serie de tres episodios, dirigidas por Kike Maíllo. Foto: Gianluca Battista
Pa Tou, un labrador entrado en años, recibe zalamero al visitante en la casa-estudio de Oswald Aulestia un moderno y acogedor loft en el barrio de Gràcia de Barcelona.
Dvd 1124 Barcelona, 13/09/2022
Oswald Aulestia fue perseguido por el FBI por ser el mayor falsificador de la historia.
En la imagen, detalles de su taller. Foto: Gianluca Battista
Aquí está una pequeñísima parte de la obra de este pintor catalán: la suya, la que lleva su firma, la que no ha copiado.
Oswald Aulestia, en un fotograma del documental sobre su vida.FILMIN
Son láminas de reminiscencia pop y vibrantes colores que atrapan la mirada y que Aulestia, a sus 76 años, dibuja en su escritorio y luego compone en el ordenador con ayuda de un informático.
Oswald Aulestia, explicando sus historias en una escena de ’El falsificador’ /FILMIN
El grueso de su obra pictórica, sin embargo, está… en cualquier parte del mundo. Sobre todo, en Estados Unidos: considerado uno de los mayores falsificadores de arte de la historia —por la ingente cantidad de copias que hizo, especialmente de Miró y Tàpies—, Aulestia protagoniza el documental de Filmin El falsificador, que narra la peripecia vital de un hombre sin duda singular, excesivo y canalla.
Oswald Aulestia y Kike Maíllo en el filme
Es difícil decir dónde acaba el hombre y dónde empieza el personaje porque, tal vez, ambos se fusionaron hace ya demasiado tiempo.
La policía llegó a incautar 15.000 obras realizadas por Oswald. Foto Filmin
Dirigido por Kike Maíllo, el documental, que se estrena este viernes en la plataforma, exhibe una vida llevada al límite que transcurre entre Barcelona, Venecia y Miami. Aulestia necesita mucho dinero para gastárselo en fiestas y banquetes y hace de la falsificación a gran escala su modo de vida, hasta convertirse en objetivo prioritario del FBI.
En 2019 —cuando Maíllo lleva ya tiempo frecuentando su compañía y grabando entrevistas con él—, la orden de detención se activa y es extraditado a Estados Unidos, donde acepta una condena de casi un año de cárcel.
Su experiencia entre rejas, cuenta, va a cambiar su percepción de las cosas, o tal vez no tanto, y en esa calculada ambigüedad (Sigo siendo un pirata, proclama ante la cámara) radica parte del encanto de un trabajo que explora con sutileza algunas preguntas de siempre: ¿qué es la verdad?, ¿existe el cambio?, ¿qué mueve a un artista?
En su estudio de Gràcia, donde luce una gorra que es una de sus señas de identidad (junto a una voz ronca y cavernosa y un bigote de general prusiano), Aulestia asegura que va a hablar con total sinceridad, pero advierte de que tal vez no deba creerse todo lo que dice.
No renuncia a copiar la obra de un pintor célebre si alguien le ofrece un millón de euros, aunque insiste en que ya no le interesa el dinero, sino que se reconozca su obra. Y para eso, admite, hay que hacer ruido. Mucho ruido.
Pregunta. ¿Por qué participa en este documental?
Respuesta. Porque la mierda vende.
Dvd 1124 Barcelona, 13/09/2022
Oswald Aulestia fue perseguido por el FBI por ser el mayor falsificador de la historia.
En la imagen, detalles de su taller. Foto: Gianluca Battista
P. ¿Y qué quiere vender?
R. Quiero que no sea tan difícil vender un cuadro.
P. Cuando se estrene el documental en Filmin y la serie de tres capítulos en TVE y TV3 habrá más “ruido”. Tal vez ahora sea el momento de comprar…
R. [Ríe] Bueno, ya vas tarde. Desde que volví de Estados Unidos en 2020 y mi caso empezó a interesar, mis obras se venden 15 veces más caras que antes.
P. ¿Ha tenido que venderse, vender su historia, para que su obra sea reconocida?
R. No tendría que responderte, porque demuestro que soy una mierda de tío. Pero sí.
P. Todos estos cuadros suyos, los originales, digo… ¿Qué son para usted?
R. Una masturbación. Pinto cada día y es un placer. Y uso las herramientas actuales, que son de una riqueza impensable. Ahora solo tengo dos placeres: el peludo [mira al perro] y pintar.
P. A su edad, ¿sigue necesitando dinero para juergas?
R. No, solo busco reconocimiento. Pero quizá es porque en estos momentos tengo dinero: ahora marchantes, galeristas, privados y coleccionistas me van detrás, quieren comprar los cuadros.
Solo busco reconocimiento. Pero quizá es porque en estos momentos tengo dinero: ahora marchantes, galeristas, privados y coleccionistas me van detrás, quieren comprar los cuadros
P. Cuenta que los cuatro meses que pasó en una celda de aislamiento en el estado de Illinois le cambiaron, le hicieron fuerte.
R. Por primera vez en mi vida aprendí algo: que la felicidad y la verdad dependen de uno mismo. Aprendí a conocerme a mí mismo. Entré siendo arena y me convertí en roca. Es el único Oswald que vale la pena.
P. ¿No se hundió?
R. Antes de que me extraditaran a Estados Unidos, estaba en la ruina y deprimido, muy jodido. Me había divorciado, estuve dos años dando tumbos porque la policía me buscaba… Y en la celda descubrí el gran secreto: no pensar. Todos nuestros problemas vienen del pensamiento. ¿Tú sabes lo que es dejar la mente en blanco? Es como un orgasmo, se te queda cara de tonto.
P. Aceptó una condena por falsificar obras de otros artistas. ¿Cree que es el mayor falsificador de la historia del arte, tal como se le está bautizando?
R. Dicen que fui un gran falsificador, el Maradona de los pinceles, que museos y casas de subastas están llenos de mis copias… Yo no digo si es verdad o es mentira. Pero nadie me ha denunciado por estafa.
Dvd 1124 Barcelona, 13/09/2022
Oswald Aulestia fue perseguido por el FBI por ser el mayor falsificador de la historia.
En la imagen, detalles de su taller. Foto: Gianluca Battista
P. En el documental usted mismo explica que eso es porque si el comprador le denuncia, admite que tiene en su poder un cuadro falso y su precio, automáticamente, baja.
R. Si lo digo en el documental, entonces me callo.
P. En una falsificación, ¿es más importante reproducir bien el dibujo, la firma…?
R. La firma es cosa de niños. Mi padre, que también era artista, decía que lo que contaba era la impronta, el trazo, y algo de razón tenía. Has de meterte en la personalidad del pintor. Si haces algo, aunque sea falsificar, has de hacerlo bien.
Fue una época encantadora: sexo, drogas y rock and roll. ¡Me lo ha pasado tan bien! Teníamos una bolsa dentro del piano del apartamento
P. La falsificación le permitió llevar una vida de lujos y excesos. Cuénteme.
R. En Italia, donde llegué con 20 años con mi padre, vi que todo existía en a y en b, el original y la copia. Y vi que la copia era una fuente de ingresos. He hecho cosas que no salen en el documental… Cuando volví a Barcelona, me dediqué al vídeo. ¡Hice millones!
P. También dice que frecuentó a estrellas del cine y la música en su etapa en Miami.
R. Fue una época encantadora: sexo, drogas y rock and roll. ¡Me lo he pasado tan bien! Teníamos una bolsa dentro del piano del apartamento. Cada noche cogíamos 10.000 dólares y volvíamos sin nada. ¡Iba con guardaespaldas!
P. ¿Por qué?
R. Porque es un placer, una experiencia única. Te da un rollo que no te puedes imaginar. Cuando llegas al restaurante, a la discoteca… La gente te mira como si fueras importante. Para mantener ese nivel de vida, necesitaba ganar mucho dinero.
P. ¿Ha sido feliz?
R. Es que he vivido una película. Durante muchos años. Ahora el sexo no me importa, las drogas… por el amor de Dios, ya han pasado, y tampoco tengo edad para el rock and roll.
P. No parece que el arte haya sido una prioridad para usted. Con tanta resaca, debía de ser difícil pintar…
R. Las juergas duraban dos días, al menos. Luego dormía 24 horas y pasaba dos días tomando sopa de cebolla. Entonces dibujaba, pintaba y hacía ejercicio. Hasta la siguiente juerga.
He cambiado la perspectiva. Antes vivía para la dolce vita. Ahora, para conocerme un poco mejor
P. ¿Y qué espera ahora?
R. He cambiado la perspectiva. Antes vivía para la dolce vita. Ahora, para conocerme un poco mejor. En Delfos, en el santuario, había un escrito en la puerta que decía: “Conócete a ti mismo”.
P. Sí, y otro que rezaba: “Nada en exceso”
R. [Ríe] Sí, y me parece muy bien, pero no es para mí.
P. En el documental sobrevuela la idea de cambio, de redención. ¿Lo ha experimentado?
R. El cambio no existe. Es una gran mentira. La naturaleza de todos nosotros es la que es. Existe la capacidad de aceptarte. Es verdad que he intentado ser menos burro, menos ignorante y más humilde. Pero a una coliflor no le puedes pedir que sea una escarola. Oswald es Oswald.
Autorretrato de Mucha en su estudio de Bohemia, trabajando en un cuadro de su serie ‘La épica eslava’.
El gran cartelista del art nouveau, pero también bohemio, místico y filósofo
Bières de la Meuse’ (1897)
Una exposición en la Galería Nacional de Praga exhibe la colección de la familia del creador para delimitar mejor su figura y sacar a luz facetas normalmente ignoradas.
Autorretrato de Mucha en su estudio de París, de 1892. El artista checo está considerado como uno de los creadores del ‘art nouveau’.
Es uno de los primeros exponentes del art nouveau en el París modernista, donde la cultura y el progreso florecen, y aunque su trabajo más conocido sea en forma de carteles (que muchas veces ocupan, aún hoy en día, las paredes de teterías con ínfulas bohemias o pisos de estudiantes), su obra incluye grandes lienzos, esculturas o diseños.
Más allá del artista, se esconde la figura de un místico, masón, y un hombre con preocupaciones filosóficas.
Jarra del año 1900, un ejemplo del polifacético Mucha, que desarrolló una considerable labor como artista decorativo.
En su faceta política defiende la libertad de los checos frente al dominio de los Habsburgo y, en sus últimos trabajos, como la Épica eslava, sueña con una unión de todos los pueblos eslavos por el progreso de la especie humana.
Una exposición en la antigua caballeriza del castillo de Praga (actualmente parte de la Galería Nacional) reúne más de 200 piezas de la colección de la familia de Alphonse Mucha (Ivančice, Moravia, 1860-Praga, 1939) para delimitar mejor su figura.
John Mucha, presidente de la fundacion Mucha.
Dice John Mucha, nieto del artista y presidente de la fundación:
El objetivo de la exposición es mostrar las obras de mi abuelo y cumplir uno de los objetivos de la Fundación Mucha: dinamitar la idea de que era un simple afichista, porque era mucho más. Queremos celebrar su posición como checo, europeo y ciudadano del mundo. Y mostrar que era un gran pintor, sí, pero también un filósofo
En ocasiones, Mucha es acusado de publicista superficial, de practicante de meras artes decorativas o exponente del mal gusto doméstico.
Una caricatura de un modernismo anquilosado antes de la explosión de las vanguardias.
En la muestra se pueden ver las obras de Mucha, póster o lienzo, retratos de la familia realizados por el propio artista, fotografías, escritos e incluso joyas familiares diseñadas por Alphonse.
Litografía de 1927. Una de las características del arte de Mucha es la plasmación de su identidad checa y eslava, además del amor por la familia y por su tierra de origen.
Su fama explota en el París fin-de-siècle, donde Mucha se había mudado para buscarse la vida, atraído por la rutilante capital de la cultura de la época y donde trabó amistad con figuras como el pintor Paul Gauguin o el escritor August Strindber, parte de una comunidad bohemia que se reunía alrededor de la crepería de Madame Charlotte. Dice John Mucha:
Era la primera vez que el arte no estaba reservado para ricos y aristócratas, sino que se encontraba en posteres por las paredes.
Autorretrato, con doble exposición, en torno al año 1905
En París, los carteles, como forma que mezclaba la publicidad y la expresión artística, habían tomado buena parte del espacio público generando una nueva cultura visual, pero a la célebre actriz Sarah Bernard no le gustaban los diseños para los anuncios de su nueva obra Gismonda.
Así que el impresor Lemercier, desesperado, llamó a Mucha porque todos los ilustradores estaban fuera por Navidad.Explica el nieto:
Cuando el impresor vio el trabajo de mi abuelo, se quedó en shock, su trabajo se hizo tan famoso que en Francia el art nouveau se llamó estilo Mucha antes de la creación del término.
La luz de la esperanza’, óleo de 1933. Mucha tuvo un gran contacto con España. Viajó por todo el país durante tres meses para ilustrar una historia de España que le encargó uno de los editores más importantes de París.
Un estilo muy elegante que combinaba lánguidas y finas figuras femeninas de aires mitológicos, la inspiración de la naturaleza y de la mezcla de culturas (celta, japonesa, gótica, griega…), la composición armoniosa o los apagados colores pastel.
Litografía para la marca de champán Moët & Chandon (1899). La estancia de Mucha en España fue entre abril y finales de junio de 1898.
Se usó para anunciar no solo obras teatrales, sino también papel de fumar, licores, cervezas, champán, galletas y hasta bicicletas. Mucha fue empleado por el impresor Champenois, que le contrató con un sueldo fijo mensual que le proporcionó la estabilidad que ansiaba.
El artista se convirtió en una gran celebridad y su estética, que también fue la del art nouveau, se difundió mediante eventos de alcance mundial como la Exposicion Universal de parís de 1900.
Su fama fue equiparable a sumar a los Rolling Stones y los Beatles en los años 60.
Así se demostró en los titulares y el recibimiento que encontró a su llegada a los Estados Unidos, donde enseñó de forma regular en el Instituto de Arte de Chicago, realizó multitud de pósteres y trabajó para otras actrices célebres del otro lado del charco, como Leslie Carter y Maude Adams.
En la Checoslovaquia comunista se generó la idea de que Mucha era decadente, burgués, sin ningún valor.
El hijo de Alphonse y padre de John, Jiří Mucha, fue encarcelado tras ser acusado de espionaje (según su hijo, falsamente), pero la familia consiguió mantener el legado y reunir más obras en manos de otros coleccionistas.
Explica el presidente de la fundación, cuya vida laboral sucedió en la banca internacional londinense:
Donde hemos podido comprar obras, las hemos comprado, y gastamos una fortuna en la conservación
El interés por Mucha creció en el Reino Unido de los sesenta, con la vuelta del art nouveau, la llegada del flower power y una gran exposición en el Victoria and Albert Museum de Londres, y acabaría influenciando a corrientes como el pop, el cómic o el manga japonés.
Fue cuando el hijo de Mucha pudo empezar a organizar muestras por todo el mundo y crear la fundación.
La amistad con Strindberg, en sus primeros compases en el París bohemio de los artistas y poetas, fue la que introdujo a Mucha en el mundo de lo místico, pues el escritor sueco estaba interesado en las facetas ocultistas de la teosofía, una especie de religión esotérica, sincrética y alucinada creada en el XIX por madame Blavatsky, que gozaba de amplio predicamento (a finales del XIX las sesiones de espiritismo eran divertimento común para parte de la burguesía).
Las conversaciones con Strindberg le inspiraron la noción de las fuerzas misteriosas que guían las vidas de las personas, y que aparecen en algunas de sus obras. Dice el nieto:
El misticismo fue muy importante para él y hay numerosas fotografías donde se aprecia la cantidad de temas místicos en los que estaba involucrado y sobre los que diseñó eso le llevó a convertirse en masón.
1898 Mucha ingresa en la logia masónica del Gran Oriente francés y se empapa de sus creencias e intrincados y visuales rituales.
El artista llega a la conclusión de que en la especie humana se radicaban tres virtudes: la belleza, la verdad y el amor.
A su regreso a casa, tras la formación de Checoslovaquia en 1918, Mucha no solo diseñó algunos de los primeros sellos y billetes del nuevo Estado, sino que contribuyó al asentamiento de la masonería en aquel país, donde había sido perseguida por los Habsburgo, y colaboró a la causa con multitud de ilustraciones y diseños.
Parte de la obra espiritual de Mucha se puede ver en el libro ilustrado Le Pater, publicado en 1899 y considerado una obra maestra del simbolismo.
Con la que consideraba su obra definitiva, la serie de 20 grandes lienzos llamada Epica Eslava, Mucha aspiraba a unir espiritualmente a los pueblos eslavos y quería poner de relieve al arte como forma de diseminar ideas filosóficas, y como motor de progreso, paz y hermandad.
Uno de sus grandes proyectos finales de corte filosófico, iniciado en 1936, cuando se acercaba la Segunda Guerra Mundial, fue la idea de un gran monumento para la humanidad, un tríptico que incluía La Era de la Razón, La Era de la Sabiduría y La Era del Amor, y que nunca fue más allá de los bocetos preliminares.
Dice el presidente de la fundación:
Era la última destilación de su filosofía artística, de aquello que quería expresar
Razón, sabiduría y amor: los tres atributos principales que Mucha veía en el ser humano.
La historia del siglo XX, plagada de guerras que implicaban a los pueblos eslavos, le llevó la contraria: su querida Checoslovaquia, cuya independencia solo duró dos decenios, cayó sucesivamente en manos del nazismo alemán y del comunismo soviético. Dice el nieto:
Cuando llegaron los nazis lo tuvo todo en contra: era eslavo, era un Gran Maestre de la Masoneria y era un gran artista nacional.
Mucha fue de los primeros detenidos por la Gestapo en Praga.
Falleció poco después de neumonía, el 14 de julio de 1939, a solo diez días de cumplir los 79 años.
Una exposición de láminas, porcelanas y cuadros protagonizados por el gran mamífero y decenas de insectos aborda la evolución de la percepción de unos animales tan atractivos para la ciencia como fascinantes para los artistas
Rhinoceros unicornis, eso era Clara, una hembra de rinoceronte originaria de la India, que se famosa en el siglo XVIII paseando por Europa.
Llegó a la ciudad holandesa de Ámsterdam en 1741 y atrajo a multitud de curiosos que no habían visto nunca a este mamífero vivo y solo conocían un grabado del artista alemán Alber Durer, fechado en 1515.
Rinoceronte de Alberto Durero
Clara mantuvo su fama durante 17 años, hasta su muerte, y asombró desde Países Bajos a Polonia, y de Austria a Dinamarca.
Clara
Pasó de ser una figura casi de ficción a ser mostrada y estudiada ―a la vez que explotada― como un prodigio. Dedicarle una exposición es un homenaje.
En un giro inesperado, el Rijksmuseum de Ámsterdam ha unido la historia de Clara a la de más de 200 insectos, arácnidos y anfibios de varias colecciones europeas en una llamativa exposición que aborda la evolución de la percepción a lo largo del tiempo de unos animales tan atractivos para la ciencia como fascinantes para los artistas.
El museo holandés se ha llenado de bichos para esta muestra.
Son láminas, porcelanas y cuadros en los que aparece Clara y una gran constelación de insectos y anfibios que destacan por sus brillos, colorido y estado de preservación. Titulada en neerlandés Clara en Onderkruipsels, que podría traducirse por Clara y las criaturas pequeñas, guía al visitante desde el interior de los ventanales de la fachada misma del museo, tomados por una colonia de hormigas soldado de un metro de tamaño.
La procesión continúa dentro en las paredes de acceso y, una vez en el interior, vertebran la instalación Casa tomada, del artista colombiano Rafael Gomezbarros, que usa el carácter nómada, esfuerzo y capacidad de cooperación de los insectos como una metáfora del peso y el trabajo soportado por las personas que están obligadas a emigrar.
Es un trabajo creado como reacción a la guerra civil en Colombia, que forzó la salida de su hogar de millones de compatriotas.
Quise presentar las migraciones como una consecuencia de las problemáticas internas de cada país.
La cabeza y el cuerpo, con acabado de carbón, han salido del molde de un cráneo humano. Las patas son de madera de jazmín, un árbol cuya flor despide un olor intenso que enmascaraba el de los cuerpos enterrados de las víctimas de la guerra civil.
La instalación de Gomezbarros, que puede ser vista también como una plaga, prepara para la visita a las salas con las obras dedicadas a los insectos, dispuestas sobre un fondo negro.
Señala Jan de Hond, conservador de este apartado de la exposición:
Hasta el siglo XVI, insectos y reptiles podían tener connotaciones negativas, diabólicas incluso, y asociarse a la muerte. A partir de entonces, se convierten en ejemplos de la belleza de la creación y durante dos siglos prevaleció la fascinación acerca de estas criaturas.
En su opinión, el giro tuvo un componente religioso porque la mayoría de los primeros artistas que plasmaron estos insectos eran protestantes.
Y los protestantes se centran en la Biblia, pero en aquel momento consideraron que la naturaleza era el quinto libro, después de los cuatro evangelios. De modo que estudiando la naturaleza podían ganar conocimiento sobre Dios. Lo mismo ocurrió con los primeros estudiosos de los insectos.
Las libélulas que asoman en libros medievales de oraciones, así como las flores, anfibios y mariposas pintadas al óleo en cuadros como el pintado en 1685 por la artista Rashel Ruysch en una tela cuyo precio superó en su día a Rembrandt, inundaban de naturaleza las casas de sus dueños.
Eran animales exóticos, como un escarabajo rinoceronte reproducido con gran detalle, y procedían en su mayoría de las colonias holandesas. Sigue De Hond:
Cuando preguntas a los biólogos, te explican que los traían de Indonesia, Surinam o África, lugares con los que se comerciaba en aquellos momentos. Atraían por su belleza y se podían coleccionar, y fascinaban porque se creía que se reproducían por generación espontánea.
Fundido en blanco, y aparece Clara.
Hasta que esta hembra de rinoceronte llegó a Europa, la imagen por excelencia del mamífero de aspecto acorazado era el grabado de Durero de 1515.
El artista del Renacimiento alemán no llegó a verlo en persona, sino que se basó en un boceto de un autor desconocido. A pesar de sus inexactitudes anatómicas, su trabajo se distribuyó con gran éxito y causó honda impresión.
Se creía que peleaban a muerte con los elefantes y sus cuernos se transformaban en objetos de arte, pero apenas se sabía algo del animal mismo.
Dice Gijs van der Ham, conservador de este apartado:
En 1738, unos cazadores mataron en la India a la madre de Clara. Este tipo de caza mayor era un privilegio de las élites y las crías eran regaladas luego como un presente prestigioso. Clara fue ofrecida a Jan Albert Sichterman, entonces director de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales
Durante dos años Clara estuvo con la familia, y cuando creció demasiado se la dieron a Douwe Mout, capitán de la compañía.
Este la sacó de la India para llevarla hasta Ámsterdam en 1741, y la suerte del animal estaba echada: sería una superestrella que cambió la imagen de su especie y fue inevitablemente explotada.
Paseada por Europa, su influencia fue enorme.
Los científicos iban a examinarla. La gente acudía porque se sabía que los rinocerontes existían, pero no los habían visto en vivo. Se anunciaba su llegada en carteles y la vieron en la corte de Federico el Grande, en Berlín, y en Viena, por el emperador Francisco I y su esposa, María Teresa. Y hay al menos un libro de 1750 que imagina una conversación entre un rinoceronte y un saltamontes que revela el dolor del tratamiento dado a Clara.
Dice que cuando ella regrese a su tierra, se llevará a un ser humano al que sus congéneres tratarán mejor.
Los viajes de Clara desataron también una moda y adornaron relojes, los rinocerontes fueron incluidos en cuadros de escenas bíblicas y coloniales y protagonizaron tallas de porcelana.
El capitán Mout consiguió venderla en 1758 y Clara murió en el Reino Unido.
Entre las piezas que la recuerdan en el Rijksmuseum hay un óleo gigantesco de Jean Baptiste Oudry, artista del rococó francés.
Desaparecida ella lejos de su hábitat, la actual amenaza de extinción de la especie resuena en la sala.
Antes de volver a las hormigas soldado de las ventanas, el mismo eco tiene una telaraña gigantesca, tejida por cuatro especies distintas y metida en una urna por el artista argentino Tomas Saraceno.
Telarañas expuestas en el Rijksmuseum (Ámsterdam).OLIVIER MIDDENDORP (OLIVIER MIDDENDORP)
El blog de Ila Basmati 