El Museo Nacional del Prado de Madrid alberga la exposición Zóbel. El futuro del pasado, un recorrido por la obra del artista nacido en Filipinas en 1924 y figura esencial del arte abstracto contemporáneo.
Que su obra se exponga en la pinacoteca madrileña, referente mundial por su colección de clásicos universales, da idea del importante alcance de su legado.
Tras la exhibición en 2021 de Busto de mujer, de Pablo Picasso, gracias a Aramont Art Collection, llega esta muestra de Zóbel.
El museo abre de nuevo sus puertas a las tendencias de vanguardia. Una iniciativa que el comisario y director de Museos y Exposiciones de la Fundación March, Manuel Fontán, ha calificado de valiente y arriesgada, en parte porque el Prado sale de su zona de confort.
En este diálogo entre el arte clásico y el contemporáneo, el director del centro pictórico, Miguel Falomir, ha deslizado en la presentación ante los medios que no hay que escandalizarse porque es importante dedicar una exposición a artistas como él, que coleccionaron el arte del pasado.
La exposición reúne 42 pinturas, 51 cuadernos de apuntes y 85 dibujos sobre papel, procedentes de colecciones españolas, filipinas y norteamericanas.
Nacido en Manila, en el seno de una familia española, Zóbel se formó en EEUU y acabó fijando su residencia en España.
Trabajó de forma intensa sobre las pinturas del Prado y fundó el Museo de Arte Abstracto de Cuenca. Dedicó gran parte de su vida a estudiar y admirar a los clásicos y también a reinterpretarlos.
La retrospectiva, que rinde tributo al artista por su original contribución a la pintura abstracta, puede interpretarse a través de dos itinerarios: el primero reúne los estudios del pintor en la pinacoteca de la capital, donde trabajó de copista inspirado por las obras de Velázquez, Goya, Rubens, Zurbarán y Ribera.
El segundo recorrido, más internacional, muestra sus trabajos originales y alternativos, influido por la tradición de las islas Filipinas y las pinturas china y japonesa, durante sus años de vida en Asia. Ambos itinerarios nos acercan a un pintor curioso y erudito. Un artista viajero y cosmopolita.
La exposición, en la sala C del edificio Jerónimos del museo, se puede visitar hasta el 5 de marzo de 2023.
La Coruña es el escenario de celebridades que han acudido la noche de este miércoles a una velada organizada por Marta Ortega con motivo de la exposición dedicada al fotógrafo neoyorquino Steven Meisel.
Se trata de una muestra que la propia ejecutiva ha impulsado en su ciudad natal mediante la Fundación MOP. Tres días antes de la apertura oficial al público, la presidenta de Inditex ha ejercido como anfitriona en esta fiesta de inauguración que no han querido perderse Irina Shayk, Karlie Kloss, Eugenia Silva o Jon Kortajarena, quienes encabezan un largo listado de profesionales vinculados a la moda que se han desplazado a Galicia.
Sobre las siete de la tarde, del Hotel Finisterre han comenzado a salir los primeros invitados a la inauguración de Steven Meisel 1993, a year in photographs, como se titula la exposición. Tal y como recoge La voz de Galicia, Karen Elson, Coco Rocha, Alfonso de Borbón, Amber Valletta, Mateo Bou, Benjamin Lindbergh, (hijo de Peter Lindbergh), el pintor Antonio Murado o Marisa Berenson son solo algunas de las personas que han recorrido el kilómetro que separa el establecimiento del Muelle de Batería, nave donde se exhiben un centenar de imágenes del prestigioso fotógrafo de moda. Precisamente muchos de los asistentes han posado para su objetivo.
Marta Ortega ha querido que sea el chef Javier Olleros el encargado del menú.
Oficio, compromiso y pasión son las tres palabras con las que define su manera de ver la cocina. Dice Marta Ortega:
Marta Ortega
Steven Meisel continúa el legado de otros grandes maestros del pasado, con unas fotografías que traspasan la superficie para capturar la verdadera esencia de sus modelos. Su trabajo incluye, sin ninguna duda, algunas de las fotografías de moda más poderosas e influyentes de la historia.
Steven Mainsel
Linda Evangelista retratada por Steven Meisel.
El talento y la capacidad creativa del autor lo han convertido en uno de los fotógrafos más fascinantes de su generación y es un privilegio llevar una exposición tan excepcional hasta La Coruña.
Marta Ortega
A lo largo de esta jornada se ha visto a algunos de los invitados llegar hasta la ciudad gallega en avión, recorrer sus calles y disfrutar de compras en las tiendas de Inditex, como es el caso de Naomi Campbell.
Por su parte, Mateo Bou salía la noche del martes a cenar en un asador con el equipo de Zara y mostraba los detalles que Marta Ortega ha dejado en la habitación del hotel a sus invitados.
La presidenta de Inditex, con Jimmy Moffat, uno de los tres socios fundadores y actual director gerente de Art + Commerce Saskia Lawaks/EFE
Marta Ortega (5d), momentos antes de su visita a la exposición ‘Steven Meisel 1993: A year in photographs’ en La Coruña, este miércoles. Moncho Fuentes/EFE
Decía una nota junto a un catalogo de la exposición:
Queridos Vicent y Mateo. ¡Bienvenidos a La Coruña! Feliz de teneros aquí. Espero que disfrutéis de vuestra estancia y, sobre todo, que os guste la exposición. Con cariño, Marta
Varios invitados, a su llegada a la exposición ‘Steven Meisel 1993: A Year in Photographs’, en el Muelle de batería del puerto de La Coruña EP
Un nuevo espacio dedicado a la obra de Alberto Giacometti se proyecta en la antigua Gare des Invalides de París para 2026, disipando los temores de que la colección más grande del mundo de las obras del escultor suizo pueda marcharse fuera del país.
El lugar elegido es la antigua estación de tren que se construye en la orilla izquierda del Sena, en el séptimo distrito, que en la Expo de París de 1900 acomoda a los visitantes que llegan.
Desde la Segunda Guerra Mundial, es la sede de Air France, que el año pasado abandona las instalaciones.
Con 64,600 pies cuadrados, la estructura de un solo piso contiene espacios subterráneos y presenta un patio y una gran superficie bajo de su explanada, lo que la convierte en espacio idoneo para la colección y los archivos del artista.
El futuro museo albergará 95 pinturas, 260 bronces, 550 vaciados en yeso y miles de dibujos y grabados del artista que actualmente están en posesión del mucho más pequeño Instituto Giacometti.
El actual espacio expositivo, en el distrito catorce de París, carece de amplitud para exhibir más de una fracción de las obras a la vez.
El museo también albergará parte de la biblioteca de Giacometti, así como sus documentos.
Tendra también la réplica de su estudio que actualmente se exhibe en el Instituto Giacometti. La institución contará con una escuela de arte, que la fundación pretende sea un espacio abierto a todos, y se reservará una parte para exposiciones de otros artistas.
Giacometti (1901–1966) nace en Suiza, pero se muda a París en la década de 1920 y trabaja en un pequeño estudio en Montparnasse durante más de cuatro décadas.
Su viuda Annette, quien muere en 1993, facilita al gobierno francés la posibilidad de gestionar la obra a través de la Fundacion Giacometti en 2003.
El Instituto Giacometti se inaugura en 2018 bajo la dirección de Catherine Grenier, curadora jefa de patrimonio del Ministerio de Cultura de Francia.
Bruselas, Bélgica.- Friday, 04NOV22.-
African museum en Tervuren. Photo Delmi Alvarez
El colonialismo belga es la historia de la depredación mas salvaje
Bruselas, Bélgica.- Friday, 04NOV22.-
La máscara de Luba labrada en madera, la cabeza alberga dos cuernos de búfalo, considerado el animal más poderoso de África, y para los nativos concede poderes a su dueño. saqueada en 1896 en Luulu, Katanga, por las tropas del comandante de la Oscar Michaux, considerado un héroe en su tiempo. Michaux amasó más de 700 piezas durante sus campañas y, a falta de descendencia, su viuda vendió la colección al museo en 1919. Ya entonces se había prohibido que los militares se hicieran con sus propias colecciones, pero los abusos ya se habían cometido. Museo africano de Tervuren. Photo Delmi Alvarez
Bélgica documenta y prepara la devolución de miles de piezas saqueadas en el Congo, muchas de las cuales tenían poderes mágicos para las comunidades de origen
La estatua Nkisi Nkonde, una de las joyas que los belgas saquearon en el Congo hace poco más de un siglo, observa al visitante del Museo de África Central en Bruselas con la misma mirada de espanto con que hoy podemos contemplar el genocidio que lideró el rey Leopoldo II en lo que fue su cortijo: unos ojos vacíos que pueden ser tan aterradores como aterrados, la boca abierta y el cuerpo esculpido en un amasijo de madera y clavos que pertenecía al jefe tribal Ne Kuka, uno de los nueve reyes de la ciudad de Boma. Un fetiche al que se atribuían poderes divinos que los invasores aprovecharon contra la población.
Alexandre Delcommune, oficial de la temible Force Publique y traficante, arrasó en 1878 con esta y otras piezas de enorme valor simbólico para los congoleños, uno de tantos trofeos que los belgas depredaron en el Congo mientras esquilmaban también el marfil de los elefantes, el caucho de los árboles y cortaban las manos a quienes no cumplieran con sus trabajos forzados. Hoy, esta pieza es una de las joyas que el Museo de África se ha ocupado de documentar con la máxima exactitud posible con vistas a su próxima restitución a Kinsasa.
“La decisión ya está tomada y ahora estamos viendo cómo se implementa”, cuenta el director del museo, Guido Gryseels. Para ello se está formando una comisión conjunta de los dos países. “Pero ahora el Congo va más lento que Bélgica, que le gustaría avanzar más rápido”.
Dr. Guido Gryseels, director general del Museo de África en Tervuren, Bélgica.DELMI ÁLVAREZ
Gryseels se jubila a fin de año, después de vivir en carne propia la transformación social, los debates y el cambio de percepción sobre el colonialismo que se está produciendo en Bélgica, especialmente acelerado tras el Black Lives Matter. Hace 20 años se hizo cargo de un museo que exhibía el hoy vergonzante orgullo belga de su colonización del Congo, actualmente considerada uno de los mayores crímenes colectivos, especialmente tras el libro de Adam Hochschild El fantasma del rey Leopoldo. En aquel tiempo, todo en este museo reivindicaba cómo Bélgica había llevado la civilización, el bienestar o la seguridad a ese territorio africano; exhibía estatuas estereotípicas de los negros en gesto bárbaro, cruel, salvaje o humillado y sometido (que hoy descansan en el subsuelo); y honraba al jefe personal de aquel genocidio, Leopoldo II. Tras mantenerlo cerrado durante cinco años, el museo reabrió en 2008 con una nueva lectura de la historia que lo ha colocado entre los que mejor se están adaptando a un presente crítico con lo ocurrido.
Hoy, el Gobierno belga y el del Congo trabajan juntos para proceder a la restitución, después de que Bélgica declarara enajenables 84.000 piezas tras un trabajo ímprobo, probablemente el mayor esfuerzo de documentación realizado en un museo de este tipo. “Hemos hecho muchísimas investigaciones. En ocasiones hemos encontrado muchos datos sobre los orígenes de las piezas en los archivos y hemos enviado a científicos al Congo para investigar durante dos o tres meses dos o tres piezas. Pero preferimos enfocarlo de forma colectiva: si documentamos que una pieza fue conseguida por saqueo, lo más probable es que todo lo que vino con ella también lo fuera. Para muchos objetos, nunca se sabrá. Quién sabe si un regalo a un misionero era a cambio de nada o de una respuesta, como por ejemplo: ‘Me aseguraré de que tus hijos entren en el colegio’. Nada de esto está registrado y nunca sabremos las condiciones exactas de la adquisición”. Por ello, cuenta Gryseels:
una vez investigado el origen ilegal de la pieza, fuera por el saqueo, el uso de violencia o la entrega en condiciones de desigualdad, automáticamente se concede la propiedad al Congo.
Miremos lo que decía el propio Delcommune de la estatua que robó tras el ataque a ocho de los nueve reyes de Boma y que la población consideraba un dios, escribe el traficante:
Yo conocía este fetiche desde hacía mucho y también la reputación tan grande que tenía en veinte o treinta leguas a la redonda. Yo mismo lo experimenté en circunstancias que merecen ser contadas y que muestran la fe de los indígenas en sus dioses.
Una vez en sus manos, la utilizó para atemorizar a los nativos, para que denunciaran a sus compatriotas y para socavar el mando de los jefes tribales, desprovistos así del poder de su fetiche. Dice el director del museo:
Esta estatua es el símbolo internacional de la necesidad de la restitución. Pertenecía a un jefe de una comunidad del Congo y un belga quemó un pueblo para quedarse con esta y con todos los símbolos de su poder. Deben devolverse.
Él confía en llegar pronto a un acuerdo como el que ha asumido Alemania para devolver a Nigeria un millar de piezas que pertenecieron al antiguo reino de Benín, de las que hoy 40 se exponen en préstamo.
Lo que se robó tiene que volver. Siempre que el Congo lo quiera. Creo que llegaremos a un acuerdo.
La mascara de Luba es otra de las joyas cuyo origen el museo ha catalogado con toda exactitud con vistas a su restitución. Labrada en madera, la cabeza alberga dos cuernos de búfalo, considerado el animal más poderoso de África, y para los nativos concede poderes a su dueño. Se considera que tiene un valor incalculable. Dice Gryseels:
Algunos jefes tribales se resistieron a los belgas y estos les robaron estos objetos para quitarles el poder
Fue el caso de esta pieza, saqueada en 1896 en Luulu, en la provincia de Katanga, por las tropas del comandante Oscar Michaux, considerado un héroe en su tiempo. Todo ello fue documentado por un oficial, Albert Lapière, que le acompañaba y que dejó constancia en su diario de todas las tropelías que entonces eran aplaudidas. Gracias a eso se ha podido reconstruir la historia.
Michaux amasó más de 700 piezas durante sus campañas y, a falta de descendencia, su viuda vendió la colección al museo en 1919. Ya entonces se había prohibido que los militares se hicieran con sus propias colecciones, pero los abusos ya se habían cometido.
Aquellos fueron tiempos, por ejemplo, en que los belgas trasladaron una aldea entera para exhibirla como un zoo humano en este museo. De los 267 nativos del Congo traídos a Europa, siete murieron de frío y gripe. Sus nombres se proyectan hoy al caer el sol sobre los paneles de piedra en los que constan mil “héroes” belgas muertos en aquellas campañas. Con doble sentido: para recordar que son víctimas de Bélgica y para poner una sombra sobre los supuestos mártires.
Este era un museo colonial que divulgaba que éramos superiores y ese era el sentimiento dominante en la sociedad. El racismo actual en parte se debe al sentimiento de superioridad de los blancos al que hemos contribuido.
Otra de las intervenciones más importantes fue cubrir las estatuas en que se glorificaban las gestas (“Bélgica llevando la civilización al Congo”, “Bélgica llevando el bienestar”, “la seguridad” o “el fin de la esclavitud”) con velos en los que dos artistas contemporáneos exhiben mensajes actuales: de denuncia de la militarización, la crueldad, la imposición.
De paseo por el museo, el director muestra otra de las esculturas de procedencia ya documentada que puede formar parte de los lotes que se restituyan. Se trata de Lusinga, saqueada por los hombres al mando del explorador Emile Storm en 1884, en una operación en la que decapitaron a un jefe tribal, de nombre Lusinga, el que más resistencia había opuesto a su avance. Representa a sus antepasados.
Storms no solo se llevó esta pieza, sino también las cabezas de Lusinga y de otros dos jefes, Maribu y Mpampa, que mantuvo en su colección personal hasta su donación al museo en 1935. Los restos humanos fueron transferidos al Museo de Historia Natural, hoy Real Instituto Belga de Ciencias Naturales, donde ¡aún se conservan!
El procedimiento para devolver las piezas tiene un anticipo en la estatua que los reyes Felipe y Matilde llevaron el pasado junio a Kinsasa en el primer viaje real a la antigua colonia, donde se lamentó lo ocurrido, aunque sin pedir disculpas. Hasta allí se llevó una máscara de la etnia suku. Su comunidad de origen devolvió simbólicamente sus poderes mágicos a la pieza.
Bruselas, BŽlgica.- Wednesday, 26OCT22.-
Elefante que se conserva en el museo asesinado en Kasa• el 4 de agosto de 1956 por Chevalier de Wouters durante una expedici—n al museo dirigida por Max Poll. Asesinado en Kasa• el 4 de agosto de 1956 por Chevalier de Wouters durante una expedici—n patrocinada por el museo y dirigida por Max Poll.
Preparado en Londres por la firma de taxidermia Rowland Ward Ltd. entre 1956 y finales de 1957 y
exhibido en el ‘Pabell—n de Fauna del Congo’ en la Exposici—n Universal de Bruselas, marzo-octubre de 1958. En realidad el ejemplar que se muestra en el museo son las partes de dos elefantes. Lleg— al museo a finales de 1958.
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Museo de çfrica, Tervuren, Bruselas. Photo Delmi Alvarez
Muchas otras cosas jamás se podrán restituir. Ni el elefante cazado en 1956 que se exhibe en el museo (en realidad necesitaron dos para conseguir un ejemplar disecado en condiciones), ni toda la población de estos gigantescos animales que pusieron en peligro, ni las vidas de hasta diez millones de congoleños que mataron. Porque, como reza un gran cartel al inicio del recorrido del museo, todo pasa salvo el pasado.
La acción tenía como objetivo denunciar la inacción contra la crisis climática y la quema de combustibles fósiles.
Activistas en defensa del medio ambiente han rociado con líquido negro un cuadro del pintor Gustav Klimt en el Museo Leopold de Viena, para denunciar que los nuevos pozos de petróleo y gas son una sentencia de muerte para la humanidad.
La acción, reivindicada por el grupo Última Generación, que ha subido las imágenes a sus redes sociales, ha tenido como objetivo la obra Muerte y Vida, que la organización ha querido utilizar como metáfora de su denuncia.
Muerte y vida de Gustaf Klimt
Las imágenes muestran a personal del museo reteniendo a los activistas, uno de los cuales habría intentado pegarse al marco. El cuadro estaba protegido por un cristal y, supuestamente, no ha sufrido daños, según las primeras informaciones de la televisión estatal.
Con motivo de una festividad regional, la entrada al Leopold era gratuita, patrocinada por la petrolera OMV y, pese a los estrictos controles, los activistas consiguieron introducir el líquido en una bolsa de agua caliente. Otro de los activistas gritó tras arrojar el petróleo sobre el cuadro: «Conocemos el problema desde hace 50 años, debemos actuar de una vez, de lo contrario el planeta se destruirá».
«Detened la destrucción de los combustibles fósiles. Nos dirigimos hacia un infierno climático», agregó para describir las nuevas perforaciones de petróleo y gas como una sentencia de muerte para la humanidad.
Hace cinco días otros dos activistas del mismo grupo se pegaron con adhesivo a fosiles dinosaurios del Museo de Historia Natural de Viena, que no resultaron dañados, para criticar la destrucción climática causada por los hidrocarburos.
Los activistas del grupo Futuro Vegetal han lanzado este domingo sangre y petróleo falsos a la vitrina de una réplica de momia faraónica del Museo Egipcio de Barcelona para alertar sobre la emergencia climática. Dicen en su perfil de Twiter:
No aguantamos más que los Gobiernos laven su imagen en COPs para engañar a la población sin efectuar medidas reales.
También han criticado la vinculación de patrocinio de Coca Cola con la COP27:
Nos cuesta mucho creer que la corporación número uno del mundo en contaminación por plástico no va a ejercer su influencia como patrocinadora de la COP27 a favor de sus intereses mercantiles, dada su total dependencia de los combustibles fósiles.
Según Mossos d’Esquadra, los manifestantes han sido identificados y se los ha dejado ir. La sangre, en realidad, era mermelada y, según la policía catalana, habría manchado una parte pequeña del sarcófago. Según ha informado el Museo Egipcio, se presentará denuncia por los daños a todos los asistentes.
Se trata de la misma organización que, hace dos semanas, se pegaba a los cuadros de Las majas de Goya en el Museo del Prado, alertando de la subida de las temperaturas en el planeta.
Los dos activistas y las periodistas que cubrieron el acto en Madrid fueron acusados de un delito contra el patrimonio histórico.
Mujer con nino muerto de 1903, aguafuerte de Kathe Kollwitz. —Museo de Kathe Koll
El expresionismo alemán remite a Vasili Kandinski, Paul Klee o Franz Marc. Pero ¿quién conoce a las contemporáneas de los citados? Siete de ellas exponen sus obras en Londres hasta el 12 de febrero de 2023. En las fotografías aparecen con el cabello recogido, recatadas, desafiando con su mirada al fotógrafo que las capta para la posteridad.
Litografía que representa un autorretrato de Käthe Kollwitz, de 1934. —Museo Käthe Kollwitz
Paula Modersohn-Becker -que ahora tiene en Bremen el primer museo del mundo dedicado a una mujer-, Käthe Kollwitz, Gabriele Münter, Marianne Werefkin, Ottilie Reylaender, Jacoba van Heemskerck y Erma Bossi fueron más allá de las tres k (kider, küche, kirche: hijos, cocina e iglesia, en alemán) que les marcaban el destino.
Las puertas de las escuelas de arte en algunas partes de Alemania estaban cerradas a las mujeres, por consiguiente, solo las de una determinada posición económica podían acceder a clases privadas o se trasladaban a ciudades con academias. Algunas dejaron a sus maridos para llegar hasta París, la meca del arte moderno a principios del siglo XX. Aunque no forman un grupo coherente ni uniforme en sí mismo, todas ellas rozan el expresionismo como arte que desprende el estado emocional.
Dorothy Price, comisaria de la exposición, explica a Público:
Aquí las hemos juntado, sin embargo, solo sabemos que dos de ellas eran amigas, las otras iban cada una a su aire o vivía en su círculo, aunque coinciden en tener una vida turbulenta porque no se conforman con cumplir el papel tradicional adjudicado a la mujer y esa tensión se percibe en sus obras.
El modernismo que tejían estas mujeres con sus creaciones compartía con los hombres el autorretrato, bodegones o escenas de la vida rural y urbana, en cambio, pone una mirada nueva e intensa al cuerpo de la mujer, la infancia o la experiencia de la maternidad.
El itinerario por las salas de la Royal Academy empieza con Nosotras mismas y otros, retratos y autorretratos, en donde predomina el interés por pintar mujeres y sus causas. Es importante recalcar que las sufragistas alemanas consiguieron el voto en 1918, mientras que en España se logró en 1934, con la Segunda República.
El ciclo de la infancia ocupa el segundo tema de la muestra. En él, las artistas se alejan de la concepción sentimental e inocente para adentrarse en la melancolía, la tensión y el deseo insatisfecho que comparten este grupo de mujeres. Gemelos, de Marianne Werefkin o Niña con bebé, de Paula Modersohn-Becker son algunas de las producciones de distintos estilos o cromatismos en esta sección.
Otras secciones son Intimidad, Vida Urbana y Rural; Viajes y Migraciones y Bodegones. Estos temas que completan el recorrido por la muestra que reúne 67 obras de arte, muchas de las cuales salen por primera vez de Alemania. La maternidad es una vara de medir a estas artistas que dejan constancia de que ser madres es, para ellas, una función en la vida, pero no la única que las ocupa.
La aristócrata Marianne Werefkin convivió durante décadas y rivalizó con el artista Alexei Jawlensky, del grupo expresionista El Jinete Azul, quien tuvo un hijo, Andreas, en 1902 con la asistenta de Marianne. La pintora, por su parte, estaba más interesada en expresar en formas individuales el mundo interior que cada uno lleva dentro, que en su reproducción genética.
Käthe Kollwitz es la que más destaca del grupo y lo hizo también en el momento en el que vivieron. Ella optó por las artes impresas como medio de comunicación.
Es mi deber dar voz al sufrimiento humano. Es mi labor, pero no me resulta fácil cumplirla
Escribe la artista, que esta interesada en asuntos como la mortalidad infantil y pinta la serie de aguafuertes La revuelta de las tejedoras.
Para Kollwitz, la mortalidad infantil no remite únicamente a estadísticas o sectores sociales, sino que constituye su experiencia personal: su hijo mayor, Hans, se acerca a la muerte por difteria; su hijo menor, Peter, perece en la Primera Guerra Mundial y uno de sus nietos falleció en la Segunda Guerra Mundial, cuando ella ya defiende el pacifismo y domina el trazo del lápiz, carboncillo o tintas.
Las litografías y aguafuertes de Käthe Kollwitz en la exposición son imágenes poderosas, atemporales y humanas. En Mujer con niño muerto, de 1903, se funden los cuerpos en el dolor con la misma intensidad con la que dos adultos enamorados hacen el amor apasionadamente.
Su Autorretrato, de 1934 -once años antes de morir-, no se centra en el cabello suelto o recogido, negro y opaco, sino en los ojos tristes y alertados: Hitler llega al poder el año anterior en Alemania. Un rostro atemporal, temeroso, que avisa de lo que puede ocurrir en un momento de la Historia del arte y de la Historia social y política de Europa.
Banksy, el enigmático artista urbano británico, ha viajado hasta Ucrania para plasmar sus trabajos sobre las ruinas de los bombardeos. El dibujante ha pasado en concreto por la ciudad de Borodianka, en Ucrania, para representar a una gimnasta rítmica que practica un ejercicio de equilibrio sobre los restos de un edificio destrozado por los bombardeos de la guerra.
En un post de su cuenta de Instagram, el artista ha publicado tres fotos de su obra. La primera es un plano corto en el que se ve a la bailarina, pintada en blanco y negro, en equilibrio sobre sus brazos, con la mirada en el suelo y las piernas en altura. Un paso intermedio hasta lo que se conoce técnicamente en el deporte como equilibrio invertido de manos.
En la segunda imagen, la cámara se aleja y la obra queda en el tercio inferior de la imagen, dibujada bajo un montón de escombros acumulados. La imagen deja a la vista un edificio en ruinas, destruido aparentemente por las bombas. La tercera fotografía muestra el tamaño completo del edificio, de unos diez pisos, y la dimensión completa de la destrucción. La bailarina queda en un pequeño punto abajo de la construcción, haciendo equilibrio en una de las vigas del edificio.
Borodianka es una de las ciudades que proliferan en la periferia de Kiev. Al comienzo de la guerra, las tropas rusas penetraron por el norte de Ucrania, desde Bielorrusia, en decenas de esas ciudades ubicadas a las afueras de la capital, donde permanecieron poco más de un mes. Las tropas ucranianas consiguieron en abril recuperar el control de esos territorios y pudieron comprobar el rastro de muerte que dejaron las fuerzas rusas durante su ocupación, con fosas comunes y cuerpos en las calles.
Tras la publicación del post en su perfil, las agencias de noticias han distribuido más fotos de sus obras en los alrededores de Kiev, aunque algunos de esos dibujos ya se podían ver hace unos meses. Quienes descubrieron entonces los dibujos se los atribuyeron al artista, que solo ahora ha confirmado su paso por el país invadido por Rusia desde febrero de este año.
El artista británico, cuya identidad se desconoce, ha plasmado anteriormente algunas de sus obras en otros territorios en conflicto. En 2005 viajó hasta el muro construido por el Gobierno de Israel de Cisjordania, denominado ‘Il yidaar il fasel’ (Muro de la Segregación) por los palestinos. Allí imprimió un negativo de una niña volando gracias a un manojo de globos de helio; también a unos niños jugando con un cubo y unas palas, que, escarbando en la pared, descubren una playa salvaje al otro lado.
Hace pocos meses, un grafiti del autor fue subastado en Londres con fines benéficos en apoyo de un hospital infantil ucraniano, una rifa que alcanzó la cifra de 81.000 libras.
La colección de arte de Paul G. Allen, que anoche se mostro como la más cara de la historia en la casa de subastas Christie’s de Nueva York, ha recaudado 1.622 millones en total tras sumar este jueves otros 115 millones en la segunda parte de la venta destinada a fines benéficos.
Las 60 obras de mayor valor del confundador de Microsoft se adjudicaron ayer por 1.506 millones, una cifra que superó con creces el récord de 922 millones marcado por la colección Macklowe el pasado mayo y que hoy siguió aumentando con la oferta de las 95 obras restantes, de precio más bajo.
Microsoft co-founder, investor, philanthropist, and sports team owner Paul Allen.
Los compradores volvieron a pujar sin miedo y sobrepasaron muchas estimaciones, alcanzando 8,4 millones por la escultura «Typewriter Eraser, Scale X» de Claes Oldenburg and Coosje Van Bruggen, y 6,8 millones por el cuadro «Red No.1» de Sam Francis, las piezas más valiosas de la sesión.
En total, durante los dos días, Christie’s anunció una cantidad astronómica de más de 1.620 millones de dólares.
«La colección de Paul G. Allen atrajo a decenas de miles de visitantes a las galerías de arte de Christie’s en todo el mundo y ha pasado a la historia estableciendo un récord como la subasta más cara» alguna vez realizada, dijo en un comunicado el director general de la casa de subastas con sede en Nueva York, Guillaume Cerutti.
En total, la colección comprendía «155 obras maestras que abarcan 500 años de historia del arte (y) se vendieron al 100%». De los clientes de todo el mundo, «el 28% de las obras por valor fueron compradas el miércoles por la noche por clientes asiáticos», según Christie’s.
La casa de subastas había anunciado que la totalidad del monto de las ventas sería para obras de caridad.
Aun cuando se había peleado con Bill Gates, con quien creó Microsoft en 1975, Paul Allen se unió a la campaña «Promesa de Donación» de su antiguo socio, con la que se comprometía a dar la mayoría de su fortuna.
Microsoft co-founder, investor, philanthropist, and sports team owner Paul Allen.
El valor de esta subasta superó el récord previo de la colección Macklowe, perteneciente a una pareja millonaria de Nueva York, la cual alcanzó los 922 millones de dólares en Sotheby’s la pasada primavera boreal.
El año 2022 se perfila como uno de los más onerosos en la historia del mercado del arte con estas ventas y otras como un retrato de Marilyn Monroe «Shot Sage Blue Marilyn» de Andy Warhol, adjudicado en mayo por 195 millones de dólares, el máximo de una obra del siglo XX.
Claude Monet en un museo próximo a Berlín; con Los Girasoles, de Van Gogh en Londres, y Masacre en Corea, de Pablo Picasso, expuesto en Melbourne (Australia).
‘El grito’ de Edvard Munch en una imagen de archivo. (EFE/Bas Czerwinski)
Tres activistas de un grupo ecologista son detenidas este viernes tras tratar de adherirse con pegamento a El grito de Edvard Munch, en el Museo Nacional de Oslo, en protesta por la actividad petrolera de Noruega.
Según informa la Policía en su cuenta en Twitter, fueron los guardias de seguridad los que retuvieron a las jóvenes y avisaron a los agentes, sin que tuvieran éxito en su acción, aunque quedaron restos de pegamento en la vitrina que cubre el cuadro, que no sufrió daños.
Han escrito el mensaje de +1,5 para alentar sobre la subida de temperatura mundial. Tras el desalojo de las activistas, la sala en la que se encontraba el cuadro, ha reabierto.
Dos de las activistas trataron de adherirse al cuadro mientras otra filmaba la escena, gritando No habrá ningún grito cuando la gente muera o Ningún grito cuando los políticos ignoran a la ciencia, recogió la agencia NTB.
Las activistas, todas mujeres, pertenecen al grupo ecologista Stopp Oljetinga (Detengan la actividad petrolera), que en un comunicado aseguró que la acción pretende alertar a la gente y presionar al Gobierno para que cambie la política del principal exportador de gas y petróleo de Europa occidental.
Según una portavoz del grupo a la televisión pública NRK, escogieron El grito, la obra más famosa de Munch y considerada un cuadro emblemático del Expresionismo, para llamar la atención y no pretendían dañarla.
La ministra de Cultura noruega, Anette Trettebergstuen dice:
Esta es una forma de acción inaceptable. Aunque muchos apoyamos la lucha climática como una de las más importantes de nuestro tiempo, atacar arte de valor incalculable no ayuda para nada a la causa
Grupos de activistas contra el cambio climático han cometido acciones similares en las últimas semanas en todo el mundo, con un cuadro de Claude Monet en un museo próximo a Berlín; con Los Girasoles, de Van Gogh en Londres, y Masacre en Corea, de Pablo Picasso, expuesto en Melbourne (Australia).
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