Nací jubilada, nunca he trabajado, no sé si lo echo de menos, porque nunca lo he hecho.
Me habría gustado, sobre todo tener proyectos y ganar dinero y de paso, conocer gente, siempre he estado sola y he de decir que estoy acostumbrada, aunque mucha gente no lo aguanta, esto tiene su entrenamiento, y no está mal la vida de monja de clausura.
Ahora barajo trabajar haciendo obra, no sé cómo la canalizare a la calle, tengo mucha en casa y como nunca me plantee vender, tengo un problema de espacio porque me ocupa una habitación.
En contra de lo que pueda aparentar, lo artístico no es hacer piezas sino venderlas
Varias veces he inventariado mis piezas, pero, aunque sea increíble, en las tres ocasiones, mis hijas sin querer han borrado el pen drive para grabar películas, siempre he sido invisible, no solo al sistema sino al resto.
Pero también a eso te acostumbras, a no ser nada ni nadie. Lejos de leerlo como adversidad, hay veces que el destino hace favores y este es uno de ellos porque me despojo de vanidad al crear mi personaje, aunque se lea en diferido.
En mis fueros internos no desespero y ahora o nunca tengo la oportunidad, de inventariarlo todo, sacarlo fuera y producir obra (o quemarlo en el patio y hacer tabula rasa).
Ironías del destino, voy a empezar a trabajar, cuando los demás se retiran, pero creo que la existencia es un continuo trasiego de reinventarse y lo que cuenta es seguir en la brecha y no dejar de cejar en el empeño.
Me encantaría tener un estudio, estoy segura que es viable, pero mientras llega, estoy habilitando la habitación de la plancha.
Es pequeña pero suficiente de momento para almacenar el papel y agolpar los botes con pinceles y pinturas.
Me tienta hacer las caratulas diarias del canal con acrílico o acuarelas, es un ejercicio rápido y podría usar de caricaturas que son rápidas en papel lienzo que es barato, pero las hare con mancha.
Aunque pueda parecer otra cosa, escribir, pintar, dibujar, tallar, fotografiar etc, es lo mismo con distinto soporte.
Solo se ha de tener paciencia para adquirir el oficio. La gente cree naces con el don, y puede que si o no, pero da igual porque en cualquiera de los soportes has de adquirir un discurso propio y eso requiere de una trayectoria, no se improvisa.
Unos pendientes de perlas de mi madre a los que quite el brillante para poder usarlos a diario.
Heredamos cosas que no elegiríamos y al final se convierte en imprescindibles.
Preferiría incluso no haber heredado nada y que el patrimonio fueran los recuerdos en vida.
A fin de cuentas, la existencia es el mayor patrimonio, el resto anécdota.
Abomino de lo de aplazar todo para el futuro. Quizás porque cuide a mi marido enfermo, no vivo para el carpe diem latino.
Obviamente siempre sobrevuela algún proyecto con plazos, pero lo de invertir para el futuro, lo de guardar para el futuro, lo de aguantar para el futuro, pues como que no…el futuro es hoy y yo soy otra.
Hoy lo veo una excusa, una tiranía por un ideal inalcanzable. No me reconozco.
Agradezco lo que la providencia provee en cada momento, la salud y las ganas de vivir, el proyectarme mañana con ansias, pero la praxis ha invadido el ser, menos soñador y ético.
Más capaz de abordar desafíos y de aguantar presión y mas entimental, cuando la ocasion lo requiere, a fin de cuenta la existencia son bandazos.
En una primera edad cuando llegué a adulta me estuve buscando, ideal baladí, pues me encontré cuando las circunstancias lo decidieron y no antes.
Pero si de algo proveen los años, es de paz de espíritu, de paz interior, de saber quién soy yo y quienes son los otros.
Y me sorprende ver en los demás ahora, el zigzagueo a que nos somete la vida en empresas pequeñas que distraen del cometido, quizás necesarias para averiguar en ese trasiego a que y a quien nos debemos.
O quizás inútiles, que nos desvían de forma absurda, pero que forman parte del guion arbitrario de la existencia, en un devenir constante de lo que podría haber sido y no fue… de la contingencia.
Me retrotrae a la razón contingente de Leibniz, un principio filosófico por el que todo lo que ocurre tiene una razón suficiente para que sea así y no de otra manera, todo tiene una explicación suficiente.
Cada día lo hago y me pasa de todo, pero siempre bueno, o casi siempre…
Al anochecer en una ocasión no hace mucho, mi podenco se enfrentó a ladridos a un jabalí macho alfa, y temblé de miedo, pero el animal muy inteligente, no hizo ni caso y paso de largo gordo como un cebollo y le importamos nada y menos, menos mal.
Porque mi joven podenco corre, pero yo soy una tortuga varada.
En realidad, el perro me pasea a mí y no al contrario, es una obligación diaria que se ha convertido en habito.
Me acuerdo de un tío mío neumólogo que siempre contaba que a sus enfermos infartados para acelerar su recuperación y que no fueran reincidentes, en vez de mandarlos al gym, que se apuntaban y nunca iban, les aconsejaba salvar un can de la perrera, que quizás los salvaría a ellos.
En estas fechas en mi entorno que es un secarral como ninguno, hay muchos insectos que para reproducirse necesitan de la sangre humana, solidaridad que no comparto.
Proximos a África, cada vez más, la estación cálida se dilata por lo que los insectos cada vez mas cantidad, se han vuelto resistentes a los insecticidas.
Este año en Andalucía vaticinan dengue, zika, mosquito del Nilo etc y tiemblo porque es una novedad inquietante, ya que aunque hemos sido zona endémica, hace mucho desapareció.
Por si las moscas en el bolsillo llevo además de un repelente de insectos, cortinsona, antistamínicos y un broncodilatador.
En la rambla seca por donde trascurro, el paisaje es bello y el silencio sosiega. Hay antiguos campos de cultivo, abandonados, cortijos de piedra medio derruidos ¿Cómo serían antes?
A veces el sosiego es roto por ciclistas que se adentran intrépidos por el curso de la rambla.
En ocasiones motos de trial que abomino de ellas, el perro y yo nos sobrecogemos, como si fueran monstruos.
Me veo como Joseph Conrad/Marlow enfrentada a las tinieblas en el estuario del Támesis, preguntándose qué pensarían los sofisticados romanos hace 1900 años en esa tierra lluviosa de barbaros, sin vino de Falerna, con frio, enfermedad, niebla, tormentas.
Yo pienso que opinarían los legionarios umbros que nos colonizaron e interactuaron con el substrato ibero y celta, paseando por este inquietante desierto pegado al mar.
Mientras Jakob, que significa el tramposo en hebreo, busca el contacto visual para que le tire otra piedra.
Yo ociosa, reflexiono que podria recalentar, para evitar cocinar hoy…
Dos reconocidos expertos en patrimonio reconstruyen con documentos inéditos cómo se gestó el traslado del ábside segoviano a Estados Unidos en pleno franquismo
Celebramos esta tarde un acontecimiento cultural único. Por primera vez en la historia, una gran nación ha permitido que uno de sus monumentos nacionales -un ábside románico íntegro, construido hace casi 800 años por piadosos artesanos de Fuentidueña- sea transportado a través del Atlántico como préstamo gratuito y generoso al pueblo de Estados Unidos.
Con estas palabras, el presidente del Metropolitan Museum of Art de Nueva York (MET), Roland L. Redmond, inauguraba en 1961 la reconstrucción del ábside de San Martín de Fuentidueña que había viajado desde Segovia hasta The Cloisters, la sección de arte medieval del museo.
En el MET tenían razones para felicitarse. El conjunto románico llevaba treinta años en su punto de mira y por fin habían logrado lo que se antojaba imposible: que un monumento nacional, así declarado desde 1931, saliera de España. «Es algo inconcebible», subraya el catedrático de Historia de la Arquitectura José Miguel Merino de Cáceres. Y, sin embargo, se llevó a cabo con la aquiescencia del régimen de Franco, de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (RABASF) y la Real Academia de la Historia (RAH), así como de representantes notables de la élite cultural y social del momento, como han documentado Merino y María José Martínez, profesora de Historia del Arte de la Universidad de Valladolid, en su libro ‘De Fuentidueña a Manhattan‘ (Cátedra).
Estedespojo consentido, como prefieren denominarlo los autores de esta rigurosa investigación, ante lo que consideran el abuso del término ‘expolio’, se vendió en 1958 como «una cesión temporal», aunque por tiempo indefinido, aceptada por las autoridades españolas a cambio de las seis pinturas murales de San Baudelio de Berlanga (Soria) que hoy se exhiben en el Museo del Prado.
Una de las imagenes de an Baudelio de Berlanga del Prado
Así se difundió la noticia en los periódicos de la época, que destacaron en titulares la llegada de las pinturas, relegando a un segundo plano la salida de unas «ruinas en muy mal estado», sin mencionar que se trataba de un monumento nacional. «Se midió al milímetro la información», indica Martínez. La resolución no se publicó en el Boletín Oficial del Estado y no se dio a conocer hasta que las 839 cajas con 3.396 sillares y piezas que transportó el carguero ‘Monte Navajo’ llegaron a Nueva York.
Fuentidueña
Los investigadores, autores en 2012 de ‘La destrucción del patrimonio artístico español. W.R. Hearst: «el gran acaparador»’ (Cátedra), han descubierto en cartas y documentos inéditos que el MET trató de adquirir el ábside de Fuentidueña en los años 30 y retomó su iniciativa tras el paréntesis obligado de la Guerra Civil y la Segunda Guerra Mundial.
La autora de la obra
El director de The Cloisters James J. Rorimer, que fue miembro de los ‘Monuments Man’, vio en los años 50 el momento oportuno para hacerse con esa gran construcción monumental que anhelaba. La dictadura franquista intentaba salir del aislamiento y se vivía un nuevo clima de relaciones bilaterales entre España y EE.UU, que se plasmaron en los Pactos de Madrid (1953) y en «cierta permisividad» con coleccionistas y marchantes norteamericanos, según los investigadores. «Utilizaron el patrimonio como una pieza más en el tablero de las relaciones diplomáticas», apuntan mientras recuerdan la película de Bienvenido Mr Marshall que tan bien refleja la sociedad española de aquellos años. «Villar del Río podría haber sido Fuentidueña, perfectamente».
Merino y Martínez han documentado todo el proceso que cristalizó en la exportación del ábside: desde los contactos con el anticuarioRaimundo Ruiz para que negociara la compra con el Obispado de Segovia y el Ayuntamiento de Fuentidueña, hasta las comunicaciones de Rorimer con la embajada estadounidense en Madrid o con varios ministros. «La idea del intercambio llegó muy a posteriori, como una salida de emergencia», relata la historiadora del arte. De hecho, el MET adquirió las pinturas de San Baudelio cuando el trato obtuvo el visto bueno, para enviarlas a España. «Estaban en el mercado. Si España hubiera querido, las podía haber comprado sin desprenderse de nada», sostiene Martínez. Después el MET conseguiría otras del mismo conjunto soriano, por parte de los mismos vendedores, como donación. Las que ahora se exhiben también en The Cloisters.
Para poder autorizar la salida del ábside, el acuerdo tenía que ser respaldado por las reales academias, donde los debates fueron «muy tensos», según han averiguado los investigadores. En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la decisión se tomó por mayoría, no por unanimidad. De los 28 académicos que asistieron a la sesión, 19 votaron a favor, pero siete en contra y hubo dos abstenciones. Hubo además una voz especialmente crítica, la de César Cort y Botí, que emitió un voto particular en el que dejó constancia de que se trataba de una venta encubierta porque había habido pagos disfrazados de donaciones (800.000 euros al obispado y 250.000 al Ayuntamiento de Fuentidueña).
También Leopoldo Torres Balbás votó en contra en la Real Academia de la Historia. En una carta que remitió a un compañero, explicó que después de haber luchado por la conservación de los monumentos españoles y de haber protestado por la emigración de otros a los Estados Unidos, asentir al traslado de la iglesia de Fuentidueña hubiera sido renegar de toda su vida.
Un viaje de ida a Manhattan con un billete de vuelta «muy difícil»
¿Existiría alguna posibilidad de reclamar el ábside de Fuentidueña? «Ninguna», considera José Miguel Merino convencido de que «es una cesión muy difícil de retrotraer». María José Martínez coincide con el catedrático: «Lo veo muy difícil porque la situación es sumamente compleja». La historiadora del arte recuerda que como el acuerdo figuró como una cesión por tiempo indefinido, sigue formando parte del catálogo de monumentos nacionales de España, aunque se encuentre en otro país, «gestionado por el MET que trata de cuidarlo en unas condiciones ambientales que son muy diferentes a las que tenía en su emplazamiento original». «No hay otro bien de esta categoría en esta situación jurídica tan extraña», dice. Y si se solicitara su vuelta, recuerdan ambos expertos, «las pinturas de San Baudelio que están en el Prado tendrían que salir hacia Estados Unidos».
Luis Felipe de Peñalosa, presidente de la Comisión Provincial de Monumentos de Segovia y tío de José Miguel Merino, se opuso enérgicamente a esta operación, de la que los miembros de la corporación que representaba no fueron informados.
En el libro recogen cartas en las que criticó con dureza la salida del monumento y la postura de las reales academias. «Las voces críticas dormían en los archivos. Se silenciaron. Todo se silenció», comenta Martínez.
En el apoyo de la RABASF y la RAH pesaron los informes favorables de Francisco Javier Sánchez Cantón, subdirector del Museo del Prado, y sobre todo del arqueólogo e historiador Manuel Gomez Moreno, una autoridad en la época con un talón de Aquiles, su hija Carmen, como bien descubrió Rorimer.
En el libro se publican cartas de la joven después de conocer al ya director del MET y de que éste le ofreciera empleo en el museo. También la misiva de Rorimer, con formas muy elegantes y educadas, en la que presionó a Gómez-Moreno en este sentido. «Hemos podido documentar una sospecha que estaba en el aire», apunta la especialista en patrimonio, coleccionismo y mercado del arte. «No se sabía que don Manuel Gómez-Moreno era quien había alentado el traslado, por favorecer a la hija», añade Merino.
Carmen Gómez-Moreno, que fue después la encargada del traslado del ábside y que desarrolló su carrera profesional en el MET, argumentó entonces, como tantos otros, que el monumento acabaría por desaparecer en España, mientras que en Estados Unidos recibiría la atención que se merecía.
«Siempre salía a relucir esta tesis, pero ¡quién sabe! El monasterio de Santa María la Real, en Aguilar de Campoo (Palencia) era una absoluta ruina y hoy es un instituto y la sede de la Fundacion Santa Maria la Real- Centro de Estudios Romanicos, replica Martínez.
El Prado se suma al 50 aniversario de la muerte del artista malagueño con un cara a cara con el cretense
¿Le gustaría tener más Picassos en el Prado?, le pregunta un periodista a Miguel Falomir, director del Prado.
¿Y a ti no te gustaría tenerlos en casa?, responde.
El Prado no podía faltar en la conmemoración del50 aniversario de su muerte. Advierte Javier Solana, presidente del Patronato del museo que, sin el Prado, Picasso no sería lo que es.
Ya se han inaugurado 22 de las 43 exposiciones del Año Picasso (nueve están abiertas actualmente).
Alonso Sánchez Coello, zugeschrieben / attributed to, Lady in a Fur Wrap, c. 1577-79, Glasgow Life (Glasgow Museums) on behalf of Glasgow City Council, the Stirling Maxwell Collection
La vinculación del artista malagueño con el museo se remonta a sus años de estudiante en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, cuando solía saltarse las clases para ir al Prado a copiar a los grandes maestros. Entre ellos Velázquez, pero siempre tuvo una obsesión especial por El Greco para disgusto de su padre, que no entendía esa querencia por el cretense.
Años más tarde, en septiembre de 1936, el Gobierno de la República lo nombró director del Prado (cargo que nunca ocuparía), con un sueldo de 15.000 pesetas anuales.
Cuando el Guernica llegó a España [dejó escrito que solo lo hiciera cuando se establecieran las libertades democráticas en nuestro país] se expuso en el Casón del Buen Retiro, sede del museo, pero la división de las colecciones entre el Prado y el Reina Sofía se fijó justo en 1881, año del nacimiento de Picasso, con lo que sus obras pasaron al Reina Sofía.
Sin embargo, sus trabajos han estado presentes en varias exposiciones en el Prado, como Picasso: tradición y vanguardia, y hasta uno de sus lienzos forma parte de su colección permanente. En 2021 el Prado canoniza a Picasso situándolo entre El Greco y Velázquez con su Busto de mujer 43.
Picasso se ha medido con todo y con todos: Giacometti, Julio González, Coco Chanel, los maestros antiguos, artistas contemporáneos… También con El Greco, quien consiguió lo que ninguna mujer en la vida de Picasso: fue la única pasión a la que se mantuvo fiel toda su vida.
Y eso que fueron muchas sus pasiones. Una de ellas, la artista Françoise Gilot, con quien vivió diez años y fue madre de dos de sus hijos, Claude y Paloma, falleció hace unos días a los 101 años.
Picasso se apropió del Greco (término tan cuestionado hoy en el arte contemporáneo) ya desde sus dibujos juveniles en el Prado. Yo El Greco, firmó uno de 1899. Toda una declaración de intenciones. En 1901, titula un célebre autorretrato: Yo, Picasso.
Y en una hoja de dibujos de su etapa académica escribe: Greco, Velázquez. Inspiradme. En 1603, El Greco pinta un retrato de su hijo Jorge Manuel como pintor. En 1950 Picasso hace su propia versión de esta obra: Retrato de un pintor (después de El Greco).
El Greco tardó tres siglos en ser entendido. Su redescubrimiento en el siglo XIX no fue por parte de historiadores del Arte, sino de escritores, artistas y críticos: Velázquez, Manet, Degas, Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Rusiñol, Casas, Nonell, Regoyos, Zuloaga, Diego Rivera, Klee, Schiele, Kandinsky, Pollock, Gautier, Góngora, Galdós, Pío Baroja… Cossío publica su primera monografía, Zuloaga compra La visión de San Juan, Degas tenía dos Grecos y Velázquez tres en su estudio, hoy en el Prado.
El Greco, Portrait of an old man, ca. 1595-1600, The Metropolitain Museum, New York
El crítico Gustave Coquiot fue el primero en vincular al Greco con la obra de Picasso, allá por 1914. Desde entonces se han visto las caras en exposiciones en París, Nueva York… Pero la mayoría de las veces se centran en la huella del Greco en la época azul de Picasso, muy evidente. El entierro del Conde de Orgaz influye en El entierro de Casagemas. En el periodo rosa es menos evidente.
Hace un año, el Kunstmuseum de Basilea inauguraba una gran exposición, comisariada por Carmen Giménez, cuya tesis era que la huella del Greco en Picasso fue más intensa y prolongada de lo que se creía.
De hecho, se mantuvo toda su carrera. Un cara a cara de altura, a través de una treintena de parejas de obras, fruto de un ambicioso proyecto de investigación que nació hace unos años, abanderado por Francisco Calvo Serraller y Carmen Giménez.
Tras la muerte del primero, lo continuó ella y se ha querido dedicar in memoriam al crítico y exdirector del Prado. Una fotografía de Picasso y su primera esposa, la bailarina rusa Olga Khokhlova, visitando la casa del Greco en Toledo en agosto de 1934, abría aquella muestra.
También está presente en la que ahora inaugura el Prado, comisariada igualmente por Carmen Giménez, y patrocinada por la Fundación Amigos del Prado (hasta el 17 de septiembre). Es mucho más pequeña que aquélla (solo cuatro parejas de obras) y está centrada en la novedosa tesis de la exposición de Basilea: la influencia del Greco fue crucial en la génesis del cubismo, la mayor revolución artística del siglo XX.
Según Carmen Giménez, comisaria también de la muestra centrada en el Picasso escultor en el museo del artista en Málaga:
El cubismo nace con El Greco
En la sala 9B del edificio Villanueva cuelgan cuatro espléndidos apóstoles pintados por El Greco en su época tardía (tres del museo del artista en Toledo, que atesora el ‘Apostolado’ de mayor calidad, pintado al final de su vida; y uno de colección particular), que se confrontan con otros tantos lienzos de Picasso de 1911-12, joyas de su cubismo analítico (el tema se descompone en fragmentos geométricos que van acumulándose hasta crear una imagen).
Son los Picassos más codiciados: apenas aparecen en el mercado y cuando lo hacen rompen todos los récords. Los que cuelgan en la exposición proceden del Kunstmuseum y la Fundación Beyeler, ambos de Basilea; el Guggenheim de Nueva York y el Museo Thyssen. Dice la comisaria:
La similitud de los apóstoles del Greco con los retratos cubistas de Picasso es asombrosa. Comparten sorprendentes ecos compositivos: similitudes en la pose, reducción del espacio pictórico, fondos monocromos (marrones, grises y cremas), la fragmentación de las formas en planos irregulares de diferentes colores…
En 1955 confiesa Picasso a su marchante Kahnweiler que admira los retratos de El Greco:
Lo que más me gusta de su obra son los retratos, todos esos señores con barba puntiaguda. Sus imágenes religiosas… todo eso es italiano, decorativo. ¡Pero los retratos!.
Pese a que en los 50 y los 60 parece decantarse más por Velázquez que por El Greco (hace versiones de Las Meninas ), en 1966 comenta Picasso a un periodista argentino:
¿Qué ven todos hoy en Velázquez? Prefiero mil veces más a El Greco. ¡Era realmente un pintor!.
Sigue muy presente en la última etapa de Picasso, cuando este vuelve la mirada a los clásicos, incluyéndose como uno más entre los más grandes.
En el dorso del retrato de un mosquetero, pintado en Mougins el 28 de marzo de 1967, firma así: ‘Domenico Theotocopulos van Rijn da Silva’, en clara alusión al Greco, Rembrandt y Velázquez, su venerada ‘santísima trinidad’.
Dice Carmen Giménez
El gran arte es atemporal, oscilante constantemente entre el pasado y el presente. Picasso entendió esto mejor que nadie en el siglo XX. Se consideraba a la altura de estos tres maestros
Más de tres siglos y medio los separan (El Greco nace en 1541 y muere en 1614; Picasso nace en 1881 y muere en 1973), pero son muchas las afinidades que la exposición saca a la luz: singularidad, pluralidad estilística, experimentación… Como quedó patente en la exposición El Greco y la pintura moderna, celebrada en el Prado en 2014, las vanguardias advierten en El Greco una modernidad que no tiene ningún otro artista: una expresión radical en la forma, el color y los temas; un lenguaje visual único; inventó una forma de pintura, desafió el canon clásico, puso énfasis en la verticalidad sobre la profundidad y en la perspectiva invertida, era muy poco convencional, pero, sobre todo, destaca Carmen Giménez su libertad:
Todos nos asustamos. Ayer por hoy, porque hace menos de 24 horas, contemple cuando andaba como caía del cielo algo a mis pies.
Fue tan repentino que en absoluto sabía lo que era, pero el perro y yo que cada día inventamos paseos por en medio de la nada, de repente advertimos un halcón pequeño color tabaco con un pájaro en las garras, al lado de mis pies.
Fue tal el sobresalto, que al halcón se le escapo el pájaro, mientras nosotros conteníamos la respiración.
Hace menos de 48 horas, al poner un poco de comida a los gatos de la calle, a menos de medio metro me encontré una hembra jabalí con varios rayones.
Se sobresaltó ella más que yo y solto un ronquido, y pude comprobar como los jabalíes polacos que han traído, mas corpulentos y de pelo largo, se han extendido salvajes por toda la provincia.
Se me parte el corazón que el año que viene los cacen con visor nocturno, porque la provincia esta vacía, no hacen daño a nadie y son discretos, aunque los agricultores se quejen a veces (pero somos nosotros los que les hemos invadido su hábitat).
Suelen comer cualquier cosas y son animales muy inteligentes, discretos y de gran lealtad.
Yo a las hembras en esta época, les compro manzanas y zanahorias de oferta y se las dejo escondidas, porque no quiero que piense que los humanos somos buenos, se quedan muy delgadas en la crianza de la prole.
En contra de lo que pueda parecer, sus principales enemigos son los perros silvestres, que de cachorros regalan en Navidad, y para el verano que ya no son peluches, los abandonan antes de las vacaciones por donde yo vivo, que está a 4 kilómetros de la ciudad.
Se asilvestran y vuelven a su condición de lobos. Van en grupo y cazan como ellos, uno derriba, los otros inmovilizan y un tercero degüella.
Así matan rallones y me encuentro sus esqueletos troceados, también cabras salvajes, que tenemos muchas, a los ancianos porque leo artrosis en los huesos que hallo y a los bebes que corren poco. Pero cazan para comer y solo lo justo.
Todos interactúan para la supervivencia, pero el peor depredador es el hombre.
Cada otoño y primavera veo a dos individuos con pinta de abogados perversos, con un BMW de gama alta como llegan a mi zona con carabinas modernas para derribar elefantes.
Es la época de la berrea y los machos cabríos salvajes, bajan de la sierra para dejar preñadas a las hembras y se saben amenazados.
Estos machos cabríos son de una gran dulzura, se han escapado del jardin del paraiso y no huyen ante la presencia humana. Impresionan los antiguos arruís del Atlas.
Estos impresentables cazadores de mierda, suelen tener un coto pequeño, que supongo cual es, pero nunca matan allí sino en las inmediaciones.
Derriban al animal desde un asiento placido y después le cortan la cabeza que dejan secar en cualquier sitio, supongo para colocar en su bodega y presumir de epica frente a los amigos.
El cuadro esta sobre el caballete en el estudio del pintor austriaco en el momento de su prematura muerte, en 1918
‘Dama con abanico’ (a la izquierda), en el caballete en el estudio de Gustav Klimt SOTHEBY’S
Sotherby´s saca a la venta el 27 de junio Dama con abanico una obra que no solo es la estrella de la temporada de subastas de verano en Londres, sino también una de las mejores y más valiosas obras de arte jamás ofrecidas en Europa.
Parte con un precio estimado de unos 80 millones de dólares.
Todavía sobre el caballete en el estudio de Gustav Klimt en el momento de la inesperada y prematura muerte del artista en febrero de 1918, Dama con abanico, un hermoso y seductor retrato de una mujer sin nombre, reúne toda la destreza técnica y la exuberancia creativa que definen la mayor obra del pintor austriaco.
El ultimo retrato que pinta Klimt también se encuentra entre sus mejores obras, creada cuando aún está en su apogeo artístico, y en un momento en que la formalidad de su anterior trabajo por encargo da paso a una nueva expresividad, una inmersión cada vez más profunda y alegre en el patrón, el color y la forma, que, aunque claramente influenciados por sus contemporáneos (Van Gogh, Matisse y Gauguin), se convierte en algo completamente diferente en sus manos.
Mientras las obras anteriores del famoso período dorado de Klimt -encabezadas por el icónico Retrato de Adele Bloch-Bauer de 1907 ve a su modelo presentada como un icono, en medio de un tapiz de formas doradas, aquí la modelo casi se disuelve en el fondo: el suave dibujo de la piel de la mujer repetido en el fondo amarillo pálido.
Klimt comienza a trabajar en Dama con abanico en 1917, momento en el que se encuentra entre los retratistas más célebres de Europa: los encargos llegaban abundantes y rápidos, por lo que pudo obtener precios mucho más altos que cualquiera de sus contemporáneos.
Pero esta fue una obra pintada enteramente en la búsqueda de sus propios intereses. Llena de libertad y espontaneidad, refleja la alegría de Klimt al pintarla y al celebrar la belleza en estado puro.
También revela su enfoque innovador. Tradicionalmente, los retratos se pintan, y todavía se pintan, en formato vertical.
Aquí, Klimt vuelve al formato cuadrado que usó para sus paisajes de vanguardia a principios de siglo, lo que le da a esta pintura un toque moderno único.
Klimt también aquí da plena expresión a su completa fascinación por el arte y la cultura china y japonesa.
Se sabe que los suntuosos kimonos de seda y las túnicas chinas fueron su vestimenta preferida, y en su hogar abundaban hermosos objetos de Oriente. Egon Schiele, un visitante habitual, lo describe así:
La sala estaba amueblada con una mesa cuadrada en el medio y una gran cantidad de grabados japoneses que cubrían las paredes… y de allí a otra habitación cuya pared estaba enteramente cubierta por un enorme guardarropa, que contenía su maravillosa colección de túnicas chinas y japonesas.
En Dama con abanico, Klimt se inspira principalmente en motivos chinos: el fénix (símbolo de inmortalidad y renacimiento, buena fortuna y fidelidad) y las flores de loto (símbolos de amor, matrimonio feliz, pureza).
Mientras tanto, su aplanamiento del fondo y la yuxtaposición de patrones refleja su profundo interés en las xilografías japonesas.
La pintura es adquirida poco después de la muerte de Klimt por el industrial vienés Erwin Böhler. Los Böhler (incluidos el hermano de Erwin, Heinrich, y su primo Hans) son muy amigos y mecenas tanto de Klimt como de Egon Schiele.
Pasan sus vacaciones con Gustav Klimt en Attersee, un lago cerca de Salzburgo que es la inspiración para muchos de los paisajes más importantes del artista y se pueden ver juntos en fotografías.
En 1916, Erwin compra Litzelberg, una pequeña isla en el lago inmortalizada en las pinturas de Klimt.
Erwin Böhler encarga al destacado arquitecto Josef Hoffmann que decore las habitaciones de su apartamento en el Palacio Dumba de Viena, donde el cuadro cuelga en la Sala de Música junto con unos paisajes de Klimt que también son parte de su colección.
El trabajo finalmente pasa a Heinrich y luego, tras su muerte en 1940, a la esposa de Heinrich, Mabel.
En 1967 esta en la colección de Rudolf Leopold, de quien se sabe que compra un gran grupo de dibujos de Schiele a Mabel Böhler en 1952 y es posible que también le adquiera este trabajo.
Mujer con abanico salió a subasta por última vez hace casi treinta años, en 1994, cuando fue adquirida en Sotheby’s por la familia del actual propietario.
Su precio entonces: 11,6 millones de dólares, lo que supuso un nuevo récord para Klimt.
El cuadro se exhibió en el Belvedere de Viena, junto con otras obras maestras tardías de Klimt.
Thomas Boyd Bowman, jefe de ventas nocturnas de Arte Impresionista y Moderno de Sotheby’s Londres, dice:
La belleza y la sensualidad del retrato residen en los detalles: las motas de azul y rosa que animan la piel del modelo, las líneas suaves de sus pestañas y los labios fruncidos que dan carácter a su rostro. Klimt aquí se dio total libertad para plasmar en el lienzo a una mujer de una belleza devastadora. Su hombro provocativamente descubierto, su aplomo y su tranquila seguridad en sí misma se combinan para lograr un efecto sorprendente.
Cuando estoy en la sala oscura en primera fila, por el efecto fi del cerebro me sobresalto cuando dispararan, me enamoro del protagonista, odio a los malvados, beso a los niños…
Antes compro palomitas y gominolas de colores poco kosher, no quiero pensar que en el pellejo de la vaca que han hervido con colorantes para rebozar en azúcar, ni en el aceite de girasol refinado que es una grasa hidrogenada.
Tanta comida bio para esto, menudo degenero.
Mientras como palomitas en un envase XXL que se me caen por el escote. Cuando la película termina, subito recojo , para que la limpiadora no vea la calamidad alrrededor.
En la sala oscura y vacía, soy Peggy Guggenheim en sus ratos libres, sofisticada y desdeñosa.
Pienso en Richar Avedon cuando hacia una foto a su familia en la puerta de fastuosas villas, sentados en un Ferrari prestado.
Donde están los cinéfilos casposos con los que compartía maratones de cine japonés, iraní, polaco, palestino etc ¿se han suicidado en masa?
Como la madre de Hamlet era una adolescente con dos niñas…llevaba una mochila con galletas, sándwiches y agua y nos metíamos en la sala oscura de trastornados anónimos.
Criaturas cándidas, se dormían al instante y yo mientras exultante veía varias pelis, en lengua original subtituladas, algunas en blanco y negro, otras mudas.
En los primeros 20 como yo, la mayoría estudiantes, hipnotizados pasábamos horas sobresaltados de repente, otras placidos…porque el cine era dramático y en ocasiones lloraba comiendo galletas y cuando las luces se encendían me secaba rapido.
Las niñas con el tiempo empezaron a no dormirse y a tener buen paladar y a la salida comentaban que les habia sorprendido de todo, mientras se quitaban las migas del bocadillo por todas partes.
Hoy tengo mas registros y cuando algo me sorprende lo valoro pero ¿Dónde se quedaron las secuencias largas sin dialogo?
El Papa Julio II, el mismo que escandalizó a Lutero en 1511 por el libertinaje que vivía Roma, definió cuando todavía era cardenal al Papa Alejandro VI como «un catalán, marrano y circunciso» (catalogarle de circunciso era como llamarle judío).
Un vaso de vino con César Borgia’, de John Collier
Aunque la familia Borgia era valenciana, una región de España en auge en ese momento, y nunca lo escondió, era tal el odio hacía los catalanes, a causa de su protagonismo militar y comercial durante la expansión de la Corona de Aragón por Italia, que la denominación se empleaba a finales del siglo XV como un insulto vinculado a la maldad y la avaricia. Todos los aragoneses en Italia eran considerados catalanes.
La familia Borgia por Dante Gabriel Rossetti.
La hostilidad contra los catalanes, enfocada con tanta saña en la familia que dio dos Papas al mundo, forma parte fundamental de la leyenda negra que ha arrastrado España durante siglos.
La mala reputación del Imperio español en Italia, transformada en hostilidad abierta durante el reinado de Carlos V tuvo su antecedente en la expansión mediterránea de la Corona de Aragón a finales de la Edad Media.
Rodrigo Borja, Alejandro VI
Así, a comienzos del siglo XII, el Reino de Aragón se unió con el condado de Barcelona a través del matrimonio de Berenguer IV y Petronila de Aragón, formando una confederación de territorios en lo que más tarde se llamaría la Corona de Aragón.
En esta entidad política, donde cada parte conservaba sus propias instituciones pero tenían un único soberano, los catalanes fueron el elemento que impulsó originalmente la expansión en el Mediterráneo.
En 1282, los sicilianos se rebelaron contra el Rey francés, Carlos de Anjou, que el Papa Inocencio III les había impuesto. Pedro III de Aragón aprovechó la coyuntura histórica para conquistar Sicilia con la ayuda de los almogávares, mercenarios de élite encabezados durante esta campaña por Roger de Flor . Para ello, no escatimó en violencia.
En los siglos XIV y XV, el comercio catalán adquirió extraordinaria importancia y se acentuó la rivalidad entre Barcelona y las ciudades italianas, que se quejaban de los privilegios que la corona de Aragón otorgaba a los comerciantes catalanes en Sicilia.
Cuando una comitiva de catalanes se presentó en Nápoles para entregar a Jaime de Aragón como esposa a la princesa Constanza, hija de Manfredo I de Sicilia, dejaron la impresión de miserables y recelosos, siendo descritos en ‘El Decamerón’ de Boccaccio, a través del personaje de don Diego Della Ratte, como un pueblo avaro.
Si mi hermano pudiera prever esto/ evitaría la pobreza avara de los catalanes, para no recibir ningún daño, cita el florentino Dante Alighieri en su célebre obra la ‘Divina Comedia’ (Paraíso, canto VIII).
El escritor florentino, que apoyó a los franceses durante el conflicto en Sicilia, recoge en sus versos el recelo que provocaban los catalanes en Italia y deja fe escrita de la fama histórica, basada en tópicos, que ha acompañado a los habitantes de esta región española hasta nuestros días.
Jofre Borgia
Cuando fue escrita esta obra poética, la mejor forma de insultar a un catalán en Italia era recordar la rigidez de sus bolsillos y referir los defectos vinculados al mal comerciante.
¡Un Papa bárbaro y catalán! Advertid a qué grado de abyección hemos llegado nosotros, los italianos. Reinan los catalanes y solo Dios sabe hasta qué punto están de insoportables en su dominio
Lejos de amilanarse por los insultos, la Corona de Aragón continuó su expansión por Italia. En 1297, el Papa Bonifacio VIII atribuyó Cerdeña al Rey Jaime II, que la conquistó en 1324. Asimismo, Alfonso ‘El Magnánimo’ tomó en 1443 el Reino de Nápoles, aunque lo consideró una posesión personal y lo legó a su muerte a su hijo bastardo Ferrante.
El litigio por decidir al fallecimiento de este último quién debía seguir al frente de Nápoles, que de facto pertenecía a Aragón, causó un conflicto entre los Reyes Católicos y Francia, donde el Gran Capitán resolvió en favor español con la ayuda de tropas castellanas.
En medio de toda esta hostilidad contra los españoles, en general, y los catalanes, en particular, la designación del valenciano Calixto III como Papa en 1455 levantó una ola de indignación por toda la península.
«¡Un Papa bárbaro y catalán! Advertid a qué grado de abyección hemos llegado nosotros, los italianos. Reinan los catalanes y solo Dios sabe hasta qué punto están de insoportables en su dominio», recoge una carta dirigida a Pedro de Cosme de Médici, señor de Florencia.
Aunque el pontificado de Calixto III, llamado ‘El Papa Bárbaro’, duró solo tres años, abrió las puertas de Roma a un joven valenciano, el sobrino del Papa, que iba a elevar a su máxima expresión el odio hacia los catalanes en Italia.
Rodrigo de Borja nació en Játiva, Valencia, en el seno de una importante familia de nobles que habían participado de forma destacada durante la conquista cristiana del territorio valenciano a los musulmanes.
Con el ascenso al papado de su tío, Rodrigo Llançol i Borja le acompañó a Roma, donde se produjo la adopción de la grafía italiana por la que serían mundialmente conocidos, pasando de «Borja» al italianizado «Borgia».
A la muerte de Inocencio VIII, cuatro cardenales se destacaron en el cónclave que debía elegir a un sucesor: el milanés Ascanio Sforza , el genovés Lorenzo Cibo, sobrino del difunto, el napolitano Giuliano della Rovere , y el valenciano Rodrigo Borgia. Pese a que su condición de no italiano reducía en gran medida sus posibilidades, el cardenal valenciano fue el que finalmente fue reconocido como nuevo pontífice gracias al apoyo de Ascanio Sforza, que, viendo imposible el desempate a su favor, cedió a cambio de la vicecancillería de Roma, un poderoso cargo que había ejercido el propio Borgia durante décadas.
Otro ataque recurrente contra los españoles fue el llamarlos «malos cristianos» por su convivencia durante siglos con musulmanes y judíos
Alejandro VI era calificado de forma despectiva como catalán por los italianos y odiado como a uno de ellos. Así y todo, los crímenes de los Borgia (abusos en el poder, nepotismo, tráfico de influencias, etc) fueron idénticos a los de otros Papas y no alcanzaron los índices de desvergüenza de Julio II o León X , con la salvedad de que pocos pontífices han sido de nacionalidad no italiana.
Más allá de los escándalos familiares y sus ambiciones personales, la actividad de Alejandro VI en la Cátedra de San Pedro resultó extraordinariamente productiva: promulgó diversas medidas de tipo jurídico, como la creación de un Tribunal Supremo compuesto por cuatro grandes doctores de Jurisprudencia, y el establecimiento de normas tendentes a evitar los abusos judiciales que se producían en los tribunales inferiores.
La muerte de Rodrigo Borgia , posiblemente a causa de un envenenamiento, y la caída en desgracia de sus familiares y seguidores fue celebrada por toda Italia.
Sin embargo, la mala fama de los españoles no terminó con el Papa español y su leyenda negra. Con la llegada al trono de España de Carlos I de la familia de los Habsburgo, el recelo se trasladó también a los castellanos, que eran vistos como la punta de la lanza de un sistema imperial que tenía sus garras puestas en Italia.
En 1527, las tropas imperiales, formadas en su mayoría por mercenarios, saquearon Roma y obligaron al pontífice del momento, Clemente VII, a refugiarse en el Castillo de San Ángelo ( el antiguo Mausoleo de Adriano ).
En consecuencia, la intensidad del odio aumentó, aunque los soldados castellanos y aragoneses no tuvieron apenas implicación en el saqueo, y frente a la superioridad militar de los españoles –Dios´era fatto Spagnuolo (Dios se hizo español)– surgió la burla italiana.
De aquella época datan los chistes sobre la virtuosidad de los militares españoles presentados como bravucones y fanfarrones, como el soldado español que aparece en «La ilusión cómica» de Corneille.
Otro ataque recurrente contra los españoles fue el llamarlos «malos cristianos» por su convivencia durante siglos con musulmanes y judíos.
El Papa Paulo IV detestaba a los españoles, de los que decía ser «malditos de Dios, simiente de judíos, moros y herejes».
Y sobre Carlos I y Felipe II, el napolitano afirmaba: «Quiero declararlos despojados de sus reinos y excomulgarlos, porque son herejes». Así y todo, el odio italiano contra los españoles no adquirió la virulencia mostrada por otros países del centro de Europa más tarde, como en el caso de Holanda, y se disipó conforme disminuyó la influencia de España en Italia.
«Los historiadores italianos actuales son los primeros en reconocer y rehabilitar, en aspectos esenciales, la presencia de España en Italia», analiza Joseph Pérezen su libro La leyenda negra en contraste con los de otros países europeos que han permanecido anclados en la leyenda y las mentiras hasta hace bien poco.
La IA entrenada en Japón es capaz de identificar 21 veces más rápido estas figuras que un ser humano a simple vista.
Nuevas figuras de Nazca en Peru
Esta tecnología ayuda a los investigadores a analizar imágenes satelitales o aéreas con distintos objetivos, a veces en misiones militares y otras con la intención de comprender misterios tan conocidos como las líneas de Nazca. Una nueva investigación revela figuras hasta ahora desconocidas en el desierto de Perú, encontradas por la inteligencia artificial.
Figuras encontradas por la IA en Peru
El significado que esconden las líneas de Nazca llevan décadas siendo una incógnita intrigante para la comunidad científica. Estas inmensas figuras geométricas de animales marcadas en la superficie del desierto en la región de Ica, al sur de Lima, fueron realizados por la cultura nazca (siglos I-VII), pero a día de hoy, su función sigue sin estar clara. Salvo para un equipo de investigadores japoneses que, mediante el uso de la tecnología, lleva años estudiándolas y afirman que podrían haber servido para marcar caminos y senderos.
Una de las figuras descubiertas por la inteligencia artificial en la Pampa de Nasca del desierto peruano. | Fuente: The Yamagata University Institute of Nasca
El equipo de la Universidad de Yamagata, al oeste de Japón, utiliza imágenes aéreas y drones para observar las figuras. Con esas imágenes, la inteligencia artificial de IBM estudia su ubicación y facilita encontrar nuevas figuras y su posible significado. Así, los investigadores liderados por Masato Sakai acaban de anunciar que esta tecnología de aprendizaje profundo ha sido capaz de identificar cuatro nuevos geoglifos: un humanoide, un par de piernas, un pez y un ave. El par de piernas mide 78 metros de longitud, mientras que el pez es de 19 metros y el pájaro de 17 metros.
Las fotografías de Nasca y las posibles figuras que esconde encontradas por la IA.Fuente: The Yamagata University Institute of Nasca
En el comunicado, explica la Universidad de Yamagata que el aprendizaje profundo demuestra un alto rendimiento en tareas como el reconocimiento de imágenes, el procesamiento del habla y el procesamiento del lenguaje natural. En el reconocimiento de imágenes, el sistema aprende de forma similar a la detección humana que distingue un perro de un gato, pero a través de redes neuronales inspiradas en el cerebro humano que se entrenan con grandes conjuntos de datos.
La tecnología entrenada por este equipo es capaz de identificar 21 veces más rápido estas figuras que un ser humano a simple vista, indica el informe publicado en la revista Science Direct.
Región de Nazca analizada por los investigadores.
Explican los investigadores que el modelo de machine learning analiza a gran velocidad el conjunto de datos visuales al mismo tiempo que aprende a reconocer las características asociadas a las obras de arte grabadas o geoglifos.
Los cuatro geoglifos descubiertos por la inteligencia artificial
Para conseguir este resultado, los investigadores describen cómo han entrenado la tecnología de IBM en Japón. Ha sido un proceso laborioso pues los patrones de los geoglifos de Nazca que se conocen son únicos y complejos, no repetitivos.
Es difícil encontrar nuevos geoglifos utilizando modelos de detección de objetos de aprendizaje profundo entrenados solo en geoglifos conocidos, por ello dividimos los geoglifos conocidos en elementos pictóricos simples. También se recortaron las imágenes que pueden llegar a tener 300 metros de longitud.
Las imágenes aéreas se redimensionaron, este enfoque nos permitió intentar la detección de geoglifos de diferentes tamaños.
Con la redimensión de las escalas y la división de las imágenes se solucionó otro problema, la escasez de datos, pues solo contaban con 21 figuras con las que entrenar a la inteligencia artificial. Este trabajo les facilitó 307 datos de entrenamiento.
El entrenamiento de estas herramientas tardó varios años. – Foto: Getty Images
Así, los investigadores comprobaron que el método había servido al ver que el sistema reconocía figuras ya conocidas, pero con las que no había sido entrenado. Posteriormente reveló las cuatro figuras nuevas.
Con inteligencia artificial se logró un nuevo descubrimiento. – Foto: Getty Images/iStockphoto
Tras el hallazgo y siguiendo con su investigación, el grupo de investigación afirma en el comunicado estar en conversaciones con el Ministerio de Cultura de Perú para implementar medidas que protejan los geoglifos descubiertos a través de la IA.
El blog de Ila Basmati 