La transición de la República al Imperio Romano tuvo como principal protagonista a una de las figuras más célebres de la Antigüedad, cuya fama ha perdurado hasta nuestros días: Julio César (100-44 a.C.).

Excepcionalmente dotado como estratega, político, orador y prosista, su carrera política y militar lo llevaría, tras dirigir la victoriosa campaña de las Galias y derrotar a Pompeyo en la guerra civil (49-46), a imponerse sobre las debilitadas instituciones republicanas y a hacerse con el control absoluto del poder, desde el que se propuso acometer reformas que posibilitasen mantener la creciente influencia de Roma sobre el Mediterráneo.

El complot que terminó con su vida dos años después le impidió ver realizados sus proyectos; sin embargo, aquel a quien había designado como su sucesor, Octavio Augusto, acabaría por convertirse en el primer emperador romano.

Cayo Julio César nació el 13 de julio del año 100 antes de Cristo (según la fecha más comúnmente aceptada) en un barrio no muy aristocrático de Roma, cercano a la actual vía Cavour.

Se sabe poco de su infancia, transcurrida en el seno de una familia patricia, la gens Julia, que pretendía descender de Eneas (a quien se consideraba hijo de Venus), y en la cual, en algún momento, se había insertado una rama que agregó el nombre de César.

Los miembros de la familia habían vivido al margen de la lucha continua por los cargos que permitían hacer carrera pública hasta llegar al consulado, la aspiración máxima.

La infancia y la primera juventud eran breves en aquellos tiempos. Desde los diez años, César fue puesto al cuidado de un ilustre maestro especialista en literatura griega y romana, Marco Antonio Gnifón, para que se ocupase de su educación.

Aprendió a leer y escribir en la traducción de la Odisea hecha por Livio Andrónico. Seguramente sus dotes naturales le permitieron aprovechar al máximo las enseñanzas de su maestro, de modo que fue perfeccionando su lenguaje y aprendiendo los rudimentos de la oratoria, fundamentales para una carrera política.

Si bien su familia no había ocupado altos cargos, las inclinaciones del grupo le volcaban hacia el partido popular. Julia, una hermana del padre de César, se había casado con Cayo Mario, plebeyo de origen pero hombre muy poderoso por su capacidad militar. La familia ingresó, probablemente a través de Mario, en los círculos del partido popular.

El padre de Julio César no pudo sino acceder al segundo cargo de mayor importancia del Estado, la pretura. Ostentaba dicho cargo cuando su hijo, de quince años, debió asistir a la ceremonia por la que se abandonaban las vestiduras infantiles orladas de púrpura y se recibía la toga viril.

A los quince años, en aquel 85 en el que moriría su padre, César era un hombre. Inmediatamente tomó por esposa a Cornelia, hija de Cinna, uno de los dirigentes máximos (junto con Cayo Mario) del partido popular y hombre todopoderoso en Roma.

Con esta decisión, la gens Julia terminó por asociarse en forma definitiva con los intereses del pueblo, enfrentándose al corrompido patriciado romano. Todo esto debió de resultar algo duro para Julio César, que era un joven que llevaba una vida libre de prejuicios, liberado ya de la rigidez de su maestro e inclinado hacia todo tipo de lecturas, incluido el teatro.

Para casarse con Cornelia tuvo que romper un compromiso anterior, lo que provocó tensiones en el seno de la familia. César tuvo con ella una hija, Julia, a la que estuvo vinculado toda su vida y por la que siempre sintió un profundo afecto, a pesar de que su relación matrimonial con Cornelia fue casi circunstancial.

Al iniciarse su vida matrimonial, César debió de ingresar en el círculo de hombres importantes de los que se rodeó su tía Julia, viuda ya de Mario.

En esa época fue designado flamen dialis, es decir, sacerdote de Júpiter, el más importante de los dioses romanos.

En el año 82, el cónsul y general romano Sila (que había vencido a Mitrídates, haciéndole retroceder a las primitivas fronteras de su reino en el Ponto) regresó victorioso a Roma y, como era habitual, tomó cumplida venganza sobre sus adversarios «populares»; los asesinó, proscribió el ascenso a cargos públicos de sus descendientes, incautó sus bienes e instauró una nueva forma de estado, inaugurando un tipo de dictadura absoluta por tiempo indefinido, concepto jurídico que Julio César no olvidaría en el futuro.

Pero de momento Sila, que tuvo algunas consideraciones con las familias patricias inclinadas hacia el populismo, exigió a César que repudiara a Cornelia. César respondió al mensajero de Sila con un famosa frase («dile a tu amo que en César sólo manda César») y optó por el exilio en Asia.

Nada de esto fue fácil; César fue perseguido y se puso precio a su cabeza. Tuvo que comprar su libertad a un soldado que le había encontrado, y finalmente, por ruegos de familiares cercanos al dictador y la intermediación de sacerdotisas de la diosa Vesta, Sila indultó «al joven de la toga suelta», epíteto que aludía a la costumbre de César de no ajustarse el cinturón de su toga, que caía así libremente, según un uso que entonces se consideraba poco viril. Fue un perdón a regañadientes.

Sila había columbrado el temible porvenir del muchacho cuando afirmó, según Suetonio, que Caesari multos Marios inesse (en César hay muchos Marios), queriendo significar con esa frase el peligro que entrañaba su resuelta personalidad. César, no obstante, no se abrevió a regresar a Roma y pasó al servicio del propretor Termes, el cual, por ser César hijo de un miembro del Senado, le confirió el grado de oficial. Participó así en la toma de Mitilene de Lesbos, ciudad aliada con Mitrídates, y su comportamiento militar le valió una condecoración.

Termes decidió entonces enviarlo a la corte de Nicomedes IV, rey de Bitinia (reino situado en la costa sur del mar Negro y el mar de Mármara), a fin de afianzar relaciones. Entre Nicomedes y César se trabó una íntima amistad que fue objeto de rumores, algo muy habitual de la época, por otra parte.

El hecho es que César volvió un par de veces a Bitinia y que, a la muerte de Nicomedes, el reino fue incorporado a Roma como una provincia más, pasando todos sus habitantes a ser «clientes» de César.

Esto ocurriría en el 74 a.C., cuando ya Julio César era dictador absoluto de Roma, y aun en las grandes celebraciones (una curiosa muestra de la libertad de la que algunos gozaban en la Roma de aquellos días) sus propios soldados cantaban coplas en las que burlonamente se referían a sus probables relaciones homosexuales con Nicomedes.

Sus enemigos le recordarían a menudo este oprobioso episodio, llegando a bautizarle con el infamante sobrenombre de Bithynicam reginam (la reina de Bitinia).

Muerto Sila, César regresó a Roma en el 78. En su corta vida había ya adquirido bastante experiencia en los negocios públicos y había ejercitado su capacidad de mando. Sin duda César pensó que la muerte de Sila le permitiría un rápido progreso entre los populares, pero se equivocaba.

Sila había dejado todo bien atado, y el poder de los conservadores optimates («hombres excelentes»), que dominaban el Senado, detenía al partido popular. Julio César, político nato (y así hay que entenderlo siempre para comprender el sentido de muchos de sus actos), se propuso profundizar en la comprensión del laberinto de la cosa pública. Consideró que su formación aún no había sido completada y viajó a Rodas para estudiar retórica con Apolonio de Molón, un brillante y renombrado maestro quien encontró en su discípulo excelentes cualidades innatas para la elocuencia.

Sólo Cicerón, que también había recibido lecciones de Apolonio, le superó entre sus contemporáneos en el arte de la oratoria.

En el viaje fue raptado por los piratas que asolaban el Mediterráneo y que vivían del rescate que exigían por sus víctimas. La historia ha sido sin duda exagerada, pero el temor y el respeto que, según se ha repetido, los piratas llegaron a sentir por él, son ilustrativos de la arrogancia de César y de su capacidad para fascinar incluso a sus enemigos. Una vez libre reunió un pequeño ejército, fletó barcos y arremetió contra los piratas, a los que venció, quedándose él y sus soldados con todo cuanto poseían.

Los supervivientes de la aventura fueron finalmente crucificados en Mileto, y César emprendió una inmediata campaña contra Mitrídates, que volvía a levantarse contra el imperio.

Desconocía entonces el testamento de Nicomedes IV, hecho de singular importancia para él, ya que el rey de Bitinia le dejaba un legado que, junto con el botín de los piratas, saneaba su situación económica, siempre maltrecha.

No obstante, la campaña contra Mitrídates fue confiada a otras manos, porque la muerte en el 74 de su tío Aurelio Cota dejaba vacante un cargo en el Colegio de Pontífices de Roma, cargo que solicitó y que le fue concedido, como también, al año siguiente, el de tribuno militar.

Estas designaciones no hicieron más que acelerar la carrera política de César. En el 68 era cuestor y viajó a la Hispania Ulterior. Se cuenta que César lloró ante la estatua de Alejandro Magno, erigida en la ciudad de Cádiz, pensando en qué poco podía parangonarse su carrera con la del conquistador de Oriente y cuánto deseaba emular en su fuero interno al invencible general macedonio. En cierta ocasión quedó trastornado por un sueño en el que aparecía violando a su propia madre, pero los adivinos le profetizaron por ello buenos augurios, puesto que interpretaron que la madre simbolizaba la Tierra, madre de todas las cosas, y ello significaba que se adueñaría del mundo. Y lo cierto es que, vertiginosamente, fue acumulando dignidades en los años sucesivos. En el 65 fue designado edil curul; en el 63 murió el presidente del Colegio de Pontífices, y César, con veintisiete años, presentó su candidatura enfrentado a Catulo, dirigente de los optimates.

César sabía que emprendía una aventura económica (la lucha por el poder exigía siempre dinero) y que si perdía sería implacablemente perseguido. Pero la elección mostró la popularidad de que gozaba entre el pueblo, y fue nombrado pontifex maximus. La pretura, el peldaño inmediatamente anterior al consulado, llegó en el 62, y fue enviado como propretor a Hispania Ulterior, territorio que ya conocía muy bien, donde no sólo hizo sólidas amistades, sino que enriqueció el erario público (con gran satisfacción de Roma) y fortaleció notablemente su pecunia personal y su capacidad de mando sobre un gran ejército, condición indispensable para el éxito político en Roma. Cuando en el año 60 regresó a la Ciudad Eterna, el camino estaba abierto para la gran aventura.

El paso a la condición máxima de cónsul lo dio en el año 59. Consciente de las fuerzas del Senado (dominado siempre por los conservadores), en el que César se había librado inteligentemente de sus desafortunadas vinculaciones con el rebelde Catilina, comprendió que sólo una alianza entre poderosos podía neutralizar a los équites. Propuso entonces a su viejo amigo y valedor, Craso, constituir juntamente con Pompeyo una sociedad de defensa mutua que los obligara a actuar siempre por unanimidad (institución luego conocida como «triunvirato»). La alianza fue efectiva y César, en compañía de Calpurnio Bíbulo (un candidato de los équites), fue designado cónsul.

El triunvirato se fortaleció, además, con el matrimonio de Pompeyo con Julia, la hija de César. César, a su vez, se casó con Calpurnia. Había repudiado por infidelidad a Pompeya, su segunda esposa, en el 62, después de un escandaloso episodio: durante los misterios de la Bona Dea, una fiesta nocturna exclusiva para mujeres que tenía lugar en casa del propio Julio César, una de las sirvientas descubrió la presencia de un intruso disfrazado de mujer, Publio Clodio, lo que provocó la indignación de las asistentes. Se acusó a Pompeya de ser amante de Clodio, extremo éste que nunca pudo probarse. César no quiso dar crédito a la denuncia y absolvió a ambos del delito de adulterio en el que se habían visto inculpados. Todo el mundo se asombró de que aun así repudiara a su esposa, pero él contestó con una frase que se ha hecho famosa: «la mujer de César no sólo debe ser casta, sino parecerlo».

La legislación progresista de César tenía una base agraria. Hizo votar leyes de reparto de tierras a los veteranos y de asentamiento de colonos en tierras conquistadas, práctica que luego se extendió a toda Italia, concediendo además a los colonos la plena nacionalidad romana. Bíbulo, ante la imposibilidad de oponerse a César, optó por el retiro. El tribuno de la plebe, Publio Vatinio, antiguo amigo y asociado de César, a fin de evitar el juicio de César por los conservadores después de su consulado, propuso una ley que el Senado no pudo sino aprobar, por la que se le concedían en calidad de procónsul (lo que impedía su juicio posterior), y por el término de cinco años, tres legiones, las provincias de las Galias cisalpina y transpadana y la Iliria. Estas concesiones fueron renovadas por cinco años más en abril del 56, en la reunión de Lucca, a la que asistieron los «triunviros».

Craso, mientras tanto, seguía destinado en Siria, donde dirigió la guerra contra los partos y en la que murió en el 53, y Pompeyo continuaba en el proconsulado de Hispania. Estas condiciones permitieron que César se hiciera con todo el poder. Para ello todo medio podía ser útil: como pontifex maximus autorizó a Clodio, antiguo amante de su esposa Pompeya, a que fuese adoptado por un plebeyo, para poder así, a pesar de su condición original de patricio, acceder al cargo de tribuno de la plebe. Y así fue como el agradecido Clodio se ocupó de limpiar de enemigos el camino de César.

Vercingetórix arroja sus armas a los pies de César (Lionel Royer, 1899)

Ya en su provincia de la Galia, Julio César parecía decidido a no intervenir en problemas bélicos, pero lo hizo cuando así lo pidieron sus habitantes. Los eduos comenzaban a sentir la amenaza de los helvecios, los cuales a su vez buscaban nuevos territorios, empujados por la invasión de los germanos acaudillados por Ariovisto. Las legiones de César acudieron en ayuda de los eduos, y vencieron a helvecios y suevos. Esto marcó el comienzo de la ocupación sistemática de la Galia por las fuerzas de César, ayudado por sus lugartenientes Labieno y Craso.

Fue una lucha prolongada en la que el país fue literalmente saqueado, un tercio de su población murió luchando y otro tercio probablemente fue vendido como esclavo. Sucesivamente, en acciones en las que César conoció también la derrota, fueron sometidos todos los pueblos galos. En medio de esta lucha, entre los años 55 y 54, César desembarcó en Inglaterra y peleó hasta más allá del Támesis, pero finalmente tuvo que retirarse. Al año siguiente (invierno del 54-53), volvió a agitarse la Galia. Se sublevaron eburones y trevinos, y finalmente todos los pueblos galos, bajo el caudillaje de Vercingetórix. Los romanos conocieron el desastre en la batalla de Gergovia, pero las fuerzas de Vercingetórix fueron sitiadas largo tiempo y finalmente vencidas en Alesia. La rendición de los belovacos (belgas) en Uxellodunum (51) puso punto final a la dominación de las Galias, aunque el sometimiento total sólo se logró en el invierno de diciembre del 51 a febrero del 50, tras reducir pertinaces focos de resistencia.

Los soldados romanos salieron enriquecidos de estas campañas; los oficiales, naturalmente, aún más. César saneó sus finanzas, enriqueció las arcas del Estado, fue largamente generoso con sus amigos y hasta reservó una importante cifra para el futuro. Inundó con tanto oro la ciudad de Roma que el noble metal se depreció en por lo menos un treinta por ciento. La guerra de las Galias fue registrada en De bello gallico, una de las dos obras conservadas de César, escrita en 52-51, que no sólo es el documento más valioso para el conocimiento de aquel hecho, sino que también debe ser considerada como una pieza maestra del latín clásico.

La otra obra conservada de Julio César, De bello civili (literariamente inferior a la primera, tal vez porque no tuvo siquiera tiempo de revisar sus manuscritos), se refiere a los hechos que cubren la guerra civil entre los años 49 y 45. El inmenso poder acumulado por César provocó el pánico del partido senatorial, sus enemigos de siempre. Por otra parte, muchos republicanos vieron en este poder el más grave peligro para la república. Y además, circunstancias internas tenían convulsionada a la ciudad. El Senado designó en el 52 a Pompeyo como cónsul único, y cuando el bando senatorial volvió a sentirse fuerte, entre el 51 y el 50, Pompeyo (ahora enemigo de César) le pidió que licenciara a sus legiones y regresara a Roma.

César cruza el Rubicón

En esa tesitura, vacilante e indeciso, Julio César se hallaba frente al pequeño río Rubicón, que separa la Galia Cisalpina de Italia, cuando, según unos por su proverbial osadía y según otros por imperativo de los hados, fue presa de un impulso irrefrenable y arrastró sus tropas tras de sí exclamando Alea jacta est! (¡la suerte está echada!). Esta acción desencadenaría la guerra civil: ocupó Picenas, Umbría y Etruria, se dirigió a Brindisi para interceptar el paso a Pompeyo, aunque no lo consiguió, y volvió sobre sus pasos para entrar en Roma, donde convocó al Senado e impuso sus condiciones.

La batalla definitiva tendría lugar en Farsalia, epopeya cantada por Lucano en versos inmortales. El poeta describe a Pompeyo «en el declinar de sus años hacia la vejez», como «sombra de un gran nombre», y a César como «fogoso e indomable», un hombre que acudía a actuar «dondequiera que le llamara la esperanza o la cólera». Allá se encontraron «enseñas leonadas frente a enseñas iguales y hostiles, idénticas águilas frente a frente y picas amenazando idénticas picas». César venció y Pompeyo huyó a Alejandría, donde murió el 28 de septiembre del año 48 a.C. a manos de soldados de Ptolomeo, quien mantenía un contencioso con su hermana y esposa, Cleopatra, sobre el trono de Egipto. Al enterarse del trágico final de Pompeyo, César lloró su muerte.

César llegó a Egipto acompañado por dos legiones, la décima y la duodécima; en total, unos seis mil hombres. Tras acomodar a sus hombres en el palacio real, se dispuso a poner orden en la difícil situación interna del país del Nilo, dividido por el enfrentamiento entre los dos hermanos y esposos reinantes, Ptolomeo XIII y Cleopatra VII. César y Cleopatra mantuvieron una intensa y famosa relación amorosa que daría como fruto un hijo: Cesarión. César dio el trono a Cleopatra (47 a.C.), lo que, unido a la presencia de las tropas romanas en el palacio de los faraones y a la deposición de Ptolomeo XIII, hizo que el pueblo, dirigido por los consejeros fieles al rey, se amotinase y tratase de tomar el palacio.

César y Cleopatra (Jean-Léon Gérôme, 1866)

Durante cuatro meses, César resistió atrincherado en el palacio frente a los sesenta mil hombres del egipcio Aquiles. Finalmente, cuando llegaron los refuerzos dirigidos por Mitridates de Pérgamo, César protagonizó una de sus geniales acciones militares y logró atravesar el cerco egipcio para reunirse con Mitridates, tras lo cual las fuerzas combinadas de ambos destrozaron a las tropas egipcias en una sangrienta batalla en la que falleció Ptolomeo XIII. Cleopatra se trasladó después a Roma, donde vivió hasta la muerte del dictador.

Aquella guerra entre romanos no había terminado aún. César desempeñaba su tercer consulado cuando tuvo que volver a luchar contra las fuerzas senatoriales en Tapso, en abril del 46, y contra las últimas fuerzas de los hijos de Pompeyo en Manda, en marzo del 45, cuando ya era cónsul por cuarta vez. En términos guerreros no quedaba prácticamente nada por hacer. Incluso en medio de la guerra civil, en el 47, había derrotado definitivamente a Farnaces, el eterno enemigo rey del Ponto. Cinco días después de llegar, le presentó batalla y en unas cuantas horas devastó las tropas enemigas. Inmediatamente cursó al Senado romano una célebre y lacónica relación de los hechos: veni, vidi, vici, (llegué, vi, vencí). Jamás fue derrotado personalmente en ningún combate que entablase, aunque sí lo fueran sus generales.

César fue, pues, dueño absoluto de la república romana y del mundo mediterráneo. Se había cumplido el sueño de su juventud: la totalidad del poder, dentro del marco legal de la república. César era imperator y dictador. Como tal, volvió a ejercer su típica clemencia con sus enemigos; no olvidó su política agraria y de asentamiento de colonos; aumentó el número de fiestas populares, aunque cuidándose de no incurrir en gastos ruinosos para el Estado; dispuso normativas económicas y financieras que protegían a los menos fuertes, trató de morigerar el lujo de los poderosos y limitó los gastos en banquetes; diseñó profundas transformaciones políticas, dictó leyes que ampliaban la ciudadanía romana a capas más vastas de la población, y comenzó a pensar en un mundo distinto al hasta entonces conocido dentro de los límites de la ciudad romana.

César estaba convencido de que, para mantener el dominio en Oriente y poder llevar a cabo con éxito la expedición final contra los partos (la única amenaza para el imperio), necesitaba ser rey absoluto fuera de los confines territoriales de Roma. Y éste fue el detonante. Unos sesenta miembros de familias importantes, casi todos senadores, se conjuraron para eliminar a César y restaurar la legitimidad y legalidad de la república, temerosos de que la abrumadora acumulación de cargos y privilegios que recaían en su persona terminase por darle la puntilla a la desvencijada República y César se proclamase a sí mismo rey.

De hecho, algunos comentaristas ponen en su boca estas jactanciosas y desafiantes palabras: «La República no es nada, es sólo un nombre sin cuerpo ni figura». Pero para muchos de ellos fue sin duda un pretexto que disimulaba sórdidos resentimientos y apetitos. Dirigían la conjura Casio, Bruto y Casca. Bruto era hijo de Servilia, la más famosa de las amantes de César, y el propio Julio César lo había acogido como hijo adoptivo y colmado de honores. Casio había luchado junto a César siempre en busca de botín, por lo que no fue difícil comprarlo. Casca, por último, era un tradicional enemigo de Julio César. Otros conjurados no tenían probablemente otro objetivo que el de eliminar al dictador y se comprometieron, como impuso Bruto, a respetar a su lugarteniente Marco Antonio.

Muerte de Julio César (Vincenzo Camuccini, 1798)

César concurrió al Senado el día 15 (los idus de marzo), fecha para la que se había fijado la sesión que discutiría la expedición contra los partos. Fue al Senado a pesar de los ruegos de Calpurnia en el sentido de que no lo hiciera, ya que durante la noche había tenido sueños premonitorios. Alguien retuvo a Marco Antonio en la antesala del Senado. Cuando César se hubo sentado, lo rodearon y lo atacaron con sus puñales y dagas. Según la tradición, ante la puñalada de Bruto, César exclamó kai su teknon, frase en griego que posteriormente se latinizó en la famosa ¡tu quoque, fili mi! (¡tú también, hijo mío!). César emitió un quejido a la primera puñalada, luego se mantuvo en silencio.

Había recibido 23 puñaladas; posiblemente una sola de ellas había sido mortal. Mientras los aterrorizados senadores huían (hecho que no entraba en el plan de los conjurados), César, envuelto en su toga, caía al pie de la estatua de Pompeyo. La sanguinaria escena, augurada por los adivinos y que desataría una nueva guerra fratricida, acredita, siguiendo la descripción de Suetonio, la postrera elegancia del héroe: «Entonces, al darse cuenta de que era el blanco de innumerables puñales que contra él se blandían de todas partes, se cubrió la cabeza con la toga, y con la mano izquierda hizo descender sus pliegues hasta la extremidad de las piernas para caer con más dignidad.» El hombre que había ganado un mundo y había contribuido a modificar irreversiblemente el destino de Occidente y de buena parte de Oriente era ya nada más que un despojo sangrante.

El 17 de marzo el Senado se reunió de forma urgente para tratar la crítica situación del estado a raíz del asesinato de César. Se aprobaron medidas de compromiso entre los dos bandos opuestos: los tiranicidas no eran castigados y, a su vez, no se condenaba ni la persona ni la obra de César. El poder recayó en Marco Antonio, que en ese momento ocupaba el consulado junto con César. El testamento de César legaba 300 sestercios a cada ciudadano necesitado de Roma y entregaba sus jardines del Trastevere al pueblo romano, lo que estimuló la devoción popular por su figura hasta extremos impresionantes; se pidió la ejecución de los tiranicidas y se rechazó el compromiso de Marco Antonio con los asesinos de César, lo que a la larga le costaría el poder. Al no tener César herederos varones, en su testamento quedó establecido que su sobrino nieto, Octavio, se convirtiera en su sucesor. Octavio llevaría a cabo las reformas de César y se convertiría en el primer emperador de Roma, con el nombre de César Augusto.

https://www.biografiasyvidas.com/monografia/julio_cesar/

El bodhisattva Ashvaghosha en una pintura japonesa del período Muromachi (1392-1573).Metropolitan Museum, New York

La fecha de nacimiento y muerte del Buda Gautama son inciertas, aunque se suele citar Kapilavastu, Lumbini, en la actual Nepal, como lugar de nacimiento hacia el año 566 a.C. y su muerte en Kushinagar en torno al año 486 a.C. Nacido como Siddharta Gautama, era un príncipe de la nobleza.

Aloka Vihara en Matale (Sri Lanka), donde las enseñanzas de Buda se pusieron por escrito por primera vez en el siglo I a.C. Michele Burgess / Cordon Press

Su madre murió poco después de su nacimiento y su padre lo crió alejado de todos los males del mundo entre lujos y comodidades. Un hombre santo profetizó que estaba destinado a algo grande, ya fuera ser un gran rey, un extraordinario militar o un gran líder espiritual. Quién fue Buda estuvo marcado por el inicio de su vida.

Fragmento de un manuscrito del Rigveda datado entre 1495 y 1735 d.C. Biblioteca Británica, Londres.

Su padre lo casó a los 16 años siguiendo la costumbre y Siddartha se mantuvo aislado en su mundo de riqueza durante 13 años más.

Buda y sus seguidores.

Una pintura mural de una estupa de Miran, un oasis de la Ruta de la Seda  en el desierto de Taklamakán. 200-400 d.C. Museo Nacional, Nueva Delhi. Alamy / ACI

Cuando contaba 29 años, tras el nacimiento de su hijo, quiso encontrar un mayor significado a su vida y salió del palacio. 

La estupa de Sarnath.Marca el lugar del sermón: el Parque de los Ciervos, un santuario de animales y lugar de encuentro de ascetas. Bruno Perousse / Gtres

En el exterior conoció el sufrimiento, la vejez y la muerte, que le enseñaron que la vida es algo transitorio y el joven decidió buscar un significado a la existencia.

Agni, personificación del fuego y uno de los dioses védicos más importantes, en un relieve hacia el año 1000 d.C. Tras él aparecen brahmanes llevando
a cabo distintos rituales. Cordon Press

Abandonó el palacio y a su familia y se unió a un grupo de ascetas dedicados a la meditación buscando la iluminación.

Bimbisara ofrece a Buda un retiro para las siguientes
tres estaciones de lluvias. Miniatura de un manuscrito birmano. 1800-1820. Biblioteca Británica, Londres.

Buda, el maestro.Escultura de Buda hallada en Sarnath; en ella hace con las manos el gesto o mudra de la enseñanza. Siglo V d.C. Cordon Press

Durante seis años tuvo varios maestros religiosos que lo condujeron por una vida de ascetismo, meditación y estudio, pero no consiguió llega a la meta que deseaba.

No dudó en redoblar sus esfuerzo soportando dolor, hambre y sed.

El templo de Maia.En el interior del templo se aprecian las estructuras de ladrillo, las más antiguas del recinto. Pep Roig / Cordon Press

Sin embargo, no fue hasta que una niña le ofreció una taza de arroz y leche que entendió que ese no era el camino y que la austeridad corporal extrema no era la senda hacia la liberación espiritual.

Este imponente relicario budista, cuya construcción debió de empezar el rey Ashoka en el siglo III a.C., está rodeado por un muro en el que se abren cuatro arcos (torana) con escenas de la vida de Buda.

La columna de Ashoka. En ella está la inscripción que rememora la vista de
este rey maurya a Lumbini. Siglo III a.C. Ira Block / NG Image Collection

Los 5 ascetas que lo acompañaban lo abandonaron, pero él empezó a alentar a las personas a seguir un camino de equilibrio, el Camino del Medio. Por la noche se sentó bajo el Árbol de Bodhi en profunda meditación para purificar su mente.

Seis días y seis noches después (o 49 días según otra tradición), tras superar las amenazas del demonio Mara, llegó al estado de iluminación que buscaba tras formarse en su mente una imagen de todo lo ocurrido en el universo.

Brahmán representado en el recinto budista de Duldur Aqur (Xinjiang), en la Ruta de la Seda. Siglo VI d.C.

Se disolvieron sentimientos contrapuestos e ideas rígidas, experimento el aquí y ahora a la vez que la separación entre tiempo y espacio desapareció.

Buda junto al árbol bodhi, bajo el cual alcanzó la iluminación, entre sus discípulos y varias divinidades. Arte grecobúdico de Gandhara. Siglo II d.C.

Todo se fundió en un estado de «radiante felicidad intuitiva» convirtiéndose en una conciencia omnipresente y atemporal.  Siddhartha Gautama se había convertido en el Buda, en el que «está despierto».

Maia se sujeta al árbol sal (shala) para ayudarse a dar a luz, y alumbra al futuro Buda por su costado derecho. Siglos II-III d.C. Smithsonian, Washington.

El budismo es una doctrina filosófica y espiritual desarrollada en Asia y basada en las enseñanzas del Buda Gautama.

Buda ascético. Arte grecobúdico de Gandhara. Museo Arqueológico, Lahore.

Su fin último es llegar al nirvana, eliminando el sufrimiento y la transmigración de las almas. Existen dos ramas principales en el budismo; el budismo Theravada y el budismo Mahayana. El budismo es la cuarta religión del mundo en importancia y tiene más de 500 millones de seguidores.

Suddhodana, noble sakya que fue el esposo de Maia y el padre de Buda.

Para saber quién fue Buda sólo hay que entender que es una de las figuras más influyentes de la historia humana y que sus enseñanzas han impregnado otras religiones más allá del budismo y han influido en otros campos como la literatura, el arte o la filosofía en todos los lugares del mundo.

Siddhartha, arriba, muestra su habilidad con el arco; abajo, se casa con Yasodhara. Manuscrito birmano. 1800-1820. Biblioteca Británica, Londres. 

Muerte de Buda. Esta pintura tibetana del siglo XVIII muestra el parinirvana de Buda: su muerte física, acaecida ante sus discípulos, supuso el punto final en el ciclo de renacimientos y sufrimiento. Museo Guimet, París. Erich Lessing / Album

Relicario hallado en la estupa de Piprahwa, que supuestamente contuvo restos de Buda.

Quién fue Buda | Todo sobre la verdadera historia de Buda

¿Te crees que alguien va a interesarse por ti? Jamás lo harán sólo por ti: incluso las personas que crees que te aprecian, sólo será una especie de curiosidad por una persona cuya vida rozó la mía tan íntimamente (Picasso)

Paloma y Claude de Picasso (1951)

Antes de empezar su relación con el pintor ya soñaba con seguir su vocación. Para ella, que ha muerto hoy a los 101 años de edad, la pintura era como respirar y tanto fue así que llegó a convertirse en una de las mujeres más valoradas del panorama artístico. Esta es la historia de Françoise, una mujer que vivió mucho más que su relación con el artista malagueño…

Françoise Gilot tenía todo aquello que cualquier mujer creativa añoraba: una trayectoria reputada en el sector del arte, una pareja con la que compartía vocación y dos niños, Claude y Paloma.

Podía presumir de conciliar sus tres pasiones saboreando cada día al máximo, mezclándolas en un cóctel perfecto en el que los ingredientes le permitían vincular su vida profesional con la personal en una sintonía inigualable a la que pocas mujeres tenían acceso. Era una privilegiada.

Comenzó su relación con el artista español Pablo Picasso a los 21 años, tras conocerle en 1943 cuando él, obnubilado por su belleza se acercó a ella para ofrecerle un cuenco de cerezas aún a pesar de estar cenando con la que también fuera su pareja, artista -y sombra-, Dora Maar.

Todo cambió a partir de entonces y comenzaron una relación de montañas rusas, empinadas, aún más, por el agrio carácter del malagueño. «Nadie deja a un hombre como yo», llegó a decirle.

«Espera y verás», contestó ella. Y así fue: su relación se basó solamente en el plano físico e intelectual, pero nunca llegó a alcanzar el emocional.

Al menos para ella. No había ningún pilar que pudiera sostenerla. Siempre faltó empatía, interés y, sobre todo, entendimiento.

Pero en realidad esto no es más que una anécdota, porque hablar de Picasso al hablar de Gilot como artista no resulta adecuado ni tampoco necesario.

La trayectoria de la francesa comenzó mucho antes de conocer al pintor y, afortunadamente, fue de las pocas que lograron un nombre sin estar a las espaldas del mismo. Después, también fue mujer de Luc Simon y de Jonas Salk.

Nació en Neuilly-sur-Seine como hija de un empresario agronomista y una acuarelista. Los esfuerzos de su padre por dirigirla hacia la abogacía de poco sirvieron cuando su madre le enseñó a pintar.

También ingresó como estudiante de filosofía y literatura inglesa en la Universidad de Cambridge y en el Instituto de la Universidad de Londres en París.

Muy a pesar de los esfuerzos que su padre empeñó en que también terminara sus estudios de Derecho que había empezado en Rennes, Françoise dejó la carrera para volcar toda su pasión en lo que realmente ella quería, que era el arte.

Siempre estuvo rodeada de un ambiente del que no podía hacer más que aprender: de Mlle Meuge hasta Jacques Beurdeley, pero la admiración más profunda la sentía por Malraux y, sobre todo, por Matisse, quién terminó convirtiéndose además en su amigo -algo que, además, enfurecía a Picasso-.

Encasillar a Françoise es buscar una pieza difícil de encajar. Estuvo influenciada en gran medida por el cubismo, pero desarrolló un ADN propio y un estilo que solo, podía ser, el estilo de Gilot ya que tomaba referencias de este movimiento pero huía de bordes afilados y marcados, apostando por siluetas mucho más orgánicas, fluidas y por la abstracción. Pertenecía a la reality nouvelle. Pintaba paisajes, naturaleza muerta y autorretratos. Cada pincelada tenía, además, una potente carga simbólica que fue lo que le llevó a ser hoy una de las mujeres artistas que más influencia.

Porque Gilot bebió de inspiración a lo largo de toda su vida. Siempre trabajó a caballo entre París, Londres, California y Nueva York.

Sobre esta última ciudad además confesaría sentir la libertad en sus calles, y por eso asentó allí su estudio.

Ahora sus cuadros, que repasan más de siete décadas de trabajo, se encuentran expuestos en centros artísticos como el MoMa, el Met o el Pompidou y su obra es una de las más demandadas en las subastas más exquisitas que se celebran alrededor de todo el globo terráqueo como las casas de subastas Sotherby´s  o Christie’s, llegado a venderse cada una de sus obras por más de un millón de dólares.

La artista ha muerto hoy, a los 101 años de edad.

https://www.harpersbazaar.com/es/cultura/ocio/a38921097/francoise-gilot-picasso-artista-obras/

Muere la pintora Françoise Guillot, amante de Pablo Picasso y madre de su hija Paloma (msn.com)

https://www.abc.es/cultura/arte/muere-101-anos-artista-francoise-gilot-mujer-20230606211432-nt.html

https://elpais.com/cultura/2023-06-06/muere-la-pintora-francesa-francoise-gilot-pareja-de-picasso-y-madre-de-claude-y-paloma.html

https://www.niusdiario.es/cultura/20230606/muere-francoise-gilot-expareja-picasso-madre-dos-hijos-101-anos_18_09726913.html

https://www.heraldo.es/noticias/ocio-y-cultura/2023/06/06/muere-artista-francoise-gilot-expareja-picasso-1657064.html

Dante Gabriel Rossetti crítica a  Sir Joshua Reynolds, fundador de la Royal Academy of Arts.  Opina que la pintura académica imperante no hace sino perpetuar el manierismo de la pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Angel, con composiciones elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad. Por esa razón, propugna el regreso de la ingenuidad sin resabios de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael 

Una exposición en la Tate Britain celebra el mundo extraño y extremo de la familia Rossetti, que desafía las convenciones en el arte y la vida.

Los Rossetti son Christina, su hermano Dante Gabriel y su esposa Elizabeth. Su arte y poesía asombran a la Gran Bretaña victoriana, pero ¿su mayor legado se encuentra principalmente en su producción o en su espíritu bohemio? The Rossettis una nueva exposición en la Tate Britain, invita al mundo de una familia victoriana muy atípica. Es un mundo donde la moda de vanguardia se encuentra con la liberación femenina, la adicción a las drogas, el radicalismo político y los wombats. Dice Carol Jacobi, curadora de la exposición:       

A los Rossetti les gustaba todo lo extraño y extremo. Estaban muy impacientes con las reglas convencionales del arte y la literatura. Buscaban héroes alternativos: fueron el primer movimiento artístico de vanguardia de Gran Bretaña.

Para algunos, las pinturas de Dante Gabriel Rossetti (y la Hermandad Prerrafaelita, el movimiento que cofunda) son remilgadamente moralizantes, especialmente cuando se comparan con los movimientos artísticos franceses contemporáneos como los impresionistas y los posimpresionistas, con sus experimentos formales más audaces y una descripción más franca de la vida moderna. Pero eso pasa por alto el aspecto más importante de la generación Rossetti en Gran Bretaña. Su principal contribución es una nueva actitud radical, la bohemia.

En un inicio, define un termino peyorativo para los nomadas romaníes en Francia. El término se utiliza desde entonces para definir a los individuos de comportamiento poco convencional y elecciones de moda experimentales: aquellos que se saltan las reglas de la sociedad. 

La bohemia es un asalto a cualquier valor percibido como de clase media. Eso implica roles de género convencionales, actitudes conservadoras hacia el amor, valores familiares tradicionales, conformidad en el vestir y la represión del placer sensual.

¿Cómo impulsaron los Rossetti este estilo de vida tan influyente entre los artistas en la Gran Bretaña victoriana? ¿Y cómo entran en escena los wombats? Comienza con el hogar familiar no convencional. Los Rossetti son londinenses de primera generación: su padre es un luchador por la libertad y poeta italiano, y su madre es una erudita, también de una familia italiana. Los jóvenes Rossetti se crian en un entorno único donde la política progresista y la creatividad artística es de gran valor.

La poesía de Christina Rossetti se publicó por primera vez cuando tenía 16 años; su trabajo más conocido es Goblin Market (Crédito: Tate)

Christina Rossetti (1830-1894) abre un camino temprano: su poesía se publica por primera vez cuando tiene solo 16 años. Probablemente su poema más conocido sea Goblin Market (escrito en 1859), una alegoría asombrosamente original de la sexualidad corrompida en un mundo materialista. Estos temas se reflejan más tarde en las pinturas de Gabriel y Elizabeth. Christina era una radical tranquila que llevaba una vida poco convencional para una mujer en ese momento. Estableció una carrera muy exitosa y bien remunerada sin la dependencia burguesa de un marido como tutor financiero.

Si todavía te preguntas acerca de los wombats, son relevantes para el hermano de Christina, Dante Gabriel Rossetti (1828-1882). Fue igualmente precoz y cofundó un nuevo movimiento artístico revolucionario, la Hermandad Prerrafaelita, a la edad de 20 años. El «PRB» se dedicó a desafiar la autoridad de la Real Academia de las Artes de Gran Bretaña. Creía en un arte que ofrecía la verdad basada en la precisión perceptiva y el coraje moral, los cuales Gabriel creía que faltaban en el arte académico favorecido por las clases medias. Dirigió a sus contemporáneos artísticos con carisma, inspiración y una perspectiva revolucionaria que podía ser tentadoramente extraña y, a menudo, rayana en lo escandaloso. Explica Carol Jacobi: 

Gabriel abandonó la escuela de arte; no hay nada más bohemio que eso. Usaba un vestido de noche durante el día, y era la primera de estas personas que vestía de negro para ser cool.

En su actitud hacia el amor, Gabriel probablemente se ve a sí mismo como un libertino que empuja los límites. Pero sus relaciones tampoco tenían en cuenta las emociones de nadie más que las suyas. Mientras esta en una relación a largo plazo con Elizabeth Siddal (que duró 10 años antes de que él le propusiera matrimonio), Gabriel tuvo una cita con Fanny Cornforth, una popular modelo prerrafaelita. Más tarde tuvo una aventura con Jane Morris, esposa de su amigo William Morris.

Después de la muerte de Siddal en 1862, Gabriel se muda a una casa en Cheyne Walk, Chelsea. Se convierte en sede de sus excesos de rock ‘n’ roll, particularmente su obsesión por las mascotas exóticas. Los wombats eran una fijación particular, pero también tenía un armadillo, pavos reales, canguros, un topo y un sabueso de Pomerania llamado Punch. A su mascota, el tucán, le enseñaron a andar por la casa en una llama. 

Estos animales con frecuencia se volvían locos en la casa o escapaban para aterrorizar a los respetables vecinos de Gabriel. 

Según el pintor estadounidense Whistler, a altas horas de la noche Gabriel hizo llevar su wombat a la mesa junto con café y puros, para que pudiera disfrutar de las lecturas de otro invitado, el escandaloso poeta Algern Charles Swinburne.

Estas historias sacan a relucir aspectos clave del carácter bohemio: un desdén por las normas burguesas, una inclinación por la automitificación y quizás el más influyente, la idea de que el arte no tiene que estar en una caja en una galería o museo. Para Gabriel, la vida misma se convierte en una especie de forma de arte. Los excesos de Gabriel alcanzan nuevas profundidades en 1869, cuando exhuma el cadáver de Siddal de su tumba en el cementerio de Highgate para recuperar un manuscrito de poemas que había colocado debajo de su cabello. Las páginas tuvieron que empaparse en desinfectante durante dos semanas antes de que Gabriel pudiera transcribirlas para su publicación. Al igual que Siddal, Gabriel muere relativamente joven en 1882, a causa de las adicciones al alcohol y al hidrato de cloral, un sedante prescrito por un médico.

Elizabeth Siddal (1829-1862), la amante y eventual esposa de Gabriel, es una mujer pionera del siglo XIX, que idea sus propias modas no convencionales y hechas a sí misma, y ​​establece su independencia como artista. Dice Jacobi:-

Ella redefinió por completo la ropa de mujer. Simplemente no le vendría bien la crinolina, los corsés y todo eso, así que lo que hizo fue rediseñar la ropa de trabajo. Salió con moda adaptada y con el pelo suelto. Esa libertad de vestir fue muy inspiradora. Se convirtió en el look – si quisieras verte a ti misma como una joven progresista, así es como te vestirías

Siddal es una mujer de clase trabajadora que trabaja en una tienda de sombreros antes de entablar amistad con artistas prerrafaelitas en 1849. Sirve como modelo en sus pinturas y luego se convierte en artista por derecho propio. Gabriel y Elizabeth colaboran y se influyen mutuamente. Su historia de amor y eventual matrimonio es tumultuosa y problemática y desde entonces se mitificado. Pero hay aspectos de su carácter bohemio que se manifiestan con fuerza en su historia.

Ella en gran medida no llevó su vida de acuerdo con las reglas. Pasó años con Rossetti antes de que se casaran, y recientemente se ha sugerido que no era el caso que estaba esperando a que Gabriel se casara con ella, sino que estaba manteniendo deliberadamente su independencia

Autodidacta, desafió la categorización social y usó la liberación como una insignia de orgullo. 

Estas características fueron innovadoras en el Londres victoriano, pero se convirtieron en la definición misma de la bohemia en el siglo siguiente y más allá. Trágicamente, como Gabriel, Elizabeth fue víctima de una adicción: murió por una sobredosis de láudano, un opioide que se usaba como analgésico en el siglo XIX.

La historia de los Rossetti contiene tanto triunfo como tragedia. Pero su mayor don a la historia del arte (legado en tres historias de vida muy distintas) es inventar la primera subcultura artística de Gran Bretaña, en conflicto directo con los estándares victorianos. Christina rompe los estereotipos de género sobre la creatividad femenina, el amor y la vida familiar; Gabriel se burla de las normas burguesas de todo tipo e hizo de la vida cotidiana un evento artístico; y Siddal establece una independencia creativa única. En lugar de vivir los estilos de vida dictados por la sociedad, eligen su propio camino y se convirten en los bohemios artísticos originales de Gran Bretaña.

BBC

La primera mención a las sirenas en la literatura occidental se remonta a la Odisea homérica.

Recientemente fue el estreno mundial de la nueva versión de la factoría Disney de La sirenita adaptación libre del cuento del autor danés Hans Christian Andersen, publicado originalmente en 1837.

Este clásico ya fue llevado por Disney a la pantalla grande en 1989 como película de animación. La nueva versión, con actores de carne y hueso, sigue de cerca ese molde.

En el cuento de Andersen y en las dos adaptaciones cinematográficas, la protagonista es una joven bellísima, con cola de pez y una voz cautivadora. Pero ¿siempre se han representado las sirenas de esta forma?

La primera mención a las sirenas en la literatura occidental se remonta a la Odisea homérica. En su regreso a su patria Ítaca después de la Guerra de Troya, el héroe Odiseo (Ulises para los romanos) sufrió muchísimas aventuras por el Mediterráneo y se las tuvo que ver con peligrosos seres, entre ellos las sirenas.

De todos estos peligros le previene la maga Circe, y el primero de ellos son las sirenas que a los hombres encantan.

Quien, incauto, se aproxima a ellas y escucha su voz se siente irremediablemente atraído y no regresa a su patria. Esas sirenas vivirían en algún lugar de la actual costa napolitana. Con su dulce canto -que heredan de su madre, una de las musas- hechizan y retienen a los hombres, por lo que la costa está llena de huesos de desgraciados marinos.

En la mitología y la literatura clásicas hay seres híbridos, como las sirenas, con partes de su cuerpo con forma humana y otras partes con rasgos animalescos

Odiseo sigue el consejo de Circe para poder disfrutar de la dulcísima voz de las sirenas sin riesgo: a él lo amarran al mástil y sus hombres se tapan los oídos con cera. Homero no las describe, pero conservamos cerámicas que reproduce esta escena de la Odisea y las representa como mitad mujer, mitad ave.

También se habían tropezado con ellas los Argonautas en su viaje de vuelta tras hacerse con el vellocino de oro. En esta ocasión es Orfeo quien, con su canto, las contraprograma y logran superar el peligro. Y en un poema muy posterior titulado las Argonáuticas órficas, el canto de Orfeo trae consigo la muerte de las sirenas y su transformación en rocas.

En la mitología y la literatura clásicas hay seres híbridos, como las sirenas, con partes de su cuerpo con forma humana y otras partes con rasgos animalescos: harpías, gorgonas, esfinges, asociadas a lo negativo, a la perdición de los hombres. Todas son mujeres.

El primer testimonio que describe a las sirenas con cola de pez es el Libro de los monstruos de diverso tipo, un bestiario (es decir, una colección de descripciones de animales reales o fantásticos) anónimo en latín del s. VIII:

Las sirenas son doncellas marinas que engañan a los navegantes con su bellísimo aspecto y con la dulzura de su canto; desde la cabeza al ombligo tienen un cuerpo de doncella y son muy parecidas al ser humano, pero sin embargo tienen escamosas colas de peces.

Dejaron así su hábitat en la tierra, aunque cerca de la costa, para sumergirse en el fondo del mar, y se destaca de ellas por primera vez su belleza.

El escritor y humanista Boccaccio (s. XIV) recoge en su Genealogía de los dioses paganos las tradiciones clásica y medieval y ofrece una interpretación alegórica de estos seres híbridos. Insiste en su belleza y su capacidad para engatusar a los hombres, asimilándolas a las prostitutas.

De aquí en adelante, se las asocia con lo peor del género femenino: el erotismo de su atractivo físico (con frecuencia se las representa con los senos desnudos y largos cabellos) seduce a los ingenuos hombres y les hace perder su dinero y, peor aún, incluso su alma, convirtiéndose en una tentación continua contra la que se predica desde la moral cristiana.

En el Romanticismo, la visión negativa de la sirena se contrarresta con la nueva imagen, mucho más positiva, representada en el cuento de Andersen. La protagonista de éste, cuando cumple 15 años y sale a la superficie, se enamora de un apuesto príncipe, al que rescata durante un naufragio.

Por amor a él renuncia a la seguridad de su medio y hace un tenebroso pacto con la bruja del mar: cambia su preciosa voz por  dos piernas. El hechizo le provoca terribles dolores al caminar o bailar, pero no le importa.

 A pesar de esta dulcificación de su imagen, aún queda en nuestro mundo la huella de la visión negativa de las sirenas.

El trato con la bruja la obliga a casarse con el príncipe para salvarse. La sirenita sabe que, si no lo logra, morirá y se deshará en espuma marina. Aunque el príncipe la quiere como a una hermana, se casa con la princesa que cree que le salvó de ahogarse en el hundimiento.

La bruja le ofrece una salida para no morir: asesinarlo y poder volver a convertirse en sirena. Ella es incapaz de llevarlo a cabo y se arroja al mar para evitarlo. Pero, gracias a su amor, en vez de convertirse en espuma, se transforma en una de las hijas del aire, seres que pueden conseguir un alma inmortal si hacen buenas obras.

A pesar de esta dulcificación de su imagen, aún queda en nuestro mundo la huella de la visión negativa de las sirenas. Así, la expresión cantos de sirena se utiliza para designar un discurso agradable y persuasivo que encierra un engaño.

Afortunadamente, este concepto convive con el otro, mucho más positivo, que retrata a las sirenas como muchachas con cola de pez, hermosas e inofensivas, incluso benefactoras, como la del cuento de Andersen o la adaptación de Disney.

Seres que se han convertido en símbolo de ciudades, como la Sirenita de Copenhague, o incluso de empresas, como la sirena de dos colas del logo de Starbucks.

https://www.bbc.com/mundo/noticias-65765039

A new exhibition at Tate Britain celebrates the ‘strange and extreme’ world of the Rossetti family, who challenged conventions in art and life, writes Matthew Wilson.

Meet the Rossettis: Christina, her brother Dante Gabriel, and his wife Elizabeth. Their art and poetry stunned Victorian Britain, but is their greatest legacy to be found mostly in their output, or their spirit of bohemianism? The Rossttis, a new exhibition at Tate Britain, invites us into the world of a very atypical Victorian family.

It’s a world where avant-garde fashion meets female liberation, drug addiction, political radicalism, and wombats.

The Rossettis were into anything strange and extreme,» Carol Jacobi, the curator of the exhibition, tells BBC Culture. They were very impatient with the conventional rules of art and literature. They were looking around for alternative heroes: they were Britain’s first avant-garde art movement.

The bohemian spirit of outlandish fashion and excessive behaviour is central to modern-day music, design, clothing, and art

For some, the paintings of Dante Gabriel Rossetti (and the Pre-Raphaelite Brotherhood, the movement he co-founded) are too punctilious and primly moralising, especially when compared to contemporary French art movements like the Impressionists and the Post-Impressionists, with their bolder formal experiments and franker depiction of modern life.

But that misses the most important aspect of the Rossetti generation in Britain. Their major contribution was a radical new attitude for artists and female creatives in the country – «bohemianism».

The white poppy in Rossetti’s Beata Beatrix, 1864 symbolises the death of his wife, Elizabeth Siddal, who overdosed on laudanum in 1862 (Credit: Tate / Baroness Mount-Temple)

Originating as a derogatory term for Roma traveller in France, the term has since been used to define individuals of unconventional behaviour and experimental fashion choices: those who mischief the rules of society and soar towards adventure, and expressive freedoms.

The bohemian spirit of outlandish fashion and excessive behaviour is central to modern-day music, design, clothing, and art.

Its counter-cultural swagger is integral to the devil-may-care attitude of performers like Patti Smith and the 1975’s Matty Healy, the outré fashion of David Bowie and Lady Gaga, and the hedonism of Keith Richards and Kate Moss.

At its heart, bohemianism is an assault on any value perceived to be middle-class. That involves conventional gender roles, conservative attitudes towards love, traditional family values, conformity in dress, and the repression of sensual pleasure.

How did the Rossettis kick-start this influential way of life among artists back in Victorian Britain? And how do wombats come into the picture? It begins with the unconventional family household.

The Rossettis were first-generation Londoners: their father was an Italian freedom-fighter and poet, and their mother was a scholar, also from an Italian family. The young Rossettis were brought up in a unique environment where progressive politics and artistic creativity were of the highest value.

Christina Rossetti’s poetry was first published when she was 16 years old; her best-known work is Goblin Market (Credit: Tate)

Christina Rossetti (1830-1894) blazed an early trail – her poetry was first published when she was just 16 years old. Probably her best-known poem is Goblin Market (written in 1859), a startlingly original allegory of sexuality corrupted in a materialist world.

These themes would later be mirrored in Gabriel’s and Elizabeth’s paintings. Christina was a quiet radical, leading an unconventional life for a woman at the time. She established a highly successful and well-remunerated career without the bourgeois dependence upon a husband as financial guardian.

If you’re still wondering about the wombats, they are relevant to Christina’s brother, Dante Gabriel Rossetti (1828-1882). He was equally precocious, co-founding a revolutionary new art movement, the Pre-Raphaelite Brotherhood, aged 20.

The «PRB» was dedicated to bucking the authority of Britain’s Royal Academy of Arts. It believed in an art that offered truth based on perceptual accuracy and moral courage, both of which Gabriel believed to be lacking in academic art favoured by the middle classes.

He led his artistic contemporaries with charisma, inspiration, and a revolutionary outlook which could be tantalisingly bizarre and often bordering on the scandalous.

Dante Gabriel Rossetti co-founded the Pre-Raphaelite Brotherhood, which was dedicated to challenging the authority of the Royal Academy (Credit: Alamy)

«Gabriel dropped out of art school – you don’t get much more bohemian than that,» Carol Jacobi explains.

«He would wear evening dress during the day, and he was the first of these people who would go around wearing black to be cool.»

Wombats were a particular fixation, but Rossetti also kept an armadillo, peacocks, kangaroos, a mole, and a Pomeranian hound named Punch

In his attitude towards love, Gabriel probably saw himself as a boundary-pushing libertine. But his liaisons were also mindless of anyone’s emotions but his own. Whilst in a long-term relationship with Elizabeth Siddal (which lasted 10 years before he proposed marriage) Gabriel had a tryst with Fanny Cornforth, a popular Pre-Raphaelite model. He later had an affair with Jane Morris, wife of his friend William Morris.

A wombat in Three Animals Studies by Christina Rossetti, one of the many exotic pets kept by Dante Gabriel Rossetti in his Cheyne Walk residence (Credit: Alamy)

After Siddal died in 1862, Gabriel moved into a house in Cheyne Walk, Chelsea. It became host to his rock ‘n’ roll excesses, particularly his obsession with exotic pets. Wombats were a particular fixation, but he also kept an armadillo, peacocks, kangaroos, a mole, and a Pomeranian hound named Punch. His pet toucan was taught  to ride around the house on a llama.

These animals frequently ran amok in the household or escaped to terrorise Gabriel’s respectable neighbours. According to the US painter Whistler, late one night Gabriel had his wombat brought to the table along with coffee and cigars, so that it could enjoy readings by another guest, the scandalous poet Algenon Charles Swinburne. 

These stories bring out key aspects of the bohemian character – a disdain for bourgeois norms, a penchant for self-mythologising, and perhaps the most influential, the idea that art didn’t have to be boxed in a gallery or museum.

For Gabriel, life itself became a kind of art form. Gabriel’s excesses reached new depths in 1869, when he exhumed the corpse of Siddal from her grave in Highgate Cemetery to retrieve a manuscript of poems that he had placed beneath her hair. The pages had to be soaked in disinfectant for two weeks before Gabriel could transcribe them for publication. Like Siddal, Gabriel was to die relatively young in 1882, from addictions to alcohol and chloral hydrate, a medically prescribed sedative.

Elizabeth Siddal completely redefined women’s clothing… she just couldn’t be doing with crinoline and corsets – Carol Jacobi

Elizabeth Siddal (1829-1862), Gabriel’s lover and eventual wife, was a pioneering woman of the 19th Century, devising her own unconventional and self-made fashions, and establishing independence as an artist. «She completely redefined women’s clothing,» says Jacobi.

«She just couldn’t be doing with crinoline and corsets and all that stuff, so what she did was to redesign working clothes. She went out in adapted fashions with her hair down. That freedom of clothing was so inspirational. It became the look – if you wanted to see yourself as a progressive young woman, that’s how you would dress.»

Elizabeth Siddal, c1854 – Siddal worked in a hat shop before being befriended by the Pre-Raphaelite artists, often serving as their model (Credit: Delaware Arts Museum)

Siddal was a working-class woman who was employed in a hat shop before being befriended by Pre-Raphaelite artists in 1849. She served as a model in their paintings, and then became an artist in her own right.

Gabriel and Elizabeth collaborated and influenced each other. Their love affair and eventual marriage was tumultuous and problematic and has since become much mythologised. But there are aspects to her bohemian character that come through strongly in her story.

«She very much didn’t lead her life according to the rules,» Jacobi explains. «She spent years with Rossetti before they were married, and recently it’s been suggested that it wasn’t the case that she was waiting for Gabriel to marry her, but she was deliberately retaining her independence.»

Elizabeth Eleanor Siddal as Lady Affixing Pennant to a Knight’s Spear, 1856 shows the recurring theme of love in the Rossettis’ art and poetry (Credit: Tate)

Siddall was essentially self-taught, she defied social categorisation, and wore liberation as a badge of pride. These characteristics were innovative in Victorian London but became the very definition of bohemianism in the next century and beyond. Tragically, like Gabriel, Elizabeth was a victim of addiction: she died from an overdose of laudanum, an opioid that was used as a painkiller in the 19th Century.

The Rossettis’ story contains as much triumph as it does tragedy. But their greatest gift to art history (bequeathed in three very distinct life stories) was to invent Britain’s first artistic subculture, lived in direct conflict with Victorian standards. Christina busted gender stereotypes about female creativity, love, and family life; Gabriel flouted bourgeois norms of every stripe and made daily life an artistic event; and Siddal established a unique creative and sartorial independence. Rather than living the lifestyles dictated by society, they chose their own path – and they became Britain’s original arty bohemians.

The Rossettis is at Tate Britain, London, until 24 September 2023.

https://www.bbc.com/mundo/noticias-65765039

https://www.theguardian.com/artanddesign/2023/apr/04/rossettis-review-tate-dante-gabriel-christina

Arriba la plancha acerada, con las huellas de su deterioro tras viajar a una exposición a Lille, de ‘Esto es peor’, aguafuerte número 37 de los ‘Desastres de la Guerra’ de Goya. A la derecha, la matriz de cobre de Goya tras la retirada del acerado FOTOS: ACADEMIA DE BELLAS ARTES / IGNACIO GIL

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid ha presentado este viernes 2 de mayo los trabajos de restauración de las planchas de cobre grabadas al aguafuerte por Goya, que constituyen una de las cumbres del grabado universal.

El objetivo de los trabajos, que han iniciado a principios de año, es detener lesiones que se han observado en los últimos años. Se trata de corrosión provocada por la formación del ‘efecto pila’ entre el cobre de la matriz y las capas metálicas superpuestas, lo que se produce de forma natural favorecido por la humedad ambiental.

Tal y como ha explicado el museo, este efecto es más pronunciado en los acerados y niquelados, mientras que por el momento son más estables los recubrimientos de cromo. El 2 de enero de 2023 se iniciaron los procesos sobre la colección de 80 planchas calcográficas de Los Caprichos.

Previo a las intervenciones, las obras fueron analizadas por Laura Alba restauradora del Museo Nacional del Prado, mediante un equipo de fluorescencia de RX, con el objetivo de determinar los elementos que componen las capas metálicas de los recubrimientos. Para los primeros trabajos, se comenzó por las dos planchas que presentaban mayores daños.

El proceso inicial, consistió en documentar los depósitos de las superficies mediante microscopio digital, generándose documentación gráfica en la que se observan los depósitos de tintas, barnices y capas de protección y focos de alteración de los metales, tanto de la plancha de cobre como de los diferentes recubrimientos.

Previo al tratamiento de desacerado, se realiza una eliminación de elementos depositados en las superficies como barnices protectores, Paraloid y tintas antiguas cristalizadas. Una vez eliminadas las capas electrolíticas se realiza un tratamiento de inhibición del cobre y la protección de las planchas con un barniz reversible y estable.

Antes de iniciarse el proceso y una vez finalizado, las planchas son fotografiadas con un escáner aéreo de alta definición. También se realizan fotografías macroscópicas de lesiones y detalles que ayudan a documentar los trabajos de conservación.

Según el informe presentado por la restauradora Silvia Viana, el tratamiento de cada plancha tiene una duración diferente, pues depende del espesor de los recubrimientos y el desgaste de los mismos, ya que no son lineales pues se observan densidades diferentes en la misma plancha.

Juan Bordes, en el Gabinete Goya de Calcografía Nacional IGNACIO GIL

Durante el proceso se han tomado muestras de los baños utilizados para la eliminación de los recubrimientos, para ser analizadas en los laboratorios SECYR de la Universidad Autónoma de Madrid. El objetivo de estos análisis es controlar y conocer el proceso químico que explique cómo se produce la eliminación de las protecciones de las matrices.

En el conjunto de matrices de la colección conservada por la Calcografía, que reconstruye la historia del grabado español, destacan las 228 planchas grabadas por Francisco de Goya, que se han incorporado a la institución en diferentes etapas.

Las primeras matrices de Goya fueron compradas directamente al autor en la última década del siglo XVIII, y son las trece láminas de las Pinturas de Velázquez, junto con las matrices del Agarrotado y San Francisco de Paula. Años más tarde, en 1803, ingresaron por Real Orden, los ochenta cobres de la serie los Caprichos, cedidos por Goya al Monarca a cambio de una pensión a favor de su hijo.

Las siguientes series llegaron a la Calcografía bastantes años después, ya que no fue hasta 1862 cuando la Academia adquirió las ochenta láminas de los Desastres de la guerra -cuatro de ellas grabadas al dorso de dos paisajes- y dieciocho de los Disparates, que habían quedado en la Quinta del Sordo a la salida de Goya hacia Francia.

La serie de los Desastres se completó con la donación de Paul Lefort a la Academia, en 1870, de las láminas 81 y 82 de esta serie. Más tardía fue la incorporación a los fondos de la Calcografía de las treinta y tres láminas de la Tauromaquia, siete de ellas grabadas también en anverso y reverso. Los cobres fueron adquiridos en 1920 por el Círculo de Bellas Artes, quien los depositó en la Calcografía Nacional en 1936, y que fueron comprados definitivamente por la Academia en 1979.

https://www.abc.es/cultura/arte/goya-cobre-descubierto-20230602153813-nt.html

https://www.que.es/2023/06/02/academia-bellas-artes-restaura/

https://www.abc.es/cultura/arte/goya-dsfalsdfldksaasf-20221120112026-nt.html