Se trata de cientos de antigüedades que han sido recientemente devueltas por el Reino Unido a Italia. Este miércoles se expusieron en el famoso Castillo de Sant’Angelo de Roma.
Los 750 objetos, muchos de los cuales se remontan al Siglo VIII antes de Cristo, habían sido robados del territorio italiano y actualmente estaban en posesión de una empresa londinense. La devolución se concretó tras negociar con el marchante británico Robert Symes, que los poseía ilegalmente.
La exposición de los objetos, valorados en 12 millones de euros, se llevó a cabo por los responsables de la investigación que ha logrado su recuperación, ante la presencia del ministro de Cultura, Gennaro Sangiuliano que dijo:
Debemos defender el principio de la legalidad internacional sobre las piezas de arte porque no pueden caer en actividades ilícitas o, aún peor, en las arqueomafia. El mercado ilegal de obras de arte debe ser erradicado.
Entre las piezas, hay una mesa etrusca de bronce, bustos de mármol de la época de la Roma imperial y pinturas murales que se cree proceden de la zona del Vesubio. Un auténtico tesoro que, mucho tiempo después, vuelve a casa.
Por otro lado, las autoridades de Grecia han alcanzado un acuerdo similar con la compañía del coleccionista británico para recuperar otras obras de su patrimonio expoliadas.
Los arqueólogos italianos además están estudiando el origen de «un nuevo grupo de fragmentos» en circulación en el mercado ilegal para su recuperación.
Un lote de 71 piezas llegara en los próximos días a Italia desde Estados Unidos, donde acabaron gracias a las redes del tráfico clandestino de patrimonio.
La hija del barón inaugura Encuentros: obras de la Colección TBA21, un montaje especial en el Museo Thyssen donde las piezas de su fundación dialogan con la muestra permanente de la pinacoteca española.
“Es un ejercicio de humildad ser invitada por el museo para hacer este pequeño experimento de exponer a artistas de la TBA21 junto a la colección de mi padre, que siempre he admirado tanto. Es muy emotivo”, ha comenzado diciendo Francesca Thyssen en rueda de prensa esta mañana en la pinacoteca que lleva su apellido.
La colección permanente tal y como estaba instalada en el museo es algo sagrado, porque mi padre decidió cómo debía presentarse. Espero que él esté…
Francesca Thyssen ha dedicado gran parte de su vida a celebrar el legado de su progenitor, pero continúa emocionándose cuando habla de él. Hoy especialmente, pues por primera vez, piezas de la fundación creada por ella, TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, conviven con la muestra permanente concebida por el barón.
Encuentros: obras de la coleccion TBA21(del 31 de mayo al 8 de octubre de 2023) sitúa a más de 25 propuestas de artistas contemporáneos junto a la colección del museo comisariados por Paloma Alarcó, conservadora-jefe de pintura moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Soledad Gutiérrez, conservadora-jefe de TBA21. Estos Encuentros ponen de manifiesto la pasión coleccionista de cuatro generaciones de la familia Thyssen y examinan las narrativas y sensibilidades transhistóricas que se dan cita en sus respectivas colecciones.
Se trata de su colaboración más reciente con el museo español, una alianza que, según ha revelado ella misma este martes, seguirá fortaleciéndose. Primero, con la llegada en julio de dos esculturas de Auguste Rodin ubicadas actualmente en la cripta del panteón donde descansa Heinrich en el castillo alemán de Schloss Landsberg, y que próximamente se exhibirán en Madrid junto a las obras del francés propiedad de Carmen Cervera… ¿para siempre? No lo descarta. Francesca ha afirmado, como ya dejo caer en el pasado, que en un “futuro”, si nace un vínculo de “confianza” entre la dirección de Museo, el Ministerio de Cultura y TBA21 «las obras más importantes de esta colección pasen a formar parte del Museo Thyssen”, ha revelado, para enseguida añadir entre risas: “…¡y gratis!”.
“Pese a la resistencia tradicional a hacer exposiciones de arte contemporáneo en el espacio de la colección permanente, hemos superado la última frontera que había entre nosotros y seguro que Heinrich Thyssen estaría muy contento de ver revivificadas sus salas de la colección”, ha dicho en su intervención Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen. “Es un gran día para la pinacoteca y para la colección de Francesca”, señalaba sobre un vínculo que ha tenido sus dificultades. “Las relaciones no siempre han sido sencillas y nos ha costado mucho poder hacer proyectos conjuntos pero desde 2016, cuando Méndez de Vigo nos dio autorización, no hemos parado”.
La iniciativa llega después de su apoyo a la exposición temporal En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania, 1900-1930, finalizada a principios de este mes. Francesca, a través de su agrupación Museos para Ucrania, TBA21 y la European Cultural Foundation, se sumó a los esfuerzos de concienciación sobre el conflicto. “Ucrania necesita imaginación europea y respuestas culturales europeas conjuntas. Por eso fundé Museos para Ucrania, como plataforma para que todo el sector cultural de Europa haga todo lo posible por estar ahí para Ucrania”, dijo el pasado diciembre.
En Encuentros, obras de artistas provenientes de la fundación privada de la coleccionista como Ai Weiwei, Cindy Sherman, Tracey Emin, Andrea Fraser, Janaina Tschäpe o Álvaro Urbano dialogan con los Nolde, Kirchner, Monet, Renoir, Kandinsky o Lichtenstein del museo español.
Dos esculturas de la británica Sarah Lucas –análisis de los sexual, la deformidad y el cuerpo– son conjugadas con los trabajos dadaístas de la colección permanente del museo. Un poco más allá, una instalación de Ann Veronica Janssens que cambia de tonalidad según avanza el espectador se yuxtapone con los pioneros de la abstracción, para después, en la sala 46, observar el juego de Andrea Fraser con la obra de Willem de Kooning.
Otro de los platos fuertes de este montaje especial llega casi al final, con la selección de diez vasijas neolíticas de más de 5.000 años de antigüedad que Ai Weiwei cubrió de pintura en colores vibrantes, generando así una estimulante reflexión sobre el peso que se le da a la herencia y al patrimonio. “Su gesto de coger algo del patrimonio de China y sumergirlo en pintura conmocionó al mundo.
Fui muy afortunada de conseguir algunas de las piezas”, rememora Francesca durante el recorrido de la exposición. “Ai Weiwei me dijo: ‘¿Cuál quieres?’ Y elegí estas de aquí. ‘¿No quieres esta otra?’, me preguntó él. Yo le dije que no, y la estampó contra el suelo, haciéndola añicos. Lo hizo como una especie de performance para los coleccionistas que habíamos acudido a su estudio”.
La muestra It’s Pablo-matic-un juego de palabras con es problemático– vapulea a Picasso con una revisión de su figura y su obra
Se queda corto decir que a la cómica australiana Hannah Gadsby no le gusta Pablo Picasso. Le odio, dice en una de los momentos de Nanette, el especial que estrenó en 2018 en Netflix. Gadsby despelleja en él al artista español: con irritacion casi colerica, detalla su misoginia y cuestiona su genio. Simplemente puso un filtro caleidoscópico en su pene, resume sobre su obra.
“It’s Pablo-matic” pairs Picasso works with contemporary feminist art. Seen here, at center, is a painting by Joan Semmel.ALEX GREENBERGER/ARTNEWS
El especial disparó la carrera de Gadsby y agitó la discusión contemporánea -el movimiento MeToo acababa de crearse- sobre: ¿se puede y se debe separar al artista de su obra?
Ese debate afecta de lleno a Picasso en los últimos meses por la celebración del 50º aniversario de su muerte. No han faltado columnas en la prensa estadounidense preguntándose de forma atormentada si está bien que nos guste la obra del malagueño, machista y acusado de maltratar y abusar a sus mujeres y amantes.
Esta exposición es una conversación sobre preguntas, explica a este periódico una de las comisarias de la muestra, Catherine Morris. Las respuestas están casi dadas si se tiene en cuenta quién es otra de las comisarias de la exposición: la propia Hannah Gadsby, que también da nombre a la muestra, que se abre al público este viernes: It’s Pablo-matic -un juego de palabras con es problemático-: Picasso, según Hannah Gadsby.
Morris explica que el Museo Nacional Picasso de París invitó a la institución de Brooklyn a participar, como otras pinacotecas del mundo, en la celebración del aniversario. Para entonces, Morris y la tercera comisaria de la muestra, Lisa Small, ya habían visto con entusiasmo Nanette y habían escrito y ofrecido colaborar en algun momento.
Cuando llegó la invitación del aniversario, no lo dudaron: ¿por qué no invitar a organizar la exposición a alguien que odia a Picasso?
No toda exposición tiene que montarse desde la adulación, dice Morris, que considera que el humor es parte integral de la muestra -aunque cuesta percibirlo en las galerías- y es una manera diferente de dejar que la gente diga lo que piensa. El texto que recibe al visitante asegura que la muestra reconoce el poder transformador y la influencia de la obra de Picasso, a la vez que ofrece un examen crítico de su legado.
Las salas de la exposición acogen 49 obras del artista español, que dialogan con medio centenar de artistas modernas y contemporáneas extraídas de la propia colección del Museo de Brooklyn. Desde Louise Bourgeois a Cindy Sherman, pasando por las Guerrilla Girls, Faith Ringgold, Renee Cox, Kiki Smith o Harmony Hammond.
The exhibition also features works by women artists drawn from the Brooklyn Museum collection. From left, “Marie: Nude Black woman lying on a couch (Marie: Femme noire nue couchée)” by Mickalene Thomas; “Revolutionary Sister” by Dindga McCannon; and “Big Girls” by Marilyn Minter.Credit…Vincent Tullo for The New York Times
La conversación visual entre el malagueño y estas mujeres se encuadra en temas como el mito del genio artístico, el erotismo, la atracción sexual o la presencia femenina. Es un diálogo visual interesante, pero que no separa a Picasso de su obra. Sí lo hacen los abundantes textos que pueblan las salas de la muestra. «
The bulk of the works by Picasso in “It’s Pablo-matic” are etchings and other works on paper.Credit…Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), New York; Vincent Tullo for The New York Times
No todos los prodigios llegan a ser genios, dice Gadsby en un cartel, en una alusión a que las mujeres no tenían esa opción en tiempos de Picasso. Los mitos sobre la manifestación temprana del genio son engañosos, defiende en otro texto la artista Linda Nochlin. ¿Qué hubiera pasado si Picasso hubiera nacido niña? ¿Su padre habría puesto la misma atención o habría estimulado igual su ambición para conseguir logros con una ‘Pablita’?.
Las paredes de la muestra acusan a Picasso de presentar una mujer objetificada, sexualizada, sumisa, de destruir todo excepto la asunción de la mujer como objeto, en palabras de Gadsby. En una de las salas de la muestra, con retratos de mujeres durmiendo, el primer texto, también de Gadsby, advierte de que es aterrador lo benigno que se le considera si se tiene en cuenta lo inseguro que sería para cualquier mujer estar inconsciente cerca de Picasso. Además de un comportamiento cuestionable en las relaciones personales, las comisarias le acusan de apropiación flagrante de tradiciones culturales sagradas, por su uso de elementos africanos en su obra.
La exposición también coloca frases del artista, pronunciadas en un contexto sociocultural diferente y que ahora no serían admisibles: Para mí la mujer es en esencia una máquina para ‘el sufrimiento’, Hay solo dos tipos de mujer, diosas y alfombrillas o Cuánto la quiero ahora que está durmiendo.
Morris asegura que el objetivo de la exposición no es cancelar a Picasso, dentro de un clima generalizado en EE.UU. de revisión de figuras históricas, censura de obras literarias y vetos de manifestaciones políticamente incorrectas. Si quisiéramos cancelar a Picasso no haríamos una exposición sobre Picasso, defiende.
Esta es una muestra sobre complicaciones, explica la comisaria, sobre pensamientos en conflicto. Dice que sin duda Picasso era un genio, pero también un humano. Al igual que la muestra, responde sin duda a la cuestión de la separación entre la persona y su obra. ¿Puedo estar delante de un ‘Picasso’ y quedarme maravillada de lo que ese hombre era capaz de hacer? Sin duda. Pero la otra parte, la biográfica, también forma parte de la conversación. En el siglo XX, una de las cosas que ocurrió con el modernismo es que había una creencia de que podías mirar a una obra y no pensar en el artista, en quién era. Pero hemos llegado al punto de que damos por hecho que eso no es verdad. Y, en especial, en el caso de Picasso, en el que su biografía está tan presente en su obra.
Morris reconoce que no son conversaciones fáciles ni unidimensionales. Lo refrendan las propias palabras de Picasso: No cuenta lo que el artista hace, sino lo que es, que impugna la idea de la separación. O de Louise Bourgeois No soy quien soy, soy lo que hago con mis manos, que impugna lo contrario.
La exposición también incide en otro aspecto: que Picasso mantiene su estatus en el mundo del arte porque es buen negocio, porque sus obras se venden por millones de euros. ¿Es un héroe o simplemente es que vale mucho dinero?, cuestionaba Gadsby recientemente en una entrevista en ‘Variey’. Morris lo define como ‘la máquina Picasso’, un artista -en la terminología acuñada en Wall Street para referirse a los grandes bancos- ‘too big to fail’, ‘demasiado grande para quebrar’.
Pero la cuestión del poder del capital en el mundo del arte -en especial en EE.UU.- afecta también al Museo de Brooklyn y a las comisarias. El cargo de Morris y el Centro de Feminismo que dirige en el museo llevan el nombre de Elizabeth Sackler, integrante de una familia denostada. Su padre y sus tíos fueron los fundadores de Purdue, la farmacéutica condenada por desatar la epidemia de opiáceos, por la que han muerto cientos de miles de personas en EE.UU.
El museo defiende que la fortuna de la benefactora está separadas del negocio de los opiáceos. Pero es complicado, reconoce Morris. Gadsby, en aquella entrevista con ‘Variety’, admitió que es algo turbio, pero que decidió seguir adelante con el proyecto ligado al apellido Sackler porque para cambiar la conversación hay que seguir en la conversación. Es la misma justificación que dio para criticar a Netflix por emitir especiales del cómico Dave Chappelle con contenido ‘anti-trans’ y, acto seguido, firmar un contrato de varios años con la plataforma. Como Picasso, todo eso también «es problemático».
Es un misterio, hay personas con las que estoy bien y conozco desde hace nada, supongo que hay afinidades, pero no estoy segura porque he sido amiga de personas antitéticas.
Adoro el silencio, estoy feliz especulando con quimeras y no necesito un flujo constante de novedades y excitación emocional para experimentar placer.
La relación con los demás proyecta quien soy, como el corte vertical de una montaña que permite vislumbrar los estratos.
Cuando elegí pareja, elegí un amigo especial, y es el filtro a través del que me he relacionado con el mundo.
Estar bien con alguien no es fácil y menos pasar muchas horas.
Pero hay cualidades que valoro por encima del resto y es la compasión hacia los animales y la discreción.
Debe ser por eso que me case con alguien que comía carne todos los días y a todas horas, detestaba los animales y era poco discreto.
Soy un ama de casa del montón, más bien tirando a mediocre, que un día quiero invadir Polonia y otro no sé cómo escurrir el bulto de cambiar la ropa de invierno en los armarios (captatio benevolentiae).
Me distraigo con una mosca y soy dispersa y me sorprende la arbitrariedad del destino.
No me doy cuenta de que el tiempo ha pasado y todavía sigo desojando margaritas.
Me tienta escribir, pero soy barroca y alambicada y ars longa, vita brevis, o cambio el discurso críptico o a seguir fregando.
Otras veces creo que debería seguir mi carrera de arte y dedicarme a la escultura que es mi vocación, pero sin mecenas es complicado.
Si los escritores son cargantes y vanidosos, los artistas peor, un ego que espachurra.
Aunque sé que lo que subyace es mercado, temo el toreo de salón tan español.
Fabulo y fabulo, y en este diletantismo no se con qué quedarme. Me he movido siempre en la empresa como una turista accidental y abomino de ella.
Me gustaría que la realidad fuera otra, un mundo más ético y menos pragmático, no se si es un anhelo o me proyecto en ello.
Pero me cansa el mal reparto de la renta, la depredación gratuita, la codicia y el afán de figurar.
Y que no me cuenten lo de la iniciativa y crear riqueza que hay mil formas de hacer las cosas que no son esas.
Entre medio no sé si ser cronista del cambio de paradigma o seguir barriendo a ver si como Buda, la iluminación me llega.
La institución recupera los números prepandémicos y cierra 2022 con un beneficio de 4,5 millones de euros y 817.097 visitantes
Superada la zozobra pandémica y dos años tirando a aciagos, los centros de la Fundación Dalí vuelven a exhibir músculo y, mejor aún, beneficios de impacto.
En total, 4,5 millones de euros en 2022, un 15,76 por ciento más que en 2019, fruto de la recuperación de la actividad de los museos de Figueres, Portlligat y Púbol, y de la casi normalización de los flujos turísticos.
En la caja de la temporada, unos ingresos de 15,3 millones de euros y unos gastos de 10,7 confirman el cambio de tendencia y dejan un excedente que, según ha explicado el presidente de la Fundación Gala-Salvador Dalí, Jordi Mercader, se destinarán, entre otras cosas, al mantenimiento del patrimonio, las adecuaciones tecnológicas y la compra de obra nueva.
Sobre todo, apunta Mercader, obra gráfica del genio ampurdanés. «Adquirir óleos es cada vez más complicado. Si pudiéramos, compraríamos ‘La Madonna de Portlligat’ o el ‘Cristo de San Juan de la Cruz’, claro, pero no hay dinero para eso», aventura.
El también conocido como Cristo de Glasgow será, precisamente, uno de los protagonistas del año con una exposición que abrirá sus puertas en noviembre de 2023 y que la Fundación quiere convertir en uno de los fenómenos culturales de la temporada.
«No vendrá más gente porque tengamos el Cristo, así que es un acto genuinamente cultural», ha dicho Mercader.
Con todo, recuperar público y llegar a los niveles de 2019, cuando pasaron por los tres centros dalinianos más de un millón de personas, es una de las asignaturas pendientes de un institución que cerró 2022 con 817.097 visitantes.
El objetivo, avanza Mercader, es recuperar el flujo de visitantes chinos, japoneses, americanos e italianos.
Ahora mismo, el 36 por ciento de los visitantes proceden de Francia y un 26 por ciento de España. De estos últimos, un 10 por ciento son de Cataluña.
El presidente de la Fundación también ha avanzado que, de cara al futuro no descartan abrir un cuarto museo que esponje la colección y permita exponer obras y objetos que, por motivos de espacio, se han quedado varados en el almacén.
«La institución ha comprado mucha obra y no la tenemos para que se quede almacenada. Tenemos contenido, pero no continente», ha dicho antes de señalar que, de hacerse realidad, el cuarto museo Dalí se proyectaría en territorio catalán.
La posible ampliación, sin embargo, está aún en un proceso casi embrionario, por lo que lo más importante a corto plazo pasa por un plan de tres años durante los que se trabajará la internacionalización, el desarrollo de nuevos relatos y un mayor conocimiento de las figuras de Gala y Dalí.
«Dalí está más valorado que aceptado», ha dicho Mercader. Paradójicamente, la apuesta por la internalización coincide con la decisión de dejar las grandes exposiciones en todo el mundo y centrarse en las experiencias inmersivas. «Se han complicado mucho las condiciones y los costes de los seguros», argumenta Mercader, para quien el futuro pasa por encontrar «nuevos relatos».
En este sentido, Mercader ha desvelado que la Fundación ha recibido una oferta de Netflix para realizar una serie.
«Me gustaría que hubiera una película o una serie sobre Dalí, pero cumpliendo unas condiciones y sin que el objetivo sea mercantilizar la figura de Dalí», ha relativizado.
Retrato de la Reina Victoria en el día de su boda por el pintor Franz Xaver Winterhalter, 1847.The Picture Art Collection / Alamy Stock Photo
Esta tradición iniciada a mediados del siglo XIX, ha pasado a convertirse con el paso de los años en todo un clásico matrimonial.
No hay boda en la que el vestido blanco de novia no sea el protagonista, al menos en lo que respecta a las bodas más tradicionales. Una opción elegida por numerosas mujeres en España, pero también en el resto del mundo y cuya tradición está ligada a una sola reina.
Una reina que durante su vida se decantó por dos colores muy concretos: el negro total para el luto y los vestidos de novia blancos. Vestidos en los que esta reina amante de la moda huyó de lo tradicional, extendiendo después su estilo a otros países y a manos de otros líderes europeos. ¿Quieres saber quién fue esta reina y cómo el vestido de novia ha pasado a convertirse en un imprescindible? Sigue leyendo.
La reina que popularizó los vestidos de novia blancos
Como te hemos adelantado, al igual que no siempre se han llevado ramos de novia a las bodas, tampoco todas han llegado al altar sobre el mismo tipo de vestido de novia. El paso del tiempo, la evolución de las tradiciones y por supuesto la moda han tenido mucho que ver en todo ello.
Y es que, a pesar de su actual protagonismo, el vestido de novia era algo poco importante y, aunque el blanco simbolizaba la virginidad de la novia, no solía ser el color favorito para una boda. Este fue un color que puso de moda la reina Victoria de Inglaterra en su casamiento con Alberto de Sajonia-Coburgo-Gotha en 1840.
Un vestido de estilo victoriano y blanco, con la pompa de la falda y el velo acompañados de una larga cola. Un estilo que más o menos se ha mantenido hasta nuestros días. Todo ello, en una época en la que lo más común era casarse con vestidos de diferentes colores y en la que no existía un protocolo establecido al respecto.
¿Por qué la reina Victoria se decantó por el color blanco para casarse?
Aunque podría parecer simplemente una cuestión de gusto personal, la realidad es que esta elección de la reina estuvo llena de simbolismo. Y es que, como te hemos adelantado, el blanco estaba asociado a la pureza y a la inocencia. Ambos valores que se buscaban transmitir en una ceremonia matrimonial.
Fue a partir de ese momento y en pleno siglo XIX, cuando el vestido blanco de novia comenzó a popularizarse no solo en Reino Unido, sino también en otros países, pasando a convertirse en una tradición que ha perdurado hasta nuestros días.
Un gran acontecimiento histórico en el que en su día fue uno de los eventos de la corona británica más esperados por la población. Eso unido a que la reina Victoria fue un icono de moda de su tiempo, siempre de la mano de grandes modistos y diseñadores, convirtieron su elección y su vestido en toda una fuente de inspiración para muchas otras novias en el mundo.
¿Quién puso de moda la costumbre del vestido de novia?
Esta prenda tradicional ha existido a lo largo de diferentes culturas y épocas a lo largo de la historia, no pudiéndose atribuir su popularización a una única persona, ya que su evolución ha estado influenciada por factores tanto culturales como sociales.
Lo que sí se conoce, es que el uso de vestidos de novia en ceremonias matrimoniales se remonta a la antigüedad y a diferentes culturas, cada una con sus propias tradiciones de vestuario nupcial.
Concretamente durante la Edad Media, los vestidos de novia solían ser de diferentes colores como rojo, azul o negro, en función de la región y las costumbres locales. No sería hasta el siglo XIX a través de la reina Victoria, cuando el color blanco pasó a ser un imprescindible en este tipo de vestidos.
Aún así, es importante destacar que otras culturas en el mundo cuentan con sus propias tradiciones y estilos de vestidos de novia diferentes al enfoque occidental. De hecho, en la cultura china el color rojo es considerado auspicioso y es utilizado habitualmente en los vestidos de novia. Una evidencia de que cada cultura cuenta con su propia historia y evolución en cuanto a los vestidos de novia y tradiciones nupciales.
Las metamorfosis creativas de Picasso no se ciñen a ninguna práctica artística específica. Sabido es que mediante el dibujo, la pintura, el collage, la escultura o la fotografía despliega una serie de interacciones formales y procesuales que definen su identidad artística.
La ausencia de un estilo propio, salvo en el periodo inscrito en el cubismo era precisamente la cifra de su carácter y destino artístico.
Debido a esas continuas mezclas entre poéticas que las valoraciones ortodoxas, tanto las académicas como las vanguardistas, tildan de eclécticas, Picasso configura su obra intempestiva, poliédrica, irreverente y libre.
Ha sido su faceta como escultor la que ha tenido un conocimiento menor y tardío. Él mismo contribuye a ese déficit, dado que no accede a exponerlas de un modo amplio hasta 1966 en una retrospectiva cuando ya cuenta con 85 años.
¿Cómo se explica esto? Cierto es que su corpus escultórico lo integran 700 piezas frente a la prolífica producción pictórica que supera las 4.500.
Pero no la considera una práctica artística menor, sino que el rechazo a presentarlas en muestras o a venderlas en galerías obedece a una decepción.
La Asociación de Amigos de Apollinaire le encarga una obra en memoria del poeta y amigo que fallece en 1918. El rechazo a su propuesta, una suerte de dibujo tridimensional formado por alambres de hierro soldados en una tensión de líneas y vacíos, debe influir en su decisión de quedarse el conjunto de esculturas que crea.
Como destaca Carmen Giménez, que las rupturas de Picasso con la tradición clasicista y con la incipiente modernidad, acontece.
En tanto en la pintura como en la escultura y que se da un continuo desplazamiento entre las mismas.
Parece exagerada la valoración del escultor y amigo Julio González, con quien colabora en la construcción de piezas de hierros soldados, cuando afirma que la mirada escultórica de Picasso está en la génesis de toda su obra, pero lo cierto es que las elecciones formales y constructivas interactúan en escultura y pintura.
Una de las piezas que sobresale en la exposición es la conocida Mujer en el jardín, 1930-1932, que condensa la síntesis de postulados cubistas y surrealistas.
En la década de los años 30 una serie de cabezas y bustos en yeso refieren énfasis primitivistas, derivas orgánicas y ecos de las asimetrías cubistas como en Cabeza de mujer, 1937, realizada en yeso, o en Mujer con naranja o Mujer con manzana, 1934, fundida en bronce.
No accede a exponer sus esculturas de un modo amplio hasta 1966, ya con 85 años
Un lugar prominente ocupa La dama oferente, 1933, que pertenece al Museo Reina Sofía y que esta en el grupo de cinco esculturas que presenta en el Pabellon Español de la Exposicion Internacional de Paris, junto al Guernica.
Marie-Thérèse, que es el centro de su pasión amorosa de esos años, inspira la realización de esa enigmática figura y numerosas pinturas.
Otra pieza magnífica es Cráneo (Cabeza de muerto), 1943, un bronce realizado en el contexto de la II Guerra Mundial.
Se muestran asimismo una serie de diminutas figuras en bronce, realizadas en su estudio de Boisgeloup a mediados de los años 40.
También se exponen una selección de piezas de manos y cabezas en bronce, así como algunos ensamblajes de madera pintada que surgen en su estancia de Vallauris, en la Costa Azul, en los años 50.
Al mismo tiempo experimenta nuevos desarrollos escultóricos con chapa recortada y pintada, como su pieza Sylvette, 1954, Cabeza de hombre barbudo, 1954 o Cabeza de mujer (Jacqueline), 1962.
La síntesis pictórica y escultórica se manifiesta con toda evidencia.
La serie Los bañistas, 1956, en bronce, muestra una estilización y deriva geométrica que contrasta con la corporeidad organicista de otras esculturas.
Menos afortunadas me parecen las obras de arte público, en una escala monumental, como la instalada en Chicago en el Richard J. Daley Center y cuya maqueta se expone. Un formidable catálogo y un simposio internacional completan este acontecimiento.
La familia de esta gran pintora, injustamente olvidada, lanza un llamamiento en la red social para hallar obras importantes de los años 30 y 40, en paradero desconocido y cruciales para la exposición
Entre las virtudes de las redes sociales (también tiene muchos defectos), hacer de altavoz para encontrar obras de arte. Hace un año hizo un llamamiento público, vía Twitter, Rodrigo Muñoz Avia con el objetivo de buscar pinturas perdidas de su madre, Amalia Avia, para incluirlas en la retrospectiva que le iba a dedicar la Sala Alcalá 31 de Madrid. La iniciativa tuvo mucho éxito: se localizaron unas 80 obras.
Ahora ha hecho lo propio la periodista Toya Viudes de Velasco, sobrina nieta de la pintora Rosario de Velasco, artista olvidada y silenciada, a la que el Museo Thyssen tiene previsto dedicar una exposición en 2024 o 2025. Dependerá de si se consiguen encontrar obras importantes de su primera etapa, los años 30 y 40, la de mayor reconocimiento nacional e internacional. Son fundamentales para organizar una completa retrospectiva.
De su producción posterior sí tiene la familia localizadas muchas obras. En total, dos centenares.
‘Adán y Eva’ (1932) es el cuadro más célebre de Rosario de Velasco. Ganó la segunda medalla de pintura en la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1932 MUSEO REINA SOFÍ
Pese a que lleva pocos días en marcha esta campaña, ya ha empezado a dar sus frutos. La sobrina de una amiga íntima de Rosario de Velasco ha anunciado que tiene unos 8 o 9 cuadros de la artista, y de la primera época, la más codiciada.
Sandra escribe un tuit: Mis padres tienen tres cuadros de ella, pero de época más reciente, no sé si os pueden interesar también… ‘La casa roja’, con el que ganó el premio Sant Jordi, ha sido buscado en Cataluña y se ha localizado en unos almacenes. Su pintura más conocida, ‘Adán y Eva’ (1932), se halla en la colección del Reina Sofia desde 1988.
La matanza de los inocentes
Siempre he pensado que este cuadro es el que ha mantenido vivo el nombre de Rosario –advierte su sobrina nieta–. Probablemente, si se hubiera perdido, ella habría pasado al más absoluto de los olvidos.
Es injusto que sea «una artista tan desconocida, cuando tuvo una obra de tanta calidad y fue tan prolífica. Murió pintando a los 86 años. Ojalá la exposición en el Thyssen sirva para hacer un estudio en profundidad de su trabajo.
Carnavalina de 1939
Rosario de Velasco se presentó con Adán y Eva a la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1932. Ganó la segunda medalla de pintura.
Después se expuso en Copenhague, Berlín… Lo adquirió el Estado español y pasó a las colecciones del Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC).
Monograma con el que firma sus obras
El Reina Sofía cuenta con otra obra de la artista, Sin título (el cuarto de los niños). En las colecciones del Museo de Bellas Artes de Valencia se atribuyó a De Velasco La matanza de los inocentes, cuya autoría hasta entonces ostentaba el pintor Ricardo Verde Rubio. El Museo del Traje cuenta con otra pintura, Maragatos. Y el Centre Pompidou de París tiene dos obras en su colección: Carnaval y Esquisse d’une vierge à l’enfant. La familia conserva algunas obras importantes como Lavanderas.
Rosario de Velasco Belausteguigoitia (Madrid, 1904-Barcelona, 1991) es hija de Antonio de Velasco, oficial de caballería, y Rosario Belausteguigoitia, vasca descendiente de carlistas. Tuvieron tres hijos: Rosario, Lola y Luis. Las dos hermanas estudiaron pintura con el artista Fernando Álvarez de Sotomayor, que sería director del Prado. Por cierto, Rosario no fue incluida entre las Invitadas del Prado en 2020: una exposición que sacó a la luz a muchas artistas olvidadas injustamente. Conoció en casa del editor Gustavo Gili a Xavier Farrerons Co, un médico especializado en alergología, que logró sacarla de la cárcel modelo de Barcelona, donde iba a ser fusilada, gracias a la complicidad de un colega. Se cuenta, aunque la familia no lo sabe a ciencia cierta, que salió en defensa de unas monjas a las que unos republicanos estaban agrediendo en la calle. Una vecina la acusó de falangista y fue arrestada por agentes de la CNT. Rosario y Xavier se casan en Barcelona en 1937 y ponen rumbo a Francia. En San Sebastián nace su única hija, María del Mar (aún vive). Tras la Guerra Civil se instalan en Barcelona.
De familia conservadora, burguesa y católica, en algunos de los artículos sobre Rosario se habla de su acercamiento de joven a la Falange. Dice su sobrina nieta:
No sé si estuvo o no, supongo que tonteó, como otros muchos jóvenes de la época.
¿Pudo influir en que sea hoy una pintora desconocida?
No lo sé, no tengo ni idea, no me atrevería a decir que sí.
En las biografías de la artista también se dice que fue ella la última que fotografió en vida a Jose Antonio Primo de Rivera.¿Es cierto?
La familia no tiene ni idea de ello. Yo creo que es un cuento chino. Se lo pregunté a su única hija, que aún vive, y tampoco sabe nada.
Las lavanderas
Rosario pertenece a un grupo de destacadas pintoras españolas de vanguardia, como María Roësset, Ángeles Santos, Maruja Mallo…Admiradora del arte italiano (Giotto, Mantegna, Rafael, Pompeya…), forma parte de la Sociedad de Artistas Ibéricos, fue seleccionada para la Bienal de Venecia de 1942, expone en Pittsburgh y París, y en importantes galerías de Madrid y Barcelona: Biosca, Gaspar, Parés, Syra… Pero no hay un estudio en profundidad (solo algunos parciales, como el de José Luis Alcaide, de la Universidad de Valencia) sobre esta excelente pintora, muy elogiada por la crítica de la época. Escribía Tomás Borrás en ABC sobre ella:
Quizá la pintora de más personalidad de este momento de nuestra pintura, en el cual la mujer, avanzando, también tiene puesto.
Se conservan los caballetes, las paletas, los pinceles.
Entre los temas preferidos en su pintura: el carnaval, lo femenino y el mundo de los niños. Pinta murales en la capilla de la Residencia de Señoritas hoy desaparecidos. Además de pintora, Rosario de Velasco es una excepcional ilustradora de cuentos: ‘Princesas del martirio’, de Concha Espina; ‘Cuentos para soñar’, de María Teresa León… Colaboradora de la revista ‘Vértice’, la Colección ABC atesora un dibujo de ella, ‘Carnavalina’ (1936), que formó parte de la exposición Dibujantas. Pioneras de la ilustración en el Museo ABC en 2019.
La niña de los jarros
Relata Toya Viudes (si quieren aportar información sobre obras de su tía abuela, su mail es toyaviudes67@gmail.com):
Pintaba desde los 7 años, pero siempre quiso pasar desapercibida. El éxito la abrumó. Era una mujer muy sencilla, que pintaba porque le gustaba y no por necesidad. De Velasco estuvo quince años sin exponer. Hubo un cambio tremendo en su pintura, que empezó a perder la forma. Es cuando ella dijo: ‘Ahora sé pintar’.
Amiga de Dionisio Ridruejo, Carmen Conde y Eugenio d’Ors, éste la bautizó como ‘la Pola Negri de la pintura española’ y la incluyó en el Salón de los Once en 1944. Ese mismo año publicó en ‘La Vanguardia’ un precioso texto sobre ella, ‘Rosariana’. Mantuvieron una fluida correspondencia, que se conserva en el Archivo Nacional. Se ha localizado un retrato de Eugenio d’Ors pintado por Rosario de Velasco, que seguramente estará en la muestra del Thyssen. Su nieto Víctor Ugarte, historiador del arte y actualmente director del Instituto Cervantes de Londres, pone en marcha hace unos años una web sobre su abuela.
Carnaval, 1936
Rosario de Velasco firmaba sus obras con un monograma, habitualmente en color rojo, con sus iniciales (a veces incluye ‘de’, otras no), muy similar al que usaba Durero y que tanto le gustaba.
Su sobrina nieta confía en que haya gente que lo vea en las redes sociales y en prensa, y pueda identificar así obras perdidas de la artista.
Sus amigos, sus familiares (Marvi, una de sus nietas, también es pintora) y quienes la conocieron retratan a Rosario de Velasco:
Como una mujer guapa, moderna, viva, chispeante, sutil y algo caótica, independiente, le gustaba disfrazarse, era el alma de las fiestas. Con el dinero que ganó con la venta de ‘Adán y Eva’ se fue con una amiga a Rusia en 1932. Era muy deportista. Esquiaba, jugaba al golf, era amiga de la tenista Lilí Álvarez… Pero sobre todo era una gran montañera. Le encantaba la montaña. Se compró una casa en Loarre, un pueblo de Huesca
Cuenta Toya Viudes, que se muestra muy agradecida al Thyssen por su apoyo. La exposición de Rosario de Velasco es una de las apuestas del Museo Thyssen por las mujeres artistas.
En octubre abrirá la exposición Maestras antiguas y modernas (Artemisa Gentileschi, Angelica Kauffmann, Clara Peeters, Rosa Bonheur, Mary Cassatt, Berthe Morisot, María Blanchard, Natalia Goncharova, Sonia Delaunay, Maruja Mallo) y está prevista una retrospectiva de Isabel Quintanilla, del grupo de realistas madrileños.
El pasado 20 de mayo Rosario de Velasco hubiera cumplido 119 años
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