Les Meules’ fue pintada en 1890 y fue adquirida por el Museo Barberini en el año 2019 por 110,7 millones de dólares en una subasta de ‘Sotheby’s’.
Dos activistas del grupo alemán de protesta por la protección del clima Última Generación han atacado este domingo un cuadro del pintor impresionista francés
Claude Monet, lanzando pure de patata contra él en el Museo Barberini de Potsdam, al suroeste de Berlín. El propio grupo ha reconocido y publicitado la acción en redes sociales, donde ha asegurado que se trata de puré de patata. El cuadro, perteneciente a la serie Les Meules (Los almiares) de Monet (1889-1891) no ha sufrido ningún daño, según un primer análisis de conservación.
El grupo ha publicado en Twitter un vídeo del ataque en el que exige a la clase política que tome medidas para luchar contra la crisis climática. Tras lanzar la sustancia, los dos activistas se han pegado con pegamento a la pared, junto al cuadro. El museo expondra la pieza el próximo miércoles. En la acción participaron otras dos personas que fueron detenidos poco después. Se les acusa de daños a la propiedad.
Ortrud Westheider, directora del Museo Barberini, asegura sentirse muy aliviada de que la pintura no haya sufrido ningún daño.
Aunque entiendo la preocupación urgente de los activistas frente a la catástrofe climática, estoy conmocionado por los medios con los que están tratando de dar peso a sus demandas.
En las obras de los impresionistas vemos el intenso compromiso artístico con la naturaleza. Las numerosas pinturas de paisajes de la Colección Hasso Plattner pueden inspirar a los visitantes a reflexionar y cuestionar su relación con el medio ambiente.
El cuadro, de 1890, pertenece a la exposición permanente del Museo Barberini y procede de la colección de su fundador, el multimillonario Hasso Plattner.
Los activistas, un hombre y una mujer vestidos de negro y con chalecos reflectantes naranjas, aseguran en el vídeo tras lanzar la sustancia amarillenta que la gente se muere de hambre y de frío.
Nos encontramos en una catástrofe climática. Y de lo único que tenéis miedo es de la sopa de tomate y del puré de patata en un cuadro. ¿Sabéis de lo que tengo miedo yo? De que los científicos dicen que en 2050 no podremos alimentar a nuestras familias. ¿Hará este puré de patata que escuchéis? El cuadro no valdrá nada cuando tengamos que pelear por la comida.
El grupo Última generación lleva varios meses organizando distintas protestas junto a obras de arte famosas para llamar la atención de la sociedad y los políticos sobre la crisis climática. En agosto, dos de sus activistas se pegaron a una obra de Lucas Cranach el Viejo en la Pinacoteca de Berlín.
También lo han hecho con una obra del pintor renacentista italiano Rafael, la conocida como Madonna Sixtina, que se exhibe en Dresde. En ambos casos se pegaron las manos al marco de las pinturas. Este grupo de jóvenes activistas forma parte de la red internacional A22, que define sus acciones como pacíficas y de resistencia civil para exigir a los gobernantes medidas ante la inminente catástrofe climática
Letzte Generation (‘Última Generación’) se define como la primera generación de la historia del mundo que están sufriendo las consecuencias del cambio climático, y de igual manera la última que puede frenar sus consecuencias.
En el manifiesto que tienen en su pagina web afirman que están dispuestos a aceptar altas multas, cargos criminales y privación de libertad sin desanimarnos.
Si se necesita puré de patata o sopa de tomate sobre una pintura para recordar que los combustibles fósiles nos están matando, ¡os daremos puré de patatas sobre una pintura!.
Esta no es la primera acción de protesta pública de ‘Última Generación. Recientemente, uno de sus miembros se ató a una portería durante un partido de la Bundesliga, lo que provocó que el capitán del Bayern de Múnich, Thomas Muller, fuera a intentar echarle.
En los últimos meses han aumentado su actividad pública. El año pasado, realizaron una huelga de hambre frente al Reichstag en Berlín para protestar por la falta de acción política y a principios de este año, se pegaron a algunas de las autopistas más transitadas de Alemania.
Entre sus peticiones, una se refiere a los límites de velocidad. Uno de los grandes problemas de contaminación que hay en Alemania es la existencia de carreteras sin límites de velocidad, como la popular AutoBahn. Por eso, han realizado diversas sentadas y protestas ante el Ministerio de Transportes, bloqueos de calles en Berlín o de la Estación Central en plena hora punta. En todas ellas, un mismo lema: que el máximo sean 100 km/h.
A este respecto, aseguran que con esta medida se ahorrarían hasta 5,4 millones de toneladas de CO₂ al año. También piden un billete permanente de tren a un coste de 9 euros.
Tambien consideran que el objetivo de limitar el aumento la temperatura global en 1,5º es un reto fracasado, por lo que piden al Fondo Monetario Internacional que condonen la deuda a los países del hemisferio sur, porque aseguran que alimenta la extracción continua de combustibles fósiles.
Dos mujeres modelan prendas de la nueva línea de Shein inspirada en Frida Kahlo.SHEIN
Los herederos de la pintora mexicana llevan casi 10 años en disputa legal con la empresa panameña, que controla el 51% de la marca
El gigante textil asiático Shein ha lanzado este jueves una colección inspirada en la artista mexicana Frida Kahlo. La empresa con la que ha colaborado ha sido Frida Kahlo Corporation, una compañía panameña que controla el 51% de la marca y con la que la familia de la artista lleva casi 10 años en disputa por la posesión de los derechos.
En 2004, la única heredera de la pintora, Isolda Pinedo, cedió la marca a Frida Kahlo Corporation. Entre ellos no hubo problemas hasta que las descendientes de Pinedo, Mara Romeo y Mara de Anda, consideraron que el acuerdo que habían firmado se estaba “incumpliendo sistemáticamente”. Desde entonces, han intentado recuperar el control sobre la firma, de la que Romeo, sobrina nieta de la artista, cuenta con una participación del 49%. El pasado mes de julio, la familia pidió a la marca Puma quitar del mercado una colección de ropa inspirada en la figura de Frida Kahlo. En una carta, el equipo legal que representaba a Romeo dio siete días a la firma alemana para que “retirarse definitivamente de la promoción” de las prendas.
No es la única polémica en la que se han visto envueltos los familiares. En 2018, pidieron a la empresa Mattel que frenara la comercialización de una muñeca Barbie inspirada en Frida Kahlo. La figura esbelta de trenzas, vestida con camisa negra, falda azul y rebozo rojo fue criticada durante una entrevista por Mara de Anda, sobrina bisnieta de la pintora, que aseguraba que la artista “no era una Barbie”, sino “una mujer con defectos”. La venta de la muñeca se detuvo en México, aunque, con una edición limitada, se agotó en el resto del mundo.
Shein ha compartido una publicación en redes sociales en la que defiende que Kahlo es “un icono que representa el empoderamiento femenino”. “Su pasión, su trabajo artístico y los colores vivos nos han inspirado para crear la colección ‘Shein X Frida Kahlo’ en su honor”, escribe la compañía asiática junto a la imagen de una modelo que porta uno de los diseños.
En su página web, Shein señala que la artista personifica “la fuerza y la perseverancia, el empoderamiento femenino y la autenticidad”. La colaboración entre la marca y Frida Kahlo Corporation cuenta con más de 80 diseños disponibles.
Beatriz Gutiérrez Müller retratada en 2020 y (Izq.) el diseño del sarape lanzado por Ralph LaurenREUTERS / SECRETARÍA DE CULTURA
La esposa del presidente López Obrador ha exigido a la empresa de moda que resarza el daño a las comunidades originarias que hacen este trabajo.
Los diseños elaborados por culturas ancestrales mexicanas encantan al mundo entero, hasta el punto de que marcas internacionales como Ralph Lauren no pueden evitar copiarles una y otra vez. Así lo ha denunciado este miércoles en sus redes sociales Beatriz Gutierrez Muller, escritora y esposa del presidente de México, Andrés Manuel López Obrador.
Oye Ralph, ya nos dimos cuenta de que te gustan mucho los diseños mexicanos. Sin embargo, al copiar estos diseños incurres en plagio, que es ilegal e inmoral, resarza el daño a las comunidades originarias que hacen este trabajo.
La polémica ha surgido a raíz de una falda y un albornoz que imitan a la perfección el diseño del sarape original del municipio de Contla de Juan Cuamatzi, en el Estado de Tlaxcala, al este de Ciudad de México. Allí, cientos de artesanos siguen fabricando los sarapes de forma tradicional, y la Secretaría de Cultura ha condenado lo que considera una “apropiación cultural indebida por parte de Ralph Lauren”.
No se conoce reacción alguna por parte de la empresa, que además mantiene a la venta otros productos como sudaderas y camisas claramente inspirados en estos diseños mexicanos, y los vende por precios 10 veces mayores de lo que podría costar una artesanía local.
Alejandra Frausto, la titular de la Secretaría de Cultura, denunció en su cuenta de Twitter que “los símbolos identitarios no son una mercancía”. Frausto señaló que sólo las comunidades creadoras son quienes deciden las vías de comercialización de sus prendas. Al mismo tiempo, la funcionaria invitó a la población a asistir al festival Original 2022, el cual se llevará a cabo del 17 al 20 de noviembre en el Bosque de Chapultepec de Ciudad de México, al que acudirán los artesanos de Contla y Saltillo, las dos poblaciones que se disputan la propiedad intelectual de los sarapes tradicionales, aunque cada uno tiene diseños de colores muy diferentes.
Este caso es una muestra más de la difícil batalla que México lucha para evitar que estas marcas internacionales se inspiren en su cultura hasta el punto del plagio. El más reciente caso de plagio ha sido el de Shein, la marca de ropa barata, que fue acusada por la marca Yucachulas, una marca local de Yucatán, por haber plagiado sus diseños tradicionales. Finalmente la empresa retiró la prenda de su catálogo y emitió una disculpa.
Una exposición explora la influencia del mundo natural en la obra del artista germano-suizo.
Una exposición explora la influencia del mundo natural en la obra del artista germano-suizo
Un caracol esbozado a lápiz entre dos imponentes escarabajos salidos de un manual de zoología. Eso fue lo primero que un Paul Klee (1879-1940) de palmo y medio, cuatro años de nada gastaba la criatura, dibujó con su mano izquierda. O, como mínimo, lo primero lo suficientemente relevante como para ganarse, en vez de un tirón de orejas paterno por emborronar una lámina preciosa, un rinconcito en la posteridad y un pedazo de pared en la Fundacion Miro de Barcelona.
No es, se mire como se mire, una obra maestra, pero ayuda a entender qué es y, sobre todo, qué se propone la exposición que hasta el 12 de febrero puede verse en el edificio de Sert en Montjuïc. «Klee estaba fascinado por la exploración de los fenómenos naturales y las leyes que los regían», constata el director de la Fundación Miró, Marko Daniel. De ahí que, de aquel primer caracol a las teorías de color de Goethe pasando por las geometrías y los paisajes incandescentes, ‘Paul Klee y los secretos de la naturaleza’ se aproxime al artista germano-suizo a través de su vínculo con el medio natural. «La exposición nació como un folio en blanco y tenía que crecer como una planta. Está entre un bosque, porque es muy densa, y un gabinete de curiosidades», resume la comisaría de la exposición, Martina Millà.
Paul Klee, verso libre de las vanguardias europeas y humanista con vistas al expresionismo, capturado aquí como fenómeno de la naturaleza en 200 piezas, la mayoría de ellas llegadas del Zentrum Paul Klee de Berna, y retratado por triplicado -como «artista, persona con sensibilidad y profesor», resume Daniel- a través de cuatro momentos vitales clave: los años de formación; la Primera Guerra Mundial; la docencia en la Bauhaus; y el exilio y la enfermedad. Planteamiento, nudo y desenlace de un creador que, tal y como destaca Millà, se hizo artista «a través de la observación de la naturaleza».
La exposición recorre toda la producción de Klee, desde sus primeros estudios botánicos a las pinturas que realizó con los dedos en sus últimos días, y reúne más de 200 piezas entre dibujos, pinturas, documentos y objetos variados. Sobre estas líneas, un visitante fotografía una de los óleos de la exposición. Debajo, ‘Viene el invierno’, de 1939, una de sus últimas obras; y un estudio botánico de 1892.
TODA UNA VIDA DE INFLUENCIA NATURAL La exposición recorre toda la producción de Klee, desde sus primeros estudios botánicos a las pinturas que realizó con los dedos en sus últimos días, y reúne más de 200 piezas entre dibujos, pinturas, documentos y objetos variados. Sobre estas líneas, un visitante fotografía una de los óleos de la exposición. Debajo, ‘Viene el invierno’, de 1939, una de sus últimas obras; y un estudio botánico de 1892. EFE-ZENTRUM PAUL KLEE DE BERNA
Ahí están, para confirmarlo, sus primeros trabajos, una mezcla de paisajes, animales diseccionados y estudios botánicos, de rosas, mariposas, esqueletos de águila y majestuosos tucanes, sobre los que Klee plantó los raíles de su carrera. El dibujo naturalista y las lecturas de Goethe acompañaron al joven Klee en unos primeros años que, destaca la muestra, «le impulsaron a desentrañar el todavía más complejo orden inherente del mundo natural».
Con la explosión de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza se convirtió para Klee en refugio y evasión: llamado al frente y varado en una base aérea, empezó a experimentar con formas geométricas y escalas de colores. Eran los años del expresionismo muniqués, sí, pero también de la explosión pictórica y la luz cegadora que descubrió en Túnez. «El color me posee. El color y yo somos una sola cosa», dejó anotado su viaje al norte de África. En la sala, dispuesta como una rueda de colores, cobran forma paisajes abstractos e incandescentes y geometrías variables en rojo, verde y amarilla.
El Klee más reconocible, minutos antes de ingresa en la Bauhaus y rendirse a «naturaleza como maestra de maestros». «A sus alumnos, Klee les explica la morfogénesis de los organismos vivos como modelo para entender las fuerzas subyacentes en toda forma», subraya la comisaria. Y eso, claro, mientras firma el escrito ‘Caminos para el estudio de la naturaleza’, sigue pintando paisajes cada vez más abstractos, a ratos casi cubistas, y desmenuza la naturaleza en peces migratorios, rocas frías-calientes y lunas recién estrenadas. En el centro de la sala, un acuario replica el que el artista tenía en su estudio y que, según Millà, le permitía enseñar a sus alumnos el movimiento de los peces o el efecto del agua en las formas.
‘Paul Klee y los secretos de la naturaleza’, apunta Marko Daniel, interrumpe de vez en cuando su carácter monográfico para hacer sitio a obras de Gabriele Münter, Emma Kunz y Maruja Mallo, artistas femeninas afines o contemporáneas al artista. «Es como un reencuentro con sus amigas», celebra Millà. Menos alegre, sin embargo, es el desenlace de la muestra, con Klee depurado por el nazismo y exiliado en su Suiza natal, donde pasó sus últimos años de vida hasta que falleció en 1940 víctima de la esclerodermia, una enfermedad degenerativa. Al final, destaca la comisaria, pierde destreza pero gana libertad: pinta con los dedos y con prisa, sabiendo que el final está cerca y dinamitando cualquier frontera. « Fusiona objeto y sujeto artístico», zanja Millà.
La hija de Pablo Picasso y Françoise Gilot conversa con el escritor y pensador italiano sobre su faceta de diseñadora de joyas, la infancia junto a su padre y las genialidades y manías del creador de ‘Las señoritas de Aviñón’.
Paloma Picasso, en la película ‘Cuentos inmorales’ de Valerian Borowczyc (1973).ARGOS FILMS (ARGOS FILMS)
Esta entrevista es la fiel transcripción de una conversación que mantuve con Paloma Picasso el 24 de mayo en la Universidad de Calabria. Un aula repleta de estudiantes, curiosos por conocer el itinerario artístico de la famosa diseñadora de joyas y, al mismo tiempo, deseosos de escuchar la historia de los años vividos junto a su padre, Pablo Picasso. A Paloma no le gusta hablar de sí misma ni de su familia. Es muy celosa de su vida íntima y afectiva. Pero su renuencia cedió ante la llamada de la amistad. Nos conocimos hace años en Sérifos (Grecia), gracias a una amiga en común de Atenas, Maria Embiricos, amante del arte y la cultura. Desde entonces, no nos hemos perdido de vista. En estas páginas es posible encontrar un testimonio de cómo la vida de una hija puede haber estado marcada, para bien o para mal, por la presencia imponente de un padre famoso.
Paloma Picasso y Nuccio Ordine, en la Universidad de Calabria (Italia).ÁNGELA SUÁREZ
Empecemos por tu relación personal con el arte. ¿De pequeña te gustaba dibujar?
¡Claro! De pequeña, igual que mi hermano Claude, dibujaba mucho. Mi madre intentaba atenuar las expectativas de quienes nos observaban diciendo que, a su manera, todos los niños dibujan. Sabía muy bien que la gente, al vernos con un papel y un lápiz, esperaba de nosotros un futuro de artistas. No era fácil vivir en una casa con papá Pablo y mamá Françoise siempre con el pincel en la mano. Así que a los 15 años me angustiaba medirme con la pintura: la fama de Picasso y su fuerte personalidad me impedían acercarme a la paleta. Necesitaba encontrar mi camino. Y luego, gracias a las joyas, entré por primera vez en el mundo del arte…
Picasso, en la playa con familiares y amigos en las cercanías de Cannes.
Me parece que tu primer éxito nació entre los desechos del Mercado de las Pulgas de París…
A principios de la década de 1970 trabajaba en París como asistente del escenógrafo Luc Simon. Me pidieron que buscara un gran collar para la famosa actriz y cantante Barbara. En las tiendas especializadas no encontré nada realmente interesante. Así que, rebuscando entre los puestos del Marché aux Puces [Mercado de las Pulgas], compré terciopelo negro y diamantes falsos. En un artículo sobre el espectáculo apareció una línea dedicada a las creaciones de Paloma Picasso. Sabía que, si no hubiera sido la hija de Pablo, me habrían ignorado. Pero esa oportunidad fue preciosa: de hecho, al poco tiempo, un amigo mío me hizo saber que había nacido en París una escuela para aprender a crear joyas: ahí tuve la oportunidad de diseñar y hacer joyas. Había encontrado un camino personal para expresarme.
¿Cómo llegaste a colaborar con la prestigiosa joyería Tiffany?
Por casualidad. En Venecia había conocido a un pintor que tenía una tienda de Saint Laurent, de quien luego me hice amiga. Al cabo de unos años, se fue a vivir a Nueva York. Y allí lo contrataron en Tiffany como director artístico. Precisamente en ese momento, la empresa buscaba un nuevo diseñador. Invitaron a cuatro o cinco personas para una entrevista, incluyéndome a mí. Y, para mi gran alegría, la elección recayó en mí.
¿Fue entonces cuando comenzaste a combinar elementos del arte urbano con el diseño de joyas?
Me encantan las cosas fuertes, grandes y coloridas. Sin embargo, engastarlas en joyas auténticas se convirtió en un grave problema debido a su excesivo coste. Comprendí que podía crear joyas muy hermosas, pero poco vendibles. Por eso era necesario pensar en algo más fácil. En Nueva York, en aquellos años, el arte urbano estaba muy extendido, aunque recibía críticas porque ensuciaba las paredes. Lancé un desafío: transformar lo que se consideraba “negativo” en “positivo” mediante la inclusión de elementos artístico-visuales de este arte popular en el diseño de joyas elaboradas con oro y diamantes.
Después recorriste nuevos caminos con el lanzamiento de tu perfume para L’Oréal… Me parece que, inconscientemente, tu experiencia se inspira en uno de los principios fundamentales que caracterizaron la poética de Pablo Picasso: para ser un verdadero artista hay que experimentar en los campos más diversos.
Probablemente fue así. En esos años, todos los amigos a los que frecuentaba, desde Yves Saint Laurent hasta Karl Lagerfeld, estaban creando su propio perfume. Pensé en hacer uno yo también. Pero mi abuelo materno ya se había afirmado en el mundo de las fragancias. De hecho, de pequeña solía entrar en Lafayette para visitar el departamento Gilot (en aquella época solo tenía el apellido Gilot, Ruiz Picasso llegó más tarde). Lamentablemente, cuando más tarde creé el perfume Paloma Picasso, mi abuelo ya había muerto, pero mi abuela vio en mí la continuación de la tradición familiar.
¿Qué ocurría, durante tu estancia en Nueva York, en las noches del mítico Studio 54, un antiguo teatro de ópera transformado en discoteca de moda, símbolo de la transgresión y la cultura underground de la Gran Manzana?
Yo era la invitada más joven. Iba con Andy Warhol, que tenía una intensa vida de relaciones sociales, entre cócteles, cenas y veladas en los clubes nocturnos. También dirigía la influyente revista Interview, dedicada a promocionar el cine de autor frente a la producción de Hollywood. Conocía a gente rica y famosa, distinta del cenáculo que frecuentaba, para intentar vender sus retratos. En Studio 54 circulaba mucha droga, pero ni Warhol ni yo la tomábamos; nos divertíamos igual. Pero a Warhol le gustaba la gente eufórica que, al excitarse, perdía el control. A pesar de haberse librado de morir por las agresiones, le seguía gustando la “locura” pero, al mismo tiempo, le asustaba…
Retomemos el hilo de los recuerdos de infancia. ¿Tu padre te animaba a dibujar?
Fumaba mucho, casi un cigarrillo tras otro. Y cuando acababa el paquete lo deshacía y con los pedazos de cartón creaba personajes diminutos. Así, mientras él pintaba, yo coloreaba las figuritas. Recuerdo con emoción esas horas que pasábamos juntos: él con el pincel y yo con los lápices de colores en la mano. Una atmósfera mágica, dominada por el silencio. Pablo me dejaba quedarme con él porque era una niña tranquila, que no le molestaba.
Recuerdo con emoción las horas que pasábamos juntos, él con un pincel y yo con los lápices de colores
El pintor, su hijo Paulo y el torero Luis Miguel Dominguín (en el centro), en La Californie, la vivienda del artista en Cannes.
¿Cómo era un día típico en casa de Picasso?
Claude y yo lo veíamos sobre todo en vacaciones. Las de verano eran las más largas. Durante el año vivíamos en París con nuestra madre y en verano íbamos al sur, a las casas de Cannes y Mougins. Dos meses y medio siempre juntos. Por la mañana iba de compras con Claude y Catherine, la hija de Jacqueline Roque. Pablo se despertaba más tarde: a las once de la mañana desayunaba en la cama y, mientras tanto, leía el correo. Las sábanas estaban cubiertas de cartas enviadas desde todos los rincones del mundo. Pero, detalle extraordinario, muchos sobres no tenían dirección, solo ponía “Para Pablo Picasso, Francia”. Eran tantas que no podía contestarlas todas. Por eso contrató también a una secretaria española que luego las archivaba. Papá nunca tiraba nada.
La casa en Ménerbes de la artista Dora Maar, pareja de Picasso.
¿Y qué recuerdas de tu madre, Françoise Gilot, también pintora?
Mamá entendió que Claude y yo corríamos el riesgo de terminar odiando el arte. Nos llevaba a los museos, pero siempre con mucha cautela. Cuando pintaba, para no imponer su obra a nuestra atención, cerraba la puerta. Pero yo, sin que me viera, la espiaba desde el balcón. Estaba muy orgullosa de tener una madre tan creativa. Y, probablemente, nunca habría querido a una madre dedicada a hacer tartas de manzana. Su creatividad también se expresaba en la invención de historias. Pienso en el cuento de una niña que, jugando con su hermano, se convierte en esfinge: la había titulado Paloma Sphynx. Una forma de aludir a mi carácter: yo era muy callada en casa, mientras que en la escuela hablaba demasiado. Por supuesto, admiraba a papá (que era admirado por todos). Pero sentía una admiración especial por mi madre, una “complicidad” que se ha mantenido intacta a lo largo del tiempo. El 26 de noviembre cumplirá 101 años…
Dos asistentes a la histórica exposición de Picasso en el Palacio de los Papas de Aviñón, en 1970. Su siguiente muestra en este espacio tendría lugar en 1973, meses después de su muerte.
¿Cómo se acogía en el colegio a la hija de Pablo Picasso?
Para mí no fue fácil, por culpa de los malos maestros. Recuerdo a uno que enseñaba latín y francés. Ocho horas a la semana, sin perder nunca la oportunidad de lanzarme indirectas contra papá. Odiaba a Pablo y trataba por todos los medios de hablar mal de él. Un día, mientras traducíamos un pasaje de Julio César sobre una batalla, se empeñó en precisar que el enfrentamiento tuvo lugar cerca del castillo de Vauvenargues, cuyos muros fueron pintados siglos después por un pintor vagabundo. Hablaba de mi padre. Eso fue el colmo. Pero no protesté, ni en clase ni en privado ante el director de la escuela. A la vuelta de las vacaciones de Semana Santa, me enteré de que el profesor había fallecido, atropellado por un coche. El odio no me impidió lamentarlo. Afortunadamente, como nunca le deseé la muerte, no tuve sentimientos de culpa. Al fin y al cabo, nomen omen, me habían llamado Paloma, símbolo de la paz…
El último taller de Picasso, en su residencia de Notre-Dame-de-Vie, Mougins.
Precisamente en 1949, con motivo del Congreso Mundial de la Paz y de tu nacimiento, Picasso dibujó la famosa Paloma de la paz, que más tarde se convertiría en el símbolo universal de la paz.
El dibujo original se encuentra ahora en el Museo de Arte Moderno de París. Es cierto que los nombres condicionan la existencia de quien los recibe. Esa Paloma forma parte de mí y de mi vida, hasta el punto de que yo también he diseñado una para Tiffany, como decoración navideña.
Pablo Picasso, en una corrida de toros en Arlés.
Hay varios retratos de Paloma de mano de Pablo Picasso. Pequeñas madeleines que evocan la ternura de la infancia.
Es verdad. Paloma à l’orange, por ejemplo, aunque yo era muy pequeña, lo recuerdo bien. Durante años me han dicho: “Qué suerte haber sido retratada por Picasso”. Pero pensaba que este supuesto privilegio era “normal”. De Paloma en bleu nunca podré olvidar el pececito que me habían regalado, quizá por un cumpleaños. Y luego las escenas familiares: los cuadros en los que Claude y yo estamos pintados con mi madre. Preciosos momentos de nuestra vida fijados en el lienzo.
El castillo de Vauvenargues, donde está enterrado el artista español junto a la que fuera su esposa, Jacqueline Picasso.
Picasso, muy a menudo, utilizaba para sus obras materiales desechados.
Y tanto… Claude, de hecho, pagó el precio más alto. Papá recibía muchas visitas. Y una vez a mi hermano le regalaron dos coches de juguete. Pero Claude, devorado por la curiosidad, desmontaba los juguetes. Entonces, cuando Pablo vio los restos de los dos coches, pensó que eran perfectos para construir una babuina. A mi hermano no le gustó nada la idea. Y papá, con gran ironía, respondió: “Tú los has destruido y yo, en cambio, los he transformado en una maravillosa obra de arte”.
La entrada a la casa de Dora Maar en Ménerbes.
Creo que Chèvre también está hecho de materiales desechados en una de las calles de Vallauris.
Es cierto. Papá se encontró en la calle algunos objetos abandonados y enseguida se imaginó una cabra: la cesta de mimbre para la tripa, las hojas de palma para la cabeza y el hombro, y algunos restos de cerámica para las ubres, amalgamados con yeso y metal. Pero durante mucho tiempo vivió en casa con nosotros una cabra real…
Picasso, como un rey Midas, transformaba los desechos en arte. Ese fue también el caso de la famosa Cabeza de toro. Un tema muy querido por sus relaciones con España y con la mitología griega.
La cabeza de toro surgió del manillar y el asiento de una vieja bicicleta. No era un toro cualquiera, sino un toro que más toro imposible. Le fascinaba la tauromaquia, la consideraba como una ritualización muy particular de la muerte. En las corridas, los toreros le ofrecían el capote o le dedicaban la faena. En la familia, sin embargo, mi hermano no era la única víctima. Una vez me regalaron un par de zapatillas blancas de lona, y yo, feliz y orgullosa, se las enseñé a papá. Las cogió y comenzó a dibujar sobre ellas: comprendí que las había perdido para siempre.
Hablando de toros, uno de los más famosos está pintado en el Guernica. Esta obra maestra fue compuesta en poco tiempo en París, con motivo de la Exposición Universal de 1937. Picasso ya estaba pensando en un tema para el pabellón español, pero la inspiración tomó forma inmediatamente el 26 de abril de 1937, tras el bombardeo de Gernika.
Es un cuadro enorme que hizo en la casa de la Rue des Grands-Augustins. El lienzo era tan grande que fue muy difícil conseguir que entrara en el piso. Es una obra sobre la que se ha discutido muchísimo y sobre la que nosotros mismos hemos hablado en familia. Muchos cuestionaron la elección del blanco y negro. Hubo muchas respuestas, pero creo que influyó el reportaje en blanco y negro que había visto en los periódicos de la época. Papá pintó muchos cuadros en blanco y negro. Hace unos 15 años, en el Guggenheim de Nueva York, se reunieron muchos para una exposición. Papá podía contar una historia en blanco y negro, sin necesidad de recurrir a colores más fuertes…
‘La colombe de la paix’. Vallauris, 1950. Pastel, 23 x 31 cm. Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.
Ocho años después de la muerte de Picasso, en 1981, el Guernica volvió desde el MoMA de Nueva York a España, donde más tarde, tras quedar instalado en el Prado, encontró su espacio definitivo en el Museo Reina Sofía de Madrid. El cuadro ya había asumido un valor universal como símbolo de la lucha contra la barbarie de la guerra. Se cuentan muchas anécdotas, en las que aflora su humor irreverente…
Era un rasgo peculiar de su carácter. La anécdota más famosa sobre el Guernica se refiere a unos funcionarios o diplomáticos nazis que, al ver la reproducción del cuadro, le preguntaron si lo había hecho él. Y papá respondió: “No, lo habéis hecho vosotros”. También hubo otro choque con la muerte de Stalin: Pablo lo pintó joven y enfureció a los líderes del Partido Comunista. Pero para él, el verdadero Stalin era el de los ideales de la primera juventud. Papá creía de verdad en la paz y la libertad de los pueblos. La historia del Guernica también ha dejado huella en mí. Durante años busqué el piso ideal en París y al final lo encontré exactamente enfrente de la casa donde Pablo lo había pintado.
‘Paloma en vuelo sobre fondo negro (I)’. Vallauris, 9 de julio de 1950. Lápiz litográfico, aguada y gouache sobre papel litográfico transferido sobre piedra. Papel vitela Arches con filigrana. 50,4 x 66,3 cm. Museo Casa Natal Picasso.
Un cuadro que también inspiró a muchos músicos y poetas…
Desde luego. Pienso en Paul Éluard, un gran amigo de mi padre, que escribió un poema en caliente, La victoria de Guernica, que luego fue musicalizado por Luigi Nono. Nuestra casa siempre estaba llena de escritores, artistas, poetas. Claude, por ejemplo, tuvo la suerte de frecuentar a Matisse, a quien consideraba un abuelo. Y aunque ya era muy anciano, seguía haciendo maravillosos découpages, pintando con colores muy fuertes trozos de papel que luego recortaba para pegarlos en la pared. Esas, para mí, eran las obras más bonitas de Matisse. Claude se sentía tan atraído por él —de hecho, estaba convencido de que entrar en la habitación de Matisse significaba vivir en un cuadro— que de niño firmaba también él H. M. Y a veces, cuando alababa a Matisse en casa, papá se enfadaba y le preguntaba: “¿Y yo qué?”. Pero Claude, sin miedo, respondía que Henri era “un verdadero pintor”.
‘El rostro de la paz’. Segunda versión 29 de septiembre de 1951. Lápiz litográfico sobre papel reporte, transferido a la piedra. 28,2 x 22 cm. Pertenece al libro ‘El rostro de la paz’, de Paul Eluard (Éditions Cercle d´Art, París, 1951). Museo Casa Natal Picasso.
¿Y qué otros amigos frecuentaban la casa de Picasso?
Jean Cocteau, por ejemplo, nos quería mucho, porque le fascinaba la curiosidad de los niños, sus ganas de descubrir y saber cosas. Y también Jacques Prévert, que a menudo nos leía sus poemas. La nuestra era una vida mágica, en la que el arte, en sus múltiples expresiones, formaba parte de la cotidianidad. Muchos de estos amigos de papá eran como tíos para nosotros. Los veíamos sobre todo en verano, porque a Pablo le encantaba el mar y pasaba mucho tiempo charlando en la playa.
‘Colombe aux fleurs’. Dibujo para foulard del Festival de la Juventud y los Estudiantes por la Paz de Moscú, 1957. Original en la Colección del Musée d’Art et d’Histoire de Saint-Denis.
¿Alguna vez hablabas español con tu padre?
Papá tenía un horrible acento español, mientras que mamá no lo hablaba. Por tanto, en la familia, el idioma de comunicación era el francés. Aunque frecuentaban nuestra casa muchos amigos españoles, papá siempre charlaba con ellos en francés. Pero en las corridas las cosas eran diferentes. Cuando los matadores acudían a homenajearlo, respondía en español. Y una vez me obligó a hacerlo, para dar las gracias al torero que se había dirigido a mí directamente.
‘Juventud’. Vallauris, 9 de junio de 1950. Litografía. Lápiz litográfico y pincel sobre zinc (2º estado). Papel vitela Arches con filigrana. 56,7 x 76,4 cm. Museo Casa Natal Picasso.
Uno de los aspectos interesantes de la poética de Picasso es su capacidad para medirse con los mitos clásicos y con el arte antiguo ibérico y africano. Entre otras cosas, sus reescrituras también afectaban a obras maestras como Las meninas de Velázquez.
Para él, ser moderno también significaba conocer el pasado. Contrariamente a lo que se cree hoy —la falsa idea de que la verdadera modernidad consiste en mirar solo al presente y al futuro—, papá estaba convencido de que el pasado se podía “reescribir”, siempre que se estudiara y se conociera. Es difícil imaginar lo “nuevo” sin dominar lo que le precede.
Una imagen de Picasso de archivo. (Getty)
A él no le gustaba hacer siempre lo mismo. Estaba en contra de la repetición pasiva de las reglas. ¿Por estas razones era un rebelde en la escuela?
Sí, no le gustaban las limitaciones de la escuela. Él solo quería dibujar a su manera. Mi abuelo paterno era profesor de pintura en una academia, primero en Málaga y luego en A Coruña y, por último, cuando mi padre tenía 15 años, en Barcelona, la ciudad más moderna de España, una ciudad que en ese momento miraba a París y no a Madrid. Allí papá asistió al Instituto de Bellas Artes. Era muy joven y sus amigos, algunos ligados a las vanguardias, eran mucho mayores que él. Así que, cuando decidieron ir a París para la gran feria de 1900, papá los siguió. Y tras una serie de viajes de ida y vuelta, se instaló definitivamente en la capital francesa.
Tu hermano Claude me ha contado que en todos los rincones del mundo hay alguien que utiliza el nombre de Picasso con fines comerciales…
Es un asunto complicado: tuvimos que crear una estructura legal al efecto para protegerlo. Nos hemos visto obligados a controlar todos los usos comerciales. Era necesario defender su nombre del libre albedrío de empresarios y empresas. En Oriente, donde no existen los derechos de autor y muchas veces no se respetan los contratos, hemos tenido muchísimas dificultades.
Otro gran problema es el de las atribuciones y las falsificaciones. Casi todos los años aparecen muchas obras nuevas de Picasso.
Esta es la otra misión de nuestra Picasso-Authentification. Certificar, con estudios minuciosos, la autenticidad de las obras. Capítulo aparte merecen algunos casos llamativos. Pienso en el descubrimiento de una serie de dibujos que luego salieron a la luz en casa de un electricista y de su primo chófer. No se trataba de regalos, como ellos pretendían, sino de robos: papá nunca regalaba nada sin una dedicatoria. Por otro lado, cuando se descubren falsificaciones, el objetivo es destruirlas. De 100 supuestas obras enviadas a Claude para verificar su autenticidad, 98 son falsas. Con el tiempo, mi hermano ha adquirido una gran experiencia que nos permite reconocer las técnicas de los distintos falsificadores.
¿Cómo vives ahora la proximidad del cincuentenario de su muerte?
¿Qué puedo decir? Echo mucho de menos a papá y siento que está a mi lado en cada momento de mi vida. Yo soy parte de él y él es parte de mí. El apellido Picasso ha marcado y condicionado mi existencia. Y un aniversario no cambia esta percepción. Es más, la idea de que durante todo un año hablaremos de él me inquieta un poco. Siempre he querido disfrutar de mi padre y de mi madre en la intimidad.
Alieen Getty y su supuesta vinculación con el ataque al cuadro de Los girasoles de Van Gogh
LOS ANGELES, CALIFORNIA – FEBRUARY 07: Aileen Getty protests inside Paul Hastings Tower during Jane Fonda’s Fire Drill Friday on February 07, 2020 in Los Angeles, California. (Photo by Rachel Luna/Getty Images) y LONDON, ENGLAND – JUNE 23: Sabine Getty attends ‘The Alchemist’s Feast’, the inaugural summer party & fundraiser for the National Gallery’s Bicentenary campaign, NG200, with Creative Director Patrick Kinmonth, on June 23, 2022 in London, England. (Photo by David M. Benett/Dave Benett/Getty Images for The National Gallery)
Una financia a Just Stop Oil, la organización ecologista que vandalizó el famoso cuadro. La otra es patrona de la National Gallery, el museo londinense donde cuelga la obra del artista postimpresionista. Las dos tienen algo en común: una fortuna familiar de valor incalculable
Aileen Getty estuvo casada con Christopher Wilding, hijo de Elizabeth Taylor
Los Getty, una de las dinastías más ricas del mundo, están desperdigados por cuatro continentes: de Estados Unidos a Sudamérica, pasando por Europa, Asia y África. Sin embargo, los descendientes del magnate petrolero John Paul Getty —unos cuarenta bisnietos y quince tataranietos— forman un clan unido.
Aileen Getty con Diana de Gales colaboraron en la investigación de la lucha contra el Sida
Tienen motivos para estarlo: un fideicomiso estimado en 3.000 millones de euros y un patrimonio neto combinado que podría ascender a 20.000 millones. Los Getty suelen celebrar una reunión anual en verano, generalmente en Italia, y vuelven a coincidir en diciembre en la tradicional gala que Gordon Getty, cuarto hijo del fundador de la saga y el único que sigue vivo, da en San Francisco con motivo de su cumpleaños (pronto cumplirá 89 años). La familia ya tiene un tema de conversación para su próximo encuentro: el reciente ataque a los girasoles de Vincent van Gogh en la National Gallery de Londres.
Gordon Getty
El atentado contra la obra fue perpetrado por Just Stop Oil, un grupo de activistas que intentan presionar al gobierno británico para frenar nuevos proyectos petrolíferos y gasíferos. La organización ecologista irrumpió en escena en el mes abril con un audaz plan para bloquear la distribución de combustibles fósiles en el sur de Inglaterra. Desde el principio, ha disfrutado de unas holgadas cuentas, grandes sumas de dinero que le han permitido construir una sofisticada operación de protesta.
Espectacular boda de Ivy Getty, con vestido de Galliano
El Fondo de Emergencia Climática, una entidad filantrópica estadounidense, les ha donado cientos de miles de dólares, según confirmaron los propios activistas al diario The Guardian. Aileen Getty, sobrina de Gordon Getty y nieta del petrolero John Paul Getty, es una de las fundadoras de ese Fondo de Emergencia Climática. Solo en el último año, la heredera, de 65 años, y otras millonarias como Abigail Disney o el director de cine Adam McKay han inyectado unos cuatro millones de euros a 40 ONG que luchan contra el cambio climático, incluida Just Stop Oil.
Ivi Getty en su boda
A mediados de la década de 1980, John Paul Getty JR, padre de Aileen, donó más de 50 millones de libras a la National Gallery británica. Durante uno de sus ingresos hospitalarios por depresión, Getty recibió la visita de la mismísima Margaret Thatcher, entonces primera ministra, que acudió a la clínica para agradecerle en persona el generoso regalo. Casi 40 años después, su hija es señalada como responsable indirecta del atentado contra Los girasoles de Van Gogh, una de las joyas del museo londinense.
Boda de Ivy Getty
Aileen siempre ha ejercido de oveja negra de la familia. Atormentada por la crueldad de su abuelo, la adicción a la heroína y la depresión de su padre y el traumatico secuestro de su hermano, John Paul Getty III, la heredera tuvo una juventud turbulenta.
En 1981 se casó en secreto con Christopher Wilding, hijo de Elizabeth Taylor, y durante años ha tenido que luchar contra sus propios fantasmas: las drogas y el VIH. Hace unas décadas, logró superar sus adicciones y empezó a dedicarse al activismo y la filantropía. En 2019 puso en marcha el Fondo para la Emergencia Climática junto a otras personalidades adineradas con conciencia ambiental.
A la izquierda, secuencia de ‘Todo el dinero del mundo’; a la derecha, John Paul Getty III en Londres en 2003.
La implicación de un Getty en el tomatazo contra el van gogh ha puesto en una posición difícil a otro miembro de la famosa familia de petroleros.
John Paul GettyJean Paul Getty, quizás el miembro más famoso de la familia, nació en Minneapolis en 1892 y se unió al Minnehoma Oil de su padre en Tulsa a los 21 años (en la foto: J Paul Getty, alrededor de 1960)
Sabine Getty, mujer de Joseph Getty bisnieto del fundador de la dinastía y sobrino de Aileen, es la flamante copresidenta del programa de jóvenes patronos de la National Gallery.
La heredera, de origen suizo-libanés, tiene 38 años, es diseñadora de joyas y está muy implicada en la escena cultural londinense.
La nieta de Paul Getty, Aileen GettyAP
Con su nombramiento continúa con el legado de su suegro, Mark Getty, fundador de la agencia de fotografía Getty, que es uno de los grandes patronos de la pinacoteca. Es la primera vez en la historia del museo que se crea un programa formal para involucrar a las nuevas generaciones de donantes y filántropos con la colección.
La filántropa y nieta de Paul Getty, Aileen Getty en un evento de BulgariAP
Desde su creación, la Galería Nacional siempre ha tenido contacto con artistas vivos a través de sus residencias y exposiciones: Van Gogh la visitó en 1884 y quedó tan impactado por La Avenida de Middelharnis, de Meindert Hobbema, que se convirtió en una gran influencia en su obra.
Jean Paul, quien se casó y divorció cinco veces, con cinco hijos de cuatro de sus esposas, murió en 1976, dejando a su hijo Gordon a cargo de Getty Oil (en la foto: Gordon Getty, 1986)
Tras su nombramiento como patrona, en 2021, Sabine Getty habló de Los girasoles de Van Gogh, a la que calificó como una de sus obras favoritas del museo.
Aileen Getty, heredera de la fortuna de Getty Oil, ha donado más de £ 800,000 a una organización sin fines de lucro que financia el grupo de protesta Just Stop Oil. En la imagen: Getty con un calentador corporal con el logotipo de Extinction Rebellion en marzo de 2020
Este cuadro es tan especial porque fue una las primeras pinturas en las que Van Gogh realmente demuestra el estilo de pintura expresivo por el que sería más celebrado en los años posteriores a su muerte. En Los girasoles existe una dicotomía entre belleza y tragedia, entre vitalidad y decadencia.
Getty ha hecho campaña anteriormente por otras causas, como crear conciencia sobre el SIDA después de haber sido diagnosticada con VIH en la década de 1980. Aquí se la representa con la princesa Diana (izquierda) en un centro de SIDA en Londres en 1996.
Belleza, tragedia, vitalidad y decadencia también definen muy bien a los Getty.
Just Stop Oil ha provocado indignación en los últimos meses con sus protestas, incluyendo arrojar sopa a los «Girasoles» de Vincent Van Gogh (en la foto)
John Paul Getty, apodado el hombre más rico de América por la revista Fortune en 1957, amasó su fortuna con el petróleo, pero la mantuvo y acrecentó gracias a su frugalidad.
Los partidarios de Just Stop Oil han causado estragos, incluyendo forzar el cierre del puente de Dartford durante un día y medio cuando dos escalaron la estructura esta semana.
Su tacañería era legendaria y por momentos rayaba el humor: en Sutton Place, su mansión a las afueras de Londres, llegó a instalar un teléfono público para no tener que pagar las llamadas que hacían sus invitados.
Getty, fotografiada aquí en West Hollywood en 1992, dijo anteriormente al New York Times: «No olvidemos que estamos hablando de extinción. ¿No tenemos la responsabilidad de tomar todos los medios para tratar de proteger la vida en la Tierra?»
Con el tiempo, esa avaricia se transformó en mezquindad. Pocas semanas después de la muerte por sobredosis de su primogénito, George, en 1973 su nieto mayor John Paul Getty III, fue secuestrado por la mafi calabresa.
Manifestantes de Just Stop Oil se sientan en el asfalto de Victoria Street, Londres, en una manifestación frente al Departamento de Negocios, Energía y Estrategia Industrial el 17 de octubre.
Al principio, el petrolero se negó a pagar el rescate, lo que le costó una oreja a su heredero. Finalmente, acordó pagar no más de 2,2 millones de dólares (equivalente a unos 12,7 millones actuales)— la cantidad máxima que era deducible de impuestos—. Prestó el resto del dinero a su hijo, pero con un interés del 4%.
La policía retira a un manifestante de Just Stop Oil en una manifestación frente a los grandes almacenes Harrods en Knightbridge, Londres, hoy temprano
Ese episodio marcó a John Paul Getty III y a su hermana, Aileen, quienes durante años tuvieron que batallar contra sus adicciones a las drogas, los fármacos y la depresión.
John Paul Getty III escoltado por la policía en 1973.GETTY IMAGES
Paul III nunca superó el secuestro. En 1981, sufrió un accidente cerebrovascular que lo dejo parapléjico hasta su muerte en 2011.
John Paul Getty III.GETTY IMAGES
El fallecimiento de John Paul Getty, el patriarca, en 1976, no trajo paz a la familia, pero sí más dinero. Sus descendientes vendieron Getty Oil a Texaco por 10.000 millones de dólares a comienzos de los años 80. Se la considera la mayor adquisición corporativa en la historia.
John Irvin Getty recientemente falecido a lso 47 y su hija Ivy.
Tras pagar los impuestos, las arcas del fideicomiso familiar se llenaron con unos 3.000 millones de euros.
John Irvin Getty recientemente falecido a lso 47
Forbes estima el patrimonio neto del clan en 5.400 millones. El periodista estadounidense James Reginato, autor del reciente libro Growing up Getty, calcula que es mucho mayor: 20.000 millones. Según John Pearson, el famoso novelista y biógrafo inglés, el fideicomiso de la saga es la fortuna más destructiva de nuestro tiempo.
John Irvin Getty recientemente falecido a lso 47 y su hija Ivy.
En su libro Todo el dinero del mundo, publicado en 1995, Pearson retrata la riqueza de los Getty como un Saturno:
Egoista y machista, nunca se intereso por los sentimientos de sus parejas.
El artista empleó, sobre todo, la violencia psicológica, más que física, y no solo con mujeres, sino también con hombres. Pero también fue el mejor pintor del siglo XX
Un día de 1938, Dora Maaar llegó al taller del pintor surrealista Víctor Brauner con un ojo morado. Este le preguntó qué le había sucedido. “
Me he peleado con mi padre.
El pintor y Dora Maar, en una instantánea tomada por Man Ray en la localidad francesa de Antibes hacia 1937Francois Gillot
Por tensas que fueran las relaciones entre padre e hija en aquella época, es difícil pensar que su padre le diera un puñetazo. No hay otra explicación que la de atribuir la agresión a Picasso su amante de entonces.
Fernande Olivier.La primera de sus musas fue Fernande Olivier, ella está representada en muchas de sus obras del Período Rosa. El famoso pintor conoció a esta belleza parisina, y se enamoró de su cabello rojo y sus hermosos ojos. Sin embargo, a medida que pasaron los años, Picasso, desafortunadamente, se volvió muy posesivo con su amante, y al final no tuvo más remedio que dejarlo.
Más que físico, Picasso fue un maltratador psicológico y no solo con mujeres, sino también con hombres.
La segunda de sus musas fue Eva Gouel (Marcelle Humbert), una de las amigas de Fernande, su anterior musa. Una vez que ella y Picasso se hicieron pareja, se quedaron juntos durante tres años. A menudo se la llama la «reina de sus obras cubistas», ya que apareció en una serie de sus obras de este género. Desafortunadamente, le diagnosticaron tuberculosis y Picasso rápidamente comenzó una aventura con una mujer llamada Gaby.
Christian Zervos, el autor del catálogo razonado de la obra picassiana, explica en una carta a Siegfried Giedion que, tras una gestión fallida con el pintor, no quería ver a Picasso:
Conozco el placer que le provoca ver sufrir a la gente. La obra y el hombre nunca son lo mismo. El artista es enorme, el hombre muy pequeño.
Después de la muerte de Eva, el pintor dejó Francia devastado y se mudó a Italia, enamorándose de Olga Khokhlova, una bailarina rusa. Ella se convirtió en su primera esposa, y una gran oponente del cubismo que él estaba desarrollando en ese momento, por lo que exigió ser pintada en un estilo completamente diferente. La pareja tuvo un hijo, Paulo, que inspiró a Picasso a comenzar una serie de pinturas titulada Maternité. Debido al carácter coqueto de Picasso y su negativa a dejar de tener relaciones extramatrimoniales, su esposa finalmente sufrió un colapso. Al final, ella se fue con su hijo y se mudó al sur de Francia, pero nunca superó su obsesión con su esposo.
Tampoco Christian Zervos era una joya de buen comportamiento: abusó sexualmente, durante la Ocupación, de la adolescente que habían recogido en su hogar, Yvette Szczupak-Thomas, quien al cabo de los años relató su historia.
La cuarta de las musas de Picasso fue Marie-Thérèse Walter, que solo tenía diecisiete años cuando, como víctima del amor de Picasso por las mujeres, quedó embarazada de su hijo mientras aún estaba casado con Olga. Aunque la diferencia de edad fue muy significativa, a los 29 años, la delicada joven era probablemente la única mujer con la que Picasso estaba realmente feliz. Tenía el aspecto y el carácter perfectos para modelar sus piezas surrealistas, y Picasso la manipuló con facilidad. Aunque tenían una hija llamada Maya juntos, debido a las formas infieles del artista, eventualmente se separaron.
Se conocen muchos otros episodios del maltrato psicológico de Picasso: todo el mundo quería cuadros del artista, y su estrategia era citar juntos a dos de sus grandes marchantes para ponerles nerviosos esperando durante una hora en la antesala, elucubrando quién de los dos entraría antes.
La mujer con la que comenzó a tener una aventura mientras todavía estaba con Marie-Thérèse era Dora Maar. Ella tenía pasiones similares hacia él. Era fotógrafa y pintora, y era muy inteligente. Dora fue testigo de él creando su obra maestra “El Guernica”. Ella sufrió un colapso total después de enterarse de su aventura con Françoise Gilot en 1945, y llegó a decirle que «como artista puedes ser extraordinario, pero moralmente hablando no vales nada».
A Francois Gillot que narra cientos de estas anécdotas, le decía al principio:
No sé por qué la he permitido venir. Sería muy agradable ir al burdel.
Françoise Gilot era una aspirante a pintora y estudiante de derecho de 21 años. Con ella tuvo dos hijos: Claude y Paloma. Ella estaba profundamente enamorada del pintor, pero incluso ese sentimiento no era lo suficientemente fuerte como para sobrevivir a su difícil comportamiento. Ella no pudo soportar sus infidelidades, abusos y bromas, y finalmente lo dejó en 1953. En 1964, publicó sus memorias tituladas “Vida con Picasso” y se mudó a Nueva York.
También le encantaba hacer coincidir a dos de sus amantes para provocar los celos: esto hizo que un día se encontraran en el estudio de Picasso Dora Maar y Marie Therese Walter que al final acabaron peleándose físicamente.
Como tenía preferencia por las mujeres mucho más jóvenes que él, mientras todavía estaba con Françoise, se involucró en un romance con Genevieve Laporte, de 24 años, quien también terminó su relación en 1953. En 2005, ella subastó 20 dibujos de sí misma de Pablo Picasso.
Picasso declara años más tarde que aquel era uno de sus recuerdos más preciados.
En 1961, el pintor se volvió a casar a la edad de 79 años. Su novia de 27 años, era Jacqueline Roque, quien lo trataba como si fuera un santo. El período en que estuvo con ella fue un momento muy creativo para Picasso. Ella fue su última musa y apareció en más de 400 de sus pinturas y cerámicas. El artista murió en 1973, con Jacqueline a su lado. Trece años después, Jacqueline decidió suicidarse después de concluir que ya había logrado todo por él.
Las víctimas de los maltratadores psicológicos suelen tardar muchos años en denunciarlo. Y más si estos son grandes artistas o escritores.
Jacqueline Roque enseña a Picasso algunos pasos de ballet en una célebre imagen de David Douglas Duncan
Vanessa Springora escribe recientemente un libro titulado El consentimiento donde narra la historia de un escritor pedófilo llamado Gabriel Matzneff, famoso en Francia, que la seduce (con su consentimiento) cuando ella tenía 14 años.
No solo las víctimas se enamoran de verdad, sino que el maltratador suele ejercer de maestro de vida o las colma, como contrapartida a sus desprecios, de regalos o consejos.
De ahí que a ellas les sea tan difícil superar la etapa de admiración y reconocer que han sido víctimas de un abuso.
Pero Picasso es el mejor pintor del siglo XX, por más que ahora alguien se empeñe en desacreditarlo como tal.
Eva Gouel
Inventó el collage, inventó el cubismo, inventó las esculturas con objetos cotidianos (aunque Víctor Hugo ya había firmado un sencillo guijarro de río).
Olga Khokhlova
Casi siempre robando ideas a los demás, como a Braque o Julio Gonzalez o a cualquier otro.
Pero sus resultados son más vivos, más radicales, más variados, y siempre explorando hasta el infinito más posibilidades plásticas.
Jacqueline Roque
También era sumamente inteligente, simpático y cuando quería, generoso: dio 200.000 francos para los niños hambrientos de la República durante la guerra civil española; ayudó a muchos refugiados, regaló 1.000 dólares (de los años cincuenta) para sufragar la intervención quirúrgica de Alice Toklas, la compañera de Geltrude Stein y ayudó a varios artistas, solamente a aquellos que le caían bien.
¿Qué hacer, pues, con Picasso? Ahora con el cincuentenario de su muerte las feministas radicales querrán abolirlo y, sin embargo, como escribió Daniel Rico:
Tenemos patrimonios incómodos pero que, a poco que escarbemos, todos lo son.
Por poner otros ejemplos, Hitchcock también fue genial pero le dijo a Tippi Hedren que arruinaría su carrera al negarse esta a sus avances.
22Margot22-o-22La-espera22-¿Louise-LENOIR-1900
Por su parte, Dalí realizaba actos sexuales con patos, a los cuales primero mataban delante de él.
La propia Simone de Beavour, icono del feminismo del siglo XX, fue desenmascarada en un libro titulado Simone et les femmes, en donde se explica cómo la escritora siempre negó sus experiencias sexuales con jóvenes, algunas de ellas sus alumnas.
El cuadro de Picasso ‘Olga pensativa’. (Getty)
Pero lo impresionante del libro no es tanto que lo negara sino cómo,
Picasso, junto a Jacqueline Roque y Jean Cocteau. (Getty)
En sus cartas a Sartre, con quien compartía algunas de ellas, las trata como objetos sexuales. Citamos estos ejemplos porque son personajes famosos, pero podemos recordar que en aquellas épocas —y también ahora— estos casos de abusos eran muy comunes. Lo que ha cambiado no sólo es la mentalidad, sino la denuncia.
La artista francesa Françoise Gilot. (Getty)
¿Qué hacer, pues, con los violentos, los pedófilos, los fascistas, las manipuladoras? ¿Suprimirlos de los museos y bibliotecas? Evidentemente, no.
madrid,20-10-2022.-exposicion del pintor Manolo Quejido.foto ernesto agudo.archdc
Forma parte de la llamada nueva figuración madrileña, junto a nombres como Guilllermo perez Villalta, Luis Gordillo, Alfonso Albacete, Carlos Alcolea…, la mayoría no nacidos en la capital. Manolo Quejido (Sevilla, 1946) lleva en Madrid desde los 14 años. «Estaba entre compañeros, colegas, y bastaba. Fue una etapa feliz y muy interesante», comenta. ¿La historia ha sido justa con ese grupo de artistas? Parece que los pintores españoles de los 70 han sido un tanto olvidados. «Esas cosas pasan», dice resignado. Lleva a sus espaldas más de cinco décadas de trabajo, a caballo entre el pop y el expresionismo.
madrid,20-10-2022.-exposicion del pintor Manolo Quejido.foto ernesto agudo.archdc
El Museo Reina Sofía le dedica, hasta el 16 de mayo de 2023, una retrospectiva, ‘Distancia sin medida’. Reúne un centenar de cuadros que abarcan toda su carrera. De negro riguroso, de pies a cabeza, el artista contrasta con las multicolores pinturas que cuelgan en el palacio. No todas. Entre ellas, una de 2014, apenas tiene color. Se titula ‘Fin’, pero la palabra aparece invertida. Hay una inscripción en la parte inferior del lienzo: «Al pintar ponerle fin, la pintura tiene un final sin fin». «Es una exposición especialmente memorable para mí, porque con ella cierro todo el ciclo de mi obra. Es un fin. Cae el telón. Todo está por empezar de nuevo». Y cuenta una confesión íntima: «Desde hace diez años no he querido ni he podido mostrar a nadie mi trabajo. Para mí es inexplicable. Mi próxima obra es inimaginable. Por primera vez estoy pintando sin tener idea de lo que estoy haciendo».
madrid,20-10-2022.-exposicion del pintor Manolo Quejido.foto ernesto agudo.archdc
Sorprende que sea así tras una carrera tan larga y prolífica. ¿Es por inseguridad? «Sí. Inseguridad, siempre. Uno no es dueño de nada. El proceso de pintar es de algún modo un suicidio. La pintura mata al pintor, lo convierte en uno más entre todos. Pasa igual con la escritura. Este es otro pintor, como un heterónimo, se llama Nadir [punto de la esfera celeste diametralmente opuesto al cénit]. Parte de un cuadro que hice: ‘Aperitivo en el bar Edén’. Yo ya soy Nadir y son mis cavilaciones». Sus palabras tienen algo de apocalíptico, es como si estuviera despidiéndose de su carrera. Y de Manolo Quejido: «De alguna forma me despido de él, casi me da alegría desaparecer».
madrid,20-10-2022.-exposicion del pintor Manolo Quejido.foto ernesto agudo.archdc
Ha resultado complejo seleccionar un centenar de obras, pues Manolo Quejido es un pintor incansable y ha producido muchísima obra, que, para la comisaria, es «como un campo de melones». «Su trabajo es muy serio, de una gran consistencia», advierte Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía. Tiene lucidez y rigor. No hay uno, sino muchos Manolo Quejido. Sus ideas y obsesiones quedan plasmadas en la exposición, donde cuelgan series y conjuntos de obras de gran formato. Velázquez(«el pintor más conceptual del arte español», según Borja-Villel) está presente en toda su trayectoria. Aparece en cuadros como ‘Partida de damas’ y reflexiona sobre él en ‘VerazQes’, a partir de ‘La fragua de Vulcano’, ‘Las hilanderas’ y ‘Las Meninas’. Velázquez al cubo: pinturas sobre Velázquez en el Palacio de Velázquez, en una exposición comisariada por Beatriz Velázquez. Solo faltaría que mañana le dieran el premio Velázquez. Pero no solo le interesa el maestro sevillano. En ’30 bombillas’, homenajea a la Historia del Arte: Piero della Francesca, Ingres, Goya, Cézanne, Picasso, Matisse, Warhol, Bacon…
De las pinturas radiantes de los 80 a la resistencia a la sociedad de consumo de los 90: etiquetas de los productos, ofertas de supermercado, papel de periódico… En su monumental obra ‘Sin consumar’ (1997-1999) evoca la desmesura consumista. La suya es una pintura que habla de la pintura, pero sin ensimismamiento. Pone en el mismo plano al pintor, la pintura y la acción de pintar. Aborda el acto mismo de pintar e investiga sobre las posibilidades plásticas de la pintura. Hay una pintura pintante y una pintura pintada. Le interesan las relaciones entre pensamiento y pintura. También, las matemáticas (Möbius), la filosofía (Nietzsche, Heidegger, Lacan, Bataille), la poesía… Nada le es ajeno. Su curiosidad es infinita.
La exposición Gaudí, que cuenta con más de 150 piezas, profundiza la obra del arquitecto barcelonés y descubre sus proyectos desconocidos en CentroCentro, una iniciativa para acercar a los ciudadanos a su figura desde este viernes y ayudar a conocer al artista de una forma atenta y alejada de los tópicos.
Así lo ha explicado la comisaria Charo Sanjuán, desde el espacio cultural del Palacio de Cibeles, donde ha recordado que los trabajos de Gaudí son una novedad desde la primera exposición que le organizaron en 1910 en París gracias al método que utilizaba de mostrar su obra con fotografías para aquellas personas que no comprendían los planos y así atraer su interés.
Se formó en la Escuela Provincial de Arquitectura de Barcelona, donde desarrolló una arquitectura nueva y diferente. A partir de ahí, recorre su propio camino de creados. Gaudí no es un genio aislado, sino que sale y surge en un periodo determinado. Es un hombre que esta en contacto con las corrientes artísticas y estéticas que se estan desarrollando en Europa.
El arquitecto barcelonés estudia muy a fondo las estructuras y sus formas para renovar el pasado, algo a lo que se dedicó durante toda su vida. La muestra, que aborda de una forma extensa la figura del reconocido arquitecto, exhibe planos, dibujos, maquetas, muebles, elementos arquitectónicos, esculturas, fotografías y audiovisuales que permiten acercar al visitante sus principales obras.
De esta forma, los interesados realizarán un recorrido de siete etapas que abarca desde proyectos iniciales, como La Obrera Mataronense, el Colegio de las Teresianas, la Casa Vicens o la Casa Botines hasta el templo de la Sagrada Familia, pasando por el Palau Güell y las casas urbanas Calvet, Batlló y Milà.
Además, Sanjuán ha recalcado que la muestra también enseña sus primeros proyectos cuando participó en la el proyecto de la Sociedad Cooperativa Obrera Mataronense. Un proyecto importante debido a que Gaudí solía trabajar para la burguesía y esta fue la única vez que lo hizo para diseñar las casas de los obreros y una escuela para los niños.
La exposición destacará también los planos de la hoja de palmito en hierro fundido de la reja de la Casa Vicens; los planos originales correspondientes a las casas Calvet, Batlló y Milà; el mosaico hidráulico que diseñó para el piso principal de la Casa Batlló; la planta general del Templo de la Sagrada Família, datado en 1885; y las fotos del Park Güell, realizadas por Adolf Mas, las mismas que se exhibieron en la muestra de París de 1910.
La delegada de Cultura, Turismo y Deportes del Ayuntamiento, Andrea Levy, ha subrayado que esta exposición reflexiona sobre el valor del modernismo gracias al arquitecto barcelonés, su máximo exponente. Asimismo, ha recordado que este movimiento artístico no fue siempre admirado.
Encontramos poco modernismo en Madrid porque no existía una burguesía pujante como la de Barcelona y en ese momento se vivía la posdepresión por la pérdida de las colonias en Cuba y Filipinas. Gracias a esta exposición valoraremos el modernismo y a tender puentes entre ambas ciudades.
Gaudí está considerado un genio de la arquitectura y del arte a nivel mundial. Siete de sus edificios han sido declarados Patrimonio Mundial por la UNESCO: el Park Güell, el Palau Güell y la Casa Milà, desde 1984; la Casa Batlló, la cripta de la Colònia Güell, la Casa Vicens y la cripta y la fachada de la Natividad de la Sagrada Família, desde 2005. Sus obras atraen desde hace años multitud de visitantes de todo el mundo.
La calavera procede del primer espécimen descubierto de Homo erectus y el Gobierno asiático lo considera un saqueo colonial. Una comisión independiente estudiará a partir de diciembre la petición
Cráneo de ‘Homo erectus’ encontrado en la Isla de Java y expuesto en Leiden.MUSEO DE CIENCIAS NATURALES DE LEIDEN
El Gobierno de Indonesia ha remitido a Países Bajos una lista de fósiles, joyas y obras de arte que califica de saqueo de la época colonial y espera que le sean devueltos. Entre las piezas figura de forma prominente el Hombre de Java, considerado el primer espécimen descubierto de Homo erectus, un homínido que habitó en Asia. La tapa del cráneo, así como un hueso fémur y un molar, excavados por el médico y antropólogo holandés Eugène Dubois a finales del siglo XIX, están expuestos en la ciudad holandesa de Leiden. La relación de piezas reclamadas también incluye el Tesoro de Lombok, compuesto de joyas. El listado fue enviado en el pasado julio al ministerio holandés de Cultura, y la parte indonesia ha hecho públicos ahora los detalles. A partir de diciembre, una comisión independiente revisará el origen de estos objetos, y también otros pedidos de igual manera por Nigeria y Sri Lanka, de los que no han trascendido todavía detalles.
Fémur de ‘Homo erectus’ encontrado en la Isla de Java y expuesto en Leiden.MUSEO DE CIENCIAS NATURALES DE LEIDEN
Establecer la procedencia de las obras demandadas es esencial para decidir su futuro, y portavoces del ministerio holandés de Cultura subrayan que las conversaciones con Indonesia “son amigables y constructivas”. En caso de que las obras hubieran sido robadas en su día, podría abrirse el proceso de restitución. Las leyes holandesas obligan desde 2016 a analizar los objetos coloniales que se desee sacar de una colección, dado su valor cultural. Sin embargo, los que fueron arrebatados a sus dueños por la fuerza deben devolverse sin condiciones siempre que lo pida el territorio de origen y se demuestre la fuerza ejercida”. Así lo dijo en 2020 el Consejo para la Cultura, un órgano asesor del Ejecutivo, refiriéndose a Indonesia, Surinam y los antiguos territorios de las Antillas, hoy llamados Caribe Neerlandés. Según sus cálculos, había unas 450.000 piezas de arte colonial en las colecciones nacionales holandesas. Si bien no todo fue sustraído, hasta 100.000 obras de arte pudieron serlo sin el consentimiento de las poblaciones indígenas que las produjeron.
El hombre de Java fue el primer espécimen descubierto de Homo erectus. Foto: univerzoocuantico.com POR AFP
De no mediar saqueo, es probable que sigamos adelante conversando a escala diplomática con el país en cuestión, y puede haber cesiones temporales, exposiciones o cualquier otra forma de colaboración, según fuentes ministeriales. Al mismo tiempo, el departamento de Cultura admite que la lista remitida por Indonesia incluye la colección Dubois completa, no solo la bóveda craneal y otros huesos del Hombre de Java. Se trata de miles de fósiles excavados por el investigador y anatomista, que viajó como médico militar y se trasladó a esa isla y también a Sumatra. De enorme importancia científica, están expuestos en el museo Naturalis, de Ciencias Naturales, en Leiden. El cráneo tiene su propia vitrina y es uno de los reclamos del centro. Entre la relación de obras que el Gobierno de Indonesia considera expoliadas se cuenta además el Tesoro de Lombok. Sacado de Indonesia en 1894, está compuesto por joyas de oro y plata, así como piedras preciosas. Una parte ya fue devuelta en 1977, según Cultura. Otra porción se encuentra en el museo Etnográfico de la propia Leiden. Los actuales Paises Bajos controlaron el comercio de especias entre Europa y lo que hoy es Indonesia entre los siglos XVII y XVIII por medio de la Compañía de las Indias Orientales. Una vez extinguida la firma, siguieron administrando el territorio hasta 1949, fecha de la independencia.
La pinacoteca Naturalis de la ciudad neerlandesa de Leiden alberga 40.000 fósiles excavados en Indonesia a fines del siglo XIX. | Foto: EFE
La devolución de arte colonial saqueado no es solo un fenómeno holandés. Otros países europeos con un pasado similar, como Francia, Portugal, Bélgica o Alemania han debatido en los últimos años cómo afrontar la restitución de este patrimonio cultural. El Gobierno germano firmó en julio pasado un acuerdo que facilita el regreso a Nigeria de unos bronces del antiguo reino de Benín. Expoliados por los británicos en el siglo XIX, forman parte de los mayores tesoros artísticos de África y están repartidos por varios museos europeos. Decoraban el palacio real del antiguo Reino de Benín, situado al suroeste de la actual Nigeria. En 2021,Francia confirmo la devolución de obras robadas por tropas coloniales galas, en su caso a Benín.
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