1303-1304 realizados los frescos de la Capilla Scrovegni en Padua, denominada también de la arena, por estar ubicada en un antiguo anfiteatro romano, es quizás el mas brillante y ambicioso testimonio de madurez de Giotto.
Tanto esta monumental obra que realiza en Padua como la que realiza con anterioridad en Rímini, son edificios religiosos regentados por franciscanos, lo cual refuerza la vinculación de Giotto con la orden mendicante.
1300 Enrico Scrovegni compra a la familia Delesmanini un amplio terreno para construir en él un palacio y una capilla.
Todo parece indicar que esta última es erigida como expiación del pecado de usura, con el que son tachados los primeros banqueros como los Scrovegni.
Hay indicios de que es el propio Giotto el que concibe no solo la decoración de los frescos, sino el espacio arquitectónico que los cobija, aunque esa parte no se concluye totalmente con su proyecto, como se evidencia en la desaparición del transepto que sin embargo existe en la capilla pintada que ofrece Enrico Scrovegni en el gran fresco de la entrada que representa el Juicio Final.
El programa narrativo gira sobre tres ciclos, el de la vida de San Joaquín y Santa Ana, padres de la Virgen; el de la vida de la Virgen María y finalmente el de la vida de Jesús, todos los cuales se sobreponen en los muros laterales de la nave, reservándose el muro de ingreso para la escena del Juicio Final.
Además de esto, en la parte baja del mármol ficticio se enmarcan las Virtudes y los Vicios.
Hay dos imágenes de dos besos, uno que funde los rostros de San Joaquín y Santa Ana cuando los esposos se reencuentran en la Puerta Dorada de Jerusalén y el beso con el que Judas vende a Cristo en el Huerto de los Olivos, hay otros besos pero son de naturaleza reverencial, como son los que se estampan a los pies de quien es adorado.
El que se dan el exiliado Joaquín y Ana rompe todas las convenciones.
Las rompe no solo por quebrar la regla sagrada de postración ante lo superior signada con el beso en el pie, reverenciado sino porque el beso en los labios es la fusión espiritual y corporal, un pacto de co-creación que en este caso cumple su sentido por ser matrimonio y celebrar una milagrosa fecundidad inesperada.
Basado en los evangelios apócrifos no es solo la analogía entre la fecundación sobrenatural de Joaquín y Ana como la de preludio de María y José, sino su plasmación pictórica como encarnación del amor humano, que permite fusionar dos rostros en uno.
La escena esta subrayada de un aire festivo, subrayada por el cortejo de mujeres alegres que acompañan a Ana en la recepción del extraviado y reencontrado Joaquín.
El beso de Judas a Cristo comporta un abrazo e insinúa un encuentro bucal entre ambos, pero hay un trágico intervalo de sendas miradas que mutuamente se escrutan de frente, cruzándose más que sus respectivos labios.
La escena coral apaisada en la que se encadenan horizontalmente los hechos, es un prodigio de intensa composición en la que de izquierda a derecha, desde el punto de vista del espectador, vemos sucederse la violencia de Pedro que corta la oreja de un sayón.
La escena discurre en un paisaje, sobre cuyo fondo, lleno de figuras se ve un despliegue de lanzas y hachones cuyo modelo remite a los posteriormente pintados por Paolo Uccello y Velázquez en La rendición de Breda.
Giotto es quizás el primer artista moderno, o en todo caso, el único que se mantiene como tal durante siete siglos.
Según Cennino Cennini, es quien destierra la maniera greca, bizantina, el arcaizante estilo florentino.
Es también quien adelanta de forma intuitiva la perspectiva, pero además es quien atisba la humana realidad.
Contemporáneo de Marco Polo, Tomas de Aquino, Dante y Boccacio, Giotto esta a la misma altura en su disciplina.
Muy aclamado en su época y en la nuestra, no se sabe nada de la infancia, juventud y formación de Giotto.
Nace en 1267, porque se sabe que muere con 70 años que es una edad muy avanzada para la época.
Proviene de una familia campesina de Colle di Vespignano, una aldea próxima a Florencia y que es discípulo de Cimabue.
Seguramente a la sombra de este, se comienza a acopiar información sobre los primeros pasos artísticos de Giotto y de sus primeras idas y venidas, como un viaje a Roma donde puede empaparse de lo que se realiza allí, por artistas como Pietro Cavallini, Jaacopo Torriti, Filippo Rusuti y Adolfo di Cambio, pintores, mosaicistas, escultores y arquitectos que trabajan con un sentido clásico de lo monumental.
La revelación del talento de Giotto se produce en la intervención pictórica del convento y la basílica de San Francisco de Asis, un vasto proyecto iniciado en 1228, primero con la construcción de una cripta subterránea y una amplia basílica inferior, ambas de estilo románico, sobre la cual se realiza una basílica superior ya gótica consagrada en 1253.
1277-1280, en ella Cimabue decora el transepto izquierdo y luego continua su trabajo aunque a partir de 1285 con Torriti y Duccio y quizás el mismo Giotto.
En la última década del XIII, Giotto adquiere protagonismo al asumir la realización de la Historia de San Francisco, un relato visual de la vida del santo desde la adolescencia hasta los milagros obrados por él tras su muerte.
Aunque no existen datos documentales que lo acrediten, la magnitud de la empresa y algunas disonancias estilísticas inducen a pensar que Giotto ejecuta todo este ambicioso ciclo con un número indeterminado de ayudantes.
Ideológicamente la influencia de la personalidad y el pensamiento religioso de San Francisco es determinante no solo para fraguar la nueva mentalidad de ese momento histórico, sino en concreto para el cambio artístico que alienta la obra de Giotto, sobre todo a partir de la obra por él pintada, en la basílica de San Francisco de Asís.
Fundador de una orden mendicante en un contexto histórico en la que la iglesia romana pugna por obtener un poder político y económico cada vez mayor, el establecimiento por parte de San Francisco de un voto de pobreza y la preocupación doctrinal dan un nuevo rumbo a la religiosidad anquilosada.
El movimiento franciscano marca una nueva senda del nuevo arte italiano.
San Francisco es poeta antes de su conversión.
La tónica de la enseñanza franciscana radica en la espontaneidad, pero su inclinación por la belleza moral esta unida a la belleza estética.
San Francisco y Giotto se convierten en los dos puntales que sostienen la moral reformista y el arte de la época moderna.
A través del ciclo pictorico de la basílica de San Francisco de Asís y en particular de los frescos de Giotto sobre la vida y doctrina de San Francisco se abre una nueva senda para la representación de lo sagrado, de cuño humanístico y de orientación realista.
En estos frescos Giotto reinventa el concepto de espacio, animado por una visión en perspectiva, tanto en la representación escenográfica de los edificios, como en la forma de estructurar el paisaje.
Concede gran importancia a la expresividad de los rostros y a la elocuencia de los gestos, y unifica el relato visual estableciendo una nueva temática de la piedad religiosa, ahora articulados sobre los ciclos marianos y cristológico.
1296-1298 Terminado este ambicioso ciclo, vuelve a Florencia donde pinta sobre madera Madonna di Ognisanti y el Poliptico de Badia.
Después marcha a Roma y después se dirige al norte para atender encargos en Rimini y Padua.
En Rimini para pintar el crucifijo del Templo Malatestiano y en Padua para llevar adelante el increíble conjunto de decoración de la Capilla Scrovegni.
Su fama alcanza una proyección que le lleva de nuevo a Florencia y Roma para concluir el periplo en Napoles con una estancia entre 1329-1333, donde es llamado por Roberto de Anjou y de nuevo vuelve a Florencia, donde es nombrado maestro de obras para la realización de la cúpula de la catedral.
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