Why are we the only human species left on the planet?

A Homo longi skull (l). A reconstruction of his possible appearance (r).C. ZHAO

Three recent discoveries have led scientists to re-evaluate the origins of Homo sapiens and our evolutionary history

An x-ray image of the jaw of the Nesher Ramla ‘Homo.’ARIEL POKHOJAEV

Three discoveries have ch anged what we know about the origin of the human raceand of our own species, Homo sapiens. It is possible, according to some experts, that we may have to rethink this concept when it comes to referring to ourselves as these new discoveries suggest that we may be a type of Frankenstein hybrid made up of pieces of other human species, with whom until relatively recently we shared our planet and produced offspring.

Excavations at the Nesher Ramla site in Israel.ZAIDNER

The finds made last week point to there having been up to eight different species or groups of humans in existence 200,000 years ago. All of these form part of the Homo assignation, in which modern humans are included. The recent additions to human evolution display an interesting blend of primitive characteristics – huge arches above the eyebrows and flat heads – as well as modern ones. The so-called “Dragon Man” or Homo longi discovered in China” possessed a cranial capacity similar to or greater than modern humans. The Nesher Ramla Homo, discovered in Israel, could possibly be from a species that preceded and contributed to the European Neanderthals and East Asian Denisovans, with whom our own species had repeated sexual encounters producing mixed-race children who were accepted by their tribes as another member of the family.

 Today we know that because of this intermingling every modern human beyond the African continent carries 3% Neanderthal DNA and that the inhabitants of Tibet carry genes that enable them to live at high altitudes that were passed on from the Denisovans. Genetic analysis of the current population of New Guinea suggests that the Denisovans – a branch of the Neanderthal family tree – remained in existence as recently as 15,000 years ago, a mere blink of the eye in evolutionary terms.

The third big discovery made in the last few days could have been on an episode of a detective show. Researchers analyzed DNA preserved in the floor of the Denisova cave in Siberia and found genetic material from indigenous humans, Denisovans, Neanderthals and Homo sapiens dating from periods of such close proximity that they all could have overlapped. Three years ago, the remains of the first known hybrid of two human species were discovered in the same place: the daughter of a Neanderthal and a Denisovan.

Paleoanthropologist Florent Detroit gave science one of these new human species when he identified Homo luzonensis, who lived on an island in the Philippines 67,000 years ago and had a curious mixture of characteristics that could have been the result of a long evolution of over a million years, spent without contact with other early humans. It is a similar story to that of his contemporary, Homo floresiensis, or Flores Man, a human species standing just a meter and a half tall who lived on the Indonesian island. Flores Man had a brain the same size as a chimpanzee but if we apply the intelligence test most commonly used by paleoanthropologists, we can say that he was as advanced as sapiens and used stone tools of equal evolutionary craftsmanship.

To these two island dwellers can be added Homo erectus, the first human traveler who departed Africa two million years ago, spreading throughout Asia and who existed there until fewer than 100,000 years ago. The eighth player in this story is Homo daliensis, whose fossilized remains were found in China and who was a mixture of erectus and sapiens, although daliensis may yet be ascribed to the recently denominated line of Homo longi.

“It does not surprise me that there were various species of humans alive at the same time,” says Detroit. “If we take into account the last geologic age, which started 2.5 million years ago, there have always been different races and species of hominoids sharing the planet. The big exception is the present day: never before has one human species existed alone on the earth.”

Why are sapiens the last humans standing? For Juan Luis Arsuaga, a paleoanthropologist working at the Atapuerca archeological site in northern Spain, the answer is community. “We are a hyper-social species, the only ones capable of constructing bonds beyond kinship, unlike the rest of the mammals. We share consensual stories like country, religion, language, football teams; and we are willing to sacrifice many things for them.” Not even the Neanderthals, our closest relatives, who fashioned ornaments, simbols and art, shared this behavior. “The Neanderthals did not have a flag,” notes Arsuaga. For reasons that are still unknown, the Neanderthals died out some 40,000 years ago.

Sapiens were not “superior in the strictest sense” to their contemporaries, says Antonio Rosas of the Spanish National Research Council (CSIC). “Today we know that we are the result of hybridizations with other species and the combination of characteristics that we possess turned out to be perfect for that moment in time.” Another possible additional advantage is that Homo sapiens lived in more numerous groups than the Neanderthals, which would lead to less inbreeding and better general health among populations.

Detroit believes that part of the explanation lies in the very essence of sapiens, which means wise in Latin. “We have a huge brain that we need to nourish, as such we need many resources and as a result a lot of territory. Homo sapiens experienced a vast demographic expansion and it is very likely that competition for territory was too hard for the rest of the species,” says Detroit.

María Martinón-Torres, director of the Spanish National Center for Research on Human Evolution, believes that the secret to Homo sapiens’ success is “hyper adaptability.”

«Ours is an invasive species and while not necessarily ill-intentioned, we have been an evolutionary Attila the Hun,” Martinón-Torres says. “At our pace and due to our way of life biological diversity has been diminished, including that of humans. We are one of the most impactful ecological forces on the planet and this history, our history, started to be forged in the Pleistocene [the geological period from 2.5 million years ago to 10,000 years ago, when Homo sapiens were the only remaining human species in existence].

The recent finds have served to add fuel to a growing issue: scientists are naming more and more human species, but is it logical to do so? In the view of Israel Hershkovitz, an Israeli paleoanthropologist who made the discovery at the Nesher Ramla archaeological site, the answer is no. “There are too many species,” he says. “The classical definition states that two different species cannot have fertile children. DNA tells us that Homo sapiens, Neanderthals and Denisovans had such children, in which case they should be considered the same species.”

“If we are sapiens, then these species who are our ancestors by way of admixture are also sapiens,” notes João Zilhão, a Barcelona University professor at the Catalan Institution for Research and Advanced Studies.

This issue has become a source of confrontation between experts. José María Bermúdez de Castro, co-director of the Atapuerca site, points out that “hybridization is very common among existing species, especially in the vegetable world. The concept of species can be nuanced, but I don’t think we should abandon it because it is very useful for helping us to understand.”

There are many factors at play in this debate. The evident differences between Homo sapiens and Neanderthals are not the same thing as the identity of a species such as Homo luzonensis, of whom only a few teeth and bones have ever been discovered, or the Denisovans, of whom the majority of available information derives from DNA extracted from tiny fossils.

“Curiously, despite the frequent contact between them, Homo sapiens and Neanderthals have been perfectly recognizable and distinguishable species until the end,” says Martinón-Torres. “The traits of the late Neanderthals are more marked than their predecessors, rather than having become less distinct as a result of mixing. There were biological interchanges, and possibly cultural ones, but neither of these species stopped being themselves: distinct, biologically and visually identifiable, with their specific adaptations and their ecological niche in the history of evolution. I believe this is the best example that hybridization does not necessarily collide with the concept of species.”

Martinón-Torres’ colleague, Hershkovitz, believes the debate will continue though: “We are excavating at another three caves in Israel where we have found human fossils that will lend a new perspective to human evolution,” he says.

English version by Rob Train.

https://english.elpais.com/usa/2021-07-06/why-are-we-the-only-human-species-left-on-the-planet.html#?rel=listaapoyo

Lo poco espanta y lo mucho amansa

Sugerencia de escritura del día
¿Qué harías si perdieras todo lo que tienes?

Repensarme. A veces el destino hace favores, aunque parezca lo contrario.

Cuando hay poca edad y se conoce la adversidad, piensas que es tremendo.

Y puede que lo sea.

Pero conforme cumples años, te das cuenta, que vivir es batallar que decía Celestina, y que siempre va a haber bueno, malo y regular. Pero significa que estamos en el tajo.

Y el problema no es tanto la adversidad que se tenga como la manera de afrontarla.

También habría que matizar.

Perder los bienes no es nada al lado de enfermar. Reivindico la salud mía y de mi familia. Se que el que está enfermo no es precisamente porque quiere.

Pero me ceñiré a los bienes materiales.

Está sobrevalorado de verdad el ser rico. Se erigen en héroes y no es para tanto, pero vivimos en un entorno muy competitivo y la presion mediatica es grande.

Casi aboca a ello. Da igual a lo que te dediques, lo que hagas tiene que ser rentable si o si. Despues son carne de siquiatra, porque no han hecho otra cosa en su vida que trabajar.

Son pilares de la economía y se les respeta como tales. La mayoría han luchado mucho y han vivido por y para crecer. Su ambición, más bien codicia, es un motor de la economía.

Pero casi siempre han pagado un precio personal.

Y la vida es corta (y la memoria mas).

Si algo me gusta de ellos es que han tenido un objetivo desde jóvenes, y cuando los demás divagaban, ellos ya estaban concentrados en su cometido.

Pero obviamente, se han perdido muchas cosas, y no digo que sus vidas sean peores, pero si más limitadas que las del resto, aunque el sistema los erija en paladines.

Yo he pasado por perder casi todo, no todo, y doy fe que no es el peor momento de mi vida, muy al contrario, casi me senti aliviada.

Es un instante de renacer, de hacer tabla rasa, de volver a empezar e intentar ser yo misma. Me he pasado la vida intentando complacer a los que me rodeaban y al final ha sido un laberinto de servidumbre hueca.

Pero es solo una opinión, para gustos colores. El viaje siempre va por dentro y la percepción es subjetiva.

De pequeña, por todos los medios intentaba captar la atención de mi madre que era desdeñosa conmigo (porque no me parecía a ella) una indoeuropea rubia casada con un semita oliva (quien a su padre parece, honra merece).

De joven, siempre intente no fallar en las expectativas que mis padres habían puesto en mí.

No los culpo, en el caso de mi padre, era un señor educadísimo, muy del XIX.

Pero mi madre, en fin, no le importaba ventilarme pronto, casi mejor, una boca menos.

Y fui obediente al ideario, no tan diferente al de las castas de la India. Y ahi si que lo perdi todo sin saberlo, pues aparque mis proyectos vitales, para pasar a ser satelite de los proyectos de otro. Pero asi es la vida.

Como mujer el pasillo era estrecho en un contexto de provincias.

Pero como ser humano, me abría a la aventura de conocer gente, leer de noche, hacer deporte, e infinidad de propuestas que emergerían espontaneas.

El periplo nunca fue recto sino elíptico, con subidas y bajadas pronunciadas como en una montaña rusa.

Pero el balance es bueno y todavía ando en proceso, a fin de cuentas, la identidad es una impostura, susceptible de modificación.

En estos momentos siento plenitud, para mí el mayor patrimonio y ojalá dure. No hay otro patrimonio.

Tengo muchos proyectos y fe de futuro y que triunfe la imaginación, alfa y omega.

El resto es anécdota.

De mi misma

Sugerencia de escritura del día
Háblanos de un tema o asunto sobre el que hayas cambiado de opinión.

Un disparate del cerebro o un mecanismo de supervivencia, da igual.

Quizás cumplir años sea una bendición más que un castigo, o al menos a mí me lo parece

Cuando era jovencísima me encontraba un horror. Quizás estaba rodeada de demasiada toxicidad en mi entorno, pero no me arrepiento de nada porque yo lo elegí.

En el entorno en el que nací, nos programaban para ser esposas, a ser posibles obedientes y sumisas. Nada nuevo bajo el sol.

Me case adolescente muy enamorada con alguien que me llevaba bastante edad y que era de fuera, por lo que me desarraigue.

Antes de los 20 tuve dos hijas.

Mi vida trascurrió por diferentes puntos del país y aprendí que de buenas intenciones está empedrado el infierno.

Todas las relaciones, son de poder, la amistad, el amor, el trabajo y antes de meterse en una hay que blindarse, porque nada es eterno y siempre se está en proceso. La historia siempre es abierta y mejor.

Mi marido tuve que cuidarlo durante años, porque su neurólogo me advirtió en privado para antes que, por su proceso de degradación, lo inhabilitara legalmente.

Me parecía tan denigrante para cualquier ser humano que rehusé hacerlo, más un hombre que en ese momento llevaba un cargo de cierta responsabilidad, bien parecido y muy pagado de si mismo y esta información le habría supuesto una jubilación forzosa y no había cumplido aun ni los 50.

El neurólogo me advirtió de las consecuencias. Viviría con una bomba y muy expuesta.

Se quedó corto.

Vivió su degradación casi 22 años más, pero fue un infierno que me puso a prueba.

La mayoría de la gente, cuando le hablan de un proceso de degradación cerebral, creen en un demenciado como tantos que vemos por las calles como un trastornado furioso.

Mi marido todavía en la cuarentena, tenía el cerebro como un gruyere y los neurólogos no sabían si era porque era epiléptico, si había tenido pequeños ictus, o si la causa era un cumulo de enfermedades heredadas que padecía.

Se volvió narciso, histrión y hostil conmigo. Casi me daba igual porque ya era todo un infierno.

Intento suicidarse mil veces. Rehusaba cualquier medicación para evitarlo. Tenía cambios de humor repentinos. Tan pronto estaba eufórico como depresivo.

La lista sería larga. Solo decir que cuando murió después de una agonía terrible y llorando, me sentía agotada.

Llena de deudas, toque fondo. Pero no hay mal que mil años dure.

En tres meses, hará cuatro años.

De nuevo he empezado a dibujar y pintar por las tardes y por la mañana me he matriculado en Historia.

Vivo esperanzada y estoy segura con fe de carbonera que lo bueno está por llegar.

Pero el destino a veces escribe con renglones torcidos.

El espejo perdido. Judíos y conversos en la España Medieval

Comenta en rueda de prensa Joan Molina Figueras, jefe de Departamento de Pintura Gótica Española  y comisario de la exposición que acaba de abrir sus puertas en el Museo del Prado y que ha sido considerada como una de las 15 mejores de Europa para este otoño por la revista ARNET:

La intención es mirar a nuestro pasado sin prejuicios, mirarnos en nuestro espejo de una manera rigurosa y atractiva

Cristo entre los doctores

Asegura el comisario sobre la conducta social de aquellos siglos y nuestra manera de mirarla:

Se trata de El espejo perdido. Judíos y conversos en la España Medieval y que a través de 69 obras cuenta como las imágenes fueron esenciales para construir identidades y alteridades, para mejorar el concepto del converso en un primer momento, para crear posteriormente el de hereje o para respaldar a la Inquisición a partir de 1480.

Estas obras hablan de nosotros y de los otros y aunque son del siglo XIII, XIV y XV ya sabemos, como dijo Benedetto Croce, que no hay Historia, sólo hay Historia contemporánea.

Nacimiento de san Juan Bautista (parte del Retablo de los Santos Juanes de Vinaixa [Lérida]), de Bernat Martorell.

 Son Los frontales de Vallbona, de Les Monges, La Fuente de la vida, del taller de Van Eyck, los retablos que realizó Pedro Berruguete para santo Tomás de Ávila, las Cantigas de Alfonso X el Sabio o la Golden Haggadah, entre otras, las que  llevan a esa época y cuentan cómo fue la convivencia entre judíos y cristianos al final de la Edad Media.

El ángel apareciéndose a Zacarías, de Domingo Ram

Para el presidente del Real Patronato del Museo Nacional del Prado, Javier Solana, se trata de una «exposición fascinante».

A todos nos han contado muchas historias sobre ese periodo de tiempo pero ahora tenemos más. Tenemos cuadros, imágenes, libros de horas… Hay algunas piezas de esta muestra que jamás habían salido de sus países, con un libro que es la primera vez que no está en suelo inglés.

La fuente de la Gracia del taller de Jan van Eyck.

Añade sobre cómo podemos encontrar obras procedentes de una treintena de iglesias, museos, bibliotecas, archivos y colecciones particulares nacionales e internacionales.

La utilización de imágenes sirve para estimular la conversión de los judíos y para justificar la sincera decisión de los nuevos cristianos

El discurso visual ilustra como las imágenes estimularon los intercambios entre cristianos y judíos, pero también cómo contribuyeron decisivamente a difundir el creciente antijudaísmo que anidaba en la sociedad cristiana. También se observa su utilización para estimular la conversión de los judíos y para justificar la sincera decisión de los nuevos cristianos. Ya al final de la muestra se destaca la creación de imágenes y escenografías en los primeros tiempos de la Inquisición

Una de las salas de ‘El espejo perdido. Judíos y conversos en la España medieval’ en el Museo del Prado.RODRIGO JIMENEZ (EFE)

 Se puede visitar hasta el 14 de enero y abarca de 1285 a 1492.

Un proyecto que les lleva tres años y en el que han querido contar con imágenes muy variadas.

Explica Miguel Falomir durante la rueda de prensa:

De conversión, satíricas, críticas. Hay obras de grandes maestros y también otras muy populares.

 También que la muestra se vertebra en cinco secciones claramente definidas espacialmente. Se inicia con una dedicada a como al principio la convivencia entre ambos era pacífica y como las fronteras entre las comunidades eran inexistentes.

Exposición sobre la mirada de los cristianos a los judíos que muestra cómo les mancillaban y se burlaban de ellos en los retablos de las iglesias. (Europa Press)

Explica el comisario:

Es a partir de 1391 cuando comienzan a arrasar muchas de las comunidades judías de toda la Península, por ejemplo, la de Barcelona se queda como algo residual. En ese momento se producen muchas conversiones, se puede decir que hay una conversión masiva y eso produce al cabo de pocas décadas una situación particular: las sospechas entre los cristianos viejos de que esos conversos eran herejes cristianos.

Cuenta que a mediados del siglo XV, cuando hay todavía conversos en cargos de poder, todo se rompe.

La sentencia del Estatuto de Toledo de 1499, uno de los primeros estatutos de limpieza de sangre, establece que los conversos eran impuros por una cuestión de sangre. Ya no hablamos de antijudaísmo sino de antisemitismo, la cuestión ya no es la religión sino la sangre. Es en ese contexto, en 1478, cuando se instituye la Inquisición. Una institución que persigue la uniformidad religiosa y que entre sus objetivos tiene la persecución de los herejes cristianos, es decir de los nuevos conversos judaizantes.

En cada momento se utilizan las imágenes para apoyar cada una de las causas y cambios. La Inquisición la usa de manera asertiva. Las pinturas que realiza Pedro de Berruguete para Santo Tomás de Ávila son una exaltación al modelo del inquisidor. Es una manera dura de mirarnos al espejo pero lo han hecho de una manera rigurosa y atractiva.

El Prado construye el relato visual del odio a los judíos en la España medieval (msn.com)

https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/el-espejo-perdido-la-imagen-del-judio-en-la-espaa/ac516c08-08d9-42fb-a7fd-1cba121e9946

https://www.elconfidencial.com/cultura/2023-10-06/exposicion-museo-prado-espana-antisemita_3749541/

Mejor

Sugerencia de escritura del día
¿Cómo sería tu vida sin ordenador?

La dependencia de tecnología, hace ganar en efectividad, pero es malsana. Sin ordenador, me obligaría a sociabilizar más, sería más comunicativa y eso es bueno (aunque todo fuera más lento y difícil).

Adoro leer, con el ordenador, que es un terminal y encuentro cosas interesantes que son imposible de otra manera, pero el precio a pagar es que me absorbe y ensimisma porque le dedico horas.

La tecnología llega a casi todo, desde enseñanza, sanidad, pujas bursátiles, entretenimiento, la lista es inacabable.

Quizás la ventaja es que estamos conectados con cuanto acontece en tiempo real que no es poco.

La tecnología está presente desde los inicios de la humanidad y siempre supone avance.

Lo que no quita su lado oscuro, pues hay más control y somos más solitarios e introvertidos, pero afortunadamente, cada vez más solidarios.

Quizás el proceso se acelera en la Revolución Industrial y quizás las guerras mundiales, sobre todo la segunda, es determinante para el desarrollo de la cibernética, por la coyuntura limite en la que se desenvuelven los combates, cada vez más sofisticados con la aparición de misiles al final.

Al tener que descifrar mensajes del enemigo, debían encontrar un patrón rápido, y eso les hace desarrollar códigos binarios que sienta las bases de todo lo que viene detrás.

La inteligencia artificial viene de los 50, no es reciente y hay mucha expectación al respecto.

Hoy día el ordenador, es la terminal que nos comunica con el mundo, que, en el caso de las matemáticas, permite increíbles cálculos y al resto de los mortales, nos facilita la vida.

Sin tecnología, habría un impacto negativo en la economía, en educación, en investigación, en medicina, en los viajes, transporte, movilidad, industria del entretenimiento etc.

Agricultura y alimentación sin tecnología, nos haría volver a la tradición.

La tecnología en defensa es imprescindible.

Sin tecnología, no habría una interacción de grupo, pero se volvería a llevar una vida sencilla.

Me temo que no hay vuelta atrás, pero seguramente hay que buscar los ratos de ocio y de no productividad, como una obligación para con nosotros, un regalo.

En ello estoy, seguro que mejoro, mis jabalíes y cabras salvajes están de acuerdo en todo.

Mientras los contemplo me dejo llevar por su ternura (tengo que hacer algo para salvarlos que el 15 de octubre comienza la época de caza). Orín sintético de lobo.

Mayday, esto iba de ordenadores. Interferencias.

Detesto los cazadores.

Picasso de lo sagrado y lo profano

Picasso, lo sagrado y lo profano enfrenta al malagueño con cuadros del Greco, Zurbarán, Rubens y Delacroix

Galatea, de Gustave Moreau Museo Thyssen-Bornemisza

El Thyssen muestra la mirada a los clásicos de un Picasso que se ve como un chamán

“Podemos ver el Gernika como un gran paso de Semana Santa que avanza de derecha a izquierda”, osa decir -ella misma utiliza este verbo- Paloma Alarcó, conservadora de pintura moderna del Museo Thyssen de Madrid y comisaria de su nueva exposición, Picasso, lo sagrado y lo profano, que estará abierta hasta el 14 de enero.

Hombre con clarinete, de Picasso Museo Thyssen-Bornemisza

Una muestra que forma parte de la gran conmemoración de los 50 años de la muerte del genio malagueño y que, uniendo sus cuadros con los de maestros como el Greco, Zurbarán o Rubens, trata de ofrecer nuevas perspectivas sobre su obra. La obra, dice Alarcó, de “un hombre que se veía como un chamán”, que “convirtió su arte en su diario íntimo” y que es “aún un misterio que aún dará mucho que hablar”.

Cristo abrazando la cruz del Greco

Para Bernard Ruiz-Picasso, la nueva exposición de la Thyssen, que explora la mirada de su abuelo al mundo clásico y a los temas de la tradición judeocristiana, es “un diálogo, charlas entre grandes maestros, como una tertulia en la que estos artistas hablan, discuten de qué es la realidad o la magia de lo que podemos ver”. Y Alarcó remarca “la idea picassiana de que en el arte no existe pasado ni futuro, es siempre presente, fue el artífice que consiguió diluir mejor que nadie las fronteras entre el pasado, la tradición y la modernidad”.

Arlequin con espejo de Picasso

 “Picasso -prosigue- se consideraba a sí mismo una especie de chamán, era consciente de ese poder sobrenatural, de su libertad creativa, de una fuerza creadora que no podía contener. Se consideró siempre una especie de intercesor entre el pasado, el presente y el futuro, entre civilizaciones. Y ahí borró las fronteras entre lo sagrado y lo profano. Bebió de muchas fuentes para crear su propio arte”.

Retrato de un joven como san Sebastián, de Bronzino Museo Thyssen-Bornemisza

Y en ese espacio intemporal, eterno, la comisaria ha puesto a dialogar los ocho Picasso del Thyssen, más otros 14 prestados, con obras de los maestros antiguos del museo y alguno más llegado de fuera.

Recorriendo con ellos tres décadas fundamentales, entre 1904 y 1934, “desde ese joven españolito que llegó a París a devorarlo todo hasta ese gran pintor consagrado en los años treinta”.

En total, 40 obras que arrancan mostrando la “iconofagia” del joven Picasso visitante de museos, “mirando a los maestros desde que vino a Madrid a estudiar Bellas Artes y entró en el Prado, a sus visitas al Louvre o al Museo de Etnografía del Trocadero”.

Tenía una prodigiosa memoria y coleccionó muchas imágenes, base de sus creaciones. Pero, señala la comisaria, no se fijó solo en el aspecto formal de lo que veía. “Cuando entró en el Trocadero se diferenció del resto de vanguardistas porque no vio en esos objetos de las colonias solo un potencial formal para un lenguaje de las vanguardias más sintético, sino que manifestó que aquello tenía algo de conjuro, de exorcismo, poderes especiales. Y lo mismo con los antiguos maestros, los veía como grandes creadores y quería que le contagiaran su poder creativo, como una transmisión mágica”. “Greco, Velázquez, inspiradme», anotaba en unos apuntes de 1898-99.

La muestra arranca enfrentando un Cristo del Greco a un cuadro del cubismo analítico de Picasso, Hombre con clarinete, mostrando la verticalidad que impera en ambos. “Picasso llegó a decir que el Greco había sido el primer pintor cubista”, recuerda Alarcó. Una santa Casilda de Zurbarán se contrapone a una Mujer en sillón de Picasso, y la comisaria contrasta además un san Jerónimo “tenebrista de Ribera con un cuadro que Picasso pinta en el momento en que ha roto matrimonio con Olga. La pinta de manera tétrica, hay un diálogo fantástico”. “Picasso va evolucionando y en cada momento se fija en un artista, pero nunca los abandona, tiene una libertad creativa que los absorbe, desbarata y transforma en su propia sintaxis”, asegura.

La segunda parte de la muestra aborda de hecho cómo el arte de Picasso es su diario íntimo. “En la etapa feliz con Olga, con el nacimiento de Pablo, se fija en maternidades de Murillo, Rubens”, cuyo La Virgen y el niño con santa Isabel y san Juanito dialoga con un sorprendentemente moderno carboncillo de gran tamaño de Picasso: La familia. También hay una espectacular Maternidad prestada por el Museo Picasso de París. “Y cuando su matrimonio se viene abajo por la relación con Marie-Thérèse cambia el foco de interés, entra en el mundo de los mitos clásicos y entra en su arte el minotauro como su álter ego. Ahí dialoga con Delacroix y Moreau”, dice Alarcó.

Un Delacroix del que se expone El duque de Orleans mostrando a su amante, en la que literalmente levanta la sábana que la cubre en la cama, igual que hace Fauno descubriendo a una mujer, parte de la Suite Vollard de Picasso.

Y de Gustave Moreau se muestra una hermosa Galatea con un cíclope junto a ella, y a su lado está el Minotauro acariciando a una mujer del malagueño.

En la tercera y última sala tiene especial peso el periodo histórico donde se encuentra el genio con el avance de los totalitarismos.

“Para ese momento histórico —razona la comisaria— recupera la tradición católica que tiene muy calada desde su infancia y la tradición de las corridas de toros. Él había pintado corridas de toros desde niño, pero ahora el combate entre el toro y el torero o torera, que también hay, o picador se vuelve violento porque lo vincula a la idea del mal, de la violencia que existe en el ser humano”. 

Y eso además, advierte Alarcço, “lo combina con un nuevo interés por la crucifixión. Y también se mezcla Goya, del que a veces le interesa lo erótico, pero ahora le interesan sus desastres de la guerra.

Y de toda esa mezcla de imaginería religiosa, crucifixión y corridas de toros va a surgir el Gernika”, cuenta. “Oso decir en el catálogo que desde esta combinación toros, violencia e imaginería religiosa, podríamos ver el Gernika como un gran paso de Semana Santa que avanza de derecha a izquierda”, concluye.

Y hace hincapié en una de las obras de Picasso que muestran, La crucifixión, de 1930: «Nunca la vendió, era especial para él, extrañísima, prestada por el Museo de Picasso de París. Una crucifixión obscena que a veces sigue la iconografía tradicional, pero en la que también hay figuras que son un misterio». Una obra a la que acompaña en este caso una pintura realizada por el expresionista abstracto Willem de Kooning dos décadas más tarde que aborda el mismo tema y por momentos, siguiendo el ciclo de miradas, parece una reinterpretación directa de la de Picasso.

https://www.lavanguardia.com/cultura/20231003/9272675/thyssen-picasso-sagrado-profano-chaman-greco-rubens.html

https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20231003/picasso-sagrado-profano-museo-thyssen-92885662

hoyesarte

Lita Cabellut multidisciplinar

En octubre inaugura la exposición TREMBLE en Opera Gallery Dubai, así como la escenografía teatral para Oco The Show. Este mismo mes, la editorial alemana Teneues lanza una monografía de su universo artístico y en 2024 se inaugurará en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid la exposición LAS CATÁSTROFES DEL CIELO.

Viene de un mundo siniestro, donde la mujer se encuentra en una posición bastante dolorosa, completamente marginal. Lita Cabellut nace en Sariñena (Huesca) en 1961, pero sus primeros años no son los propios de una niña de su edad. 

Desdeñada por su madre, que ejerce la prostitución, se ve abocada a vivir la calle, a conocer el desamparo y el dolor, a idealizar el cariño. Su abuela se la lleva a Barcelona, pero casi para desocuparse de ella. Allí conoce los monstruos de la indigencia, la soledad y el desvalimiento, hasta que a los 8 años, sin aún leer ni escribir, ingresa en un orfanato. No es hasta casi un lustro después cuando una familia acomodada la adopta para intentar cambiar su vida.

Y tanto que lo hace. Con un solo gesto. El de llevarla de la mano por primera vez al Museo del Prado de Madrid. Allí, la pequeña (Manue)Lita se separa un instante de sus padres adoptivos y recorre la galería que la lleva a encontrarse con esa obra maestra de frente. Perpleja y emocionada, contempló durante minutos la majestuosidad de Las tres Gracias, de Rubens. Cuando llegué y vi a tres mujeres que bailaban desnudas, felices, celebrando la existencia…, me pareció algo tan bello que me dio esperanza para seguir conociendo la vida. Allí me di cuenta de que había otro tipo de mujeres, de situaciones. Y sentí, delante de ese cuadro, que quería ser artista.

Medio año después de aquella anécdota, Lita regresa al Prado. Entra en la sala de las Pinturas Negras de Goya y se asusta muchísimo.

Reconocí ese mundo porque lo había vivido. Salí corriendo, me dije que no me gustaba ese pintor y que no volvería a visitarlo nunca más. Pero no faltó ni siquiera un año para hacer de esa mi sala favorita. Comencé a descubrir a Goya y empecé a hacer ejercicios de ver las cosas en diferentes perspectivas: el arte te hace sentir que también, a veces, eres un mero espectador, que no eres parte de esa tragedia. Este es el poder del arte, que te introduce o te desplaza de los sitios difíciles. Cuando eres joven y no tienes experiencia, estás en modo supervivencia y rehúyes de todo aquello que te hace daño. Los niños son muy flexibles, poderosos, valientes y radicales en lo que no es bueno para ellos. Y si tenemos la oportunidad de huir, de borrar esa situación, lo haremos para sobrevivir….

Hoy, casi medio siglo después de aquello —y muchos fantasmas derribados—, Lita es la artista contemporánea española más cotizada en el mundo tras Barceló y el ya desaparecido Juan Muñoz, sus obras alcanzan cifras astronómicas y se exponen a lo largo y ancho del planeta. El arte… como catarsis, la purificación y la purga de emociones.

HARPER’S BAZAAR: ¿De qué versa el arte para Lita Cabellut?

 Lita Cabellut: La mujer siempre ha estado en el arte, pero nunca se le ha dado su lugar

LITA CABELLUT: El arte es maravilloso, es magia, alegría, confusión, desgarro, muerte en vertical, diluvio, sequía… El arte es todo lo que nos hace felices y todo lo que nos hace infelices. Es un organismo muy exigente, pero siempre muy agradecido. A medida que voy creciendo denoto que la rebeldía contra el arte no sirve, debe ser la obediencia, ya que el arte es mucho más inteligente y grande que el ser humano.

HB: Dice que el arte es desgarrador porque hace que saquemos a la luz nuestros propios sentimientos, ¿qué habría sido de usted sin ese canal de expresión?

LC: Siempre digo que habría sido una persona despreciada, amargada, profundamente conflictiva, porque, a mí, el arte me ha curado, me ha curado de ver el mundo en perspectiva, con diferentes ángulos, con diferentes planos. Me ha hecho hacer ejercicios de humildad, de libertad y responsabilidad, porque ser artista es algo profundamente responsable, porque lo estás entregando a la gente, al mundo… Tiene que venir desde un núcleo puro, aunque sea un núcleo oscuro, fangoso, difícil de digerir…, pero es puro de verdad. El compromiso con el arte es la verdad, y para la verdad tienes que ser muy responsable de tu vida y muy consciente de la vida ajena.

HB: Los episodios de vida que suceden al final son expresiones dentro de la obra, ¿hay mucho de Lita Cabellut en su obra?

LC: Todo, todo. Podríamos decir que mi obra es un gran diario de mi vida. Yo vivo por medio del arte, no soy artista de 8h a 17h. El arte para mí está integrado en todo, en cómo me muevo, cómo como, cómo veo una flor, cómo es mi enfado, mi delirio, mi simpatía, mi soberbia… Todo está conectado en el arte porque es mi foco de vida y no me puedo imaginar vivir sin el arte. Vivo, veo, siento, defino, me equivoco o acierto todo a través del arte.

HB: ¿Cree que su faceta de artista nació en su adolescencia?

LC: El artista va naciendo con los años. Cuando te conectas con el arte, cuando de repente se mete en tu corazón, en tu estómago, en tu cerebro…, de repente pasan muchas cosas de las que no eres consciente. El arte empieza a despertar tu talento, pero ese talento tiene que ir acompañado de un carácter de perseverancia, de disciplina, ambición y poder. He conocido a lo largo de mi vida muchísimos talentos muy potentes que no han sobrevivido porque la curiosidad, la pasión o la necesidad de acercarse no estaban. Y ese talento, al final, se encoge, seca y desaparece. El talento es como un músculo que tienes que entrenar hasta que se vuelva columna de acero para poder soportar todo ese mundo que te va a ir ofreciendo, exigiendo, quitando… Porque el arte es también como el mar, viene, se va, hay corrientes fuertes que no las sientes y tienes que estar allí, navegando, como un roble, esperando a que vengan. Ser artista es una actitud.

HB: ¿Cómo es realmente su proceso de creación?

LC: Totalmente agónico, porque cuando creas estás en busca de algo que tiene que representar tu sentimiento, sacarlo de tus entrañas, darle una forma que sea visible y que se pueda contagiar, leer, tocar, sentir… Es una responsabilidad agónica.

HB: A lo largo de su trayectoria ha sentido una profunda admiración hacia los maestros clásicos del expresionismo, pero también se ha sentido identificada con el impresionismo abstracto; ¿por qué su leitmotiv siempre es la sociedad y el ser humano en primer plano?

LC: Esta obsesión que tengo por la sociedad y el ser humano, por entenderlos, por acercarme, es esa necesidad de entender de dónde vengo y quién soy. Son todo el tiempo autorretratos que voy haciendo para entenderme más y más a mí misma, es una búsqueda constante de mí misma. Creo que el ser humano, todos colectivamente, nos parecemos extraordinariamente, hay grupos de diferencias, pero aun en esas diferencias, también nos parecemos. Por eso creo que para mí es una obsesión, a través de la humanidad, reconocerme, estudiarme, entenderme, quererme, perdonarme, odiarme… Cuando pinto a un dictador, me estoy pintando a mí misma, o sea, el dictador está en mí, porque también soy un ser humano y según las circunstancias de la vida podría haber sido un dictador o una prostituta, un vagabundo, una víctima o un verdugo. Todos esos espectros podría ser yo y quiero entenderlos todos. Para mí, el arte sin el motivo del ser humano no tiene tanto sentido.

HB: De ahí que la fuerza de su obra sea el retrato…

LC: Cuando comencé a estudiar tenía que aprender lo que era el oficio, lo que es el dibujo, el retrato, la composición… Cuando me mudé a Holanda, ingresé en la Academia Gerrit Rietveld, que era superrevolucionaria en los años 80. Ahí también estuve jugando con el arte mínimo, el arte cero, trabajé con performance, con muchísimos materiales y formas de expresar el arte, pero elegí concentrarme en el retrato, seguramente por esa gran búsqueda de mí misma. Hasta un momento en el que digo, ¡hasta aquí!, y ahora estudio la deconstrucción, la esencia, el ADN, ¿cómo se ve eso?, ¿cómo se siente eso?… Esos son impulsos de fuerza, de emoción e intuición, allí ya no está jugando el razonamiento. Entonces es cuando saqué el cuadro del bastidor y empecé a abrazarlo, a patalearlo, a pisotearlo en una forma física para entender mi movimiento. Hay cuadros que hasta los deconstruí al ritmo de mi respiración.

HB: ¿Y en qué ha cambiado este nuevo proceso creativo?

LC: Hay una combinación entre lo clásico y el street art, que es como el segundo lienzo. Los pongo juntos y con unos cortes enseño ventanas, ventanas que ven más allá de nuestro ojo. Cuando pensamos en el retrato humano, estamos pensando en un retrato plano, formal, clásico; sin embargo, fíjate en Goya o en Rembrandt, cuantísimo hay detrás de cada lienzo, luces, texturas… Yo, ahora, esas texturas las estoy trayendo hacia delante, como una lupa y esto es muy emocionante para mí: he dejado de ser el artista principal, porque el arte debe ser colectivo.

HB: ¿Por qué ha querido introducir el street art en su obra?

LC: Porque es un grito de masas de la gente joven que quiere expresar con colores, formas o letras sus emociones, desafíos o críticas. Y no es que esté conscientemente pensando en darles voz, lo que estoy haciendo es acercarme a todo lo que aparentemente parece insignificante en el mundo del arte, de ahí que esté reusando muchísimos materiales o residuos para volver a darles una nueva forma artística. El arte no está en un lienzo, una escultura de acero, barro o resina, tampoco en un videoarte, una performance, en un músico o un actor. Todo está conectado, el material es fluido. El arte es fluido. Yo era muy hábil en trabajar con mi pincel y mi lienzo, ahora me he salido del lienzo y he empezado a hacer óperas, colaboraciones de videoarte para películas, piezas cinematográficas, funciones teatrales… Claro que pinto, pero pintar no es importante, lo verdaderamente importante es cómo expreso lo que quiero decir. Es maravilloso porque al fin me siento libre. La Lita de ahora es la que se ha liberado de etiquetas, es una Lita tremendamente curiosa, ambiciosa por conocer todas las posibilidades del arte. Soy libre y feliz, no sé qué es lo que voy a hacer ni qué reto va a llamar a mi puerta…, pero estoy en estado de creación. La madurez me ha servido para descubrir el sentido de la libertad, de la expresión y de la responsabilidad para contigo mismo, que viene a ser vivir la vida plenamente, usar toda tu energía en aquello que te emociona. Lo que quiero es conseguir acercarme más a ese estado de libertad absoluta con el arte.

HB: Es una artista española educada en Holanda, ¿qué le debe a cada uno de estos países?

LC: A España le debo mi pasión, mi herencia de la cultura, del contraste del claroscuro, del sentimiento agridulce. Holanda es la disciplina, el poder trabajar en silencio absoluto y yo necesito muchísimo estar en una especie de anonimato. Esta sobriedad y disciplina de trabajo que hay en Holanda son para mí muy útiles y cómodas, porque soy una persona peligrosamente austera en mi mundo.

HB: Ha sido seleccionada para representar a España en nuestro especial Women in Art, sin embargo, sabemos que a lo largo de la historia del arte las mujeres han estado en un segundísimo plano.

LC: Ahora más que nunca tenemos que reflexionar respecto a este tema. La mujer siempre ha estado en el arte, sin embargo, nunca se le ha dado su lugar. Se le ha recortado todas sus posibilidades, habilidades y talentos. Seguimos siendo una minoría brutal, seguimos con un desnivel respecto al hombre impensable…, pero espera, que las pocas que están vienen pisando fuerte. Pero si ves las mujeres en el mundo del arte que destacan, no llegamos ni al 1 % de los hombres. Pero ese 1 % lo llevamos en bandeja, orgullosísimas, porque es una victoria muy grande, pero es un camino muy largo el que aún nos queda. Es importante que sean visibles, que se apoyen entre sí, que reivindiquen… Alcemos la voz.

HB: ¿No es curioso que en 2023 tengamos que seguir hablando de ello?

LC: Sí, y hay una confusión de roles tremenda en el mundo del machismo. Mira, lo que acaba de pasar con este señor del fútbol en España [Luis Rubiales], de darle ese beso a esta mujer de esta manera… Oyes a mucha gente decir que no es para tanto. ¿¡Cómo que no es para tanto!? ¿Lo haría él con un hombre? Estoy segura de que no. Lo que ha pasado en España en este caso te juro que me espeluzna. Ya basta. Igual cuando hacen bromas con los homosexuales, me dan pánico porque es exactamente la misma manera que hemos conseguido poner la mujer a cero. Las mismas vejaciones, degradaciones… No se hace una broma sobre esto. Vivimos en una sociedad que deja mucho que desear, ya son muchos siglos de civilización y todavía creo que hemos aprendido bastante poco. Se está creando una sociedad pegada a una pantalla, que ya no se habla, que no salen de sus habitaciones, que el suicidio está por las nubes entre los 36 y los 38 años, que los niños en las escuelas se pasan vídeos sobre su vida sexual a los 12 o 13 años… Quiero decir que hay un caos, un caos de decadencia. Y yo soy muy positiva y estoy segura de que viene una generación que acabe con todos estos prejuicios y acabarán con la estructura desde dentro.

HB: Y como antesala, el arte…

LC: Mi hijo dice que estamos viviendo el momento histórico más importante y excitante de la historia, porque todo cuelga de un hilo de cera. Es así, y el arte lo transformará todo…

Lita Cabellut: «La mujer siempre ha estado en el arte, pero nunca se le ha dado su lugar» (msn.com)

https://www.telva.com/estilo-vida/2018/01/04/5a1c165dca4741b8248b4578.html

 

La cera perdida

Sugerencia de escritura del día
¿Qué habilidad te gustaría aprender?

Me parece apasionante. Vengo de escultura y es imperdonable que a estas alturas desconozca la técnica que además se ha adaptado a las nuevas demandas.

La técnica tradicional suponía moldear en arcilla el objeto deseado y recubrirlo con una capa de cera, que a su vez es cubierta con una mano de arcilla poco consistente u otro material refractario.

Cuando se secaba, se aplicaba calor a la pieza hasta conseguir que la cera se derritiera y saliera del molde por los orificios practicados en la base (de ahí lo de cera perdida).

En el delgado espacio que ocupaba antes la cera se vertía el metal fundido y, una vez enfriado, se rompía la capa exterior de barro. A continuación, se deshacía la arcilla interior que servía de molde y se sacaba por abajo.

La técnica tradicional evoluciona por el avance industrial, e incorpora nuevos procedimientos. La nueva técnica facilita la producción de objetos metálicos en serie.

Es tan antigua como la civilización. Se han descubierto cetros, esculturas y muebles realizados mediante fundición a la cera perdida en lugares tan distantes como Israel, Vietnam, Nigeria, Nicaragua y el valle del Indo.

El objeto más antiguo que se conoce con esta técnica es un amuleto creado por una sociedad en el valle del Indo hace más de 6000 años.

La fundición a la cera perdida es un proceso para crear objetos, usando diversos metales (como oro, plata, latón o bronce) mediante la fundición de un modelo o patrón original.

Aunque suele asociarse con la artesanía, ahora los creadores pueden transformar el proceso de fundición a la cera perdida con diseños digitales e impresión 3D para simplificar el proceso de trabajo, ahorrar tiempo, reducir los costes y reformular el proceso para el siglo XXI. 

Después de usarse durante siglos en la producción de decoraciones escultóricas y en relieves textiles, la fundición a la cera perdida empezó a sustituirse por piezas en Europa durante el siglo XVIII. Varias partes del proceso se adaptaron al moldeado con cera para ajustarse a las necesidades de la industria creciente en el siglo XIX.

Desde los ingenieros a los joyeros, hay muchos campos que se aprovechan de las posibilidades que la tecnología digital ofrece a la fundición a la cera perdida.

La tecnología y el pasado no tienen por qué estar reñidos.

Pero yo mientras mirando al tendido.

Frank Hals en la National Gallery

‘Doble retrato de pareja’,probablemente Issac Massa y Beatrix van der Laen (c 1622)  Rijksmuseum, Amsterdam

Una muestra en la National Gallery eleva al pintor al podio del Siglo de Oro holandés junto a Vermeer y Rembrabnt

La bohemienne, 1628-1630.Musee du Louvre, Paris

Hals forma parte de la santísima trinidad del Siglo de Oro holandés, junto a Rembrandt y Vermeer, y de los tres es el que mejor capta la alegría despreocupada de unos personajes terrenales que viven la vida en el momento (ciudadanos respetables, bebedores de cerveza de mejillas enrojecidas, juerguistas, pescadoras o prostitutas de mirada ladeada y profundo escote…) cuya energía continúa siendo aún motivo de asombro.

Bufon con laud, 1581-1585, Frank Hals

Sosteniendo sus miradas sobre las nuestras, las criaturas de Hals, tal cual las ve en la vida real o fruto de su imaginación, vuelven a reunirse a partir de este sábado en el museo de Trafalgar Square (hasta el 21 de enero) en la mayor exposición realizada hasta la fecha de un pintor que es un exitoso retratista en Haarlem, donde los nuevos ricos hacen cola en la puerta de su estudio para ser retratados, pero al final de su larga vida pasa de moda y esta empobrecido, sin dinero para pagar el carbón con el que calentarse.

El Caballero sonrriente de la Wallace Colection, ahora en la National Gallery.

Dice Gabriele Finaldi, director de la National Gallery:

Hals no posee la capacidad de paralizar lo cotidiano de Vermeer, ni tiene la profundidad psicológica de los retratos de Rembrandt, pero la singularidad con la que capta la vida a través de su mano y su mirada lo hacen imperecedero.

Su obra atraviesa los siglos y sus personajes son criaturas sociales que nos hablan hoy con mucha claridad y de una forma muy directa.

Grupo familiar ante un paisaje (1645-1648)  Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

A Hals, como a Vermeer, le ha costado lo suyo subir al podio de los grandes maestros. Ya en el siglo XX el historiador Kenneth Clark lo despreciaba como un pintor repugnantemente alegre y terriblemente hábil, pese a que un siglo antes Manet, Courbet, Sargent o Van Gogh lo hubieran reconocido ya como uno de los suyos. Por la libertad y la espontaneidad de su pincel y la sencillez de los rostros, que veían como puerta de entrada a un arte liberador y moderno. En la National Gallery, antes de entrar en las salas donde cuelgan 50 pinturas de las 220 que realiza, es Van Gogh quien tiene la primera palabra, templando el ánimo del visitante con su afirmación de que la pintura de Hals vale tanto como la de Miguel Ángel, Rafael y los artistas de la antigüedad griega.

Mujer bebiendo, (1633 – 1635)  STAATLICHE MUSEEN ZU BERLIN

Dice Gabriele Finaldi:

Le precede la leyenda de una vida empapada en alcohol, pero no se puede ser borracho y pintar de esa manera

Los regentes del hospicio de ancianos, c. 1664   Frans Hans Museum, Haarlen

 Desde la Wallace Collection ha salido por primera vez El caballero sonriente  uno de los retratos más populares del artista. Y del Museo Frans Hals de Haarlem, cuyas paredes nunca  abandona (mantiene una política de no préstamos desde que en los años cincuenta una de sus pinturas queda varada en aguas del Támesis) está también Los regentes del hospicio de ancianos , el asilo donde se refugia el pintor cuando, ya anciano y arruinado, no tiene medios para mantenerse. O el retrato grupal Banquete de los oficiales de la guardia cívica de San Jorge , una de las llamadas pintura de milicias , subgénero holandés cuyo destino es su exhibición en clubs o ayuntamientos, y que Hals cobra de forma individual a cada uno de los integrantes.

A Hals le persigue la mala reputación. Décadas después de su muerte circula la leyenda de que la suya había sido una vida libertina y empapada en alcohol, gracias a una biografía de Arnold Houbraken, según la cual a menudo estaba borracho.

Banquetes de oficiales de la guardia cívica de san Jorge. Hacia 1627. Óleo sobre lienzo. 179 x 257,5 cm. Frans Hals Museum, Haarlem © Frans Hals Museum, Haarlem.

Participar en actividades indecentes, y en particular el revolcarse excesivamente en el vino, era especialmente común entre los pintores, y es adoptado como moda.

Hals posiblemente frecuenta tabernas y ande con cerveceros, pero en 1619, veintiuno de los veinticuatro miembros del ayuntamiento de Haarlem se dedican a ese comercio.

Frans Hals. Retrato de Cunera van Baersdorp. Hacia 1625. Óleo sobre lienzo. 123,8 x 95,3 cm. Susan and Matthew Weatherbie Collection Photograph © 2023 Museum of Fine Arts, Boston.

 Finaldi dice:

 La cerveza en aquella época tiene poco contenido en alcohol y seguramente es más segura para beber que el agua disponible. Los cuadros de niños bebiendo, de mujeres con una copa en la mano y una jarra en la otra, de risas perdidas entre bebidas alcohólicas, no debió ayudar a desmentirlo.

Frans Hals. Retrato de un hombre con sombrero. Hacia 1660. Óleo sobre lienzo. 79,5 x 66,5 cm. Hessen Kassel Heritage. © Photo Scala, Florence/bpk, Bildagentur fur Kunst, Kultur und Geschichte, Berlin.

Pero es que no se puede ser borracho y pintar de esa manera

Frans Hals. Retrato de Pieter (?) Verdonck. Hacia 1627. Óleo sobre tabla. 46,7 x 35,5 cm. National Galleries of Scotland. Presented by John J Moubray of Naemoor, 1916 © National Galleries of Scotland.

Image: Detail from Frans Hals, ‘Young Man holding a Skull (Vanitas)’, 1626-8

La muestra viaja luego al Rijksmuseum de Ámsterdam y a la Gemäldegalerie de Berlín.

Traicionado por sus sonrisas: Frans Hals en la National Gallery

https://www.lavanguardia.com/cultura/20231001/9265750/frans-hals-retratando-alegria.html

https://www.abc.es/cultura/arte/frans-hals-artista-dibujo-sonrisa-pintura-xvii-20230927195240-nt.html

https://www.lavanguardia.com/vida/20230602/9014617/primer-monografico-frans-hals-national-gallery-30-septiembre.html

https://www.lavanguardia.com/cultura/culturas/20230923/9244203/frans-hals-national-gallery.html#foto-1

A ninguno

Sugerencia de escritura del día
¿A qué ámbitos de tu vida les prestas más atención?

Si desarrollara la atención, ganaria en consciencia, y debería desarrollarla, porque ilumina lo que enfoca.

La atencion es una herramienta para establecer objetivos y lograrlos en una sociedad de libre mercado, sometida a la productividad y al exito

Pero tendría que crear un orden de prelación (que rollo) esto es como gestionar una empresa para que sea rentable.

Acotar y llevar un plan de vuelo siempre es interesante, el problema es que en arte es tan importante el objetivo como el viaje y en la vida tambien. Me quedo con la dialéctica.

La atención criba los estímulos cotidianos y los selecciona en función de los objetivos que se marquen ¿pero es el unico camino a seguir para la efectividad? yo creo que no.

La atencion es un faro que ilumina en la oscuridad, pero también  limitante porque la realidad es más amplia y diversa. Diria que nos hace obsesivos y perfeccionistas.

Mi natural disperso es antitético ante tanta racionalidad de salón.

Si no es imprescindible, no planifico ni para mí misma. Adoro sorprenderme por cuanto acontece e improvisar mientras pueda.

Construyendo me construyo, que diria Hans George Gadamer, mediante los trabajos en los que me vuelco, que no son muchas veces caminos de perfección, averiguo quien soy yo y quienes los demás, sin recetas de cocina de psicología de cartón piedra.

La vida es más rica y diversa e improvisar, un lujo asiático, a qué negarlo.

En estos momentos le presto atención a la antropología, la arqueología, la historia de oriente próximo, a la geografía y a los cazadores y recolectores primitivos.

Me he embarcado en esta aventura y me parece apasionante, me muero de curiosidad.

Debería estar escribiendo un libro o varios o pintando, que esperen.

Mis vanidades están cubiertas y me muero de curiosidad por perderme en la novedad.

Abomino de especialistas y gente organizada.

No sigais mi ejemplo que sereis felices y desobedientes.