Dos coleccionistas de arte han emprendido acciones legales contra el grafitero por negarse a confirmar la autenticidad de una de sus obras.
Su identidad ha sido durante décadas un tema de constante especulación y misterio, pero el grafitero Banksy podría finalmente verse obligado a revelar su nombre real. Dos coleccionistas han denunciado a la empresa del artista, Pest Control, tras su negativa a confirmar la autenticidad de Monkey Queen, un retrato de un mono que representa a la reina Isabel II. Si el caso llega a los tribunales, la identidad real de Banksy saldría a la luz.
Los denunciantes alegan que Pest Control ha incumplido el contrato porque no ha emitido un certificado de autenticidad para pinturas, grabados, esculturas y otros intentos de creatividad, tal y como afirma la web de la empresa de Banksy.
Ambos denunciantes aseguran haber pedido a Pest Control la confirmación de que las dos versiones de Monkey Queen que tienen de una edición limitada de 150 copias son auténticas. Los dos denunciantes compraron a un coleccionista de obras de Banksy las versiones en 2020 por unas 30.000 libras, pero sin ningún papel que confirmaba su autenticidad. Ahora piden a la empresa de Banksy confirmarla.
Su identidad nunca ha trascendido de manera pública. Sin embargo, este misterio podría tener los días contados después de más de tres décadas de oscuridad, anonimato y huidas espectaculares de las autoridades y fuerzas de seguridad. Ahora, Banksy se enfrenta a un problema grave que podría dar al traste con su gran valor y atractivo.
Banksy, conocido por sus grafitis, se ha descrito a sí mismo como un vándalo de calidad que ridiculiza a figuras importantes con autoridad a través de obras en ubicaciones públicas. Monkey Queen, la obra por la que ha sido denunciada su empresa, es un ejemplo de su arte que se ‘burla’ de una autoridad como era la reina Isabel II.
La empresa Pest Control fue creada por Banksy hace más de 15 años, en 2008. Decidió fundar su empresa después de que se vendieran impresiones falsas de su arte en internet. Uno de los propósitos de la empresa es velar por los derechos del sector y desempaña un papel clave en su mercado.
La especulación con su posible identidad ha sido recurrente en los últimos años. En 2008, el diario británico Daily Mail aseguró que era Robin Cunningham, un ciudadano británico, aunque el artista negó la información. Nadie ha podido confirmar la noticia del Daily Mail.
En una entrevista de 2003 con un reportero de la BBC reveló por primera y única vez su nombre, sin dar su apellido por supuesto. Al ser preguntado si su nombre era «Robert Banks», el grafitero contesto: Es Robbie. No aportó ningún detalle más.
Activistas de la asociación Palestine Action destruyeron este viernes un retrato en la Universidad de Cambridge (sureste de Inglaterra) del estadista británico Arthur James Balfour, quien propició la creación del Estado judío en Oriente Medio.
Un vídeo colgado en internet por la organización, que pide el cierre en el Reino Unido de la empresa israelí de armamento Elbit Systems, muestra a una militante rociando con pintura roja y rajando un lienzo elaborado en 1914 por Philip Alexius de László del antiguo ministro de Exteriores (1916-1919) y primer ministro conservador británico (1902-1905).
Como responsable de Exteriores, el político emitió la Declaración de Balfour en 1917, en la que prometía construir un hogar nacional para el pueblo judío en Palestina, entonces bajo el imperio otomano y posteriormente protectorado británico, hasta la creación en 1948 del Estado de Israel.
Dicen los activistas en su página web:
Regaló la patria palestina, una tierra que no le correspondía dar y cuya población nativa no era judía. Después de la Declaración y hasta 1948, los británicos quemaron aldeas indígenas para allanar el camino, con asesinatos arbitrarios, detenciones, torturas, violencia sexual, el uso de escudos humanos y la introducción de demoliciones de viviendas como castigo colectivo para reprimir la resistencia palestina.
Palestine Action pide el cierre en el Reino Unido de la empresa israelí de armamento Elbit Systems
Según Palestine Action, los británicos iniciaban así la limpieza étnica de Palestina y promovían el objetivo sionista de ubicar un hogar para los judíos sobre tierras y comunidades palestinas.
Los militantes recuerdan que los palestinos se refieren a este momento como la Nakba o gran catástrofe y señalan que la actual guerra en Gaza puede considerarse como la segunda Nakba.
Palestine Action critica también la implicación del Reino Unido en la formación de la milicia sionista que en 1948 expulsó a cientos de miles de palestinos e impuso la ocupación, en un proceso que, dicen, continúa ahora con la guerra en la Franja.
El apoyo del Reino Unido a la continua colonización de Palestina no ha flaqueado desde 1917, seguiremos con la campaña de acción directa hasta que se cierre Elbit y termine la complicidad británica con la colonización de Palestina.
La masa redonda y esponjosa se ha descubierto en la antigua ciudad de Çatalhöyük, cerca de un horno gravemente dañado
Uno de los barrios de la antigua ciudad neolítica, con casas adosadas y sin calles
Era un pequeño objeto, redondo y esponjoso, que fue encontrado en el rincón de una estructura que parecía un horno entre los restos de la antigua Çatalhöyük (Turquía), el conjunto urbano más grande y mejor preservado del Neolítico en Oriente Próximo, considerado por algunos historiadores como la primera ciudad del mundo.
El artefacto tenía el tamaño de la palma de una mano y contenía semillas de trigo, cebada y guisantes, probablemente utilizadas como alimento. Los arqueólogos han identificado este residuo esponjoso como un pan con levadura que se elaboró hace alrededor de 8.600 años.
Pintura que muestra a una figura masculina que parece estar danzando. Templo del nivel III de Çatal Hüyuk.
Foto: Cordon Press
El antiguo horno gravemente dañado se descubrió en un área conocida como el “Espacio 66” de Çatalhöyük, una zona caracterizada por casas de adobe con techos interconectados a las que se accedía desde arriba.
«Con una documentación meticulosa, identificamos el artefacto pequeño, redondo y esponjoso encontrado en la esquina del horno como pan. La fina arcilla que lo cubría preservaba la madera y el pan, permitiendo que todos los residuos orgánicos perduraran. Pruebas de radiocarbono sugirieron que la muestra podría datar de alrededor del 6600 a.C.», explica Ali Umut Turkcan, de la Universidad de Anadolu.
Aunque la producción de pan con levadura está bien documentada en el Egipto faraónico, hace unos 4.500 años, el producto encontrado en Turquía es muy anterior. «Podemos decir que este hallazgo realizado en Çatalhöyük es el pan más antiguo del mundo”, asegura Turkcan.
«Lo que hemos encontrado es la versión en miniatura de una barra de pan. No se ha cocido en el horno, sino que se ha fermentado, conservando los almidones. Un ejemplo así no ha existido hasta ahora”, añade el arqueólogo.
El antiguo asentamiento neolítico, que llegó a albergar unas 8.000 personas, siempre ha sido el centro de muchas primicias. En los primeros años de excavación se encontraron aquí los primeros textiles del mundo. También se descubrieron artefactos de madera, pinturas murales y dibujos.
Salih Kavak, profesor de la Universidad de Gaziantep, recibió la noticia del descubrimiento mientras examinaba residuos de plantas en el laboratorio. Le pidieron que examinara la muestra para determinar si se trataba de «masa, pan o un residuo orgánico».
«Tras un diagnóstico morfológico visual y un posterior examen microscópico, lo más interesante fue la presencia de residuos de cereales», destacó en un comunicado. El descubrimiento de trozos molidos o rotos de plantas como la cebada, el trigo y los guisantes «reforzó inmediatamente» la posibilidad de que se tratara de pan.
Los análisis químicos indicaron signos de fermentación, lo que sugiere que la mezcla había sido preparada pero no horneada.
Este descubrimiento sin precedentes marca el espécimen parecido a un pan más antiguo conocido.
Incomprendido, aclamado: en el 250 aniversario de su nacimiento, la obra de Caspar David Friedrich vuelve.
Un hombre junto al mar, tan pequeño que casi pasa desapercibido.
Monje junto al mar
Con una mirada triste contempla las olas negras, el cielo se cierne igual de sombrío y amenazador sobre el horizonte; tan sólo en la parte superior del retrato asoma un rayo de esperanza, transformándose el gris en un delicado azul celeste.
Estas franjas de colores resultan increíblemente modernas, con un aspecto bidimensional, casi abstracto. Caspar David Friedrich las pintó entre 1808 y 1810, unos 100 años antes de que comenzara el modernismo en el arte.
Actualmente Monje en la orilla del marpertenece a la colección de la Antigua Galería Nacional de Berlín.
¿Qué vería en este motivo el devoto protestante Friedrich, cuya hermana y padre mueren poco antes de empezar a trabajar en el cuadro? ¿Un hombre a merced de las fuerzas de la naturaleza, entre la esperanza y el abismo? En los cuadros reposados de Friedrich, cada uno percibe algo diferente en cada momento.
Esta obra nada tiene que ver con la pintura paisajista del siglo XIX. Es único y excepcional, anticipado de la modernidad.
Sin embargo, sus otras obras tampoco representan imágenes, sino que son algo así como collages al óleo: recompuso los elementos de la realidad – árboles, colinas, rocas, nubes, que dibujaba en su cuaderno de esbozos durante sus paseos por la naturaleza – en el lienzo, con una perspectiva y una disposición diferentes, bajo una luz especial. Su idea era:
El pintor no sólo debe pintar lo que ve frente a sí mismo, sino también aquello que ve en su interior. Cuando aparecen personas, las vemos por detrás.
En su biografía convertida en bestseller La magia del silencio, publicada en 2023, el experto en arte Florian Illies escribe que Friedrich, maestro en la observación de la naturaleza y en su interiorización emocional, no es capaz de pintar figuras ni rostros. Pero es posible que Friedrich sólo pretenda que los observadores contemplemos junto con sus figuras el cuadro y el mundo que crea y adoptemos su perspectiva.
Greifswald donde se formo
Para Friedrich, la búsqueda de una experiencia espiritual en la naturaleza y la soledad del individuo son de gran importancia. “Monje en la orilla del mar”, sus “Acantilados blancos en Rügen”, el «El caminante sobre el mar de nubes» o el destructor, gélido y abrupto “Mar de hielo” – todas estas obras son hoy en día iconos del Romanticismo temprano y forman parte de la memoria colectiva de la historia del arte alemán. Esto no siempre fue así. Friedrich, nacido en 1774 en Greifswald, a orillas del mar Báltico, y fallecido en Dresde en 1840, tuvo éxito en vida – el propio rey prusiano adquirió el Monje en la orilla del mar para regalárselo a su hijo.
Dias felices en Rugen donde pinto
Pero apenas una década más tarde, los frecuentes motivos melancólicos, sombríos y misteriosos, así como la mistificación de la naturaleza, ya no respondían al gusto de la época. Incluso el poeta Goethe, al que Friedrich veneraba, se burlaba de forma poco elegante de su pintura. Poco antes de su muerte, el mundo había olvidado a Friedrich. Muchos de sus cuadros – entre ellos el Caminante y los Acantilados blancos en Rügen – pasaron desapercibidos, e incluso se perdieron, durante mucho tiempo.
Dresde donde vivio
No fue hasta principios del siglo XX cuando se redescubrió el arte de Friedrich. Unos años más tarde, los nacionalsocialistas vieron en sus obras elementos nórdicos, germánicos, que utilizaron con fines propagandísticos.
Montañas de arenisca de Elba
En 1974, los cuadros de Friedrich fueron expuestos por primera vez en una gran exposición con motivo de su 200 aniversario: en la Alemania de entonces, aún dividida, la Hamburger Kunsthalle y la Staatliche Kunstsammlungen Dresden unieron sus fuerzas al otro lado del Telón de Acero para emprender una excepcional cooperación.
Como consecuencia, Caspar David Friedrich fue rehabilitado como superestrella del Romanticismo. Sus obras fueron reexaminadas y reinterpretadas – el artista político Friedrich, que propugnó la lucha por la libertad frente a Napoleón, pasó a un primer plano. Hay quien ve incluso en el reservado y probablemente un tanto excéntrico amante de la naturaleza el primer defensor del medio ambiente. En cualquier caso – su arte aborda temas intemporales, despierta emociones y ha sido fuente de inspiración para tantos artistas.
En el año de su 250 aniversario, cada uno podrá hacerse su propia opinión sobre el maestro del silencio: tres grandes exposiciones muestran la obra del artista romántico, cada una desde una perspectiva diferente. La Kunsthalle de Hamburgo aborda la relación entre el hombre y la naturaleza en la obra de Friedrich. La Alte Nationalgalerie de Berlín muestra el papel que jugó el museo a la hora de redescubrir los cuadros de Friedrich en el Imperio Alemán.
Las Staatlichen Kunstsammlungen Dresde (Colecciones Estatales de Arte de Dresde) exploran la manera en la que la ciudad, donde el artista vivió durante más de 40 años, moldeó su obra. Para todos aquellos que no puedan desplazarse a Alemania, una oferta digital conjunta de los tres museos ofrece impresiones virtuales de las obras de Caspar David Friedrich.
La Fundacion Hyatt reconoce al arquitecto japones en la ultima edicion del galardon, que se otorga anualmente desde 1979, dotado con 100000 dolares.
Nace en Pekín en 1945, Roken Yamamoto, se traslada al finalizar la II Guerra Mundial a Yokohama.
En 1973 crea su estudio, tras graduarse en la Facultad de Ciencia y Tecnología de la Universidad de Nihon y completar su licenciatura en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de las Artes de Tokio.
Con una trayectoria de de cinco décadas, erige obras tan significativas en su país como el edificio residencial Shinonome Canal Court CODAN en Tokio, La casa Ecoms en Tosu, el Museo de Arte de Yokosuka, el ayuntamiento de Fussa, la escuela primaria Koyasu en Yokohama o la Universidad Zokei en Nagoya.
Otras en el extranjero son las viviendas Pangyo de Seongnam en Corea del Sur, Eel complejo mixto Jian Wai SOHo en Pekín, la Biblioteca de Tianjin en China, o el centro The Circle en el aeropuerto suizo de Zúrich.
El jurado del premio, presidido por Alejandro Aravena, y del que forman parte Kazuyo Sejima, Wang Shu o Barry Bergdoll, destaca la capacidad de Yamamoto para desdibujar los límites entre los ámbitos público y privado mediante estrategias de diseño precisas y racionales, y de promover así la vida comunitaria y el encuentro entre las personas.
Su arquitectura está definida por la organización modular y la simplicidad formal tanto como por la transparencia material y la conexión visual que permiten revelar el funcionamiento interno de los edificios.
Yamamoto, que se convierte en el noveno japonés reconocido con el galardón, ha declarado:
Para mi reconocer el espacio es reconocer a toda una comunidad», y que, aunque actualmente se hace hincapié en la privacidad, dándole más importancia que la relación social, podemos disfrutar de la libertad individual al mismo tiempo que convivimos en el espacio arquitectónico, fomentando la armonía entre las diferentes culturas y etapas de la vida.
La ceremonia de entrega del Premio Pritzker 2024 tendrá lugar el 16 de mayo en Chicago, en el S.R. Crown Hall del Instituto de Tecnología de Illinois.
Acabo de tener un video censurado en donde aparece un niño de 10 años que es una recreacion neardental de unos restos hallados en Gibraltar
Me resulta curioso que debatiendo un tema cientifico como la misteriosa desaparicion de los neardentales acaecida hace miles de años en mi canal se me suspenda un video y tenga una falta ¿?
Primero por contenido sexual y despues de apelar por daños a la infancia, no salgo de mi asombro con el algoritmo ¿Quien ha programado ese engendro?
Ha sido portada del National Geographic este mes, que tiene una tirada de millones de ejemplares por todo el mundo.
Por favor becaria ¿Puedes decirle al Ceo que jubile al informatico?
¿Se puede confiar en alguien que aseguro haber visto un unicornio en la isla indonesia de Sumatra?
Esta y otras preguntas han puesto en duda la veracidad las afirmaciones que Marco Polo hace en su obra Los viajes de Marco Polo (también conocido como El Libro de las Maravillas del Mundo), el cual en el siglo XIV se convierte en un éxito de ventas y es traducido a decenas de idiomas, copiado a mano en innumerables manuscritos y disponible en cualquier corte de Europa.
Los cuentos de Polo son el primer relato europeo de la Ruta de la Seda y están llenos de maravillas, especias, oro y piedras preciosas. También describen hábitos sexuales extravagantes, así como intrigantes estrategias de guerra, lo que hace que su diario de viaje sea un verdadero placer de leer, aunque difícil de creer en algunas partes.
Sin embargo, no hay necesidad de ser escéptico. 700 años después de la muerte de Polo, ocurrida el 8 de enero de 1324, se puede decir con cierta autoridad que el famoso comerciante, explorador, escritor y antropólogo veneciano efectivamente vio un unicornio, o al menos, que creyó haber visto un unicornio.
Venecia en aquella época era la Nueva York del mundo, explica el historiador Pieralvise Zorzi, cuya familia tiene sus raíces en la época de Polo y más allá.
La ciudad italiana era una metrópolis multicultural y de mente abierta, un centro vibrante para el comercio entre Oriente y Occidente, donde la única religión verdadera eran los negocios, y la familia Polo sobresalía en ello.
El padre de Polo, Niccolo, y su tío Matteo (Maffeo en veneciano) tenían un palacio muy cerca del apartamento de Zorzi en el Gran Canal, así como oficinas en Constantinopla (la actual Estambul), la cual tuvieron la astucia de cerrar justo antes de que Grecia se apoderara de la ciudad y expulsara a los venecianos.
Los Polo vendieron todo justo a tiempo y se dirigieron hacia el este en busca de nuevos mercados (comerciaban con seda, especias, gemas y la muy buscada glándula de un pequeño animal, el ciervo almizclero, utilizada para elaborar perfumes). Regresaron unos años más tarde y, en su segundo viaje a China en 1271, se llevaron a Marco, que entonces tenía 17 años.
Según el texto de Polo, durante tres años de viaje por la Ruta de la Seda –desde Acri (en el actual Israel) hasta la corte del emperador mongol Kublai Khan en Khanbaliq (hoy Pekín)– atravesaron Medio Oriente y buena parte de Asia Central.
Luego pasaron unos 20 años en China, haciendo negocios y trabajando como una especie de embajadores del gobierno local. Regresaron a través de Sumatra y las islas Andamán, navegando alrededor de la India antes de llegar a Adén, Estambul y, finalmente, Venecia.
Cuando regresaron a casa, Polo tenía unos 40 años. Según la leyenda, cuando llamaron a la puerta de su palacio, un criado preguntó quién tocaba y ellos respondieron en el dialecto local «i paroni» («los dueños»).
Sin embargo, un año después, Polo estaba en la cárcel. Había sido capturado por los genoveses en una de las batallas entre las ciudades marítimas rivales de Venecia y Génova.
En prisión, Polo tuvo la suerte de conocer al escritor Rustichello da Pisa, quien vio el potencial literario de su relato de un mundo que en aquel momento era en gran medida desconocido para los europeos. Y lo escribieron.
El libro fue un éxito. El manuscrito fue tan entretenido que fue copiado varias veces y traducido a varios idiomas.
Con el paso de los siglos, el texto se convirtió en un perfecto enigma para los filólogos, ya que la versión original pronto se perdió y lo que quedaron son docenas de traducciones de traducciones, ninguna de las cuales es necesariamente exacta.
Eugenio Burgio, quien ha estudiado las obras de Marco Polo en la Universidad veneciana Ca’ Foscari, dio un ejemplo de los viajes de este libro: una versión francesa podría traducirse a un dialecto del norte de la región entre la Emilia Romaña y el Véneto. Esta versión, a su vez, podría llevarse al dialecto toscano. Y del toscano alguien lo tradujo al latín.
¿Qué tan cerca está esta versión latina del original? Es difícil decirlo, pero Burgio y su equipo pretenden publicar la primera edición filológicamente completa de “Los viajes de Marco Polo” a finales de este año, en inglés, con el objetivo de ofrecer las hipótesis y versiones más plausibles.
«El sueño no confesado de un filólogo es ser una especie de Indiana Jones, desenterrar tesoros», explicó Burgio. Y eso es exactamente lo que él y su equipo están haciendo: desenterrar esta joya literaria escrita por uno de los primeros escritores de viajes del mundo.
En Estados Unidos, «Marco Polo» es un popular juego, donde un jugador con los ojos vendados grita: «¡Marco!» mientras intenta atrapar a los que responden con «Polo». Curiosamente, el legado del viajero veneciano del mismo nombre es tan esquivo como los jugadores del juego.
No sólo la versión original de su libro se perdió para siempre, sino también el palacio familiar de Polo, que fue quemado en un incendio en el siglo XVI.
Zorzi llevó a la BBC a dar un corto paseo desde su apartamento para visitar el sitio y desde allí se ven al menos seis placas de mármol colocadas en diferentes edificios que decían ser la casa de los Polo.
La lápida de Polo en la iglesia veneciana de San Lorenzo también desapareció y nunca se le dedicó ningún monumento en la ciudad.
«Es una maldición», dijo la profesora Tiziana Plebani, quien ha pasado 10 años estudiando a Polo y su testamento, escrito en su lecho de muerte.
El legado de Polo es etéreo y la veracidad de sus relatos ha sido cuestionada durante siglos. ¿Realmente fue hasta China? Y si eso es cierto, ¿por qué no mencionó el té ni la Gran Muralla? Ni siquiera hablaba chino, lo que parece improbable para alguien que afirmó haber hecho negocios en la región durante un cuarto de siglo.
Algunas de estas cuestiones se plantearon ya en la Edad Media. Sin embargo, recientemente los expertos parecen estar de acuerdo en que existen respuestas razonables. Por ejemplo, a Burgio no le sorprende que Polo no mencionara el té en su diario de viaje.
«Esto de beber té es algo que obsesiona a los historiadores anglosajones», dijo Burgio.
«¿Por qué a Marco le gustaría el té? Entiendo si fuera vino o café, pero ¿té?», agregó, al tiempo que recordó que el chino no era el idioma de la clase dominante en aquella época.
«Y la Gran Muralla aún no estaba terminada», añadió Zorzi.
Además, las pruebas de los viajes de Polo están contenidas en documentos legales. Tras la muerte de su marido, la hija de Polo, Fantina, acudió a juicio para pedir la devolución de su dote, enumerando entre sus propiedades un pasaporte de oro que el Kublai Khan regaló a su padre.
La preciosa tablilla significaba que Polo había viajado con la bendición del Khan. Sin mencionar que Polo también podría describir en detalle cosas como el sistema monetario de China. Pero aunque los expertos creen que podría haber exagerado su papel de embajador, afirmando ser más importante de lo que era, parece más que probable que llegara a China.
La historia de Fantina tiene más que revelar: quizás Polo fue uno de los primeros feministas. En su testamento, dejó todo a su esposa e hijas, lo cual era inusual en ese momento.
Es cierto que no podía dejar su fortuna a hijos ni a hermanos, porque no los tenía, pero podría haber buscado parientes varones más lejanos.
Entonces, o no se llevaba bien con ningún hombre de su familia, o realmente valoraba y respetaba a sus hijas y a su esposa. Esto último tiene sentido, considerando que los comerciantes venecianos abandonaban la ciudad durante años, y a sus mujeres se les confiaba todo en casa.
Aunque era un hombre medieval, Polo describió sin juicio alguno una región del Tebet (el Tíbet actual) donde nadie se casaba con una virgen mientras que las mujeres que tenían muchos amantes eran consideradas las mejores esposas, ya que por algo debían ser buscadas.
También se maravilló de la llamada Isla de las Mujeres (o Isla Femenina) en la India, donde los hombres sólo iban a visitarla tres meses al año (marzo, abril y mayo).
Y narró cómo las mujeres y niñas tártaras de Asia Central montaban a caballo igual que los hombres.
Sin embargo, los intereses y la curiosidad de Polo eran eclécticos, incluyendo todo desde los hábitos sexuales de las concubinas hasta un tipo particular de pollo que tiene pelo en lugar de plumas.
Escribió sobre la ciudad de Sapurgan (hoy Sheberghan en Afganistán), la cual tenía los mejores melones del mundo que eran «más dulces que la miel». Describió las costumbres de la región de Malabar, en el sur de la India, donde la gente se lavaba antes de comer y usaba sólo la mano derecha para comer.
Asimismo, admiró la sabiduría del Kublai Khan, que «plantaba árboles a lo largo de los caminos», para que los viajeros pudieran encontrar fácilmente sus rutas y sentirse cómodos bajo su sombra.
No sólo no creía que su propia cultura fuera superior a las demás, sino que era un ferviente admirador del imperio mongol y escribió sobre las maravillas y los aspectos inteligentes de cada cultura con la que interactuó.
Era la primera vez que Polo salía de Venecia.
Era un hermoso mundo visto a través de los ojos de un adolescente, y todo es tan nuevo, tan increíblemente interesante que podría grabarlo todo en su cabeza.
Hoy el mundo es mucho más pequeño, porque ya casi no quedan rincones inexplorados. Polo vivió en una época en la que todavía había mucho por descubrir y parece haber visto a la humanidad en su conjunto, señalando que las personas pueden comportarse de manera diferente a nosotros, pero por nuestras mismas razones.
Polo nos enseña a ser abiertos, más curiosos y más dispuestos a relacionarnos (con otras culturas) y es un mensajero de paz y asombro.
Hablando de asombro, ¿qué pasa con los animales míticos que afirmó haber encontrado? Una es la salamandra medieval, un lagarto legendario que se pensaba que tenía el extraño poder de vivir en el fuego. Polo afirmó que lo vio en Chingitalas (norte de China), pero también dijo que no se trata de un animal en absoluto. Lo describió como un material resistente al fuego que tiene filamentos: hablaba del amianto.
¿Y el unicornio? Polo explicó que su cuerno es grueso y negro. Su cabeza parece la de un jabalí y siempre está boca abajo. Le encanta el barro.
Escribio:
Es muy feo y no se parece en nada a lo que nos imaginamos, no a una criatura que pueda ser acunada por una virgen; es todo lo contrario.
De hecho, Polo sí vio este animal y es lo que hoy llamamos un rinoceronte.
La fiscalía imputa al polémico Vittorio Sgarbi por el presunto robo de una obra barroca y no renacentista (porque el renacimiento termina a mitad del 500) de un castillo de Piamonte y su posterior modificación para ocultar su procedencia en una muestra
Vittorio Sgarbi, politico, critico de arte y showman televisivo, no deja indiferente a nadie.
El cultivado polemista, hasta hace poco fiel escudero en cuestiones culturales del ex primer ministro y dueño de Mediaset, Silvio Berlusconi, sale de una para meterse en otra.
Hace un año dieron la vuelta al mundo las imágenes de una pelea a puñetazo limpio que mantuvo en directo en un programa de televisión con el escritor Giampiero Mughini ante la atónita mirada de otros invitados como el cantante Albano.
No era nada nuevo. El año anterior había sido desalojado del Parlamento en volandas por los ujieres tras proferir insultos contra otros diputados y negarse a abandonar el hemiciclo. Esta vez, sin embargo, el problema podría ser algo más grave. El actual secretario de Estado de Cultura del gobierno italiano, por la cuota de Forza Italia, ha sido imputado por el presunto robo de un cuadro de Rutilio Manetti, cotizado artista del siglo XVII.
La captura de San Pedro, el cuadro en cuestión, una estupenda obra barroca con cierta influencia de Caravaggio, fue robado de un castillo de Buriasco (Piamonte) en 2013 y se le perdió la pista. La tela volvió a aparecer en 2021 en una exposición siendo ya propiedad del propio Sgarbi. Quien lo conocía podía apreciar una diferencia pequeña, pero sustancial. El cuadro de Sgarbi era idéntico, pero una vela colgada de una de las paredes que representaba el lienzo iluminaba la escena desde el fondo. Un pequeño y luminoso detalle pictórico fundamental para la cuestión. La fiscalía, según los medios italianos, investiga ahora si se trata de una modificación introducida por el propio Sgarbi para ocultar el posible robo.
El secretario de Cultura, que también es el alcalde de Arpino, un pequeño pueblo de Lacio, niega tajantemente las acusaciones en conversación telefónica con EL PAÍS y asegura que todavía no le ha llegado el aviso de la Fiscalía. Dice por teléfono:
¡No es el mismo cuadro! Pero es que, además, nadie de los que me acusan [el periódico Il Fatto Quotidiano y el programa Report] ha visto los cuadros: ni el uno ni el otro. No pueden hacer artículos contra mí sin haber visto las obras. He encargado a un perito que revise mi obra y se demostrará que el mío es un original y que todos los elementos, incluida la vela, forman parte del cuadro
Estuve en el castillo, pero fue hace 20 años, matiza. Claro que vi ese cuadro. Pero era una copia mantenida de forma indecente en un lugar lleno de otras copias. Parecía el set de una película. Mire, estoy muy tranquilo. Son todo fantasías, todo.
El caso estalló hace algunas semanas, cuando los citados medios publicaron que Sgarbi inauguró en Lucca (Toscana) la exposición Los pintores de la luz —no deja de ser irónico tratándose de un caso que gira alrededor de una vela— en la que se mostraba la citada Captura de San Pedro de Manetti, valorada en cientos de miles de euros y que constaba como robado en la base de datos de Interpol. Antes de 2013, el cuadro estaba en el castillo de propiedad de Margherita Buzio, un lugar que Sgarbi había visitado varias veces. Según los medios locales, uno de sus colaboradores habría ofrecido comprarlo, pero siempre se le había rechazado la oferta.
La propietaria denunció que ladrones habían entrado en el castillo, recortado y retirado el lienzo de Manetti, dejando en su lugar una fotografía de la obra. Los carabinieri ya han sido enviados por los fiscales de Macerata para interrogar a un restaurador y a los propietarios de la empresa de Correggio (Reggio Emilia) que supuestamente realizó una copia de la obra, como sostiene Sgarbi en su defensa. El suyo, asegura, estaba en una mansión que compró su madre hace tiempo.
La polémica ha salpicado al gobierno, que medita ahora cómo gestionar las andanzas de su secretario de Estado (las otras imputaciones que todavía mantiene inquietan también en el Ejecutivo). El miércoles por la mañana, el interesado, que rechaza dimitir por el caso, publicó en sus redes sociales una fotografía suya sentado en una silla ante un cuadro, descalzo y con los zapatos a un lado. En la publicación hace un juego de palabras con un refrán italiano.
Mi vogliono fare le scarpe [algo así como quieren quitarme de en medio], escribía Sgarbi. “Aquí las tienen”.
El secretario de Estado está siendo también investigado por la Autoridad de Competencia y Garantía del Mercado italiano por supuestamente cobrar por tareas de asesoramiento y otras intervenciones en eventos a pesar de su cargo público. El periódico Il Fatto Quotidiano publicó un reportaje en el que sostenía que seguía cobrando por su asesoramiento pese a desempeñar un cargo público.
Menkaura, conocida en su época como Divino es Micerino, era parte del complejo funerario junto con las tres pirámides de las reinas, un templo funerario, el templo del valle y una calzada procesional que vinculaba ambos templos.
Egipto lo llama un regalo al mundo, pero expertos y académicos críticos lo consideran una aberración.
El proyecto de restauración de la pirámide de Micerinos -también conocida como Menkaura- ha causado una fuerte división de opiniones en el círculo de la arqueología y más allá.
Con 108,5 m de base y 65,5 m de altura, ubicada junto a las pirámides de Kefrén y Keops, la de Micerinos es la más pequeña de las tres en la necrópolis de la meseta de Guiza al oeste de El Cairo.
En la antigüedad, esta pirámide estaba revestida con dieciséis hiladas de granito rosado procedente de las canteras de Asuán, aunque el resto del recubrimiento estaba conformado por bloques de piedra caliza de Tura.
En la actualidad, la pirámide se halla desprovista de casi todo su recubrimiento, pudiéndose observar las regulares hiladas que conforman su núcleo.
Cerca de la base se encuentran algunas hiladas del recubrimiento original de granito.
El diseño original de esta pirámide, construida para el faraón Menkaura (Micerino) hace unos 4.500 años, incluía una cobertura de 16 filas de bloques de granito.
Hoy apenas se conservan 7 de ellas, por lo que la mayor parte de su núcleo de piedra caliza permanece al descubierto.
La pirámide presenta, hacia el centro de la cara norte, una gran brecha vertical realizada por Al-Aziz Uthman, hijo de Saladino, que se había propuesto demoler las grandes pirámides de Guiza, empezando por la menor, la de Micerinos.
Pero el trabajo fue abandonado al resultar muy costoso.
Durante las exploraciones arqueologicas realizadas en el siglo xix, se encontró un sarcofago de basalto y cerca un feretro de madera antropomorfo, con una momia en su interior.
Sin embargo, el féretro interior de madera no era de Micerino, sino de algún importante personaje de la época Saíta.
El sarcófago de basalto, perdido bajo el mar el 13 de octubre de 1838 frente a las costas de Cartagena al naufragar la goleta Beatrice que lo trasladaba a Inglaterra, posiblemente sí perteneció a Micerino, pero estaba tallado con un estilo fachada de palacio típico del Imperio Medio, un trabajo posterior probablemente ya que los sarcófagos de piedra del Imperio Antiguo eran lisos sin decoración alguna y según el descubridor, Richard Howard Vyse conteniendo otro enterramiento intruso, los huesos de una mujer joven.
Mi esposa es artista, y yo soy artista, tuvimos una pelea sobre el hecho de que yo estaba, eh, más expuesto al público que ella. Ella fue al dormitorio, yo fui tras ella y ella saltó por la ventana.
Es madrugada del 8 de septiembre de 1985. Cuando la policía llega al apartamento del piso 34º del rascacielos del Greenwich Village donde convive la pareja, la vivienda esta hecha un desastre, hay una ventana abierta y el escultor que había llamado por teléfono tenía arañazos en la cara y en los brazos.
Unas horas después, en comisaría, cambia su versión: habían bebido mucho, no recordaba nada. Vieron una película. Ella fue a acostarse. Cuando él siguió sus pasos media hora más tarde, la cama estaba vacía y en la estancia no había nadie.
Eso es todo. Pero el portero del edificio testificó que había escuchado a una mujer que gritaba ¡No, no, no…! segundos antes de que un menudo cuerpo impactara contra el techo de una tienda de delicatessen abierta toda la noche.
Carl Andre, uno de los titanes del minimalismo, un hombre frío y distante, es acusado de asesinar a la artista cubana Ana Mendieta, una estrella ascendente con miedo mortal a las alturas. Andre es juzgado y absuelto en base al principio de duda razonable.
Elige ser juzgado por un juez en lugar de por un jurado popular para evitar la presencia de mujeres que, según su abogado, podrían quizá ser influidas por el supuesto asunto feminista.
La estrategia de su defensa consistió en insinuar que su mujer es inestable emocionalmente y tiene tendencias suicidas.
Carl Andre es juzgado y absuelto de tirar por la ventana a Ana Mendieta. La sospecha le persigue siempre
Andre continua viviendo en aquel apartamento hasta el final de sus días, la semana pasada, cuando muere a los 88 años.
Nunca deja de exponer, pero es objeto de piquetes en los museos y las sospechas sobre lo que sucede esa noche le persiguen siempre. El caso divide al mundo del arte, que levanta un sofocante muro de silencio.
En Death of an Artist , una reciente serie de podcasts presentada por la escritora y comisaria de arte Helen Moleworth, la académica B. Ruby Rich, que conoce al matrimonio, recuerda que el asistente del fiscal declara que nunca antes en la investigación de un crimen se habían encontrado con tantos silencios y resistencias, a excepción de los casos de la mafia.
La versión de Wikipedia insiste:
En 1988, Andre asesinó a su esposa, la artista Ana Mendieta.
¿Cómo volver a mirar sus obras sin que te afecte ?
El pionero del minimalismo y poeta de la austeridad, fallece este jueves a los 88 años en Nueva York.
Su trayectoria como uno de los nombres centrales del arte estadounidense del siglo XX es empañada por la acusación de haber asesinado a su esposa, la artista cubana Ana Mendieta en 1985.
Es absuelto tres años después por falta de pruebas, aunque las inciertas circunstancias de su desaparición, tras caer al vacío desde el 34º piso de su domicilio, al sur de Manhattan, manchan su reputación hasta el día de su muerte, en una unidad de cuidados paliativos.
Nunca deja de ser expuesto y forma parte de las mayores colecciones del mundo, pero cada inauguración de sus muestras viene acompañada de protestas de colectivos feministas en memoria de su mujer.
Con su muerte desaparece un supervivientes de la generación de minimalistas que cambian la historia del arte del siglo XX, como Donal Judd o Robert Morris.
Todo ellos impulsan un estilo y un lenguaje formal situados en las antípodas de la monumentalidad heroica de los popes del expresionismo abstracto de la generación anterior, como Jackson Pollock o Mark Rothko, prefiriendo la austeridad, el rigor y la simplicidad de las formas. Nacido en Quincy (Massachusetts) en 1935, hijo de un emigrante sueco que trabaja como delineante naval, Andre se forma con becas en distintos centros académicos de prestigio, en los que descubre que su talento para la pintura y el dibujo son nulos, por lo que se orienta hacia la escultura.
Aboga por un arte neolítico, sin significados ocultos ni subtextos intelectuales, que apuesta por geometrías sencillas que coloca a ras de suelo, en pilas, pirámides y otras formas
No practica esa disciplina con ortodoxia. Sus piezas usan materiales industriales no alterados, como acero, aluminio, granito, madera o ladrillos.
Con ellas erige estructuras geométricas sencillas que coloca a ras de suelo, en pilas, pirámides y otras formas. Sus influencias son múltiples.
Le marca una visita a Stonhenge cuando tiene 19 años, que genera su discurso de crear un arte neolítico, sin significados ocultos ni subtextos intelectuales.
También el contacto con la obra de Frank Stella, con quien comparte estudio en el efervescente Soho de los cincuenta (y que acaba pagando su fianza y su defensa legal tres décadas más tarde), le permite entrar en contacto con los círculos de vanguardia en Nueva York.
Nunca le gusta, pese a todo, que le llamen minimalista, prefiriendo el término, más poético y un tanto ampuloso, de matterist o artista de la materia.
Su primera exposición es en 1965 en una galería neoyorquina, seguida de otra en el Jewish Museum de Nueva York en 1966 y de una participación destacada en la Dokumenta de Kassel, en 1968. En 1970, el Guggenheim de Nueva York le dedica su primera gran retrospectiva, convirtiéndolo en uno de los nombres centrales del arte estadounidense.
Pese a todos los honores, Andre mantiene una relación complicada con el mercado, la prensa especializada y el resto de sistemas de legitimación del sector.
Insta a los artistas a no fichar por ninguna galería, a no conceder entrevistas y a exponer solo para amigos y colegas, aunque luego no siempre predique con el ejemplo. Su ideología izquierdista se transparentaba también en su sempiterno mono azul, que llega a vestir en el juicio por el asesinato de su mujer. Solía decir que no lo luce por su progresía sino para ocultar su barriga.
La muerte de Mendieta, ocurrida ocho meses después de su matrimonio, perjudica su reputación, pero no lo deja fuera de mercado, donde sigue siendo celebrado por los mayores museos del mundo. Pero, pese a ser absuelto, nunca se desprende de la sombra de esa acusación, en parte por las versiones contradictorias que da sobre la desaparición de su esposa. En un primer momento, Andre sostiene que Mendieta se tira por la ventana durante una discusión, cuando él la persigue por su apartamento y ella acaba saltando al vacío (Mendieta es de baja estatura y no llega a la ventana). Más tarde, dice a la policía que Mendieta acuesta después dicha pelea y que, cuando él entra en el dormitorio, se encuentra con la cama vacía y la ventana abierta. Según los abogados de Andre, se habría suicidado o caído accidentalmente. Tenía 36 años.
En los últimos años, Andre protagoniza grandes exposiciones en el Museo de Arte Moderno de París en 2010, el Dia de Nueva York en 2014 —en una muestra que después viaja al Palacio Velazquez en Madrid— o el MOCA de Los Ángeles en 2017. Su obra forma parte de colecciones como las del MoMA de Nueva York o el Centro Pompidou de París.
Además, participa en la Bienal de Venecia de 2013. El prestigio de Mendieta, también se incrementa en los últimos años, cuando muchos museos han prestan atención a su obra. El Musac de León inaugura este sábado una muestra dedicada a Mendieta que puede visitarse hasta el 19 de mayo.
El blog de Ila Basmati 