El acontecimiento del año —o del siglo— en el mercado del arte no rompió las expectativas, sino todos los records. Ocurrió en la noche del miércoles en la sede de Christie’s en Nueva York. Salía a subasta una de las mejores colecciones privadas de arte del mundo, la de Paul Allen, cofundador de Microsoft, fallecido en 2018.
(FILES) In this file photo taken on October 12, 2022 Christie’s senior specialist and senior vice president Alex Marshall (R) views ‘The Conversation’ by David Hockney on display at Christie’s Los Angeles in Beverly Hills, California during the media preview of «Visionary: The Paul Allen Collection.» – Paintings and sculptures from the collection of late Microsoft co-founder Paul Allen were auctioned off for a historic $1 billion Wednesday, Christie’s auction house said, with records set for works by Van Gogh, Cezanne, Gauguin, Seurat and Klimt. (Photo by Frederic J. BROWN / AFP) / RESTRICTED TO EDITORIAL USE – MANDATORY MENTION OF THE ARTIST UPON PUBLICATION – TO ILLUSTRATE THE EVENT AS SPECIFIED IN THE CAPTION
Decenas de coleccionistas, marchantes, asesores y ejecutivos de la casa de subastas comparecieron en persona en el edificio de Rockefeller Center. Muchos más asistieron de forma remota, conectados por videoconferencia o teléfono con la sala. Un par de horas más tarde, al ritmo frenético del mazo más prestigioso de las subastas, el de Jussy Pylkkanen, se había vendido arte por algo más de 1.500 millones de dólares.
El anterior record lo había conseguido la gran competidora de Christie’s, Sotheby’s, hace solo seis meses, en la subasta de la colección de Harry y Linda Macklowe, multimillonarios neoyorquinos del ladrillo, obligados a vender sus tesoros artísticos en medio de un agrio divorcio, masticado con fruición por la prensa local. Aquella venta dejó un total de 922 millones de dólares.
La segunda tanda es este jueves. La recaudación de la Fundacion Allen es muy superior y eso que no incluye los lotes que se subastarán este jueves, en la segunda velada dedicada a Allen, aunque son obras más baratas, con estimaciones que no pasan de la decena de millones de dólares.
Microsoft co-founder, investor, philanthropist, and sports team owner Paul Allen.
Esa es una cantidad respetable en cualquier subasta, pero no en la de este miércoles en Nueva York. Una medida de la valía de las obras: se subastaron sesenta lotes y se batieron veinte récords en subasta para artistas de todas las épocas.
Las pujas por encima de los cien millones de dólares, verdaderos acontecimientos del año en una situación normal, eran ayer casi rutinarias. Cinco obras superaron ese umbral, empezando por Les Poseuses, Ensemble (Petite version), de George Seurat, adjudicada por 149 millones de dólares. El puntillismo era uno de los gustos de Allen, y la subasta incluyó otras tres obras del artista francés.
También batieron esa cifra una obra precursora del cubismo de Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire, que cosechó 138 millones; una escena de Arles de Vincent van Gogh, Verger avec cyprês, con 117 millones; Maternité, de Paul Gauguin, con 105 millones; y Birch Forest, de Gustav Klimt, con 104 millones.
La segunda foto más cara de la historia
Esta última fue además récord para el pintor austriaco, algo que también se logró en la subasta, entre otros, para Edward Steichen —con una fotografía que se coloca comola segunda más cara de la historia en subasta—, Thomas Hart Benton, Diego Rivera o Jasper Johns.
Johns, todavía vivo y que acaba de ser celebrado en Nueva York y Filadelfia con una gran retrospectiva, era otra de las debilidades de Allen. Coleccionó en especial sus cuadros con números, quizá una conexión con el desarrollo de códigos informáticos, que fue lo que propició la fortuna de Allen.
La consiguió muy pronto, después de haberfundado Microsoft con Bill Gates cuando ambos tenían 20 años. Allen dejó pronto el liderazgo de la compañía, pero el éxito de su software le convirtió en una de las personas mas ricas del mundo.
Puso su dinero en lo que le gustaba: el deporte —compró varios equipos profesionales de EE.UU.—, la investigación y el arte. En esto último, demostró un gusto peculiar y una habilidad para entender la apreciación de determinados artistas.
Su muerte dejó una colección capaz de llenar un museo. Esa apariencia al menos ha dado la sede de Christie’s en las últimas semanas, que ha abierto sus puertas para presentar la subasta y ha recibido colas de visitantes.
Entre las obras, todos los periodos, estilos y procedencias. De Botticelli y Brueghel el Joven a Lucian Freud o Francis Bacon. Los mejores impresionistas, cubistas, expresionistas y modernistas encontraron sitio. Canaletto, Picasso, O’Keefe, Hockney, Signac, Magritte, Manet, Monet…
Desde la noche del miércoles, las obras estarán desperdigadas por todo el mundo. Muchas de ellas, en Asia y el Golfo, con el inacabable apetito por las mejores obras. Y su dinero en manos de organizaciones filantrópicas (su objetivo era confidencial para no afectar al interés de algunos compradores). Esa era la voluntad de Allen y les ha llenado los bolsillos.
Una nueva pieza de arte ha sido atacada por activistas medioambientales para protestar por la crisis climática.
Dos personas se han adherido con pegamento a la obra de arte Latas de sopa Campbell del estadounidense Andy Warhol en la Galería Nacional de Camberra (Australia) este miércoles. Las dos ecologistas han exigido al Gobierno australiano que deje de subsidiar los combustibles fósiles.
Las activistas han podido salir de la galería antes de que pudieran ser detenidas ya que el pegamento con el que se adhirieron a la obra no era muy bueno, según ha explicado un portavoz de la Policía del Territorio de la Capital Australiana a EFE.
El vídeo de la actuación ha sido publicado por el grupo Stop Fossil Fuel Subsidies, que se ha declarado como responsable de la protesta. En las imágenes dos personas aparecen pintando sobre el cristal que protege las obras de Warhol mientras incluyen consignas como crisis climática o protesta artística.
El grupo ecologista acusa al Gobierno australiano de pagar 7.545 millones de dólares a la industria de combustibles fósiles y exige que el país reduzca sus emisiones de dióxido de carbono y deje de aprobar nuevos proyectos de explotación de gas y carbón.
El grupo australiano de activistas forma parte de la red mundial A22 Network, que promueve la desobediencia civil para realizar sus consignas con motivo de la Cumbre del Clima que se celebra en Egipto. ¡Que la COP27 cuente!, han reivindicado en su cuenta de Twitter.
La Galería Nacional de Australia ha indicado en un comunicado enviado a EFE que no desea promocionar estas acciones y no hará más comentarios al respecto, pues la protesta está siendo investigada por las autoridades policiales del país.
Este incidente se suma a otros alrededor del mundo. Como el ocurrido en Madrid hace unos días, cuando dos activistas se adhirieron a Las Majas de Goya en el Museo del Prado y pintaron en las paredes. El primer incidente sonado fue cuando otras dos miembros de la red lanzaron sopa de tomate sobre Los Girasoles de Van Gogh en Londres.
También ha sucedido en Roma, donde los ecologistas optaron por lanzar puré al cuadro El Sembrador que realizó el artista neerlandés en 1888, y en Alemania donde usaron el mismo alimento contra un cuadro de Monet.
Las protestas reclaman el cumplimiento del Acuerdo de París para limitar el incremento de los niveles del calentamiento del planeta por debajo de 1,5 grados de temperatura media respecto a los niveles preindustriales.
Activistas medioambientales se adhieren con pegamento a una obra de arte de Andy Warhol en Australia (msn.com)
Shanghái (China), 9 nov (EFE).- El genio español Salvador Dalí, uno de los pintores más importantes del siglo XX, se verá las caras con más de un millón de viajeros del metro de la megalópolis oriental china de Shanghái cada día gracias a una exposición inaugurada hoy de la mano de la Biblioteca Miguel de Cervantes.
Desde hoy y hasta finales de febrero, reproducciones a tamaño real de algunas de las obras más representativas del artista catalán harán las delicias de los pasajeros de la céntrica estación de Middle Longhua Road, situada en la intersección de las líneas 7 y 12 del suburbano de Shanghái, cerca de algunos importantes museos de arte de la ciudad.
La muestra, titulada ‘Salvador Dalí. Magia y realidad’ quiere crear un «encuentro inesperado» entre el arte y su público «fuera de su contexto ‘natural'», según sus organizadores.
Aparte de la Biblioteca Miguel de Cervantes, la exhibición cuenta con el apoyo del consulado español en Shanghái y la embajada en China, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), Turespaña, la Asociación de la Amistad del Pueblo de Shanghái con los Países Extranjeros y la Fundació Gala-Salvador Dalí.
La fundación que lleva el nombre del pintor y de su esposa calificó la iniciativa de «fórmula novedosa» para hacer presente al artista entre el público chino, «ávido de Dalí y de su genialidad desbordante».
«Esperamos que el público shanghainés se familiarice con la obra de Dalí y, a través de él, con el arte español en general», indicó a EFE el cónsul general de España en Shanghái, Luis Antonio Calvo Castaño, quien participó en el acto y lo calificó de «uno más de los puentes» que el país ibérico tenderá con China de cara a 2023, año en el que se cumple el quincuagésimo aniversario de los lazos oficiales entre ambas naciones.
En total serán 34 las reproducciones de piezas emblemáticas que estarán a la vista de los transeúntes, a los que se invitará a «reducir su velocidad» para apreciar las obras y dejar que las surrealistas ensoñaciones del pintor les evadan por un momento del frenético ritmo de la ciudad, una de las más grandes del mundo con sus cerca de 25 millones de habitantes.
La muestra hará un repaso por la carrera y vida de Dalí, con cuadros que muestran sus paisajes en la Girona de los años veinte como ‘Port Alguer’ (1923) o imágenes dobles que agudizan la imaginación del público como ‘El torero alucinógeno’ (1970).
La Biblioteca Miguel de Cervantes ya inauguró hace un año una exposición similar en la misma estación, contando en aquella ocasión con una selección de algunas de las obras más representativas del Museo del Prado.
La red de metro de Shanghái, inaugurada hace menos de 30 años, es ya la más extensa del mundo con casi una veintena de líneas que transportan cada día a una media de más de 10 millones de pasajeros, lo que la convierte en un escaparate privilegiado para las citadas obras.
Aportan importante información sobre el periodo de transición entre los etruscos y los romanos en la antigüedad.
Llevaban cerca de 2.000 años sumergidas en el fango que las ha mantenido casi intactas hasta que un equipo internacional de arqueólogos ha dado con ellas.
Son 24 estatuas de bronce en un excepcional estado de conservación, procedentes de un lapso comprendido entre el siglo II a. C. y el siglo I d. C., período histórico de importantes transformaciones durante la transición entre etruscos y romanos y que han emergido en un santuario etrusco-romano situado en las antiguas termas de la ciudad de San Casciano dei Bagni, en la provincia de Siena.
En arqueología, encontrar estatuas de bronce, sobre todo en buen estado, es un fenómeno bastante raro, por lo que la comunidad científica ha celebrado este con gran expectación. Se trata de un descubrimiento de gran valor, el hallazgo del siglo para Italia y uno de los más reveladores de la historia antigua. Hasta el punto de que los expertos, como el director general de Museos de Italia, Massimo Ossana, lo han calificado como el más importante desde que se rescataron del mar los Bronces de Riace, los más significativos jamás encontrados en la historia del Mediterráneo antiguo. En referencia a las dos estatuas encontradas el 16 de agosto de 1972 por unos pescadores en el mar Jónico frente a la costa de Riace Marina, en la provincia de Reggio Calabria, y consideradas de manera unánime por los científicos como obras de enorme valor artístico.
Las piezas de San Casciano dei Bagni servirán para comprender esta etapa de la antigüedad y la vetusta y misteriosa cultura de los etruscos, un pueblo que se extendió por la península itálica desde la Toscana, que dio origen a una de las primeras civilizaciones de Italia, sobre la que no hay demasiadas certezas. La cultura y la lengua de los etruscos fueron asimiladas por el Imperio Romano y aunque su paso por la historia ha dejado espléndidas tumbas, cerámicas y estatuas, hay pocos documentos escritos y testimonios de su vida diaria.
Las estatuas recién descubiertas también aportarán información valiosa sobre la interacción con los romanos, hasta ahora poco documentada, de esta civilización, considerada la predecesora de Roma y heredera de la cultura helénica.
Los bronces son en su mayoría estatuas votivas, que representan a dioses, matronas romanas, niños, emperadores. Según el etruscólogo a cargo de la excavación, Jacopo Tabolli, profesor de la Universidad para Extranjeros de Siena, el santuario pudo ser utilizado al menos hasta el siglo V, cuando en la época cristiana se sellaron las cuencas con pesadas columnas de piedra y se dejaron las estatuas en el agua, pero no se destruyeron.
Es el mayor depósito de estatuas de la Italia antigua y, en cualquier caso, el único cuyo contexto tenemos la posibilidad de reconstruir por completo, ha señalado Tabolli, que lleva excavando en el yacimiento desde 2019, junto a 60 expertos de todo el mundo y ha definido el hallazgo como un descubrimiento que reescribirá la historia.
Las esculturas han sido recuperadas del barro de las antiguas termas junto con miles de monedas, exvotos y una inmensa cantidad de inscripciones en etrusco y latín. En ellas se pueden leer los nombres de poderosas familias etruscas del territorio de la Etruria interior, desde los Velimna de Perugia hasta los Marconi conocidos en la campiña sienes y otros exponentes de las élites del mundo etrusco y posteriormente romano, terratenientes, escuderos locales, las clases acomodadas de Roma e incluso emperadores.
Además de las frases en etrusco, también se han descubierto inscripciones en latín, que mencionan las aquae calidae, las aguas termales de Bagno Grande, donde se colocaron las estatuas. Como explica en el diario La Repubblica, el director científico de la Fundación del Museo Claudio Faina de Orvieto y del Museo Etrusco de Murlo, Giuseppe M. Della Fina, el uso de las dos lenguas en las inscripciones se debe a que aunque los etruscos perdieron su independencia política en las primeras décadas del siglo III a. C. a manos de Roma, siguieron conservando su independencia cultural y lingüística.
Las esculturas en gran parte simbolizan a las divinidades veneradas en el lugar sagrado y junto a ellas se colocaban pequeñas obras que representaban las partes del cuerpo para las que se buscaba la intervención curativa de la divinidad a través de las aguas termales.
Del barro han emergido efigies de Higía y Apolo, así como un bronce que recuerda al famoso Arringatore, descubierto en Perugia y que representaba la figura del orador Aulo Metelo, un senador etrusco durante la República romana.
San Casciano Dei Bagni (Italy), 07/11/2022.- A handout photo made available by the University for Foreigners of Siena (Universita per Stranieri di Siena) shows the coins found during the discovery of a votive deposit in the excavations of San Casciano dei Bagni, Tuscany, Italy, 07 November 2022 (issued 08 November 2022). Protected for 2,300 years from the mud and boiling water of the sacred basins, a never-before-seen votive deposit has re-emerged from the excavations of San Casciano dei Bagni, in Tuscany, with over 24 bronze statues of refined workmanship, five of which almost one meter high, all intact and in good condition. (Italia) EFE/EPA/JACOPO TABOLLI / Universita per Stranieri di Siena / HANDOUT HANDOUT EDITORIAL USE ONLY/NO SALES
Los arqueólogos que se han encontrado este tesoro casi intacto creen que las estatuas fueron realizadas con toda probabilidad por artesanos locales, entre el siglo II a. C. y el siglo I d. C. El hallazgo les anima a pensar que, la lengua de los etruscos parece haber sobrevivido mas tiempo del que se creia y que los conocimientos etruscos de medicina parecen haber sido reconocidos y aceptados como tales en la época romana. Dice Tavoli:
El tiempo pasa, el lenguaje cambia, incluso los nombres de las deidades cambian, pero el tipo de culto y la intervención terapéutica siguen siendo los mismos.
General view of the site where 2,300-year-old bronze statues have been discovered in San Casciano dei Bagni, Italy, in this handout photo obtained by Reuters on November 8, 2022. Ministero della Cultura/Handout via REUTERS ATTENTION EDITORS THIS IMAGE HAS BEEN SUPPLIED BY A THIRD PARTY. NO ARCHIVES. NO RESALES
El arqueólogo habla del santuario como de un raro remanso de paz:
Incluso en épocas históricas en las que los conflictos más terribles arreciaban en el exterior, dentro de estas termas y en estos altares, los dos mundos, el etrusco y el latino, parecían convivir sin problemas.
San Casciano Dei Bagni (siena) (Italy), 08/11/2022.- An undated handout photo made available by the Italian Ministry of Culture press office shows one of the twenty-four bronze statues, of the Roman Etruscan age discovered in San Casciano dei Bagni, near Siena, Italy. The statues depict gods, matrons, children and emperors. Protected for 2,300 years by the mud and boiling water of the sacred tanks, the votive deposit has re-emerged from the excavations in Tuscany. Along with thousands of coins and votive offerings, five of the twenty-four bronze statues are almost a meter high. (Italia, Estados Unidos) EFE/EPA/Italian Ministry of Culture HANDOUT ANSA PROVIDES ACCESS TO THIS HANDOUT PHOTO TO BE USED SOLELY TO ILLUSTRATE NEWS REPORTING OR COMMENTARY ON THE FACTS OR EVENTS DEPICTED IN THIS IMAGE; NO LICENSING HANDOUT EDITORIAL USE ONLY/NO SALES/NO ARCHIVES
Y ha remarcado la extraordinaria oportunidad que ofrece el hallazgo para investigar sobre la diversidad cultural en la antigüedad.
San Casciano Dei Bagni (Italy), 07/11/2022.- A handout photo made available by the University for Foreigners of Siena (Universita per Stranieri di Siena) shows a statue (praying ephebe) emerging from the mud during the discovery of a votive deposit in the excavations of San Casciano dei Bagni, Tuscany, Italy, 07 November 2022 (issued 08 November 2022). Protected for 2,300 years from the mud and boiling water of the sacred basins, a never-before-seen votive deposit has re-emerged from the excavations of San Casciano dei Bagni, in Tuscany, with over 24 bronze statues of refined workmanship, five of which almost one meter high, all intact and in good condition. (Italia) EFE/EPA/JACOPO TABOLLI / Universita per Stranieri di Siena / HANDOUT HANDOUT EDITORIAL USE ONLY/NO SALESSan Casciano Dei Bagni (Italy), 07/11/2022.- A handout photo made available by the University for Foreigners of Siena (Universita per Stranieri di Siena) shows a statue, found during the discovery of a votive deposit in the excavations of San Casciano dei Bagni, Tuscany, Italy, 07 November 2022 (issued 08 November 2022). Protected for 2,300 years from the mud and boiling water of the sacred basins, a never-before-seen votive deposit has re-emerged from the excavations of San Casciano dei Bagni, in Tuscany, with over 24 bronze statues of refined workmanship, five of which almost one meter high, all intact and in good condition. (Italia) EFE/EPA/JACOPO TABOLLI / Universita per Stranieri di Siena / HANDOUT HANDOUT EDITORIAL USE ONLY/NO SALES
Microsoft co-founder, investor, philanthropist, and sports team owner Paul Allen.Microsoft co-founder, investor, philanthropist, and sports team owner Paul Allen.
Mañana y pasado, 9 y 10 Christie’s saca a subasta en Nueva York 200 obras del cofundador de Microsoft, que pueden superar los mil millones de dólares. Los beneficios van destinados a proyectos filantrópicos
Cezanne, La montaña de Santa Victoria
Tres estudios para un autorretrato, de Francis Bacon, valorado en 25 millones de dólares.
Claude Monet, «Waterloo Bridge soleil voilé» – Estimate of more than $60 million
Joseph Mallord William Turner, «Depositing of John Bellini’s Three Pictures in La Chiesa Redentore, Venice» – Estimate of more than $30 million
Paul Signac, «Concarneau calme du matin (Opus no. 219, larghetto)» – Estimate of more than $28 million
Louise Bourgeois, «Black Flames» – $1.5 million to $2.5 million
Georgia O’Keeffe, «White Rose with Larkspur No. 1» – $6 million to $8 million
Agnes Martin, «Untitled» – $4 million to $6 million
René Magritte, «La voix du sang» – $12 million to $18 million
Jasper Johns, «Map» – $5 million to $7 million
Jasper Johns, «Small False Start» – Estimate of more than $50 million
Jan Brueghel The Younger, «The Five Senses, Taste» (set of five panels) – $4 million to $6 million
Jan Brueghel The Younger, «The Five Senses, Hearing» (set of five panels) – $4 million to $6 million
Jan Brueghel The Younger, «The Five Senses, Smell» (set of five panels) – $4 million to $6 million
Paul Gadner Allen (Seattle, EEUU, 1953-2018) fue un visionario.Pero desde 1982 luchó contra un linfoma de Hodgkin (un cáncer del sistema linfático), que acabó con su vida el 15 de octubre de 2018, a los 65 años. Le bastó ese tiempo para dar rienda suelta a todas sus pasiones, que fueron muchas: la ciencia, la informática, el espacio, la historia, el deporte, la música, el cine, el arte, la filantropía… En 2010, fue uno de los primeros en firmar Giving Pledge (La promesa de dar), un compromiso para destinar la mayor parte de su fortuna a causas benéficas.
Admiró (y coleccionó) a artistas audaces y revolucionarios que desafiaron las convenciones. Escribe en sus memorias Idea man en 2011:
Me atraían las personas que, como yo, estaban ansiosas por ver lo que vendría después y querían intentar que sucediera.
Cada seis meses, me hago un escáner y espero en el despacho de mi oncólogo, preguntándome cuál será el veredicto. Pienso continuamente en la próxima gran idea y en cómo podría llevarse a cabo
El arte siempre formó parte de la infancia de Allen, gracias a sus padres. Se topó con los paisajes marinos de Turner y las pinturas pop de Lichtenstein en una visita a la Tate. Una experiencia que encendió en él una pasión por el arte. Creó la Feria de Arte de Seattle en 2015 y se convirtió en un avido coleccionista de arte: atesoró una colección Sabes que todas estas obras van a durar más que tú –reflexionaba Allen–. Solo eres custodio temporal de ellas.
200 obras maestras saldrán a subasta los próximos días 9 y 10 en la sede neoyorquina de Christie’s en el Rockefeller Center. Todos los beneficios irán destinados a proyectos filantrópicos. Aportó en vida más de 2.650 millones de dólares a fines benéficos. Se prevé que supere los mil millones. Si es así, será la colección más cara de la historia, superando la de los Macklowe (922,2) millones el pasado mes de mayo y la de David y Peggy Rockefeller (835,1 millones) en 2018.
Antes de la subasta, la Colección Allen ha viajado por Hong Kong, Los Ángeles, Taipéi, Shanghái, Londres y París. Allen adquirió magníficas obras de los artistas más relevantes de la Historia del Arte. Tres obras maestras, pintadas el mismo año (1888), son las estrellas. Parten con una estimación por encima de los cien millones de dólares y cuentan con un gran pedigrí. Se trata de La Montaña Sainte-Victoire, de Cézanne; Las modelos (versión pequeña), de Seurat; y Huerto con cipreses, de Van Gogh.
Paul Cézanne’s 1888-90 landscape, ‘La Montagne Sainte-Victoire,’ is expected to resell for at least $100 million in November.
PHOTO: COURTESY OF THE PAUL G. ALLEN ESTATE
La década de 1880 fue de una gran agitación emocional para Cézanne: dolorosas rupturas amorosas y con su amigo Émile Zola, la muerte de su padre… Se refugió en la pintura y se obsesionó con la Sainte-Victoire, la imponente montaña de la Provenza francesa que retrato con azules, lilas y rosas. A ella dedicó una serie de pinturas con intensidad emocional, con la que estableció las bases del modernismo, dando origen al cubismo. La que sale a subasta perteneció a Ambroise Vollard, Auguste Pellerin, Georges A. Embiricos, Heinz Berggruen… Solo dos de esa serie permanecen en manos privadas.
Georges Seurat realizó un lienzo a gran escala que mostraría todo el potencial expresivo del puntillismo: Las modelos (The Barnes Foundation, Filadelfia), una de las obras más célebres del artista. Hizo solo un puñado de dibujos y estudios preparatorios. Se cree que Las modelos (versión pequeña)’, de la Colección Allen, se creó durante las etapas finales de la pintura, o incluso después de terminarlo.
Les poseuses Ensembles de Seurat
El 20 de febrero de 1888, Vincent van Gogh llegó a Arles, donde permaneció quince meses. Allí se reinventó y trabajó intensamente, creando las mejores obras de su corta pero extraordinaria carrera. Huerto con cipreses fue pintado en la primavera de ese año, poco después de llegar a Arles. Pertenece a la histórica serie de catorce lienzos que representan estos huertos con los que floreció su arte. Solo cinco están en colecciones privadas. Tras su muerte, el cuadro quedó en manos de la familia.
Verger avec cypres de Van gogh
A estas tres pinturas seminales se suman otras muchas obras maestras, con estimaciones millonarias: la alegoría de los sentidos de Brueghel el Joven (4-6 millones), las imaginaciones venecianas de Turner (28-35 millones) y Manet (45-65 millones), el bosque de abedules de Klimt (90 millones), las simbólicas flores de Georgina O´Keeffe (6-8 millones), los emocionales paisajes de Yorkshire inmortalizados por Hockney (8-12 millones), un triple estudio para un autorretrato de Bacon (25-35 millones), una de las primeras joyas de Jasper Johns, ‘Small False Start’ (45-65 millones); la ‘Madonna del Magnificat’, de Botticelli (40 millones)…
Madonna del Magnifica de Sandro Voticelli
El oido de Jan Brueghel el joven
Maternidad II de Paul Gaugin
‘Maternidad II’, de Gauguin (90 millones), fue pintado en 1899 en Tahití su segundo viaje a la Polinesia Francesa. Pese a su mala salud (contrajo la sífilis) y sus problemas económicos, creó algunas de las mejores obras de su carrera. Monet viajó a Londres en 1899, se alojó en el hotel Savoy, a orillas del Támesis, entre el puente de Waterloo y el de Charing Cross. Convirtió su suite en un estudio. Volvió dos veces más. Pintó casi un centenar de vistas de la ciudad. Entre ellas, El puente de Waterloo (60 millones), que parece desvanecerse por la neblina. Lucian Freud realizó entre 1981 y 1983 Gran interior, W11 (75 millones), un monumental retrato familiar en el que posan para él Celia, Bella, Kai, Suzy y Star, inspirado en un cuadro de Watteau del Museo Thyssen.
Gran interior de Lucien Freud
El gran canal de Venecia de Eduard Manet
El amor de Paul Allen por la ciencia comenzó a una edad temprana. Pasaba horas dibujando cohetes, esbozando astronautas y leyendo libros de ciencia ficción. A los 10 años creó un club de ciencias para amigos en su sótano. Ya apuntaba maneras. Le motivaba conectar a grandes mentes para que sucedieran grandes cosas. Y se sentía afortunado por tener los recursos suficientes para lograrlo. Dejó una fortuna de unos 20.000 millones. No se casó ni tuvo hijos. Con su hermana Jody fundó en 1986 Vulcan Inc., la empresa que administraba sus negocios e inversiones y, dos años después, la Fundación Paul G. Allen. En la escuela Lakeside conoció a Bill Gates, con quien en 1975 fundó Microsoft. La relación entre ambos genios tuvo sus altibajos. Allen acusó a Gates de que trató de quitarle de en medio cuando enfermó. Llegó a tildarlo de oportunista mercenario y dijo que trató de estafarlo. Con los años las aguas se calmaron.
Bosques de abedules de Gustaf Klimt
Durante toda su vida, Paul estuvo fascinado por las máquinas; especialmente, por la más sorprendente de todas: el cerebro humano. Fundó varios institutos con su nombre dedicados al cerebro, la biología celular, la inmunología, la dinámica neuronal, la Inteligencia Artificial… Financió ‘SpaceShipOne’, la primera nave espacial financiada con fondos privados en llegar al espacio. Y creó ‘Stratolaunch’, el avión más grande del mundo: mide como un campo de fútbol, pesa unas 227 toneladas sostenidas sobre 26 ruedas y es propulsado por seis motores Boeing 747. En abril de 2019 tuvo lugar su primer vuelo.
A los 16 años, su madre le regaló su primera guitarra eléctrica, que compró en una tienda de segunda mano por cinco dólares. En 1969 asistió al concierto de Jimi Hendrix en el Seattle Center Coliseum. «Una vez que escuché a Hendrix, me enganché. No podías ser más genial que Jimi», decía Allen, a quien le conmovía «el poder de la música en vivo». La música renovaba su energía. En la universidad, solía relajarse tocando su guitarra de madrugada. Formó la banda Grown Men y, más tarde, The Underthinkers. En 1996 fundó una institución sin ánimo de lucro centrada en la exploración musical. Contrató al arquitecto Frank O. Gehry para diseñar el Experience Music Project (EMP), un museo dedicado a su héroe Jimi Hendrix (incluye la guitarra con la tocó en su mítico concierto en Woodstock). Hoy es el Museo de la Cultura Pop.
Tampoco el cine le fue ajeno. Allen invirtió 500 millones para ayudar a crear DreamWorks, junto con Steven Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen. Pero Allen nunca se sintió cómodo en Hollywood y vendió su participación en la compañía. Creó la suya propia, Vulcan Productions, en 1997, con el objetivo de crear películas y documentales independientes. Dejó de operar a principios de 2021. Paul Allen fue dueño de los Seattle Seahawks de la Liga Nacional de Fútbol Americano y de los Portland Trail Blazers de la NBA.
Pocos fotógrafos han alcanzado la fama del mítico Robert Capa, el padre fundador del fotoperiodismo de guerra, pero ha habido muchos malentendidos sobre su persona y su obra que quedan disipados con la exposición Death in the making que presenta en Nueva York el Centro Internacional de Fotografía (ICP) hasta el 9 de enero.
La exposición lleva el título de la obra que ya en 1938 publicó Capa con sus imágenes del primer año de la Guerra Civil española: un libro (con la famosa Muerte de un miliciano como portada) editado entonces sin mucho cuidado, con numerosos errores en la atribución de las fotos o en la identificación de lugares y que ahora la comisaria Cyinthia Young se ha ocupado de reparar en una nueva edición aparecida en 2020.
La comisaria de la muestra “Robert Capa: Death in the Making”, Cynthia Young, habla durante una entrevista con EFE, el 3 de noviembre de 2022, en el International Center of Photography Museum, en Nueva York (Estados Unidos). EFE/Sarah Yáñez-richards.
La exposición en el ICP no es sino una prolongación de esta nueva edición del libro que ha tratado de ser lo más fiel al original, evitando la tentación de incluir otras imágenes icónicas de la larga carrera de Capa, aunque fuera de otros periodos de la misma guerra española.
La comisaria de la muestra “Robert Capa: Death in the Making”, Cynthia Young, habla durante una entrevista con EFE, el 3 de noviembre de 2022, en el International Center of Photography Museum, en Nueva York (Estados Unidos). EFE/Sarah Yáñez-richards.
Si hay una persona ensombrecida por la fama de Capa, esta es Gerda Taro, su amante y colega, con quien en 1936 viajó de París a Madrid a pisar el barro del frente, siempre del lado de los republicanos.
La comisaria de la muestra “Robert Capa: Death in the Making”, Cynthia Young, habla durante una entrevista con EFE, el 3 de noviembre de 2022, en el International Center of Photography Museum, en Nueva York (Estados Unidos). EFE/Sarah Yáñez-richards.
Comienza aquí el primer equívoco: ni ella ni él se llamaban así: ambos eran judíos -Gerda nacida en Alemania, Robert en Hungría- y decidieron cambiarse sus nombres por otros que no denotaran sus orígenes en aquella Europa podrida de antisemitismo, y que tuvieran una sonoridad más internacional.
Dicen sus biógrafos, y Young lo confirma, que Taro, procedente de una familia acomodada, enseñó a Capa a moverse en sociedad -a vestirse y hablar con propiedad-, mientras que él le enseñó el arte de la fotografía, en el que ella pronto destacaría. Junto a ellos se movía un tercer fotógrafo, también judío y también con un seudónimo, Chim.
Aquí llega el segundo equívoco, el más injusto: las fotografías de Taro y de Chim llegaron a los periódicos y revistas europeas -y más tarde americanas- remitidos por Capa, y tal vez por ello todas pasaron a la historia como obras de Capa, aunque -precisa Young- nadie puede demostrar que Robert tratase de apropiarse de las imágenes de sus amigos.
La prueba: cuando el fotógrafo publicó aquel libro en 1938 lo dedicó a Gerda Taro, que pasó un año en el frente de España, y allí se quedó. Una elegante elipsis para no contar que a Gerda la aplastó por error un tanque amigo a las afueras de Brunete, donde en julio de 1937 se desarrollaba una de las batallas más sangrientas de la guerra. Tenía 26 años.
La comisaria ha logrado trazar la autoría de casi todas las fotos de aquel bautismo de fuego que supuso el paso de Capa a la posteridad, gracias entre otras cosas a una maleta aparecida en México en 2007 y que contenía miles de negativos del propio Capa, de Taro y de Chim.
Ahora, en el nuevo libro y en la exposición neoyorquina, Young ha establecido con certeza que de todas las fotos de aquel libro, cabe atribuir 111 a Capa, 24 a Taro y 13 a Chim.
Young siente que ha hecho justicia a Taro:
Ya no es simplemente la novia de Capa, aunque no haya entrado en la Historia. Sostiene Young que en la atribución de las fotos a Capa tuvo mucho que ver no tanto una intención de Capa sino el machismo de una época, en la que convenía presentar al héroe con su servicial amante. En cuanto al borrado de Chim, lo atribuye a errores o desidia de la agencia Magnum.
Las imágenes del trío de fotorreporteros trazan un panorama bastante familiar -gracias sobre todo a ellos- de aquella España que trataba de levantar un ejército casi de la nada: pueden verse sesiones de formación de reclutas en Valencia, la bendición de un cura a un batallón vasco o un miliciano con la imagen de un santo entre las ruinas de una iglesia bombardeada.
Aparece la estatua de la Cibeles mientras se levanta a su alrededor un parapeto de sacos terreros, mujeres y niños que miran angustiados al cielo de Madrid al paso de unos aviones y milicianos que suben al tren. Una vez en combate, unos son retratados heridos en camilla, y otros tocando música con acordeones en un momento de asueto.
No es un bonito libro de fotografías a la usanza actual. Para Capa, que ni siquiera sabía inglés cuando el libro se publicó, se trataba de una herramienta de propaganda, un útil educativo destinado a contar al público estadounidense una causa pura.
En medio de ambas pinturas han escrito el mensaje ‘+1,5º’ para alertar sobre la subida de temperatura mundial que provocará un clima inestable y graves consecuencias en todo el planeta.
Esta protesta se suma a otras que se han sucedido en las últimas semanas, como la de dos ecologistas que lanzaron sopa de tomate a ‘Los Girasoles’ de Van Gogh, expuesto en la National Gallery de Londres.
Al menos tres jóvenes protagonizaron hoy un acto para denunciar el calentamiento global, lanzando puré de verduras sobre El sembrador, obra pintada por Vincent Van Gogh en 1988 y que se expone en una muestra dedicada al genio holandés en el Palacio Bonaparte de Roma.
Los activistas, pertenecientes al grupo Ultima Generación, arrojaron el puré de verduras sobre la obra, que estaba protegida por un cristal, y que no sufrió daños, tras lo cual se pegaron a la pared y gritaron consignas contra el uso del carbón y el cambio climático.
La policía fue avisada por el personal del Museo, donde los agentes de las fuerzas del orden retuvieron a tres jóvenes, al igual que una fotógrafa que se encontraba en ese momento en el lugar del ataque, indicaron las mismas fuentes, que no descartan que también ella forme parte del grupo.
Los miembros de Última Generación, que habían entrado pagando sus entradas, se acercaron a la obra entre la multitud y sacaron varias las latas de comida, que arrojaron contra el cuadro, protegido por una vitrina, según los medios locales.
Tras la acción, la guardia de seguridad del recinto intervino y cerró de inmediato las salas de exposición, expulsando de las mismas a los visitantes.
Todo lo que tendríamos derecho a ver en nuestro presente y nuestro futuro está siendo oscurecido por una catástrofe real e inminente
La muestra Van Gogh. Obras maestras del Museo Kroller-Muller, que permanecerá en la capital italiana hasta el 26 de marzo del 2023, año en el que se conmemorará el 170 aniversario del nacimiento del artista, reconstruye, a través de 50 obras y numerosos relatos biográficos, su trágica historia.
Tres personas fueron detenidas hace una semana en Países Bajos después de protagonizar una acción similar lanzando salsa de tomate cerca de la conocida pintura la Joven de la Perla del artista Johannes Vermeer, en el museo Mauritshuis, en La Haya.
Unos días antes, dos simpatizantes Última generación lanzaron puré de patatas contra un cuadro de Claude Monet expuesto en el Museo Barberini de Potsdam, cerca de Berlín.
La primera acción de este tipo tuvo lugar hace unas semanas, cuando miembros de Just Stop Oil vertieran sopa de tomate sobre el cuadro Girasoles de Van Gogh en el Museo de la Galería Nacional de Londres.
En vísperas del 50 aniversario de su muerte, el Espacio 5.1 de Ifema acoge una muestra de 217 obras del artista proyectadas sobre paredes, suelos y módulos tridimensionales
La mayor exposición inmersiva realizada hasta la fecha en España y la primera dedicada a Picasso, el artista más destacado del siglo XX. Con estos dos reclamos aterriza la muestra Imagine Picasso en el Espacio 5.1 de Ifema, en Madrid. En ella se proyectan reproducciones de 217 obras del pintor malagueño sobre las paredes, el suelo y unas estructuras poliédricas inspiradas en las piezas de origami que Picasso realizaba para sus hijos.
En esta exposición, que estará en Madrid hasta febrero (aunque sus responsables barajan ampliarla en función de su éxito), no hay realidad virtual ni animaciones realizadas a partir de las obras originales. En ese sentido, es «respetuosa con la obra del artista», afirma el director de Sold Out, la promotora que gestiona el espacio expositivo y que ha traído la exposición a España en colaboración con Encore Productions.
Las proyecciones se realizan con el sistema Image Totale, inventado en 1977 por el fotógrafo y periodista Albert Plécy con el objetivo de eliminar los marcos de las obras de arte y convertir todo el espacio expositivo en un único gran lienzo en el que el visitante pudiera sumergirse.
La muestra llega a la capital española justo cuando se avecina el cincuentenario de la muerte de Picasso en 2003, que estará plagado de exposiciones y actividades dentro y fuera de España. Imagine Picasso ha podido verse ya en Lyon (Francia), Quebec y Vancouver (Canadá), Atlanta y San Francisco (Estados Unidos).
Este jueves han presentado la exposición Rafael Jiménez, director de Sold Out, y Pascal Bernardin, productor de esta y otras exposiciones inmersivas dedicadas a Van Gogh o Monet, y sobre fenómenos de la cultura popular como Juego de Tronos o Harry Potter. Bernardin considera este proyecto como «la mejor exposición inmersiva hasta la fecha» y asegura que permitirá «entender y sentir a Picasso».
También estaban los directores de la muestra, Annabelle Mauger y Julien Baron. Ambos han colaborado con la historiadora del arte Androula Michael, una de las mayores expertas en Picasso; y el arquitecto Rudy Ricciotti (ganador del Gran Prix National d’Architecture de Francia), responsable del diseño expositivo y los módulos sobre los que se proyectan las obras de Picasso.
En una primera sala se explican sobre unos paneles los distintos periodos y temas de Picasso (el periodo azul, el rosa, el cubismo, sus coqueteos con el surrealismo, el iberismo, los retratos de mujeres…), su biografía, las características de la exposición y una relación de las obras incluidas en ella.
Tras esta contextualización se accede a la sala inmersiva, donde 59 proyectores reproducen las obras sobre las paredes, suelos y módulos tridimensionales.
«Esculpimos las pinturas», declara al respecto Annabelle Mauger. Las imágenes se multiplican, completas o de manera fragmentada; se suceden, se superponen y se funden, con una banda sonora de fondo que transita entre las canciones infantiles tradicionales francesas y obras de contemporáneos de Picasso como Debussy, Satie o Stravinski.
Mauger ha definido la muestra como «la exposición imposible», ya que la tecnología digital permite reunir en un mismo espacio, aunque sea de forma virtual, obras que se encuentran en distintos museos del mundo, como el MoMA de Nueva York (Las señoritas de Aviñón) o el Reina Sofía de Madrid (Guernica). También proceden de otros centros de arte como el Musée Picasso de París, el Museu Picasso de Barcelona y el Museo Pushkin de Moscú, así como de varias colecciones
Además de las dos obras maestras mencionadas, destacan primeras piezas como Primera Comunión (1895), Ciencia y caridad (1897), Retrato de Carlota Valdivia-La Celestina (1904), Familia de acróbatas con mono (1905), Niño llevando un caballo (1906), Les demoiselles d’Avignon (1907), o Paulo vestido de Arlequín (1923), Minotauro tirando de un carro (1936), Guernica (1937) o Las Meninas (1957), hasta los célebres retratos de algunas de sus parejas sentimentales -Marie Thérèse Walter, Olga Khokhlova o Dora Maar-, o sus autorretratos de diferentes épocas. «Es como si todas las obras de Picasso estuvieran juntas en España al fin», declara la codirectora de la exposición.
Existe similar a la masa de un agujero negro que prácticamente no deja escapar la luz de él. En el año 2016, el artista británico Anish Kapoor compró los derechos de uso del mismo, popularmente conocido como el negro mas negro del mundo.
Vantablack, que es como se llama el color, es un pigmento desarrollado por la empresa del Reino Unido NanoSystems, especializada en nanotecnología e investigación. Se trata de una sustancia creada a partir de nanotubos de carbono capaces de absorber el 99,9% del espectro de luz visible, de tal manera que cuando la luz alcanza el color, en lugar de reflejarla, esta se queda atrapada en ese bosque de pequeñas jaulas que la retienen, siendo expulsada posteriormente en forma de calor.
Hasta ahora, la principal aplicación del Vantablack había sido como pintura del fuselaje de aviones espías.
Anish Kapoor
Además, para ser creado el Vantablack necesita una temperatura de 400 grados. Ostenta, sin ir más lejos, el recor mundial de la sustancia más oscura creada por el hombre. Un negro no exento de polémica, ya que esto significa que Kapoor es la única persona del mundo que puede utilizar el color con fines creativos, lo que en su momento provocó una respuesta negativa por parte de la comunidad artística en todo el mundo, acusándolo de monopolio e incluso de crimen contra el arte.
La historia llega incluso más lejos, con la rivalidad interminable desde 2016 entre Anish Kapoor y el pintor inglés Stuart Semple. Enojado tras la compra de Vantablack, Semple decidió crear su propia versión de ese negro más negro en 2019, y, a través de una campaña de Kickstarter, consiguió la financiación completa para su desarrollo en tan solo 38 horas. Black 3.0 es un pigmento técnicamente parecido, pero que solo absorbe entre el 98% y el 99% de la luz.
Pero Stuart Semple, sobre todo, se convirtió en la némesis de Kapoor al vetarle la compra de uno de sus inventos más famosos, el pinkest pink (o rosa más rosa); en su web tiene publicada una cláusula de exención de responsabilidad por la cual cualquier comprador debe confirmar que ni trabaja, ni colabora ni tiene relación con el artista británico de origen indio y que, por tanto, ese rosa no llegará nunca a sus manos. Semple, por cierto, es el inventor también del blanco más puro catalogado en el mundo, o White 2.0., que promete ser un 50% más brillante que cualquier otro blanco del mundo, reflejando el 75% de los rayos del sol y obligando casi a usar gafas de sol para verlo.
Anish Kapoor junto a una escultura suya en Norfolk, este 9 de julio.MATTHEW CHILDS (REUTERS)
Una de las salas de la retrospectiva de Anish Kapoor celebrada en Venecia en abril de 2022.ROBERTO SERRA – IGUANA PRESS (GETTY IMAGES)
Pero el negro más negro del mundo no es el único color controvertido. El azul Prusia es uno de los tonos más importantes y destacados en la historia del arte. Lo descubrió accidentalmente el químico alemán Heinrich Diesbach en el año 1704, y se ha considerado el primer pigmento sintético moderno. El escritor Benjamin Labatut lo describe en su novela Un verdor terrible (2020):
un azul tan deslumbrante que Diesbach pensó que había hallado el hsbd-iryt, el color original del cielo, el legendario azul con que los egipcios decoraron la piel de sus dioses.
El cuadro ‘La noche estrellada’, de Vincent van Gogh.ART IMAGES (ART IMAGES VIA GETTY IMAGES)
Al principio se empleó como colorante para teñir las telas de los uniformes militares en Alemania, por lo que se le conoce también como berliner blau. Pronto se convertiría en la principal referencia para pintores y artistas durante el siglo XVIII, ya que abarató el coste del azul usado hasta entonces, que se obtenía con lapislázuli y era uno de los colores más caros del mercado. Obras como La gran ola de Kanagawa de Katsushika Hokusai y La noche estrellada de Vincent van Gogh utilizan este pigmento. Incluso ya en el siglo XX, el famoso periodo azul de Pablo Picasso, tiene al Prusia como el absoluto protagonista.
Sorprendentemente, uno de los usos más interesantes de este azul se encuentra en el campo de la medicina. Este colorante es uno de los incluidos en la lista de Medicamentos Esenciales de la OMS, ya que es un antídoto muy efectivo para las intoxicaciones por metales pesados y radiación. Sin embargo, también guarda un macabro secreto, ya que igual que tiene un efecto curativo, cuando se mezcla con ácido sulfúrico se convierte en uno de los venenos más poderosos del mundo: el cianuro.
Catástrofes médicas aparte, existe una tonalidad de azul que se ha convertido en el icono más reconocible de la moda y el arte y que tiñó gran parte de la segunda mitad del siglo XX. Un color intenso, casi eléctrico, al que no le hace falta presentación: el azul Klein.
Anthropométrie (Ant 5), 1962, de Yves Klein.NANI GUTIÉRREZ
El pintor francés Yves Klein registró el International Klein Blue (IKB) en 1960, desarrollado en colaboración con Edouard Adam, un proveedor parisino de pintura. La singularidad de este color no se encuentra en el pigmento, sino en el aglutinante de resina sintética en el que se mezcla el mismo y que permite que esa intensidad vibrante se mantenga. Fascinado desde su infancia por el azul del cielo y del mar, Klein consideraba que su IKB era la expresión más perfecta posible del azul, su gran obra maestra, capaz de capturar lo infinito, y es por ello que lo convirtió en su marca más reconocida y reconocible. Codiciado por artistas visuales y marcas de todo el mundo, es un azul prohibido, ya que para usarlo hay que pedir permiso a la viuda del pintor y gestora de su legado, la artista Rotraut Klein-Moquay.
Una serie de cuadros monocromáticos de Yves Klein, en los que usó el color que él mismo creó, expiertos en la Tate Liverpool en 2016.PETER BYRNE (PA WIRE/PA IMAGES / CORDON PRESS)
Hay colores que se han convertido en la seña de identidad de una marca, como el rojo de Coca-Cola o el naranja de la compañía de telecomunicaciones Orange. Las marcas saben del inmenso poder de asociación y conexión con sus productos y, por eso, muchas son dueñas en exclusiva de sus colores más característicos.
El rosa Barbie está registrado por Mattel y en 2012 lanzó una de sus muñecas vestida con su Pantone 219C. Por su parte, la casa de joyas Tiffany’s tiene el copyright sobre su cinematográfico azul turquesa, el pantone 1837C, también llamado Tiffany Blue, y que utiliza ese número en homenaje al año de fundación de la empresa.
Tampoco se escapan los grandes de la moda, como el diseñador de zapatos Christian Louboutin y sus suelas rojas, que son objeto de culto y fetichismo. Él registró la tonalidad en el año 2008, y desde entonces es objeto de discordia entre marcas que copian su estilo. Esto le ha costado varios pleitos por violación de derechos y plagio en Europa y Asia, que hasta ahora Louboutin gano, erigiéndose como único productor de suelas carmesí en el mundo.
Una de las piezas de la exposición ‘L’Exhibition(niste) Chapter II’ en Mónaco, del diseñador Christian Louboutin.JAMES D. KELLY
El icónico modelo ‘Pensée’ de Christian Louboutin que Carolina de Mónaco lució en el Baile de la Rosa en 1995.JEAN-VINCENT SIMONET
Una fila de zapatos, con la icónica suela roja, de Christian Louboutin que se exhiben en ‘L’Exhibition(niste) Chapter II’.JAMES D. KELLY
Unos zapatos Louboutin.CORDON PRESS
Pero hay un color que, sin duda, se lleva la peor partida de todos los que existen, y que ha sido calificado como el más feo del mundo.
Siete estudios diferentes corroboran que el pantone 448C, una mezcla de marrón oscuro con gris verdoso, es la tonalidad menos agraciada. En 2012, una agencia contratada por el Gobierno australiano inventó esta gama para utilizarla en las cajetillas de tabaco y crear rechazo a fumar. La agencia GFK en esa investigación, confirmó su éxito, ya que los participantes afirmaban que era poco atractivo, sucio y sin adjetivos positivos y no les invitaba a coger un cigarrillo. Sin embargo, un pequeño porcentaje lo calificó como “elegante”, porque claro, para gustos, colores.
El blog de Ila Basmati 